La Monja II ha sido un éxito desde su estreno el pasado 9 de septiembre, esta película hace parte del mundo cinematográfico de El Conjuro y su descripción dice que es la historia más tenebrosa de este universo. La Monja II se sitúa en Francia en los años 50 y sigue la historia de la hermana Irene quien tiene visiones acerca de los males que hace Valak, la monja del demonio. La película ronda en torno también a la historia de Santa Lucía, la patrona de la visión. Según La Monja II "la familia de Santa Lucía le robó los ojos y se dispersó porque no moriría si le prenden fuego. El bibliotecario sugiere que el demonio está matando a los descendientes de Santa Lucía porque quiere una antigua reliquia, los ojos, que se supo por última vez que estaban almacenados en un monasterio, que se revela como un internado en la actualidad".Hay similitudes entre la historia de la película y la leyenda de Santa Lucía, aquí le dejamos las distintas versiones que hay del mito de la patrona de la visión.Cuenta la leyenda de Santa Lucía que la madre enferma de Lucía la ofreció en matrimonio a un joven pagano y ella, para librarse de esa unión persuadió a su madre a que rezara en la tumba de Águeda de Catania y así podría sanarse. Su mamá fue curada. Lucía, entonces, pidió liberarse del compromiso y su madre aceptó pero, no el joven que la denunció al Procónsul Pascasio debido a que era cristiana, en tiempos del emperador Diocleciano. El martirio de Lucía no está atestiguado por fuentes contemporáneas o inmediatamente posteriores a la persecución de Diocleciano, sino por relatos hagiográficos. El más antiguo de estos relatos es un martyrion griego, y su redacción latina correspondiente es al menos un siglo más tardía.Cuando Lucía fue arrestada bajo la acusación de ser una cristiana, Pascasio le ordenó que hiciera sacrificios a los dioses. Entonces Lucía dijo: "Sacrificio puro delante de Dios es visitar a las viudas, los huérfanos y los peregrinos que pagan en la angustia y en la necesidad, y ya es el tercer año que me ofrecen sacrificios a Dios en Jesucristo entregando todos mis bienes". Irritado Pascasio, ordenó a sus soldados a que la llevaran a un prostíbulo para que la violaran y luego se dirigió a Lucía diciéndole: "Te llevaré a un lugar de perdición así se alejará el Espíritu Santo". Los soldados la tomaron para llevársela, la ataron con cuerdas en las manos y en los pies, pero por más que se esforzaban no podían moverla: la muchacha permanecía rígida como una roca. Al enterarse de lo sucedido, Pascasio ordenó someterla a suplicio con aceite hirviendo, pero no logró hacerla desistir. Condenada a ser martirizada, antes de morir profetizó su canonización y su patronazgo como protectora de Siracusa, junto con la caída de Diocleciano y Maximiano.El relato griego —que data del siglo V— y el relato latino —datado del siglo VI al VII— son idénticos en lo fundamental, aunque difieren en algunos detalles finales: según el martiryon griego Lucía fue decapitada, en tanto que según la passio latina, fue martirizada por uno o varios golpes de espada.Hay tantas historias sobre los ojos de Santa Lucía. Sabemos que es la patrona de la vista. La relación entre Lucía y los ojos, que hace de esta santa la protectora de la vista, se explicita en la iconografía de la Edad Media y deriva quizá de la cercanía etimológica del nombre griego «Lucía» con el término latino lux (luz). Existe la leyenda de que fue la belleza de los ojos de Lucía la que no permitía descansar a uno de sus pretendientes, por lo que ella se los arrancó y se los envió. Lleno de remordimiento e impresionado por el valor de Lucía, el pretendiente se convirtió al cristianismo. Una leyenda medieval decía que, cuando Lucía estaba en el tribunal, aun sin ojos, seguía viendo. Otra versión afirma que el procónsul Pascasio ordenó a sus soldados que le arrancaran los ojos a Lucía, pero luego de que lo hicieron, Dios le concedió unos nuevos ojos aún más hermosos que los que tenía antes.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En esta conversación con la embajadora de Suecia en Colombia, Helena Storm y con Sandra Bernal, agregada cultural, hablamos sobre la tradición de Santa Lucía en Suecia, lo que significa para los habitantes del país nórdico y cómo Colombia es un lugar central en el mundo para esta celebración.
La celebración de Santa Lucía se basa, sobre todo, en la procesión que hace la santa acompañada de sus doncellas, niñas y niños vestidos de Papá Noel, galletas de jengibre y niños estrellas. En la celebración en Colombia dos lugares trascendentales en nuestra historia fueron los escenarios para la conmemoración de la luz. La Catedral Primada de Colombia y el Colegio Mayor de San Bartolomé fueron el epicentro de esta celebración tan importante para la identidad sueca. Estos lugares fueron escogidos gracias a las relaciones culturales de Suecia y Colombia. Este país nórdico se ha consolidado en nuestro país como un socio sostenible importante en el desarrollo de acciones conjuntas en favor de la construcción de la paz. La Orquesta Filarmónica de Bogotá se une una vez más a esta celebración de Santa Lucía.
Recuerdo perfectamente los ojos espantados de mi abuela al ver los niños de la cuadra correr con la pólvora en las manos diminutas. Cuando tenía seis años la vida parecía resuelta, mis papás cumplían con la tradición de comprar las velas y salir al andén para prenderlas, la voz suave de mi madre me enseñaba a dar gracias por cada una de las velas que comenzaban a derretirse. Oraba un Ave María entre dientes tratando de recordar que decía la oración, todo lo que sabía era que las velas que iluminaban mi cuadra eran para dar gracias y pedir deseos o pedir amparo de Dios. Usualmente prendíamos una por cada persona de la familia, siempre mi mamá primero y mi papá ayudaba a que no nos quemáramos. El ruido de las demás casas a veces interrumpía la plegaria de mi abuela que juntaba sus manos como las imágenes de la Virgen María. La tradición continuó todos los años, mi hermana y yo aprendimos a hacer un resguardo para las velas con cartón porque el viento hacía de las suyas y las apagaba, solía pensar que era porque mis deseos y mis agradecimientos no eran lo suficientemente fuertes para mantenerse, pero el frío de Bogotá simplemente hacía su trabajo. Cuando mis abuelos murieron mi mamá decidió encender una vela por ellos, decía que podían ver su luz desde el cielo, así que espero cada 7 de diciembre vean que aún conservamos el calor de sus abrazos en esa muestra minúscula de luz. Dicen que el día de velitas no se hace en ningún otro lugar y creo que por eso lo hace tan especial, es el comienzo de la felicidad momentanea de diciembre, son las ganas de comer todo lo que no hemos comido en el año y nos hace recordar con nostalgia cada una de las personas que ha plantado una luz en nuestra vida. La luz de esas velas ha sido para mí el recuerdo de aquellos que nos dejaron pronto y de quienes lo hicieron en el momento correcto, es también el fervor con el que mi madre le pide a Dios por un año mejor y el abrigo que resguarda la vida del peligro, es también la esperanza que queda en cada uno de nosotros quienes esperamos por una chispa de luz en la oscuridad del mundo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cubismo, un movimiento artístico revolucionario que se originó a principios del siglo XX, transformó la manera en que percibimos y representamos el mundo visual. Esta corriente, impulsada por la exploración de la geometría y el análisis de las formas tradicionales, desafió las convenciones artísticas establecidas y sentó las bases para la evolución del arte moderno.El cubismo surgió en el contexto del cambio cultural y tecnológico de principios del siglo XX, donde la fotografía y la cinematografía comenzaban a cuestionar la necesidad de la representación pictórica realista. Pablo Picasso y Georges Braque, considerados los padres fundadores del cubismo, llevaron a cabo una revolución artística al alejarse de la representación visual convencional y abrazar una forma más abstracta y conceptual de expresión.El cubismo se caracteriza por la representación simultánea de múltiples perspectivas y el análisis de las formas en planos geométricos. Los artistas cubistas buscaban capturar la esencia de un objeto desde varios ángulos a la vez, desafiando así la percepción tradicional del espacio y el tiempo en el arte.El cubismo evolucionó a lo largo de varias fases distintas:Cubismo Analítico (1908-1912): En esta fase inicial, Picasso y Braque descompusieron las formas en fragmentos geométricos, utilizando una paleta de colores limitada y formas más angulares.Cubismo Sintético (1912-1914): Se caracteriza por la reintroducción de elementos figurativos en las obras cubistas, mediante el uso de collages y la incorporación de letras y números en la composición.Grandes Exponentes del CubismoPablo Picasso (1881-1973): Picasso, un titán del arte del siglo XX, co-creó el cubismo y personalizado un papel crucial en su desarrollo. Sus obras, como "Las señoritas de Aviñón" y "Guernica", son ejemplos destacados de la influencia del cubismo en la expresión artística y política.Georges Braque (1882-1963): Braque, colaborador cercano de Picasso, trabajó estrechamente con él durante la fase inicial del cubismo. Juntos, desarrollaron la técnica de la fragmentación y la representación simultánea de múltiples perspectivas.Juan Gris (1887-1927): Gris, otro destacado exponente del cubismo, aportó su propia interpretación al movimiento. Su enfoque meticuloso y su atención a los detalles se reflejan en obras como "Violín y Guitarra".El cubismo influyó no solo en la pintura, sino también en la escultura, la arquitectura y la literatura. Su legado perdura como un hito crucial en la historia del arte, desafiando las convenciones estéticas y abriendo el camino a nuevas formas de expresión.En conclusión, el cubismo es una manifestación artística que trasciende la mera representación visual para explorar la esencia misma de la percepción. A través de la experimentación con la geometría y la abstracción, los cubistas cambiaron para siempre la cara del arte y allanaron el camino para movimientos artísticos posteriores.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El dramaturgo y novelista noruego recibirá el Nobel el próximo domingo, con el resto de galardonados, pero la tradición establece que días antes pronuncien un discurso. Hoy fue el turno de Fosse (1959) con un texto en el compartió recuerdos de su vida y ahondó en su visión de la escritura.Fosse recordó que las felicitaciones que más le conmovieron cuando le concedieron el premio fueron las de personas que dijeron, “con franqueza”, que con sus escritos “les había salvado la vida”. En sus obras hay “muchos” suicidios y eso hacía temer al escritor que, con ello, pudiera haber contribuido a legitimarlo.“En un cierto sentido, siempre he sabido que escribir salva vidas, quizás incluso ha salvado la mía. Y si mi escritura también puede ayudar a salvar las vidas de otros, nada me haría más feliz”.Vestido de negro, con un pañuelo al cuello y el cabello largo y entrecano recogido en una coleta, comenzó su lectura tras una interpretación al piano de música de Bach, que también cerró el acto. En la Academia Sueca y ante decenas de invitados, narró que la primera vez que tuvo que leer en voz alta en el colegio escapó corriendo porque el miedo se apoderó del él.Un miedo a leer en alto través del cual entró en "la soledad, que es más o menos la vida de una persona que escribe" y ahí se quedó desde entonces. Fosse empezó a escribir pequeños textos y poemas para recuperar el lenguaje que le arrebataba el miedo, lo que le dio un “sentido de seguridad” y encontró un “lugar secreto” dentro de sí mismo, desde el que aún escribe.“Un lenguaje silencioso” fue el título del discurso, que conecta con la motivación de la Academia Sueca para concederle el galardón: “por sus innovadoras obras de teatro y prosa que dan voz a lo indecible".En su primera etapa de prosa y poesía trató de escribir lo que normalmente “no puede decirse con palabras”, pues “las cosas mas importantes en la vida no puede decirse, solo escribirse”. Por eso, intento dar palabras al "habla silenciosa”, dijo Fosse, autor intimista, reflexivo y minimalista, cuya obra innovadora y difícil de catalogar le ha hecho casi inventar nuevas formas literarias.El escritor pudo usar ese “habla” de una forma completamente diferente en el teatro, genero en el que comenzó con “Alguien va a venir” (1996), su primera obra y aún la más representada. Todo lo que tenía que hacer era escribir “pausa”, palabra que es la más usada en su teatro -dijo-. A través de esos intervalos lo que más habla “es el silencio”.El teatro le dio “un gran sentido de felicidad y seguridad”, ver sus obras representadas era lo opuesto a la soledad del escritor, era “compañerismo”, crear “arte compartiendo arte”. Para Fosse, el teatro es “un gran acto de escucha” y el acto de escribir es "escuchar", cuando escribe no planea nada y procede escuchando.Tras unos quince años escribiendo teatro sintió que “ya era suficiente” y volvió a la narrativa, donde había comenzado en 1983 con “Rojo, Negro”. Un género en el que detrás de lo escrito hay también un “lenguaje silencioso” que debe ser expresado.Ese lenguaje silencioso -destacó- habla desde “el espíritu de la totalidad de una obra”, ya sea teatro o narrativa, y si se oye lo suficientemente cerca, “escuchas el silencio. Y se ha dicho que solo en el silencio se pude oír la voz de Dios”.Su vuelta a la narrativa fue con 'Trilogía' (2014) y después llegaría 'Septología' que le proporcionó algunos de sus “momentos más felices como escritor”. Esta es una de la obras, junto a "Un día de verano" (1999) y "Mañana y tarde' (2022) de las que se leyeron unos fragmentos tras el discurso del nuevo nobel.Fosse, que no escribe para expresarse a sí mismo sino para “huir” de sí mismo, aseguró que si no escuchó las malas críticas en sus inicios y mantuvo la confianza en sí mismo, tampoco habría podido dejar que el éxito le influyera. “Me agarraría rápido a mi escritura, aguantaría, me aferraría a lo que había creado”. “Creo -aseguró- que eso es lo que he conseguido hacer, y realmente creo que seguiré haciéndolo incluso después de haber recibido el Premio Nobel”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La senadora vitalicia y superviviente de Auschwitz Liliana Segre, la encargada de presidir la función en ausencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, fue recibida con una fuerte ovación al llegar al Palco Real, donde la acompañaron el presidente del Senado, Ignazio La Russa, y el alcalde de Milán, Beppe Sala.Antes del inicio de la ópera, el superintendente de La Scala, Dominique Meyer, celebró con el público del famoso templo de la ópera la declaración del canto lírico italiano como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, unas palabras que fueron aplaudidas por los asistentes.Junto a Almodóvar y Smith también pudo verse en una Scala especialmente embellecida a la cantante italiana Ornella Vanoni, la mítica soprano Raina Kabaivanska, el arquitecto Stefano Boeri y la estrella italiana de la danza Roberto Bolle, entre otros rostros conocidos.El 7 de diciembre es una cita imperdible para cualquier amante de la lírica: además de en Italia, el "Don Carlos" de Lluis Pasqual llegará a otros países en directo televisivo como Austria, Bélgica, Francia, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Portugal, República Checa e incluso Japón, y en otros lugares como España y América Latina podrá verse en cines.Será un espectáculo de evocación hispana, no solo porque el "Don Carlos", adaptación de la tragedia de Friedrich Schiller, habla del enfrentamiento ficticio entre Felipe II y el infante Carlos, sino porque Pasqual se inspiró en Castilla para su puesta en escena.Este día de San Ambrosio, patrón de Milán, está consagrado a la ópera y ya se prueba la pantalla gigante desde la que se puede seguir la "Prima" en la Galería Vittorio Emanuele desde la calle, resistiendo al frío.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Casa Museo Quinta de Bolívar se ha venido consolidando como un espacio de intercambio de saberes, construcción de memorias locales y procesos colectivos de creación artística gracias a proyectos de formación con enfoque artístico, social y medioambiental.De esa línea de acción nació Rompiendo el molde. Este proceso de formación artística, en el que mujeres de diferentes localidades de Bogotá confeccionaron un corsé y lo intervinieron para contar sus historias y reflexiones en torno a la feminidad y los roles y expectativas de género; contó con siete sesiones realizadas entre el 16 de septiembre y el 11 de noviembre del 2023. Cada una de ellas tuvo un componente teórico, en el que se exploraron los roles femeninos en la Nueva Granada durante el período colonial y republicano, una conferencia sobre cultura libre de sexismo en Bogotá y un componente práctico en el que se instruyó el patronaje, corte y ensamblado de la prenda.En cada encuentro, además, hubo espacios para socializar reflexiones e historias de cada participante y sus intenciones con la pieza que confeccionaron. Esta metodología fue construida en conjunto con la Secretaría de la Mujer de Bogotá, aliado estratégico y asesor para la integración de un enfoque de género en el proceso.Por otra parte, la exposición, producto de las diferentes sesiones realizadas, estará compuesta por tres capítulos con los cuales se hizo una agrupación temática de los corsés que serán exhibidos:El corsé. Una prenda con historia: Lo que inició como una prenda de moda entre la realeza francesa en el siglo XVI, se fue adoptando en las sociedades occidentales como un símbolo de clase, feminidad y buena educación. Si bien su uso como prenda diaria decreció en Occidente a mediados del siglo XX, hoy en día sigue estando sujeta a experimentación artística y ha sido comúnmente adoptada en estéticastransgresoras y obras con mensajes críticos sobre la feminidad y los roles de género.En Rompiendo el molde, las participantes tienen la oportunidad de reinterpretar y recontextualizar al corsé al confeccionarlo de manera que refleje sus propias intenciones.Expresión: El vestuario no es sólo una forma de proteger el cuerpo del clima y los entornos agrestes. También es una forma de expresión de clase, género, etnia y, recientemente, ha servido para la expresión individual: el poder destacarse entre los demás. En Rompiendo el molde, la capacidad comunicativa del vestuario es aprovechada por las autoras para narrar historias personales o reflexiones sobre su contexto y la sociedad.Control: Con la moda también se ejerce control. Durante siglos, las normas y leyes sobre la vestimenta han sido una forma de controlar la apariencia de los integrantes de una sociedad de acuerdo a los estándares vigentes de su respectiva época. En Rompiendo el molde, el control se evidencia como uno ejercido a través de imaginarios que cada mujer ha proyectado sobre sí misma y que les ha dictado el “deber ser” de una mujer, una madre o una esposa. La idea de control también se manifiesta como aquellas condiciones materiales hostiles para ellas como trabajadoras o campesinas, y como violencias ejercidas sobre ellas o sus allegadas.La muestra dialogará con imágenes de apoyo de algunas obras de la colección del Museo de la Independencia Casa del Florero y estará abierta en los horarios habituales del museo, de martes a domingo, 9:00 a.m. - 5:00 p.m.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.