Para celebrar tres décadas de El Nervio del Volcán, un disco que cambió la historia de la música latinoamericana, Caifanes vendrá a Cali, Bogotá y Medellín los próximos 1, 3 y 4 de mayo de 2024. Luego de shows agotados en 2019 y 2022, y una presentación delirantemente apasionante en el Festival Cordillera 2022, la banda mexicana liderada por el mítico Saúl Hernández vuelve a su segundo hogar, Colombia en una gira con tres fechas. Este miercoles 1 de noviembre se iniciará con la preventa para clientes de los Bancos Aval y dale!. El 29 de junio de 1994 salió al aire El Nervio del Volcán, el disco que consolidaba a Caifanes de manera definitiva en el panteón del rock latino con himnos chamánicos como “Afuera”, “Aviéntame”, “Ayer me dijo un ave” y más."Los conciertos son momentos de vida, rituales y ceremonias y Caifanes los va a defender hasta el día que estemos muertos, es nuestro elemento para compartir la realidad de nuestras vidas", afirmó Saúl Hernández en 2020 para Radiónica. La ceremonia que prepara esta cofradía mexicana de chamanes roqueros será la celebración de las tres décadas de un disco fundamental para la idiosincrasia latinoamericana: El Nervio del Volcán. Igualmente, los shows de Caifanes en Cali, Bogotá y Medellín también serán, como siempre, rituales musicales para el alma himnos sagrados como “Nubes”, “Viento”, “No dejes que”, “La célula que explota”, entre otros.Caifanes y Colombia han solidificado una relación en los últimos años y los días 1, 3 y 4 de mayo de 2024 lo revalidamos con tres únicos conciertos en nuestro país: en el Centro de Eventos Valle del Pacífico de Cali, en el Movistar Arena de Bogotá y en La Macarena de Medellín.La preventa exclusiva para los clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y dale! desde el 1 de noviembre a las 9:00 am hasta el 3 de noviembre a las 8:59 am, o en la Venta General a partir del 3 de noviembre a las 9:00 am con todos los métodos de pago en TuBoleta (Bogotá), Taquilla Live (Medellín) y Taqui (Cali).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La legendaria banda de rock The Rolling Stones lanzó su primer álbum en casi dos décadas y amplía así una larga historia marcada, entre otros, por estos datos y momentos.Los inicios de la leyenda12 de julio de 1962: una joven banda llamada "The Rollin' Stones" da su primer concierto en el Marquee Club, uno de los locales de jazz más importantes de Londres.1964: su primer álbum, "The Rolling Stones", es un gran éxito en Gran Bretaña.1965: Sale "(I Can't Get No) Satisfaction", escrito por Mick Jagger y Keith Richards, y catapulta a la banda a la fama mundial. Desde entonces, la canción ha sido ampliamente resonada por otros artistas, desde Aretha Franklin hasta Britney Spears.Al filo de la ley1967: tras una incautación de anfetaminas en casa de Richards, él y Jagger reciben penas de prisión que luego son anuladas tras una protesta popular.3 de julio de 1969: el guitarrista Brian Jones, uno de los miembros fundadores de la banda con antecedentes de consumo de drogas, se ahoga en su piscina a los 27 años, poco después de que la banda lo despidiera.6 de diciembre de 1969: un adolescente es asesinado a puñaladas durante un caótico concierto gratuito encabezado por los Stones en Altamont, California. Se considera que el espantoso asesinato, captado por las cámaras, simboliza el fin de los años 60 de "paz y amor".Los famosos labios carnosos1970: un estudiante de diseño de Londres crea el logo de los Rolling Stones con labios rojo rubí para el cartel de la gira europea de la banda. Continúa convirtiéndose en uno de los más reconocibles en la industria de la música, apareciendo a lo largo de los años en innumerables recuerdos de la banda. En 2008, el Victoria and Albert Museum compra los dibujos originales.1985: Jagger lanza un álbum en solitario "She's the Boss", lo que provoca una guerra entre el cantante y Richards, quien dice que debería centrarse en la banda. Richards responde con su propio disco en solitario "Talk is Cheap" (1988).Rolling Stones y el beso corporativo1995: Microsoft paga varios millones de dólares por los derechos de uso de la canción de los Stones "Start Me Up" para la primera campaña publicitaria de Windows.8 de febrero de 2006: más de un millón de fans se agolpan en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro, para un concierto gratuito durante la gira del grupo "A Bigger Bang".25 de marzo de 2016: los Stones se convierten en la primera banda occidental que actúa con un concierto gratuito en La Habana.2022: celebran su 60 aniversario con una gira por toda Europa, pero sin el baterista Charlie Watts, fallecido en 2021.20 de octubre de 2023: lanzamiento de su nuevo álbum "Hackney Diamonds" con una variedad de estrellas como Lady Gaga, Paul McCartney, Elton John y Stevie Wonder.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La agrupación está integrada por 46 talentosas artistas bajo la dirección de Paola Ávila, se suma a El Rito de Soda Stereo para realizar un concierto inolvidable en el que brillarán la voz de Cristóbal Micaly, el bajo de Julio César Maldonado, la guitarra de Luis Peláez, el teclado de Luis Fernando Garcia, los coros de Andrés Gálvez y la batería de Juan Pablo Gálvez, quienes se han encargado de pulir el repertorio del exitoso ‘power trio’ argentino conformado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.Con arreglos de Edwin Rojas y Juan Felipe Naranjo, la Orquesta Filarmónica de Mujeres, una de las agrupaciones de la Red de Orquestas de la Filarmónica de Bogotá y del Programa de Formación Musical, participa en una versión sinfónica de estos clásicos que no pasan de moda.Orquesta Filarmónica de MujeresLa Orquesta Filarmónica de Mujeres es un proyecto que convoca a mujeres para que puedan dar continuidad a su formación musical, vivir la experiencia orquestal y de esta manera ejercer su excelencia en distintos formatos instrumentales de orquesta y de cámara. Se trata de una agrupación que es un reconocimiento a las mujeres que, a lo largo de la historia, han sido intérpretes, compositoras y directoras en el mundo de la música clásica.En el mundo existen pocas agrupaciones de música clásica conformadas únicamente con mujeres, dentro de las que se destaca la reconocida Orquesta de Cámara de Mujeres de Austria (Viena), la cual fue dirigida por la maestra Carmen Moral, quien fuera directora titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá entre los años 1988 y 1991. Proyectos como este se han diseñado de forma intencional para potenciar la aproximación estética y la sensibilidad expresiva de las mujeres en un universo que aún sigue siendo mayoritariamente masculino.La Orquesta Filarmónica de Mujeres de la Orquesta Filarmónica de Bogotá se constituye como la primera agrupación con estas características en Colombia, lo que la convierte en una Orquesta que nació para quedarse y trascender en el tiempo.Paola Ávila, directora titular (Colombia)Directora orquestal y coral apasionada por la educación y transformación social a través de la música. Se desempeña como Docente de Teoría en la Fundación Universitaria Juan N Corpas y en el Departamento de Música de la Universidad de los Andes. Fue ganadora del Fellowship en Dirección Orquestal con Chicago Sinfonietta durante la temporada 2018-2019.También obtuvo el Conducting Fellow con la Orquesta Sinfónica de Miami y directora líder en OrchKids, programa educativo de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, USA. Obtuvo su Maestría en Dirección Orquestal en Peabody Conservatory - Johns Hopkins University, bajo la tutoría de Marin Alsop. Trabajó con los directores Paavo Järvi, Neeme Järvi, Gennady Rozhdestvensky, Cristi Macelaru y Markus Stenz, entre otros. Actualmente se desempeña como directora de la Orquesta Filarmónica de Mujer.Única presentación de Soda Stereo Filarmónico (El Rito de Soda Stereo) el viernes 27 de octubre a partir de las 8:00 p.m. en el Movistar Arena. Entrada con boletería.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad - Sui GenerisCharly y Nito fueron alguna vez rivales. En el colegio cada uno tenía su grupo. García conoció a Carlos Alberto Mestre cuando este se acercó a hablarle, sobre el suceso Nito Mestre comenta: “este es el de la otra banda, entonces, debo conocer de qué se trata, me acerqué y encontré a Charly, obviamente nos pusimos a hablar enseguida, porque en teoría era la banda rival. Inmediatamente nos hicimos amigos”. Juntos decidieron crear un grupo, ya no competían por ser la banda más reconocida en el colegio. Charly y Nito, se articularon. Al terminar el secundario, el grupo se había organizado bajo el nombre de Suis Generis, aunque por la partida de varios de sus integrantes, el Sui Generis se redujo a los dos rostros que emblema: Charly y Nito. En 1972 se materializa su primer disco titulado “Vida”, gracias al contacto con el músico Billy Bond y “La pesada del rock and roll”. “Grabaron un gran disco, con una hermosa canción: hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad. Un maravilloso tango, hecho en tiempo de rock y vendieron un millón de discos.” Asegura Billy Bond productor musical de Sui Generis en 1993.Los días 2, 3 y 16 de noviembre de 1972, realizó la Tercera edición del Festival B.A Rock donde casi desde el anonimato Sui Generis hizo un concierto. Enseguida captaron la atención de la juventud. Marcó la adolescencia de los jóvenes del 70 por cantar los acontecimientos que sucedían de una forma que nadie lo había hecho. Sergio Merchi exclamó “Era como las cosas que los adolescentes que éramos más rockeros, nos empezábamos a cuestionar en los años 70. El colegio, todo es una rutina, todo tiene que ser gris y tenemos que seguir la vida de nuestros padres.”De la sencillez a la complejidad musicalCon el paso de los años, la sencillez musical de Sui Generis trazó un camino de complejidad que incluía crudeza en el campo musical y lírico, es el caso del disco “Confesiones de invierno”. En el tercer disco, se refleja la llegada de la tecnología a manos de Charly García. En “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones” García emplea teclados que no se encontraban en Argentina, lo que hizo del disco un rock progresivo y sinfónico. Según Sergio Marchi, este nuevo giro en la música de Charly y las demandas del público por un estilo más sencillo, hizo que Charly se sintiera frustrado y terminara la banda. Para Charly, con el tiempo, significó una de sus mejores decisiones: “creo que fue una de las decisiones más inteligentes que tomé en mi vida. Porque ya no era lo que era antes. Porque no daba para cambiarlo y porque de alguna manera provocó un fenómeno que fue la despedida de Sui Generis y todos esos mega conciertos. Creo que fue piola y Nito también está de acuerdo.” Sui Generis se separa en 1975 con tres discos editados y publicado; un doble concierto en el Estadio de Luna Park en Buenos Aires, el resultado de la separación dio como resultado una película y dos discos “Adiós Sui Generis”.La máquina de hacer pájaros, la Dictadura Militar Argentina y BrasilCon La Máquina de Hacer Pájaros contó con la presencia de Oscar Moro, Carlos Cutatai, Gustavo Nazterriza, José Luis Fernández y Charly García, todos exmiembros de las bandas más importantes y significativas hasta ese momento en Argentina. Grabaron dos discos que no tuvieron acogida en el país, sólo años después se reconoció la importancia de esta banda, que como indicaba Charly García “pretendía ser el Yes del subdesarrollo”.La Dictadura Militar Argentina provocó un alto en la carrera de Charly García y su instalación temporal en Brasil, allí, comenzó a idear un nuevo proyecto musical en el cual quería la participación de David Lebón, el nacimiento de Serú Girán.Quién sabe Alicia éste país - Serú GiránEn 1978, Charly García co-fundó la banda de rock Serú Girán junto a otros músicos destacados como David Lebón y Pedro Aznar. En medio de la Dictadura Militar Argentina que moderaba culaquier presentación o manifestación artística Serú hacía un frente desde la música por medio de metáforas. “Serú es como esos medios días de verano que te acordás de la infancia, que decís, qué barbaro” manifestó el bajista Pedro Aznar en 1997. En concordancia, Charly “para mi Serú es el paraíso, no sé si existe, pero es un lugar donde todo está bien. Es un lugar donde pueden caber cuatro o 100 mil o 200 mil. Pero donde no hay violencia, donde no hay injusticia, y es un lugar donde para entrar hay que tener cierta responsabilidad”. La banda fue un éxito inmediato y produjo una serie de álbumes influyentes.1982, Charly solista el no retornoDespués de Serú Girán, García empezó sus proyectos como solista y desde ese momento, no existió un retorno a trabajos con bandas. Charly llevo adelante su vida y su carrera. Creando genialidades junto a una reinvención constante. La situación política de su país afectó a Charly García en varios momentos. En el marco de la Guerra de las Malvinas se inspiró para crear dos discos. El primer disco como solista fue “Yendo de la cama al living”. Junto a la música, García acompañó presentaciones en vivo desafiantes, así lo recuerda Renata Schusseim escenógrafa de Charly García: “en el Estadio Ferro de 1982, lo del disparador de Charly que era un disparador que destruía todo, llamé a Juan Lepes, para hacer esa escenografía. Todo era un delirio porque no se probaba antes de, todo se hacía el mismo día de la función.”En 1983 Charly estuvo muy arriba dando cuenta de una explosión creativa de ese momento. Para Fito Paez, Charly es un pilar en la música, lo definió como un John Lennon latino “me parece que es un tipo que comprende las grandes ideas del inconsciente colectivo, Charly las condensa en todo lo que hace, y eso, precisamente es lo que lo diferencia del resto.” Junto a esto, Charly retrataba el país con humor, “es un tipo que siempre dio en clavo con humor, en un país que no tiene humor. Esto hace parte del encantamiento que produce Charly García”, complementó Paez en 1997.Aveces estoy tan bien, estoy tan downEn 1987 realiza su primera gira internacional que fue un éxito. La rigurosidad para componer y crear música ha sido un rasgo característico de Charly García, esto hacía que renovara su banda permanentemente. “Llevamos 20 horas ensayando. Es sin fin, es tremendo, pero está bien, es un obsesión, o sea un disco dura un mes, mes y medio, salgo del estudio y sigo componiendo” expresaba García en 1989.A lo largo de su carrera, Charly García ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2019.Intensidad. Charly García es un hombre que no conoce los puntos medios. Todo en él es intenso. Es un músico atento a otros músicos. Creó canciones que supo compartir. Charly es uno de los más grandes del continente y del mundo. Charly oído absoluto. Charly excesos. Charly García que unas veces está tan bien y otras tan down. Charly García siempre supo que no servía vivir para sufrir.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
"Clics modernos" (1983)El álbum Clics Modernos, lanzado en 1983, es considerado una obra maestra de la música en español y un hito en la carrera de este influyente músico argentino. Este disco se destacó por su innovación musical y lírica en un momento en que la escena musical argentina estaba experimentando una transición hacia el rock y la new wave. El álbum incorpora una variedad de influencias musicales, desde el rock hasta la música electrónica y experimental. Charly García utilizó sintetizadores, cajas de ritmo y otros elementos tecnológicos para crear un sonido vanguardista y futurista."Piano Bar" (1984)Lanzado en 1984, este álbum es un trabajo significativo en la carrera de este destacado músico argentino. A diferencia de algunos de sus álbumes anteriores que incluían elementos más experimentales y electrónicos, "Piano Bar" se centra en un sonido más íntimo y en las habilidades pianísticas de Charly García. Como su nombre sugiere, "Piano Bar" se caracteriza por un enfoque notable en el piano. Charly García demuestra su virtuosismo en el teclado a lo largo de todo el álbum, creando hermosas composiciones de piano que destacan por su emotividad y profundidad."Cómo conseguir chicas" (1989)El álbum "Cómo conseguir chicas" de Charly García es uno de los trabajos más destacados de su carrera y fue lanzado en 1989. Este álbum se caracteriza por su mezcla de estilos musicales y su lírica introspectiva. Este disco presenta una amplia variedad de estilos musicales. Charly García fusiona elementos de rock, pop, new wave y música electrónica en este álbum. Esto da como resultado una experiencia auditiva diversa y emocionante."La hija de la lágrima" (1994)Este álbum publicado en 1994 destaca por su enfoque experimental y su innovación musical. Charly García utiliza una amplia variedad de instrumentos y elementos electrónicos para crear un sonido vanguardista y único. Las letras de las canciones son líricas profundas y a menudo poéticas. Charly aborda temas variados, desde el amor y la soledad hasta la política y la sociedad, lo que agrega una capa de significado a la música."Random" (2017)Lanzado en 2017, Random marcó el regreso de García con nuevo material después de varios años. Este álbum recibió mucha atención y elogios tanto de los fanáticos como de la crítica, y representa una continuación de la carrera de Charly García como músico y compositor. Random presenta un sonido moderno y experimental, lo que muestra que Charly García sigue siendo un innovador en la música. Incorpora una variedad de elementos musicales, desde el pop y el rock hasta la música electrónica, fusionándolos de una manera característica.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hackney Diamonds" ("Cristales rotos" en argot inglés) es su 24º álbum de estudio y el primero con canciones originales en 18 años.¿Cuándo fue la última vez que esta icónica banda, que nació hace 61 años, lanzó un álbum honesto a juicio de la crítica? Las opiniones difieren. Para Philippe Manœuvre, crítico de rock francés y gran conocedor de la banda, hay que retroceder hasta 1978, con "Some Girls", que contenía el clásico "Beast Of Burden"."Desde 'Some Girls', los Stones han lanzado discos un poco apresuradamente", afirma este crítico en conversación con la AFP. Este nuevo álbum rezuma rhythm 'n' blues, pero sin alcanzar la altura de "Beggars Banquet" (1968), "Let it Bleed" (1969) o "Exile On Main St." (1972).La novedad más destacable, la participación de Paul McCartney, miembro fundamental de los Beatles, que toca el bajo por primera vez con los Stones en "Bite My Head Off".La supuesta rivalidad entre los Stones y los Beatles, una jugada de marketing, nunca existió realmente. Paul McCartney y John Lennon, de hecho, cantaron los coros en la canción "We Love You" de los Stones en 1967. "Paul y yo siempre hemos sido amigos", resume Mick Jagger a sus 80 años.Lady Gaga, Elton John, Stevie Wonder... La contribución de McCartney es evidente, al igual que la voz de Lady Gaga en "Sweet Sounds Of Heaven", con inspiración gospel, aunque sin alcanzar la estatura de la cantante de soul Merry Clayton, que prestó su voz a la joya "Gimme Shelter" en 1969."Angry" fue escogida como el primer sencillo del álbum, una canción de estribillo fácil.La presencia de Stevie Wonder en los teclados en "Sweet Sounds Of Heaven" es muy discreta, al igual que Elton John al piano en "Get Close" (donde se escucha más al saxofonista James King, un músico menos conocido). El toque de Sir Elton aparece de manera más evidente en "Live By The Sword".¿Por qué leyendas como Jagger y Richards han invitado a otras celebridades? Para Philippe Manœuvre, es una forma de volver a conectar con la "camarilla de músicos presentes en los grandes álbumes de los Stones, a la que se le llamaba el segundo círculo, como Gram Parsons de los Byrds en 'Exile On Main St.'".También se nota la influencia del productor Andrew Watt (Justin Bieber, Dua Lipa, etc.), quien convocó nombres destacados para el último álbum de Iggy Pop ("Every Loser"), como Duff McKagan (Guns N' Roses) o Chad Smith (Red Hot Chili Peppers)."Rolling Stone Blues" cierra el álbum, y es interpretado solo por Jagger y Richards. Es una versión convincente de "Rollin' Stone" (1950) de Muddy Waters, un regreso a sus raíces, cuando estos jóvenes músicos convivían y componían en su primer y desvencijado apartamento en Londres.Un momento emotivo para los fanáticos: en las canciones "Mess It Up" y "Live By The Sword", escritas en 2019, se puede oír la batería de Charlie Watts, el histórico miembro de los Stones fallecido en 2021 a los 80 años.En otras partes quien lleva las baquetas es Steve Jordan, que reemplazó al apacible dandy. "Cuando salgo de mi habitación, lo primero que veo es un retrato de Charlie en mi escalera, siempre le saludo", reveló Richards en "The Howard Stern Show" en Estados Unidos.Sin importar la recepción de este álbum, la longevidad de los Stones los ha consagrado en la historia. "Desde que era un niño, vivo en un mundo con sol, luna y los Stones", concluye Philippe Manœuvre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El esperado Rock Al Parque regresa al Simón Bolívar para llenarlo de nuevo de música y espectáculo, este evento reunirá del 11 al 13 de noviembre a los espectadores fanáticos de la música rock. "Con el pasar de los años, los Festivales al Parque se han convertido en uno de los programas más visibles e importantes, no solo del Idartes sino de la ciudad, que gracias al aporte que hacen, junto a diversas estrategias para el sector musical, permiten que Bogotá haga parte de la Red Unesco de Ciudades Creativas de la Música, con una escena cada vez más rica en creatividad y un abanico creciente de oportunidades para el desarrollo de las iniciativas musicales bogotanas", se menciona en un comunicado de la Alcaldía.Este año el festival estará dividido en tres escenarios: Escenario Plaza, Escenario Bio y Escenario Eco. El sábado 11 se presentarán: Thelemata, Tears Of Misery, Chemicide, No Dependiente, Agnostic, Ataque De Pánico, Eshtadur, In Flames, Mashkera, Munnopsis, Here Comes The Kraken, Konvent, Poison The Preacher, The Ocean, Info, Overkill, entre otros. El domingo 12 se presentarán: Ensamble Arsis, Southern Roots, Carolina Durante, Los Calzones, Sonido Gallo Negro, Salón Victoria, Lospetitfellas, Los Pericos, Desgobierno, Nonpalidece, Daniel, Me Estas Matando, La Real Del Sonido, Jenny Woo, Ana Curra, Los Suziox, entre otros artistas. Y finalmente el lunes 13 se presentarán: The Perro Boyz, La Banda Del Bisonte, Las Pastillas Del Abuelo, Javier Alerta, Armenia, Tijuana No Ima, Aterciopelados, Los Auténticos Decadentes, Los Outsaiders, Alto Grado, La Vida Boheme, El Kanka, Cabra y Julieta Venegas. Vea el cartel completo aquí:No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Slash, nacido en Londres como Saul Hudson, es una de las leyendas más enigmáticas del Rock&Roll y uno de los guitarristas más celebrados de todos los tiempos. Así lo ha registrado publicaciones como Rolling Stone, Time, Guitar World, Total Guitar, entre otras donde ha sido siempre finalista de los top históricos. Su pasado con Guns N´Roses y otros proyectos como Velvet Revolver y aventuras solistas han pavimentado una carrera cargada de éxitos, premios y millones de fanáticos. En 2022 visitó Colombia con su cofradía de Gunners en las dos fechas en El Campín, ahora su regreso será en un formato igual de salvaje pero más cercano y mucho más profundo cuando se presente el 26 de enero en el Chamorro City Hall de Bogotá. Este lunes 23 de octubre se iniciará con la preventa para clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y Av Villas) y dale!.“¡Gracias Bogotá, Colombia, por una fantástica segunda noche en tu increíble ciudad! Muy contento de estar de vuelta, ustedes son hermosos, ¡Gracias!”, escribió Slash en su cuenta de Twitter a la 1:14 del 13 de octubre de 2023. Un año después, se tendrá una nueva “fantástica noche” con sus míticos solos de guitarra, las canciones que ha protagonizado en sus más de 35 años de carrera y los sonidos que junto a Myles Kennedy & The Conspirators viviremos en su regreso a la “increíble ciudad” de Bogotá.La leyenda de la guitarra y el Rock&Roll vuelve a Colombia, Slash dará su único concierto en el país el 26 de enero de 2024 en el Chamorro City Hall de Bogotá. La preventa exclusiva para los clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y dale! serán los días 23 al 25 de octubre en Bogotá o en la venta a público general a partir del 25 de octubre con todos los métodos de pago en ETicket.co.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El esperado Rock Al Parque regresa al Simón Bolívar para llenarlo de nuevo de música y espectáculo, este evento reunirá del 11 al 13 de noviembre a los espectadores fanáticos de la música rock. "Con el pasar de los años, los Festivales al Parque se han convertido en uno de los programas más visibles e importantes, no solo del Idartes sino de la ciudad, que gracias al aporte que hacen, junto a diversas estrategias para el sector musical, permiten que Bogotá haga parte de la Red Unesco de Ciudades Creativas de la Música, con una escena cada vez más rica en creatividad y un abanico creciente de oportunidades para el desarrollo de las iniciativas musicales bogotanas", se menciona en un comunicado de la Alcaldía.Ya son casi 30 años que han transcurrido desde la realización del primer Rock al Parque, que en esta versión tiene como curadores musicales encargados a María Camila Rivas, Héctor Mora y Rodrigo Duarte.Después de tres años de ausencia debido a la pandemia mundial por la COVID-19, el festival de rock más grande de Latinoamérica regresó en el año 2022, con una masiva asistencia con más de 300 mil personas en el Parque Simón Bolívar. Además, en esta versión, por primera vez, se realizaron cuatro días de festival. Aquí están algunos de los invitados para esta edición del Rock Al Parque 2023.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Mi época preferida es esta, la de ahora, estoy cansado pero estoy contento", confiesa el cantante y compositor en una videollamada ofrecida a pocos días de presentarse en Ecuador y previo a hacer maletas para llevar a Centroamérica y México su "Andrés Calamaro Tour 2023".El intérprete de "Loco" explicó que junto a su banda se hallan en más conciertos y países que nunca, entre los que se incluye Estados Unidos, donde arrancará una gira el próximo 21 de octubre en Miami, para luego continuar en Tampa y Orlando, también en Florida, así como en Boston (Massachusetts) y finalmente en Nueva York."Tocaremos en la tierra mítica. Para mi generación, Estados Unidos es clave en cuanto influencias y riqueza cultural", aseveró el icónico músico, una de las figuras más influyentes del rock en español y que ha desarrollado su carrera entre su natal Argentina y España, país éste último donde acaba de culminar un trecho de 22 conciertos.El cantante es consciente de que, aunque todos son bienvenidos, la platea estará ocupada en su mayoría por el "exquisito" público latinoamericano, "el mejor, el que más corazón tiene, o por lo menos así lo demuestra", así como por "el éxodo argentino, liderado por Leo Messi", en alusión a la llegada el pasado verano del astro del fútbol al club de la MLS Inter Miami.El autor accidental Con una trayectoria de más de cuatro décadas en la música, durante la cuales grabó más de 30 álbumes, desde su primer disco "Hotel Calamaro" (1984), el argentino tiene en su haber cientos de canciones, cifra inimaginable para quien en sus comienzos ni se planteó la escritura y composición."Soy un autor accidental de canciones, en un grupo alguien tiene que escribir canciones para cantarlas y me tocó ser a mi", relató Calamaro, quien en la década de 1980 fue el tecladista del emblemático grupo argentino Los Abuelos de la Nada, donde se turnó la interpretación con el vocalista principal Miguel Abuelo. "Ahora cantar es casi mi oficio principal, intento hacerlo bien y con verdad", agregó el intérprete de "Flaca" y "Alta suciedad".A lo largo de su carrera ha tenido acercamientos con el tango, el bolero, el jazz y la música electrónica, pero el grueso de su cancionero se halla anclado en el rock, incluso durante su etapa con Los Rodríguez, el grupo que formó en España junto a Ariel Rot y que abrazó con éxito las palmas y guitarras flamencas.A la hora de poner la mirada hacia atrás en busca de sus discos o canciones emblemáticas destaca "Sin documentos" (1993), el segundo disco de esa agrupación y que, en sus palabras, "fue nuestro gol en la final de la Champions, nos transformó en un grupo medianamente exitoso y sigue siendo muy celebrado en los recitales".Desde este 2023, piensa en años que acaben con el número tres y recordó también que en 1983 Los Abuelos de la Nada editaron la canción "Mil horas", de rotundo éxito en América del Sur pero que "explotó en Centroamérica"; en 2013 publicó el álbum "Bohemio" y este año se juntó con el dúo argentino Miranda para el sencillo "Tu misterioso alguien".En el déficit de atención perdemos todosEstima que en la actualidad el rock goza de un redescubrimiento, se ha vuelto a poner de moda, aún cuando no se están publicando "los mejores discos de rock en español". "Es un buen momento, pero aclaro, no se están grabando más y mejores discos, porque la creación está en un momento disperso. Es muy difícil tener a un músico quieto sin que le suene el teléfono, y lo mismo para el público que escucha los discos. En el déficit de atención perdemos todos", aseveró.Calamaro, sin embargo, se muestra encantado de meterse al estudio cada vez que puede y más si es para grabar con las nuevas generaciones de músicos, como es el caso del español C. Tangana, "un artista súper completo dentro y fuera de la música", como dijo, y con quien grabó en 2021 la canción "Hong Kong".El sencillo a la postre le otorgó uno de los cinco premios Latin Grammy que ha acumulado durante su carrera, entre muchos otros galardones. "Cuando yo empecé lógicamente toqué con músicos curtidos para experimentar y aprender. Si ahora me toca a mí ser el más viejo, alegría", señaló. EFENo olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hablamos con la docente Catalina González, docente del programa de diseño de modas de la Universidad ECCI. El diseño de modas, no solo inspirado en las tendencias, lo que está de moda digámoslo así, sino en el bienestar de ciertas poblaciones que tienen unas dificultades determinadas y hablamos de las mujeres que han sufrido cáncer de seno y que ustedes han pensado, no solo qué ropa les sirve, sino cómo apoyarlas. Quisiera que me hablaras de este proyecto. Este proyecto básicamente se centra en desarrollar una cartilla como asesoría de imagen para este tipo de mujeres que han sufrido cáncer de mama que han pasado por una mastectomía radical. Esta cartilla está enfocada en todo lo que es el análisis de su imagen, de enfrentarse nuevamente a lo que son ellas después de este tipo de cirugías. Hablamos sobre el uso de maquillaje, el uso de prendas y adicional a eso contamos también con un apoyo a nivel de psicología para enfrentar todas estas barreras que se tienen a nivel de autoestima y de encontrar nuevamente su rol en la sociedad.Catalina, a veces uno piensa que la ropa es solo ropa y ya y lo hemos hablado con la profesora Alexandra que es la directora de diseño de modas aquí en la ECCI, pero en estos casos la ropa también suple un tema de autoestima y también sirve para decirle a la mujer que no está incompleta. Porque luego de una mastectomía pues ya sabemos la cosas que hay frente al espejo y cuán duro nos puede dar ese reconocimiento. Buscamos que con las prendas que ellas tienen en su guardarropa se sientan seguras y proyecten su nueva imagen a partir de esta cirugía. Entonces, la idea es que no es un un prototipo que nos va a llenar ese vacío porque muchas mujeres pueden utilizar prótesis hay otras que deciden no utilizarlas, la idea es que esas prendas ellas las lleven con poder, con empoderamiento, por ese motivo es importante el apoyo psicológico porque se trabaja desde la parte interna hacia la parte externa y así mismo poder proyectar esa nueva imagen.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Cuénteme de las prendas, pues sabemos que otras universidades también habían repensado. El tema sobre brasieres, por ejemplo, prendas íntimas, ¿cómo se diseñan estas prendas, qué tienen de particular?Bueno pues conozco de un prototipo que se elaboró que es un brasier, pues es un tejido especial para el proceso de cicatrización para ayudar en ese en postoperatorio y en ese proceso pues nosotros intentamos también desarrollar algunos prototipos de prenda, pero encontramos fue esa debilidad a nivel psicológico, a nivel emocional, que las mujeres necesitaban retomar nuevamente su imagen. El tema de la cartilla, ¿cómo lo elaboraron, cómo fue ese proceso? Bueno actualmente estamos en la prueba de aplicación con las mujeres y a partir de toda esa asesoría esperamos sacar como tal el resultado que es la cartilla. La cartilla básicamente sería: si tienes este tipo de piel puedes utilizar este tipo de prendas, los colores que puedes utilizar son estos... a nivel de accesorios a nivel de maquillaje. Incluso hay un estudiante que también está trabajando con nosotros sobre el tema de la colorimetría para este tipo de mujeres porque las mujeres cuando se enfrentan a quimioterapias o después de un postoperatorio su piel tiende a ponerse un poco más pálida, entonces la idea es que por medio de estos colores de las prendas se realce nuevamente su color natural.¿Cuál es el futuro de este proyecto? ¿Cómo se lo imaginan desde la ECCI?Estamos en conversaciones con el Instituto Nacional de Cancerología porque ellos son los que nos van a dar esa población donde vamos a aplicar realmente esta cartilla y ya a partir de ese estudio de la evaluación que ellas mismas nos hagan. La idea es empezar a replicarlo a otras comunidades, a otras instituciones que puedan colaborarnos con esta población.Catalina yo quisiera que me contarás sobre tu experiencia personal en este proyecto. No como una mujer, también una diseñadora. Impacta, impacta bastante. Darse una cuenta todo lo que puede llegar a dañar a nivel psicológico y a nivel físico este tipo de condiciones de salud, adicional a esto tener un poco más de conciencia, como lo decías al inicio, la moda no es solamente las prendas, la tendencia, sino darle un sentido social a esa prenda, a ese color que vamos a usar de temporada que realmente permita que esa mujer que lo tiene se proyecte y se afiance nuevamente como un rol femenino en la sociedad.Más allá de las mujeres también es un proyecto para las familias. Creo que es una posibilidad para apoyar a su mamá, a su abuela, a su tía, su hermana o a una misma ,una mejor amiga. Se vuelve casi que un impacto más grande que la única persona. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.