Ed Potton, del periódico The Times, encontró la película "un poco ligera", y aunque elogió los esfuerzos de Marisa Abela, la actriz que interpreta a la estrella, por cantar como Amy Winehouse, dijo que no está a la altura de su inimitable voz.Para Peter Hoskin del Daily Mail, la película no logra ilustrar el "genio rebelde" de la cantante. "Es mejor escuchar Back to Black, el álbum o la canción, y recordar qué convirtió a Amy en una estrella", afirmó.Zach Schonfeld señaló en The Guardian que este tipo de películas biográficas "siguen siendo rentables"."Es casi imposible pensar en una razón sincera para hacer una película sobre Winehouse, a menos que esté motivada por la codicia", escribió la periodista especializada en música Roisin O'Connor, hija de la cantante Sinead O'Connor, en el diario The Independent.Estilo peculiar Amy Winehouse, que fue hallada muerta por una sobredosis de alcohol en 2011 con solo 27 años, dejó su huella en el mundo de la música con su voz ronca y conmovedora, sus letras íntimas y poderosas y un estilo único, inspirado en los años 50, con su moño y sus múltiples tatuajes.En 2006, su segundo álbum Back to Black, premiado con un Grammy en Estados Unidos, la dio a conocer en todo el mundo, impulsada por su éxito Rehab, en el que la londinense relataba su lucha contra las adicciones.El filme biográfico de la directora británica Sam Taylor-Johnson, conocida por Cincuenta sombras de Grey, es la segunda película dedicada a la cantante tras el documental ganador del Oscar de Asif Kapadia, Amy, en 2015, que fue criticado por la familia Winehouse.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ese filme, el segundo documental más taquillero de la historia en Reino Unido, se centraba demasiado en los aspectos negativos de la vida de la estrella, según el padre de la cantante.El padre de Amy Winehouse asistió el lunes al estreno de la película en Londres junto a su exmujer, Janis, aunque la directora Sam Taylor-Johnson afirmó que la familia de la cantante no había contribuido."Era importante reunirme con ellos por respeto", explicó al sitio Internet especializado en cine Empire, "pero no podían cambiar las cosas ni dictarme lo que debía rodar".Búsqueda de la "verdad"La cineasta señaló que buscó "la verdad" sobre la vida de Amy Winehouse. "Amy amaba a su padre, hiciera lo que hiciera, bueno o malo", explicó la directora del filme.El actor Eddie Marsan, que interpreta a Mitch Winehouse, padre de la cantante, dijo que intentó evitar caer en la "cómoda" posición de "culpar a alguien" por la muerte de la artista, ya fuera su progenitor o su exmarido, Blake Fielder-Civil.Back to Black describe la tormentosa relación romántica de la cantante, ya que su exmarido fue acusado de introducirla en el consumo de heroína.Blake Fielder-Civil dijo en 2018 que siempre cargaría con "la culpa" de desempeñar un papel importante en las adicciones de Amy Winehouse.Marisa Abela, que interpreta a la cantante, destacó que el objetivo de la película no era "juzgar" a los personajes de la historia y sus decisiones. "Si los espectadores sienten que Amy no debería haber confiado en tal o cual persona, están en su derecho (...) pero los únicos malos en nuestra historia son las adicciones y los paparazzi. No le decimos a la gente lo que tiene que pensar", afirmó.Pese a algunas críticas, la película promete ser un éxito debido al aura que rodea a la cantante, aunque hayan pasado ya casi quince años desde su muerte, y también debido a atracción que despiertan los filmes biográficos musicales, casi siempre rentables, independientemente de su calidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado casi tres décadas desde la disolución de la icónica formación británica, fundada en 1977, que lo situó rápidamente en lo más alto del rock.Desde su estudio de grabación en el oeste de Londres, el músico, considerado un virtuoso de la guitarra por su estilo singular, reflexiona en una entrevista con EFE sobre su prolífica carrera a las puertas de un nuevo trabajo.En ese álbum presenta doce temas melódicos y pausados y letras poéticas y cuidadas en las que hay "algunas mentiras y un poco de verdad", según indica.Al contrario que otros artistas consagrados, Knopfler (Glasgow, 1949) no reniega de sus inicios. En cambio, habla con cariño evidente de la banda que lo catapultó a la fama planetaria y cuyos grandes éxitos no han dejado de reclamarle en cada concierto sus incontables seguidores."Me encanta que me hablen de los Dire Straits, porque es parte de la historia, es parte del tour, de la vida, del espectáculo", dice a EFE cuando, inevitablemente, se abordan sus comienzos en esta industria.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Observa, además, que si ha escrito clásicos como 'Brothers In Arms' o 'Money for Nothing', es "bonito tocarlos para la gente". "Cuando te vienen a ver, vienen a celebrar esa relación (que tenían con el grupo) y para ellos es algo muy importante", apunta.Cada vez que interpreta esas canciones, muchas convertidas en himnos, sobre un escenario, el escocés asegura que aún hoy intenta "encontrar siempre algo nuevo en ellas, algo real" y cree que los seguidores "responden a las canciones como siempre lo han hecho". Con entrega y pasión.Al dictado de la canciónKnopfler no aclara si su nuevo álbum en solitario se nutre de su propia vida, como parecen sugerir algunas letras en temas como en 'A Deep River' o 'Ahead of the game', pero explica de una manera un tanto abstracta que "incluyen un poco de esto y de aquello; algunas mentiras y un poco de contar la verdad"."La canción es la 'jefa' o el niño que intentas traer al mundo y que se encarga de dictarlo todo (...) Tú no te expones, la canción no va sobre mí. El foco es la canción", apunta en esta misma línea ambigua.Con incontables premios a lo largo de su trayectoria, Knopfler también ha compuesto temas para otros artistas y ha creado bandas sonoras para películas -'La Princesa Prometida'- y musicales -'Local Hero'-.Cuando crea nuevo material, al músico no le preocupa, y nunca lo ha hecho, la reacción de la crítica y ni siquiera de sus seguidores: "Tienes que complacerte a ti mismo antes que nada (...) Si eso me tuviera que preocupar, me volvería loco, probablemente". Y afirma que a estas alturas no está aquí "para impresionar a nadie".Sobre su evolución artística, el guitarrista y cantautor considera que como músico ha ido "hacia atrás" y, en cambio, está centrado cada vez más en mejorar su faceta de compositor."Creo que ahora intento sacar más del instrumento tocando menos notas. A veces llega a ser como una broma conmigo mismo, ver si logro la misma canción con tres o cuatro notas", añade.Knopfler llegó al rock con un sólido bagaje previo en música folk y muy curtido como guitarrista ecléctico, siempre tocando sin púa.Hace apenas unos meses, la casa Christie's subastó en Londres 120 guitarras y amplificadores del músico, por los que se recaudaron 8 millones de libras (9,3 millones de euros), de los que un 25 % fue destinado a obras de caridad.Preguntado por la venta, Knopfler, que en muchas ocasiones ha hablado de la "muy íntima relación" que establece un músico con su instrumento, explica que "no dejaba de pensar en esas guitarras acumulando polvo y en que necesitaban nuevos amigos (...). No quería que estuvieran solas, me gusta que hayan encontrado nuevos amigos".Por otro lado, aclara que al lanzamiento de 'A Deep River" no le seguirá ninguna gira: "No habrá tour porque quiero pasar más tiempo en casa; quiero estar más tiempo con mi familia, quiero pasar más tiempo escribiendo y cuando estás de gira nunca hay suficiente tiempo para leer, siempre trabajas hasta muy tarde", señala.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las páginas manuscritas, que aparecían en grandes cuadernos, eran "el producto de nuestro trabajo", "las estupideces que escribimos" antes de llegar a la obra final que fue el éxito mundial "Hotel California", declaró en el estrado el fundador, cantante y baterista de Eagles, actualmente en plena gira mundial de despedida."No estaban destinadas a ser vistas" y "todavía hoy no las mostraré", añadió el músico de 76 años, de pelo canoso, vestido con traje y corbata.Frente a él, en el banquillo de los acusados, hay tres hombres del mundo de los coleccionistas: Craig Inciardi y Edward Kosinski están siendo juzgados por posesión criminal de bienes robados, y Glenn Horowitz por tentativa. Todos se han declarado inocentes y niegan haber actuado ilegalmente, afirmando que adquirieron las páginas en cuestión de forma legal.El caso se remonta a finales de los años 70, cuando un escritor contratado por la banda de rock californiana para escribir su biografía recibió las notas, que nunca devolvió. Henley lo considera un robo. No así la defensa del escritor, que subraya que él no está siendo procesado en el juicio.Según la fiscalía de Manhattan, el autor acabó vendiendo las páginas en 2005 a Horowitz, un comerciante de libros raros, que luego las vendió a Inciardi y Kosinski.Años después de la separación de la banda -que desde entonces se ha reformulado-, el músico vio cómo algunas páginas aparecieron en línea, la primera vez en 2012. Tras ponerse en contacto con su abogado y "dar varias vueltas", acabó comprándolas él mismo, por 8.500 dólares. Era la forma "más eficiente" y "práctica" de "recuperar lo que me pertenecía", argumentó.Otras páginas reaparecerían en subastas de los años siguientes, entre ellas un lote de 13 páginas manuscritas para la canción "Hotel California". "Ya me habían extorsionado una vez", dijo Henley, que en 2016 recurrió a la fiscalía de Manhattan, que presentó cargos.El juicio se desarrolla a lo largo de varios días.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La guitarra fue comprada por McCartney en 1961, mucho antes de saltar a la fama, cuando los Beatles ya existían y se encontraban de gira por pequeños clubes en Alemania.Este modelo ha estado históricamente vinculado a McCartney, que ha reconocido en numerosas ocasiones que se enamoró del instrumento por su peculiar diseño simétrico, parecido a un violín.El exBeatle pagó 30 libras esterlinas hace 63 años por el bajo, aunque hoy costaría unos 800 libras. Según el diario The Guardian, que desvela la noticia, el instrumento podría alcanzar los 10 millones de libras en subasta.La investigación, denominada 'Lost Bass Project' (El proyecto del bajo perdido), fue iniciada por el fabricante alemán el año pasado. McCartney tiene cuatro guitarras Höfner pero es con esta con la que tocó en el Cavern Club o en Abbey Road.Los responsables de la investigación, Scott and Naomi Jones, han relatado hoy a la BBC Radio cómo encontraron la guitarra.Tras el lanzamiento del 'Lost Bass Project' recibieron más de 600 llamadas e emails, en los que encontraron algunas 'fantásticas pistas'.El instrumento fue robado en 1972 en camioneta del grupo que McCartney creó tras la ruptura con los Beatles, Wings. El ladrón lo llevó entonces al pub de su zona, pero se dio cuenta de que sería difícil venderla en seguida así que le pidió al dueño del local que se la guardara.La guitarra ha permanecido en la familia del dueño del pub durante 51 años. Este martes un joven llamado Ruaidhri Guest compartía en X: “Heredé este instrumento que ha sido devuelto a Paul McCartney. Comparte la noticia”.Un comunicado en la web del exBeatle señala: “Tras el lanzamiento del 'Lost Bass Project', el bajo Höfner 500/1 de 1961 de Paul, que fue robado en 1972, ha sido devuelto. La guitarra ha sido autenticada por Höfner y Paul está increíblemente agradecido con todos los involucrados”.In 1963, la guitarra que John Lennon usó para escribir 'I Want to Hold Your Hand' desapareció tras un concierto y se vendió 51 años después por 2,4 millones de dólares en una subasta.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La noche de los Grammy es una de las más esperada de la temporada de galardones en Estados Unidos. La edición número 66 de los Premios de la Academia de Grabación premiaron a los artistas destacados en el 2023 y en esta última entrega se celebró el trabajo de las mujeres en la música. Las nominaciones estaban encabezadas por las artistas que dominaron las listas y lanzaron trabajos discográficos maravillosos, que fueron la banda sonora del año pasado en las listas y plataformas de escucha. Primero hablemos de Karol G, quien se llevó el Grammy a Mejor álbum urbano por Mañana será bonito; es la primera vez en la historia de los premios en que una mujer gana en esta categoría. También debemos mencionar a Natalia Lafourcade que se alzó con el Grammy a Mejor álbum de rock latino por su disco De todas las flores. Por otro lado, Dua Lipa abrió el show con canciones icónicas como Houdini y Training Season, Olivia Rodrigo volvió a iluminar el escenario cantando Vampire de su disco Guts. En la gala también se le hizo homenaje a la leyenda del folk Joni Mitchel quien cantó de nuevo junto a Brandy Carlile. Además Annie Lennox le hizo homenaje a Sinnead O'Connor cantando Nothing Compares 2 U.SZA ganó en las dos categorías más importantes de R&B con su disco SOS, Billie Eilish se alzó con el galardón de canción del año con What was I made for?, canción que compuso para la película Barbie y que también está nominada al Óscar. Y por primera vez en su carrera musical Miley Cyrus brilló con dos Grammys por Grabación del año y mejor actiación de pop en solitario por su canción Flowers, un himno al amor propio. Cyrus también se presentó en la gala y fue la prueba de la autenticidad. Victoria Monét se llevó el premio a Mejor artista nuevo, así como a mejor álbum de R&B. El grupo Boygenius ganó tres premios por su canción Not strong enogh y su álbum The record, la representación de los sentimientos profundos y el poder de la música. Y finalmente, Taylor Swift se llevó dos Grammys, uno a Mejor álbum de pop vocal y a mejor álbum del año ambos por su disco Midnights. Swift anunció su nuevo proyecto discográfico The tourture poets department, que saldrá el próximo 19 de abril. Las mujeres que han representado la música han demostrado la fortaleza, el coraje y la sensibilidad de componer y crear magia que finalmente está siendo reconocida; el poder femenino debe ser celebrado y compartido, así como reconocido por la industria y el mundo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Asimismo, Billie Eilish venció en el apartado de canción del año por 'What Was I Made For?' -parte de la banda sonora del filme 'Barbie'- y la viral 'Flowers' granjeó a Miley Cyrus los dos primeros gramófonos de su trayectoria: mejor grabación y mejor actuación pop en solitario.Por su parte, la estadounidense Victoria Monét se consagró como mejor nueva artista del curso de la mano de su trabajo 'Jaguar II', que también le valió otros dos galardones.Estos son los ganadores en las principales categorías de la 66 edición de los Grammy.Categorías generales:ÁLBUM DEL AÑO'Midnights', Taylor Swift.GRABACIÓN DEL AÑO'Flowers', Miley CyrusCANCIÓN DEL AÑO'What Was I Made For?', Billie EilishMEJOR NUEVO ARTISTAVictoria MonétPRODUCTOR NO CLÁSICO DEL AÑOJack AntonoffCOMPOSITOR NO CLÁSICO DEL AÑOTheron ThomasMúsica latina:MEJOR ÁLBUM DE POP LATINO'X Mí (Vol. 1)', Gaby MorenoMEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA'Mañana Será Bonito', Karol G.MEJOR ÁLBUM LATINO DE ROCK O ALTERNATIVO'Vida Cotidiana', Juanes'De Todas Las Flores', Natalia LafourcadeMEJOR ÁLBUM DE MÚSICA MEXICANA (INCLUYENDO TEXANO)'Génesis', Peso PlumaMEJOR ÁLBUM DE MÚSICA TROPICAL'Siembra: 45º Aniversario (En Vivo en el Coliseo de Puerto Rico, 14 de Mayo 2022)', Rubén BladesMEJOR ÁLBUM DE JAZZ LATINO'El Arte del Bolero Vol. 2', Miguel Zenón y Luis PerdomoRap:MEJOR ACTUACIÓN DE RAP'Scientists & Engineers', Killer Mike con André 3000, Future y Eryn Allen KaneMEJOR ACTUACIÓN MELÓDICA DE RAP'All My Life', Lil Durk con J.ColeMEJOR CANCIÓN DE RAP'Scientists & Engineers', Killer Mike con André 3000, Future y Eryn Allen KaneMEJOR ÁLBUM DE RAP'Michael', Killer MikePop y dance:MEJOR ACTUACIÓN POP EN SOLITARIO'Flowers', Miley CirusMEJOR ACTUACIÓN DUETO/GRUPO POP'Ghost In The Machine', SZA y Phoebe BridgersMEJOR ÁLBUM DE POP VOCAL'Midnights', Taylor SwiftMEJOR GRABACIÓN DANCE/ELECTRÓNICA'Rumble', Skrillex, Fred again.. & FlowdanMEJOR GRABACIÓN POP O DANCE'Padam Padam', Kylie Minogue Lostboy y Guy MasseyMEJOR ÁLBUM DANCE/ELECTRÓNICO'Actual Life', Fred again..Rock, metal y alternativa:MEJOR ACTUACIÓN DE ROCK'Not strong enough', boygeniusMEJOR ACTUACIÓN DE METAL'72 Seasons', MetallicaMEJOR CANCIÓN DE ROCK'Not Strong Enough', boygeniusMEJOR ÁLBUM DE ROCK'This Is Why', ParamoreMEJOR ACTUACIÓN DE MÚSICA ALTERNATIVA'This Is Why', ParamoreMEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA'The Record', boygeniusR&B:MEJOR ACTUACIÓN DE R&B'ICU', Coco JonesMEJOR ACTUACIÓN DE R&B TRADICIONAL'Good Morning', PJ Morton y Susan CarolMEJOR CANCIÓN DE R&B'Snooze', SZAMEJOR ÁLBUM DE R&B PROGRESIVO'SOS', SZAMEJOR ÁLBUM DE R&B'JAGUAR II', Victoria Monét.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, que llega el próximo viernes a los cines españoles, fue una de las quince preseleccionadas al Óscar al mejor documental, aunque finalmente no ha resultado una de las cinco nominadas a estos premios que se entregarán en Hollywood el 10 de marzo."La gente que ha estado analizando los orígenes del rock and roll y que puso a Elvis en el trono creo que simplemente no profundizaron lo suficiente, estaban cegados por su propia perspectiva y no tuvieron en cuenta los hechos históricos, la verdad", dijo a EFE la cineasta estadounidense de origen latino.Cortés analiza la influencia del cantante, compositor y pianista estadounidense en la música, pero también en la moda y la cultura popular como uno de los primeros ídolos adolescentes, a través de testimonios de John Waters, Tom Jones, Mick Jagger, Paul McCartney o Nile Rodgers, entre otros."Fue el primero en salir maquillado, arrancarse la camiseta y jugar con las normas de género", subraya.Para la directora, una de las productoras de la oscarizada 'Precious' (2009) y autora también del documental 'All in the fight for democracy' (2020), era importante contar con esos testimonios como prueba de lo "diferente, importante y revolucionario" que fue Little Richard."Mucha gente desconoce por ejemplo la relación que tuvieron los Rolling Stones en sus inicios con él", dice en referencia a la época en que la banda británica teloneó al autor de canciones como 'Tutti frutti' o 'Long Tall Sally'.En el documental, Jagger cuenta que aprendió de él a comportarse como una estrella en el escenario y a interactuar con el público; el cineasta y pionero del kitsch John Waters asegura que Little Richard le inspiró como artista rebelde y que el característico bigote fino que luce es un homenaje a él.Nacido en 1935 en Macon (Georgia, sur de Estados Unidos), el documental recorre los momentos más significativos de la vida de Little Richard, marcados por una firme educación religiosa que entraba en conflicto con sus tendencias sexuales -podía salir de una orgía para irse a leer la Biblia, según uno de los testimonios de su entorno- y por el rechazo paterno, un pastor adventista que le echó de casa cuando supo que era gay.Richard Wayne, ese era su verdadero nombre, se dedica durante años a liberar sus pasiones reprimidas y a cantar por la calle, hasta que un matrimonio que regentaba un club le acogió. Allí vio actuar a Sister Rosetta Tharpe, cantante de gospel y guitarrista, que lo sacó al escenario por primera vez.Cortés aprovecha esa influencia para reivindicar también a Tharpe como figura "fundacional" de la música popular estadounidense, tampoco suficientemente reivindicada.En sus comienzos, Little Richard actuaba travestido, con el nombre Princess Lavone, en locales de ambiente 'queer', tolerados aunque ilegales, en plena época de segregación racial, hasta que grabó su primer demo en 1955 y consiguió ser fichado por Specialty Records.Como herencia de esos inicios con letras más que subidas de tono, el propio músico cuenta que al principio la mítica 'Tutti frutti' era una canción que hablaba de sexo anal, pero la discográfica le pidió cambiar la letra y así nació uno de los estribillos más famosos del rock, "auamba buluba balambambú".Cortés sostiene que a los americanos blancos no les gustaba ver cómo sus hijos adolescentes -un concepto que nació entonces tal y como lo entendemos ahora- enloquecían con la música hecha por afroamericanos y de carácter sensual y sexual, por lo que se inventaron a figuras "aceptables" como Elvis o Pat Boone, quienes cantaron canciones de Little Richard."Mi música derribó los muros de la segregación", dice un Little Richard a quien le tocó entregar varios premios a otros colegas antes de lograr el reconocimiento para sí mismo. Pero no tenía problema en aprovechar ese altavoz para reivindicarse él mismo como "arquitecto" e "inventor" del rock and roll.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Supongamos que podemos materializar la belleza que nos imaginamos. Que podemos hacer de nuestras sensaciones un lenguaje. Que tenemos el código que pasa la cotidianidad a formato canción. Que dominamos tanto un lenguaje que no necesitamos de la palabra. Que, además, nuestras metáforas son fecundas. Que tengamos las distorsiones llenas de tangos. Que podemos ser la banda sonora de millones de personas en distintos momentos de la historia. Por un momento pensemos cómo nuestra sensibilidad puede ser comprendida por una guitarra eléctrica. Que en el día de nuestro natalicio se celebre a los que decidimos el camino de la música. Notaremos cómo, listando estos suprepoderes, estamos describiendo a Luis Alberto Spinetta.No tendría más de 11 años cuando me desperté una mañana escuchando un estruendo desde la grabadora Aiwa de mi hermano Nano. Por primera vez en la vida supe que la luz podía ser dulce. La canción invadía el patio, me tocaba las puertas de mis ojos cerrados, me recorría el cuerpo, como buscándome algo por dentro. Alma de diamante. Recuerdo no entender bien la letra. Pero no se trataba de eso, sino de descubrir una sensación en mí: Tuve ganas de estar involucrado en esa historia. Me levanté en el solo-que después supe que era de guitarra- para preguntarle a mi hermano cuál era ese instrumento que sonaba. El me respondió: “Spinetta”. En ese momento entendí que Spinetta era una sensación, una atmósfera para el alma.Desde ese momento, Spinetta es pieza fundamental de mi mitología, lo persigo cuando trato de tocar sus canciones en la guitarra y no puedo; al correr frente a tí en silencio; cuando quiero disolver el horizonte; cuando se ven los tigres en la lluvia. Es una deidad de la cercanía, una forma de entender el mundo. Es la sofisticación del ritual íntimo del que se saca una canción, esa que se pretende para hacer fuego en la hoguera de la otra, del otro.Spinetta a todos nos ha pegado distinto. Hay muchas aristas desde las cuales hablar. Aun cuando es deidad no pretendo proponer una plegaria, sino invitar a vestirse de la sensación Spinetta un rato, para embellecer acontecimientos. Luis Alberto es un perseguidor de la belleza del día a día. Es la preocupación por la entrada de las mariposas cuando se rompe una ventana. Es un punto de vista.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spinetta nació el 23 de enero de 1950 en Buenos Aires, Argentina. Por esta razón, el gobierno argentino estableció el 23 de enero como “Día Nacional del Músico". Sus padres fueron Luis Santiago Spinetta y Julia Ramírez.El padre de Luis Alberto Spinetta, Luis Santiago Spinetta, era un entusiasta cantante de tangos que formó un grupo acompañado de guitarristas y se presentó en algunas estaciones de radio usando seudónimos como Luis Martínez Solar o Carlos Omar.14 Luis Santiago Spinetta es el autor de la letra y la música del tema "Hombre de luz", que forma parte de su último álbum "Un mañana" (2008). Bajo esta influencia, Luis Alberto comenzó a explorar el canto de tangos desde temprana edad. A los 4 años, su familia, especialmente sus tíos, lo alentaba a cantar en las reuniones familiares. La influencia del tango se reflejará a lo largo de toda la obra del talentoso músico. Carrera temprana y Almendra:La historia de Spinetta se entrelaza con el surgimiento del rock argentino en la década de 1960. En 1969, fundó Almendra, una banda pionera que se destacó por su enfoque poético y experimental. La fusión de la lírica introspectiva de Spinetta y la innovadora musicalidad de Almendra creó un sonido único que definió una era. Su álbum homónimo de debut, lanzado en 1969, es considerado un hito en la historia del rock argentino, con canciones emblemáticas como "Muchacha (Ojos de papel)". El álbum se publicó con una portada diseñada por el propio Spinetta, que muestra a una suerte de payaso llorando con una flecha de juguete en la cabeza. La discográfica intentó descartar la ilustración de manera intencionada, pero Luis Alberto la volvió a dibujar, insistiendo en que la portada se realizara según sus instrucciones.Pescado Rabioso:Tras la disolución de Almendra en 1970, Spinetta formó Pescado Rabioso, una banda que exploró territorios más oscuros y experimentales. Su álbum "Artaud" (1973) es aclamado como una obra maestra, mostrando la destreza lírica y musical del Flaco.Spinetta Jade y solista:En la década de 1980, Luis Alberto Spinetta formó Spinetta Jade, fusionando rock con jazz y música fusión. Este período dio lugar a álbumes notables como "Bajo Belgrano" (1983) y "Madre en Años Luz" (1984). A lo largo de su carrera, Spinetta también incursionó en proyectos solistas, destacando su habilidad para evolucionar musicalmente con álbumes como "Seguir Viviendo Sin Tu Amor" (1986) y "Don Lucero" (1989).En los años 1985 y 1986, Spinetta se embarcó en dos colaboraciones con Charly García y Fito Páez. Aunque el proyecto con Charly no llegó a concretarse completamente, de esa colaboración surgió una de las grandes canciones clásicas del rock, “Rezo por vos". En cuanto al proyecto con Fito, resultó en el álbum “La la la", el cual la revista Rolling Stone posicionó en el puesto #61 entre los 100 mejores álbumes de la historia del rock argentino.Últimas etapas y reconocimientos:En las décadas siguientes, Spinetta continuó su prolífica carrera, lanzando álbumes aclamados como "Para los Árboles" (1999) y "Un Mañana" (2005). Su contribución a la música fue reconocida con numerosos premios y honores, incluyendo el Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2010.Legado y Homenajes:Luis Alberto Spinetta falleció el 8 de febrero de 2012. Su influencia se refleja en generaciones de músicos que siguieron su ejemplo. Su capacidad para fusionar poesía, complejidad musical y experimentación lo convierte en una figura inmortal en la historia del rock.Canciones emblemáticas como "Seguir Viviendo Sin Tu Amor," "Luz de luna," y "Los libros de la buena memoria" continúan resonando en los corazones de sus seguidores. La riqueza lírica y la genialidad musical de Spinetta le aseguran un lugar eterno en la historia de la música latinoamericana.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La carta al Congreso argentino se titula ´La cultura está en peligro´ y está dirigida a los diputados y senadores que debaten estos días la ´ley ómnibus´ enviada por Milei, que propone una desregulación de la economía, reducción del sector público y lograr un equilibrio fiscal."El Gobierno Nacional pretende, a través de la Ley Ómnibus, derogar leyes vitales para la supervivencia de las industrias culturales, las artes y las ciencias, y el patrimonio cultural de nuestro país", dice uno de los fragmentos del texto.En la carta se agrega que "no hay en la letra de su desarrollo (de la ´ley ómnibus¨) el mero atisbo de participación ni interés alguno en el quehacer cultural, y por el contrario, el texto tiene una mirada mercantilista que apunta sin miramientos a desfinanciar y anular el desarrollo de las actividades de nuestra cultura nacional".Además, advierten: "La cultura es identidad. La cultura es lo único que no se puede importar. La hacen los pueblos. Queremos seguir teniendo una identidad propia como Nación. De otro modo solo nos quedará el destino triste de no ser. De eso se trata esta lucha. Un país es tan grande o tan pequeño como la medida de su proyecto cultural".Y le piden a los legisladores que rechacen el desfinanciamiento del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el cierre del Fondo Nacional de las Artes y del Instituto Nacional del Teatro, el desfinanciamiento de las bibliotecas populares y del Instituto Nacional de la Música (INAMU) y la derogación de la ley de defensa de la actividad librera.Esta carta es una de tantas manifestaciones del sector contra la propuesta de Milei de desmantelar varias instituciones culturales y reducir la financiación de otras, porque, entienden, derivará en una pérdida de fomento de la producción cultural argentina.Si bien Milei enfrenta oposición a nivel político en el Congreso; judicial, por la más de una decena de denuncias y recursos de amparo; y social, con una huelga general convocada para el próximo 24 de enero próximo, está negociando con un ala de la oposición ciertas modificaciones en la ´ley ómnibus´, que incluyen el tramo cultural, para obtener dictamen en las comisiones antes del paro general.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Dudamel llevó al escenario al rapero Common, al guitarrista y exjugador de los Yankees Bernie Williams y a varios estudiantes de música como parte de la celebración de la orquesta.La gala fue un anticipo de la próxima dirección del maestro venezolano en la orquesta más antigua de Estados Unidos, que empezará en la temporada 2026-27, cuando ponga fin a su puesto al frente de la Filarmónica de Los Ángeles tras 17 temporadas."Estoy totalmente convencido de que el futuro de la sociedad comienza con la educación de los jóvenes", dijo Dudamel a los asistentes."Estoy muy emocionado por nuestro futuro juntos", agregó, en referencia a su aterrizaje en Nueva York.Aunque aún no está al frente de la orquesta de la Gran Manzana, ya ha comenzado a trabajar en la configuración de su programación.La incorporación de Dudamel, de 43 años, fue un golpe de efecto para la filarmónica neoyorquina, fundada en 1842 e resuelta en los últimos años a modernizar su imagen.La dirección de la entidad invirtió 550 millones de dólares en la renovación de la sala David Geffen, su sede en el Lincoln Center de Manhattan.Dudamel calificó la música de "derecho humano fundamental" e hizo hincapié en el rol "trascendental" que "puede desempeñar en la vida de los jóvenes". El director invitó a varios estudiantes de música para que tocaran junto a los artistas de la compañía.También subió al escenario la estrella del hip-hop Common, que rindió homenaje a las raíces del género en Nueva York antes de interpretar con la orquesta canciones como Glory, tema que ganó un Oscar con la película Selma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bernie Williams, quien jugó 16 temporadas en el equipo de béisbol de los Yankees de Nueva York además de ser un consumado guitarrista, interpretó una composición de jazz.Como muchas instituciones de música clásica, la Filarmónica de Nueva York lleva años intentando renovar su imagen, que algunos críticos han tachado de demasiado elitista.Durante su estancia en Los Ángeles, Dudamel estrechó lazos con Hollywood al tiempo que se catapultaba su fama, acercando la música clásica a oídos quizá poco familiarizados con el género, incluso intimidados por todo lo que lo envuelve.Nacido el 26 de enero de 1981 en Barquisimeto (Venezuela), hijo de un trombonista y una profesora de canto, Dudamel cultivó su talento gracias al programa de educación musical venezolano El Sistema.Cuando se mudó a Estados Unidos, quiso llevar todo ese conocimiento a los más pequeños, y creó la Orquesta Juvenil de Los Ángeles, conocida como YOLA, siguiendo el modelo de El Sistema."Tenemos que educar a la gente, pero de la mejor manera, no poniendo el arte en un pedestal inaccesible", dijo a los periodistas el año pasado en una rueda de prensa en la que se presentó como próximo director musical y artístico de la Filarmónica de Nueva York."Cuando le das un instrumento a un niño, le estás dando belleza, le estás dando la oportunidad de crear su propio mundo", afirmó.Su actuación del miércoles fue una confirmación de esa visión de futuro, con los jóvenes músicos como máxima prioridad.Es una apuesta por crear un "futuro en el que todos nos sintamos seguros, en el que todos nos sintamos escuchados", dijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
No obstante, acudirá a ella el propio mandatario, quien presentará el domingo 12 de mayo su última publicación, Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica, según confirmó la Fundación El Libro, organizadora del certamen.Según los datos manejados por la Fundación, las ventas editoriales cayeron en Argentina entre un 20 % y 30 % en el primer trimestre de este año.Para incentivar que el público pueda comprar en esta edición, que se celebra del 25 de abril al 13 de mayo, la Fundación logró del Estado la exención de impuestos para los libros importados que se pongan en venta en el predio de La Rural, en el porteño barrio de Palermo.Será una manera de paliar las contracciones, aunque datos oficiales indicaron que la industria argentina de edición e impresión cayó el año pasado un 3,8 % y en el primer bimestre de este año acumuló una caída del 5,7 %.De acuerdo con el informe anual de producción de la Cámara Argentina del Libro (CAL), durante 2023 hubo 24.690 publicaciones en papel, lo que representa una tirada total de más de 47,9 millones de ejemplares, pero una bajada del 24 % respecto de 2022.En esta oportunidad, la Feria del Libro tendrá como ciudad invitada de honor a Lisboa (Portugal) y contará con el discurso inaugural de la escritora argentina Liliana Heker, de 81 años, que en diálogo con la prensa local ya adelantó que hará alusión "al ataque que se está haciendo a toda la cultura".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El presidente de la Fundación El Libro, el escritor Alejandro Vaccaro, ya se había mostrado previamente crítico con el Gobierno nacional, que por primera vez no formará parte de los pabellones de la feria: "Hay en el imaginario colectivo una sensación de que este Gobierno es sumamente hostil a todas las manifestaciones culturales", afirmó en rueda de prensa.Entre las actividades del certamen habrá homenajes a los autores argentinos Adolfo Bioy Casares y Julio Cortázar -por el 110° aniversario del nacimiento de ambos y el 25° de la muerte del primero, y al dibujante Joaquín Salvador Lavado 'Quino' y a su personaje más inolvidable, Mafalda.El predio dispondrá de unos 430 expositores que ocuparán unos 15.000 metros cuadrados, así como participaciones en innumerables actividades, como cuentacuentos, diálogos entre escritores o muestras fotográficas.Entre las presentaciones internacionales estarán el francés David Foenkinos, la ecuatoriana Mónica Ojeda, la china Zhao Si, las españolas Elvira Sastre y Sonsoles Ónega, la uruguaya María Lourdes Ferro o el italo-colombiano Walter Riso.A nivel nacional, estarán presentes los argentinos Eduardo Sacheri, Leila Guerriero, Claudia Piñeiro o Gabriel Rolón, que integrarán distintos paneles y presentaciones de libros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Una toma de la realidad para ciertos horrores, pero finalmente es literatura y al ser literatura se convierte en un espacio seguro donde poder hablar y pensar de lo oscuro, donde poder imaginar lo que nos da miedo y ponerle nombre, sin que nos pase nada”, dijo la autora.Enriquez compartió espacio con la narradora mexicana Liliana Blum para hablar de ‘El horror de la realidad’ y sostener un diálogo con sus lectores que se reunieron en el edificio Arroniz, uno de los sitios históricos de la ciudad mexicana de Guadalajara, capital del estado de Jalisco (oeste de México).La argentina, autora de libros como ‘Nuestra parte de la noche’, afirmó que escribir este género literario demanda de los escritores honestidad, pero también alejarse de la superioridad moral para crear a sus personajes y dejar de pretender que tienen una lección para dar a quienes les leen.“Si hay algo en todo tipo de literatura es la superioridad moral, creer que los personajes que una crea, lo que tiene para decir, etcétera, es de alguna manera mejor que el lector, que les estás dando una lección, que le estás señalando, eso está pasando en literatura y lamentablemente está pasando bastante en literatura escrita por mujeres”, declaró.La mexicana Liliana Blum aseguró que crear literatura de terror es también mostrar el lado oscuro y las perversidades de quien la escribe y que no siempre se puede decir en voz alta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Lo más perturbador de todo es que en el fondo todos somos iguales, claro decidimos actuar o no actuar sobre ciertas cosas. No es difícil meterse adentro de un personaje si aceptas también lo que tú eres y las partes oscuras no tan estimulantes”, afirmó.La narradora de ‘Un descuido cósmico’ afirmó que cuando un escritor acepta su propia humanidad y reconoce su propio lado oscuro logra ser más honesto en la forma de construir sus personajes y cómo los lectores se identifican con ellos”.Ambas escritoras coincidieron en que el género del horror es un buen espacio para hablar del cuerpo y las exigencias de la sociedad ante la belleza, especialmente para las mujeres.“Mis personajes nunca se han sentido a gusto en sus cuerpos, como yo no me he sentido en el mío, por eso tienen siempre eso: o es enana, es demasiado gorda o se están haciendo viejas, mis personajes en este último libro han ido creciendo junto conmigo y eso es un reclamo que yo doy (en mis libros)”, expresó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aunque aún se desconocen las causas del incidente, el director del Moulin Rouge, Jean-Victor Clerico, declaró que no había indicios de "sabotaje", sino que se produjo por un "problema técnico".Las aspas del decano de los cabarés parisinos --inmortalizado por el pintor Henri de Toulouse-Lautrec a finales del siglo XIX-- se desprendieron hacia la 01H45 de la madrugada, una media hora después de que se fueran los últimos espectadores.Las letras M, O y U de su nombre, situadas en la fachada, también cayeron, pero no hubo heridos ni hay riesgo de otro colapso en la estructura del inmueble, según los bomberos."Es increíble", declaró a Exaucé, que no quiso dar su apellido. Este cocinero del Moulin Rouge descubrió las aspas en el suelo cuando llegó al lugar hacia las 08H00 de la mañana.La entrada del establecimiento se encontraba este jueves en la mañana acordonada, pero la calle no estaba bloqueada, mientras un camión retiraba los elementos desplomados, constató una periodista de AFP."Es extraño. Es como si cortáramos la cabeza de la Torre Eiffel. Me duele. Espero que lo arreglen rápido", declaró Daniel, de 58 años, quien pasa todos los días por delante cuando va camino del trabajo.La empresa propietaria indicó que "es la primera vez que se produce un accidente de este tipo desde la fundación del Moulin Rouge, el 6 de octubre de 1889".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Templo del cancán"Afortunadamente ocurrió después de la hora del cierre", agregó la empresa, según la cual, "cada semana la dirección técnica del cabaré comprueba el mecanismo de las aspas del molino y no había encontrado ningún problema"."El propio sitio cuenta con vigilancia 24 horas al día, sobre todo en el tejado, con presencia humana. Ya sabemos que no se trata de un sabotaje, sino de un problema técnico evidentemente", dijo a la prensa Clerico.El único incidente grave en el templo mundial del cancán fue un incendio provocado por unas obras en 1915, que obligó a cerrarlo durante nueve años, según el cabaré.La ministra francesa de la Cultura, Rachida Dati, expresó su "emoción particular para el mundo del espectáculo y para todos los enamorados de París", y la alcaldesa de la ciudad, Anne Hidalgo, dijo "esperar" que la estructura estaría reparada antes de los Juegos Olímpicos, del 26 de julio al 11 de agosto.En una mezcla de madera, metal y aluminio, las aspas fueron restauradas como nuevas hace dos décadas para que fueran más ligeras, precisó Clerico, y su estructura y motorización "son controlados cada dos meses por una empresa especializada".Este establecimiento, que cumplirá 135 años el 6 de octubre, está situado a los pies de la turística colina de Montmartre, en el norte de París, y en el corazón del animado barrio de Pigalle.Sinónimo de las desenfrenadas noches parisinas junto al Lido y sus bailarinas de cancán, atrae cada día a miles de visitantes de todo el mundo, que se fotografían ante su fachada.Sus espectáculos de bailarinas en enaguas y volantes, en la estela de leyendas como La Goulue, la Môme Fromage, Nini Pattes en l'air y Mistinguett, hicieron famosa a esta institución.La película musical Moulin Rouge de Baz Luhrmann en 2001, protagonizada por Nicole Kidman y Ewan Mc Gregor, reforzó su interés internacional.El Moulin Rouge acoge a 600.000 espectadores al año, con dos representaciones cada noche, 365 días al año, y emplea a unos 450 trabajadores.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cineasta Laurent Cantet falleció de un cáncer que sufría desde hace un tiempo, y cuyo tratamiento no le impidió estar trabajando en una película que estaba en fase de preproducción, en colaboración con Marie-Ange Lucciani, productora de la aclamada Anatomía de una caída.Dirigió 13 títulos entre largometrajes (diez), cortos (dos) y una miniserie de televisión, y los escribió todos, bien en solitario o bien trabajando en grupo.El reconocimiento internacional le llegó con Entre les murs, que fue el primer filme en francés en ganar la Palma de Oro de Cannes en 21 años.La película impactó por su narración de la vida en un instituto de enseñanza media en un barrio conflictivo de París, donde un profesor lucha para que su mensaje cale entre alumnos adolescentes de distintas razas y de orígenes modestos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de la Palma de Oro de Cannes, recibió otros diez galardones nacionales e internacionales y fue nominada a los Óscar de 2009.Cantat creó un cine de conciencia social y trató la falta de moralidad de la sociedad contemporánea, como mostró sobre todo Resources humaines (1999), que narra la peripecia de un joven de familia obrera que tras unos brillantes estudios empieza a trabajar en las oficinas de una fábrica, donde debe acometer el despido de algunos trabajadores, entre ellos su propio padre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.