Han pasado cinco años desde la última vez que el ganador de cuatro premios Grammy, Lenny Kravitz, visitó Colombia. Fue en marzo de 2019 cuando hizo vibrar a los asistentes al Movistar Arena con su Raise Vibration Tour. Ahora, regresa en su Blue Electric Light Tour en el que promociona su más reciente disco homónimo, pero en el que también interpretará éxitos como Are You Gonna Go My Way, Again, I Belong To You, entre otros.Kravitz llegará a Colombia para continuar con el tour mundial en el que se embarcó tras el lanzamiento de su álbum número doce este mismo año, con el que ha recorrido Europa y Estados Unidos desde junio.Este concierto será otro hito dentro de la lista de éxitos que han marcado el año artístico que ha tenido el artista. En la primera mitad del año, por ejemplo, además de recibir el premio Ícono de la Música en los People 's Choice Awards, también recibió su estrella estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, la número 2.774 de este famoso recorrido.En septiembre pasado, Kravitz recibió también el premio en categoría Best rock en los MTV Video Music Awards de 2024, donde se presentó tras 25 años después de la actuación en la que tocó la guitarra junto a Madonna.Entre las novedades que tendrá este concierto, estará la presentación de la banda bogotana Diamante Eléctrico como invitada al show de Kravitz. Juan Galeano, Daniel Álvarez Mejía y toda la banda compartirán escenario con el artista estadounidense.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Diamante Eléctrico (@diamanteelectrico)Recomendaciones para asistir al concierto de Lenny Kravitz en BogotáEl concierto de esta leyenda viva del rock tendrá lugar en el Coliseo Med Plus el miércoles, 11 de diciembre a las 8:00 p. m. Tenga en cuenta que al ser un concierto en mitad de semana y a las afueras de Bogotá (en Cota, en la vía El Rosal-Bogotá) debe prever el tráfico de las afueras de la ciudad y salir con anticipación.Si se desplaza en vehículo propio, puede reservar su cupo en el parqueadero a través de la tiquetera Taquilla Live, donde también puede adquirir boletas para el concierto, disponibles en todas las localidades, desde $294.000 hasta $647.000.Aunque el concierto, organizado por Páramo Presenta y Mercury Concerts, iniciará a las 8:00 p. m. y se extenderá hasta las 11:00 p. m. aproximadamente, de acuerdo con Taquilla Live, la apertura de puertas será a las 7:00 p.m.Tenga presente que la edad mínima de ingreso para menores de edad es de 12 años. Los menores de 16 años deben estar acompañados de un adulto responsable y que cuente con ticket para la localidad de menores de edad.Entre los elementos que no se permiten ingresar al coliseo están cámaras profesionales o grabadoras de audio, sombrillas, alimentos y bebidas. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Lenny Kravitz (@lennykravitz)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Será la primera vez que los miembros de la banda británica compartan "su extraordinaria historia en sus propias palabras", señala un comunicado hecho público este martes por Apple Original Films.Mick Fleetwood, John McVie, Christine McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks formaron el grupo tras un encuentro fortuito en 1974 y en esta película reflexionarán "sobre sus cincuenta años de historia, desde sus primeras grabaciones y giras de récord hasta la actualidad".El documental explorará los altibajos de su carrera y analizará lo que cada uno de sus miembros aportó para lograr una unión musical que ha vendido más de 220 millones de discos en todo el mundo.Y también "qué los mantuvo unidos cuando todas las presiones posibles, tanto fuera como dentro de la banda, amenazaban con romperlos"."Estoy fascinado por cómo surgió esta historia increíble de enormes logros musicales. De algún modo, Fleetwood Mac lograron fusionar sus vidas personales, a menudo caóticas y casi operísticas, con su propia historia en tiempo real, que luego se convirtió en leyenda. Esta será una película sobre la música y las personas que la crearon", explica Marshall en el comunicado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMientras que el productor Nicholas Ferrall resaltó que "Fleetwood Mac son un fenómeno musical con una alquimia casi más allá de la comprensión".Por ello, aseguró que desde White Horse -productora del filme junto a The Kennedy/Marsahll Company- están "enormemente agradecidos por la extraordinaria oportunidad de producir un documental que profundiza tanto en los talentos de cada miembro de la banda como en la magia que es Fleetwood Mac en su conjunto".Un filme, sin titulo ni fecha de lanzamiento confirmados, que continúa la lista de documentales de Apple, como 'La vida de Michael J. Fox' ('Still'), 'Selena Gomez: mi mente y yo' ('Selena Gomez: My Mind & Me') o '¡STEVE! (martin): un documental en 2 partes' ('Steve! (Martin): A Documentary in 2 Pieces ').🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La banda estadounidense de Nu Metal Linkin Park actuará en México, Brasil, Perú, Chile, Colombia y Argentina durante la gira mundial de 2025 y lo hará con su nueva vocalista, Emily Armstrong, anunció este jueves la agrupación en su cuenta de Instagram.Armstrong se unió al cofundador de la formación, Mike Shinoda, tras el fallecimiento de su vocalista principal, Chester Bennington, en 2017.La gira comenzará con tres conciertos en Ciudad de México (31 de enero), Guadalajara (3 de febrero) y Monterrey (5 de febrero), para después viajar a Estados Unidos, Asia y Europa.Volverá a Latinoamérica con actuaciones en Bogotá (26 de octubre), Lima (29 de octubre), Buenos Aires (1 de noviembre), Santiago (5 de noviembre), Río de Janeiro (8 de novimebre), São Paulo (10 de noviembre), Brasilia (13 de noviembre) y Porto Alegre (15 de noviembre), donde cerrará la gira.Denominada From Zero World Tour, la gira supone el inicio de una nueva etapa para la agrupación, que volvió a los escenarios en 2024 después de siete años de pausa con unas presentaciones introductorias por Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Corea del Sur, Colombia y Brasil, en las que Armstrong debutó como cantante.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl nuevo álbum del grupo, From Zero, del que ya han lanzado algunas canciones, pero que se publicará en su totalidad este 15 de noviembre, será el primer disco con Armstrong y también el primero desde la muerte de Bennington.El cantante y compositor se suicidó a los 41 años, dos semanas después de su última actuación, que fue el 6 de julio de 2017 en el Barclaycard Arena de Birmingham, en Inglaterra.La gira de presentación del disco contará con la colaboración de artistas como Queens of the Stone Age, Spiritbox, AFI, Architects, Grandson, Jean Dawson, JPEGMAFIA y PVRIS como teloneros.La salida a la venta de las entradas para los conciertos en Latinoamérica se anunciarán próximamente, y las de las actuaciones en Norteamérica y Europa se podrán adquirir el 21 y el 22 de noviembre, respectivamente, pero los miembros del club de fans podrán acceder a la preventa a partir del 18 de noviembre. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por LINKIN PARK (@linkinpark)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El concierto Monsters of Rock regresará a Bogotá tras su primera edición en el 2023, el evento fue uno de los más taquilleros en esa primera edición ya que contó con la participación de bandas como Kiss, en su último concierto en el país. Esta nueva edición fue anunciada por Páramo Presenta mencionando las bandas que estarán en este evento: Scorpions, Judas Priest, Europe, Opeth, Darkness y Kronos.En esta ocación Europe visitará por primera vez Colombia y será el reencuentro con Scorpions y Judas Priest. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMonsters Of Rock se posicionó como uno de los eventos de rock más importantes del año en el 2023 por el hecho de traer a bandas fundamentales para el género y haber sido uno de los eventos entre la gira de despedida de Kiss. La nueva edición será el 30 de abril de 2025 en el Coliseo Medplus en la ciudad de Bogotá. LaLas entradas estarán disponibles en preventa para el Banco Falabella desde el 15 de noviembre y a público general desde el 18 de noviembre en taquillalive.com🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Flautas, violines, guitarras y acordeones han hecho que la música de Mago de Oz sea diferente e inconfundible desde finales de los años ochenta, cuando empezaron a llevar el rock y el metal por sendas inexploradas en nuestro idioma.Quien escucha La danza del fuego, por ejemplo, no solo se adentra en los ritmos de una banda insignia del rock en español, sino que puede transportarse a través de la música a escenarios medievales y fantásticos, de hadas, rituales y cerveza, como las tabernas de La comarca, en El señor de los anillos, de Westeros, en Juego de Tronos o a una fogata en los bosques escandinavos de Vikingos.Inspirados en la banda de heavy metal Iron Maiden, en 1988 nació Transilvania 666 una banda de rock española integrada por el baterista y compositor Jesús María Hernández Gil, conocido como Txus Di Fellatio, la voz de Juanma Lobón, el guitarrista Piter, el bajista David y el tecladista Alfonso.En cuestión de meses, la agrupación pasó a llamarse Mago de Oz, en alusión al cuento fantástico del escritor Lyman Frank Baum. En sus primeros años, Mago de Oz fue buscando un sonido propio, que viajaba entre el rock y el folk, con un sonido particular proveniente de la música celta y de los ritmos folclóricos de Europa. Pero no fue sino hasta 1992 que el violín llegó a la banda de la mano de Carlos Prieto, conocido como Mohamed, dándole el sonido característico a sus canciones. Aunque no son pioneros en esta fusión de ritmos, sí acercaron este ritmo al habla hispana, otras bandas representativas del folk metal son las irlandesas Primordial y Cruachan.De esta formación inicial, a Rock al parque llegarán Di Fellatio y Mohamed, quienes se mantienen en el grupo junto a nuevos músicos. A lo largo de sus 36 años de trayectoria, por Mago de Oz han pasado al menos treinta y dos músicos, convirtiendo a estos dos artistas en la base principal de la banda, siendo Di Fellato el compositor de la mayor parte de las canciones.Después de tocar en bares de Madrid y componer sus primeras canciones, Mago de Oz lanzó en 1994 su primer álbum, homónimo, que pese a no tener un éxito inmediato dejó para la posteridad la canción del mismo nombre del álbum, casi diez minutos de una fiesta que fusiona la música celta, con el rock y el jazz. Desde entonces la banda ha grabado 18 álbumes de estudio y hecho alrededor de 29 giras llevando fiesta, rock, imaginación y crítica social por el mundo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíJosé Andrea y los mejores años de Mago de OzEn 1995 se consolidó la que muchos consideran como la mejor formación que ha tenido Mago de Oz, con la llegada del músico boliviano-español José Mario Martínez Arroyo Gonzalez, conocido como José Andrea, vocalista de la banda hasta 2011. Junto a él, Txus y Mohamed estarían el bajista Salva García, los guitarristas JC Marín y Frank y desde 1999 el flautista Fernando Ponce de León.La voz aguda y potente de José Andrea es un referente en la música de Mago de Oz y con la que se acompañó el inició discográfico de la banda álbumes conceptuales.Aunque fue con el disco Finisterra (2000) que la banda se catapultó a la fama, dos álbumes previos fueron trascendentales para marcar su estilo musical y su imagen. En 1996, ya con Andrea, estrenaron Jesús de Chamberí, que pese a no tener una canción que se considere un himno de la agrupación, mostró la capacidad musical de la banda.Además está presente en las catorce canciones que lo componen el interés por hacer crítica social, explorar nuevos ritmos y, en este caso, provocar al público con una letras que cuestionan y desafían a la iglesia como institución, sus prácticas corruptas y la doble moral.Siguiendo con los discos conceptuales, en 1998 el mundo conoció La leyenda de la mancha, álbum inspirado en la obra literaria Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes. Con un rock más pesado, este álbum trajo consigo Molinos de viento, una de las canciones más representativas del grupo y que hace parte de un viaje entre el idealismo y la búsqueda de justicia por la que transita el disco.Por fin, con el inicio de siglo llegó Finisterra, considerado el mejor disco de Mago de Oz, incluido en la lista de “25 Grandes discos del metal iberoamericano” de la revista Rolling Stone. Este álbum marcó el éxito de la banda, y también determinó que sería una banda de amores u odios.Con calaveras y diablos, ritos satánicos, gaitas y críticas hacia las instituciones religiosas este álbum ofrece varios éxitos que se espera interpreten en su presentación en Bogotá. Desde canciones festivas como Hasta que el cuerpo aguante, otras más nostálgicas como La danza del fuego y los himnos Finisterra y Fiesta Pagana.El tercer y último hito de Mago de Oz con la voz de Andrea fue la trilogía de álbumes Gaia, publicados en 2003, 2006 y 2010 respectivamente, en la que abordan temas históricos como la colonización española en territorio mexicano, los desmanes de la Inquisición y abre su camino a tocar otros temas como la destrucción del medio ambiente y los efectos del capitalismo desenfrenado.Así llega Mago de Oz a Rock al parque 2024La presentación de Mago de Oz en el cierre de Rock al parque en el escenario principal este 11 de noviembre, significa la segunda presentación de la banda española en Bogotá después de su concierto el pasado mes de mayo. En ese mes también visitó Medellín y Cali dentro de su gira Feliz no cumpleaños.Pese a la salida de Andrea y la constante rotación de músicos, Mago de Oz se ha mantenido activa, publicando seis discos más desde entonces y explorando una nueva etapa con Javier Domínguez, Zeta, como vocalista hasta 2023.Aunque con el paso de los últimos años ha perdido vigencia, Mago de Oz tiene en su repertorio que apela a la nostalgia y a la rebeldía que marcó a algunas generaciones durante la primera década de los 2000.En su presentación en Bogotá, los asistentes vibrarán con esos clásicos y también escucharán en vivo lo nuevo de la banda con canciones de su álbum estrenado este año Alicia en el metalverso. En este disco están los músicos que se presentará, Rafa Blass, vocalista; los guitarristas Jorge Salán, Victor de Andrés y Ix Valieri; el bajista Fernando Mainer; Diego Palacio en los vientos, Francisco Antonelli como tecladista y claro, Di Fellatio y Mohamed.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Rock al Parque llega de nuevo a Bogotá con uno de los eventos más grandes de toda América Latina, con más de 50 bandas el Simón Bolívar retumbará al sonido del rock y de los fanáticos que se reunen cada año en el rito de la música.Dentro de las bandas y artistas que se presentarán este fin de semana, solo hay una cuota de seis artistas mujeres, esto nos abre la pregunta de ¿qué está sucediendo con la participación femenina en este tipo de eventos? Mientras se resuelve esa duda, les traemos las recomendadas de esta nueva edición de Rock al Parque.DoroLa cantante de heavy metal Dorothee Pesch es más conocida por su nombre artístico Doro, comenzó su carrera en la década de los 80 e hizo parte de bandas como Warlock y Snakebite, luego se dedicó a su carrera como solista. Doro fue una de las pioneras del metal en sus inicios y dio giras por toda Europa en los 90, grabó algunos discos en Estados Unidos, sin embargo, su auge se concentró más en Alemania y sus alrededores. Hasta ahora tiene más de veinte álbumes de estudio y se corona como la mejor cantante de metal viva. Doro se presentará en Rock al parque el domingo 10 de noviembre en el escenario Bio a las 8:40 p.m.Fabiana CantiloCantilo es una de las figuras femeninas más reconocidas en el rock argentino, ha trabajado con leyendas como Charly García y Fito Páez, hizo parte del grupo musical Los Twist y comenzó su carrera en los 80 con la banda Bay-Biscuits. En el 2023 realizó una gira por Europa en la que tuvo varios shows sold out como en Madrid, Girona, Barcelona, Tenerife, París, Londres y Dublín. Se presentará en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 7:35 p.m.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLilithLilith es conocida por ser una de las primeras bandas compuestas solo por mujeres en Colombia que exploró los sonidos del hard rock y el rock contemporáneo. Su creación en los 2000 ha sido inspiración para otras mujeres que quisieron encaminarse por el rock, comenzaron haciendo covers de artistas como Alanis Morissette y Cranberries para después comenzar a grabar su propia música. Se caracterizan por mezclar géneros y por tener un toque melancólico en sus letras, se presentarán en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Eco a las 4:45 p.m.Gabriela PonceGabriela Ponce es una de las voces más prometedoras de la nueva ola de artistas colombianos, Ponce es egresada del programa de jazz de la Universidad Nacional de Colombia. Su habilidad con los instrumentos como el clarinete y su voz han creado el álbum El sur del ser, lanzado en el 2023. En el marco de su disco hizo 22 conciertos en Colombia y ahora cantará el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 2:30 p.m.HighwayEsta es otra banda solo conformada por mujeres, iniciaron en el año 2005. Su discografía incluye el LP Predicción Fatal (2008), con una edición especial lanzada en México, y los sencillos Sadismo, Placer y Odio (2015), Aileen (2016), Contracaras (2018) y No Eres Tan Fuerte (2019). Ahora, la banda está promocionando su nuevo LP, Viral, producido por Pyngwi (Don Tetto, The Mills, Rocka) y lanzado en octubre de 2023. Se presentarán el sábado 9 de noviembre en el escenario Bio a las 6:15 p.m.Linda habitanteLinda Habitante es una cantante de género alternativo que fusiona en su música rap, flamenco, rock, ritmos latinoamericanos y sonidos tradicionales de Colombia. Su sello distintivo es el uso de live voice looping, una técnica que crea capas de su propia voz en vivo. Su sello es innovar con ritmos de música colombiana. Se presentará en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 2: 55 p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante la noche de este 5 y 6 de noviembre el Movistar Arena de Bogotá se convertirá en el escenario de uno de los principales conciertos de rock que recibe el país este año. Durante dos noches más de 25 mil personas vibrarán al ritmo de éxitos de Slipknot como Duality, Pshychosocial y Wait and bleed.El paso por Bogotá de la banda nacida en 1995 en Iowa, Estados Unidos, después de visitar Brasil, Paraguay, Argentina, Perú y Chile, hace parte de la gira con la que Slipknot celebra el aniversario número 25 de su álbum homónimo, estrenado el 29 de junio de 1999. Tras su paso por Colombia, visitará México para cerrar el tour por Latinoamérica.Los enmascarados, que a través de los años se han consolidado como unos de los principales exponentes del metal, cuentan con siete álbumes de estudio, dos en directo y cuatro en video, entre su producción musical.Reconocidos en la cultura popular por llevar máscaras, que evolucionan a la par que su música, y uniformes que enumeran a cada integrante, la banda se caracteriza por llevar un estilo agresivo que mezcla varios subgéneros del metal, como el nu metal y el metal alternativo, y es conocida tanto por su música intensa como por su estética única.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSi no tiene presente el estilo musical de la banda, puede asociarlo con la banda sonora de películas como Resident Evil, donde contribuyen con sus canciones My plague y Vermilion; con Snap en la entrega crossover Freddy contra Jason, o con Vermilion Pt. 2 en Inframundo: evolución. A continuación, le contamos sobre los cinco discos principales de la banda, teniendo en cuenta su año de estreno.“Slipknot” (1999)Este es el álbum debut de la banda y con el que llevaron su música a la escena internacional a través de sonidos intensos y oscuros. Con este álbum, los nueve integrantes de la agrupación dieron a conocer su imagen enigmática y aterradora, enmarcada con la voz de Corey Taylor en una musicalización densa y pesada con futuros éxitos como Wait an bleed, Spit it out, Surfacing y Eyeless.“Iowa” (2001)El segundo disco de Slipknot representa una evolución hacia un sonido más crudo y pesado de la banda, en el que abandona algunos de los elementos melódicos presentes en su primer álbum. Lanzado el 28 de agosto de 2001, es ampliamente considerado uno de los discos más oscuros y extremos de la banda. Este álbum profundiza en temas de dolor, desesperación y odio, reflejando las dificultades personales y emocionales que los miembros de Slipknot atravesaban en ese momento.Con quince canciones, esta grabación tiene un cierre particular con Iowa, canción que le da el título y tiene una duración de 15:03 minutos en los que la banda explora los aspectos más oscuros de la psique humana.“Vol. 3: (The Subliminal Verses)” (2004)El tercer álbum de estudio de Slipknot mostró una evolución en el sonido de la banda, explorando nuevas direcciones sin perder la intensidad que los caracteriza. El disco fue producido por Rick Rubin, un reconocido productor que, en este caso, ayudó a Slipknot a ampliar su rango musical. Con canciones más suaves y melódicas con esta producción la banda llegó a un público más amplio.Además, en este disco se encuentran algunos de los himnos de la agrupación como Duality, Vermilion y Vermilion Pt. 2 y la ganadora del Grammy en la categoría de Mejor interpretación de metal Before I forget.“All Hope Is Gone” (2008)Este álbum es especial en la trayectoria de la banda, no solo porque tiene un sonido todavía más melódico, sino porque fue el último en el que participaron el bajista Paul Gray (quien falleció en 2010) y el baterista Joey Jordison (quien dejó la banda en 2013 y falleció en 2021). Además, fue el primer álbum de Slipknot en debutar en el número uno en el Billboard 200, consolidando su éxito en la escena musical. Psychosocial, una de las canciones insignias de Slipknot es el sencillo más famoso de este disco.The End, So Far (2022)Estrenado el 30 de septiembre de 2022, este es el séptimo álbum de estudio de Slipknot y el más reciente de su discografía. Como su nombre lo indica esta producción de doce canciones simboliza un aparte en la trayectoria de la banda, pues fue el último con la participación de Craig Jones y Jay Weinberg antes de su salida de la banda en junio y noviembre de 2023 respectivamente, y también es el último álbum de la banda con el sello discográfico Roadrunner Records, que los acompañó desde su debut.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La sala Troxy de la capital británica, de estilo 'art deco' y con cierto aire decadente, fue el escenario escogido por Robert Smith, Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O´Donnell y Reeves Gabrels para corroborar su vuelta a la primera línea de la música. Y no defraudaron.Los de Crowley dieron un concierto de tres horas, conformado por un repertorio de 31 canciones en los que la banda presentó sus más recientes temas, pero también recordó algunos de los grandes éxitos de su casi medio siglo de carrera ante unas 3.000 personas.Y salió Robert Smith, con sus 65 años, sus pelos alocados, sus ojos pintados y demostró que la estrella de su guitarra Schecter no era la única que había sobre ese escenario, porque la voz del británico sigue incombustible y consiguió que, para muchos, esta noche se detuviera el tiempo y regresaran a sus años de juventud.La primera parte del concierto sirvió de carta de presentación de Songs of A Lost World y reprodujeron, en el mismo orden, las ocho canciones de su último disco, que comparadas con el resto de su discografía reafirman el cariz más introspectivo y oscuro que The Cure ha tomado en este álbum.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíGanan mucha más presencia en directo las largas introducciones musicales, a base de pianos, guitarras y sintetizadores, mientras un desgarrador Smith confiesa en 'All I Ever Am' que ha "perdido" toda su vida reflexionando sobre el tiempo y los recuerdos y se pregunta en qué momento aquel niño que quería comerse el mundo ha envejecido tanto en End Song.Tras un breve intermedio, The Cure volvió a las tablas y el público londinense enloqueció al escuchar los acordes de Plainsong, Lovesong o High y, escuchando sus letras con perspectiva, sorprende que ya en 1989 sus canciones hablaran de la vejez.La parte final fue, en parte, un homenaje a Seventeen Seconds, su segundo disco de estudio (1980), que cumplirá 45 años en 2025 y por supuesto no faltó el himno gótico A Forest y otros temas como At Night, M o Play for Today.Este concierto tenía que ser un viernes. Es el día de la semana que más alegrías ha dado a la banda británica y es el día en el que decidieron cantarle al amor en Friday, I´m In Love y que, con tan solo escuchar las primeras notas, levantó de sus asientos a todo el público.El colofón llegó de la mano de Boys Don´t Cry y puede que su canción asegure que los chicos no lloran, pero Smith se despidió con un "Gracias. Nos vemos pronto" y se llevó las manos al pecho mientras el público aplaudía incesante y coreaba su nombre. Porque The Cure está de vuelta y la espera de dieciséis años ha merecido la pena.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este trabajo es el decimocuarto álbum de estudio del grupo que alcanzó su esplendor en las décadas de 1980 y 1990 con éxitos como "Boys don't cry", "Close to me" y "Friday I'm in love"."Songs of a lost world" se lanza en vinilo, CD, casete y en plataformas digitales.El líder del grupo, Robert Smith, mantiene a sus 65 su estilo único, con el pelo alborotado y rímel alrededor de los ojos.Las primeras críticas han sido muy positivas, como la del diario The Guardian, que consideró que "Songs of a lost world" es el mejor álbum del grupo desde "Disintegration" en 1989."El grupo está en su apogeo artístico: melancólico y conmovedor, con un sonido de percusión que coincide con el impacto emocional de la letra", escribe el diario.En "Songs of a lost world", Robert Smith canta sobre la melancolía, habla de la muerte y del duelo posterior.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Lamentablemente, la muerte está cada día más presente. Cuando eres más joven, la romantizas. Luego empieza a sucederle a tus familiares y amigos y es una historia diferente", dijo Robert Smith a BBC antes del lanzamiento del álbum."Dura unos 50 minutos y terminas en un lugar diferente de donde empezaste. Espero que la gente responda", añadió Smith, en otra entrevista publicada en la página de YouTube de la banda.The Cure no había lanzado un disco desde 2008, con '4.3 Dream'."Decir que era largamente esperado no alcanza a hacer justicia al nuevo álbum de The Cure. Songs of a Lost World es un álbum que se ha prometido, rumoreado, ofrecido, provocado, anhelado, e imaginado. Los fans de la banda han pasado 16 años encendiendo velas y rezando por este trabajo", afirma la prestigiosa revista musical 'RollingStone'.El grupo, formado en 1976 en Crawley, en el sur de Inglaterra, que ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo, sigue llenando salas y estadios.En julio de 2018, The Cure celebró sus cuarenta años de carrera con un concierto en Hyde Park, en Londres, ante 65.000 personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La nueva banda de rock y metal, The Yagas, estrenó su primer sencillo The crying room, con la sorpresa de que su vocalista es la artista estadounidense Vera Farmiga, conocida a nivel mundial por su rol protagónico en la saga de películas de terror de El conjuro, que estrenará su cuarta entrega en 2025. A través de sus redes sociales Farmiga dio a conocer su debut en una nueva faceta, ahora como cantante, pues además de ser actriz, también ha incursionado en la dirección y producción de cine y en la danza. En este nuevo proyecto musical, donde ella es la voz principal, la acompañan como integrantes de la banda su esposo, Renn Hawkers, Jason Bowman en la batería, el guitarrista Mark Visconti y Mike Davis en el bajo.Desde el pasado marzo, la actriz anunció en sus redes la creación de The Yagas como banda, sin muchos detalles, pero fue hasta este 25 de octubre que se estrenó el primer sencillo de la banda, The crying room, una canción que podría clasificarse entre el metal alternativo y el new wave.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEsta canción, escrita conjuntamente por todos los integrantes de la banda en compañía de Acacia Ludwig, esposa de Bowman, habla del sentimiento de frustración, del temor y el diálogo interno entre creer en la luz o entregarse a la desazón, es una dedicatoria a la libertad y una invitación a correr riesgos."Los humanos somos capaces de quedarnos atrapados en nuestras sombras de vez en cuando. Es en este equilibrio de las dualidades, una eclipsando literalmente a la otra, que tenemos la oportunidad de mirar profundamente en nuestros corazones y lo que está sucediendo internamente y sacarlo a la luz. No importa lo oscuro que sea", escribió Farmiga en un comunicado. Además, el video musical que acompaña la canción no solo tiene a la actriz como protagonista de un viaje entre el luto, el bosque y un eclipse, sino que al final tiene una dedicatoria particular que llama la atención: “Este video está dedicado a las personas valientes de Ucrania”.Esta dedicatoria se entiende no solo como una muestra de activismo por parte de la banda, sino de apoyo a su gente, pues Farmiga, pese a haber nacido en Estados Unidos, el 6 de agosto de 1973, es de ascendencia ucraniana, sus padres emigraron desde el país europeo a América. En otras ocasiones, la artista ha mostrado su solidaridad frente al pueblo ucraniano, como en 2022 cuando publicó en sus redes sociales, en ucraniano, la bandera del país y algunas líneas del himno nacional entre las que reza "Todavía no está muerta Ucrania y gloria y voluntad / Sin embargo, para nosotros, los hermanos de la juventud, el destino sonreirá”.Escuche aquí el debut musical de la artista, quien también se ha destacado por su participación actoral en Bates motel, La huérfana, Los infiltrados y la comedia romántica Amor sin escalas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El volumen explotado de oro en Colombia representa aproximadamente el 1,5 por ciento de la producción mundial, de acuerdo con la Agencia Nacional de Minería. La extracción de este metal sin embargo, trae consigo impactos medioambientales y sociales perjudiciales como contaminación y desplazamientos y claro, aquí podríamos describirlos a detalle, pero un panorama de esta problemática también lo puede ver en la nueva película colombiana Uno.Junto a la travesía de Esmeralda, la protagonista de esta historia encarnada por Marcela Mar, Uno le presenta a los espectadores, desde el thriller y el misterio, distintas caras de una de las realidades de la minería de oro. Resistencia, desplazamientos, contaminación, corrupción, enfermedad, son algunos de los contextos con los que se encuentra esta mujer que, tras una pérdida, solo es movida por el dolor y la búsqueda de respuestas.Guatapé y distintas locaciones de Antioquia, uno de los departamentos con mayor minería de oro en el país, configuran La Alameda, la población ficticia en la que Esmeralda descubre el contexto minero. Relaciones hostiles entre multinacionales mineras, barequeros, ciudadanos y grupos al margen de la ley giran en torno al oro. Para la productora de este thriller, cargado de drama y también acción, Laura Franco, la tensión que vive La Alameda puede ser la historia de cualquier población en Latinoamérica que está atravesada por la minería. Pese a retratar un contexto real, esta es una historia de ficción, que entretiene y mantiene a los espectadores a la expectativa, acompañando a Esmeralda en su búsqueda. Sin embargo, a las persecuciones y las intrigas las acompaña ese trasfondo de la minería, el que hace la historia cercana e indirectamente invita a la reflexión. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Uno es de esas películas que se tienen que contar más, películas con mucho contenido, que te invitan a pensar, a reflexionar, que te hablan de un tema importante y a la vez que te entretienen", explica Juan Pablo Urrego.Tras ver la película en su estreno, Marcela Mar reflexiona sobre la producción: “Esta película nos plantea una situación donde se pone en peligro la vida de los habitantes de esta población donde se manejan las cosas con mucha irresponsabilidad, a través de la corrupción. Es una película que te pone a pensar al respecto”. El rol de Mar es particular. pues la vemos de principio a fin hilando la historia, solo un personaje adicional tiene rostro y la acompaña, Joaquín, interpretado por Urrego. Esmeralda interactúa con más personas, sí, pero el dolor que la habita es tan grande que la enceguece y a la vez, el público sigue la historia con ese mismo velo. Urrego, por su parte, da vida a Joaquín, un joven habitante de La Alameda que vive con su padre, movido por la rabia contra quienes han usurpado los recursos de la comunidad y contra quienes hostigan a sus amigos, quienes practican la minería artesanal. “En mi vida he tenido la oportunidad de conocer Joaquines, gente que trabaja en el campo, que está luchando por algunos derechos y nos los pueden conseguir. He tenido esas experiencias en mi vida, cercanas, otras lejanas, algunas las he visto”, cuenta. Agrega que en estas experiencias basó su trabajo para darle una personalidad a Joaquín, “un personaje que tiene rabia encima por lo que ha vivido, muertes, desapariciones, desplazamientos”.Uno es el debut en largometrajes de ficción de Julio César, quien durante alrededor de veinte años ha trabajado en la industria en trabajos para televisión, dirigiendo videos musicales, comerciales y algunos shows de comedia para Netflix. Sin embargo, cuenta que hasta este momento y con esta historia se sintió plenamente seguro para dirigir su ópera prima. Producida por Clover Studios, del cineasta Simón Brand y Laura Franco Franco, a esta película le da un toque particular el trabajo realizado por Matt Waters, reconocido diseñador de sonido de Juego de tronos. Y así, con esta suma de ingredientes de sonido, actuación y temática sobresalientes Uno se estrena en cine este 21 de noviembre. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Clover Studios (@cloverstudios__)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo avanzaron este miércoles en conferencia de prensa los organizaciones del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, que se celebra del 5 al 15 de diciembre en la capital cubana, y que hablaron de "primicia mundial".“La adaptación cinematográfica de la obra maestra del Premio Nobel de Literatura se estrenará el 6 de diciembre en la capital cubana, en el segundo día del Festival de Cine”, adelantó la directora del evento cultural, Tania Delgado.Netflix, que no está disponible en la isla caribeña, tiene previsto estrenar a nivel mundial esta miniserie el 11 de diciembre.García Márquez (1927-2014) fue una figura muy vinculada a Cuba y a su cine durante años. Entre otras cosas, presidió la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, una organización con sede en La Habana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA propósito del festival, una de las principales citas culturales del año en Cuba, su directora adelantó que este año participarán 110 filmes -89 menos que el año pasado- de un total 42 países, incluidos Cuba, México y Argentina, entre otros.La edición 45 del festival abrirá con la película argentina “Los domingos mueren más personas”, e incluirá foros como el que se va a dedicar al guionista y director de cine de animación cubano Juan Padron (1947-2020).De igual manera, en el concurso de carteles competirán 30 originales de 17 países. La gala de premiación se realizará el 15 de diciembre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hathaway y Showalter contarán la historia de Lowen Ashleigh, una escritora que está al borde de la ruina financiera y que recibe una oferta laboral para completar los libros de una exitosa serie de suspenso escrita por Verity Crawford (interpretada por Hathaway), después de que un misterioso accidente impidiera a la autora terminar su trabajo.En el proceso, Ashleigh deberá discernir si los escritos de Verity son simplemente escabrosas obras de ficción o una ominosa advertencia de un psicópata trastornado.Anteriormente, la intérprete de 'The Princess Diaries' y el director de 'The Big Sick' trabajaron juntos en la comedia romántica 'The Idea of You', estrenada este año, sobre el romance de una madre soltera de 40 años con un joven de 24 líder de una banda de pop de fama internacional.El guion actual está siendo escrito por Nick Antosca ('The Act') y se espera que la película se estrene en salas de cine.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí'Verity', de Hoover, es un thriller gótico y psicosexual que fue publicado en 2018 y adquirido en 2021 por Grand Central Publishing por el gran éxito que estaba teniendo.Este es el cuarto libro de Hoover que llegará a la gran pantalla; el primero fue 'It Ends With Us', protagonizada por Blake Lively y Justin Baldoni y estrenada en agosto, y junto con 'Verity', 'Regretting You' y 'Reminders of Him' se encuentran en proceso de producción con diferentes estudios.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
PRIMERA PARTEITodas las familias felices se parecen entre sí; pero cada familia desgraciada tiene un motivo especial para sentirse así. En casa de los Oblonsky andaba todo trastrocado. La esposa acababa de enterarse de que su marido mantenía relaciones con la institutriz francesa y se había apresurado a declararle que no podía seguir viviendo con él.Semejante situación duraba ya tres días y era tan dolorosa para los esposos como para los demás miembros de la familia. Todos, incluso los criados, sentían la íntima impresión de que aquella vida en común no tenía ya sentido y que, incluso en una posada, se encuentran más unidos los huéspedes de lo que ahora se sentían ellos entre sí.La mujer no salía de sus habitaciones; el marido no comía en casa desde hacía tres días; los niños corrían libremente de un lado a otro sin que nadie les molestara. La institutriz inglesa había tenido una disputa con el ama de llaves y escribió a una amiga suya pidiéndole que le buscase otra colocación; el cocinero se había ido dos días antes, precisamente a la hora de comer; y el cochero y la ayudante de cocina manifestaron que no querían continuar prestando sus servicios allí y que sólo esperaban que les saldasen sus haberes para irse.El tercer día después de la escena tenida con su mujer, el príncipe Esteban Arkadievich Oblonsky –Stiva, como le llamaban en sociedad–, al despertar a su hora de costumbre, es decir, a las ocho de la mañana, se halló, no en el dormitorio conyugal, sino en su despacho, tendido sobre el diván de cuero.Volvió su cuerpo, lleno y bien cuidado, sobre los flexibles muelles del diván, como si se dispusiera a dormir de nuevo, a la vez que abrazando el almohadón apoyaba en él la mejilla. De repente se incorporó, se sentó sobre el diván y abrió los ojos.«¿Cómo era», pensó, recordando su sueño. «¡A ver, a ver! Alabin daba una comida en Darmstadt… Sonaba una música americana… El caso es que Darmstadt estaba en América… ¡Eso es! Alabin daba un banquete, servido en mesas de cristal… Y las mesas cantaban: "Il mio tesoro"..: Y si no era eso, era algo más bonito todavía.» Había también unos frascos, que luego resultaron ser mujeres… »💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLos ojos de Esteban Arkadievich brillaron alegremente al recordar aquel sueño. Luego quedó pensativo y sonrió. «¡Qué bien estaba todo!» Había aún muchas otras cosas magníficas que, una vez despierto, no sabía expresar ni con palabras ni con pensamientos.Observó que un hilo de luz se filtraba por las rendijas de la persiana, alargó los pies, alcanzó sus zapatillas de tafilete bordado en oro, que su mujer le regalara el año anterior con ocasión de su cumpleaños, y, como desde hacía nueve años tenía por costumbre, extendió la mano hacia el lugar donde, en el dormitorio conyugal, acostumbraba tener colocada la bata.Sólo entonces se acordó de cómo y por qué se encontraba en su gabinete y no en la alcoba con su mujer; la sonrisa desapareció de su rostro y arrugó el entrecejo.–¡Ay, ay, ay! –se lamentó, acordándose de lo que había sucedido.Y de nuevo se presentaron a su imaginación los detalles de la escena terrible; pensó en la violenta situación en que se encontraba y pensó, sobre todo, en su propia culpa, que ahora se le aparecía con claridad.–No, no me perdonará. ¡Y lo malo es que yo tengo la culpa de todo. La culpa es mía, y, sin embargo, no soy culpable. Eso es lo terrible del caso! ¡Ay, ay, ay! –se repitió con desesperación, evocando de nuevo la escena en todos sus detalles.Lo peor había sido aquel primer momento, cuando al regreso del teatro, alegre y satisfecho con una manzana en las manos para su mujer, no la había hallado en el salón; asustado, la había buscado en su gabinete, para encontrarla al fin en su dormitorio examinando aquella malhadada carta que lo había descubierto todo.Dolly, aquella Dolly, eternamente ocupada, siempre llena de preocupaciones, tan poco inteligente, según opinaba él, se hallaba sentada con el papel en la mano, mirándole con una expresión de horror, de desesperación y de ira.–¿Qué es esto? ¿Qué me dices de esto? –preguntó, señalando la carta.Y ahora, al recordarlo, lo que más contrariaba a Esteban Arkadievich en aquel asunto no era el hecho en sí, sino la manera como había contestado entonces a su esposa.Le había sucedido lo que a toda persona sorprendida en una situación demasiado vergonzosa: no supo adaptar su aspecto a la situación en que se encontraba. Así, en vez de ofenderse, negar, disculparse, pedir perdón o incluso permanecer indiferente ––cualquiera de aquellas actitudes habría sido preferible–, hizo una cosa ajena a su voluntad («reflejos cerebrales», juzgó Esteban Arkadievich, que se interesaba mucho por la fisiología): sonreír, sonreír con su sonrisa habitual, benévola y en aquel caso necia.Aquella necia sonrisa era imperdonable. Al verla, Dolly se había estremecido como bajo el efecto de un dolor físico, y, según su costumbre, anonadó a Stiva bajo un torrente de palabras duras y apenas hubo terminado, huyó a refugiarse en su habitación. Desde aquel momento, se había negado a ver a su marido. «¡Todo por aquella necia sonrisa!», pensaba Esteban Arkadievich. Y se repetía, desesperado, sin hallar respuesta a su pregunta: «¿Qué hacer, qué hacer?».🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hace 114 años, el 20 de noviembre de 1910, León Tolstói, uno de los gigantes de la literatura universal, falleció en una modesta estación de tren en Astápovo. Su muerte, a los 82 años, marcó el fin de una vida que osciló entre la aristocracia y la búsqueda espiritual radical, entre la riqueza material y la renuncia más absoluta. Tolstói no solo dejó tras de sí una obra monumental; su existencia misma fue una parábola de las contradicciones humanas, la lucha por el sentido de la vida y el compromiso ético.Tolstói: el hombre y su contextoNacido en 1828 en Yasnaya Polyana, una vasta finca rural al sur de Moscú, Tolstói creció rodeado de privilegios. Hijo de una familia aristocrática, quedó huérfano a temprana edad, una experiencia que marcó su visión de la fragilidad de la existencia. A pesar de los lujos de su juventud, Tolstói llevó una vida temprana de desorden, dedicada al juego, las fiestas y los excesos típicos de su clase.Sin embargo, su vida dio un giro durante la década de 1850, cuando sirvió como oficial en la Guerra de Crimea. Allí, entre los horrores del conflicto, empezó a reflexionar sobre las grandes preguntas de la vida: la mortalidad, la moralidad y el propósito humano. Estas experiencias cimentaron el germen de las obras que escribiría años después, donde diseccionaría con una precisión casi quirúrgica las contradicciones de la sociedad rusa y, por extensión, de la humanidad.Tolstói se convertiría en un maestro de los detalles y de las profundidades psicológicas, características que definieron su estilo literario. Sus textos ofrecen un retrato incisivo de la sociedad rusa del siglo XIX, pero van mucho más allá de lo anecdótico: son tratados sobre las pasiones humanas, el poder, el amor y la guerra.Obras imprescindibles de Tolstói1. "Guerra y paz" (1869)A menudo descrita como la gran novela de la humanidad, Guerra y paz no es simplemente un relato de la invasión napoleónica de Rusia; es un fresco épico que examina cómo los individuos navegan las fuerzas históricas y personales que los moldean. Tolstói no solo retrata la guerra con una precisión desgarradora, sino que también indaga en las complejidades de las relaciones humanas y las preguntas más fundamentales sobre el destino y la libertad.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí2. "Anna Karénina" (1878)Si Guerra y paz es un mural de proporciones épicas, Anna Karénina es una disección íntima de las relaciones humanas. Esta novela explora la colisión entre el deseo personal y las expectativas sociales a través de la historia de Anna, atrapada entre su pasión por el conde Vronski y el sufrimiento que su amor ilícito inflige a su familia. Tolstói no toma partido; su genio radica en presentar la tragedia de Anna con una humanidad implacable, sin juicio moral explícito.3. "La muerte de Iván Ilich" (1886)Una de las cumbres de la narrativa breve, esta novela corta examina la banalidad de la vida burguesa y la confrontación con la muerte. Iván Ilich, un juez de éxito, enfrenta su inminente fallecimiento, y Tolstói usa esta premisa para explorar con lucidez desgarradora la hipocresía social y la búsqueda de una vida auténtica.4. "Resurrección" (1899)Esta novela marcó el auge de la etapa tardía de Tolstói, dominada por su pensamiento ético y religioso. En Resurrección, el autor denuncia las injusticias del sistema judicial ruso, al tiempo que desarrolla su visión de la redención espiritual. Aunque menos conocida que sus obras mayores, es esencial para entender la evolución de su pensamiento.La relevancia contemporánea de Tolstói¿Por qué Tolstói sigue siendo una figura fundamental más de un siglo después de su muerte? La respuesta radica en su capacidad para articular lo que es esencialmente humano. En un mundo saturado de superficialidad, sus obras nos enfrentan a preguntas fundamentales: ¿qué significa vivir con autenticidad? ¿Cómo reconciliar nuestras aspiraciones con las restricciones sociales? ¿Es posible encontrar sentido en un universo indiferente?Tolstói fue un cronista de lo eterno, y su mirada no ha perdido fuerza. En un tiempo donde las narrativas rápidas y los consumos efímeros son la norma, la inmersión en Guerra y paz o Anna Karénina ofrece una pausa necesaria para explorar las complejidades de la experiencia humana.Por último, su vida misma nos interpela. La renuncia a su aristocracia, su búsqueda de la simplicidad radical y su rechazo al poder institucional —ya fuera la iglesia, el estado o la economía— resuenan con las inquietudes contemporáneas sobre la sostenibilidad, la justicia social y la autenticidad.León Tolstói no es un autor del pasado; es un guía, un compañero incómodo que nos recuerda que nuestras vidas están inevitablemente ligadas a los grandes dramas humanos. Como dijo en una de sus cartas: "Todos piensan en cambiar el mundo, pero nadie piensa en cambiarse a sí mismo". Esa llamada a la introspección sigue siendo tan provocativa y vital como lo fue hace más de un siglo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
