El cantante Bruce Springsteen vendió los derechos de su catálogo musical a Sony por unos 500 millones de dólares, informaron la revista estadounidense Billboard y el diario The New York Times. Esta venta, la más reciente de un frenesí de cesiones de derechos entre estrellas mundiales del rock desde 2020, incluye el catálogo musical grabado del artista así como sus creaciones como compositor, incluyendo éxitos como "Born in the U.S.A." o "Streets of Philadelphia", indicaron fuentes conocedoras del acuerdo a estos medios.Sony confirmó la adquisición en un comunicado, pero no detalló su monto. "Durante los últimos 50 años, los hombres y mujeres de Sony Music me han tratado con el mayor respeto como artista y como persona", dijo Springsteen en este comunicado de Sony. "Estoy emocionado de que mi legado continúe siendo cuidado por la compañía y la gente que conozco y en la que confío", afirmó.150 millones de discos"The Boss", como es conocido el roquero, vendió más de 150 millones de discos en medio siglo, tiempo en el que permaneció con el sello Columbia Records, filial de la multinacional japonesa Sony. Nacido en Nueva Jersey, Springsteen es una de las últimas estrellas de la música en vender su catálogo, siguiendo los pasos de Bob Dylan, Tina Turner o Neil Young, que lo hizo solo para una parte de su obra. Las adquisiciones de derechos musicales experimentan un boom, pues pueden resultar rentables en el largo plazo ya que el uso de cada canción genera el pago de derechos.Desde 2020, a raíz de la pandemia de covid-19, se han presentado grandes maniobras comerciales por la adquisición de derechos musicales, especialmente con el auge de plataformas de música en streaming. Los mercados financieros se muestran interesados por estos "portafolios" de artistas reconocidos capaces de generar flujos de ingresos estables por la explotación de sus obras.Transacciones recientes han alcanzado cifras astronómicas, que sin embargo no han sido oficialmente reveladas. En octubre, Tina Turner, de 81 años, vendió sus derechos musicales al grupo alemán BMG por una suma que se mantiene confidencial. El año pasado, Bob Dylan, de 80 años, vendió su catálogo publicado a Universal Music por un estimado de 300 millones de dólares. Mientras que Stevie Nicks, de la banda de rock Fleetwood Mac, hizo lo mismo con una parte mayoritaria del catálogo del grupo y habría obtenido 100 millones de dólares.El cantante estadounidense-canadiense Neil Young y el dúo Blondie también han firmado acuerdos por cantidades aún secretas, al igual que Shakira. Según expertos del sector, el aumento de precio en los catálogos de artistas comenzó antes de 2020 pero se dispararon con la pandemia debido a que los artistas se vieron privados de realizar giras y conciertos.
El piano que comenzó con el rock n 'roll se subastará esta semana. Famoso por ser utilizado por el “Million Dollar Quartet”, una improvisada sesión en la que participaron Elvis Presley, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins de 1956. Las pistas que surgieron de esta sesión incluyeron "Love Me Tender", "Don't Be Cruel" y "Paralyzed".En Gotta Have Rock and Roll , el piano se describe como "El piano más importante en la historia del rock and roll" y señala que esta es la primera en la que se contempla su venta.El icónico "Million Dollar Quartet Piano", el piano de estudio de Sun Records, una espineta Wurlitzer vintage de 1949 con número de serie 387912 que fue tocada por una lista estelar de músicos, incluidos Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Ike Turner, Phineas Newborn, Jr., Charlie Rich y muchos más. El piano tiene una lista de créditos y aparece en muchos de los clásicos de Sun Records de Memphis en los años cincuenta.El difunto Sam Phillips, propietario del Memphis Recording Service (Sun Studio), y Sun Records compraron el piano en el año 1950 en la tienda de pianos OK Houck, ubicada en 121 Union Avenue, la misma calle donde estaba ubicada Memphis Recording Service y Sun Records. Además, OK Houck es la misma tienda donde Elvis Presley y su familia compraron su primer piano y su primera guitarra Martin. Scotty Moore compró su Gibson ES-295 tocada en "Elvis Sun Sessions", así como Bill Black, BB King, Johnny Cash y muchos otros que compraron sus instrumentos en la tienda. Una oferta inicial para el piano es de $700,000 y se espera que genere más de 1 millón dólares en la subasta.
A los 78 años falleció este viernes en su casa en Carmel Valley el guitarrista Michael Nesmith, uno de los integrantes fundadores de The Monkees, mientras se encontraba desarrollando una gira de despedida junto a su compañero Micky Dolenz, ya que ambos eran los únicos miembros sobrevivientes del conjunto juvenil que gozó de gran popularidad en la década de los sesenta.“Con infinito amor anunciamos que Michael Nesmith falleció esta mañana en su casa, rodeado de familia, en paz y por causas naturales”, afirmó la familia en un comunicado enviado a los medios norteamericanos. “Les pedimos que respeten nuestra privacidad en este momento y les agradecemos el amor y la luz que todos ustedes le han mostrado a él y a nosotros”, señalaron.Nesmith, nacido en Houston, Texas, el 30 diciembre de 1942, tenía 23 años cuando se presentó a las audiciones para unirse a a The Monkees. La banda se había formado alrededor de la figura de los productores televisivos Bob Rafelson y Bert Schneider, con la idea de aprovechar la influencia de la música pop y el alcance de la televisión, creando una serie de televisión que aunase ambos conceptos. The Monkees seguiría las aventuras de una banda de pop, ofreciendo canciones y actuaciones.El guitarrista se unió a Dolenz, Davy Jones, y Peter Tork, participando en la serie con la condición de interpretar las canciones compuestas por Tommy Boyce y Bobby Hart, encargados del departamento de producción musical del programa. Sin embargo, Nesmith consiguió interpretar algunos temas propios, los cuales acabaron por darle beneficios muy superiores a los del resto de compañeros.En 1966, The Monkees se estrenó en la NBC, convirtiéndose en un éxito instantáneo. El primer número uno del grupo llegó de la mano de Neil Diamond con I'm a believer, repopularizada casi cuatro décadas después por la banda Smash Mouth. Sin embargo, las críticas se manifestaron con sus miembros, tratados como una banda de rock falsa, prefabricada por la cadena. Desde entonces, la banda luchó por conseguir una mayor autonomía, componiendo canciones propias con las que pudieran competir con bandas de la talla de The Byrds o The Beatles. Con su tercer álbum, Headquarters, pudieron interpretar y escribir sus propias obras. Un año después, Nesmith abandonó el grupo y aprovechó para grabar su primer álbum en solitario, Wichita Train Whistle Songs, y fundar The First National Band, que bajo el sello RCA grabó otros dos álbumes en la década de los setenta.
¿Los Beatles o los Rolling Stones? Una de las rivalidades más antiguas del mundo de la música será puesta a prueba en enero cuando serán subastados en Beverly Hills una guitarra de Keith Richards y un bajo de Paul McCartney. "Te pueden gustar los dos, por supuesto", dijo Martin Nolan, director ejecutivo de Julien's Auctions, la casa encargada de subastar ambos instrumentos como parte de una campaña de caridad que contará con otras piezas de la industria musical.La guitarra de Keith Richards, una Gibson ES-335, estará disponible junto a un video del músico firmando el instrumento. Este clip es un token no fungible (NFT, por sus siglas en inglés), un objeto digital que confiere propiedad. "Creo que Keith Richards va a ganar ésta, simplemente porque es divertido y por causa del NFT", estimó Nolan. Estos tokens se han vuelto el delirio de algunos coleccionistas, y su presencia en las subastas y en el mercado artístico abunda.De acuerdo con Julien's Auctions, es la primera vez que Richards coloca a disposición un objeto a través de la tecnología NFT. La estimativa es que la guitarra sea vendida entre 6.000 y 8.000 dólares. El bajo Hofner de Paul McCartney es el mismo tipo del que utilizó en 1969 durante el último concierto de los Beatles, en la azotea de su estudio de grabación Apple Corps en Londres.La presentación completa apareció por primera vez en "The Beatles: Get Back", el documental de Peter Jackson para la plataforma Disney+. El estimado de venta del instrumento, que está autografiado, oscila entre 4.000 y 6.000 dólares. La subasta está destinada a MusiCares, que ofrece programas de salud y de recuperación para miembros de la comunidad musical.En una señal del cambio de era, la pieza con mayor valor pertenece al fenómeno de Corea del Sur BTS. La banda de K-pop está vendiendo la ropa que utilizaron en su presentación de los premios Grammy de este año. Se espera que los coloridos trajes recauden entre 30.000 y 50.000 dólares. La subasta se realizará el 30 de enero en línea y presencialmente en Los Ángeles.
George Harrison es, sin duda, uno de los compositores más destacados de su generación. Aunque nunca visto como el compositor principal de The Beatles, incluso después de mostrar el talento supremo que tenía a su disposición, Harrison se sintió un artista incomprendido y a lo que , y muchos sugieren, que solo encontró su camino después de dejar los Fab Four y encontrar el suyo propio. Su álbum "All Things Must Pass" bien podría ser uno de los mejores álbumes posteriores a The Beatles jamás lanzados, y luego entregó innumerables canciones impresionantes. A continuación, hemos seleccionado diez de los mejores de la imperiosa carrera en solitario de Harrison.Atrapado junto a dos de los mejores compositores pop de todos los tiempos en John Lennon y Paul McCartney, Harrison siempre tuvo dificultades para hacerse valer. Sin embargo, eventualmente, el talento de Harrison comenzó a mostrarse y una vez que llegó una canción, fluyeron más y más. Aceleraría el final de los Beatles y sus propios comienzos con su carrera en solitario.“George se quedó atascado siendo el Beatle que tuvo que luchar para que las canciones aparecieran en los discos debido a Lennon y McCartney. Bueno, ¿quién no se quedaría atascado?", dijo Bob Dylan una vez en una entrevista de 2007. "Si George hubiera tenido su propio grupo y estuviera escribiendo sus propias canciones, probablemente habría sido tan grande como cualquiera", agregó Dylan.En 1970, después de la disolución de The Beatles, Harrison hizo precisamente eso y lanzó uno de los álbumes más conmovedores de cualquier carrera en solitario de los Beatles: "All Things Must Pass". Luego fue más allá y creó un nuevo álbum que encabezó las listas de éxitos en 1987 con "Cloud Nine".Harrison tenía una visión única al crear música, ya fuera con The Beatles o en su material en solitario. El artista fue capaz, como ningún otro, de plasmar los temas e ideas más complejos y maravillosos en bocados de oro musical dulcemente envueltos. Con un toque suave y un tono absolutamente cautivador que se sentía reconfortante y guía, Harrison se convirtió rápidamente en uno de los compositores más venerados de su generación. 10. "Bangla Desh"Uno de los mayores logros de Harrison en la música no fue una canción o un álbum, sino organizar el primer concierto benéfico con The Concert For Bangladesh. Este evento vio a una gran cantidad de estrellas subir al escenario en apoyo del país devastado por la guerra y ayudar en la lucha contra el hambre. Este single fue lanzado por Harrison para recaudar fondos sobre el país golpeado.09. "Simply Shady"Al reflexionar sobre el trabajo de Harrison, resulta bastante fácil elegir los temas centrales. Hay espiritualidad, humanidad, amor, amabilidad y en "Simply Shady", el lado más oscuro del rock and roll. El propio George describió una vez la pista como "lo que les sucede a los chicos traviesos en el negocio de la música" y lo ve en su más confesionario. Fue un período oscuro para Harrison. Había adquirido un hábito de cocaína cada vez más doloroso, su centro espiritual estaba en su punto más bajo y su primera esposa, Patti Boyd, estaba durmiendo con su mejor amigo, Eric Clapton.08. "Got My Mind Set On You"Esta es una de las canciones más contagiosas jamás escritas fue interpretada de manera experta por Harrison en su álbum "Cloud Nine" de 1987. Inicialmente escrita por Rudy Clark, la canción vio a Harrison de nuevo en las listas de éxitos después de una pausa de cinco años. Puede que no sea el lanzamiento más notable de Harrison, pero ciertamente es uno de los más recordados.07. "All Those Years Ago"En el momento de la muerte de John Lennon en 1980, cada uno de los Fab Four experimentó la vida en su propio camino en solitario. Harrison, en particular, había disfrutado de ser lanzado por The Beatles. Lejos de la sombra de la potencia de composición de canciones de Lennon-McCartney, los sonidos espirituales de George Harrison finalmente tuvieron un amplio espacio para respirar.Sin embargo, Harrison dio la bienvenida a los talentos de Starr y McCartney en una canción específicamente, ya que todos rindieron homenaje a su John Lennon. La canción en cuestión era "All Those Years Ago", lanzada en mayo de 1981, a tan solo seis meses después del trágico asesinato.06. "Wah, Wah"“En ese momento, Paul no podía ver más allá de sí mismo”, dijo Harrison a Guitar World en 2001. “Estaba en una buena racha, pero ... en su mente, todo lo que sucedía a su alrededor estaba allí para acompañarlo. No era sensible a pisar el ego o los sentimientos de otras personas ". Harrison admitió: "Estaba tan harto de las malas vibraciones", dijo a la revista Musician. “No me importaba si eran los Beatles; Me estaba yendo". Ese día, al llegar a su casa de Surrey, Harrison representó la respuesta definitiva a sus opresivos socios al alcanzar su guitarra y escribir "Wah Wah".05. "I'll Have You Anytime"La pista fue escrita junto a Bob Dylan mientras Harrison intentaba encontrar su propia "voz" en el disco. Harrison recordó en su autobiografía: “Parecía muy nervioso y yo me sentí un poco incómodo; parecía extraño, especialmente porque estaba en su propia casa. Sacamos las guitarras y luego las cosas se aflojaron ". Una de esas pistas sueltas que surgieron de las sesiones fue "I'll Have You Anytime", que, además de ser sinceramente subestimada, hace que Dylan se convierta en el único crédito coautor de "All Things Must Pass". Debe haber sido un motivo de orgullo para el guitarrista ya que hizo de la canción la primera pista del álbum.04. "Run of the Mill"Tras la ruptura de The Beatles, los miembros de la banda tampoco se avergonzaron de expresar su desdén mutuo. No solo intercambiaron insultos en las entrevistas; después de todo, todo el mundo quería hablar de los Fab Four de todos modos, pero los compañeros de banda también usaban canciones para dispararse unos a otros. George Harrison había sufrido mucho en la mano de la banda ya que los principales compositores del grupo sofocaron su estilo de composición. "Run of the Mill" es sin duda el tema en el que Harrison profundiza más sobre sus problemas con John Lennon, Paul McCartney y Ringo Starr.03. "Isn't It A Pity"La canción es uno de los momentos más conmovedores de "All Things Must Pass" y otro de la pila de canciones rechazadas de los Beatles. Si bien es posible entender que el cuarteto de Liverpool eran su propio equipo con su propia dirección, es difícil ver cómo una canción tan bellamente construida como esta podría ser rechazada mientras se recogían los éxitos de otros Beatles. Sin embargo, con espacio para expandirse por su cuenta, Harrison se encontró extrayendo oro dondequiera que mirara.02. "My Sweet Lord"Uno de los esfuerzos en solitario más icónicos de Harrison, la pista es una suma perfecta de "All Things Must Pass" y el camino que pretendía forjar para su carrera en solitario. Otro momento de la música pop de encuentro con pensamientos superiores, el público en general podría haberse perdido fácilmente esta canción. En su autobiografía, Harrison dijo: "Pensé mucho en hacer 'My Sweet Lord' o no porque me comprometería públicamente, y anticipé que mucha gente podría ponerse rara al respecto. Quería mostrar que 'Aleluya' y 'Hare Krishna' son lo mismo". Hoy, la pista sigue siendo un momento de alegría trascendente mientras combina los momentos celestiales más cálidos del pop.01. "All Things Must Pass"Grabada originalmente por Harrison como demo para The Beatles en su cumpleaños número 26, la canción sigue siendo uno de los pocos momentos en los que el pop occidental se encuentra con la ideología oriental. Desechado por The Beatles, el material finalmente apareció en el álbum del mismo nombre. Su letra se basa en una traducción de parte del capítulo 23 del Tao Te Ching, y la pista actúa como un momento de felicidad compositiva. Harrison explica la más compleja de las teorías con un momento de conexión y consejo simple, emocionante y sincero. Es la poesía de su creación, la intención de su arte y el alma del hombre que lo hace, lo que brilla a través de todo lo que hace.
Una guitarra de Eric Clapton, una nota manuscrita de Kurt Cobain y una chaqueta escocesa de Versace que llevó Whitney Houston son algunos de los objetos que se subastaron este fin de semana. La guitarra Martin D-45 de 1968 que perteneció a Clapton es una de las estrellas de esta venta que pone a la venta la casa de remates Julien's, valorada entre 300.000 y 500.000 dólares."Creo que es una estimación conservadora", dice Martin Nolan, director ejecutivo de la casa de remates. "Los coleccionables en el mercado del arte están en este momento que arden. Los precios están por las nubes", dice a la AFP durante la presentación de la venta que incluye unas 1.000 piezas.El músico de 76 años, que en los últimos se ha arrepentido de su apoyo en el pasado a la extrema derecha y sus comentarios racistas, últimamente se apuntó a las tesis conspiracionistas con sus críticas a las vacunas contra el covid-19, tocó esa guitarra al inicio de su carrera en los conciertos en vivo con Derek y The Dominos, el grupo que fundó y que estaba detrás de su clásico "Layla".Un manuscrito de Clapton con el esbozo de una canción de los años 70 está en venta por un precio de entre 30.000 y 50.000 dólares. Preguntado sobre si Julien's ha tenido en cuenta la polémica que rodea a Clapton para destacar estos objetos, Nolan asegura que "siempre habrá algo polémico". "Podría decir lo mismo de cada una de las estrellas que están representadas aquí", afirma. "No nos fijamos en eso; nos fijamos en lo bueno, en la increíble música que nos regalaron durante muchas décadas".En los dos días de subasta, que se celebrarán en el Hard Rock Café de Manhattan los días 19 y 20 de noviembre, también hay una canción manuscrita del vocalista de Nirvana, Kurt Cobain, que garabateó canciones como "Come As You Are" y "About A Girl" en un mantel que firmó junto con los compañeros de la banda Dave Grohl y Krist Novoselic. El año pasado, en el evento anual de Julien's una guitarra eléctrica que tocó la estrella durante la actuación de los MTV Unplugged de 1993 alcanzó los 6 millones de dólares, la guitarra más cara que se ha vendido en una subasta.Asimismo, el año anterior, un póster de Cobain cuya foto fue tomada en esa actuación, alcanzó los 334.000 dólares. Varias prendas que llevó en los escenarios la estrella del pop Whitney Houston también se sometarán al martillo, entre ellas, una chaqueta de cuadros escoceses y bordados en cachemira creada por Gianni Versace y unos pantalones a juego en terciopelo. Julien's estima que el conjunto que llevó la estrella en torno a 1992 está valorado entre 3.000 y 5.000 dólares.
Con setenta años recién cumplidos, el cantante británico Sting saca un nuevo disco, "The Bridge", un puente entre el confinamiento a causa de la pandemia y la excitación de un mundo de nuevo con giras y conciertos en directo. Pero los recuerdos siguen clavados como alfileres en sus canciones. Cantante prolífico, actor y activista, Sting es la imagen ideal de una estrella de rock, con 15 discos en solitario y 17 premios Grammy en su haber, además de fundar el legendario grupo The Police."Soy un hombre afortunado. Y agradecido", explicó a la AFP durante una entrevista el pasado 6 de octubre, a su paso por París para promocionar "The Bridge". "En estos momentos tengo una canción sonando en la radio que se llama "If it's love" (Si esto es amor). Y empieza conmigo silbando. No es lo habitual, hace que la gente sonría", explica con satisfacción. "Pero hay otras canciones en el álbum que son más complejas, con más capas", reconoce luego el veterano cantante.Como "Loving You" (Amándote) en la que resuena la voz dolorida de su padre: "en la iglesia hicimos votos/para perdonarnos nuestros pecados/pero aún tengo que soportar ciertas cosas/como el olor de la piel de otro hombre". Hace 20 años Sting publicó una autobiografía, "Broken Music" (Música rota) en la que revelaba su infancia, con una madre adúltera y un padre que sufrió el calvario en silencio. Sting tuvo que aguardar décadas antes de hacer las paces con sus padres. Y sin embargo, no asistió a sus respectivos funerales. "No fue un libro particularmente fácil de escribir. Mucho dolor", reconoce.El dolor del pasado"Escribo canciones de amor. Pero siempre procuro evitar canciones que digan 'te quiero y me quieres'. Es un círculo cerrado. No hay interés. En cambio 'te amo pero tu amas a otro...' eso es un guion interesante para un escritor", añade en la entrevista. "A mi edad he conocido el amor en todo su abanico de emociones. Así que cuando escribo sobre amor, siento que puedo ser auténtico", admite.Sobre todo porque Sting recorrió un camino parecido al de sus padres: se casó en 1976 con una actriz, Frances Tomelty, con la que tuvo dos hijos, y años después entabló una relación secreta con Trudie Styler, que duró una década, hasta su divorcio en 1992. Sting y Trudie siguen casados, y el cantante tiene en total seis hijos. "El más joven quiere ser policía", confiesa en la entrevista. Otro giro de la vida, teniendo en cuenta el grupo que fundó en 1976 y que vendió millones de discos.Un mundo feliz"The Bridge" fue grabado durante el confinamiento con músicos desperdigados por todo el planeta, y Sting encerrado en el estudio de su mansión inglesa. "No es una novedad grabar así, remotamente. El secreto es lograr que la situación sea íntima. Y creo que lo hemos logrado porque lo hemos experimentado, y también porque son músicos con los que he trabajado durante décadas", detalla.El disco se publica el 19 de noviembre, pero Sting no esperó para salir de gira y ofrecer sus canciones a los fans. En octubre tocó seis temas en el Panteón parisino, para contribuir al 50º aniversario de una conocida radio francesa, Fip. "Todo mi año ya está planificado porque tengo que recuperar las fechas que perdimos el año pasado. Tengo que cumplir con todos mis compromisos. Y eso quizás me tome 18 meses", vaticina. "Pero esa es mi vida. He estado en la carretera desde 1976".El mundo de la música se recupera con dificultad del huracán que supuso el covid-19. Y no sin polémicas: el cantante irlandés Van Morrisson denunció el confinamiento y Eric Clapton se negó a exigir certificado de vacunas a los que querían asistir a sus conciertos. "Me gustaría que la gente que venga a mis conciertos esté vacunada. No lo voy a exigir, pero es mi deseo", responde Sting al respecto. "Todos estamos buscando ese puente hacia algo diferente, más feliz. ¿Cómo podemos llegar al otro lado? No lo sé. Creo que nadie lo sabe, pero lo estamos buscando", añade.
Desde el polifacético David Bowie hasta el solemne violonchelo de Rostropóvich, la caída del Muro de Berlín y la revolución pacífica que la acompañó están asociadas a canciones y conciertos que pasaron a la posteridad. Hemos seleccionado para ustedes algunas de las canciones que hace 32 años formaron parte de la caída de este muro, un hecho histórico crucial para entender el mundo tal y como existe hoy.Scorpions – “Wind of Change”La melancólica balada rock y su mítico silbido de apertura se han convertido en el símbolo musical del fin de la Cortina de Hierro. Klaus Meine, el cantante de Scorpions, escribió la letra cuando volvió de Moscú. En el verano de 1989, el grupo había sido invitado a tocar en un festival, idea de Mijaíl Gorbachov para marcar la Perestroika, “este viento de cambio” iniciado en la URSS. Grabada en 1990, “Wind of change” sigue siendo la canción más vendida de todos los tiempos en Alemania.Udo Lindenberg – “Sonderzug nach Pankow”Impedido por las autoridades de República Democrática Alemana de ir a tocar al este, el rockero alemán Udo Lindenberg responde en 1983 con esta provocadora canción y ataca frontalmente al secretario general Erich Honecker, retratado dirigiendo rígida e hipócritamente a Alemania del este al mismo tiempo que escucha en secreto la radio del oeste. El legendario roquero irreverente finalmente podrá cantar en Berlín oriental en octubre del mismo año, aunque no esta canción.David Hasselhoff – “Looking for freedom”El reconocido actor de "Guardianes de la Bahía", con un lejano origen alemán, había reinterpretado este polvoriento éxito pocos meses antes de la caída del Muro. La víspera del Año Nuevo de 1989, David Hasselhoff se lanza, encaramado sobre restos del muro y vestido con una chaqueta de lentejuelas, en un flagrante y endiablado playback de “Looking for freedom”. Desde entonces “The Hoff” se ha convertido en un ícono en Alemania e incluso tiene un museo dedicado a él en Berlín.Bowie & Springsteen, los héroes del esteEl 6 de junio de 1987, David Bowie, que vivió varios años en Berlín, actuó al pie del Muro, donde jóvenes berlineses desafían a la policía para escuchar esta música “decadente” y prohibida. “El muro debe caer”, gritan mientras estallan los enfrentamientos. Este concierto se convierte así en uno de los puntos de partida de la protesta popular en RDA. Un año después, el régimen se debilita y Bruce Springsteen es invitado a tocar delante de 300.000 berlineses del este, ávidos de rock y libertad.Rostropóvich interpreta a Bach“He venido a tocar aquí para que se recuerde a todos los que murieron por este Muro”. El 11 de noviembre de 1989, el virtuoso ruso en el exilio Mstislav Rostropóvich toma un vuelo París-Berlín. El anciano, con su violonchelo en la mano, se abre camino entre la multitud exaltada reunida en el Checkpoint Charlie. Encuentra una silla y empieza a tocar una sonata de Bach al pie de la pared pintada. En un silencio conmovedor, aunque algunos no reconocieron al famoso músico, el recital improvisado fue retransmitido en directo por varias televisiones y conmocionó al mundo entero.Pink Floyd – “The Wall”A pesar de su título, la famosa canción de Pink Floyd de 1979 no se inspira en absoluto en el Muro de Berlín. Pero se vuelve emblemática -en una versión dúo con Cyndi Lauper- gracias al concierto organizado por el fundador del grupo, Roger Waters, ocho meses después de los acontecimientos. En las ruinas de la antigua “tierra de nadie”, se reconstruyó un muro de 170 metros de longitud que luego es destruido en el escenario, durante este concierto al que asisten más de 350.000 personas.Kaoma – “Lambada”La canción del grupo caribeño era simplemente, en el oeste, la canción del verano en 1989. Y, al pie de la puerta de Brandeburgo, muchos alemanes en regocijo, entre ellos un policía uniformado (como lo registraron varias agencias de noticias), comienzan en noviembre de 1989 a bailar apretados, delante de una cámara de televisión, esta melodía, sinónimo de libertad y de alegría de vivir.
Desde los primeros acordes que tocaron, la agrupación californiana Rage Against The Machine se convirtió en un statement de lucha social para muchos de sus seguidores y su primer disco homónimo, publicado en 1992, nació como un manifiesto de rebeldía, un archivo de memoria sobre lo que se vivió en la década de los años 90.Durante 52 minutos,Tim Commerford, Zack de la Rocha, Tom Morello y Brad Wilk, hacen de la rabia y la indiferencia un camino musical hacia el activismo político, para hacer frente a la represión estatal del gobierno norteamericano. Es importante rescatar episodios puntuales en los que su música fue incómoda para el poder, como su enfrentamiento con el partido Demócrata en agosto del 2000, en medio de la convención nacional en el estadio Staples Center de Los Ángeles. Por su seguridad, el grupo de políticos optó por cerrar el perímetro del estadio y dejó por fuera a la ciudad de Los Ángeles, dando inicio a una extensa protesta en frente de la corte y quien votó a favor se los ciudadanos, limitando el cierre y demarcando una Zona de protestas, junto a la entrada del estadio. Con la demanda, se abrió un espacio para instalar luces, sonido y un escenario y hacer presencia desde un lugar específico durante la convención El 14 de agosto de 2000 y los protestantes cedieron una hora de la zona para que Rage Against the Machine realizara un concierto gratuito frente a 8.000 personas revueltas y furiosas. Al subir al escenario Zach de la Rocha saludó y declaró “nuestra democracia ha sido secuestrada. Nuestras libertades electorales en este país ya no existen hace mucho porque son controladas por las corporaciones ¡No vamos a permitir que estas calles sean tomadas por los Demócratas o Republicanos!” Acto seguido tocaron Bulls on Parade dentro de un set de 40 minutos que también incluyó los clásicos Sleep Now In The Fire, Guerrilla Radio y Testify, entre otros.Ese sentimiento está presente en la música. Esa búsqueda de autonomía, desprecio por las formas burocráticas y filiación a la anarquía se encuentra a lo largo del tracklist de Rage Anainst The Machone. La portada, por ejemplo, es una fotografía de Malcolm Browne que retrata el momento preciso en el que un monje se inmola como protesta a las persecuciones que sufrían los budistas durante el gobierno de Ngô Đình Diệm, previo al inicio de la guerra de Vietnam.Killing in the Name fue el sencillo promocional del álbum y alcanzó el primer lugar en las cadenas de radio más importantes e incluso sonó completa en BBC Radio 1 en 1993. Morello, durante una lección de afinación, encontró la melodía del riff y cuenta: “Estaba justo tocando el bajo en una lección de guitarra y estaba enseñando a un alumno sobre la afinación del descenso de Re mayor”.Si bien el rap tenía ya un lugar asegurado en los oídos de muchos para 1992, con el disco homónimo de la banda un aire de novedad llegó a la música del momento. La combinación de las guitarras brillantes, con la fuerza del rapeo convirtieron a Rage Against The Machine en un referente obligado para los enamorados del sonido de los años 90.Podría decirse que hay un hilo conductor en el álbum y es la rabia. La cadencia y la fuerza de los instrumentos alimentaban el desasosiego que experimentaban los integrantes de la banda. Con ideas políticas claras y una crítica directa al sistema, los músicos construyeron un camino de 140 canciones que parecían conducir a quien escuchara por un limbo, un abismo que al final, era la realidad vista de la forma más cruda. Una vez más, escuchemos el disco completo.
Tattoo You, el legendario álbum de los Rolling Stones publicado en 1981, saldrá a la venta en una nueva reedición el próximo 22 de octubre. En él, se incluye la presentación de una canción inédita de la prestigiosa banda británica, Troubles A' Comin, informó la casa discográfica Universal Music.Eeste nuevo tema, hasta ahora inédito, fue originalmente grabado por la banda en París en 1972 y "es una versión pegadiza del original de The Chi-Lites", informó el comunicado de la compañía. "La canción es una verdadera joya para los fans de todo el mundo y supone un aperitivo de las nueve canciones nuevas y rarezas incluidas en el irrenunciable disco Lost & Found de Tattoo You", señala.El lanzamiento en múltiples formatos de Tattoo You, el disco que se abre con Start Me Up, ha generado gran expectación, ya que muchos consideran ese trabajo como la última gran obra de los Stones, al tiempo que está llamada a convertirse ahora en uno de los primeros homenajes a la memoria del batería del grupo Charlie Watts, fallecido el pasado 24 de agosto.La nueva edición del disco de 1981 ve la luz después del relanzamiento en 2020 del trascendental álbum Goats Head Soup (1973), con el que volvieron a ser número uno en ventas en el Reino Unido. Ahora, en el 40 aniversario de Tattoo You, deleitarán a sus seguidores con algunos temas favoritos como Hang Fire, Waiting On A Friend y, el tema distintivo de la banda desde entonces, Start Me Up.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
