CaeliferasLos saltamontesaman los juncossu asperezaque se estira por el troncohasta las flores pardasla orilla de las lagunaslas ramas de toronjilel trigotodo dispuestopara su hambre vorazLos saltamontessacuden las patas basta un solo movimientotoda la vibración es una fiestaescuchan el viento en el estómagocuando bailanel hambre se confundeBailan de díaporque la vidanunca vuelveLos saltamontescruzan la primaveralas montañaslas cordillerasel mar rojopara encontrar otra casaEn la noche rezanpor la vida eternade los campos.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Emiliano dice que las moscas mueren al lado de las ventanasEn los musgos de la Antártidacada día nacen diez mil moscasTodas las moscas vuelan en diferentes direccionescruzan continentesno tienen patriaLas que vuelan en línea rectase radican en Texascambian de identidadMoscas de inviernoMoscas vaquerasMoscas yankeesTodos los días Emiliano cuenta los cuerposnegros y tiesos junto al vidrio137las alas desprendidaslas patas hacia arribatodo el movimientosuspendidoEmiliano no sabe que las moscas de su casavienen de la Antártidapara morir en una ventana del desierto.Qué hacían las hormigas cuando no esperaban en el desiertoAprendieron a nadarinventaron un ríoperoflotaban y querían movimientoimaginaron un círculoinfinito oviento que quería ser ondaAprendieron el lenguaje del aguarobaronuno de los tres corazonesde los pulposylos sueños de los pecesAprendieron la paciencia del marel mar no espera nadasolo el flujomoléculas y átomoslas cosas siempre divididas en dos.🔴 No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El jurado premió al poeta argentino nacido en Temperley, Buenos Aires, 1980, por el libro 'Los cuadernos perdidos de Robert Walse' mientras que el cubano Ernesto Delgado (Placetas, 1996) recibió el galardón a la Creación Joven por la obra 'Pálpito'.El Premio Internacional Loewe de Poesía está dotado con 30.000 euros y el de la Creación joven con 12.000.El jurado destacó en la obra de Roel su "rigor, unidad de escritura, tono y focalización serena, sin el menor atisbo de tragedia".El poeta argentino destacó al recoger el galardón su alegría por el hecho de que el premio venga de España, tierra de sus abuelos, una de las cuales le recitaba de memoria, recordó, a Lope de Vega y Calderón de la Barca.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Representantes del mundo de la cultura celebraron este miércoles la poesía en la entrega del premio que otorga la Fundación Loewe, acto en el que su presidenta, Sheila Loewe, destacó el consuelo de este género literario "en un momento triste y preocupante en muchas partes del mudo".El poeta Antonio Colinas, miembro del jurado, recordó cómo la poesía que promueve la Fundación Loewe se ha fijado en una serie de poéticas sin ser "un premio más". 'Los cuadernos perdidos de Robert Walse', indicó, "es un libro muy personal y radical".Respecto a la obra ganadora a la creación joven, Aurora Egido, también miembro del jurado, destacó la poesía de 'Pálpito', primer libro del cubano Ernesto Delgado, compuesto por una veintena de poemas tanto en prosa como en verso y que no llega al centenar de páginas.A esta XXXVI edición se presentaron 2.302 participantes de 44 países. Un 48 % procedía de Hispanoamérica, con Argentina, México y Colombia, en este orden, como los países con mayor índice de participación.El premio Loewe tiene como fin de impulsar la calidad en la creación poética en español y reconoce cada año una obra inédita de al menos 300 versos. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con sus orígenes alrededor del siglo VIII a.C. en la Antigua Grecia, la Ilíada es una obra de la poesía épica que ha ejercido una profunda influencia en la literatura universal a lo largo de los siglos.Compuesta por 24 cantos, se enfoca en el décimo y último año de la guerra de Troya. A través de personajes complejos como el legendario Aquiles, Héctor, Príamo o Ulises, este poema le presenta al lector un conflicto épico entre griegos y troyanos.Además, a la riqueza literaria de esta obra escrita en versos hexámetros dactílicos, la acompaña la exploración de temas complejos como el honor, la ira, el destino, la gloria y la intervención divina en los asuntos humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué epopeyas antiguas han sido inspiradas en la "Ilíada"?La gloria, el honor, dilemas éticos, viajes épicos, hazañas inimaginables y héroes inmortalizados son solo algunas de las características que la Ilíada le dio como legado a la literatura universal. Cientos de años ha seguido inspirando a escritores, poetas, cineastas e incluso músicos.El poema de la Ilíada ha inspirado innumerables obras a lo largo de la historia en diferentes culturas. Estas son algunas de las historias clásicas, de las epopeyas que vieron en la Ilíada una fuente de inspiración para contar nuevas historias.La Eneida: Escrito por el poeta romano Virgilio, es una de las epopeyas más famosas de la literatura y sigue las hazañas de Eneas, un héroe troyano, después de la caída de Troya. No solo está inspirado y comparte características con la Ilíada, sino que llega a ser considerada la continuación de la tradición épica de la obra de Homero. Se estima que fue escrito en el siglo uno antes de Cristo.El Cantar de Roldán: Esta epopeya medieval francesa es una de las obras más antiguas del país europeo y data del siglo XI; se basa en gran medida en la tradición épica establecida por la Ilíada. También a modo de poema épico, narra la historia del militar francés Roldán y sus hazañas en la Batalla del Paso de Roncesvalles en el año 778 durante la invasión de Carlomagno a España.La Tebaida: Escrito en el siglo I después de Cristo por el poeta latino, oriundo de Nápoles, Estacio, cuenta los mitos y eventos que rodean la guerra de los Siete contra Tebas. Estacio se inspiró en la Ilíada y la Odisea para crear su propia obra épica, que se convirtió en una de las principales epopeyas latinas.La Jerusalén Liberada: El también poeta italiano Torquato Tasso narra con la épica clásica de la Ilíada la historia de la Primera Cruzada donde caballeros cristianos luchan contra los musulmanes para conquistar Jerusalén. Esta obra fue publicada en 1581.La Araucana: Esta obra narra la conquista de Chile por parte de los españoles y la resistencia de los indígenas mapuches. El español Alonso de Ercilla y Zúñiga escribió en el siglo XVI una de las principales epopeyas épicas españolas.La Divina Comedia: Aunque la obra del italiano Dante Alighieri es conocida como una obra épica religiosa y alegórica, también contiene elementos de la tradición épica inspirada en la Ilíada. Se basa en la estructura y los temas épicos para narrar el viaje a través del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la mañana Cuando se va la nochey he sumado mis fuerzasy descorro las puertas del armariopara salir al mundo,pregunto a mis bluyinescómo vestir el día.No sabemos, me dicenlas sorpresas que vienen:qué amor sacarás de paseoqué ilusión te bailará en la nochequé fantasma habitará tu siestaque tormenta o que frío llegarán en la tardequé libros amarás,qué poetas alumbrarán tu ser.Por eso el nuevo díallega sin anunciarse.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Cali, ciudad perdida¡Quién lo hubiera creído cuando ardíaen mis manos tu llama!Piedad BonnettRetazos de la infancia que se agolpancomo la brisa de las cincorobada en los trasiegos del dinero y de la granciudad,retazos y recodosde amores.Calles en que se cruza la añoranzacon el puente a otras vidaspuertas que ocultan sangres bebidas hasta el cálizy cuerpos amurados.Cali, ciudad soñadadeseos huidizos.Cali-cáliz de entraña.Cali de los encuentros y las risasde las manos trenzadasy de las soledadesCali-calles de vida callejera…Cali de los sentires y colores,Cali de mis contradicciones,mis amoresmis sombras.Mis palabrasEn el sombreado espacio de mi alcobame encontré mis palabraslargamente perdidas, añoradas,búsqueda inútil de aguaceros tantos.Tenían el sabor frescode un nombre recién hecho,el aire de un mañana mejor,la limpidez del agua de montaña.Tenían la cariciade un camino encontrado,tenían la frescura que tieneun nuevo amor.La ausencia de las lunasCuando las lunas se ocultaronese fue un año malo,la tradición lo dice.Mi corazón se recogióy empezó a ver el mundodesde la luz de una ventana,luz siempre amenazada.Cuando las lunas se ocultaronese fue un año duro.Mi corazón se halló escondidotras de las ramas de los árbolesy las estrellas no pudieronregalarle su luz a mis canciones.Cuando las lunas se ocultaronllenó la tierra una gran lluvia,la tradición lo dice.Muchas simientes se secaronvinieron surcos como heridasy no había sangre entre los ríos,sangre que redimiera tanta muerte,cuando la luna estuvo oculta.Después de muchos solesmuchos vientosdescubrimos el aire de las fuentesy en el camino se hizo luz.Avisos del periódicoCrisis en los bursátilesAdolescente ahorcadoTrenes descarriladosDescubierto un cadáver en descomposiciónMujer que sufre asfixiaDos niños se encontraron perdidosCrece violencia conyugalCrisis del ELN.Desde el caféla vidatransita en las esquinas.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Federico García Lorca, uno de los poetas más destacados del siglo XX, no solo era un maestro de la palabra escrita, sino que también estaba profundamente influenciado por la música en todas sus formas. Desde el flamenco hasta la música popular, pasando por la música clásica, la presencia de la melodía y el ritmo en su poesía es innegable y profundamente enraizada en su identidad artística.La música, en la obra de Lorca, no solo es un acompañamiento estilístico, sino una fuerza vital que impregna cada línea y cada verso. En su poesía, se pueden encontrar ecos de diferentes formas musicales, desde el cante jondo hasta las melodías folclóricas andaluzas, pasando por los ritmos del jazz y la música clásica. Esta amalgama de influencias musicales refleja la rica diversidad cultural de España y la profunda conexión que Lorca sentía con su tierra natal.Una de las formas más evidentes en que la música influye en la poesía de Lorca es a través del ritmo. Sus versos están meticulosamente estructurados para crear una cadencia musical que imita el flujo y reflujo de una canción. Esta musicalidad innata se puede observar en poemas como "Romance de la luna, luna", donde los versos parecen fluir con la misma naturalidad que una melodía. Lorca utilizaba la repetición, la aliteración y otras técnicas poéticas para crear un ritmo que evocara la sensación de una canción popular.Además del ritmo, la musicalidad de Lorca se manifiesta en el uso de imágenes y metáforas que evocan el mundo sonoro. En muchos de sus poemas, los elementos visuales se entrelazan con los sonoros, creando una sinestesia que transporta al lector a un mundo donde los sentidos se fusionan. Por ejemplo, en "La casada infiel", Lorca describe el canto del ruiseñor como un elemento central de la naturaleza que rodea la historia de amor, utilizando el poder evocador de la música para intensificar la emoción del poema."La casada infiel" (fragmento)Cinco toronjas se endulzanen la cercana cocina.Las cinco llagas de Cristocortadas en AlmeríaPor los ojos de la monjagalopan dos caballistas.Un rumor último y sordole despega la camisa,y al mirar nubes y montesen las yertas lejanías,se quiebra su corazónde azúcar y yerbaluisa.¡Oh, qué llanura empinadacon veinte soles arriba!¡Qué ríos puestos de pievislumbra su fantasía!Pero sigue con sus flores,mientras que de pie, en la brisa,la luz juega el ajedrezalto de la celosía.💬 Únase a nuestro canal de Whatsapp y conozca todas las novedades de la cultura. Otra influencia musical importante en la poesía de Lorca es el flamenco. Lorca estaba fascinado por el cante jondo, el estilo más profundo y emotivo del flamenco, y lo incorporó en muchas de sus obras. En poemas como "Poema del Cante Jondo", Lorca captura la esencia del flamenco, con su pasión desbordante y su melancolía profunda. "El grito", de "Poema del Cante Jondo"La elipse de un grito,va de montea monte.Desde los olivosserá un arco iris negrosobre la noche azul.¡Ay!Como un arco de violael grito ha hecho vibrarlargas cuerdas del viento.¡Ay!(Las gentes de las cuevasasoman sus velones.)¡Ay!La intensidad emocional del cante jondo se refleja en la poesía de Lorca a través de imágenes vibrantes y un lenguaje cargado de simbolismo.La influencia de la música en la poesía de Federico García Lorca es innegable y omnipresente. Desde el ritmo y la cadencia hasta las imágenes y metáforas, la música impregna cada aspecto de su obra, dotándola de una vitalidad y una profundidad emocional que la hacen perdurar en el tiempo. Lorca no solo escribía poesía, sino que componía música con las palabras, creando un legado artístico que sigue resonando en los corazones de los lectores y oyentes hasta el día de hoy.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Emily Dickinson dedicó parte de su vida a clasificar y coleccionar flores, las dividía en tipos y colores, guardaba muestras en su jardín. Ese lugar que sería material y combustible para su escritura de diferentes formas: primero, de cerca con la capacidad del tacto y luego a lo lejos, desde la mirada en la ventana. Podríamos decir que la poesía de Dickinson es un jardín con todo tipo de flores, algunas que mueren lentamente y otras que reviven cada tanto de formas monstruosas y bellas.Tania Ganitsky es una escritora, poeta y traductora colombiana. Realizó el pregrado de Estudios Literarios en la Universidad Javeriana y estudió una maestría de Literatura y Filosofía en la Universidad de los Andes. A los 12 años decidió encaminarse por la poesía y en el 2006 ganó el Concurso Nacional de Poesía de la Universidad Externado de Colombia por su colección de poemas El don del desierto. En el año 2014 recibió la mención a mejor obra inédita del Premio Nacional de Poesía por su primer libro Dos cuerpos menos.Ganitsky comenzó su investigación acerca de la escritura de Dickinson como una exploración de lo incompleto en su forma de escribir, esto resultó en un libro publicado por la editorial Planeta en el que hace un trabajo de excavación en lo profundo de la poesía como trabajando un jardín.“Emily Dickinson y lo incompleto” es una conversación entre ambas, usted y la poeta, ¿cómo fue el primer encuentro que tuvo con Dickinson?La primera vez que leí a Dickinson tenía 17 años, vivía en Bogotá y mi mamá (que vivía en Estados Unidos) me mandó de regalo la obra completa de Dickinson. Ese fue mi primer acercamiento a su poesía, en ese libro hay 1800 poemas que tenían palabras muy complejas. A veces la poesía es difícil de leer cuando no estamos muy acostumbrados y Dickinson no es muy narrativa en sus poemas, entonces había muchas cosas que no entendía, pero me encantaban las imágenes, la oscuridad, las emociones y sensaciones que me hacía tener. Estas fueron unas primeras lecturas, no muy lúcidas, pero muy emocionales.¿Cuál es la diferencia de leer la poesía de Dickinson por deseo a tener que explorarla de una forma casi que arqueológica para rastrear sus disparadores poéticos o los porqués de la puesta en forma de sus textos?En el libro lo que hago es desmenuzar los poemas y creo que eso me salva de hacer algo que podría ser tedioso o demasiado racional con sus poemas. Lo que a mí me impresiona de Dickinson es como era de experimental y de contemporánea en el siglo XIX, revisar esas prácticas de escritura tan vanguardistas me da mucho placer, cada vez me maravilla más y no implica agotar el poema en sí.Este trabajo ha sido una traducción analítica de los poemas inéditos de Emily Dickinson, ¿cómo surgió la idea de investigar su poesía hasta el punto de analizarla y explicarla a otros?Yo hice un doctorado acerca de lo incompleto en la literatura, ahí estudié a Dickinson y sus propias formas, las prácticas escriturales eran muy resistentes a la industria literaria y a la forma de editar poesía en el siglo XIX. En los últimos años he dado la cátedra de Dickinson en la Universidad de Los Andes y en la Pontificia Universidad Javeriana, allí empezamos a explorar esas formas con mis estudiantes, también estudiamos las formas estructurales de publicar poesía.Después, Alejandra Algorta, editora de Cardumen, comenzó a editar en Planeta y me propuso hacer un libro sobre Dickinson para la editorial y esa fue la oportunidad de publicar esos fragmentos con una editora con la que ya había trabajado, que me dejó ser y me orientó; así que coincidió todo para que juntas pensáramos cómo podíamos darle vida a esos poemas que no estaban listos para ser publicados en formato de libro en el siglo XIX.💬 Únase a nuestro canal de Whatsapp aquí. ¿Cree que hay algún riesgo en este tipo de escritura que no se enmarca completamente en ningún género literario?. Sí, uno se arriesga a que no pueda circular, se arriesga a que no sea económicamente viable para algunas editoriales. Dickinson asumió ese reto y fue más importante escribir como ella quería escribir que conformar unos estándares de lectura y de publicación en su tiempo. Creo que hoy en día también es un reto, pero las editoriales están más abiertas a lo híbrido, este ensayo es una mezcla entre la crítica, la poesía, la traducción y la autobiografía y finalmente hubo un lugar para él.De ahí también me gustaría saber cómo la poesía deja huellas, porque al fin y al cabo lo que parece que sigue usted en el libro son las migas de Dickinson. ¿Usted como poeta, cómo entiende ese rastro?Dejar huella es dejar un vacío que a veces está antes pero que también puede estar después. La literatura son huellas que uno sigue, no solo que uno deja atrás y también es distinta la reacción si uno lee o escribe. Como escritora, yo puedo aprender de Dickinson a generar nuevas formas de silencio, de pausas, de crear el ritmo, como poeta ella me enseñó a relacionarme con los espacios que deja en medio de las palabras, a aprovechar la ambigüedad poética de las palabras. En las lectoras se relaciona con que también hemos sentido lo que ellas han escrito, eso valida las formas de sentir que nos habían atravesado, pero en las que no nos habíamos detenido por incapturables lingüísticamente.Lo lindo de la poesía, en general, es que uno atrapa cosas que ha vivido, las explora y les da más existencia porque las miras mejor y las exploras mejor. Una vez lees o escribes sobre esa experiencia se amplifica y se potencia.Me gustaría que habláramos acerca de una frase que menciona en el libro, "el lenguaje como arma letal", ¿cómo lo interpreta, ¿qué significa eso que podemos leer en muchas partes, pero no sabemos bien a qué se refiere y cómo cree que Dickinson lo aplicó en su escritura?Hay un poema de Dickinson muy violento en el que dice que las palabras son espadas que se pueden clavar en la persona que lee y creo que eso es de doble sentido porque a veces el lenguaje puede ser muy hiriente y a veces uno puede lastimar a las personas con las palabras, pero hay otra forma de compartir unas heridas que es a lo que se refiere la poeta cuando dice que las palabras son espadas. También verlas como armas letales me hace pensar en cambios sociales más grandes y yo pienso que hay algo social en esto, es permitirnos relacionarnos de una manera mucho más íntima con las otras personas desde lo afectivo y desde un pensamiento mucho más sintiente.Hay una palabraque lleva una espadapuede atravesar a un hombre armado –arroja sus barbadas sílabasy enmudece de nuevo –pero donde cayólos que se salvan diránen un patriótico díaque algún hermano con charreterasentregó su alma.(“Palabras como espadas, de Emily Dickinson)La voz poética es algo de lo que también se habla en el libro, ¿cuándo saber que existe una voz poética y cuándo sabemos que vale la pena de llevarla al plano de la escritura?La voz poética en literatura es la manera en que tú llamas la persona que narra el poema, entonces siempre existirá la voz poética. Muchas veces asumimos que esa voz coincide con la persona que escribe el poema porque también estamos acostumbradas a pensar que el poema no es ficción.Pero Dickinson, por ejemplo, tiene una tendencia a ficcionalizar en el poema. Una vez le escribió una carta a alguien y dice "cuando hablo de mí en el poema, no estoy hablando de mí sino del representante del verso", entonces es una voz poética ficcional, trabajada y el poema es un objeto estético, la manera en que eso se relaciona con la biografía de la autora, no está dada.La voz y la parte corpórea en el poema hace que la escritura no sea algo solo mental sino algo físico, eso que está escrito también tiene que ver con el cuerpo, tanto en su proceso de haber sido escrito como en lo que está hablando. Por ejemplo, Dickinson habla mucho de la voz y por ende del dolor físico que hace que se le vaya la voz y tenga que escribir a esquirlas de sonido y silencio justamente por el dolor de la voz.La escritura de Dickinson fue corregida por no tener la forma "correcta", hablemos del "desorden" de la escritura y por qué es fundamental para escribir poesía.Si hablamos de escribir una idea o un sentimiento Dickinson lo refleja muy bien en sus prácticas de escritura (que es lo que exploro en el libro) porque muchas veces escribe un poema y duda en qué palabra dejar, entonces ella lo que hace es no escoger una palabra final, sino que deja la opción para usar cualquiera.Los editores estaban acostumbrados a recibir poemas en una sola línea y sin notas al pie, bajo ese concepto de la versión final encontraron que Dickinson no las hacía y decidieron por ella, elegían la palabra que más sentido tenía para ellos en vez de pensar que les estaban proponiendo una forma nueva de leer. Eso fue muy innovador, pero se consideró una debilidad, pensando en que dudaba y no era capaz de tomar las decisiones finales.En mi caso, soy muy ordenada y sí uso las versiones finales, busco la palabra que quede más acorde a lo que estoy escribiendo. Organizo todos mis poemas en cuadernos y los transcribo juiciosamente, luego empiezo a buscar para armar un libro. Siento que hoy no es viable como poeta dejar cosas regadas porque ahora es muy chévere hacer libros, si a Dickinson le hubieran tocado nuestros editores de hoy tal vez habría querido hacer un libro porque no le habrían corregido su estilo y habrían entendido su forma de escritura. Aunque uno haga algo que se puede ver desordenado, entra perfectamente en el proyecto de libro. Se naturaliza el desorden en cuanto tengas alguien que te lo acolite.Tenemos mucho que aprender del desorden de Dickinson, nosotros no aprendimos que la poesía podía tener esas posibilidades porque estuvimos leyendo libros editados de una manera muy tradicional, pero creo que las generaciones que vienen sí tendrán acceso al desorden de una manera muy visible que potencia las formas de escribir y de leer.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Elicura Chihuailaf Nahuelpán, nacido en 1952 en la comuna de Quechurehue, en la región de la Araucanía, Chile, es uno de los poetas contemporáneos más prominentes de América Latina. Su obra, profundamente arraigada en la cultura y la cosmovisión del pueblo mapuche, trasciende las fronteras de su comunidad para resonar con audiencias globales, llevando consigo la riqueza de una tradición milenaria y las luchas contemporáneas por la identidad y la justicia.La poesía de Chihuailaf es un testimonio lírico de la resistencia y la resiliencia de su pueblo frente a siglos de colonización y marginalización. A través de su poesía nos invita a explorar la relación intrínseca entre el ser humano y la naturaleza, entre el pasado y el presente, entre lo tangible y lo espiritual. Sus versos son como puentes tendidos entre mundos, entre culturas, entre el hombre y el cosmos.Uno de los temas recurrentes en la obra de Chihuailaf es la conexión profunda con la tierra y con los ancestros. Su poesía es un canto de amor y reverencia hacia la naturaleza, hacia los ríos, los bosques, las montañas, que son parte integral de la identidad mapuche.Por medio de sus palabras la tierra cobra vida, se convierte en un testigo silencioso de la historia y la memoria de un pueblo que ha resistido innumerables adversidades.Además de su compromiso con la preservación de la cultura y la lengua mapuche, Chihuailaf también aborda temas universales como el amor, la muerte, el tiempo y la búsqueda de la verdad interior. Su poesía es introspectiva y filosófica, invitándonos a reflexionar sobre nuestra propia existencia y nuestro lugar en el mundo.La importancia de la obra de Elicura Chihuailaf va más allá de la literatura, es un testimonio vivo de la diversidad cultural y lingüística que enriquece a la humanidad. Con su escritura nos recuerda la importancia de escuchar las voces de los pueblos indígenas, de reconocer y valorar su conocimiento ancestral, y de trabajar juntos hacia un futuro de respeto mutuo y coexistencia armoniosa.En un mundo cada vez más globalizado y homogeneizado, la poesía de Elicura Chihuailaf nos ofrece una perspectiva única, una ventana hacia un universo de significados y experiencias que trascienden las barreras del tiempo y del espacio. Su voz, serena y profunda como el río que fluye en la noche, nos guía hacia una comprensión más profunda de nosotros mismos y del mundo que habitamos. En sus versos encontramos no solo la belleza del lenguaje, sino también la sabiduría de un pueblo que ha aprendido a escuchar el eco de las montañas y el susurro del viento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Semanario Universidad de la UCR informó este jueves que este es el máximo reconocimiento que otorga el centro educativo y que parte de un acuerdo del Consejo Universitario tras una propuesta de la Asamblea de la Escuela de Estudios Generales.El acuerdo del Consejo Universitario confiere el título de doctorado honoris causa "a la reconocida escritora y poeta Gioconda Belli Pereira, como distinción a su trayectoria y en agradecimiento a su aporte en la construcción de una conciencia crítica, la difusión de las artes, la defensa de la libertad de expresión y de los derechos humanos”.La UCR también reconoce a la escritora por sus aportes a la promoción cultural y de la educación, la lucha por la democracia, la trascendencia de su carrera en la literatura y por los espacios para la disidencia existentes en sus textos, que permiten estudiar la realidad actual latinoamericana a partir de otras perspectivas.La escritora escribió en su perfil de la red social X para agradecer a la UCR por el reconocimiento y expresar su cariño por Costa Rica."Una llamada en la tarde. La voz del rector de la Universidad de Costa Rica, la querida UCR, con la noticia de que me otorgan el doctorado honoris causa. Recibirlo de una Universidad con tanto prestigio y de un país que admiro y quiero, es un honor y gozo enorme", manifestó Belli. La UCR prevé entregar el reconocimiento a la escritora en mayo próximo.Gioconda Belli se exilió por razones de seguridad desde mayo de 2021 en el marco de una crisis en Nicaragua en la que el Gobierno de Daniel Ortega ha sido acusado por organismos internacionales y diversos países de cometer violaciones a los derechos humanos y perseguir a sus críticos y opositores.El 15 de febrero de 2023, las autoridades nicaragüenses privaron a Belli de la nacionalidad y de sus bienes, junto a otros 93 nicaragüenses, a los que declararon traidores a la patria y prófugos de la justicia.Al momento de su desnacionalización, Belli residía en España, país que le ha concedido la nacionalidad y donde continúa viviendo.Nicaragua atraviesa una crisis política y social desde abril de 2018, que se acentuó tras las controvertidas elecciones generales del 7 de noviembre de 2021, en las que Ortega fue reelegido para un quinto mandato, cuarto consecutivo y segundo junto a su esposa, Rosario Murillo, como vicepresidenta, con sus principales contendientes en prisión o en el exilio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Petu kvpa pewmalen tvfachi mapu mewMawvn nvtrvgkvnutufi kvrvfñi trarinka, wenu, ti fvtra vl tripay zugunfillem ñi feypiley ñi neal choyvnMvlewma fentren kulliñ —pilerpuymawizantu, pichike lafkenvñvm kvme zuguUmerkvlen amun:Iñche ñi pewi mu, kiñe fvchakizu vgvm ñi wiñomeal tipu llampvzkeññi pichike gemun tremkvlenantv mewRamtukenueli tunten tripantvñi nien pienew fey muayvwkvleanChumael tukulpageafuy ti genolu?Ñi newen tukulpan mew mogeleyta Mapuka fey mu mvley taiñ Kuyfikechetañi mollfvñKimaymi, kimaymi, chumgelu —feypipetu kvpa pewmalelfun tvfachiMapu mew?Aún deseo soñar en este valle (traducción)Las lluvias tocan las cuerdasde su airey, arriba, es el coro que lanzael sonido de la fertilidadMuchos animales hubo —va diciendomontes, lagos, aves buenas palabrasAvanzo con los ojos cerrados:Veo, en mí, al ancianoque esperando el regresode las mariposashabita los días de su infanciaNo me preguntes la edad —me dicey estaré contentopara qué pronunciar lo queno existe?En la energía de la memoriala Tierra vivey en ella la sangre de losAntepasados¿Comprenderás, comprenderáspor qué —diceaún deseo soñar en este Valle?Nienolu vy tañi newen ta iñchePewman ta we Kvyen mew, pika kvzawkefiñ ta lelfvnPetu ñi zugu genonka rayen rume genon femvn(welu zoy alv kamapu)Tvfawla ñi pu ñawe zeumalkefiñlien rukaka kvrvf negvmvñ ma meke enewñi logkopvrakawellkvlen wente relmuWitrunko ta iñcheUmawtulen amuley lafkeniñche mewka nepey ta mawizantuNienolu vy tañi newenta iñche, pituway mane chi antv: Tami vl.Porque soy la fuerza de lo innombrado (traducción)He soñado en la Luna creciente—dicey he trabajado los camposAntes que las palabrasy que las flores fui(y más lejos)Para mis hijas construyola casa de platamientras con el cabelloal vientocabalgo sobre el arco irisSoy el agua que correDormido va el mar en míy despierta la montañaPorque soy la fuerza delo innombrado, dicecorona del sol: Tu canto.Ini rume ñamvm noel chi llafeFeyti vlkantun che mu rumekvmelay, pigekenKa fey ti mawizantu ayiwigvnti pu aliwenñi kallfv folil mu egvnka ñi chagvll negvmi ti kvrvfchalilerpuy vñvm eguti Pvnon ChoykeFeyti vlkantun alvkonchi wirarvnfeyti pu lalukiñe pin ti tapvl rimv mewfeyti weñagkvn feyti wechecheñi petu zugu ñi kewvnwelu ñami ñi pvllvFeyti vlkantun, ti vlkantun feykiñe pewma feyti afvl chi maputami ge ka iñche ñi ge, vlchaallkvfe piwke, ka feychivl zugulvnKa zoy pilayan, ini rume penoluti llafe ini rume ñamvn noluKa vlkantun fey ñi vl tañipu Kuyfikechepukem antv mu vy lu ka chonglufeyta chi kisu zwam weñagkvn.La llave que nadie ha perdido (traducción)La poesía no sirve para nadame dicenY en el bosque los árbolesse acariciancon sus raíces azulesy agitan sus ramas el airesaludando con pájarosel Rastro del AvestruzLa poesía es el hondo susurrode los asesinadosel rumor de hojas en el otoñola tristeza por el muchachoque conserva la lenguapero ha perdido el almaLa poesía, la poesíaes un gesto, un sueño, el paisajetus ojos y mis ojos muchachaoídos corazón, la misma músicaY no digo más, porque nadieencontrarála llave que nadie ha perdidoY poesía es el canto de misAntepasadosel día de invierno que ardey apagaesta melancolía tan personal.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Contiene una fantasía contenta con amor decente", de Sor Juana Inés de la Cruz Deténte, sombra de mi bien esquivo,imagen del hechizo que más quiero,bella ilusión por quien alegre muero,dulce ficción por quien penosa vivo.Si al imán de tus gracias atractivosirve mi pecho de obediente acero,¿para qué me enamoras lisonjero,si has de burlarme luego fugitivo?Mas blasonar no puedes satisfechode que triunfa de mí tu tiranía;que aunque dejas burlado el lazo estrechoque tu forma fantástica ceñía,poco importa burlar brazos y pechosi te labra prisión mi fantasía."Te seguiré callada", Jorge Luis BorgesTe seguiré por siempre, callada y fugitiva,por entre oscuras calles molidas de nostalgia,o sobre las estrellas sonreídas de ritmosdonde mecen su historia tus más hondas miradas.Mis pasos desatados de rumbos y fronterasno encuentran las orillas que a tu vida se enlazan.Busca lo ilimitado mi amor, y mis cancionesde espalda a los estático, irrumpen en tu alma.Apacible de anhelos, cuando el mundo te lleve,me doblaré el instinto y amaré tus pisadas;y serán hojas simples las que iré deshilandoentre quietos recuerdos, con tu forma lejana.Atenta a lo infinito que en mi vida ya asoma,con la emoción en alto y la ambición sellada,te seguiré por siempre, callada y fugitiva,por entre oscuras calles, o sobre estrellas blancas."No es que muera de amor", de Jaime Sabines No es que muera de amor, muero de ti.Muero de ti, amor, de amor de ti,de urgencia mía de mi piel de ti,de mi alma, de ti y de mi bocay del insoportable que yo soy sin ti.Muero de ti y de mi, muero de ambos,de nosotros, de ese,desgarrado, partido,me muero, te muero, lo morimos.Morimos en mi cuarto en que estoy solo,en mi cama en que faltas,en la calle donde mi brazo va vacío,en el cine y los parques, los tranvías,los lugares donde mi hombroacostumbra tu cabezay mi mano tu manoy todo yo te sé como yo mismo.Morimos en el sitio que le he prestado al airepara que estés fuera de mí,y en el lugar en que el aire se acabacuando te echo mi piel encimay nos conocemos en nosotros,separados del mundo, dichosa, penetrada,y cierto , interminable.Morimos, lo sabemos, lo ignoran, nos morimosentre los dos, ahora, separados,del uno al otro, diariamente,cayéndonos en múltiples estatuas,en gestos que no vemos,en nuestras manos que nos necesitan.Nos morimos, amor, muero en tu vientreque no muerdo ni beso,en tus muslos dulcísimos y vivos,en tu carne sin fin, muero de máscaras,de triángulos oscuros e incesantes.Muero de mi cuerpo y de tu cuerpo,de nuestra muerte, amor, muero, morimos.En el pozo de amor a todas horas,inconsolable, a gritos,dentro de mí, quiero decir, te llamo,te llaman los que nacen, los que vienende atrás, de ti, los que a ti llegan.Nos morimos, amor, y nada hacemossino morirnos más, hora tras hora,y escribirnos y hablarnos y morirnos."Desamor", de Rosario CastellanosMe vio como se mira al través de un cristalo del aireo de nada.Y entonces supe: yo no estaba allíni en ninguna otra parteni había estado nunca ni estaría.Y fui como el que muere en la epidemia,sin identificar, y es arrojadoa la fosa común."La enamorada", de Alejandra PizarnikAnte la lúgubre manía de viviresta recóndita humorada de vivirte arrastra Alejandra no lo niegues.hoy te miraste en el espejoy te fuiste triste estabas solay la luz rugía el aire cantabapero tu amado no volvióenviarás mensajes sonreirástremolarás tus manos así volverátu amado tan amadooyes la demente sirena que lo robóel barco con barbas de espumadonde murieron las risasrecuerdas el último abrazooh nada de angustiasríe en el pañuelo llora a carcajadaspero cierra las puertas de tu rostropara que no digan luegoque aquella mujer enamorada fuiste túte remuerden los díaste culpan las nocheste duele la vida tanto tantodesesperada ¿adónde vas?desesperada ¡nada más!No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.