Hace seis días, Robin ya dio la noticia de que John estaba hospitalizado en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York, y anoche confirmó su fallecimiento en un breve mensaje en Facebook: "Mi hermano pequeño, John, ha fallecido".Ilustrador de superhéroes para Marvel y DC Cómics, se hizo popular gracias a su trabajo para las aclamadas series de televisión Planetary, con el escritor Warren Ellis, Astonishing X-Men, con Joss Whedon, Captain America, con John Ney Rieber, y Star Wars, con Jason Aaron.También trabajó como artista conceptual en la adaptación cinematográfica de la clásica novela gráfica de Alan Moore y Dave Gibbons, Watchmen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Cassaday nació y creció en el pueblo de Forth Worth, en Texas, donde publicó Ghost, su primera historieta, en Dark Horse Comics en 1996; ese mismo año, acudió a la Comic-Con de San Diego y, poco después comenzó a recibir ofertas de trabajo de editoriales más importantes. Hasta entonces, compaginaba su labor de dibujante con trabajos en la construcción; diez años después ganó su primer Eisner al mejor dibujante.Autodidacta, él mismo reconoció sus influencias a NC Wyeth y la iconografía clásica de la cultura de las revistas pulp, así como de la música popular.También estudió cine y dirigió programas de noticias para televisión durante cinco años.Además de dibujar a lápiz y entintar las páginas interiores de sus cómics, Cassaday trabajaba con tinta y carboncillo y coloreaba digitalmente la mayoría de sus portadas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Jones era uno de los pocos privilegiados miembros del club de los EGOT (es decir, ganador de Emmy, Grammy, Oscar y Tony) y participó en casi 200 producciones en pantalla durante sus 60 años de carrera.El actor, nacido en 1931 en Arkabutla (Missisipi), era sobre todo conocido por poner voz al personaje de Darth Vader en la trilogía original de Star Wars, así como en las entregas más recientes (Revenge of the Sith, Rogue One, The Rise of Skywalker) y en las series de televisión Obi-Wan Kenobi y Star War Rebels.Jones hizo su debut en la gran pantalla en el largometraje de Stanley Kubrick Dr. Strangelove o Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba, aunque saltó a la fama en 1970 con su papel en película (The Great White Hope' (La gran esperanza blanca), donde interpretaba al primer campeón afroamericano de los pesos pesados de EE.UU.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Su papel en esta última le llevó a estar nominado al Oscar como mejor actor protagonista en 1971, aunque no se haría con una estatuilla hasta 2012, cuando recibió un Óscar honorífico.En el cine también participó en otras películas como Claudine, Field of Dreams (Campo de sueños) o Our Gang (Nuestra pandilla).Por su parte, debutó en Broadway en 1958 con Sunrise at Campobello (Amanecer en Campobello), con el que ganó el Tony a mejor obra teatral, y a lo largo de su carrera obtuvo dos de estos premios, uno por su papel en la obra de teatro The Great White Hope (antes de que fuera adaptada a la gran pantalla) y otro por Fences.Además, fue nominado a los Emmy en ocho ocasiones, ganando dos de estos premios en 1991: uno por su rol como personaje principal en la serie dramática Gabriel's Fire (La pasión de Gabriel) y otro en la categoría de actor secundario en una miniserie o un especial por Heat Wave (La rebelión).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un comunicado, la familia de Mendes dijo que el músico "murió en paz" la víspera en su casa de Los Ángeles, rodeado de su esposa y sus hijos."En los últimos meses, su salud se había visto afectada por los efectos del covid prolongado", añadió la nota.Lanzado a la escena brasileña a principios de los años 60 en plena ola de la bossa nova, Sergio Mendes alcanzó la fama rápidamente. Sus talentos como pianista y compositor de arreglos despertaron el interés de Antonio Carlos Jobim.Su dominio del jazz impresionó y el saxofonista norteamericano Cannonball Adderley escogió su formación, "Sexteto Rio", para grabar el disco "Cannonball's Bossa Nova", en 1963.En 1966, Mendes alcanzó un gran éxito internacional con su álbum "Sergio Mendes & Brasil 66" y el desde entonces famoso "Mas Que Nada", adaptación de una canción de Jorge Ben.Grabó más de 35 álbumes y salió de gira con grandes artistas estadounidenses como Frank Sinatra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Descansa en paz, querido genio", dijo en Instagram Milton Nascimento, ícono de la música popular brasileña y una de las primeras celebridades en reaccionar a la muerte de Mendes. "Fueron muchos años de amistad, colaboraciones y música" entre ambos, agregó.A lo largo de su carrera, Mendes no dejó de explotar la inagotable veta de una música cautivante, en la que mezclaba hábilmente la cadencia de la samba, el groove del jazz, las sutiles armonías vocales de la bossa nova y el refinamiento del pop californiano.Sin embargo, detrás del músico famoso y del aspecto comercial de sus temas, rayanas a veces en el "easy listening", había un artista dotado de una gran espontaneidad."Soy muy curioso, me gusta aprender, es por eso que hablo francés de oído", aseguró Sergio Mendes en una entrevista con la AFP en París, en 2014."La raíz de mis músicas es brasileña. En Brasil tenemos una bella diversidad cultural y musical, entre la música de Bahía, de Rio de Janeiro, la música clásica, los ritmos llegados de África", destacó entonces.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El deceso se produjo el jueves 30 mientras dormía en su residencia de Versalles, a las afueras de París.Tacchella, nacido en Cherburgo en septiembre de 1925, se mudó a París con 19 años para cumplir su sueño de dedicarse al cine tras haber hecho sus estudios en Marsella.En la capital francesa se relacionó con figuras como André Bazin, Alexandre Astruc, René Clément o Jean Cocteau.Como realizador firmó dos cortos y once largometrajes entre 1970 y el año 2000, de entre los cuales el más destacado es la comedia romántica 'Cousin, cousine', que además de las dos candidaturas al Óscar (mejor película en lengua extranjera y mejor actriz para Marie-Christine Barrault), le valió también una nominación a un globo de oro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue más prolífico como guionista, ya que su nombre apareció en casi una veintena de créditos, incluidos los de 'Cousins' (1989), que fue la versión estadounidense de su película realizada por Joel Schumacher.Tacchella fue nombrado presidente de la Cinemateca francesa en 2001 y se convirtió en presidente de honor de esa misma institución en 2003.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que relata la búsqueda de su hijo Gustavo Cortiñas, desaparecido durante la última dictadura militar en Argentina (1976-1983), fue escrito y dirigido por el australiano Jayson McNamara y la argentina Andrea Tortonese y tiene a figuras como Jane Fonda, Naomi Klein y Gustavo Santaolalla entre sus productores ejecutivos.La tragedia personal de Cortiñas se unió a la de otras madres que también intentaron dar con el paradero de sus hijos, proceso durante el cual fundaron la organización Madres de Plaza de Mayo, primer grupo de derechos humanos de mujeres en Argentina.Desde 1980, esta reconocida activista ha sido además un símbolo dentro del movimiento de mujeres y una figura central durante la votación para legalizar el aborto en el año 2020.El filme sobre su vida tuvo su primer estreno en Los Ángeles durante el festival anual ‘Dance with Films’, el 20 de junio pasado.El documental cuenta con testimonios de sobrevivientes del terrorismo de Estado en Argentina y personas allegadas a la referente de derechos humanos y a su hijo desaparecido.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los directores conocieron a Cortiñas en profundidad, por lo que no solo relatan su compromiso con los derechos humanos sino también detalles poco conocidos sobre su vida y su lucha.Tortonese trabajó en el área de Archivo y Comunicación de Madres de Plaza de Mayo y acompañó a la activista en varias actividades que la “marcaron profundamente” y la llevaron a realizar este documental, según explicó en un comunicado.McNamara Jayson ha documentado la vida de Cortiñas después de que se conocieran en manifestaciones LGTBI en Argentina, una causa que siguió de cerca durante sus 7 años como periodista en el Buenos Aires Herald.Cortiñas murió el 30 de junio de este año a los 94 años, tras pasar varios días hospitalizada, nunca pudo conocer el paradero de su hijo y tampoco logró la apertura de todos los archivos de la dictadura, aunque continuó su lucha por más de cuatro décadas. Su última marcha fue a principios de mayo de este año.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con una carrera repartida durante más de seis décadas que le llevó a trabajar con grandes directores franceses (René Clement, Jean-Pierre Melville, Louis Malle o Jacques Deray) e italianos (Luchino Visconti o Michelangelo Antonioni), Delon marcó toda una época del cine.Pero fue mucho más que eso, su mirada y su indiscutible belleza le convirtieron en un símbolo, no solo del cine francés, sino de una nueva masculinidad más moderna que trascendió del cine a la vida diaria.Hijo del dueño de un cine y de una ayudante de farmacia, Delon nació en 1935 en Sceaux (afueras de París) y se enamoró del séptimo arte cuando, siendo niño, su padre le llevaba a ver películas.Abandonado por su padre cuando tenía cuatro años, fue tutelado por una familia de acogida hasta que su madre se casó con un boyante charcutero, lo que forjó un carácter rebelde.Varias expulsiones de escuelas y una huida de casa a los 14 años con la intención de llegar a Chicago, aunque no fue más allá de Burdeos, marcaron una adolescencia turbulenta que prosiguió cuando a los 17 fue enrolado en la Marina durante la guerra de Indochina y protagonizó arrestos y sanciones.De vuelta a la vida civil, prosiguió su rumbo indómito, instalado en tugurios del entonces turbulento barrio de Pigalle. Fue cargador en el mercado de Les Halles, camarero, delincuente de poca monta y hasta gigoló.De los tugurios de Pigalle a estrella mundialCuentan las crónicas que le salvó un encuentro sentimental con una actriz que le sacó de ese mundo y lo llevó al otro lado del Sena, al Barrio Latino, donde se familiarizó con el mundo artístico.Gracias a su físico y a su desparpajo, se manejó bien en ese ambiente y en 1957 logró su primer papel, antesala del segundo y de "Christine", al año siguiente, donde conoció a Romy Schneider, con la que protagonizó un romance sonado en toda Europa.La consagración llegó con "Plein Soleil", la primera adaptación de la novela "Mr. Ripley" de Patricia Highsmith, y de ahí pasó a Italia, donde Visconti le dirigió en las míticas "Rocco y sus hermanos" y "El Gatopardo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Delon se hizo famoso en todo el mundo como el arquetipo del joven dinámico y guapo, pero a menudo también sin principios morales. Su mirada acerada, de frialdad helada, le llevó a interpretar con éxito a delincuentes, asesinos a sueldo o mafiosos, como en "Le Samourai", "El clan de los marselleses", "Le Cercle Rouge" o "Le Gitan".Uno de esos filmes fue "Borsalino", la primera vez en que compartió cartel como protagonista con la otra gran estrella francesa del momento, Jean-Paul Belmondo. Hubo un intenso duelo, nada amistoso, por ver quién ganaba el pulso cinematográfico, aunque después se reconciliaron. Pero su físico también le sirvió para interpretar a policías duros y hieráticos, como en "Un flic", "Flic story", o "Pour la peau d'un flic".Fue el escritor frustrado y seductor de "La Piscine", de nuevo con Romy Schneider, el amnésico torturado de "Diaboliquement vôtre" e incluso, ya maduro, el seductor inveterado de "Le retour de Casanova".Gran estrella de la pantalla mundial, Delon no desdeñó el teatro, la televisión, la producción de filmes (35), la dirección (3) y hasta la música. Incluso hizo una incursión en Hollywood, un ambiente que no le agradó. Ya de vuelta de todo, se permitió encarnar al ridiculizado Julio César en "Astérix aux Jeux Olympiques" (2008).Un aura de seductorDelon también fue inmensamente famoso por sus romances. Romy Schneider que se fue a vivir con él para sacudirse su imagen angelical de Sissi, algo escandaloso para muchos en 1959, cuando fueron considerados "los novios de Europa".Las actrices Nathalie Delon, Mireille Darc o Anne Parillaud, y las cantantes Nico (de Velvet Underground) y Dalida figuran en su extensa lista de relaciones sentimentales conocidas.De ellas nacieron tres hijos reconocidos: Anthony, con Nathalie Delon, y Anouchka y Alain-Fabien de su relación con la modelo neerlandesa Rosalie van Breemen, a la que estuvo unido catorce años.Más allá de sus muchos devaneos amorosos, Delon fue también un amigo de una fidelidad inquebrantable. Así, pagó en secreto la residencia especializada donde Annie Girardot vivió sus últimos años víctima del Alzheimer, hasta su muerte en 2011.No le importó mostrar sus preferencias políticas y, aunque tradicionalmente se mostró conservador, primero gaullista y luego partidario de Jacques Chirac y Nicolas Sarkozy, algunas declaraciones suyas a favor del ultraderechista Frente Nacional generaron mucha controversia.En 2019, y ya con 83 años, Alain Delon sufrió un accidente cerebrovascular del que se recuperó, aunque quedó algo disminuido. Su estado de salud, la forma de atenderlo y su voluntad real fueron objeto de desavenencias entre sus hijos que saltaron a la plaza pública.Una de sus últimas apariciones públicas fue en septiembre de 2021 durante el funeral de su rival y amigo Jean-Paul Belmondo, donde se pudo ver a un Delon todavía en buena forma, aunque apoyado en un bastón y ayudado por su hijo Anthony.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tanaami falleció a causa de una hemorragia intracraneal y su funeral se celebró en la intimidad con familiares, según detallaron este martes medios locales.Nacido en la capital japonesa en 1936, Tanaami tenía unos 8 años cuando se produjo el bombardeo que redujo a escombros a Tokio durante la Segunda Guerra Mundial, un suceso que se le quedó grabado y que trasladaría después a su obra.Tras la guerra, Tanaami estudió diseño en la Universidad de Arte de Musashino, donde ganó un galardón por su trabajo y tras graduarse, comenzó a trabajar en varios campos, incluida la ilustración, animación y pintura.En la década de los 60, visitó Nueva York y se encontró por primera vez con la obra de Andy Warhol. En 1975 fue nombrado el primer director de arte de la versión japonesa de la revista mensual Playboy."Al igual que Warhol, decidí no limitarme a un solo medio, al diseño o a las bellas artes, sino hacer lo que quisiera utilizando una variedad de métodos", decía el artista en una entrevista recogida en su página web.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Su estilo se caracteriza por los colores vivos y por combinar imágenes grotescas con elementos de la cultura popular estadounidense o figuras clásicas en el arte japonés, haciendo hincapié en la psicodelia y la novela gráfica."De lo único que estoy seguro es del impacto de mis experiencias de infancia. Los temas que me interesan, esa indescriptible sensación del tacto al aplicar capas de pintura, el proceso de incorporar la inspiración de las películas a un cuadro, siguen siendo los mismos para mí hasta el día de hoy. Mi enfoque de la pintura no ha cambiado en absoluto desde mi infancia", explicaba.Muy aclamado internacionalmente en los últimos años, sus obras están incluidas en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago, en Estados Unidos, mientras que en su ciudad natal, su primera retrospectiva a gran escala se estrenó en el Centro Nacional de Arte de Tokio este mes y estará abierta hasta al público hasta el 11 de noviembre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Rowlands falleció en su casa de Indian Wells, en California, rodeada de su familia, confirmó la oficina del agente de su hijo, el director de cine Nick Casavetes, según recogió el diario especializado Variety.Por el momento se desconocen las causas de la muerte de la legendaria actriz de Hollywood, nominada a premios Oscar por 'A Woman Under the Influence' ('Una mujer bajo la influencia'; 1974) y 'Gloria' (1980), ambas dirigidas por su exmarido y director de cine John Cassavetes, fallecido en 1989.Su hijo, también director, hizo público el pasado junio que su madre padecía alzheimer en una entrevista con el medio Weekly Entertainment en la que repasaba su trabajo juntos en el rodaje de 'The Notebook', película en la que Rowland interpretaba precisamente a una mujer con alzheimer.La actriz encarnó en aquella película, de la que se cumplen dos décadas de su estreno en la gran pantalla, a Allie, la versión más adulta del mismo personaje interpretado por Rachel McAdams.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La abuela de Cassavetes, la actriz Lady Rowlands, también padeció alzheimer y su lucha inspiró a Gena para interpretar a Allie en 'The Notebook', basada en la novela de Nicholas Sparks.Conocida por sus colaboraciones con su difunto esposo, el actor y director John Cassavetes, en 10 películas, la actriz estadounidense ha sido galardonada en sus más de seis décadas de carrera con cuatro premios Emmy y dos Globos de Oro.Su último papel en un largometraje lo interpretó en 'Six Dance Lessons in Six Weeks' (2014) coprotagonizada por Cheyenne Jackson.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El actor falleció el pasado domingo tras padecer "una breve enfermedad", según confirmó al medio especializado su representante Chris Roe."Charles era un hombre adorable y sensible", dijo Roe en un comunicado que difunde "Variety".Cyphers interpretó por primera vez al sherif Brackett en la película de terror de John Carpenter de 1978 "Halloween", protagonizada por Jamie Lee Curtis como Laurie en su debut cinematográfico.Repitió su papel en la secuela de 1981 "Halloween II" y en "Halloween Kills" de 2021, según la el medio especializado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El actor inició su carrera precisamente con Carpenter en la película de acción rodada en 1976 "Asalto al distrito 13" Assault on Precinct 13) donde trabajó con Ethan Hawke, Laurence Fishburne y Gabriel Byrne.Según "Variety", el actor nació el 28 de julio de 1939 en las Cataratas del Niágara, Nueva York y se graduó de la Academia Estadounidense de Artes Dramáticas y de Cal State LA, donde recibió su licenciatura en artes teatrales.Cyphers apareció como actor secundario en múltiples series de televisión a lo largo de su carrera, incluyendo “Barnaby Jones”, “The Bionic Woman” (La mujer biónica), “Charlie’s Angels” (Los Ángeles de Charlie), “Roots” (Raíces) o “Starsky and Hutch”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Con una inmensa tristeza hemos recibido la noticia del fallecimiento de André Juillard, ocurrido el 31 de julio, a la edad de 76 años", anunció la editorial Dargaud en un comunicado.Galardonado en múltiples ocasiones, el autor estaba trabajando en el próximo tomo del dúo Blake y Mortimer, "Signé Olrik", que debía aparecer a finales de año.Ya había ilustrado varios tomos de esta exitosa serie, como "La maquinación Voronov" (2000) o "El testamento de William S." (2016).Nacido en París, exalumno de Artes Decorativas, André Juillard fue un apasionado de la historia que supo trasladarla al dibujo.Desde "Bohémond de Saint Gilles" en 1979 hasta "El secreto de la catedral" en 1981, pasando por "Los cátaros" en 1980 o "2.000 años de historia del Calvados" en 1981, reconstituyó incansablemente la pequeña y gran Historia.Y así hasta su gran saga de aventuras en la época del rey francés Enrique IV, "Las siete vidas del Gavilán", siete álbumes con guiones de Patrick Cothias publicados entre 1983 y 1991, traducidos a numerosas lenguas, entre ellas el español.André Juillard también se adentró en solitario a la historieta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Diario azul", publicado en 1994, es una historia de amores cruzados y malentendidos que le supuso el premio al mejor álbum francés en el Festival Internacional del Cómic de Angulema en 1995.Al año siguiente, recibió el Gran Premio de la Ciudad de Angulema, el máximo galardón otorgado a un autor por el conjunto de su obra.Entre sus otros álbumes destacados se pueden mencionar los tres volúmenes de "El largo viaje de Lena", entre 2006 y 2020, o la serie "Pluma al viento", entre 1995 y 2002, donde vuelve a a aparecer la heroína de "Las siete vidas del Gavilán".Creador de carteles o serigrafías, André Juillard también se dedicó a la ilustración de textos literarios, como "Mientras agonizo" de William Faulkner.Apreciado por los coleccionistas, una de sus planchas de "Diario azul" se subastó por más de 80.000 euros en 2019 durante una subasta en Christie's en París.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El largometraje, que fue dirigido por Óscar y Tito Catacora, fue seleccionado por un comité conformado por especialistas del sector cinematográfico nacional, propuestos por los gremios cinematográficos e instituciones educativas.En el caso de los premios Óscar, que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, la cinta peruana buscará alcanzar una nominación en la categoría de Mejor Largometraje Internacional.En ese sentido, el Ministerio de Cultura informó que la lista corta de películas en carrera por estos premios será anunciada el 17 de diciembre próximo.El largometraje peruano, que se estrenó en los cines nacionales, a nivel comercial, el 4 de abril de 2024 y se mantuvo seis semanas en cartelera, también competirá por ser uno de las nominados en la categoría de Mejor Película Iberoamericana de los Goya, una lista que se conocerá también en diciembre próximo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Ministerio de Cultura explicó que solo actúa como facilitador del proceso de selección de la cinta que representa al país, pero no cuenta con integrantes en el comité, por lo que no tiene voto en el proceso de selección.En el caso de Yana-Wara, el ministerio recordó que recibió uno de los premios de los Estímulos Económicos que otorga el Concurso nacional de proyectos de largometrajes de ficción en lenguas originarias de 2018. De forma adicional, recibió estímulos económicos para su distribución en 2023.Yana Wara, fue el segundo largometraje del director peruano Oscar Catacora, quien falleció mientras lo rodaba en una localidad remota de la región sureña de Puno, por lo que esta fue concluido por su tío Tito Catacora.Narra la historia trágica de una niña de 13 años que enfrenta la adversidad y la violencia de género en los Andes, en una aproximación a este mundo que rompe la barrera ente el mito y la realidad, muestra la distancia cultural y la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio peruano.En mayo pasado, Tito Catacora declaró que "en este país llamado Perú existen varias naciones" y que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
The Last of the Sea Women (Las últimas mujeres del mar) cuenta la historia de la comunidad matriarcal haenyeo, cuyos miembros se sostienen económicamente pescando en la isla surcoreana de Jeju, utilizando únicamente trajes de buzo, máscaras, aletas, cestas y anzuelos.La comunidad, declarada patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2016, existe desde hace siglos, pero está en peligro, ya que muchas de las mujeres tienen ahora 60, 70 o incluso 80 años."Buscaba historias de mujeres... Quería historias de su resiliencia. Y cuando oí hablar de este proyecto a (la directora) Sue, pensé: 'Esto es exactamente lo que estoy buscando'", dijo Yousafzai en una entrevista junto a la directora coreano-estadounidense Sue Kim."Cuando veo las historias de las haenyeo, me inspiran sobre las posibilidades y las capacidades que las mujeres tienen en sus cuerpos, en sus mentes", agregó la activista de 27 años, que es una de las productoras de la película.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mujeres impresionantesEn los años sesenta, 30.000 mujeres haenyeo extraían del mar desde caracoles hasta pulpos para mantener a sus familias. Hoy, ese número se ha reducido a 4.000.La película muestra a las mujeres hablando sobre su difícil trabajo, que implica aguantar la respiración bajo el agua hasta dos minutos, e incluye bellas imágenes submarinas de ellas en plena labor.Además explora cómo intentan revivir su cultura mediante la formación y la promoción de su trabajo en redes sociales, y cómo trabajan juntas para evitar la sobrepesca."Las conocí cuando era una niña y me impresionaron mucho, porque son muy seguras de sí mismas y audaces", explicó Kim, que debuta en la dirección de largometrajes."Son impresionantes. Son físicamente ágiles, hábiles y fuertes, y defienden el medio ambiente y se preocupan por la próxima generación", añadió.Cuando era adolescente, Yousafzai sobrevivió en 2012 a un intento de asesinato por parte de los talibanes por su campaña a favor de los derechos educativos de las niñas. En 2014, a los 17 años, fue galardonada con el Premio Nobel de la Paz.La activista firmó un acuerdo con Apple TV+ en 2021 para promover contenidos centrados en mujeres y niñas y ha creado su propia productora."Contar historias ha formado parte de mi activismo, y creo que necesitamos crear plataformas y oportunidades para que las niñas y las mujeres reflexionen sobre el mundo tal y como lo ven", dijo Yousafzai.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Colombia, como en el mundo, los nombres de grandes ciudades y pueblos están acompañados por un sobrenombre que les otorga cierta mística, las describe y nutre el sentido de pertenencia de sus habitantes. Varios de ellos aluden a la infraestructura o el clima del lugar, tenemos “la ciudad de la eterna primavera”, “la Atenas Sudamericana”, “la ciudad de los parques” y hasta “la sucursal del cielo”, por mencionar algunas, pero hay una que ha hecho del arte su sinónimo, Ibagué, “la capital musical de Colombia”.Con fiestas y eventos culturales, Ibagué celebra un legado musical que día a día reivindica los ritmos tradicionales del país y en especial de la cordillera central, este año, por ejemplo, celebró la edición 38° del Festival Nacional de la Música Colombiana y la número 50° del Festival Folclórico Colombiano. Y se sumó la quinta edición del Ibagué Festival, llevado a cabo entre el 5 y el 8 de septiembre, con alrededor de seis mil asistentes a los conciertos, talleres y actividades que celebraron a los artistas nacidos en esta región.“Se trata de resignificar y llenar de contenido actual la vida musical de la ciudad y del departamento. Es necesario implementar una política musical integral que fortalezca y estimule los procesos musicales de lo urbano y lo rural, de lo popular y lo académico, de lo tradicional y lo contemporáneo, de la industria y el mercado musical, así como de la formación, la investigación y la circulación, para consolidar y proyectar con claridad y fuerza hacia el mundo, la voz propia de la región y su singularidad sonora”, aseguró Alejandro Mantilla, director artístico del festival.Los cuatro días del Ibagué festival tuvieron como punto central el llamado a los músicos oriundos de esta tierra, a aquellos que llevan su talento por el mundo, por el país y a quienes hacen parte del talento local haciéndole honor al título que ostenta la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los artistas más destacados de la ciudad, reconocido por sus baladas de amor es el cantautor Santiago Cruz, encargado del concierto de apertura, que junto a la Orquesta sinfónica juvenil del Conservatorio de Ibagué y la Orquesta sinfónica del Conservatorio del Tolima, hicieron del Museo Panóptico de la ciudad un escenario para hablar de gratitud y reconciliación.“Es un sueño cumplido venir a tocar a mi ciudad con músicos del Conservatorio del Tolima, del Colegio Amina Melendro (Conservatorio de Ibagué), con profesores, en un lugar que es uno de los símbolos más hermosos y potentes de la transformación que tanto necesita este país, este panóptico que es motivo de orgullo para nosotros”, dijo Cruz antes de tocar frente a sus paisanos.En medio de las multitudes, tanto que quienes no lograron entrar al evento por un breve momento apelaron a los gritos y la fuerza, el artista dio un concierto sinfónico bajo la batuta del director Germán Gutiérrez, en el que no solo interpretó sus canciones más conocidas como Cuando regreses y Baja la guardia. También hubo un espacio para interpretar Te doy las gracias, que en esa ocasión dedicó a su tierra, e Hijos del calvario, dedicada a las víctimas del conflicto armado y que en 2022 Cruz, junto a la Comisión de la Verdad presentó en su ciudad antes víctimas del conflicto armado de la región.Tras la apertura, las jornadas del festival transcurrieron en medio de músicos de la diáspora que armonizaban la ciudad con un formato de música en las calles donde se presentaron artistas como Afro Fresh, Juliana Valdiri, Phonoclórica, el Cuarteto León Cardona y Tres Palos Ensamble.En simultáneo, músicos locales y de todo el país que visitaron la ciudad, asistieron a clases magistrales, talleres y conversatorios con artistas locales e invitados internacionales. El violinista Samuel Jiménez, por ejemplo, impartió una clase de técnicas y herramientas del violín y desde Francia, el Cuarteto Hermés brindó un taller a maestros sobre música de cámara.También, los escenarios musicales, la geografía de la ciudad y las vías de acceso fueron uno de los temas principales en un conversatorio dedicado a la diáspora musical del Tolima, en el que participaron Santiago Cruz, Jona Camacho, Ana Ospina, Germán Gutierréz, Samuel Jiménez y Juan Felipe Loaiza, todos músicos que han llevado su talento a otras ciudades del mundo.El festival tuvo como escenarios principales el panóptico, el Conservatorio del Tolima y el Teatro Tolima, lo que trae a colación la conservación y mantenimiento de los escenarios dispuestos para acoger las presentaciones musicales.La Concha Acústica dedicada al dueto de los maestros Darío Garzón y Eduardo Collazos, durante los últimos años ha sido la gran ausente de este tipo de eventos debido al deterioro y abandono en el que se encuentra. Sin embargo, se espera que la para la próxima edición del Festival Folclórico Colombiano esté en condiciones de recibir alrededor de cinco mil espectadores, según lo anunciado por la alcaldesa Johana Aranda el pasado 2 de julio en rueda de prensa.El jazz y la diversidad artística en IbaguéA los pasillos, bambucos y torbellinos que con su ritmo sacudieron los ocobos de flores rosadas y lilas se sumaron otros géneros que invitaron a públicos diversos a disfrutar de la música. Pasando por música clásica, rap, dancehall y un espacio especial para el jazz, el festival ofreció música para todos los gustos.“Uno de los rasgos diferenciales del Ibagué Festival es su apuesta por el encuentro entre las músicas y las demás expresiones artísticas. Es un diálogo intertextual entre lenguajes que articulan con autonomía sus estéticas, sus técnicas y sus formas expresivas”, aseguró Mantilla.Los hermanos Pimienta ambientaron el panóptico con La Etnnia que llenó el escenario de energía urbana y rap que, junto a las presentaciones de artistas locales como Afro Fresh y Phonoclórica, llevaron los ritmos locales a otros géneros y regiones.Por otro lado, el jazz estuvo presente a lo largo de los cuatro días, con la presentación del libro Kind of Blue, del periodista y melómano Juan Carlos Garay, y con la participación especial de la banda originaria de Nueva Orleans, Luisiana, los New Orleans Jazz Vipers. Con el ritmo de canciones de Fats Waller, Con Conrad, Duke Ellington, entre otros músicos aclamados en el jazz, acompañaron el inicio y el cierre del festival, además de liderar dos de los talleres para músicos en el Conservatorio del Tolima.César Augusto Zambrano, el maestro homenajeado en su natal IbaguéTras una presentación magistral del Cuarteto Hermès, visitantes desde Francia, el sábado fue, sin duda, el día más emotivo del evento, en el que se rindió homenaje al maestro César Augusto Zambrano, por parte de la Fundación Salvi, principal organizadora del festival.Al maestro, músicos, amigos y organizadores le agradecieron su compromiso indeclinable con el desarrollo cultural y educativo de su región. Pues, por destacar algunos hitos, Zambrano es el fundador del Concurso Internacional de Violín Frank Preuss, de la orquesta sinfónica, el coro y el doble cuarteto de la Universidad del Tolima, del coro de cámara de la ciudad de Ibagué, del sistema coral infantil y la dirección musical de la Fundación Musical de Colombia.Además, el homenaje contó con un concierto de sus obras en el que se destacó la presentación de la rapsodia Señora del paisaje, un homenaje a Leonorcita Buenaventura, conocida como la “novia de Ibagué”, artista amante de su ciudad a la que le dedicó su obra.“Esto es soñar con los ojos abiertos, nunca hice música para esperar estos reconocimientos tan calurosos y sinceros. Ha sido un camino de dedicar una vida a servir, a acercarse a la gente y siempre trabajar para que todo lo que sea importante para la música también sea importante para toda la gente”, agradeció Zambrano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el 25 de julio se está llevando a cabo la celebración de los 500 años de la fundación de la ciudad de Santa Marta, algunos sectores de la ciudad no estuvieron de acuerdo con las declaraciones del ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa, quien habló acerca de conquista y esclavitud."Para nosotros, por Santa Marta no entró la civilización, ni la religión fue un bien para el país, ni el idioma castellano fue un bien para el país", afirmó el ministro, quien agregó: "Para nosotros, lo que va a ocurrir no es una celebración (...) Hubo un enfrentamiento y una colonización, y eso nos hace pensar en las personas que estaban en el territorio antes de que esas otras llegaran".El alcalde de Santa Marta, Carlos Pinedo Cuello, contestó a sus palabras por la red social X, donde mencionó: “desde Santa Marta rechazamos con firmeza las desafortunadas declaraciones del Ministro de Cultura, Juan David Correa, quien ha mostrado una grave falta de respeto hacia nuestra ciudad, su historia y su gente. La celebración de los 500 años de Santa Marta no es solo un evento local; es un hito de importancia nacional e internacional. Menospreciar los aspectos históricos de nuestra fundación es una ofensa no solo para los samarios, sino para todos los colombianos”.La Academia de Historia del Magdalena también se pronunció al respecto: "esta Academia celebrará la hispanidad y seguirá destacando de la ciudad su historia, su papel importante como puerto principal para la exploración y conquista de los territorios internos y lo que históricamente representó para el Reino de España".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el 2020 se instauró la ley 2058 en la que se decreta a la Nación como partícipe de la celebración del Quinto Centenario de Fundación de la Ciudad de Santa Marta, “ La Nación hace un reconocimiento al Distrito Turístico e Histórico de Santa Marta, declarado patrimonio cultural de la Nación por ser la ciudad sobreviviente más antigua fundada por España en América del Sur y en razón a su riqueza biogeográfica y ecológica, a su diversidad cultural con presencia de los pueblos indígenas Kogui, Arhuaca, Arzaria, Chimila y Wayúu y de población afrocolombiana”, se lee en esta ley.Correa hizo alusión a esta ley y presentó una nueva carta en la que vuelve a mencionar la colonización y la participación de las comunidades en el quinto centenario: “entre otras cosas esa comisión no ha vuelto a sesionar porque uno de sus artículos fue demandado ante la Corte Constitucional (Sentencia C- 189 de 2022) por las comunidades negras, afrodescendientes, raizales y palenqueros por considerar que se había vulnerado sus derechos de participación. La corte tuteló sus derechos y determinó que ellos también integrarían la comisión, la cual se hizo extensiva a los pueblos indígenas, reconociendo de esta manera el lugar fundamental en esta historia.En esta carta el ministro resalta que no debe ser una celebración sino una conmemoración sin dejar de revisar el pasado y el comienzo de la fundación de la ciudad: “pensar en una conmemoración, 500 años después, es entonces un gesto de reconocimiento hacia pueblos indígenas y afrodescendientes que no sólo resistieron largos siglos de colonización, sino que también durante gran parte de la República han hecho esfuerzos para no ser condenados a habitar en los terrenos de la otredad”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No hay una estrategia, yo le llamo (a la política lingüista del Gobierno) un proceso confeti: hago aquí un concurso de poesía en náhuatl, aquí publico una novela en zapoteco (...) Pero no hay una estrategia integral", explica Aguilar, quien se muestra crítica con las políticas de protección de las lenguas indígenas por parte del presidente saliente, Andrés Manuel López Obrador (2018-2024).Para la lingüista es significativo que el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas "cuente con tres veces menos presupuesto que lo que contó en 2021 la oficina para promover el béisbol", lo que en su opinión deja a las claras la falta de voluntad política al respecto.En el gabinete que ha anunciado la presidenta electa, Claudia Sheinbaum, quien asumirá el próximo 1 de octubre, Aguilar sí ve algunos signos más positivos de cara al próximo sexenio. "Ahora con Claudia hay personas cerca que, creo, podrían influir para hacer una política lingüística necesaria", afirma la escritora.La pérdida de lenguas originarias en MéxicoSegún explica Aguilar, actualmente en México existen 68 lenguas distintas, que a su vez se subdividen en matices regionales creando hasta 365 sistemas lingüísticos diferentes, lo que muestra la riqueza lingüística del país, que no obstante se ha visto enormemente deteriorada, especialmente tras la independencia mexicana de España en 1821."Se calcula que para 1820 aproximadamente entre el 65 % y el 70 % de la población hablaba una lengua indígena y en la actualidad es el 6,1 %", asegura la escritora.Aguilar achaca esta enorme reducción a la construcción nacional de México, ya que parte del proceso de creación del Estado-nación es la disolución de las diferencias identitarias, principalmente las lenguas."En el caso de México la idea fue imponer la lengua de una minoría criolla que era la que hablaba castellano, como única lengua (...) básicamente para construir la idea de una identidad mestiza era importante que dejaran esas identidades y esas pertenencias a pueblos y naciones que no eran del Estado mexicano", explica.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La propia Yásnaya, cuyo idioma natal es el mixe (lengua originaria del occidental estado mexicano de Oaxaca), ha experimentado en primera persona la pérdida paulatina de su lengua."Siempre digo que es muy triste ver en primera fila cómo va muriendo tu lengua", expresa la escritora, al asegurar que el proceso de deterioro de estas lenguas es más notorio entre la población joven."Si ves la tasa de transmisión, claramente ves que la población infantil ya no está jugando entre ella en mixe", señala la lingüista, que ve una gran diferencia entre niños y adultos de la tercera edad, entre quienes todavía abunda la comunicación en mixe.En opinión de Aguilar, la protección y conservación de las lenguas prehispánicas pasa por una menor intervención del estado en la educación de las comunidades indígenas."Pasa por la autonomía, que los pueblos (originarios) puedan tener sus propios sistemas educativos", sostiene la escritora, que defiende el derecho de las comunidades indígenas a la autogestión en este y otros aspectos sociales y políticos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.