El cantante y músico caleño Wilson Manyoma falleció este jueves 20 de febrero a los 73 años tras una caída en días anteriores. Según Caracol Radio, Manyoma fue encontrado sin signos vitales en la madrugada del jueves y previamente había sufrido una caída en el baño de su casa. Fruko habló acerca del fallecimiento en el mismo medio: “para mí es uno de los mejores cantantes que dio el Valle del Cauca, que se inició conmigo en Fruko y sus tesos (...) es una gran perdida, lo llevamos en el corazón y siempre lo amaremos”.También conocido como Saoko, Manyoma tuvo un papel fundamental en la evolución de la salsa caleña. Nació en Cali, una ciudad que se consolidó como epicentro del género en Colombia.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíManyoma fue una de las figuras clave de la legendaria orquesta de Fruko y sus tesos junto al Joe Arroyo. Su interpretación en temas como El preso y Tú sufrirás lo convirtieron en un referente dentro del movimiento salsero.Posteriormente, Wilson Manyoma emprendió una carrera como solista, destacándose por su estilo distintivo y su capacidad interpretativa en la salsa brava. Su apodo, "Saoko", hace referencia a la energía y el "sabor" que caracterizan su música y su presencia en el escenario.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muerte de Buckler, ocurrida el 17 de febrero, fue confirmada por sus compañeros de banda Paul Weller y Bruce Foxton en las redes sociales y se ha producido apenas unas semanas después de que el músico tuviera que cancelar una gira debido a complicaciones de salud."Estoy conmocionado y entristecido por la muerte de Rick. Estoy pensando en todos nosotros ensayando en mi habitación en Stanley Road, Woking. En todos los pubs y clubes en los que tocábamos cuando éramos niños, hasta que finalmente grabamos un disco. ¡Qué viaje!", escribió Weller en su perfil de X."Fuimos mucho más allá de nuestros sueños y lo que hicimos resiste la prueba del tiempo. Mi más sentido pésame a toda la familia y amigos”, agregó."Me quedé impactado y devastado al escuchar la triste noticia de hoy. Rick era un buen tipo y un gran baterista cuyos innovadores patrones de batería ayudaron a dar forma a nuestras canciones", señaló por su parte Foxton."Me alegra de que hayamos tenido la oportunidad de trabajar juntos tanto como lo hicimos. Mis pensamientos están con Leslie y su familia en este momento tan difícil", indicó.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíThe Jam se formó en 1972 mientras los miembros eran todavía adolescentes y estaban en la escuela secundaria y después de comenzar a tocar versiones de temas conocidos, comenzaron a orientarse hacia un sonido más moderno, explica la revista Variety al repasar la carrera de la formación.El primer álbum del trío, "In the City", fue lanzado en 1977, y el influyente "All Mod Cons" salió al año siguiente con una fusión de música punk, nueva ola (new wave) y soul, recuerda la publicación.The Jam logró colocar 18 sencillos consecutivos en el Top 40 del Reino Unido y su canción "That's Entertainment" se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Grabaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en el Reino Unido.Los miembros del grupo se separaron en 1982 y Buckler creó una nueva banda llamada Time UK con Jimmy Edwards, Ray Simone, Danny Kustow y el bajista Martin Gordon, y posteriormente tocó en Sharp con Foxton, según Variety.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Mariné fue reconocido con el Goya de Honor en 2024, premio a una extensa trayectoria íntegramente dedicada al cine, tanto a la dirección de fotografía como a la investigación y restauración.El inicio de Mariné (Barcelona, 1920) en el cine fue precoz, a los 13 años, en el corto El octavo mandamiento, en el que participó porque le encargaron ir al rodaje a entregar unas cámaras nuevas y sólo él sabía ponerlas en funcionamiento, recuerda la Academia.Antes de debutar en 1947 como director de fotografía, grabó el entierro del dirigente anarquista Buenaventura Durruti en 1936, fue fotógrafo de guerra durante la Guerra Civil española y conoció el campo de prisioneros de La Rinconada, en Sevilla (sur).Una vez que debutó, no pararía hasta su retirada en 1990. Hizo 150 películas y trabajó con algunos de los más conocidos directores y actores españoles de su tiempo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Según indica la Academia, Orson Welles quiso contar con él para impartir unas conferencias en la Universidad de California, lo que Mariné rechazó porque prefirió evitar el mundo de Hollywood.Gracias a su trabajo como restaurador, para lo que inventó diversos artefactos, como una copiadora óptica o una máquina de lavar negativos, logró la recuperación de unas cuantas viejas películas.Premio Nacional de Cinematografía, Premio Nacional de Fotografía, Medalla de Oro de la Academia, Espiga de Honor de la Seminci de Valladolid o Medalla de Oro de las Bellas Artes son algunos de los reconocimientos que iluminan la trayectoria de Juan Mariné. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Academia de Cine | Premios Goya (@academiadecine)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“La Asociación Nacional de Intérpretes (ANDI) comunica el sensible fallecimiento de nuestra socia intérprete Yolanda Montes ‘Tongolele’”, expuso el organismo que reúne a los actores en México.Aunque no se dieron a conocer los detalles, diversos medios de comunicación informaron que su deceso habría ocurrido en su casa de Puebla, estado del centro de México, debido a un infarto fulminante.Yolanda Yvonne Montes Farrington, quien recibió el mote de ‘Tongolele’, nació el 3 de enero de 1932 en Spokane, (Estados Unidos), y alcanzó la fama internacional durante la época de oro del cine mexicano en la segunda mitad del siglo XX, donde actuó en una decena de películas mostrando sus sensuales bailes que conquistaron al público.Tenía raíces mexicanas por parte de su padre, Elmer Sven Montes, y estadounidenses por su madre, Edna Pearl Farrington.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Desde pequeña mostró su pasión por el baile, por lo que se integró al Ballet Internacional de San Francisco y a los 15 años emigró a México, donde debutó en el cabaret Tívoli de la Ciudad de México en el cual cautivó con su talento y carisma.Así se convirtió en un ícono de la danza exótica en México, gracias a sus movimientos y su estilo único que fusionaba ritmos africanos, tahitianos y caribeños, con los que logró un amplío reconocimiento en el cine de oro mexicano y la vida nocturna como "vedette".En 1948 debutó en el cine con la película La mujer del otro, a la que le siguieron Nocturno amor y Han matado a Tongolele.Durante su carrera cinematográfica compartió créditos con figuras como Germán Valdés ‘Tin Tan’, en El rey del barrio; y trabajó bajo la dirección de Emilio ‘El Indio’ Fernández.En 1984 debutó en telenovelas en una actuación especial en el melodrama La pasión de Isabela, mientras que entre 2001 y 2002 actuó en Salomé.Su carrera también se decantó al teatro, donde participó en el musical Perfume de Gardenia, mientras que su último trabajo en el cine fue en la cinta El fantástico mundo de Juan Orol, donde tuvo una pequeña participación.En 1956, se casó con el cubano Joaquín González, con quien tuvo dos hijos, los gemelos Ricardo y Rubén González Montes quienes le sobreviven.Desde 2010 su salud se vio afectada por demencia senil, lo que la llevó a retirarse de la vida pública en 2015.En 2021, su familia informó que le fue diagnosticado Alzheimer, el cual había avanzado con rapidez y solo podía reconocer a sus hijos y cuidadores.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Francisca Viveros Barradas, conocida en el mundo como Paquita la del Barrio, fue una de las figuras más influyentes de la música ranchera y regional mexicana. Sus letras directas y su personalidad inquebrantable trazaron una carrera de más de cuatro décadas en las que dejó grandes himnos al desamor y que impulsaron un rol activo de las mujeres en las canciones de este género.A continuación recordamos siete de sus canciones más representativas, que siguen resonando en nuevas generaciones y que con su interpretación siguen dejando huella y escribiendo la historia de la música mexicana."Rata de dos patas" (2000)Considerada su canción más emblemática, "Rata de Dos Patas" fue escrita por Manuel Eduardo Toscano. La letra, cargada de desprecio hacia un hombre infiel, se ha convertido en un himno de personas que han sufrido traiciones amorosas muy dolorosas. A lo largo de los años, se ha especulado que la canción podría haber sido inspirada por figuras políticas, aunque Toscano negó que fuera escrita para alguien en particular."Tres veces te engañé" (1993)Incluida en el álbum homónimo, estrenado en octubre de 1993, esta canción narra la historia de una mujer que se venga de su pareja infiel engañándolo en tres ocasiones. Su mensaje desafía las normas tradicionales del amor romántico, posicionándose como un canto de revancha y justicia emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Cheque en blanco" (1992)Lanzada en el álbum Desquítate conmigo, esta canción critica a los hombres que creen que el dinero puede comprar el amor y el respeto de una mujer. Con una letra que resalta la dignidad femenina, "Cheque en blanco" sigue siendo una de sus canciones más populares y que hizo parte de su repertorio a lo largo de su carrera."Me saludas a la tuya" (1997)Con su característico tono directo y sarcástico, Paquita interpreta en esta canción el desprecio absoluto hacia una expareja, dejándole claro que no desea volver a verlo. Es un tema recurrente en sus presentaciones en vivo, donde el público corea con entusiasmo la letra. Escuche a la artista cantando esta canción durante un concierto en Colombia."Ni tú ni yo" (2008, con Ricardo Arjona)En una colaboración poco esperada, Paquita grabó "Ni tú ni yo" con el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona para su álbum 5to Piso. La canción habla de una relación en la que ambas partes pierden, destacando las contradicciones del amor y el desamor."Las mujeres mandan" (2008)Estrenada ese mismo año, en su álbum homónimo, esta canción es un verdadero himno feminista dentro de la música ranchera, en su letra refuerza la idea de que las mujeres tienen el control en sus relaciones y en sus vidas. Es una de las favoritas entre su audiencia femenina, ya que transmite un mensaje de fortaleza y autonomía. Para mostrar un ejemplo, el coro de esta canción dice:“No tengas miedo por grandotes que los veasPonte valiente ya verás como se amanzanQue aquí las mujeres mandan!”"Invítame a pecar" (1993)Cerramos esta lista con otro clásico de Paquita, donde con un tono más atrevido aborda el deseo y la seducción desde la perspectiva femenina. Su letra abierta y sin tapujos la convierte en una pieza singular dentro de su repertorio y que llegó a interpretar en versiones de bolero y rock. Escúchela aquí.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La artista mexicana Francisca Viveros Barradas, más conocida como Paquita la del Barrio falleció este lunes 17 de febrero en Veracruz. Paquita había anunciado su retiro de los escenarios en el 2023 a causa de problemas en el nervio ciático que le reducían la movilidad. La artista dejó himnos de la música mexicana como Tres veces te engañé, Rata de dos patas, Las mujeres mandan y El consejo.Paquita la del Barrio nació el 2 de abril de 1947 en Alto Lucero, Veracruz. Su incursión en la música comenzó en la década de los 70, cuando, después de separarse de su esposo debido a una relación marcada por el engaño y el abuso, decidió dedicarse al canto. Se trasladó a Ciudad de México y comenzó a presentarse en bares y restaurantes, destacándose por su poderosa voz y su interpretación apasionada de la música ranchera.El éxito le llegó cuando el sello Discos Musart la fichó y lanzó su primer álbum en la década de los 80. Pronto, su estilo único y su forma directa de abordar temas como la infidelidad, el machismo y el desamor la convirtieron en un ícono de la música ranchera. Su gran salto a la fama vino con la canción Rata de dos patas, que se convirtió en un himno de despecho y empoderamiento femenino. Aunque nunca ha confirmado si la canción está dirigida a una persona específica, su tono de reclamo la hizo enormemente popular.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A lo largo de su carrera, grabó más de 30 discos y ha recorrido México, Estados Unidos y varios países de Latinoamérica, consolidándose como una de las intérpretes más representativas del género ranchero. Su estilo ha sido comparado con figuras como Chavela Vargas por su intensidad emocional y con Lola Beltrán por su presencia escénica.En 2021, Paquita fue reconocida con el Premio a la Trayectoria en los Premios Billboard de la Música Latina, un homenaje a su impacto en la industria musical.Paquita la del Barrio ha dejado una huella profunda en la música mexicana, no solo por su voz y su estilo interpretativo, sino por el contenido de sus letras. A lo largo de los años, su música ha servido como una especie de "venganza lírica" contra el machismo, abordando temas que muchas mujeres han vivido pero pocas artistas habían expresado tan abiertamente en la música ranchera.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Diegues falleció en Río de Janeiro por "problemas derivados de una cirugía", señaló el grupo Globo. Nacido el 19 de mayo de 1940, en la ciudad de Maceió, en el empobrecido nordeste brasileño, el también director, productor y escritor es uno de los grandes nombres del séptimo arte.Sus obras han sido objeto de estudios en universidades de Brasil y en otros países. Diegues era uno de los 'inmortales' de la Academia Brasileña de las Letras (ABL) y fue reconocido internacionalmente.La mayoría de sus 18 películas participaron en los grandes festivales internacionales, como Cannes, Venecia, Berlín y Toronto, y fueron exhibidas en Europa, Estados Unidos y América Latina.Francia le concedió el título de la Orden de las Artes y las Letras y el Gobierno brasileño le agració con la medalla de la Orden de Rio Branco, la más alta condecoración del país, entre otros reconocimientos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue uno de los fundadores del 'Cinema Novo', movimiento que denunció durante las décadas de los 60 y 70, en medio de la dictadura militar (1964-1985), las enormes desigualdades sociales y el racismo que aún hoy padece Brasil.Sus tres primeros largometrajes, Ganga Zumba (1964), A Grande Cidade (1966) y Os Herdeiros (1969), reflejan los principios de una corriente que se vio influenciada por el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa.Polemista inquieto, su oposición a la dictadura le obligó a abandonar Brasil en 1969 y vivir en Italia y Francia.De vuelta a Brasil, en 1976, dirige Xica da Silva, su mayor éxito popular. Con el regreso de la democracia, cambia de registro sin dejar la crítica social con Chuvas de Verão (1978) y Bye Bye Brasil (1980), otros dos grandes éxitos de su filmografía.En 1981, fue miembro del jurado del Festival de Cannes, un honor que hasta entonces solo había experimentado otro brasileño: el gran poeta Vinicius de Moraes.Tieta do Agreste (1996), Orfeu (1999) y Deus é Brasileiro (2002), adaptaciones de obras literarias y teatrales, forman parte de sus últimos títulos y tuvieron igualmente una respuesta positiva del público brasileño.Su labor de cineasta la compaginó con la de escritor de críticas y ensayos en la prensa, actividad que mantuvo hasta el final de sus días.Padre de cuatro hijos, los dos primeros de su primer matrimonio con la cantante Nara Leão, Diegues estaba casado desde 1981 con la productora cinematográfica Renata Almeida Magalhães.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El mundo de la cultura en Colombia lamenta la partida de Beatriz Caballero Holguín, una figura polifacética que dejó una huella indeleble en la literatura, el teatro y el cine del país. Su fallecimiento, ocurrido este 12 de febrero, marca el fin de una era en la que su creatividad y dedicación enriquecieron el panorama artístico nacional.Nacida en Bogotá el 27 de septiembre de 1948, Beatriz fue hija del renombrado escritor Eduardo Caballero Calderón y de la periodista Isabel Holguín Dávila. Desde temprana edad, estuvo inmersa en un ambiente cultural que moldeó su vocación artística. Su formación académica la llevó a estudiar en Inglaterra y Francia, donde profundizó en literatura y arte, sentando las bases para una carrera multifacética.En la década de 1970, Beatriz se destacó en el mundo del teatro de títeres, dirigiendo el Teatro del Parque Nacional en Bogotá y fundando el grupo Biombo Latino. Su pasión por esta forma de expresión la llevó a organizar el Primer Festival Nacional de Títeres, consolidando su papel como pionera en este ámbito.Su incursión en la literatura infantil y juvenil resultó en obras emblemáticas como "Un Bolívar para colorear" (1985) y "Las siete vidas de Agustín Codazzi" (1994), donde combinó rigor histórico con narrativas accesibles para jóvenes lectores. Además, en "Papá y yo" (2004), rindió un sentido homenaje a su padre, ofreciendo una visión íntima de su vida y legado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El cine también fue un espacio donde Beatriz dejó su impronta. Participó en la adaptación cinematográfica de "Caín" (1984), basada en la novela de su padre, y colaboró en filmes como "Con su música a otra parte" (1984) y "María Cano" (1990), aportando su talento como guionista y asesora literaria.Tras la noticia de su fallecimiento, instituciones y personalidades del sector cultural se manifestaron para despedir a la artista, entre ellos el Instituto Caro y Cuervo, el Ministerio de las Culturas, Biblored y distintas editoriales con las que colaboró.Juan David Correa, exministro de las Culturas escribió en su cuenta de X: “Beatriz Caballero era entusiasta, comprometida, creativa y una mujer que trabajaba día y noche en sus títeres, sus libros y las obras de quienes la precedieron, que cuidó con amor, como otra gran obra”.Su vida estuvo marcada por la cercanía con figuras destacadas del arte colombiano, incluyendo a sus hermanos, el pintor Luis Caballero y el escritor Antonio Caballero. Tras el fallecimiento de Luis en 1995, Beatriz se dedicó a preservar y difundir su obra, consolidando su legado en la historia del arte nacional. De hecho, en su más reciente libro Luis, hermano mío (2022) recopila las memorias de la vida de su hermano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Murphy, que falleció en su domicilio el domingo, había trabajado estrechamente con la directora de teatro Joan Littlewood desde los inicios de su carrera.Más recientemente, apareció en episodios del drama médico de la BBC Holby City, el programa de 'sketches' The Catherine Tate Show y la comedia de la cadena ITV Benidorm, así como en el programa de comedia Last of the Summer Wine, recuerda la BBC.Rindiendo homenaje a su "talento y humanidad", el amigo y agente de Murphy, Thomas Bowington, lo describió como un "hombre alegre y profundamente bondadoso", añade la cadena.Murphy había estado filmando una comedia antes de Navidad y tenía previsto empezar la producción de una película en junio en la que actuaría junto a Linda Regan como marido y mujer.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíBowington dijo que Regan todavía planeaba protagonizar la película, pero que "primero tendrían que tomarse un respiro" antes de elegir a su coprotagonista, ya que, dijo, "Brian no es fácilmente reemplazable".Según el agente, Murphy había desarrollado un dolor en la espalda hace unas tres semanas y, tras hacerse una revisión médica, los doctores le dijeron que tenía cáncer en la columna y los hombros.Murphy conoció a su mujer en 1990 cuando protagonizaron una obra juntos como marido y mujer, y se casaron en 1995. En una declaración a los medios, Regan dijo que tuvo la suerte de haber encontrado a su "alma gemela, Brian, a quien amaré por siempre".Nacido en la Isla de Wight en 1932, Murphy se formó en la Real Academia de Arte Dramático y su carrera empezó en los pasados años 50 cuando se convirtió en miembro del pionero Theatre Workshop.Fundado por Joan Littlewood y su socio Gerry Raffles, se dedicó a modernizar el teatro y llegar a las audiencias de la clase trabajadora.Murphy actuó en muchas producciones del dramaturgo inglés William Shakespeare dirigidas por Littlewood, y trabajó en su único largometraje, la comedia 'Sparrows Can't Sing'.Pero fue sobre todo conocido por su papel en Man About the House (Un hombre en casa), una comedia de la cadena ITV que explora la dinámica de un hombre y dos mujeres que comparten piso en londres en los años 70.Posteriormente, protagonizó el 'spin-off' George and Mildred (Los Roper), en el que Murphy interpretó a un gruñón y egoísta George Roper dominado por su esposa, encarnada por su compañera en el Theatre Workshop Yootha Joyce.Según los medios británicos Murphy tenía dos hijos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacida en 1946 en el barrio londinense de Hampstead, Faithfull era hija de una bailarina aristócrata astrohúngara, Eva Von Sacher-Masoch y de un oficial de espionaje británico, Glynn Faithfull, pero pasó su infancia con su madre, separada, en Reading (al oeste de Londres).Con diecisiete años se marchó a vivir a la capital británica y se inició en el mundo de la música cantando por las noches en los bares; pero su momento de fama llegaría en 1964 tras conocer en una fiesta al mánager de los Rolling Stones, Andrew Oldham.Su single debut, la balada As Tears Go By, escrita por los Rolling Mick Jagger y Keith Richards, la catapultó al top 10 de las listas de éxitos del Reino Unido en ese mismo año.En 1965 se casó con el profesor inglés John Dumber, mientras esperaba a su primer y único hijo, Nicholas, pero pronto lo dejaría para iniciar una relación con Jagger que, aunque solo duró cuatro años, provocó que la figura de Faithfull siempre estuviera asociada al cantante de los Rolling Stones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Faithfull es considerada como la "musa" de los Rolling Stones, ya que inspiró canciones como Let´s Spend the Night Together o Wild Horses y llegó a coescribir con la banda la letra de Sister Morphine, incluida en el álbum de los Stones Sticky Fingers (1971)."Sé que me utilizaban como musa para esas canciones duras sobre la droga. Sabía que me estaban utilizando, pero era por una buena causa", dijo la cantante en una entrevista con Classic Rock.Una vida marcada por la drogaEl final de la década de los años 60 fue su momento dorado y también comenzó a dar sus primeros pasos en teatro y el cine, con películas como La chica de la motocicleta (1968), pero su adicción a las drogas la llevó a tocar fondo."A la mierda los 60. Quien quiera saber de mi pasado que lea mis memorias", confesó Faithfull entre risas durante una entrevista en 2008.En esta época, la británica llegó a pasar unos días en prisión por posesión de sustancias, tras ser detenida por la Policía en una redada junto a miembros de los Rolling, según dice una leyenda urbana, vistiendo solo una alfombra de piel.En los 70 se separó de Jagger, intentó suicidarse con una sobredosis tras perder la custodia de su hijo, anduvo por las calles de Londres y Nueva York y acudió a una clínica de desintoxicación en Minneapolis y a Alcohólicos Anónimos en su lucha por salir de su dependencia.Regresó a la música con su disco Broken English (1979), cargado de contenido político, que le valió una nominación a los Premios Grammy y supuso el resurgimiento de una carrera que abarcaría 21 álbumes de estudio y estilos como el rock, el jazz, el blues o el cabaret.En busca de alejarse de la imagen dañada de la Faithfull de los 60, escribió varias autobiografías y reinició su carrera en el cine y el teatro, donde llegó a optar al Premio Europeo de Cine a mejor actriz en 2008 por su papel en Irina Palm.En los últimos años, los problemas de salud marcaron la vida de Faithfull. En 2006 se sometió a una cirugía tras un diagnóstico de cáncer de mama; un año más tarde anunció que padecía hepatitis desde hacía más de una década y, en 2020, contrajo el Covid-19 y estuvo hospitalizada. Desde 2022 estaba en una residencia de ancianos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
