Este jueves inicia la Copa América USA 2024 con la ceremonia inaugural que tendrá a Feid, el reguetonero colombiano del momento, como estrella central antes del encuentro entre las selecciones de Argentina y Canadá a las 7:00 p. m., hora Colombia.El Mercedes Benz Stadium será el escenario principal que recibirá alrededor de 72.000 espectadores que presenciarán el inicio de una nueva edición del torneo de fútbol de selecciones más antiguo de la historia. Además, verán el show inicial que contará con la representación colombiana del Feid.Por otro lado, aunque no está confirmado, se espera la participación de Shakira en la ceremonia inicial o en el cierre del certamen, ya que es la barranquillera la intérprete de la canción oficial de la copa, Puntería. Para ponernos en ambiente, recordamos algunas de las canciones y presentaciones de las inauguraciones de la Copa América de los últimos trece años.Gente de Zona En 2021 la apertura de la Copa América que se disputó en Brasil y que dejó a Argentina como campeona, estuvo a cargo del grupo cubano Gente de Zona, integrado por Alexander Delgado y Randy Malcom. Vale recordar que esta edición se llevó a cabo en medio de protestas contra el gobierno de Jair Bolsonaro por recibir el torneo.Antes del primer partido, entre Brasil y Venezuela, el Estadio Mané Garrincha fue el escenario de los cubanos que interpretaron La Gozadera, una adaptación especial, que fue la canción oficial del certamen, de su éxito homónimo estrenado en 2015 junto a Marc Anthony.Karol G y Léo SantanaTambién disputada en Brasil, la copa del 2019 tuvo su ceremonia inaugural en el estadio Morumbí de Sao Paulo con el show de la colombiana Karol G y el brasileño Léo Santana. Acompañados por alrededor de cien músicos, interpretaron Vibra Continente, una mezcla entre ritmos brasileños y reguetón que compone la canción oficial de esa edición del torneo de la Conmebol.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A la voz de los artistas centrales, en el espectáculo se sumaron 400 participantes en escena, entre niños, niñas y adultos caracterizados con los trajes típicos de los países participantes y un show de fuegos artificiales. Aquí puede revivir la ceremonia previa al encuentro entre Brasil y Bolivia. J Balvin, Magic y Jason DeruloAntes del partido entre Estados Unidos y Colombia, que inauguró la edición especial de la Copa América por su centenario, artistas de Canadá, Estados Unidos y Colombia fueron los elegidos para realizar el espectáculo inicial.Primero, se presentó la agrupación canadiense Magic, seguida por el colombiano J Balvin, quien cantó sus éxitos del momento, Ginza y Bobo. Finalmente, Jason Derulo interpretó Want to want me. En esta conmemoración de los cien años de la copa, los organizadores también dedicaron un espacio para homenajear al futbolista colombiano Andrés Escobar, asesinado en 1994 después de su participación en el mundial de EE. UU. 94.Diego Torres, Ivete Sangalo y ChocQuibTownEl inicio de la Copa América Argentina 2011 estuvo marcado por un espectáculo de juegos de luces, proyecciones de momentos históricos del torneo de selecciones más antiguo del mundo y más de cien bailarines vestidos con luces.El cierre de las emotivas imágenes y narraciones que se proyectaron estuvo acompañado por la presentación del cantante argentino Diego Torres, la brasileña Ivete Sangalo como artistas centrales, acompañados por los colombianos ChocQuibTown.Bonus: Ceremonia inaugural de la Copa América Chile 2015Esta ceremonia en particular no tuvo a ningún cantante como acto central del espectáculo; en cambio, puso todos los reflectores sobre una coreografía llena de fuegos pirotécnicos, luces y artistas que destacaron la historia y la diversidad cultural de Chile, que además de ser el anfitrión de esa edición, también resultó campeón.La música que acompañó la presentación fue creada por el artista español Salvador Niebla, experto en composiciones para eventos deportivos, y la coreografía estuvo en manos del catalán Hansel Cereza, quien también lideró la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 62 años desde que inició la carrera artística de Francisco Buarque de Hollanda, reconocido como Chico Buarque, pero seis décadas exactas desde que su arte se popularizó.Para entender su obra, activismo político y el mensaje de libertad que habita en sus letras nos tenemos que remontar al 31 de marzo 1964, cuando un golpe de estado derrocó al gobierno del presidente João Goulart e instauró una dictadura militar, con Humberto de Alencar Castelo Branco a la cabeza, que se extendió hasta marzo de 1985.Nacido el 19 de junio de 1944 en Río de Janeiro, Brasil, Buarque creció en un entorno político y artístico; uno de los cuatro hijos historiador y sociólogo Sergio Buarque de Hollanda, quien más tarde co fundaría el movimiento de centro izquierda Partido de los Trabajadores, y la pianista y pintora Maria Amélia Cesário Alvim.Aunque inició su formación profesional en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Sao Paulo, su vocación e influencias, como la del músico Vinicius de Moraes, lo acercaron al bossa nova y las letras.Para 1964, con la dictadura ya instaurada, y la amenaza de expulsar a la orden religiosa de los padres dominicos, como recuerda el periodista brasileño Fernando Morais para la Universidad del Valle, el teatro Paramount, en São Paulo, se llevó a cabo un show de beneficencia para apoyarlos. En ese evento tuvo lugar la primera aparición de Buarque para un gran público.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sus letras desde entonces contaban la represión que vivía el país. En 1966 alcanzó la fama tras su victoria compartida en el II Festival de Música Popular Brasileña (MPB), con su canción A Banda, junto a Geraldo Vandré y su canción Disparada.“Hay días en que uno se siente como quien partió y murió, uno se estancó de repente, o fue el mundo entonces que creció”, reza Roda Viva, la canción más famosa de Buarque en 1968, que presentó al mundo después de participar en la 'Marcha de los cien mil'. Hacer parte de esta protesta multitudinaria contra la dictadura le valió meses de prisión y posterior necesidad de exiliarse en Italia.Durante los siguientes años, la música de Buarque se consolidó en el famoso movimiento de MPB, con canciones como Samba de Orly, también conocida como Samba de exilio.En los años setenta se popularizó Apesar De Você, una de sus canciones que con uno de sus versos, A pesar de usted mañana será otro día, se convirtió en el himno de la gente contra la dictadura y su represión, al punto de ser censurada en todo el país.Sin saberlo, Buarque le dio a los brasileños, el himno que años más tarde recordaría en las calles, para entonarlo, esta vez, en contra del gobierno de ultraderecha de Jair Bolsonaro entre 2019 y 2022.A propósito del cumpleaños ochenta de Chico Buarque, Adélia Bezerra de Meneses, profesora de teoría literaria de la Universidad Estadual de Campinas (Unicamp) y de la Universidad de São Paulo (USP) aclaró a la Agencia Brasil el valor de las letras del artista:“Por mi propia experiencia, puedo decir que no todas las letras de las canciones pueden ser tratadas como un poema, pero las canciones de Chico apoyan este enfoque, que no es ni superior ni inferior al análisis musical: la perspectiva buscada es otra. También es importante decir que existen distinciones entre compositores, y Chico –según sus propias declaraciones– se inclina más por la letra que por la música”, aclaró.A la basta obra musical de Buarque, se suma su trabajo incansable en el campo de la literatura, en el que ha compuesto obras de teatro como Ópera do Malandro en 1978, cuentos, poemas y novelas, entre las que se destacan Estorvo (1991), Benjamim (1995) y Budapest (2003).En su obra escrita, al igual que en sus canciones, Buarque también habla sobre la lucha por la libertad y los derechos humanos. Además,rinde homenaje a la música, la literatura, y las tradiciones de Brasil, a menudo infundiendo sus obras con referencias culturales y folclóricas.Sus novelas, su obra en conjunto, fue celebrada en 2019 con el Premio Camões, uno de los principales galardones de la literatura en lengua portuguesa; sin embargo, no fue hasta el 2023 que pudo recibir el reconocimiento de la mano de los presidentes de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa, y Lula da Silva, de Brasil. En 2019, Bolsonaro, como presidente, se rehusó a otorgarle el premio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde entonces, Brown (Brotas, Salvador de Bahía, 1962), cuyo verdadero nombre es Antonio Carlos Santos de Freitas, vuelca todos sus esfuerzos en el fomento de la educación como forma de luchar contra la exclusión y la desigualdad. "Si sabemos quiénes somos, de dónde venimos y por qué nos comportamos de esta forma” podremos combatir "los mayores problemas" de la humanidad como el racismo, asegura en una entrevista con EFE en Madrid.El autor de la icónica samba "Maria Caipirinha" se encuentra en la capital española con motivo del Día Internacional de Iberoamérica y este miércoles participará en un encuentro abierto al público en la Casa de América. En ese encuentro reivindicará la “cultura como nexo de unión entre los 22 países iberoamericanos”, señaló el cantante, percusionista, compositor, artista plástico y activista social brasileño.En noviembre de 2019, los ministros de Relaciones Exteriores de los 22 países de la región aprobaron celebrar el Día de Iberoamérica cada 19 de julio, fecha en la que se firmó la primera declaración de jefes de Estado de Iberoamérica en Guadalajara (México) en 1991.En esa fecha, desde 2020, se pone en valor el conjunto de afinidades históricas y culturales que conforman la comunidad iberoamericana y se aboga por la unidad y el desarrollo a partir del diálogo, la cooperación y la solidaridad. Brown se siente "muy agradecido" con la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) por la concesión del reconocimiento como embajador, que le fue otorgado por su “propósito de difusión de la cultura”.La educación como foco de la cultura Borwn afirma que “cuando un hombre conoce de dónde viene, esto le ayuda a comprenderse y a rechazarse menos", algo "básico para la disminución de la violencia” que existe hoy en día en todo el mundo. “Creo que mi papel como embajador de cultura sirve para que busquemos un aliento, para que podamos enmendar los errores”, dice.El músico brasileño explica que su mayor reto ahora mismo es conseguir que la cultura “sea vista como algo compartido y respetado, y no como algo sólo festivo y carnavalero”.Encontrar "unidad en las diferencias"Son 22 países los que forman Iberoamérica, y a pesar de encontrar muchas diferencias entre ellos, Brown opina que “no estamos tan distantes” como parece, y que debemos utilizar la cultura para “encontrar en las diferencias, la unidad” entre todos los pueblos.El brasileño asegura haber encontrado una fuente de inspiración en el centro internacional de cultura y de creación artística del Ayuntamiento de Madrid, enclavado en un antiguo matadero, porque sus proyectos se centran en la “recuperación del patrimonio histórico”.El cantante siempre ha estado muy involucrado en la mejora de las zonas más desfavorecidas de su país, hasta el punto de que su éxito contribuyó en la transformación completa de la favela de Candeal, en la ciudad de Salvador de Bahía, de la que además se hizo la película documental “El milagro de Candeal” (2004), dirigida por el español Fernando Trueba.En el encuentro musical de este miércoles en Casa de América, Brown estará acompañado por Mariella Köhn, cantante, poeta y musicóloga peruana y por la española Soledad Giménez.Como él mismo explica, “no es un concierto ni una charla”, sino un “encuentro espontáneo” en el que tocarán instrumentos y piezas musicales en las que estará presente “el alma de Iberoamérica”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hoy el cielo de los compositores amaneció más feliz: Joao Donato fue a tocar allí sus lindas melodías", dice un mensaje difundido en el Instagram del músico.El multifacético compositor, pianista, acordeonista, cantante y arreglista, será velado en el Teatro Municipal de Rio de Janeiro en un horario por confirmar, según la publicación. Donato falleció a causa de una serie de complicaciones de salud: recientemente había sido hospitalizado con neumonía y estaba intubado desde la semana pasada, informaron medios locales.Nacido en 1934 en Rio Branco, en el estado norteño de Acre, se mudó con su familia cuando era niño a Rio de Janeiro. Allí inició su carrera musical, y se convirtió en uno de los pioneros de la bossa nova, un movimiento que revolucionó la música brasileña y le dio una audiencia global.Entre otros éxitos, creó una de las canciones precursoras del género, "Minha Saudade", con el legendario Joao Gilberto, fallecido en 2019. También se destacó junto a Astrud Gilberto, esposa de Joao y considerada "reina de la bossa nova", que murió en junio pasado.Donato integró varios grupos en los años 1950, como 'Donato e Seu Conjunto', con el que grabó su primer disco, "Cha Dancante", producido por Tom Jobim.Reconocido como un artista creativo y versátil, Donato se resistió a encasillarse en un género. "Yo no soy bossa nova, no soy samba, no soy jazz, no soy rumba, no soy forró. En verdad, soy todo eso al mismo tiempo", dijo en una entrevista a O Globo en 2014.Personalidades como el presidente Luiz Inácio Lula da Silva le rindieron homenaje. "Fue uno de los genios de la música brasileña. Hoy perdimos a uno de nuestros mayores y más creativos compositores (...) Marcó la historia de la música en nuestro país con composiciones que recorrieron el mundo", tuiteó.Donato conquistó a un público internacional en giras y vivió durante más de una década en Estados Unidos.Al regresar a Brasil, en los años 1970, trabajó junto a estrellas de la bossa nova y el Tropicalismo, que revolucionaba por entonces la música popular brasileña, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Roberto Menescal o Gal Costa."No soy rico ni pretendo serlo con lo que hago. El objetivo de mi trabajo es alegrar los corazones", dijo Donato en otra entrevista con O Globo."Ahora su alegría y sus acordes permanecen eternos en todo el universo", concluye el mensaje de sus allegados en redes sociales.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La artista fue diagnosticada con un cáncer de pulmón en 2021 y llegó a anunciar una remisión de la enfermedad el año pasado. Nacida en Sao Paulo el 31 de diciembre de 1947, en el seno de una familia de clase media, Rita Lee Jones debutó como cantante en la banda femenina Teenage Singers, cantando versiones de The Beatles y otros grupos extranjeros.En 1966 formó el trío de rock psicodélico Os Mutantes, con el que alcanzaría fama nacional en pleno auge del "tropicalismo", movimiento libertario que revolucionó la música brasileña en plena dictadura militar (1964-1985). Fue con Caetano Veloso y Gilberto Gil, líderes del movimiento, que Rita Lee descubrió su "lado brasileño". "Me aconsejaron sobre cómo hacer música brasileña, porque hasta entonces yo solo tocaba música 'gringa'", dijo Rita Lee en el documental biográfico "Ovelha Negra" (2007), dirigido por el músico Roberto de Carvalho, su esposo y socio musical durante cuatro décadas. Separada de Os Mutantes en 1972, continuó su carrera con la banda Tutti Frutti y luego como solista."Única chica en el rock"Rita Lee fue una mujer pionera en la escena musical. Sus atuendos extravagantes y sus canciones irreverentes, que hablaban de sexo, amor y libertad, se convirtieron en símbolos feministas."Yo era la única chica roquera en medio de un club solo de hombres, cuyo mantra era: para hacer rock tienes que tener cojones. Yo fui con mi útero y mis ovarios y me sentí igual a ellos, les gustase o no", escribió en su autobiografía lanzada en 2016. En cambio, la artista rehuyó el compromiso político preconizado por muchos de sus colegas durante la dictadura.Entre sus numerosos éxitos figuran "Ovelha Negra" (1975), "Mania de voçe" (1979), "Lança Perfume" (1980), conocido en español por la versión de Rita Irasema, y "Amor e sexo" (2003).De complexión delgada, con su flequillo pelirrojo y lentes de cristales coloridos como marca registrada, Rita Lee se ganó la simpatía de artistas de todos los ambientes, incluido el padre de la Bossa Nova, Joao Gilberto, con quien grabó un dueto. "Joao Gilberto me enseñó que yo era una roquera con voz de cantante de Bossa Nova", dijo Rita Lee en 2019, tras la muerte de este.En cincuenta años de carrera, publicó más de 30 discos, fue nominada siete veces al Grammy Latino y venció una vez en 2001, en la categoría Mejor Álbum de Rock Brasileño, por su disco "3001".La Academia Latina de Grabación le concedió en 2022 el premio a la Excelencia Musical por el conjunto de su obra. Fue telonera del primer show de los Rolling Stones en Brasil, en 1995, y en 2001 publicó un disco con canciones de The Beatles en versión bossa nova."Patrona de la libertad"En 2012, Rita Lee anunció su retirada de los escenarios a los 64 años, alegando "fragilidad física". Desde entonces, vivió recogida en su casa de campo en el interior del estado de Sao Paulo, con su marido, la visita frecuente de sus tres hijos varones, y sus animales, otra de sus grandes pasiones.En las imágenes que compartió en sus redes sociales en los últimos tiempos apareció de cabello corto, vistiendo pulóveres coloridos.Fiel a su estilo rebelde, en 2022 reveló a la revista Rolling Stone Brasil que el papel de "reina del rock" nacional que le atribuyen brasileños de todas las edades no le convencía del todo. "Me gusta más que me llamen 'patrona de la libertad' en vez de 'reina del rock', que me parece un poco cursi...".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Mozart Camargo Guarnieri era hijo de un barbero, flautista aficionado; a los ocho años abandonó el colegio para ayudar a sus padres en la barbería. Sin embargo, empezó a estudiar música con el profesor Benedito Flora. Nunca comprendió a su profesor y lo dejó, engañando a su padre quien no lo supo hasta mucho tiempo después. A partir de entonces, le dio las clases él personalmente.En un piano que le tocó a su madre en herencia, Mozart Camargo Guarnieri aprendió a tocar sólo y a hacer sus primeras pequeñas composiciones. Para no abandonar su formación, el padre le puso un segundo profesor. Para pagarlo, alquilaban el piano. La familia se mudó a la capital y allí Mozart ayudaba a su padre en la barbería y tocaba en diferentes lugares para ganar dinero. La suerte hizo que le conociera Ernani Braga quien se sorprendió tanto que ofreció darle clases de música y piano gratis.Mozart Camargo Guarnieri formó su primer conjunto de cámara junto al barítono Andino Abreu y al violinista belga Maurice Raskin. Su interés en el folclore brasileño fue despertado por Mario de Andrade, profesor y crítico que realizara una inmensa labor de investigación de tradiciones musicales a lo largo de todo el país. De Andrade enseguida mostró un gran interés en la carrera de Camargo Guarnieri, en quien veía un compositor líder de las raíces brasileñas en contraposición al academicismo europeo. Luego de haber comenzado a incursionar en la música tradicional de su país y a pesar de haberse convertido en un nacionalista convencido, Mozart Camargo Guarnieri viajó a París dónde estudió y trabajó junto al francés Charle Koechlin, lo que le permitió absorber elementos de la cultura musical europea.Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial y vuelve a Brasil es invitado a viajar a Estados Unidos por la Unión Panamericana. De hecho, varios de sus trabajos los compuso en Nueva York, dónde obtuvo varios premios, incluyendo un prestigioso primer premio de la Philadelphia Free Library Fleischer Music Collection.Además de su gran importancia como compositor, Mozart Camargo Guarnieri tuvo un gran impacto en la educación musical de Brasil. En 1945 fue nombrado miembro vitalicio de la Academia Brasileña de Música y en 1960 fue nombrado director del Conservatorio Dramático y Musical de São Paulo.Como director, condujo las mejores orquestas europeas y americanas, y mantuvo un papel de primer nivel en las mejores organizaciones orquestales y corales de Brasil hasta su muerte el 13 de enero de 1993.Camargo Guarnieri ocupa un puesto central en el contexto de la música brasileña. Su influencia en varias generaciones de compositores brasileños nacionalistas es ampliamente aceptada y ha marcado la música culta de Brasil sin lugar a dudas. El atractivo universal de su estilo inconfundible surge principalmente de una mezcla sumamente personal de melodías y ritmos bajo la influencia de tradiciones brasileñas con un lenguaje musical de enfoque cosmopolita.Escuche "Sinfonía Nº 1" (Dedicada a Sergei Koussevitzky), "Obertura Festiva", "Sinfonía No.2, "Uirapuru", "Obertura Concertante" (Enérgico y ritmado) y la "Sinfonía N° 3" del maestro brasilero Mozart Camargo Guarnieri el lunes 09 de enero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"La mano hacia adelante, hombro, cabeza"... con letra simple, un ritmo pegadizo de 'funk' carioca y pasos de danza 'estilo TikTok', la canción "Pagodão do Birimbola" del grupo Os Quebradeiras ya se había viralizado en esa red social antes del Mundial.Y cayó en gracia a los jugadores, hasta colarse en las celebraciones de la goleada 4-1 que Brasil propinó a Corea del Sur el lunes, en los octavos de final. Una actitud que incomodó a más de uno, empezando por el excapitán del Manchester United Roy Keane, quien lo calificó como una falta de respeto hacia el rival.Rebosar de alegría"En Brasil bailamos para rebosar de alegría. Ante cualquier cosa, ya estamos bailando... está en nuestra esencia", explica a la AFP Raphael Carlos "RK", uno de los fundadores de Os Quebradeiras surgido en Niteroi, ciudad vecina de Rio de Janeiro.Sus cuatro integrantes, de entre 18 y 23 años, se divierten repitiendo el baile mientras graban videos para promover sus próximos 'shows' en una calle del barrio Tijuca de Rio, decorada para el Mundial.Vestidos con ropa deportiva verde y amarilla -los colores de Brasil-, Gustavinho, LC, RK y Zelé retuercen el torso y las caderas, con una amplia sonrisa. A sus espaldas, un grafiti con la caricatura del astro Pelé. A sus pies, otro de Vinicius Jr. con la inscripción "Baila, Vini".Esa frase se popularizó después de que en septiembre, el atacante fuera objeto de comentarios considerados racistas por celebrar bailando sus goles con su equipo del Real Madrid. El presidente de la Asociación Española de Agentes de Futbolistas le emplazó a "dejar de hacer el mono", comentario por el que se disculpó.El baile, "entrañado" en la cultura Por sus raíces africanas e indígenas, Brasil "está constituido por pueblos que siempre lidiaron con el mundo bailando. No solo para manifestar alegría, sino también dolor, tristeza. El cuerpo que baila está absolutamente entrañado en nuestra cultura", sostiene el historiador Luiz Antonio Simas.Y cree que la relación entre fútbol y danza, dos pasiones nacionales, va más allá. "La gran contribución de Brasil al fútbol fue el ritmo ('ginga'): la ocupación de los espacios vacíos. Gambetear es una forma de bailar", afirma.Mucho antes de la era TikTok, los brasileños ya eran especialistas en inventar coreografías, presentes en el meneo sensual de los grupos del género "axé" originarios de Bahia (noreste) en los años 1990, o el "passinho" depurado en los concursos de baile 'funk' en las favelas cariocas en la década siguiente. Sin contar las centenarias fiestas de carnaval donde desde siempre reina, frenética, la samba."Bailar es natural, naces aprendiendo a bailar en las fiestas familiares, siempre hay un funk tocando, siempre bailas", explica Gustavo Rosa, Gustavinho, otro miembro de Os Quebradeiras, de 18 años.Desde mucho antes de que él naciera, jugadores brasileños y latinoamericanos celebran los goles de sus clubes reproduciendo la danza de moda del momento, entre ellos Ronaldinho cuando anotaba por el Flamengo, Neymar por el Santos o Sebastián "el Loco" Abreu, en Botafogo.Explosión totalAtribuir el baile a una falta de respeto por el adversario "es un error. La danza es algo muy brasileño, precisan estudiar más nuestra cultura para entender mejor cómo son las cosas aquí", afirma Rosa. En Doha, el entrenador brasileño Tite respaldó la actitud de su plantel con argumentos similares."No voy a comentar sobre personas que no conocen la historia y la cultura de Brasil, nuestra forma de ser", afirmó Tite, quien ante Corea del Sur rompió su habitual compostura y se unió al festejo danzante con algún que otro movimiento después de un espectacular gol de Richarlison."Hay gente a la que le gusta quejarse cuando ve a otro feliz, y el brasileño siempre es muy feliz, por eso les molestamos", dijo Vinicius Jr. Os Quebradeiras esperan que la selección siga haciendo muchos bailes y traiga a casa el tan ansiado "hexa", su sexto título mundial.Y si es cuestión de soñar... que los jugadores los inviten a bailar juntos para celebrar el título. "Sería una explosión total", imagina Gustavinho. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lamentablemente, confirmamos esta información", dijo a la AFP el responsable de prensa, sin especificar las causas del deceso.Gal Costa tuvo que cancelar un concierto en el festival Primavera Sound de Sao Paulo el pasado fin de semana tras ser intervenida quirúrgicamente en septiembre para extirparle un nódulo de la cavidad nasal. Tenía un hijo adoptivo de 16 años.Nacida en Salvador de Bahía y reconocida por su melena castaña y su sonrisa seductora, fue una de las principales figuras del movimiento tropicalista a fines de la década de 1960, junto con otros cantantes legendarios como Gilberto Gil y Caetano Veloso."Estoy muy conmovido y entristecido por la muerte de mi hermana Gal Costa", tuiteó Gilberto Gil, de 80 años."Gal Costa fue una de las más grandes cantantes del mundo, una de las principales artistas que llevó el nombre y el sonido de Brasil por todo el mundo (...) Nuestro país está perdiendo una de sus grandes voces", reaccionó, por su parte, el presidente electo Luiz Inácio Lula da Silva en Instagram.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor brasileño, ganador de dos premios Grammy y diez Grammy Latino, sigue siendo una de las voces más presentes en la música brasileña en las últimas décadas, desde el auge de la bossa nova.Caetano ha llegado a ser comparado con el Nobel de Literatura Bob Dylan por la lírica y el nivel intelectual de sus canciones, compartió escenario con grandes como Pavarotti y fue reverenciado por Madonna o por Almodóvar, quien llevó su voz a varios de sus filmes.Tras ocho décadas de vida y más de 50 años de trabajo artístico, los homenajes no se han hecho esperar.Desde un recopilatorio de sus canciones hasta una biografía "poco convencional" hacen parte de la fiesta editorial que se ha lanzado en su honor, algo que el artista complementará este domingo con un concierto "íntimo" y familiar en vivo para todo Brasil, en el que participarán sus tres hijos y la también reconocida Maria Bethânia, su hermana.Cinco décadas de música El cantautor, que también ha sobresale como productor musical, comenzó en 1965 su carrera profesional con el compacto "Cavaleiro/Samba em Paz" y en 1967 con el disco "Domingo", cuyo éxito le permitió conocer a su ídolo y padre de la bossa nova, João Gilberto, con quien trabajó en varios proyectos.Conocido por un repertorio de alto valor lírico e intelectual, Caetano ha publicado 53 discos, entre ellos trece de estudio, el último de ellos, "Meu Coco", publicado en 2021, además del álbum en español "Fina Estampa", con el que afianzó su presencia en Latinoamérica.En los últimos años, el compositor venía trabajando con sus hijos Moreno, Zeca y Tom, que heredaron su pasión por la música, una colaboración que dio vida a "Ofertório" (2018).La música no fue su primera opción A Caetano la música le corre en las venas por la cadencia propia de la región de Bahía, donde la herencia africana retumba en los tambores que honran a los 'orixás' (dioses) del candomblé y la umbanda.El sincretismo cultural vigente desde siglos atrás y que experimentó desde los primeros años en la pequeña Santo Amaro da Purificaçao, ciudad que lo vio nacer, ha sido una fuerte influencia para el cantautor, así como el cine de Fellini, los textos de Clarice Lispector y el existencialismo de Sartre.Aunque ya tocaba los primeros acordes a los 5 años y grabó su primera canción a los 10 -sólo para su familia- Caetano no se veía como músico por su falta de destreza con la guitarra, por lo que llegó a pensar en dedicarse a la pintura o en ser profesor."A diferencia de todos los artistas de su generación, él quedó arrebatado con 'Chega de saudade' de João Gilberto, pero no entró inmediatamente en la música (...) por esa inseguridad de no poder dominar ningún instrumento y menos aún el de su ídolo: la guitarra", dijo a Efe Tom Cardoso, autor de "Outras palavras: seis vezes Caetano", una de las obras lanzadas este mes en su honor.Entonces era el año de 1965, la dictadura militar acababa de imponerse en Brasil y los tiempos de sicodelia, paz y amor tuvieron que enfrentarse a la represión.Bajo esa coyuntura conoció a Gilberto Gil, que según narró Cardoso, en esa época ya sobresalía por sus habilidades con la guitarra y fue pieza clave para que Caetano diera el salto a la música tras enseñarle a defenderse con el instrumento.De ahí nacería una amistad indestructible que compartió la cárcel y hasta el exilio en Londres, que dio forma a la Música Popular Brasileña (MPB) y lideró el Tropicalismo, un movimiento cultural que fue más allá de la música y que integró estilos diversos y vanguardistas, pero siempre con las raíces brasileñas presentes.Polémico y contradictorioPara este escritor, Caetano es "una figura fundamental" de la cultura brasileña que "ha ido más allá" de la esfera musical y se ha caracterizado por ser polémico y contradictorio, un carácter que ha levantado polvaredas en el país."Caetano se contradice todo el tiempo", porque "sabe que las cosas cambian", que "no todo es una verdad absoluta", asegura el autor.Crítico con la dictadura, pero también con la izquierda, ahora se ha posicionado claramente contra las políticas del presidente Jair Bolsonaro e incluso en su último disco "deja un recado del retroceso que se vive en Brasil".escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Conocido por canciones como "Aquele Abraço", "Toda Menina Baiana", que se ha guardado para el bis, entre el público entregado en la noche de jueves en al capital catalana había un gran número de expatriados brasileños, encantados de volver a ver a su maestro y al que algunos han lanzado gritos de "Fora Bolsonaro" buscando la complicidad del comprometido artista.Gil (Salvador de Bahia, 1942), que fue ministro de Cultura con Luiz Inácio Lula da Silva, y a quien sus ideas políticas también le llevaron a salir del país, ha llamado a la sociedad brasileña a "ser conscientes de todos lo que pasa en Brasil y en el "mundo" y a tener "un voto firme".Nada más empezar el concierto, después de "Barato total" y "Serafim", Gil ha ido presentado uno por uno a todos los músicos y coristas integrantes, todos familia, desde hijas a nietos y bisnietos pasando por nueras que hacen los coros.Gil ha aprovechado para reivindicar "la ancestralidad africana en Brasil" de la que se siente parte.Más allá de ser un ícono del Tropicalismo y de la Música Popular Brasileña (MPB), Gil siempre se ha reivindicado como persona familiar y por eso, cuenta, la mayor celebración de la vida, para él, es poder compartir con su familia su pasión por la música.Cuatro de sus ocho hijos son parte de la banda que le acompaña en la gira, en la que también participan algunos de sus nietos, mientras que su esposa y otros miembros de la familia ayudan en lo relacionado con la producción y el montaje del espectáculo.Aunque dos de sus hijas, Nara y Preta, han recibido gran parte del apoyo del público en varios temas en los el "patriarca" les ha pasado el micro, el "abuelo Gilberto" ha dejado en especial lucirse con varios temas en solitario a la joven Bela, que ha reinterpretado con él el clásico brasileño "La chica de Ipanema".Los nietos Joao y Francisco también han puesto a un público de Pedralbes especialmente animado y bailarín con otro tema esperado, "Várias Queixas".El maestro, siempre activo en el escenario, sin dejar la guitarra, también ha sorprendido con un tema "de hace muchos años", el "Get back" de los Beatles, que se ha llevado a su terreno musical."Barracos", "Era nova", "Vamos fugir" o "Andar com fé" han sido otros de los temas elegidos para el recital en Barcelona por el cantautor brasileño, que ha vendido unos 4 millones de copias de sus cerca de 60 discos y recibido nueve premios Grammy durante su carrera artística.Este verano, acompañado por toda la familia, empezó su gira en Alemania y está pasando por toda Europa (Dinamarca, Italia, Eslovenia, Francia, Suiza, Bélgica). Su última fecha es el 31 de julio en Wiltshire (Reino Unido).Este clan unido por la música puede conocerse más de cerca en la serie documental "En casa con los Gil", creada también para conmemorar el aniversario del cantautor, y que desde este viernes está al aire por Amazone Prime.Uno de los episodios más conocidos de su biografía es cuando se vio obligado junto a su amigo y también músico Caetano Veloso a salir del país durante la dictadura que imperó en Brasil entre 1964 y 1985.Precisamente, como himno de despedida del arista, surgió uno de sus mayores éxitos e himno para muchos brasileños: "Aquele abraço". Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ofreceremos un recorrido por la vida y el arte interpretativo de János Starker apoyados en las notas del crítico musical Uwe Kraemer.Dice Kraemer: "Hijo menor de padres de origen ruso, János Starker cuando sólo tenía seis años, hizo una aparición pública en Budapest, su lugar de nacimiento, y como niño prodigio se vio obligado a organizar su rutina diaria para poder combinar las necesidades educativas con sus intereses musicales y deportivos. Comenzó sus estudios en el Conservatorio de Budapest con Adolf Schiffer, el sucesor de David Popper, y ganó dinero por primera vez cuando tenía nueve años dando lecciones de violonchelo a un niño de seis".János Starker realizó su debut profesional a los 14 años cuando interpretó el Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, Op 104 de Anton Dvořák.Impresionado por la observación (con intención de elogio) de un crítico vienés de que tocaba con la "seguridad de un sonámbulo", allí sentó las bases de su trabajo sobre enseñanza. Para él la enseñanza era más que un camino hacia la alta escuela del violonchelo perfecto: "La comprensión de cómo tocar el violonchelo no proviene de tocar el instrumento, es ante todo un proceso intelectual. Los requisitos previos cruciales para dominar cualquier instrumento son los mismos; y para ello, por esta razón, he enseñado ocasionalmente guitarra, piano, fagot, trompeta, saxofón, clarinete, trompa y contrabajo", escribiría Starker.Insatisfecho con el clima político de la Europa de posguerra, Starker aceptó una oferta de Antal Dorati en 1948 para unirse a la Sinfónica de Dallas como violonchelista solista. Ese mismo año hizo su primera grabación, la sonata solista de Kodály.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Después de que el gran director Fritz Reiner llevara a János Starker a la Metropolitan Opera de Nueva York y a la Orquesta Sinfónica de Chicago, y después de numerosas grabaciones y una intensa actividad como músico de cámara en tríos y cuartetos, Starker se sintió lo suficientemente preparado para reanudar su carrera concertística internacional en 1958. Al mismo tiempo comenzó su carrera docente en la Escuela de Música de la Universidad de Indiana en Bloomington (fundada en 1921), y considerada la mayor institución de educación musical del mundo.Aunque son los primeros ejemplos conocidos de música sin acompañamiento para instrumento, las seis suites para violonchelo de Bach (BWV 1007 a BWV 1012) se sitúan en la cúspide del "clasicismo" de la suite barroca, como ejemplos incomparables de estructura, virtuosismo, expresividad y profundo intelecto musical. Desde su "descubrimiento" y presentación al público del siglo XX por parte de Pablo Casals en 1901, para innumerables intérpretes han representado lo último en los logros de Bach, accesibles sólo después de años de experiencia, estudio y autodisciplina.Al comentar sobre la quinta grabación de las Suites para violonchelo sin acompañamiento de Bach, Starker dijo: "A menudo me preguntaban por qué, a los 70 años, estoy grabando las Suites de Bach por quinta vez cuando las ejecuciones anteriores han sido recibidas con elogios…. Tocar a Bach es una búsqueda interminable de la belleza y, en cierto sentido, de la verdad… Permítanme decir que quise que esta quinta grabación fuera mi última ejecución de las Suites, pero ciertamente no la definitiva. Como antes, fue una experiencia enriquecedora".János Starker realizó más de 160 grabaciones. Como lo anotábamos antes grabó las seis suites para violonchelo solo de Bach en cinco ocasiones para RCA Red Seal Records, con la de 1992 ganó un premio Grammy. También fue nominado a un Grammy por su grabación de 1990 de los trabajos de David Popper. Varios compositores escribieron conciertos especialmente para él, entre los que se encuentran David Baker, Antal Doráti, Bernhard Heiden, Jean Martinon, Miklós Rózsa y Robert Starer.Podrá escuchar obras maravillosas de János Starker en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 1 de julio a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Dido y Eneas es una ópera en tres actos con música de Henry Purcell y libreto en inglés del dramaturgo y poeta Nahum Tate, basado en su tragedia Bruto de Alba; O Los amantes encantados y en el Canto IV de la Eneida de Virgilio.La obra relata la historia de amor entre Dido, reina de Cartago y el héroe troyano Eneas, y su desesperación cuando la abandona.Henry Purcell presentó su única ópera, en el sentido estricto del género, (las otras obras de Purcell son consideradas semi-óperas) en el internado de niñas Josias Priest's Boarding School, en Chelsea, Londres en la primavera de 1689.En Canto y Música Coral presentaremos la grabación de Dido y Eneas que se llevó a cabo en St. Giles’s Cripplegate, de Londres en septiembre de 1994 por:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Emily van Evera, en el papel de Dido, Reina de CartagoBen Parry, como Eneas, príncipe TroyanoJanet Lax, en el rol de Belinda, hermana de DidoHanden Andrews está a cargo de interpretar a la hechiceraSara Stowe, nos trae las líneas de un espírituDouglas Wootton interpreta a un marinero y el Conjunto británico de música antigua 'Taverner Choir & Palyers', bajo la dirección de Andrew Parrott.A continuación, el argumento y acción del primer acto de Dido y Eneas, la ópera en tres actos con música de Henry Purcell y libreto de Nahum Tate.Acto I: Palacio de Dido:Dido, fundadora y gobernante de Cartago, está profundamente preocupada. Su confidente y hermana Belinda sabe que la causa es el amor por el príncipe Eneas. (Eneas ha escapado de la derrotada ciudad de Troya después de la Guerra de Troya y se detiene en la corte de Dido de camino a Italia, donde está destinado a ayudar a fundar la ciudad de Roma.) Belinda y los cortesanos de Dido la presionan para que forme una alianza con Eneas. Dido acepta a Eneas.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 30 de junio a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Este 29 y 30 de junio se realizará en Honda, Tolima, la tercera edición de Plaza del Libro, un espacio de conversación en el que los libros, las mujeres y la ciencia se tomarán este territorio a orillas del río Magdalena.El tema central de Plaza del Libro 2024 será las mujeres en la ciencia y la literatura bajo el lema ‘Mujeres que vuelan: encendiendo el mundo con ciencia’, una oportunidad para resaltar la contribución de autoras, científicas e investigadoras que han aportado al desarrollo de la ciencia, el periodismo y la paz, haciendo visibles sus logros y desafíos.“En nuestro ADN como organización está muy engranado trabajar los temas de conservación, y sobre todo en un lugar como Honda que tiene el paso del río Magdalena y unas condiciones que lo hace un espacio especial en biodiversidad”, explica Erika Montoya, fundadora de la feria.Precisamente, en la misión de destacar a grandes mujeres y sus contribuciones, la feria realizará un homenaje a Constanza Ramírez Silva, bióloga y economista, defensora del medio ambiente en Colombia e incansable trabajadora por la protección de la naturaleza y los derechos campesinos, residente en Honda y quien falleció el pasado abril.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante años, Ramírez trabajó con Alfredo Molano, con quien escribió los libros Apaporis y Viaje a la última selva, este homenaje que abordará sus inmensas contribuciones al país, lo guiará Germán Ferro, director del Museo del río Magdalena.Además del homenaje, la feria también contará con destacadas invitadas como la española Carmen Magallón Portolés, doctora en Ciencias Físicas, especializada en la historia de las mujeres en la ciencia y las relaciones entre género, ciencia y paz.También participarán las periodistas Laura Ardila, quien presentará su libro La Costa Nostra, y Yolanda Ruíz, que hablará de su libro En el filo de la navaja. Ambas conversarán en distintos escenarios con la matemática Adriana Camacho.“La programación que nosotros estamos proponiendo está muy centrada en unos diálogos que sean no solamente inquietantes, que provoquen el pensamiento crítico, sino que también traigamos a colación otros temas que son muy importantes para el lugar geográfico en el que nos encontramos”, explica Montoya.Por otro lado, en la agenda de los dos días de evento se destaca la conferencia Arte, cultura, periodismo y ética en la que participarán Diana Castro Benetti, directora de la Fundación Malpensante; Omar Rincón, investigador del Centro de Estudios en Periodismo de la Universidad de los Andes y Mheo (Mario Orozco), caricaturista político del periódico El País de Cali, colaborador en El Espectador y la Revista Cambio.La feria, que es de entrada gratuita y abierta a todo el público tendrá como escenario principal la Trilladora Gualí, y como otros espacios con charlas y actividades, el Museo del Río Magdalena y el Centro Cultural Banco de la República. A continuación compartimos la agenda del evento: Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Plaza del Libro Honda (@honda_libro) 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Ministerio de Cultura señaló que, a través de la Dirección Desconcentrada de Cultura (DDC) de Lambayeque, supervisó y verificó los avances de la primera etapa de los trabajos de investigación del Proyecto Arqueológico Paisajes Culturales de Úcupe-Valle de Zaña.Estos trabajos se iniciaron el pasado 3 de junio en el Complejo Arqueológico Los Paredones de la Otra Banda-Las Ánimas, ubicado a 48 kilómetros de la ciudad de Chiclayo, la capital regional.Cultura detalló que el director del proyecto arqueológico, Luis Armando Muro, señaló que "se han excavado dos unidades arqueológicas, descubriendo en la primera restos de una arquitectura monumental religiosa perteneciente al periodo formativo que sería de aproximadamente cinco mil años de antigüedad"."Posiblemente estemos frente ante un recinto religioso de cinco mil años de antigüedad, que constituye un espacio arquitectónico definido por muros construidos por tapia. Tenemos lo que habría sido una escalinata central desde la cual se ascendería a una especie de escenario en la parte central", agregó Muro.Según la información oficial, el templo tiene "frisos con imágenes antropomorfas en alto relieve que presentan un cuerpo humano con cabeza de ave, imágenes felinas y garras de un reptil".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los expertos consideraron que en este lugar "se llevarían a cabo ceremonias especiales y en la parte superior se descubrió un muro recubierto con un fino enlucido con un diseño pictórico".En la segunda unidad de excavación también se halló una arquitectura ceremonial perteneciente al periodo Mochica tardío, entre los años 600 y 700 de nuestra era, que presenta contrafuertes y bases de una gran plataforma escalonada.Además, se identificó el entierro de un niño de aproximadamente 5 a 6 años de edad, perteneciente a un periodo posterior.Estas investigaciones buscan examinar la aparición, evolución y desarrollo del centro ceremonial y cementerio de elite de la zona arqueológica de La Otra Banda y Úcupe, que se construyeron y consolidaron a nivel regional entre los periodos Formativo y Moche de la historia prehispánica peruana.La investigación, que fue autorizada por la Dirección General de Patrimonio Arqueológico del Ministerio de Cultura, es financiada por la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y Universidad de California Los Ángeles (UCLA).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde 1945 suelo pasearme por el barrio vestida de mujer. Claro que en invierno llevo pantalones y abrigo largo, pero, siempre que el tiempo lo permite, me pongo mi vestido.Naturalmente con semejante atuendo corría el peligro de que se me acercara algún ruso con no muy buenas intenciones. Lo cierto, sin embargo, es que tuve bastante suerte. Un día unos soldados se abalanzaron sobre mí y, cuando ya me tenían a su merced y me habían incluso levantado la falda, se echaron a reír a carcajadas al ver que no encontraban lo que andaban buscando. Uno de ellos me propinó un azote en el trasero y la cosa no pasó de ahí. Habría podido ser peor.Mis vecinos de Mahlsdorf, que me conocían desde la infancia, reaccionaban encogiéndose simplemente de hombros con benevolencia.—¡Qué curioso! — decían —. Ese lleva siempre a algún chico al lado y nunca va con chicas. ¡Y qué ropa más anticuada lleva! ¿Será que es marica?Y eso era todo.Christinchen, mi viejo amigo del colegio, aquel que me acompañaba cuando a los catorce años nos detuvo una patrulla de las Juventudes Hitlerianas vestidos de mujer, tuvo menos suerte. Le encantaba salir de pendoneo y frecuentar los puntos de reunión de mariquitas llevando algún vestido de verano y zapatos de tacón, pechos postizos y sujetador. Una vez, después de la guerra, andaba ella pavoneándose por los alrededores de los lavabos de caballeros de la estación de Friedrichs-hagen cuando de manos a boca se encontró con cinco rusos, que, al parecer, la habían tomado por toda una señorita alemana.—¡Ven, mujer! ¡Acostarnos, chica, ven! ¡Rápido, rápido!Christinchen sacudió altivamente su rubia melena, pero los rusos la agarraron por el brazo. Ella logró soltarse y echar a correr por la hierba en dirección al cine de verano -natural-mente con el camarada «Ruski» detrás gritándole: « Eh, oye!»—, hasta que tropezó con un tronco. Se cayó dando una voltereta mientras el bolso salía por los aires y se le abría de golpe.Evidentemente, en un momento así, en lo primero que piensa una loca es en su pintalabios y en la polvera; en todo menos en salir corriendo. Los cinco rusos se llevaron a rastras a la pobre Christinchen hasta un rincón oscuro, la tiraron sobre un banco y se le echaron encima. Total, que fuera macho o hembra a ellos les tenía sin cuidado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Christinchen vino a desahogarse a mi casa. Estaba completamente dolorida y hube de acompañarla al médico. El doctor meneó la cabeza en señal de desaprobación, pero se limitó a diagnosticar una irritación.Christinchen trabajó muchos años como secretaria contando siempre con la aceptación de sus compañeras. En 1980 se jubiló y, como primera providencia, se trasladó al Berlín occidental, para después seguir al hombre de sus sueños hasta la República Federal.¿Relojería o tienda de muebles? Mi madre hacía cábalas intentando averiguar a qué acabaría dedicándome. Mi tío abuelo ya me había desaconsejado la profesión de relojero:—¿Relojero? ¿Pasarte el día entero en el taller con la lupa en la mano? Ni hablar! Cuando llegues a viejo, ni siquiera podrás ver en condiciones —me decía preocupado.Cuando en los años treinta se pusieron de moda los muebles lisos y empezaron a fabricarse todos esos mazacotes, se me fueron las ganas de pasarme la vida rodeado de muebles que no dataran de la Grinderzeit. Conque nada, cuando acabó la guerra me convertí en una especie de criada, hasta que un día me cogió mi madre y me dijo:-Mira, esto no puede seguir así. Tienes que aprender un oficio como Dios manda.Las piezas que contenían los cilindros de mis fonógrafos estaban casi todas en inglés, así que me sentí atraído por este idioma. Asistí a unos cursos y en 1949 obtuve mi diploma de intérprete. Con lo cual ya había aprendido un oficio 'Dios manda' antes de comenzar mi formación de conservador de museo.El invierno de 1948-1949 fue increíblemente frío. En cuanto podíamos, cambiábamos las gélidas aulas de la escuela de idiomas, en las que apenas podíamos sujetar la pluma de lo agarrotados que teníamos los dedos, por el señorial piso de vieja construcción de mi compañera Mechthild. Los alumnos estábamos obligados a llevar a cada clase una bola de carbón para mantener encendida la pequeña estufa con la que teníamos que apañárnoslas. A pesar de todo, nunca podíamos quitarnos el abrigo.La mejor amiga de Mechthild era Uschi Dressler, hija del pintor August-Wilhelm Dressler. Inquieta como una tarabilla y, para remate, vestida siempre de colorines, era muy bohemia y, respondiendo al típico cliché de hija de artista, nunca llevaba dinero en el bolsillo. Mirándome con aquellos ojos pillines que brillaban en su hermoso rostro ovalado, me saludaba gesticulando exageradamente como suelen hacerlo los actores y me decía:—iAy, Lotharchen!August-Wilhelm Dressler, de estatura no muy alta, rechoncho y canoso, se quedó mirando lleno de interés mis piernas desnudas cuando me presenté en su taller a reparar el reloj de la chimenea llevando unos simples pantalones cortos. En los caballetes tenía numerosos cuadros en los que aparecían representadas mujeres gordas desnudas. Durante la época nazi había sido proscrito por cultivar la pintura expresionista.-¿Te gustaría posar para mí por diez marcos la hora? —me dijo persuasivamente.Tras unos primeros instantes de vacilación, la idea me hizo gracia. Total, ¿por qué no? Yo era tímida, sí, pero no mojigata.Por otra parte, el dinero me atraía bastante. Los discos del gramófono costaban únicamente cincuenta pfennige; una blusa, tres marcos y cincuenta prennige; una falda bonita de primera mano, cinco. Por ocho marcos y medio podía quedar tan arregladita y equiparme para todo el verano.«La verdad es que soy mona», pensé sin poder evitar mirarme en el enorme espejo de marco redondeado por la parte superior, mientras posaba desnuda para los chicos y chicas que asistían a las clases de pintura de Dressler e intentaban reproducir mi pierna doblada y apoyada en un taburete. Cuando me aburría, me ponía a observar las hermosas ventanas, con los vidrios sujetados por vergas, y los muebles de estilo Biedermeier que atestaban el taller.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.