En un comunicado, la familia de Mendes dijo que el músico "murió en paz" la víspera en su casa de Los Ángeles, rodeado de su esposa y sus hijos."En los últimos meses, su salud se había visto afectada por los efectos del covid prolongado", añadió la nota.Lanzado a la escena brasileña a principios de los años 60 en plena ola de la bossa nova, Sergio Mendes alcanzó la fama rápidamente. Sus talentos como pianista y compositor de arreglos despertaron el interés de Antonio Carlos Jobim.Su dominio del jazz impresionó y el saxofonista norteamericano Cannonball Adderley escogió su formación, "Sexteto Rio", para grabar el disco "Cannonball's Bossa Nova", en 1963.En 1966, Mendes alcanzó un gran éxito internacional con su álbum "Sergio Mendes & Brasil 66" y el desde entonces famoso "Mas Que Nada", adaptación de una canción de Jorge Ben.Grabó más de 35 álbumes y salió de gira con grandes artistas estadounidenses como Frank Sinatra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Descansa en paz, querido genio", dijo en Instagram Milton Nascimento, ícono de la música popular brasileña y una de las primeras celebridades en reaccionar a la muerte de Mendes. "Fueron muchos años de amistad, colaboraciones y música" entre ambos, agregó.A lo largo de su carrera, Mendes no dejó de explotar la inagotable veta de una música cautivante, en la que mezclaba hábilmente la cadencia de la samba, el groove del jazz, las sutiles armonías vocales de la bossa nova y el refinamiento del pop californiano.Sin embargo, detrás del músico famoso y del aspecto comercial de sus temas, rayanas a veces en el "easy listening", había un artista dotado de una gran espontaneidad."Soy muy curioso, me gusta aprender, es por eso que hablo francés de oído", aseguró Sergio Mendes en una entrevista con la AFP en París, en 2014."La raíz de mis músicas es brasileña. En Brasil tenemos una bella diversidad cultural y musical, entre la música de Bahía, de Rio de Janeiro, la música clásica, los ritmos llegados de África", destacó entonces.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este jueves inicia la Copa América USA 2024 con la ceremonia inaugural que tendrá a Feid, el reguetonero colombiano del momento, como estrella central antes del encuentro entre las selecciones de Argentina y Canadá a las 7:00 p. m., hora Colombia.El Mercedes Benz Stadium será el escenario principal que recibirá alrededor de 72.000 espectadores que presenciarán el inicio de una nueva edición del torneo de fútbol de selecciones más antiguo de la historia. Además, verán el show inicial que contará con la representación colombiana del Feid.Por otro lado, aunque no está confirmado, se espera la participación de Shakira en la ceremonia inicial o en el cierre del certamen, ya que es la barranquillera la intérprete de la canción oficial de la copa, Puntería. Para ponernos en ambiente, recordamos algunas de las canciones y presentaciones de las inauguraciones de la Copa América de los últimos trece años.Gente de Zona En 2021 la apertura de la Copa América que se disputó en Brasil y que dejó a Argentina como campeona, estuvo a cargo del grupo cubano Gente de Zona, integrado por Alexander Delgado y Randy Malcom. Vale recordar que esta edición se llevó a cabo en medio de protestas contra el gobierno de Jair Bolsonaro por recibir el torneo.Antes del primer partido, entre Brasil y Venezuela, el Estadio Mané Garrincha fue el escenario de los cubanos que interpretaron La Gozadera, una adaptación especial, que fue la canción oficial del certamen, de su éxito homónimo estrenado en 2015 junto a Marc Anthony.Karol G y Léo SantanaTambién disputada en Brasil, la copa del 2019 tuvo su ceremonia inaugural en el estadio Morumbí de Sao Paulo con el show de la colombiana Karol G y el brasileño Léo Santana. Acompañados por alrededor de cien músicos, interpretaron Vibra Continente, una mezcla entre ritmos brasileños y reguetón que compone la canción oficial de esa edición del torneo de la Conmebol.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A la voz de los artistas centrales, en el espectáculo se sumaron 400 participantes en escena, entre niños, niñas y adultos caracterizados con los trajes típicos de los países participantes y un show de fuegos artificiales. Aquí puede revivir la ceremonia previa al encuentro entre Brasil y Bolivia. J Balvin, Magic y Jason DeruloAntes del partido entre Estados Unidos y Colombia, que inauguró la edición especial de la Copa América por su centenario, artistas de Canadá, Estados Unidos y Colombia fueron los elegidos para realizar el espectáculo inicial.Primero, se presentó la agrupación canadiense Magic, seguida por el colombiano J Balvin, quien cantó sus éxitos del momento, Ginza y Bobo. Finalmente, Jason Derulo interpretó Want to want me. En esta conmemoración de los cien años de la copa, los organizadores también dedicaron un espacio para homenajear al futbolista colombiano Andrés Escobar, asesinado en 1994 después de su participación en el mundial de EE. UU. 94.Diego Torres, Ivete Sangalo y ChocQuibTownEl inicio de la Copa América Argentina 2011 estuvo marcado por un espectáculo de juegos de luces, proyecciones de momentos históricos del torneo de selecciones más antiguo del mundo y más de cien bailarines vestidos con luces.El cierre de las emotivas imágenes y narraciones que se proyectaron estuvo acompañado por la presentación del cantante argentino Diego Torres, la brasileña Ivete Sangalo como artistas centrales, acompañados por los colombianos ChocQuibTown.Bonus: Ceremonia inaugural de la Copa América Chile 2015Esta ceremonia en particular no tuvo a ningún cantante como acto central del espectáculo; en cambio, puso todos los reflectores sobre una coreografía llena de fuegos pirotécnicos, luces y artistas que destacaron la historia y la diversidad cultural de Chile, que además de ser el anfitrión de esa edición, también resultó campeón.La música que acompañó la presentación fue creada por el artista español Salvador Niebla, experto en composiciones para eventos deportivos, y la coreografía estuvo en manos del catalán Hansel Cereza, quien también lideró la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 62 años desde que inició la carrera artística de Francisco Buarque de Hollanda, reconocido como Chico Buarque, pero seis décadas exactas desde que su arte se popularizó.Para entender su obra, activismo político y el mensaje de libertad que habita en sus letras nos tenemos que remontar al 31 de marzo 1964, cuando un golpe de estado derrocó al gobierno del presidente João Goulart e instauró una dictadura militar, con Humberto de Alencar Castelo Branco a la cabeza, que se extendió hasta marzo de 1985.Nacido el 19 de junio de 1944 en Río de Janeiro, Brasil, Buarque creció en un entorno político y artístico; uno de los cuatro hijos historiador y sociólogo Sergio Buarque de Hollanda, quien más tarde co fundaría el movimiento de centro izquierda Partido de los Trabajadores, y la pianista y pintora Maria Amélia Cesário Alvim.Aunque inició su formación profesional en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Sao Paulo, su vocación e influencias, como la del músico Vinicius de Moraes, lo acercaron al bossa nova y las letras.Para 1964, con la dictadura ya instaurada, y la amenaza de expulsar a la orden religiosa de los padres dominicos, como recuerda el periodista brasileño Fernando Morais para la Universidad del Valle, el teatro Paramount, en São Paulo, se llevó a cabo un show de beneficencia para apoyarlos. En ese evento tuvo lugar la primera aparición de Buarque para un gran público.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sus letras desde entonces contaban la represión que vivía el país. En 1966 alcanzó la fama tras su victoria compartida en el II Festival de Música Popular Brasileña (MPB), con su canción A Banda, junto a Geraldo Vandré y su canción Disparada.“Hay días en que uno se siente como quien partió y murió, uno se estancó de repente, o fue el mundo entonces que creció”, reza Roda Viva, la canción más famosa de Buarque en 1968, que presentó al mundo después de participar en la 'Marcha de los cien mil'. Hacer parte de esta protesta multitudinaria contra la dictadura le valió meses de prisión y posterior necesidad de exiliarse en Italia.Durante los siguientes años, la música de Buarque se consolidó en el famoso movimiento de MPB, con canciones como Samba de Orly, también conocida como Samba de exilio.En los años setenta se popularizó Apesar De Você, una de sus canciones que con uno de sus versos, A pesar de usted mañana será otro día, se convirtió en el himno de la gente contra la dictadura y su represión, al punto de ser censurada en todo el país.Sin saberlo, Buarque le dio a los brasileños, el himno que años más tarde recordaría en las calles, para entonarlo, esta vez, en contra del gobierno de ultraderecha de Jair Bolsonaro entre 2019 y 2022.A propósito del cumpleaños ochenta de Chico Buarque, Adélia Bezerra de Meneses, profesora de teoría literaria de la Universidad Estadual de Campinas (Unicamp) y de la Universidad de São Paulo (USP) aclaró a la Agencia Brasil el valor de las letras del artista:“Por mi propia experiencia, puedo decir que no todas las letras de las canciones pueden ser tratadas como un poema, pero las canciones de Chico apoyan este enfoque, que no es ni superior ni inferior al análisis musical: la perspectiva buscada es otra. También es importante decir que existen distinciones entre compositores, y Chico –según sus propias declaraciones– se inclina más por la letra que por la música”, aclaró.A la basta obra musical de Buarque, se suma su trabajo incansable en el campo de la literatura, en el que ha compuesto obras de teatro como Ópera do Malandro en 1978, cuentos, poemas y novelas, entre las que se destacan Estorvo (1991), Benjamim (1995) y Budapest (2003).En su obra escrita, al igual que en sus canciones, Buarque también habla sobre la lucha por la libertad y los derechos humanos. Además,rinde homenaje a la música, la literatura, y las tradiciones de Brasil, a menudo infundiendo sus obras con referencias culturales y folclóricas.Sus novelas, su obra en conjunto, fue celebrada en 2019 con el Premio Camões, uno de los principales galardones de la literatura en lengua portuguesa; sin embargo, no fue hasta el 2023 que pudo recibir el reconocimiento de la mano de los presidentes de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa, y Lula da Silva, de Brasil. En 2019, Bolsonaro, como presidente, se rehusó a otorgarle el premio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde entonces, Brown (Brotas, Salvador de Bahía, 1962), cuyo verdadero nombre es Antonio Carlos Santos de Freitas, vuelca todos sus esfuerzos en el fomento de la educación como forma de luchar contra la exclusión y la desigualdad. "Si sabemos quiénes somos, de dónde venimos y por qué nos comportamos de esta forma” podremos combatir "los mayores problemas" de la humanidad como el racismo, asegura en una entrevista con EFE en Madrid.El autor de la icónica samba "Maria Caipirinha" se encuentra en la capital española con motivo del Día Internacional de Iberoamérica y este miércoles participará en un encuentro abierto al público en la Casa de América. En ese encuentro reivindicará la “cultura como nexo de unión entre los 22 países iberoamericanos”, señaló el cantante, percusionista, compositor, artista plástico y activista social brasileño.En noviembre de 2019, los ministros de Relaciones Exteriores de los 22 países de la región aprobaron celebrar el Día de Iberoamérica cada 19 de julio, fecha en la que se firmó la primera declaración de jefes de Estado de Iberoamérica en Guadalajara (México) en 1991.En esa fecha, desde 2020, se pone en valor el conjunto de afinidades históricas y culturales que conforman la comunidad iberoamericana y se aboga por la unidad y el desarrollo a partir del diálogo, la cooperación y la solidaridad. Brown se siente "muy agradecido" con la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) por la concesión del reconocimiento como embajador, que le fue otorgado por su “propósito de difusión de la cultura”.La educación como foco de la cultura Borwn afirma que “cuando un hombre conoce de dónde viene, esto le ayuda a comprenderse y a rechazarse menos", algo "básico para la disminución de la violencia” que existe hoy en día en todo el mundo. “Creo que mi papel como embajador de cultura sirve para que busquemos un aliento, para que podamos enmendar los errores”, dice.El músico brasileño explica que su mayor reto ahora mismo es conseguir que la cultura “sea vista como algo compartido y respetado, y no como algo sólo festivo y carnavalero”.Encontrar "unidad en las diferencias"Son 22 países los que forman Iberoamérica, y a pesar de encontrar muchas diferencias entre ellos, Brown opina que “no estamos tan distantes” como parece, y que debemos utilizar la cultura para “encontrar en las diferencias, la unidad” entre todos los pueblos.El brasileño asegura haber encontrado una fuente de inspiración en el centro internacional de cultura y de creación artística del Ayuntamiento de Madrid, enclavado en un antiguo matadero, porque sus proyectos se centran en la “recuperación del patrimonio histórico”.El cantante siempre ha estado muy involucrado en la mejora de las zonas más desfavorecidas de su país, hasta el punto de que su éxito contribuyó en la transformación completa de la favela de Candeal, en la ciudad de Salvador de Bahía, de la que además se hizo la película documental “El milagro de Candeal” (2004), dirigida por el español Fernando Trueba.En el encuentro musical de este miércoles en Casa de América, Brown estará acompañado por Mariella Köhn, cantante, poeta y musicóloga peruana y por la española Soledad Giménez.Como él mismo explica, “no es un concierto ni una charla”, sino un “encuentro espontáneo” en el que tocarán instrumentos y piezas musicales en las que estará presente “el alma de Iberoamérica”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hoy el cielo de los compositores amaneció más feliz: Joao Donato fue a tocar allí sus lindas melodías", dice un mensaje difundido en el Instagram del músico.El multifacético compositor, pianista, acordeonista, cantante y arreglista, será velado en el Teatro Municipal de Rio de Janeiro en un horario por confirmar, según la publicación. Donato falleció a causa de una serie de complicaciones de salud: recientemente había sido hospitalizado con neumonía y estaba intubado desde la semana pasada, informaron medios locales.Nacido en 1934 en Rio Branco, en el estado norteño de Acre, se mudó con su familia cuando era niño a Rio de Janeiro. Allí inició su carrera musical, y se convirtió en uno de los pioneros de la bossa nova, un movimiento que revolucionó la música brasileña y le dio una audiencia global.Entre otros éxitos, creó una de las canciones precursoras del género, "Minha Saudade", con el legendario Joao Gilberto, fallecido en 2019. También se destacó junto a Astrud Gilberto, esposa de Joao y considerada "reina de la bossa nova", que murió en junio pasado.Donato integró varios grupos en los años 1950, como 'Donato e Seu Conjunto', con el que grabó su primer disco, "Cha Dancante", producido por Tom Jobim.Reconocido como un artista creativo y versátil, Donato se resistió a encasillarse en un género. "Yo no soy bossa nova, no soy samba, no soy jazz, no soy rumba, no soy forró. En verdad, soy todo eso al mismo tiempo", dijo en una entrevista a O Globo en 2014.Personalidades como el presidente Luiz Inácio Lula da Silva le rindieron homenaje. "Fue uno de los genios de la música brasileña. Hoy perdimos a uno de nuestros mayores y más creativos compositores (...) Marcó la historia de la música en nuestro país con composiciones que recorrieron el mundo", tuiteó.Donato conquistó a un público internacional en giras y vivió durante más de una década en Estados Unidos.Al regresar a Brasil, en los años 1970, trabajó junto a estrellas de la bossa nova y el Tropicalismo, que revolucionaba por entonces la música popular brasileña, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Roberto Menescal o Gal Costa."No soy rico ni pretendo serlo con lo que hago. El objetivo de mi trabajo es alegrar los corazones", dijo Donato en otra entrevista con O Globo."Ahora su alegría y sus acordes permanecen eternos en todo el universo", concluye el mensaje de sus allegados en redes sociales.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La artista fue diagnosticada con un cáncer de pulmón en 2021 y llegó a anunciar una remisión de la enfermedad el año pasado. Nacida en Sao Paulo el 31 de diciembre de 1947, en el seno de una familia de clase media, Rita Lee Jones debutó como cantante en la banda femenina Teenage Singers, cantando versiones de The Beatles y otros grupos extranjeros.En 1966 formó el trío de rock psicodélico Os Mutantes, con el que alcanzaría fama nacional en pleno auge del "tropicalismo", movimiento libertario que revolucionó la música brasileña en plena dictadura militar (1964-1985). Fue con Caetano Veloso y Gilberto Gil, líderes del movimiento, que Rita Lee descubrió su "lado brasileño". "Me aconsejaron sobre cómo hacer música brasileña, porque hasta entonces yo solo tocaba música 'gringa'", dijo Rita Lee en el documental biográfico "Ovelha Negra" (2007), dirigido por el músico Roberto de Carvalho, su esposo y socio musical durante cuatro décadas. Separada de Os Mutantes en 1972, continuó su carrera con la banda Tutti Frutti y luego como solista."Única chica en el rock"Rita Lee fue una mujer pionera en la escena musical. Sus atuendos extravagantes y sus canciones irreverentes, que hablaban de sexo, amor y libertad, se convirtieron en símbolos feministas."Yo era la única chica roquera en medio de un club solo de hombres, cuyo mantra era: para hacer rock tienes que tener cojones. Yo fui con mi útero y mis ovarios y me sentí igual a ellos, les gustase o no", escribió en su autobiografía lanzada en 2016. En cambio, la artista rehuyó el compromiso político preconizado por muchos de sus colegas durante la dictadura.Entre sus numerosos éxitos figuran "Ovelha Negra" (1975), "Mania de voçe" (1979), "Lança Perfume" (1980), conocido en español por la versión de Rita Irasema, y "Amor e sexo" (2003).De complexión delgada, con su flequillo pelirrojo y lentes de cristales coloridos como marca registrada, Rita Lee se ganó la simpatía de artistas de todos los ambientes, incluido el padre de la Bossa Nova, Joao Gilberto, con quien grabó un dueto. "Joao Gilberto me enseñó que yo era una roquera con voz de cantante de Bossa Nova", dijo Rita Lee en 2019, tras la muerte de este.En cincuenta años de carrera, publicó más de 30 discos, fue nominada siete veces al Grammy Latino y venció una vez en 2001, en la categoría Mejor Álbum de Rock Brasileño, por su disco "3001".La Academia Latina de Grabación le concedió en 2022 el premio a la Excelencia Musical por el conjunto de su obra. Fue telonera del primer show de los Rolling Stones en Brasil, en 1995, y en 2001 publicó un disco con canciones de The Beatles en versión bossa nova."Patrona de la libertad"En 2012, Rita Lee anunció su retirada de los escenarios a los 64 años, alegando "fragilidad física". Desde entonces, vivió recogida en su casa de campo en el interior del estado de Sao Paulo, con su marido, la visita frecuente de sus tres hijos varones, y sus animales, otra de sus grandes pasiones.En las imágenes que compartió en sus redes sociales en los últimos tiempos apareció de cabello corto, vistiendo pulóveres coloridos.Fiel a su estilo rebelde, en 2022 reveló a la revista Rolling Stone Brasil que el papel de "reina del rock" nacional que le atribuyen brasileños de todas las edades no le convencía del todo. "Me gusta más que me llamen 'patrona de la libertad' en vez de 'reina del rock', que me parece un poco cursi...".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Mozart Camargo Guarnieri era hijo de un barbero, flautista aficionado; a los ocho años abandonó el colegio para ayudar a sus padres en la barbería. Sin embargo, empezó a estudiar música con el profesor Benedito Flora. Nunca comprendió a su profesor y lo dejó, engañando a su padre quien no lo supo hasta mucho tiempo después. A partir de entonces, le dio las clases él personalmente.En un piano que le tocó a su madre en herencia, Mozart Camargo Guarnieri aprendió a tocar sólo y a hacer sus primeras pequeñas composiciones. Para no abandonar su formación, el padre le puso un segundo profesor. Para pagarlo, alquilaban el piano. La familia se mudó a la capital y allí Mozart ayudaba a su padre en la barbería y tocaba en diferentes lugares para ganar dinero. La suerte hizo que le conociera Ernani Braga quien se sorprendió tanto que ofreció darle clases de música y piano gratis.Mozart Camargo Guarnieri formó su primer conjunto de cámara junto al barítono Andino Abreu y al violinista belga Maurice Raskin. Su interés en el folclore brasileño fue despertado por Mario de Andrade, profesor y crítico que realizara una inmensa labor de investigación de tradiciones musicales a lo largo de todo el país. De Andrade enseguida mostró un gran interés en la carrera de Camargo Guarnieri, en quien veía un compositor líder de las raíces brasileñas en contraposición al academicismo europeo. Luego de haber comenzado a incursionar en la música tradicional de su país y a pesar de haberse convertido en un nacionalista convencido, Mozart Camargo Guarnieri viajó a París dónde estudió y trabajó junto al francés Charle Koechlin, lo que le permitió absorber elementos de la cultura musical europea.Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial y vuelve a Brasil es invitado a viajar a Estados Unidos por la Unión Panamericana. De hecho, varios de sus trabajos los compuso en Nueva York, dónde obtuvo varios premios, incluyendo un prestigioso primer premio de la Philadelphia Free Library Fleischer Music Collection.Además de su gran importancia como compositor, Mozart Camargo Guarnieri tuvo un gran impacto en la educación musical de Brasil. En 1945 fue nombrado miembro vitalicio de la Academia Brasileña de Música y en 1960 fue nombrado director del Conservatorio Dramático y Musical de São Paulo.Como director, condujo las mejores orquestas europeas y americanas, y mantuvo un papel de primer nivel en las mejores organizaciones orquestales y corales de Brasil hasta su muerte el 13 de enero de 1993.Camargo Guarnieri ocupa un puesto central en el contexto de la música brasileña. Su influencia en varias generaciones de compositores brasileños nacionalistas es ampliamente aceptada y ha marcado la música culta de Brasil sin lugar a dudas. El atractivo universal de su estilo inconfundible surge principalmente de una mezcla sumamente personal de melodías y ritmos bajo la influencia de tradiciones brasileñas con un lenguaje musical de enfoque cosmopolita.Escuche "Sinfonía Nº 1" (Dedicada a Sergei Koussevitzky), "Obertura Festiva", "Sinfonía No.2, "Uirapuru", "Obertura Concertante" (Enérgico y ritmado) y la "Sinfonía N° 3" del maestro brasilero Mozart Camargo Guarnieri el lunes 09 de enero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"La mano hacia adelante, hombro, cabeza"... con letra simple, un ritmo pegadizo de 'funk' carioca y pasos de danza 'estilo TikTok', la canción "Pagodão do Birimbola" del grupo Os Quebradeiras ya se había viralizado en esa red social antes del Mundial.Y cayó en gracia a los jugadores, hasta colarse en las celebraciones de la goleada 4-1 que Brasil propinó a Corea del Sur el lunes, en los octavos de final. Una actitud que incomodó a más de uno, empezando por el excapitán del Manchester United Roy Keane, quien lo calificó como una falta de respeto hacia el rival.Rebosar de alegría"En Brasil bailamos para rebosar de alegría. Ante cualquier cosa, ya estamos bailando... está en nuestra esencia", explica a la AFP Raphael Carlos "RK", uno de los fundadores de Os Quebradeiras surgido en Niteroi, ciudad vecina de Rio de Janeiro.Sus cuatro integrantes, de entre 18 y 23 años, se divierten repitiendo el baile mientras graban videos para promover sus próximos 'shows' en una calle del barrio Tijuca de Rio, decorada para el Mundial.Vestidos con ropa deportiva verde y amarilla -los colores de Brasil-, Gustavinho, LC, RK y Zelé retuercen el torso y las caderas, con una amplia sonrisa. A sus espaldas, un grafiti con la caricatura del astro Pelé. A sus pies, otro de Vinicius Jr. con la inscripción "Baila, Vini".Esa frase se popularizó después de que en septiembre, el atacante fuera objeto de comentarios considerados racistas por celebrar bailando sus goles con su equipo del Real Madrid. El presidente de la Asociación Española de Agentes de Futbolistas le emplazó a "dejar de hacer el mono", comentario por el que se disculpó.El baile, "entrañado" en la cultura Por sus raíces africanas e indígenas, Brasil "está constituido por pueblos que siempre lidiaron con el mundo bailando. No solo para manifestar alegría, sino también dolor, tristeza. El cuerpo que baila está absolutamente entrañado en nuestra cultura", sostiene el historiador Luiz Antonio Simas.Y cree que la relación entre fútbol y danza, dos pasiones nacionales, va más allá. "La gran contribución de Brasil al fútbol fue el ritmo ('ginga'): la ocupación de los espacios vacíos. Gambetear es una forma de bailar", afirma.Mucho antes de la era TikTok, los brasileños ya eran especialistas en inventar coreografías, presentes en el meneo sensual de los grupos del género "axé" originarios de Bahia (noreste) en los años 1990, o el "passinho" depurado en los concursos de baile 'funk' en las favelas cariocas en la década siguiente. Sin contar las centenarias fiestas de carnaval donde desde siempre reina, frenética, la samba."Bailar es natural, naces aprendiendo a bailar en las fiestas familiares, siempre hay un funk tocando, siempre bailas", explica Gustavo Rosa, Gustavinho, otro miembro de Os Quebradeiras, de 18 años.Desde mucho antes de que él naciera, jugadores brasileños y latinoamericanos celebran los goles de sus clubes reproduciendo la danza de moda del momento, entre ellos Ronaldinho cuando anotaba por el Flamengo, Neymar por el Santos o Sebastián "el Loco" Abreu, en Botafogo.Explosión totalAtribuir el baile a una falta de respeto por el adversario "es un error. La danza es algo muy brasileño, precisan estudiar más nuestra cultura para entender mejor cómo son las cosas aquí", afirma Rosa. En Doha, el entrenador brasileño Tite respaldó la actitud de su plantel con argumentos similares."No voy a comentar sobre personas que no conocen la historia y la cultura de Brasil, nuestra forma de ser", afirmó Tite, quien ante Corea del Sur rompió su habitual compostura y se unió al festejo danzante con algún que otro movimiento después de un espectacular gol de Richarlison."Hay gente a la que le gusta quejarse cuando ve a otro feliz, y el brasileño siempre es muy feliz, por eso les molestamos", dijo Vinicius Jr. Os Quebradeiras esperan que la selección siga haciendo muchos bailes y traiga a casa el tan ansiado "hexa", su sexto título mundial.Y si es cuestión de soñar... que los jugadores los inviten a bailar juntos para celebrar el título. "Sería una explosión total", imagina Gustavinho. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lamentablemente, confirmamos esta información", dijo a la AFP el responsable de prensa, sin especificar las causas del deceso.Gal Costa tuvo que cancelar un concierto en el festival Primavera Sound de Sao Paulo el pasado fin de semana tras ser intervenida quirúrgicamente en septiembre para extirparle un nódulo de la cavidad nasal. Tenía un hijo adoptivo de 16 años.Nacida en Salvador de Bahía y reconocida por su melena castaña y su sonrisa seductora, fue una de las principales figuras del movimiento tropicalista a fines de la década de 1960, junto con otros cantantes legendarios como Gilberto Gil y Caetano Veloso."Estoy muy conmovido y entristecido por la muerte de mi hermana Gal Costa", tuiteó Gilberto Gil, de 80 años."Gal Costa fue una de las más grandes cantantes del mundo, una de las principales artistas que llevó el nombre y el sonido de Brasil por todo el mundo (...) Nuestro país está perdiendo una de sus grandes voces", reaccionó, por su parte, el presidente electo Luiz Inácio Lula da Silva en Instagram.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor brasileño, ganador de dos premios Grammy y diez Grammy Latino, sigue siendo una de las voces más presentes en la música brasileña en las últimas décadas, desde el auge de la bossa nova.Caetano ha llegado a ser comparado con el Nobel de Literatura Bob Dylan por la lírica y el nivel intelectual de sus canciones, compartió escenario con grandes como Pavarotti y fue reverenciado por Madonna o por Almodóvar, quien llevó su voz a varios de sus filmes.Tras ocho décadas de vida y más de 50 años de trabajo artístico, los homenajes no se han hecho esperar.Desde un recopilatorio de sus canciones hasta una biografía "poco convencional" hacen parte de la fiesta editorial que se ha lanzado en su honor, algo que el artista complementará este domingo con un concierto "íntimo" y familiar en vivo para todo Brasil, en el que participarán sus tres hijos y la también reconocida Maria Bethânia, su hermana.Cinco décadas de música El cantautor, que también ha sobresale como productor musical, comenzó en 1965 su carrera profesional con el compacto "Cavaleiro/Samba em Paz" y en 1967 con el disco "Domingo", cuyo éxito le permitió conocer a su ídolo y padre de la bossa nova, João Gilberto, con quien trabajó en varios proyectos.Conocido por un repertorio de alto valor lírico e intelectual, Caetano ha publicado 53 discos, entre ellos trece de estudio, el último de ellos, "Meu Coco", publicado en 2021, además del álbum en español "Fina Estampa", con el que afianzó su presencia en Latinoamérica.En los últimos años, el compositor venía trabajando con sus hijos Moreno, Zeca y Tom, que heredaron su pasión por la música, una colaboración que dio vida a "Ofertório" (2018).La música no fue su primera opción A Caetano la música le corre en las venas por la cadencia propia de la región de Bahía, donde la herencia africana retumba en los tambores que honran a los 'orixás' (dioses) del candomblé y la umbanda.El sincretismo cultural vigente desde siglos atrás y que experimentó desde los primeros años en la pequeña Santo Amaro da Purificaçao, ciudad que lo vio nacer, ha sido una fuerte influencia para el cantautor, así como el cine de Fellini, los textos de Clarice Lispector y el existencialismo de Sartre.Aunque ya tocaba los primeros acordes a los 5 años y grabó su primera canción a los 10 -sólo para su familia- Caetano no se veía como músico por su falta de destreza con la guitarra, por lo que llegó a pensar en dedicarse a la pintura o en ser profesor."A diferencia de todos los artistas de su generación, él quedó arrebatado con 'Chega de saudade' de João Gilberto, pero no entró inmediatamente en la música (...) por esa inseguridad de no poder dominar ningún instrumento y menos aún el de su ídolo: la guitarra", dijo a Efe Tom Cardoso, autor de "Outras palavras: seis vezes Caetano", una de las obras lanzadas este mes en su honor.Entonces era el año de 1965, la dictadura militar acababa de imponerse en Brasil y los tiempos de sicodelia, paz y amor tuvieron que enfrentarse a la represión.Bajo esa coyuntura conoció a Gilberto Gil, que según narró Cardoso, en esa época ya sobresalía por sus habilidades con la guitarra y fue pieza clave para que Caetano diera el salto a la música tras enseñarle a defenderse con el instrumento.De ahí nacería una amistad indestructible que compartió la cárcel y hasta el exilio en Londres, que dio forma a la Música Popular Brasileña (MPB) y lideró el Tropicalismo, un movimiento cultural que fue más allá de la música y que integró estilos diversos y vanguardistas, pero siempre con las raíces brasileñas presentes.Polémico y contradictorioPara este escritor, Caetano es "una figura fundamental" de la cultura brasileña que "ha ido más allá" de la esfera musical y se ha caracterizado por ser polémico y contradictorio, un carácter que ha levantado polvaredas en el país."Caetano se contradice todo el tiempo", porque "sabe que las cosas cambian", que "no todo es una verdad absoluta", asegura el autor.Crítico con la dictadura, pero también con la izquierda, ahora se ha posicionado claramente contra las políticas del presidente Jair Bolsonaro e incluso en su último disco "deja un recado del retroceso que se vive en Brasil".escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La forza del destino (título en italiano) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino, del escritor español Ángel de Saavedra, duque de Rivas. Verdi estrenó esta ópera en el Teatro Bolshói Kámenny (luego Teatro Mariinski) de San Petersburgo, Rusia, el 10 de noviembre de 1862.Le contamos cuál es el argumento del primer acto de esta ópera. Luego de la obertura, la cual da a conocer de antemano el carácter trágico de la obra, la escena se ubica en un salón en la residencia del Marqués de Calatrava, en SevillaDon Álvaro, peruano de sangre inca, está enamorado de Leonora di Vargas. Ella ha aceptado su oferta de matrimonio, pero su padre, el Marqués de Calatrava, desprecia a Álvaro por ser mestizo y ha ordenado a Leonora que no vuelva a verlo nunca más. Los amantes deciden fugarse, pero la noche de su planeada huida son descubiertos por el Marqués.Les acusa de conducta vergonzosa. Asumiendo toda la culpa, Álvaro arroja su pistola y presenta su pecho desnudo a la espada del anciano noble. Sin embargo, cuando la pistola golpea el suelo, explota y hiere mortalmente al Marqués, quien muere maldiciendo a su hija.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la escena 1, “Una posada en Hornachuelos”, una multitud heterogénea se arremolina en la planta baja de la posada. El hermano de Leonora, Don Carlo, disfrazado de estudiante, se sienta apartado de la multitud. Decidido a vengar la muerte de su padre, busca a su hermana y a su amante. La propia Leonora, vestida de hombre, aparece en el salón de arriba.Ha huido de Sevilla a esta hospedería de la montaña; está sola y desesperada, habiendo perdido todo rastro de don Álvaro desde la noche fatal. Su inquietud aumenta cuando reconoce a su hermano. Oye por casualidad sus amenazas de venganza. Mientras tanto, Preziosilla, una gitana, insta a todos los hombres a ir a Italia y unirse a la lucha contra los austríacos.Luego, en la segunda escena, “Monasterio de Hornachuelos”, Leonora ha llegado a la puerta del monasterio, donde, arrodillada bajo la luz de la luna, reza por la protección de la Virgen. Llama a la puerta; Fray Melitone responde, y en respuesta a las súplicas de Leonora llama al abad, el padre Guardiano. Leonora lo confiesa todo y le pide permiso para llevar vida de ermitaño en una de las cuevas cercanas. Éste le propone un claustro, pero Leonora se mantiene firme y, finalmente, conmovido por la devoción de la mujer, Guardiano da su consentimiento.A continuación, en la tercera escena las puertas de la capilla del monasterio se abren de par en par, revelando el gran altar brillantemente iluminado. Los tonos profundos del órgano se unen a la solemne súplica de los monjes arrodillados y del padre Guardiano, quien ruega que una maldición caiga sobre cualquier persona que alguna vez se entrometa o intente averiguar la identidad de este extraño.Entonces Guardiano le ordena a Leonora, ya vestida con el hábito de monje, que se vaya a su retiro en la montaña; allí nadie la molestará, porque estará bajo la protección del monasterio. Se arrodilla agradecida ante el santuario de la Virgen y canta, junto con los santos hombres, la hermosa oración "La Vergine degli angeli".La versión de La forza del destino que escucharemos en la señal en vivo de la HJCK está protagonizada por Leontyne Price, en el papel de Leonora; Plácido Domingo, en el rol de Don Álvaro; Sherrill Milnes, interpreta a Don Carlo di Vargas; Fiorenza Cossotto, como Preziosilla; Bonaldo Giaiotti, en el papel del Padre Guardiano; Gabriel Bacquier, como Fray Melitone; Michel Sénéchal, en el rol de Trabuco; Kurt Moll, como el Marqués de Calatrava.Además participan Gillian Knight, como Curra; Malcolm King, como el alcalde de Hornachuelos; William Elvin, en el rol de un cirujano y Valerie Hill, en las líneas de una mujer campesina. Los acompañaron los Coros John Alldis y la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de James Levine.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 10 de noviembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"Fue un choque cultural", dice este enamorado de Francia. Sekiguchi se instaló en el país europeo poco después de cumplir 20 años, para convertirse en organero, con la esperanza de trabajar en este instrumento viejo de tres siglos, cuyos 8.000 tubos fueron desmontados tras el incendio de abril de 2019."Quería venir a Francia porque es aquí donde ocurre todo. Pero cuando se lo anuncié a mi familia, pensaron que estaba un poco loco", recuerda, en un francés impecable, este nativo de Sendai, en el noreste de Japón. Cinco años después, el instrumento más grande de Francia no tiene secretos para él.Próximo a cumplir 54 años, es uno de los pocos artesanos que, al caer la noche, realizan minuciosos ajustes para que el gran órgano recupere su timbre original, antes de la reapertura de Notre Dame el 7 de diciembre.Un sueño truncadoEn 2018 Itaru había alcanzado su "Santo Grial" al convertirse en el organero oficial de la catedral, responsable de su mantenimiento diario. Este monumental instrumento tiene la altura de un edificio de cuatro pisos y una longitud de 12 metros. "Era mi sueño, me permitió conocer mejor el instrumento", cuenta el japonés, radicado en Corrèze desde hace 25 años.Tres semanas al mes, Itaru verificaba la afinación del gran órgano, respetando las limitaciones de uno de los lugares más visitados de Francia. "El tiempo es muy limitado", explica. "Hay que trabajar de noche, porque de día no se puede molestar a los turistas y además se necesita un silencio absoluto para afinar".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Temí por el órgano" Pero el sueño estuvo a punto de truncarse definitivamente. Un año después de su nombramiento, el incendio devastó la catedral y afectó la vida de Itaru, quien perdió su empleo. Su único consuelo fue que el gran órgano no fue alcanzado por las llamas."Temí por el órgano, porque durante la noche no sabíamos, teníamos información contradictoria, fue angustiante", comenta, convencido de que un daño mayor habría sido irreversible. "Hoy en día no seríamos capaces de construir algo igual".Aunque no fue directamente afectado por el incendio, el gran órgano sufrió sus consecuencias. Residuos de plomo se infiltraron en su estructura, y el incendio provocó temperaturas extremas, debilitando esta estructura hecha en un 80% de madera.Por tercera vez en su larga historia, después de 1990 y 2014, el gran órgano tuvo que ser casi completamente desmontado para ser puesto a salvo, antes de ser minuciosamente reensamblado a partir de 2023, a medida que avanzaban los trabajos en la nave.Tres talleres de organeros han sido movilizados para esta gran obra en la que flota una pregunta crucial: ¿sonará el instrumento, central en la liturgia de Notre Dame, como antes?"Dar con el timbre es muy difícil. Un tubo puede sonar de mil maneras diferentes", explica Olivier Chevron, organero que llamó a Itaru Sekiguchi para realizar esta tarea junto a otros artesanos.La labor es tan específica que los organeros fabrican ellos mismos sus herramientas, algunas de las cuales ni siquiera tienen nombre, y dependen tanto de su habilidad como de su subjetividad."Es difícil describir el sonido del gran órgano. Para mí, tiene el color sonoro de la catedral; es un instrumento cálido, no tenso ni agresivo", comenta Bertrand Cattiaux, organero encargado de su mantenimiento en Notre Dame durante mucho tiempo, hasta que contrató a Itaru a principios de los años 2000.Para recuperar el sonido del gran órgano Itaru también recurre a "sus recuerdos" y, pese a la magnitud de la tarea, disfruta de la responsabilidad de cuidar de un emblema del patrimonio francés. "Es un gran honor pero también una gran carga y responsabilidad", resume. "Es simplemente increíble".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 2016, Donald Trump sorprendió por primera vez a los expertos políticos y encuestadores al vencer a Hillary Clinton y convertirse en presidente de los Estados Unidos. Eso provocó una reacción cultural. Muchos artistas de Hollywood convirtieron sus herramientas creativas en armas de resistencia para atacar a Trump y su visión del mundo.Alec Baldwin interpretó a Trump como presidente en el programa de televisión "Saturday Night Live" y ganó un Emmy por ello. Otro Emmy fue para "The Handmaid's Tale” ("El cuento de la criada”), una adaptación televisiva de la novela de Margaret Atwood del mismo nombre sobre una dictadura distópica de Estados Unidos, ejercida por la extrema derecha cristiana, una historia que de repente se sintió aterradoramente premonitoria.También se exhibieron obras críticas sobre Trump de artistas mujeres con títulos como "Uprise / Angry Women” ("Rebelión / Mujeres enfadadas”. Trad. de la Red.) y "One Year of Resistance” ("Un año de resistencia"). El arte parecía alimentarse de los movimientos políticos progresistas de la época, y a su vez alimentarlos, en particular, #MeToo y #BlackLivesMatter.Pero esta vez todo eso podría ser diferente.La victoria de Trump sobre Kamala Harris fue contundente. En el colegio electoral obtuvo todos los estados indecisos, y triunfó incluso con mayoría del voto popular, siendo el primer candidato republicano en lograrlo desde George W. Bush, en 2004, por lo cual cualquier crítica a él y a sus votantes, sería como condenar todo el concepto de democracia estadounidense.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTemores de recortes en la financiaciónEn su primer mandato, Trump intentó retirar los fondos federales para las artes. Tanto su presupuesto de 2018 como el de 2021 incluían propuestas para reducir el presupuesto de la Corporación para la Radiodifusión Pública (CPB). En 2021 Trump sugirió que, en lugar de los 445 millones de dólares asignados a la CPB, el Congreso debería reservar solo 30 millones de dólares, y eliminar el Fondo Nacional para las Artes.A muchos en los medios de comunicación estadounidenses les preocupa que Trump cumpla con las amenazas hechas durante la campaña de que pondría a la Comisión Federal de Comunicaciones bajo su control personal, y revocaría las licencias de transmisión de las cadenas de televisión que lo critican."Es un hombre que habla de venganza, y a su juicio Hollywood no ha sido benévolo con él", dijo Dean Devlin, productor de éxitos de taquilla como "Día de la Independencia”. "Creo que él podría vengarse”.¿Influye realmente el activismo de los artistas en los votantes?Kamala Harris obtuvo fácilmente el respaldo de la primera línea del sector creativo y cultural. Su lista de patrocinadores famosos incluía a Scarlett Johansson, George Clooney, Madonna, Beyoncé y Taylor Swift. El apoyo artístico de Trump fue decididamente de clase "C": Hulk Hogan y Jon Voight, Kelsey Grammer y Dennis Quaid, Kid Rock y el YouTuber Jake Paul. Pero Trump ganó, de todos modos.Todavía hay muchas personas creativas que luchan contra la ola MAGA (Make America Great Again). La actriz Jamie Lee Curtis publicó en su página de Instagram, tras confirmarse los resultados del martes, que la victoria de Trump significa "un regreso seguro a una época más restrictiva, algunos temen que sea draconiana.” Pero animó a los estadounidenses: "Levántate y Lucha. Lucha por las mujeres, nuestros hijos y su futuro. Lucha contra la tiranía, un día a la vez", escribió.Si el primer mandato de Trump como presidente estuvo marcado por una oleada de películas de mensajes políticos y series de activismo social, su segunda era podría resultar más escapista, con creadores poco dispuestos a criticarlo directamente a él o a su política, por temor a contrariar a más de la mitad del país.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Defensor por los derechos y libertades individuales, reconoció el impacto que ya tiene la IA y vaticinó que se multiplicará en todos los procesos productivos y de la información.En un futuro "habrá que plantearse cómo hacer frente a los problemas que representará para las sociedades esta nueva tecnología", declaró hoy en la ciudad española de León (noroeste) con motivo de una exposición sobre parte de su obra que comienza este sábado en el Museo de Arte Contemporáneode Castilla y León (Musac), ubicado en esa localidad.Derechos y libertadesA este respecto, el disidente chino y exiliado reconoció que el desarrollo tecnológico es muy rápido y pidió que no solo sirva para destruir, sino que "se utilice en beneficio de la sociedad".Con el título 'Ai Weiwei. Don Quixote', reúne cuarenta y cuatro obras en 1.700 metros cuadrados, algunas de gran formato, otras realizadas con bloques de construcción (tipo LEGO o WOMA) y películas en las que trata temas como la libertad de expresión, las crisis migratorias y la defensa de los derechos humanos.La exposición destaca por sus dimensiones y ha sido concebida especialmente para las salas del Musac, que por su tamaño permiten albergar algunas de las obras más monumentales de Ai Weiwei.El artista ha mostrado su gratitud a las instituciones que han hecho posible el montaje de esta gran muestra que "solo es posible en un escenario con la dimensión, espacio y belleza del Musac", reconoció.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDon Quijote y MaoPara encontrar el origen de 'Don Quixote', título a la muestra, hay que retroceder a la infancia de Ai Weiwei, cuando su padre, el poeta Ai Quing, también represaliado por el gobierno chino, tuvo entre sus libros una edición de la obra maestra de Miguel de Cervantes, que el artista recuerda por su bella portada e ilustraciones y la breve introducción a la historia que su padre le hizo.La extravagante pareja formada por Don Quijote y Sancho Panza despertó su imaginación infantil y le insinuó que se podía concebir todo un mundo de fantasía, más allá de la doctrina maoísta que dictaba que todo se ajustase a la lógica y la racionalidad.Ai Weiwei reconoció hoy su fascinación por Don Quijote, "un personaje fantástico que actuaba de forma particular, pero cuya identidad no está anclada a la realidad", un principio que ha marcado su carrera como artista.También se pueden ver diez películas que resumen la obra de Ai Weiwei en cine y videoarte, además de obras realizadas con piezas de juguete LEGO, con las que el artista propone un desafío audaz a la pintura tradicional bidimensional.Unas de las piezas estrella es la 'Comedia humana' (2017-2021), que se expone por primera vez en un museo. Con más de ocho metros de altura y 2.700 kilos de peso, es uno de los candelabros de Murano de mayor tamaño realizados nunca y surge de las reflexiones del artista sobre el humanismo y la humanidad, así como de su defensa de la libertad de expresión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 9 de noviembre de 1989 marcó un vuelco en Berlín, en el plano político y cultural. La década siguiente influyó en forma determinante en la imagen de la ciudad. A esa etapa está dedicada, 35 años después de la caída del Muro, la exposición fotográfica "Sigue soñando: Berlín, los años 90”.Las fotos, de la agencia Ostkreuz, fueron tomadas entre el 9 de noviembre de 1989 y el año 2002. Reflejan desde la euforia de la noche aquella en que cayó el Muro, hasta el escepticismo ante los cambios que se produjeron luego. Se ven batallas callejeras entre la policía y personas que ocupan viviendas vacías, trabajadores que construyen nuevos edificios, políticos, gente de negocios e imágenes del incipiente movimiento de música electrónica.El mito de BerlínEn esa década surgió el mito de Berlín como foco de creatividad e innovación. La ciudad se convirtió en escenario global de la música tecno y de fiestas inacabables. Pero era también la época del cambio político, en que se desmoronó el sistema de la RDA y Alemania volvió a unirse.La vida de mucha gente cambió radicalmente. Hubo un permanente tira y afloja en torno a qué definía a Berlín. Hoy en día es, ante todo, la segunda ciudad más cara de Alemania. Algunos creen que ha sido víctima de su propio atractivo, ya que los inversionistas ganan dinero a costa de su aura bohemia y destruyen inevitablemente lo que una vez hizo posible ese ambiente especial. Por fuertes que sean hoy las tensiones, estas ya eran perceptibles inmediatamente después de la caída del Muro, como evidencia la exposición.La mirada de los jóvenesLa fotógrafa Annette Hauschild, una de las curadoras de la muestra, indicó que las diferentes experiencias vividas en la ciudad fueron decisivas para la selección de las fotos. "El tema de los años 90 interesa sobre todo a los jóvenes, es decir, prácticamente a la generación que acababa de nacer entonces, y debemos mostrarles ese tiempo a ellos”, indicó a DW.Algo que fascina a la gente joven son las fotos de encuentros de hackers de entonces, con computadoras hoy obsoletas. También les interesa la escena musical tecno de la época. Annette Hauschild se estableció rápidamente como cronista de ese mundo. Su fotografía de los participantes en la segunda Love Parade, de 1990, es una de las imágenes clave de la exposición. Detrás de la gente bailando se ve un edificio de Berlín Occidental con andamios. Es un recordatorio de que la reinvención de Berlín tras la caída del Muro tuvo lugar en ambas partes de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn caso paradigmáticoPero, en los hechos, la mayoría de los cambios tuvieron lugar en Berlín oriental. Entre los proyectos más conocidos que surgieron allí tras el derrumbe del socialismo se cuenta el centro de arte Tacheles. El edificio de una antigua multitienda, abandonado y cada vez más deteriorado, fue ocupado por artistas. Se crearon estudios, salas de exposición, un cine y un bar con música en directo."Tacheles es el prototipo de un recinto ocupado, del que luego emanó mucha cultura en todas las direcciones posibles, y, sobre todo, una cultura que no necesitaba dinero”, dice Hauschild. "El dinero estaba casi mal visto. Si alguien lo conseguía, si alguien vendía sus obras por mucho dinero o era comercial, ya no se le consideraba tan bueno”, relata.En 2012, el centro cultural fue desalojado. Hoy hay allí un edificio con oficinas, viviendas de lujo, cadenas de tiendas y una sucursal del centro fotográfico sueco Fotografiska.La exposición aspira a ser más que una retrospectiva nostálgica. Hauschild y su cocurador, Boaz Levin, quieren deconstruir el mito de Berlín. "Porque esta imagen de la ciudad de fiesta que quizá fue una vez, con todos los espacios disponibles, puede ayudar al turismo y al marketing; pero lo que ha ocurrido entretanto es que la ciudad simplemente ya no es accesible para todo el mundo”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.