La vida y obra de Arthur Rimbaud desafían las categorías convencionales: fue un visionario precoz, un enfant terrible de la poesía que, antes de cumplir los veinte años, ya había desmantelado las formas poéticas tradicionales, y, sin embargo, abandonó la escritura a una edad en la que muchos apenas empiezan a dominarla. Rimbaud es un enigma, un alquimista del lenguaje que transformó el caos interior en versos luminosos y sombríos a la vez. Nacido en Charleville en 1854, la vida de Rimbaud estuvo marcada por un deseo constante de huir, de trascender los límites impuestos por la sociedad, el cuerpo y la razón. Era un joven prodigio de una inteligencia desbordante, y su desdén por la educación formal y las normas burguesas lo llevó a buscar la libertad en lo extremo. A los dieciséis años, ya había escrito algunos de los poemas más innovadores de la época, desafiando las convenciones métricas y temáticas con un ímpetu devastador. Fue en esta etapa cuando conoció a Paul Verlaine, con quien mantuvo una relación tan tempestuosa como fértil para la creación literaria.Rimbaud consideraba la poesía como una vía hacia la revelación, una forma de acceder a verdades ocultas, y para ello el poeta debía convertirse en un "vidente". En su célebre carta del 13 de mayo de 1871, escribe: "El poeta se hace vidente mediante un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos". Este acto de desarreglo era, para Rimbaud, la clave para romper con la percepción habitual del mundo, abrir la mente a lo inefable y acceder a una visión ampliada, no contaminada por la lógica común. A través de este proceso de autodestrucción y autotrascendencia, esperaba captar lo sublime. No es de extrañar, entonces, que en su obra se perciba una constante tensión entre lo divino y lo terrenal, lo sagrado y lo profano. Obras como Una temporada en el infierno (1873) e Iluminaciones (1886) revelan esa búsqueda febril. Una temporada en el infierno es, en gran medida, una confesión desgarradora y un ajuste de cuentas consigo mismo. Escrito tras su ruptura con Verlaine, el texto es un collage de desesperación, arrepentimiento, pero también de desafiante arrogancia. Rimbaud se lanza de cabeza a los abismos de su alma y emerge con imágenes fragmentadas y contradictorias que revelan su dolorosa consciencia del fracaso personal y poético: "Yo solo tengo una verdad, y es que no valgo nada".Pero si Una temporada en el infierno es el canto de un alma que se retuerce en sus contradicciones, Iluminaciones es el momento en que el poeta logra trascender lo humano y lo cotidiano para acceder a una suerte de visión cósmica. En esta colección, Rimbaud juega con el lenguaje como si de un material plástico se tratara, modelando paisajes, sensaciones y seres que parecen surgir de una dimensión diferente. Los poemas en prosa de Iluminaciones desafían cualquier intento de clasificación, combinando imágenes oníricas, violentas, urbanas y místicas que evocan la vida moderna con una intensidad que preludia las vanguardias del siglo XX. Algunos críticos han visto en estos textos una prefiguración del surrealismo, del simbolismo y de la poesía moderna en su conjunto. Yves Bonnefoy, uno de los más grandes poetas y ensayistas del siglo XX, lo expresó de esta manera: "Rimbaud destruyó las bases de la poesía anterior y nos abrió un espacio de libertad que no ha dejado de expandirse".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. Rimbaud siempre buscaba lo absoluto, lo inalcanzable. Esa búsqueda lo llevó a abrazar la contradicción y a moverse en los márgenes de la lucidez y la locura. Era un poeta que quería verlo todo, sentirlo todo, y esta urgencia se tradujo en un lenguaje capaz de contener esa visión totalizadora. Fue un radical, un revolucionario en el sentido más profundo de la palabra, que entendió la poesía como un arte de la provocación y del descubrimiento. Sin embargo, en el punto culminante de su carrera, a los diecinueve años, Rimbaud dio la espalda a la poesía. El joven que había dinamitado los fundamentos de la lírica occidental decidió, misteriosamente, callar. Dejó atrás Europa, la literatura y su identidad como poeta para aventurarse en una vida de viajes erráticos, negocios fracasados y finalmente un exilio en África. Murió a los treinta y siete años. La razón de este abandono sigue siendo un misterio, pero algunos han sugerido que su sed por lo absoluto ya no podía satisfacerse con la palabra. El legado de Rimbaud, aunque breve, es incalculable. Su obra, en palabras de Octavio Paz, "abre las puertas de la modernidad". Su impacto no radica solo en lo que escribió, sino en cómo lo escribió: con la valentía de quien no teme al caos ni a la aniquilación, porque solo desde esos extremos es posible encontrar lo esencial. Rimbaud no es un poeta para ser comprendido en un sentido convencional; es una fuerza que debe experimentarse, una voz que resuena en lo más profundo de nuestra conciencia, desafiando y revelando nuevas formas de ver y sentir el mundo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La academia considera que la obra de Han Kang se caracteriza por una doble exposición del sufrimiento -como tormento mental y físico- y por sus conexiones con el pensamiento oriental.Hang Kang nació en 1970 en Gwanju, pero se trasladó con su familia a Seúl a los 11 años. Es graduada en literatura coreana y aunque debutó como poeta se hizo conocida ante todo como narradora.En 1994 ganó, con su narración "Vela roja", el premio del diario Seouk Shinmun y a partir de ese momento publicó varios libros con narraciones.En 2016 ganó, junto con su traductora al inglés, Deborah Smith, el premio Man Booker International por su primera novela, titulada "La vegetariana".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otra de sus novelas, "Blanco" también estuvo entre las candidatas al mismo galardón y "Obra humana" obtuvo el Premio Malaparte en Italia.En La vegetariana el personaje central, un ama de casa coreana, empieza por convertirse en vegetariana, luego trata de eliminar todos los productos animales de su vida y termina por soñar con una vida como planta.El premio de Literatura, como el resto de los galardones Nobel, se entrega el 10 de diciembre, aniversario de la muerte del fundador de estas distinciones, Alfred Nobel.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada año, el mundo literario se llena de especulaciones acerca de quién será el próximo laureado con el Premio Nobel de Literatura. Este galardón, otorgado por la Academia Sueca desde 1901, ha reconocido a escritores de todo el mundo por sus contribuciones a la literatura y su impacto cultural. En 2024, el abanico de candidatos es amplio y diverso, reflejando la pluralidad de voces que hoy conforman la literatura contemporánea. A continuación, exploraremos algunos nombres que podrían ser considerados para este prestigioso reconocimiento.Haruki Murakami El eterno candidato al Nobel, Haruki Murakami, sigue siendo una de las apuestas favoritas de críticos y lectores. Con su estilo único que combina realismo mágico, existencialismo y referencias culturales contemporáneas, ha capturado la imaginación de lectores de todo el mundo. Obras como Tokio Blues y Kafka en la orilla le han dado un lugar privilegiado en la literatura moderna. Ngũgĩ wa Thiong'oUno de los autores más importantes de África, Ngũgĩ wa Thiong'o ha sido postulado en numerosas ocasiones como posible ganador. Su trabajo en defensa de las lenguas africanas y su lucha por descolonizar el pensamiento literario lo han convertido en un referente en la literatura postcolonial. Libros como El diablo en la cruz y Descolonizar la mente exploran los temas del imperialismo, la resistencia cultural y la identidad africana, consolidándolo como una voz poderosa en la literatura mundial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Margaret AtwoodLa canadiense Margaret Atwood, célebre por su novela El cuento de la criada, ha sido otra de las grandes voces contemporáneas que ha estado en la conversación para el Nobel en años recientes. Su habilidad para tejer narrativas distópicas con fuertes implicaciones sociales y feministas ha sido aclamada tanto en el ámbito literario como en la cultura popular. Además, su versatilidad como poeta, ensayista y novelista la convierte en una autora integral, capaz de abordar temas universales con una sensibilidad única.Isabel Allende La escritora chilena también resuena para el Nobel ya que su trayectoria es fundamental para la historia de la literatura en América Latina y el mundo. Obras como La casa de los espíritus abrió una puerta para el realismo mágico en su escritura y su libro Paula explora los caminos del duelo y la soledad de una manera conmovedora. Mia CoutoMia Couto, conocido por su prosa poética que combina mitología africana, realismo mágico y crítica social, es uno de los autores más destacados de África. Obras como Tierra sonámbula lo han consolidado como una voz ineludible en la literatura contemporánea. Anne CarsonLa poeta y ensayista canadiense Anne Carson ha sido mencionada en numerosas ocasiones como una posible ganadora del Nobel. Su estilo innovador, que fusiona géneros y referencias clásicas con una sensibilidad contemporánea, la ha convertido en una de las voces más influyentes de la poesía anglosajona actual. Obras como Autobiography of Red y Nox desafían las convenciones de la forma poética, lo que podría ser altamente valorado por un jurado que ha demostrado un gusto por premiar la experimentación y la ruptura de fronteras literarias.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Jean-Paul Sartre, uno de los intelectuales más influyentes del siglo XX, nació el 21 de junio de 1905 en París, en el seno de una familia de clase media acomodada. Desde temprana edad, Sartre mostró un interés profundo por la literatura y la filosofía, influenciado por la vasta biblioteca de su abuelo Charles Schweitzer, un profesor de alemán. Este entorno le permitió desarrollar una pasión por los libros, que más tarde se vería reflejada en su obra literaria y filosófica.Sartre estudió en la École Normale Supérieure, una prestigiosa institución en la que compartió su tiempo con otros grandes pensadores de la época. Allí conoció a Simone de Beauvoir, quien se convertiría en su compañera de vida y en una influencia clave en su pensamiento, aunque mantuvieron una relación abierta poco convencional para la época. Sartre y Beauvoir no solo compartieron un vínculo romántico, sino que también desarrollaron un diálogo filosófico constante. Aunque nunca se casaron ni vivieron juntos, mantuvieron una colaboración intelectual profunda y mutuamente estimulante a lo largo de sus vidas. Beauvoir, con su agudo pensamiento feminista y existencialista, influyó en Sartre y viceversa, creando una de las alianzas filosóficas más fructíferas del siglo.Uno de los episodios fundamentales en la vida de Sartre fue su servicio militar en 1939 durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue capturado por los alemanes y pasó casi un año como prisionero de guerra. Durante su cautiverio, Sartre continuó escribiendo y reflexionando, y fue en esta época cuando desarrolló muchas de las ideas que darían forma a su pensamiento existencialista. Una vez liberado, se involucró activamente en la resistencia francesa contra el nazismo y, tras la guerra, se dedicó a criticar duramente las injusticias políticas y sociales de su tiempo.Inspirado por filósofos como Edmund Husserl y Martin Heidegger, Sartre desarrolló su propia corriente filosófica, el existencialismo, que planteaba que el ser humano está condenado a ser libre. En su obra seminal El ser y la nada (1943), Sartre explora la noción de que la existencia precede a la esencia, es decir, que los seres humanos no están definidos por una naturaleza predeterminada, sino que deben crear su propio significado a través de sus elecciones y acciones. Esta idea revolucionaria resonó fuertemente en una Europa devastada por la guerra, que buscaba reconstruir no solo ciudades, sino también valores humanos.Otro de los aspectos cruciales de su pensamiento fue el concepto de la "mala fe", que describe cómo las personas se engañan a sí mismas para evitar enfrentar la angustia de la libertad absoluta. Sartre argumentaba que las personas a menudo adoptan roles sociales o normas predefinidas para evitar la responsabilidad de sus propias decisiones, negando así su libertad fundamental. Esta idea fue ilustrada en su famosa obra de teatro A puerta cerrada (1944), donde tres personajes se enfrentan al infierno de la condena mutua en un espacio cerrado, sin escapatoria física o emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A pesar de su éxito literario y filosófico, Sartre fue un hombre de acción, comprometido con las luchas políticas de su tiempo. Fue un crítico vocal del colonialismo, apoyando movimientos de independencia en países como Argelia y Vietnam. Sus opiniones políticas lo llevaron a unirse al Partido Comunista durante un tiempo, aunque más tarde lo abandonaría por diferencias ideológicas. Sartre mantuvo una postura política cercana al marxismo, pero siempre defendiendo la autonomía del individuo.Algunas de sus obras más destacadas incluyen la novela La náusea (1938), donde el protagonista, Antoine Roquentin, experimenta una repulsión existencial hacia la banalidad de la vida cotidiana, reflejando las ideas filosóficas que Sartre desarrollaría más tarde en su obra filosófica. También es conocido por sus escritos en El existencialismo es un humanismo (1946), donde defendió su filosofía de las críticas, argumentando que la libertad humana, lejos de ser nihilista, implicaba una responsabilidad ética hacia los demás.La relación entre Sartre y Simone de Beauvoir fue igualmente fundamental para su producción intelectual. Ambos compartieron una visión del amor y de la vida que rompía con las convenciones sociales de la época. Su relación, a menudo descrita como una "relación necesaria", les permitió explorar sus identidades como individuos sin las limitaciones de la monogamia tradicional. Sartre alentaba a Beauvoir a explorar su propio pensamiento, y ella, con obras como El segundo sexo (1949), se convirtió en una de las voces más importantes del feminismo del siglo XX. Ambos compartían la idea de que la libertad es el valor supremo, y que los seres humanos están constantemente obligados a confrontar las limitaciones de sus elecciones.Jean-Paul Sartre recibió el Premio Nobel de Literatura en 1964, pero lo rechazó, argumentando que no deseaba ser "institucionalizado" ni reconocido por una autoridad que él consideraba burguesa y conservadora. Este gesto fue coherente con su vida de compromiso radical y rechazo a las jerarquías establecidas.Sartre murió el 15 de abril de 1980 en París, dejando un legado que continúa siendo estudiado y debatido. Su pensamiento sigue influyendo en diversas disciplinas, desde la filosofía hasta la literatura, la psicología y las ciencias sociales. Su vida fue una constante interrogación sobre la libertad, la responsabilidad y la autenticidad, y su obra un espejo de las tensiones de su tiempo, tanto políticas como existenciales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El oráculo de Pandora surge con la imagen de una escultura alojada en el museo de Louvre en París, es Psique revivida por el beso de Amor del artista italiano Antonio Canova, esta pieza me conmovió profundamente, la delicadeza con la que fue tallada y el sentimiento que emana me llevó a conocer la historia de sus protagonistas.Tras leer el mito de Psique y Cupido, decidí plantear la idea de contar historias de la mitología griega (un tema que me apasiona) relacionándolas con el arte y la cultura pop. Así se empezó a crear esta criatura que ahora es el primer video podcast en la HJCK.Tomamos ocho mitos de la cultura griega para empezar con la primera temporada, ocho historias que son pilares para la fundación del mundo según esta civilización. Cada episodio está combinado con obras de arte del mito que se está contando ya que estos han sido representados de manera numerosa en el mundo del arte.Como debemos empezar por el principio, el primer capítulo abre la temporada con el origen del mundo y de los dioses olímpicos, de allí parten el resto de historias de la primera temporada.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El origen del nombre de este video podcast es la combinación de dos elementos fundamentales para la historia, en primer lugar, el oráculo que es el lugar a donde los mortales iban para escuchar las profecías y por supuesto, Pandora, la primera mujer que pisó la tierra y que por curiosidad abrió una caja misteriosa.En cada capítulo de este formato hablamos de diferentes escultores y artistas que han representado de manera perfecta los mitos, también comparamos algunas versiones de los mismos ya que han sido escritos desde diferentes tiempos y perspectivas, como el mito de Medusa.Así que invitamos a todos para que estén pendientes del estreno de “El oráculo de Pandora”, el próximo jueves 10 de octubre a las 6:00 p.m. en hjck.com y en Spotify.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hace 250 años se publicó la novela epistolar "Las penas del joven Werther", que ayudó a Johann Wolfgang von Goethe, de entonces 25 años, a alcanzar su éxito mundial. Existe el rumor de que el emperador francés Napoleón Bonaparte la leyó siete veces. Se dice que, cuando conoció a Goethe, apenas habló de otra cosa.El protagonista de la novela es Werther, a quien siempre lo llaman por su apellido y no parece tener nombre. Se enamora de Lotte, que ya está comprometida. Mientras Werther continúa desarrollando sus sentimientos por ella, Lotte permanece fiel a su prometido. Cuando Werther no ve otra salida al amor no correspondido, acaba quitándose la vida.Jóvenes en la "fiebre de Werther"En la época del "Sturm und Drang" -un movimiento literario pionero del romanticismo alemán, literalmente traducido como "tormenta e ímpetu"-, los escritores jóvenes se rebelaban contra la obsesión de la nobleza por la razón. Y Goethe capturó ese espíritu de la generación joven de la época con su Werther. Muchos jóvenes parecían empatizar e incluso identificarse con el protagonista.Esto se expresó, entre otras cosas, en imitaciones de la moda descrita en la novela. "Por ejemplo, la gente vestía como Werther: chaqueta azul y chaleco amarillo, lo cual era bastante inusual", describe Heinz Drügh, profesor de historia literaria de los siglos XVIII y XIX en la Universidad Goethe de Frankfurt. Este fenómeno suele denominarse como la "fiebre de Werther". Drügh describe a Werther como un "fenómeno paneuropeo", pero hasta el día de hoy sigue siendo muy popular en el este de Asia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Goethe: ¿cómo una estrella de pop?¿Puede una novela tener todavía una influencia tan grande en la sociedad actual? "Creo que las fuertes experiencias de identificación actuales provienen más del cine y la música que de la literatura", explica Drügh.Werther "abrió algo nuevo” y Goethe inició con ello una nueva manera de pensar. Desde la perspectiva actual, Goethe era quizás algo así como una "estrella de pop", dice Drügh, "porque el tipo de identificación con este texto era tan fuerte como podría serlo con la cultura pop actual"."El efecto Werther"Sin embargo, la influencia de Werther también tuvo sus lados oscuros. Porque la "fiebre de Werther" también incluye el "efecto Werther”: tras su publicación se produjeron varios suicidios relacionados con la novela. Por tanto, el propio Goethe publicó una segunda versión de la novela. La segunda versión era más extensa y tenía como objetivo ayudar a distanciarse de Werther al leer.El término "efecto Werther" fue acuñado -200 años después- por el sociólogo David Philipps, para explicar cómo las representaciones románticas del suicidio en los medios de comunicación pueden desencadenar comportamientos imitativos, especialmente entre los jóvenes.¿Cuáles son hoy los modelos a imitar?Hace apenas unas décadas, las estrellas del pop eran los modelos clásicos a seguir. El psicólogo y psicoterapeuta Lothar Janssen explica que hoy en día, gracias a las redes sociales, los modelos a seguir, especialmente para los jóvenes, se están fragmentando cada vez más en "subsegmentos que ya no son tangibles".Janssen habla de "mini-Werthers" en Internet: jóvenes que comparten en las redes sociales cómo afrontan sus enfermedades mentales. Muchos se identifican con ellos, aunque sus publicaciones suelen tener "rasgos de autopromoción” y llegan sin filtros a un público amplio a través de Internet.Los expertos subrayan que es importante abordar abiertamente las enfermedades mentales y el suicidio, pero es crucial cómo se trata el tema, especialmente en los medios de comunicación. Para evitar el "efecto Werther", hay que tener cuidado de no romantizar las enfermedades mentales y el suicidio.Sin embargo, las estrellas del pop no están completamente descartadas. La cantante estadounidense Taylor Swift, por ejemplo, se acerca mucho al modelo clásico. A su alrededor, se ha formado una comunidad en la que los aficionados se sienten "acogidos y bien", explica el psicólogo Janssen. Aunque Goethe ya no clasificaría en la actualidad como una estrella o modelo a seguir, él y sus obras, entre ellas "Los sufrimientos del joven Werther", siguen siendo conocidos hasta el día de hoy.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Además del autor de El viejo y el mar, otros seis miembros de la familia Hemingway murieron a causa del suicidio, según relató en Madrid la actriz ante estudiantes universitarios.Mariel Hemingway ha escrito tres libros sobre desarrollo personal tiene un podcast sobre bienestar personal, y protagonizó el documental Running from crazy (2013) -comisionado por el canal Oprah Winfrey Network- que habla sobre su vida y su lucha contra la enfermedad mental.Sus padres eran alcohólicos y su hermana, la modelo y actriz Margaux Hemingay, también era adicta a las drogas. Mariel recordó hoy cómo con solo siete años se levantaba por la noche para recoger el desorden causado por las peleas familiares."Por la mañana la cocina estaba limpia, no había alcohol, ni sangre, ni rastro de lo que había pasado el día de antes".El miedo a que su vida la hiciera repetir los patrones familiares le hizo embarcarse en un camino de búsqueda espiritual y hacer todo lo posible para no terminar repitiendo la historia familiar. "Lo que siempre había temido era acabar loca", ha explicado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Comienzos en el cineHemingway debutó en el cine junto a su hermana Margaux, en Lipstick (Lápiz de labios, 1976). Poco después llegaría Manhattan de Woody Allen (1979) y su primera nominación a un Óscar como mejor actriz de reparto con tan solo 17 años.Mientras ella tenía una prometedora carrera como actriz, la de su hermana se hundía. "Detrás de todo lo que hacia sentía una vocecilla de miedo en mi interior. Temía acabar como mi hermana Margaux, deprimida y en rehabilitación".Ese miedo a repetir patrones provocó que se dedicara a hacer dietas -durante una época solo comía cosas crudas y no probaba el alcohol-, hacer ejercicio extremo, yoga y a viajar por todo el mundo en busca de gurús de todo tipo para mejorar su bienestar.Un hito fundamental en este camino fue un encuentro con el Dalai Lama, una persona que, asegura, "escucha a la gente con todo su ser". El líder budista le dijo algo muy sencillo pero que cambió su vida de forma radical."Simplemente me dijo 'Estás bien', pero fue algo tan profundo y sencillo que cambio el curso de mi vida", señaló la actriz.Todos tenemos "experiencias e historias" pero fundamentalmente "estamos bien" y en su interior tiene las "soluciones" para afrontar cualquier "desequilibrio e imperfección".Bienestar y fundaciónMariel dejó de recorrer el mundo en busca de gurús y se empleó a fondo a conectar con lo que ella denomina "los siete médicos", que "son gratis y están disponibles 24/7": el sol, el aire, la alimentación, el ejercicio, la tierra, el agua y el descanso.Andar descalzo veinte minutos al día sobre la tierra, una práctica denominada 'grounding', es muy beneficiosa. "Si no hubiera sido por la tierra con la que me conecte en mi infancia, seguramente no estaría aquí".No fue un camino rápido, asegura, tardó años en llegar al lugar en el que ahora se encuentra y todavía hay días que se levanta y a lo mejor no se encuentra bien, pero tiene herramientas "como el silencio y la meditación".También advierte que estas recomendaciones no implica que una persona que por ejemplo es bipolar no tome medicación."Lo que intento decir es que la forma en la que vives afecta tu cerebro. Por eso os animo a aprender de alguien que lo ha hecho todo y no todo bien -ironizó-, pero que ha hecho muchas cosas y finalmente ha llegado a una solución tan sencilla".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La literatura contemporánea es un vasto y multifacético universo que refleja las complejidades de la sociedad actual. Abarca las producciones literarias que surgieron después de la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos críticos la sitúan a partir de 1960. A diferencia de los períodos literarios anteriores, la literatura contemporánea se caracteriza por su diversidad estilística, su exploración de nuevas voces y narrativas, y su enfoque en los dilemas existenciales del ser humano en un mundo en constante cambio. En este período se supone que se abren las puertas a voces que históricamente habían sido marginalizadas: mujeres, autores racializados, minorías sexuales y autores de diferentes culturas. Esta variedad de perspectivas enriquece el panorama literario, ofreciendo una diversidad de experiencias y enfoques. Un ejemplo destacado es la obra de Toni Morrison, escritora afroamericana ganadora del Premio Nobel, quien en novelas como Beloved explora el trauma de la esclavitud desde una perspectiva profundamente humana y emocional.A lo largo del siglo XX, la literatura dejó de ser un vehículo lineal de narración para convertirse en un espacio de experimentación formal. Autores contemporáneos juegan con la estructura narrativa, el tiempo, la voz, y el estilo. Novelas como "Cien años de soledad" de Gabriel García Márquez se desplazan entre el realismo mágico y la historia, creando una narración que se siente mítica pero, al mismo tiempo, profundamente anclada en la realidad histórica de América Latina.Del mismo modo, la literatura postmoderna, como la obra de Thomas Pynchon, especialmente en su novela *El arco iris de gravedad*, fragmenta la narración, combinando elementos de ciencia ficción, historia y teoría conspirativa en una prosa densa, que desafía las expectativas del lector tradicional.Incertidumbre y ambigüedad moralA diferencia de las grandes epopeyas o relatos moralizantes del pasado, la literatura contemporánea se mueve en terrenos ambiguos, donde los personajes suelen estar lejos de ser héroes convencionales. Las motivaciones son a menudo opacas, los finales son abiertos y el lector debe navegar en medio de incertidumbres morales y filosóficas. Esto lo vemos en la obra de Kazuo Ishiguro, particularmente en su novela Nunca me abandones, donde se explora la ética de la clonación y la vida humana, pero sin ofrecer respuestas claras ni cómodas para el lector.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Globalización e hibridación culturalEn un mundo interconectado, la literatura contemporánea refleja el intercambio cultural y el cruce de fronteras geográficas e identitarias. Chimamanda Ngozi Adichie, por ejemplo, es una autora nigeriana que ha sabido entrelazar las tensiones entre lo local y lo global en su novela Americanah, donde reflexiona sobre la experiencia de la diáspora africana y el choque entre culturas, mientras narra una historia de identidad, migración y racismo.Crítica social y políticaLa literatura contemporánea es profundamente consciente de su contexto social y político. Desde los efectos del capitalismo hasta el cambio climático, la discriminación de género o la crisis migratoria, los autores contemporáneos no solo cuentan historias personales, sino que usan la literatura como un medio de reflexión y denuncia. En la obra de Margaret Atwood, por ejemplo, encontramos en El cuento de la criada una poderosa crítica sobre los peligros del totalitarismo y la opresión patriarcal, anticipando debates que hoy están en el centro del discurso público.Hibridación de génerosLa frontera entre géneros literarios se difumina en la literatura contemporánea. Es común encontrar obras que combinan la ficción con la autobiografía, la crónica periodística con la novela, o el ensayo filosófico con la narrativa de ficción. W.G. Sebald, en su obra Los anillos de Saturno, crea un híbrido entre el ensayo y la narrativa, donde la historia personal del narrador se entrelaza con reflexiones sobre la historia, el arte y la memoria.Diferencias con otros períodos literariosEn comparación con otros momentos literarios, como el romanticismo o el modernismo, la literatura contemporánea es menos prescriptiva y más flexible en su definición. El romanticismo, por ejemplo, estaba marcado por un énfasis en la naturaleza, las emociones intensas y la individualidad. El modernismo, por otro lado, se enfocaba en la ruptura con las formas tradicionales de narrar y una preocupación por los dilemas existenciales y el flujo de conciencia, como podemos ver en la obra de Virginia Woolf.Sin embargo, la literatura contemporánea no persigue un estilo unificado ni una única temática. Más bien, refleja la fragmentación y complejidad de la vida moderna: la incertidumbre, la pérdida de grandes narrativas unificadoras y el cuestionamiento constante de las verdades absolutas. Si bien el modernismo también exploraba la subjetividad, la literatura contemporánea va más allá, incorporando elementos de la cultura popular, la tecnología y la globalización para expandir sus horizontes.La literatura contemporánea es, en esencia, una literatura del mundo globalizado y de la postmodernidad. En su diversidad de formas, estilos y temas, refleja la condición humana en un contexto de rápidos cambios sociales, tecnológicos y culturales. Desde las exploraciones existenciales de autores como Haruki Murakami en Kafka en la orilla hasta las narrativas distópicas de Octavia Butler en Parábola del sembrador, la literatura contemporánea sigue desafiando las expectativas y ofreciendo una mirada crítica y enriquecedora sobre el presente y el futuro de nuestra sociedad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"¡Atención a los amantes de la historia e inversores! Presentamos el apartamento en el que vivió Fiódor Dostoyevski, escritor, filósofo, clásico de la literatura mundial", reza el anuncio de la inmobiliaria Rielt Group Agency, que ofrece este inmueble en 25,5 millones de rublos.Según la compañía, justo entre esas paredes "fue escrita la novela 'Pobres gentes'", ópera prima del literato publicada en 1846.El inmueble, que necesitaría una reparación a fondo según se observa en las fotos publicadas, está ubicado en la esquina de la avenida Vladímir y el callejón Grafski, a menos de 300 metros de la emblemática avenida Nevski, y rodeado de monumentos arquitectónicos como la Catedral de Vladímir.En las fotos se pueden ver las habitaciones sin muebles, con empapelados estampados de diferentes colores, ventanas viejas y pisos de madera en bastante mal estado e incluso ruinoso.El apartamento se encuentra en el segundo piso de un caserón construido en 1839 y tiene una superficie útil de 66 metros cuadrados.El inmueble tiene un patio interior típico de la arquitectura decimonónica de San Petersburgo, con una salida a la calle en forma de túnel y una reja metálica con un aire art nouveau.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según Avito, el precio establecido corresponde al valor medio de inmuebles similares en el mercado.Rielt Group Agency aseguró a la agencia rusa RIA Novosti que dispone de pruebas definitivas de que Dostoyevski vivió justamente en este apartamento y citó las memorias del novelista ruso Dmitri Grigoróvich, contemporáneo del autor de "Crimen y castigo" que también vivió en este inmueble."El apartamento tenía una cocina y dos habitaciones con tres ventanas que daban al callejón Grafski, Dostoyevski vivía en la habitación del fondo, yo, en la más cercana a la puerta. No teníamos criados, poníamos el samovar nosotros mismos y también íbamos a comprar panes y otros víveres nosotros mismos", recuerda el escritor.En los bajos de la casa en la que se encuentra el apartamento puesto a la venta hay una placa conmemorativa de granito que indica que Dostoyevski vivió allí de 1842 a 1845 y escribió su primera novela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.