La cantante barranquillera, Shakira, posteó este jueves en sus redes una foto con la carátula del disco, donde se le ve a ella sentada en una pila de diamantes, y se mostró "emocionada" de mostrar la lista de los 16 temas que compondrá el álbum, que verá la luz el 22 de marzo.Como se esperaba, el nuevo disco de Shakira incluirá la BZRP Music Session, Vol.53, Te felicito con Rauw Alejandro, Monotonía con Ozuna y TQG con Karol G.A través de estas canciones, que durante el último año han acaparado la lista de éxitos, la artista barranquillera narró el final de su relación con Gerard Piqué que ocurrió después de descubrirse la infidelidad del exjugador del Barcelona.Y ahora en su esperado nuevo trabajo habrá nuevas colaboraciones: La Fuerte, con Bizarrap; Cohete, con Rauw Alejandro; Entre paréntesis, con Grupo Frontera y Puntería, con Cardi B.La lista de temas también mezcla otros ya publicados como El jefe (junto a los mexicanos Fuerza Régida), Acróstico, la balada que canta junto a sus hijos Milan y Sasha, o Copa Vacía con Manuel Turizo y canciones inéditas como Tiempo sin verte, Cómo dónde y cuándo, Nassau y Última.Las mujeres no lloran es el decimosegundo álbum de estudio de la artista, y su casa discográfica Sony Music lo describe como "un deslumbrante testimonio de la resistencia y fuerza de Shakira, así como del poder de la música para transformar las experiencias más difíciles en momentos valiosos".El álbum saldrá con cuatro ediciones de arte distintas; cada una acompañada de una variante exclusiva de vinilo de color.Vendrá en rojo, zafiro, esmeralda y diamante. El último color estará disponible en tiendas en general, mientras que la venta de los anteriores está limitada a sitios web y lugares específicos.La artista había alistado el terreno para el anuncio durante la transmisión de la final del fútbol americano cuando publicó en sus redes varias fotos, conectando su imagen con las de las lágrimas en forma de diamante.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Catherine Janice Ipsan, más conocida como Cat Janice, se hizo viral en redes sociales, en especial en TikTok al compartir su canción Dance You Outta My Head, escrita para su hijo de siete años. La cantante, modelo e influencer padecía un tipo de cáncer desde 2022, por lo que decidió compartir la canción en sus redes sociales, pidiendo a sus seguidores que la escucharan y compartieran. Esperaba que las regalías obtenidas sirvieran como el sustento económico de su hijo cuando ella faltara."¡Quiero que mi última canción les traiga alegría! Eso es lo único que he deseado a lo largo de mi batalla con el cáncer. Solo les pido guardar previamente mi última canción", dijo la joven en sus redes sociales en enero de este año.La artista descubrió un bulto en su cuello en 2022, lo que resultó en un diagnóstico de cáncer. Tras someterse a tratamiento, los médicos tratantes anunciaron que estaba libre de cáncer, pero meses después, en 2023, la enfermedad reapareció de forma agresiva y afectando sus pulmones.Cat Janice siguió componiendo música y compartiendo momentos especiales en sus redes sociales, como su compromiso con su novio Kyle Higginbotham, con quien se casó el diciembre pasado.Pensando en el sustento de su hijo, en enero de este año, compartió su canción Dance You Outta My Head haciendo un llamado especial a compartir la canción, pues la lanzó de forma independiente. El objetivo de Janice era que el dinero recaudado por las regalías llegará directamente a su hijo.En un par de semanas la canción se convirtió en un éxito viral en redes sociales. En plataformas como iTunes, alcanzó el puesto número 7 a nivel global, mientras en las listas de TikTok Billboard logró el primer puesto en el Top 50.Este miércoles, la familia de Cat Janice publicó la noticia de su muerte a través de la cuenta de Instagram de la artista. “Esta mañana, desde el hogar de su infancia y rodeada de su amada familia, Catherine entró pacíficamente en la luz y el amor de su creador celestial”, se lee en el mensaje.También agradecieron el apoyo y la acogida que la joven recibió con su historia y su música en redes sociales. “Estamos eternamente agradecidos por el gran amor que Catherine y nuestra familia han recibido durante los últimos meses. ‘Cat’ vio cómo su música llegaba a lugares, ella nunca lo esperó, y descansa en la paz de saber que seguirá manteniendo a su hijo a través de su música. Esto no hubiera sido posible sin todos ustedes”.Finalmente anunciaron la publicación de música inédita de la artista, que, a petición suya, será revelada, aunque no dieron detalles de cuándo conoceremos más de sus canciones. “A petición de ‘Cat’, hay más arte que ella también quiere compartir. Todo a su debido tiempo”, concluye el mensaje.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta es la primera vez en la que Arocena, de 32 años, navega en este género, en el que nunca se ha visto representada: "Las artistas pop latinas con las que yo crecí, como Selena, Christina Aguilera o Shakira no lucían como yo. Estaría lindo que hubiera más 'jevas' afrodescendientes haciendo lo que ellas hacen", cuenta a EFE la artista, originaria de La Habana.En este sentido, afirma que, desde su infancia, ha sentido "una carga pesada por ser una mujer negra y gorda", y considera que "hay mucha más visibilidad para las mujeres anglosajonas que para las latinas" en el mundo del pop.El título del proyecto significa en idioma yoruba (del África Occidental) 'alquimia', una disciplina filosófica basada en la capacidad de transformación del ser humano, y aunque en un primer momento englobaba la diversidad rítmica, musical y cultural propia del Caribe, adquirió rápidamente un significado mucho más personal para la cubana."La alquimia hace referencia a procesos de transformar, mezclar y explorar para llegar a un resultado. Durante la grabación yo empecé a experimentar cambios en mí, pues venía arrastrando traumas y cosas de mi infancia que he curado a través del álbum", expresa.De la mano del productor Eduardo José Cabra ('mitad' del grupo puertorriqueño Calle 13 con el nombre artístico de Visitante), la cantante reivindica su espacio en el pop, pero sin renunciar a sus raíces caribeñas.ADN afrocubanoArocena no se olvida de la música afrocubana, que tiene su origen en los esclavos que llegaron desde África a la isla: "Imagina que llegas a un lugar en el que no puedes conservar tu nombre, tu idioma ni tu cultura y en el que tú no eres nada, ¿tendrías ganas de cantar? Pues ellos sí. Los africanos nos sanamos con música", expresa.En La Habana, la artista creció rodeada de los ritmos afrocubanos, que mamaba sobre todo de su familia: "Nací en una casa con dos cuartos y un baño en la que eramos 14 personas. Mi abuela a veces tenía que alimentarnos con cinco huevos, y a pesar de la situación, se cantaba y se bailaba todos los días".La cantante dejó Cuba y se mudó a Canadá en 2019, una decisión propiciada por la persecución política en el país, que le afectaba a su marido (que ejercía como periodista independiente) y que, en un momento, temió que le afectara a ella.Arocena cuenta que, cuando tenía 27 años, participó junto a otros artistas en una asamblea con el entonces ministro de Cultura, organizada por el gobierno cubano, en la que cuestionó el "por qué no puede haber música independiente en Cuba"."Dije 'no entiendo por qué en Cuba tenemos este sistema donde los músicos no pueden tocar sin una autorización gubernamental para cada concierto que vas a hacer'. La respuesta del ministro fue que mis ideas eran procapitalistas", cuenta.Cuando Arocena acudió a Puerto Rico para grabar 'Alkemi', se enamoró "a primera vista" de la isla y decidió trasladarse allí junto a su marido: "Ahí me siento como en mi país", asegura.Empoderamiento femeninoEn consonancia con los principios de la alquimia, este álbum es una mezcla de canciones que hablan de relaciones tóxicas y temas más desenfadados que indagan en la sensualidad de la mujer, como es el caso de 'A fuego lento', una colaboración con el dominicano Vicente García.Este empoderamiento que marca tanto la personalidad de Arocena como su música más reciente se ve reflejado también en 'Por Ti', donde la artista baila frente a la cámara, un gesto que, hasta ahora, no se había atrevido a hacer, debido a los constantes comentarios sobre su aspecto físico."Hay mucha violencia contra las mujeres, se nos juzga constantemente por cómo lucimos y cómo es nuestro cuerpo", asegura al respecto.Arocena se embarca ahora en su gira por Estados Unidos, que inicia mañana en Nueva York con un concierto en la sala Sultan Room, en el barrio de Bushwick (Brooklyn) y en la que pasará por Texas, Massachussets y Puerto Rico.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No lo he creado sola sino con todos ustedes, y con mi manada de lobas que han estado allí acompañándome en cada paso", escribió la cantautora en las redes sociales con una foto en la que se ven diamantes rodando por su cara en forma de lágrimas."La producción de esta obra, ha sido un proceso alquímico. Al escribir cada canción, me reconstruí a mí misma. Al cantarlas, mis lágrimas se transformaron en diamantes y mi vulnerabilidad en resiliencia," agregó.'Las mujeres no lloran' es el decimosegundo álbum de estudio de la artista, y su casa discográfica Sony Music lo describe como "un deslumbrante testimonio de la resistencia y fuerza de Shakira, así como del poder de la música para transformar las experiencias más difíciles en momentos valiosos".El nuevo álbum incluye siete éxitos que ya salieron al mercado, como 'Music Sessions Vol. 53' con Bizarrap y 'TQG' con Karol G, que debutaron ambos en el primer lugar en la lista global Spotify Top 50.Además, 'Music Sessions Vol. 53' es la canción en español con más reproducciones en un solo día en la historia de Spotify y ganó en las categorías de 'Canción del año' y 'Mejor canción pop' en los premios Latin Grammy del año pasado. El tema rompió 12 récords, registrados por la organización Guinness.Otras canciones en 'Las mujeres no lloran' son 'Te felicito' con Rauw Alejandro, 'Copa vacía' con Manuel Turizo y 'Acróstico', con Milan y Sasha Piqué, los hijos de la artista. Completan el disco ocho canciones nuevas y un remix.Con 'Las mujeres no lloran', Shakira se adentra en el mundo del vinilo por primera vez.El álbum saldrá con cuatro ediciones de arte distintas; cada una acompañada de una variante exclusiva de vinilo de color. Vendrá en rojo, zafiro, esmeralda y diamante. El último color estará disponible en tiendas en general, mientras que la venta de los anteriores está limitada a sitios web y lugares específicos.La artista había alistado el terreno para el anuncio el domingo pasado. Durante la transmisión de la final de fútbol americano, Shakira publicó en sus redes varias fotos, conectando su imagen con las de las lágrimas en forma de diamante.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Suleika Jaouad no pudo acompañarlo personalmente en esa noche de gloria porque estaba luchando contra una leucemia. Esa dura conjunción entre éxito estratosférico y la cruda realidad es el hilo conductor de "American Symphony", un íntimo documental sobre la pareja disponible en Netflix."Quería que no sólo fuese sobre el proceso artístico, sino que también mostrase lo que implica alcanzar un nivel de grandeza en el arte", dijo Batiste a AFP. "También creo que estábamos mostrando una lección que no conocíamos entonces: que la creatividad es un mecanismo de supervivencia", agregó el artista, de 37 años.El proyecto comenzó como un documental sobre el proyecto de Batiste de escribir una sinfonía contemporánea de función única inspirada en la música de varios lugares del mundo. Pero se transformó radicalmente cuando Jaouad descubrió que su cáncer había reaparecido, casi diez años después.El resultado es, al mismo tiempo, una historia de amor, una reflexión sobre la enfermedad, una crónica de la vida familiar y una revisión tenaz del proceso creativo en sí mismo. Jaouad, de 35 años, es una reconocida escritora. Su primera batalla contra el cáncer, una década atrás, quedó plasmada en sus columnas en el periódico The New York Times."Negociación" en tiempo realDurante siete meses las cámaras siguieron a Batiste mientras dirigía ensayos, sufría de una severa ansiedad que lo mantenía despierto en las noches, hablaba con su terapeuta acerca de querer renunciar a su trabajo, y visitaba a Jaouad en el hospital."Dar acceso a las cámaras a estos momentos sagrados de nuestra vida fue una negociación en tiempo real", dijo Batiste. "Definir límites, ellos empujando esos límites, y nosotros empujando de vuelta", cuenta.Durante la misma época, su disco "We Are" lideró las nominaciones a los Grammys de 2022, y se impuso ante figuras como Taylor Swift, Kanye West y Billie Eilish en la categoría álbum del año. Pero cuando Batiste regresó de Las Vegas con sus cinco gramófonos, Jaouad estaba de vuelta en el hospital, enfrentando los efectos de la quimioterapia y un segundo trasplante de médula.Una poderosa escena del documental muestra a Batiste en el escenario durante un recital de piano de dos horas, ante un auditorio repleto. El músico le dedica la pieza siguiente a Jaouad y a continuación se detiene con los dedos en el teclado, durante un minuto. Tras esta pausa que parece una eternidad, toca una improvisación conmovedora y catártica."Estaba procesando todo en tiempo real frente al público", dijo Batiste. "Es tanto lo que ocurre, lo que pasa en una vida, que es difícil ponerlo en palabras", añadió."American Symphony", producida por la empresa audiovisual de Michelle y Barack Obama, se perfila como fuerte candidata para la categoría Mejor documental en los Óscar 2024. Batiste ya ganó un premio de la Academia por escribir la banda sonora de la película animada de Pixar "Soul"."Butterfly"De formación clásica, descendiente de una dinastía musical de Nueva Orleans, Batiste es un erudito del jazz que se hizo famoso al frente de la banda del popular programa de variedades de Stephen Colbert.El éxito de "We Are" llevó su estatus de celebridad a otro nivel y, menos de dos años después, está nominado a otros seis Grammys con su disco "World Music Radio".Batiste compite, entre otras categorías, en la de Mejor canción con "Butterfly", escrita para Jaouad cuando estaba en el hospital. Es el único hombre nominado para Grabación y Álbum del año, donde se medirá con superestrellas como Swift, Olivia Rodrigo y el grupo femenino boygenius.Con estas artistas comparte un interés por "música real, arte real", que no se apoya en tecnología y sonidos computarizados, asegura.Rodrigo "trajo de vuelta ese estilo 'vieja escuela' de componer", Eilish es "la voz de su época" y boygenius es un viaje a una "dinámica de banda y a la camaradería basada en valores compartidos", reflexiona Batiste. Pero cuando piensa en la ceremonia de los Grammys en febrero, lo que más le importa es que su esposa pueda estar a su lado."Esta vez, lo que más me entusiasma es que ella se encuentra bien y podrá ir a los Grammys conmigo", dijo. "Poder celebrar el álbum y esa canción, y poder estar en los Grammys de nuevo, ahora con ella... para nosotros es un círculo completo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A la gala de los premios, celebrada la semana pasada en Sevilla (España), llegó con dos nominaciones, a mejor nueva artista y mejor álbum de cantautor. Ganó el primero y su nombre se colocó inmediatamente en el punto de mira como posible heredera de Shakira o Rosalía.Hace tres años lanzó su primer sencillo, 'Primer amor', y en 2022 'Los mejores años', producido por uno de los grandes nombres de la industria musical, el colombiano Julio Reyes Copello, que también se ha encargado de su nuevo tema, 'Quise quererte'.En su corta carrera ya ha tenido la oportunidad de cantar con Alejandro Sanz. Abrió un concierto en Miami del español el pasado 24 de septiembre y fue un sueño cumplido para Joaquina."Pensar que hace exactamente dos años vine a ver a Sanz en este mismo lugar… y anoche abrí su show", dijo en sus redes sociales la cantante, que vivió un momento muy especial al tocar en el Arena de Miami. "Yo crecí viniendo a mis primeros conciertos, desde chiquita miraba la tarima y me imaginaba a mí algún día", asegura.Siempre soñó con dedicarse a la música. Lee desde que tiene tres años y afirma que fue ese amor por "la poesía, la literatura y las palabras" el que la motivó a volcarse en el tipo de música que hace, en la que lo principal son "las letras".Aunque reconoce que, al final, las letras de las canciones son de las personas que la escuchan. "Me gusta mucho cuando la gente me pregunta '¿sobre quién es esta canción?'. Mi respuesta es '¿en quién pensaste tú cuando la escuchaste?' Porque esa es la verdad. Uno fotografía su vida personal pero luego en algún punto la suelta y 'adiós'", cuenta.Sobre su proceso de escritura, la cantautora afirma que está "constantemente dándole de comer" algo creativo a su cerebro, ya sea leyendo un libro, escuchando música, viendo películas o escribiendo."Darle de comer constantemente a tu cerebro te ayuda mucho a drenar y a tener el espacio y la posición correcta para recibir la inspiración cuando te cae. Escribir, escribir, para ir teniendo ideas y luego concretarlas poco a poco", sostiene Joaquina, para quien Rosalía es una de sus principales inspiraciones.Un Latin Grammy a los 19 y un discurso preparado a los 6Pero siempre ha tenido una personalidad marcada y las ideas muy claras, tanto que confiesa que tenía preparado el discurso de agradecimiento de su primer Grammy desde que tenía seis años."Es algo que soñé, trabajé y visualicé desde que tengo memoria (...) Toda mi vida he querido ganar un Grammy y toda mi vida practiqué mi discurso en la ducha", cuenta entre risas. Pero reconoce que cuando escuchó su nombre en la boca de Carlos Vives, el presentador del premio a mejor nuevo artista, Joaquina no lo podía creer.Para ella solo la nominación ya representaba un triunfo, pero el premio supone una reafirmación de que la música es su camino. Lo ha tenido siempre tan claro que nunca ha contemplado dedicarse a otra cosa."Me choca el concepto de 'plan B', porque para mí nunca lo hubo. Yo iba a hacer algo en la música". Y argumenta que en muchas situaciones de duda eligió seguir su intuición y creer en su amor por lo que hace.Primer concierto en Europa y primer discoEsta noche en Madrid ofrece un pequeño concierto en una céntrica sala, que supone además su primera actuación en Europa. Luego volverá a su casa en Miami para continuar trabajando en su primer disco que, adelantó, contará solo con su voz, sin colaboraciones.La venezolana, que busca dejar su bandera "bien en alto", espera planificar pronto una próxima gira europea para presentar sus nuevas canciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Puerto Candelaria, la Filarmónica de Bogotá y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo presentan Goodbye My Honey Filarmónico, la primera muestra de lo que será el álbum Puerto Candelaria Filarmónico, un espectáculo que luego de 15 años de historia presentándose con las orquestas más importantes del país y algunas internacionales; llega por fin a los oídos del mundo entero.Esa canción desgarradora, creada en pleno confinamiento de 2020 y con la que Puerto Candelaria volvía al género de sus inicios, fue la primera pieza en inglés de la agrupación y su interpretación trae a la memoria nombres como Billie Holiday o Ella Fitzgerald.En esta, su versión en gran formato orquestal, llega a un punto sublime que se creía inimaginable, acompañada del poder de las cuerdas, las maderas, los bronces y la percusión, bajo la dirección de Joachim Gustafsson, de Suecia, director titular de la Filarmónica de Bogotá.La canción ya está disponible en las plataformas de escucha. Su grabación se realizó en vivo, en un emotivo concierto junto a la Filarmónica de Bogotá, para el público del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, y es por esto que el fonograma captura la esencia dramática y conmovedora, que luego en el estudio de Merlín Producciones se terminó de cerrar en las manos del ingeniero Gabriel Vallejo.Si alguna creación sonora de Puerto Candelaria ha generado confusiones sobre su origen es “Goodbye My Honey”, una creación de manos de Juancho Valencia, el Sargento Remolacha y Catt; que evoca la sonoridad y poética del swing en los años 30 de Estados Unidos, de tal manera, que al escucharla da la sensación de estar ante un clásico olvidado por alguna razón. Esta vez, podría confundirse también, con la banda sonora de alguna película antigua.Con este lanzamiento, la agrupación celebra una unión poderosa de estas tres entidades tan importantes para la cultura del país, que permiten cumplir el sueño de grabar sus canciones en el gran formato que siempre sonaba en la cabeza del Sargento Remolacha al crearlas.El álbum completo, que se dará a conocer con el nombre de “Puerto Candelaria Filarmónico”, se lanzará en marzo de 2024 y contendrá piezas insignes candelarias como “Vuelta Canela”, “Club Panamá”, “Despedida”, “Dogville” y versiones de composiciones de Mozart, Beethoven y Duke Ellington.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Måneskin, el nuevo fenómeno del rock mundial, ha sorprendido con el lanzamiento del video de su nueva canción ‘The Driver’. Se trata del segundo video publicado por la banda este mes después de ‘Valentine’, ambos dirigidos por el director colombiano George Gallardo Kattah. Detrás de la producción se encuentra la emergente empresa colombiana Continente Pictures.La grabación de los videos se llevó a cabo en el mes de Octubre, en un hotel abandonado de la Ciudad de México, aprovechando el paso de la banda italiana por esta ciudad en medio de su tour mundial, días antes de su paso por la capital colombiana. “Fue muy emocionante que una banda de este nivel nos confiara la producción de los videos del repack de su álbum más exitoso. Quise potenciar gestos muy simples para darles un peso conceptual dentro de la serie. En el caso de ‘The Driver’, que es una canción que habla constantemente de estar alto, de querer volar y tocar el cielo, pero también cargada de una gran melancolía, escogí una azotea alta, de un lugar abandonado, al atardecer. Usando un dolly circular podíamos verlos a ellos cuatro tocando mientras el cielo se oscurecía, con el sol escondiéndose y la luna haciéndose brillante. Sus vestidos elegantes e impecables contrastaban con los muros decadentes que los rodeaban. Recuerdo que antes de rodar, parados todos allá arriba, había un ambiente de celebración. Los ví felices por estar en medio de su gira. Fue ahí cuando le propuse a Damiano que empujara él el dolly, que fuera él el conductor (The Driver)”, relata George Gallardo Kattah, director de los videoclips. Gallardo Kattah suena cada vez más en la industria de los videos musicales de Los Ángeles y Colombia. En 2018, tras codirigir dos documentales en Colombia: Modelo Estéreo y La forma que tienen las nubes, decidió ir a Los Ángeles a probar suerte. Allá empezó como asistente de cámara y realizador de detrás de cámaras, pero rápidamente llamó la atención de sellos como Sony, Arista, Concord y Anti-Epitaph. Vea aquí el video de "The Driver":Desde entonces, ha dirigido videoclips para Chelsea Wolfe, Lido Pimienta, Mike Posner, Nathaniel Rateliff, Tai Verdes, Upsahl, Esteman y The Plot in You (cuyo video Forgotten está en la competencia oficial de Bogoshorts).Junto a Duván Duque Vargas, director de los galardonados cortometrajes Masmelos y Todo Incluido - estrenado el año pasado en Toronto, seleccionado en más de 60 festivales y ganador de 19 premios internacionales - fundaron Continente Pictures, una productora audiovisual de proyección internacional, con sedes en Los Ángeles y Bogotá. La empresa, que este año ha llevado a cabo producciones en Colombia, México y Estados Unidos, ha ido posicionando a Colombia como un destino muy atractivo para la industria del videoclip en Estados Unidos, por su riqueza tanto en talento como en conocimientos técnicos y locaciones.El talento audiovisual de Continente lo completa Cristina Sánchez Salamanca, directora colombiana detrás del premiado cortometraje Bebé y el documental The Tour 23, para Victoria’s Secret.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo informó la compañía de origen sueco mediante un comunicado recogido este lunes por la prensa local, en la que asegura que dejará de operar en el país suramericano "ante la falta de claridad sobre los cambios en las leyes de derechos de autor"."Spotify lamentablemente comenzará a eliminar gradualmente su servicio en Uruguay a partir del 1 de enero de 2024 y cesar completamente el servicio en febrero, en detrimento de artistas y fans", indica el documento.Según la empresa, esta decisión se debe a que "ya paga cerca del 70 % de cada dólar que genera la música a las discográficas y editoras, dueñas de los derechos de la música" y considera que "cualquier pago adicional" haría que su negocio resulte "insostenible".El pasado 2 de octubre Spotify, la plataforma de audio que da servicio a más de 574 millones de usuarios en el mundo cada mes y que días atrás amplió su alianza estratégica con Google para incorporar la inteligencia artificial, advirtió que podría dejar de funcionar en Uruguay.Lo hizo a raíz de la inminente aprobación en el Parlamento del país de dos artículos incluidos en la luego sancionada ley de Rendición de Cuentas, cuya regulación por parte del Ejecutivo de Luis Lacalle Pou aún no se ha concretado.Según señaló entonces a EFE el presidente del Consejo de Derechos de Autor de Uruguay, Ignacio Martínez, los artículos apuntan a hacer carne "una vieja aspiración de mucha gente de la cultura" del país para remunerar "de manera justa" por la difusión de su obra a aquellos artistas "que no estaban amparados" en la ley vigente."(Las plataformas) tendrán que ver cómo hacen una distribución pareja que incluya a artistas, intérpretes, ejecutantes que se lo merecen, lo necesitan. (Esto) se paga en el mundo muchísimo, en Europa sobre todo, y Uruguay debería estar, como algunos otros países de América, a la altura de esos avances", indicó Martínez.En concreto sobre Spotify, estimó que esta "y otras grandes plataformas" tiene que "ponerse en el papel de los artistas" y destinarles "alguna porción" de los millones de dólares que le genera su trabajo."A esas amenazas (de dejar el país) ya las conocemos, se han reiterado en otros países", enfatizó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una entrevista con EFE en Sevilla (España), donde asiste a la Semana de los premios Latin Grammy, la cantante ha desgranado el contenido de un álbum que en catorce temas realiza un paseo desde la electrónica a la salsa pasando por la ópera "Norma", de Vincenzo Bellini, con su versión de "Casta Diva"."Hay mucho de los mundos y las temáticas que me interesan en este Autopoiética", afirma la artista, que precisa que "autopoiesis" es un término acuñado por biólogos chilenos que "habla básicamente sobre la capacidad de regenerarte a nivel celular, como cuando te haces una herida".Laferte ha tomado este término y lo ha llevado, metafóricamente, hacia las artes. "Digo que yo tengo esta capacidad, veo la oportunidad en cada disco de reinventarme, de recrearme, de poder tomar ritmos distintos y hablar sobre las temáticas que me interesan en este momento". "Este disco se parece mucho a mí y eso me interesa, se parece a mi yo más profundo", enfatiza.NO+SADSu último sencillo, "NO+SAD", lanzado poco antes del estreno del disco completo, es una canción "con mucho sarcasmo" en el que habla de la llamada "cultura de la cancelación" y de los "señalamientos", para poner como ejemplo que a ella le han dicho "de todo" en redes sociales."Está muy gorda, está muy flaca, es comunista, es capitalista.... me han dicho tantas cosas", resume la cantante chilena, que añade que "después de tantas etiquetas" intenta "tomar todo esto con bastante humor y que me resbalen todas estas cosas", afirma.Laferte asegura que el mundo hoy en día "está muy polarizado", algo que le preocupa. "Siento que es muy duro este apedreamiento social, tan fácil y tan rápido que escala en unos minutos y eres capaz de destruirle la vida a alguien en un segundo", lamenta."Ojalá que no nos afecte lo que nos digan", asegura, además de invitar con esta canción a reflexionar sobre "lo que somos como sociedad y por qué señalamos a los demás".En "40 y MM" bucea en "un himno de amor propio" explorando diferentes elementos musicales y realiza hasta cuatro cambios de estilo, mientras “Tenochtitlán", el primer sencillo, aúna cuerdas clásicas con influencia del hip hop y su voz filtrada electrónicamente para hablar de nuevo del juicio social y del autovalor."Nunca me invento historias que contar"Laferte, artista multidisciplinar que ha mostrado en ocasiones su faceta de pintora y poeta, asegura que lo que no puede faltar en su obra es "la verdad con la que se abordan los temas"."Cuando empiezo un proyecto nunca me invento historias que contar, no tengo esa capacidad de crear ficción", precisa, y agrega: "Pienso en qué estoy sintiendo: esto me afecta, esto me importa, esto es lo que quiero decir. Hay muchísima verdad en mi obra".A partir de ahí, detalla, puede contarlo "con una guitarra o a través de una música tradicional"."Puede ser una ranchera, porque tengo espíritu de cantautora latinoamericana, pero eso mismo te lo puedo contar con una base electrónica. Al final lo que importa es lo que quiero decir, más que la forma o cómo suene literalmente", explica.Para Laferte, la música es un reflejo de la sociedad actual, dentro del cual existen muchas realidades distintas. "Existen las canciones con compromiso social pero también canciones para divertirnos y liberar la mente. Salir a bailar y perrear un rato es muy necesario", sentencia.Pudor al ser una "leading lady"Laferte, ganadora de cuatro Latin Grammy, ha sido distinguida en los actos de esta 24 edición por la Academia Latina de la Grabación como una de las "Leading Ladies Entertainment", un galardón que distingue a las mujeres dentro del sector de las artes y el entretenimiento latino con conciencia social que han inspirado a nuevas generaciones."Me da un poco de pudor, pero para ser honesta me siento honrada porque me consideren una líder dentro de la industria de la música", dijo la cantante, que ha mostrado su satisfacción también por sus compañeras homenajeadas, Róndine Alcalá, Simone Torres y Ana Villacorta López, que "han trabajado muchísimo tiempo creando carreras".Agradecida por la acogida en España, se muestra a favor de que los Grammy salgan de su sede tradicional de Las Vegas (EE.UU.) y cree que la entrega de estos premios en Sevilla puede servir para que artistas latinoamericanos sean más conocidos para el público español y aumentar la conexión "en ambos sentidos".
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.