La historia del jazz ha sido contada a través de los grandes nombres: Louis Armstrong, Duke Ellington, Dave Brubeck o Cannonball Adderley han estado a la luz de todos los aplausos, pero hubo alguien de su nivel y grandeza que no solamente compartió escenario, sino fue el principio musical de una parte del mundo: Tino Contreras. Durante seis décadas, la música fue todo en su vida. El compositor y multinstrumentista encontró en el jazz un pálpito perfecto para sus oídos, que con el tiempo se nutrieron de psicodelia, música experimental y flamenco.Conteras nació en 1924, en la ciudad de Chihuahua. Desde los 8 años y en compañía de su abuelo empezó en la música, tan hábil y pulido, que a los 10 años era parte de una banda profesional. la frontera de su ciudad fue su parlante del mundo. Allí escuchó por primera vez a Nat King Cole y Frank Sinatra, dos influencias inmensas en su carrera. “La música del jazz siempre va no con el tiempo, sino adelante del tiempo. Va dejando una huella. Es lo que estamos dejando”, dijo el artista en su última entrevista este año. Como una premisa, honró siempre ese principio, esa forma de ver el jazz. Su huella empezó a quedar marcada desde 1954, cuando formó parte del primer disco de jazz grabado en su país que contaba con un repertorio que rendía homenaje a músicos locales y a las leyendas del género. Desde ese momento, el jazz se convirtió en el puente que le permitiría conectar con el mundo. En su primera gira conoció Grecia, Turquía, Francia, España, además de Brasil, Argentina, Colombia y Cuba.Acababa la guerra y Conteras se radicaba en la ciudad. Trabajó en la radio y coincidió con artistas de muchos campos, es el caso de la leyenda cine mexicano Tin Tan, quien se convertiría en una de sus duplas creativas. Su camino en la música también se hizo fértil de la mano de orquesta de Luis Alcaraz, con quien conoció el merengue y se propuso hacerlo sonar en México. Ríguz fue su primera apuesta en solitario. Se trataba de un club nocturno donde tocaba jazz en compañía de quienes serían su futura orquesta: Tommy Rodríguez, Mario Patrón, Pablito Jaimes, Leo Carrillo y Héctor Hallal El árabe. Todo parecía iluminarse con su música. Los conciertos seguían sucediendo cada noche y eran más los asistentes al lugar.Sin embargo, el hito que lo enmarcó como leyenda del jazz llegó en 1966, año en el que Contretas estrenó “Misa en Jazz”, interpretada en ese momento como un gesto de espiritual que conquistó más oídos dentro y fuera de México, sin imaginar que sonaría en el Vaticano. “Se dice que después de Dios es la música”, confesaba como un devoto del sonido el artista.A los 97 años, falleció Tino Conteras. Un hombre que supo tejer un camino directo al cielo, a partir de la música. Las oraciones y los rezos están de más, Contreras tenía un lugar asegurado junto a la. divinidad, gracias al jazz.
A mediados de los años cuarenta, Frank Sinatra se dejó seducir por el embrujo que esconden las calles de La Habana y viajó en dos oportunidades. Para cuando arribó a la isla por primera vez en febrero de 1947, Sinatra apenas había cumplido los treinta y ya era toda una celebridad consagrada, no solo por su prodigiosa voz, sino por llevarse vítores en el escenario y más de un suspiro adolescente en la pantalla grande. Como él, otra constelación de estrellas de su época como Enrico Caruso, Agustín Lara y Jorge Negrete ya se habían cautivado con la brisa de las noches habaneras.Se habla que la primera vez que Sinatra pisó suelo cubano lo hizo como invitado de un millonario italiano para recibir un homenaje en los exquisitos salones del Hotel Nacional de Cuba, pomposo evento que acabó siendo no más que un encuentro de los principales capos de familias de la mafia en las que él sería figura estelar. Para cerrar con broche de oro dicha visita, se reservó el Casino Parisién y se ofreció un festín acompañado por bailarinas de los cabarets Tropicana y Montmartre.Sorpresivamente, cerca de la media noche, la luz del salón se apagó y de repente se encendió en el escenario iluminando la silueta de la más promisoria estrella del momento: Sinatra. Como solía hacerlo cuando estaba entre amigos, cantó hasta enronquecer. Luego se retiró para descansar, pidiendo que nadie lo molestara. Era tanto su afán de pasar desapercibido aquella vez, que se rehusó a registrar su visita en el hotel. Incluso, se desconocía de su permanencia en la isla hasta que, a su regreso a Estados Unidos, la publicación de una revista afirma que el cantante cenó con la mafia en un hotel de La Habana. Su reputación era escándalo nacional.Sinatra volvería a Cuba en 1951, esta vez de la mano de la bellísima Ava Gardner, con quien contrajo matrimonio un día después de haber anulado su fallido anterior matrimonio con Nancy Barbato. Ambos decidieron pasar allí la luna de miel, lejos de las cámaras y del estrepitoso grito de la fama. Incluso en su estadía, su carácter huraño y huidizo no permitió que nadie se le acercara a su esposa, el reciente mito erótico de Hollywood que tras su papel en la película de William Seiter, "One touch of Venus", era llamada "el animal más bello del mundo", un apelativo que siempre odió.De esta visita no se ha dicho mucho. Algunos testimonios aseguran que no cantó porque había firmado un contrato en exclusiva con Columbia que le impedía cantar para los cubanos. Se sabe que visitó con Ava el Cabaret Montmartre y fueron a más de un club nocturno. Tras dos semanas de viaje, salieron de la isla en un vuelo privado rumbo a Los Ángeles, ciudad donde se radicaron. Nunca más volverían a Cuba y aunque su paso por la isla está envuelto de controversia, allí Sinatra lo tuvo todo.
Tras el sorpresivo lanzamiento del tráiler de la nueva película La Casa Gucci (The House of Gucci), Lady Gaga dio a conocer el que será su nuevo material discográfico, 'Love For Sale' el cual contará con la participación de una absoluta leyenda de la música: Tonny Bennett. El primer sencillo que lleva por nombre "I Get A Kick Out Of You", popularizado en su momento por Frank Sinatra, ya está disponible.Así lo dio a conocer por medio de sus redes sociales, en las que la cantante de emblemáticos temas como 'Poker Face' o 'Bad Romance' hizo el anuncio, además de revelar la fecha de lanzamiento del material y el primer sencillo del álbum.En cuanto al álbum, "Love For Sale", que saldrá al mercado el próximo 01 de octubre, ya se puede realizar la compra anticipada tanto en formato físico como digital; las opciones de distribución a las que refiere en Twitter son Apple Music, Amazon Music, TARGET y también iTunes Store; hay opciones tanto en físico como digital.Ésta no es la primera ocasión en la que Lady Gaga y Tony Bennett colaboran con un álbum completo, pues en 2014 lanzaron el trabajo "Cheek To Cheek", lo cual Gaga recordó con cariño por medio de su misma red social.El anuncio llega en un día especial para Bennett, pues celebra su cumpleaños número 95. Es por ello que Lady Gaga convocó a sus seguidores a hacerle un regalo muy especial a su amigo, creando un Reels con el hashtag #Tonys95thBdayCard, de modo que puedan hacer una 'tarjeta' en video con 95 razones por las que lo aman.
Luego de ser anunciado el documental "Amy Winehouse & me: Dionne’s Story por parte de su ahijada Dionne Bromfield, los padres de Winehouse hicieron lo propio. A través de redes sociales presentaron "Reclaiming Amy", una coproducción junto a BBC, que según el padre de la artista presenta una visión completa de lo que fue Amy Winehouse. En el audiovisual aparecen testimonios y entrevistas de amigos de la cantante que revelan la fragilidad de sus emociones, luego de un largo proceso de adicción en el que recaía, a pesar de múltiples intentos de desintoxicación. Catriona Gourley es uno de los relatos centrales del documental y en este revela que tuvo una relación romántica con la cantante. Lea también: ""Amy Winehouse & me: Dionne’s Story", un homenaje a la artista, luego de una década de su muerte"."Reclaiming Amy" también plantea una verdad sobre el abuso y explotación que sufrió Winehouse por parte de su familia, quienes han sido culpados en diferentes medios de no haber sido lo suficientemente solidarios, durante las rehabilitaciones de la artista. Gourley se opone rotundamente a esas afirmaciones y desmiente los testimonios que fueron expuestos como realistas en "Amy", el documental publicado en 2015.Gourley también habla del daño emocional que causó en Winehouse el cubrimiento voraz de la prensa, durante cada recaída de la cantante y asegura que si hubiese sucedido en el presente, "Amy Winehouse no habría sido objeto de tanta burla por parte de la prensa sensacionalista". Recordemos que durante la primera década de los 2000, el fenómeno de los paparazzi no solamente estaba normalizado, sino avalado para sobrepasar todos los límites de privacidad aunque llegase a convertirse en un acto de violencia física y simbólica. Winehouse y Britney Spears fueron parte de las artistas que vivieron sus más grandes fracturas emocionales desde la esfera pública, hasta hacerlas sentir como un show de televisión más.Los padres de Amy Winehouse aseguran que decidieron colaborar por primera vez en un documental sobre la vida de su hija para cambiar la imagen que muchas personas tienen sobre ella. Más allá de las drogas, los conciertos fallidos y las crisis que vivió, Winehouse era una mujer talentosa y noble, y es precisamente esa piel la que desean que sea recordada. "Reclaiming Amy" será transmitido por el canal BBC TWO, con estreno simultáneo en su plataforma web.Tengo miedo de mí misma, es la frase que Amy pronunciaba cuando preguntaban sobre su adicción. Así inicia el primer adelanto del documental que desde ya, presenta a los espectadores un relato personal e íntimo, cargado del amor de una familia que a pesar del duelo, el tiempo y la ausencia de la artista, se opone al recuerdo trágico. Vean aquí el trailer.
La llamaba afectuosamente “the cage", que era la jerga usada en ese tiempo para denominarla. Había empezado a consumirla desde muy joven. A los 29 años, Armstrong fue arrestado junto con el baterista Vic Berton a las afueras del Cotton Club en Culver City, por fumar marihuana. Esa noche ambos fueron recluidos una celda, y según cuenta en su autobiografía, riendo porque aún estaban drogados. Sin embargo, dejarían de hacerlo a la mañana siguiente luego de pagar una fianza de $1,000 dólares cada uno. Más tarde los detectives le confesaron a Armstrong que le habían arrestado simplemente porque el líder de una banda rival estaba celoso de su talento y les había pedido hacerlo.Pero el gusto de Louis por la marihuana era tal que lo elevó como una inspiración para componer en 1928 la pieza instrumental “Muggles”, palabra con la que los músicos llamaban al porro armado de forma casera con hojas de cannabis. El tema fue un éxito.Las anécdotas no paran ahí. En 1954, su esposa Lucille fue detenida por llevar sólo 14,8 gramos de marihuana en su maleta. Hoy todavía se especula que le pertenecía a Armstrong. Fuese como fuere, era una cantidad ridícula que llevó a la pobre mujer a la cárcel. Este incidente le produjo tanta frustración, que escribió una carta pro-legalización:Durante esa década, era muy común que el Departamento de Estado de EE. UU. enviara a escritores, artistas, músicos y figuras del deporte afroamericanos como Embajadores de Buena Voluntad en todo el mundo para promover la democracia durante la Guerra Fría.No obstante, una de las historias más paradójicas y curiosas surgió cuando Louis Armstrong fue nombrado Embajador de Buena Voluntad ante la Organización de las Naciones Unidas y fue enviado a una gira de conciertos por Europa y Asia. Ante su privilegiada condición de embajador, cuando regresó de las dos primeras giras, nunca fue requisado por considerársele una celebridad. Sin embargo, cuando aterrizó en el aeropuerto de Idlewild en Nueva York en 1958, se unió a una larga fila de viajeros que serían inspeccionados en la aduana.Satchmo comenzó a sudar profusamente. Llevaba un kilo y medio de marihuana escondido en el estuche de su trompeta. No obstante, mientras Louis esperaba en la larga fila para ser inspeccionado, el vicepresidente Richard Nixon apareció en la sala con una seguidilla de reporteros y de fotógrafos. Cuando Nixon vio a Armstrong, inmediatamente fue hacia él y le preguntó qué estaba haciendo allí. "Bueno, Pops, acabo de regresar de la gira como Embajador de Buena Voluntad y me dijeron que tenía que hacer fila para la aduana", dijo.En ese mismo momento y sin pensarlo, Nixon, que alcanzaría la fama tiempo después por declararle la guerra a las drogas, agarró las dos maletas de Armstrong: "Los embajadores no tienen que pasar por la aduana y si usted me lo permite, el vicepresidente de los Estados Unidos con mucho gusto le llevará sus maletas". afirmó. Satchmo se alegró de aceptar su ayuda. Lo había logrado: su cargamento estaba del otro lado de la aduana.En 1971 y poco antes de morir, accede a sentarse con Max Jones y hablar sobre el tema. Dice que se vio obligado a tener que dejar la marihuana a pesar de sus beneficios medicinales.Ese mismo año, Nixon, quien ya era presidente y que durante su gobierno se había conjurado orgullosamente como el hombre que le había declarado la guerra a las drogas en los EE.UU., no salía del asombro y del estupor cuando le dijeron lo que realmente había sucedido esa vez en el aeropuerto. Exclamó: "¿Louis fuma marihuana?"
El 17 de agosto de 1959 la historia de la música norteamericana se partió en dos. Ese lunes la discográfica Columbia Records sacaba a la venta el disco Kind of Blue, de Miles Davis, un álbum que con el paso del tiempo se convirtió en el más vendido de la historia del jazz.Grabado en dos sesiones de 10 horas cada una (2 de marzo y 22 de abril de 1959) en los estudios de Columbia en la ciudad de Nueva York, Davis juntó en un solo cuarto una banda incomparable conformada por algunos de los músicos más grandes de la historia del jazz. Músicos como John Coltrane, Bill Evans, Cannonball Adderley, Paul Chambers, Jimmy Cobb y Wynton Kelly, quienes se destacaron con obras en solitario que también marcaron tendencia en el género.La clave de Davis en su proceso creativo fue dar la espalda a progresiones de acordes estándar y optar por escalas modales para componer e improvisar.En las notas originales del disco lanzado en Estados Unidos, el pianista Bill Evans contó que la banda no tocó ninguna de las piezas antes de la grabación. De hecho, Davis presentó los acordes antes de que la cinta rodara; luego vino la improvisación.Un año antes Davis había explorado ya esta forma de trabajo en el disco Porgy and Bess, que produjo con el arreglista canadiense Gil Evans, basado en la ópera del mismo nombre del compositor George Gershwin.Publicado en agosto de 1958, Porgy and Bess fue la segunda colaboración entre Miles y Evans. Sobre ese trabajo, Miles decía:Cuando Gil Evans escribió el arreglo de ‘I love you, Porgy’, solo escribió una escala tonal para mí. Nada de acordes”, cosa que, según comentó en su momento, le daba “montones adicionales de libertad”.De esta manera trabajó en Kind of Blue un año después. El resultado aún intriga a algunos de los músicos más influyentes, como Carlos Santana, quien comentó en un documental realizado para el aniversario 50 de esa obra: "¿Cómo es posible llegar al estudio con lo mínimo y salir con algo eterno?"El crítico alemán Joachim Berendt, en su libro Das Jazzbuch, comenta:Esa libertad descubierta por músicos como Coltrane, Evans y el propio Miles se convirtió por primera vez en fuerza integradora, que redundó en un lirismo y una sensibilidad hasta entonces desconocidos en esta clase de música”.Éxito de ventas:En el éxito con el gran público Berendt dice que tuvo que ver la forma en que Miles Davis tocaba la trompeta con sordina, casi como si soplara despacio con la trompeta hacia el micrófono.Esta técnica en específico se puede escuchar en el solo de ‘Round Midnight, del disco ‘Round About Midnight (1957), que alcanzó especial éxito comercial. Otro solo tocado con sordina es el de All of You, de ese mismo disco, elevado incluso en algunos análisis como “uno de los más bellos solos de jazz de los años cincuenta”.El sonido de Davis no es el típico de otros trompetistas, que empiezan en un momento preciso para terminar en otro momento determinado; “el tono de Davis empieza en un momento que no se puede asir; parece venir de la nada y termina sin que se sepa cuándo, para desvanecerse, por así decirlo, otra vez en la nada”, según analiza el texto Das Jazzbuch.El arreglista Gil Evans decía que “en ese sonido en apariencia reprimido y tímido hay una fuerza y presencia de expresión que nadie más ha alcanzado con la sordina de aluminio”.De hecho, desde que Davis introdujo esa sordina por primera vez en 1954 en el tema ‘Oleo’, la interpretación con ese accesorio en el jazz, incluso en el rock y el pop, se ha vuelto tan habitual que vale aclarar que él fue el primero en popularizar ese timbre en la música norteamericana.La sencillez como recurso:Por otro lado, y en su afán por tocar sencillo, Miles liberó sus improvisaciones de la prisión que pueden representar progresiones de acordes constantemente cambiantes y armó sus improvisaciones a partir de escalas.Por ejemplo, la composición de So What se basa, en sus primeros 16 compases, en una sola escala que luego, hacia la mitad, es relevada por otra escala, para luego regresar, en los últimos ocho compases, a la primera escala. Por eso se cita a Kind of Blue como una prueba para neófitos del jazz: si no siente placer escuchándolo, esta música no es para usted.El álbum trabaja en niveles diferentes. Es música avanzada, pero extraordinariamente sencilla y de fácil consumo. Tal vez por eso el compositor y musicólogo francés André Hodeir, al analizar ese momento histórico del jazz, dijo:Los únicos logros estéticos auténticos desde la gran época de Charlie Parker y Dizzy Gillespie son los de Miles Davis”.
Con muchos años sin ir a su tierra natal y recordando lo que significa para él un país como Cuba, el maestro del saxofón y clarinetista Paquito D’Rivera contó para HJCK cómo era visto el jazz en la isla.D’Rivera, referencia obligada de la música clásica, jazz y popular en latinoamericana y buena parte del mundo, dijo que, aunque se encuentre lejos de “la dictadura de Cuba”, no puede olvidar que ese estilo fue perseguido en su país. “El jazz fue perseguido mucho tiempo por ser considerado un estilo musical imperialista. Sin embargo, en la actualidad, nunca ha habido mejores músicos de jazz como los hay ahora en Cuba, solo que ninguno está allá. Ahora hay un festival de jazz muy grande en mi país”, relató D’Rivera.El músico recordó también que, antes de iniciar sus más de 60 años de experiencia en la música, cuando vivió en Cuba “había dos o tres maestros del jazz con los que se podía contar, ahora hay un montón y aunque me cuesta muchísimo trabajo decir algo positivo de allá, es la verdad”.Su visión sobre la isla está más latente que nunca. Pese a su amor por la isla, Paquito mantiene una posición firme sobre la situación política que ha vivido el país caribeño. “Ninguna dictadura se va a caer a base de besitos o intercambios culturales, mire lo que está pasando en Venezuela, a los dictadores no les interesa lo que los demás piensen y siempre le echan la culpa al imperialismo, al diablo, a la brujería, a todo. Yo estoy bien lejos de eso”, puntualizó D’Rivera a HJCK.¿Volvería a presentarse en Cuba?Aunque parece imposible por la cantidad de años que el maestro ha permanecido fuera de la isla y al estar radicado en New York, D’Rivera mantiene la esperanza de volver a presentarse en Cuba.“Dios te oiga, que más quisiera yo que ir a mi propio país o en lo que queda de él”, fueron las palabras del maestro en medio de una notoria nostalgia por el estado en el que se encuentra su tierra natal.
Para conmemorar los 25 años del Festival Jazz al Parque, el Instituto Distrital de las Artes presenta Jazz Mutante, un proyecto transmedia que recorre la historia de este evento bogotano y su impacto en el desarrollo del jazz en Colombia y América Latina.Jazz Mutante incluye una serie audiovisual, una serie podcast, un compilado musical, un banco de partituras y un libro digital que alberga y compila los demás productos. Se trata de una oferta de contenidos que la ciudadanía podrá disfrutar sin salir de casa, en www.jazzalparque.gov.co.“Desde sus inicios, el Festival Jazz al Parque ha sido una importante plataforma de circulación y promoción para proyectos emergentes y de trayectoria de la ciudad. Se ha consolidado como un escenario para el desarrollo, el fortalecimiento y la consolidación de la escena musical y su relación con la ciudadanía. Hoy, el Festival Jazz al Parque pone a disposición de la ciudad un producto transmedia de acceso libre, que permite profundizar en la historia, impacto y evolución de un lenguaje musical que está en constante reinvención”, dice Salomé Olarte, gerente de Música del Idartes. La serie audiovisual Jazz Mutante ofrece cuatro capítulos de ocho minutos que cuentan el recorrido creativo de la cantante Gina Savino, el pianista Nicolás Ospina, la agrupación Mula y la flautista Anamaria Oramas, donde se podrá ver cómo el jazz es una herramienta natural de integración con otros lenguajes musicales.El compilado musical Jazz al Parque, 25 años en 25 temas, disponible en la plataforma Spotify, presenta el repertorio de proyectos distritales que han sido protagonistas a lo largo de este cuarto de siglo del Festival, es el caso de artistas como Ricardo Gallo Cuarteto, Antonio Arnedo, Oscar Acevedo, Gina Savino, Nowhere Jazz Quintet, Edy Martínez, Juan Andrés Ospina, Lucía Pulido y Zaperoco, entre otros.Por su parte, el banco de partituras Big Band Bogotá hace un recorrido por la historia de este importante laboratorio creativo que reúne a muchos de los compositores, arreglistas e intérpretes más destacados de la escena del jazz en Bogotá, a través de 10 fascículos de partituras donde se encontrarán temas originales y arreglos de su repertorio. Esta es una importante herramienta para músicos e investigadores del país y del mundo, donde se podrán encontrar obras como El Puente de Antonio Arnedo, Sinfonía Municipal IV de Edson Velandia y Baila con el viento de Juan Sebastián Monsalve, entre otras.El producto Jazz al podcast, realizado en alianza con Caracol Radio, narra historias del Festival Jazz al Parque que, más allá de ser vitrina para una divulgación, ha tenido la facultad de cambiar vidas y ser motor de enormes iniciativas colectivas e individuales. En esta serie podcast se podrán escuchar historias de vida de personajes que transformaron el jazz nacional, el rol de mujeres cantantes en el Festival, y el recorrido completo de la Big Band Bogotá, entre otros. Este material estará también disponible en www.caracol.com.co, Spotify, Deezer y demás plataformas digitales.Finalmente, el libro digital ofrecerá varias maneras de vivir y conocer las facetas de la historia del Festival Jazz al Parque y su impacto en el desarrollo del jazz distrital y nacional a través de artículos, crónicas, archivo fotográfico, perfiles, entrevistas y textos escritos a partir del periodismo cultural, la literatura, la musicología, la crítica y la investigación musical. Además, aquí se compilan y complementan todos los demás productos del proyecto transmedia Jazz Mutante convirtiéndose así en una experiencia multisensorial para los lectores.“Invitamos a todos los ciudadanos a conocer los variados productos que se encuentran en Jazz Mutante, un proyecto transmedia que brinda una mirada interdisciplinar del desarrollo del Jazz al Parque y su importancia histórica no solo en la creación de una escena sino también en la formación de públicos. Esta es, sin duda, una mirada global del Festival que nos permite celebrar sus 25 años”, concluye Catalina Valencia, directora del Idartes.Este proyecto ofrece a la ciudadanía una experiencia única y se convierte en una herramienta musical y de memoria que aportará de manera significativa a los procesos de formación, investigación y gestión de este género musical.
The Beatles, Coldplay, Pentatonix, Jimi Hendrix, Johhny Cash, Elvis Presley, John Mayall, Eric Clapton, The Animals, Hugh Laurie y Willie Nelson son solo algunos de los músicos que han rendido tributo a las canciones del ‘Padre del Soul’. Estos son algunos de los mejores covers de exitosas canciones de Ray Charles:What'd I SayConsiderada la décima mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, el éxito de What'd I Say supuso para Charles ser apodado como el ‘Padre del Soul’.Este single, además, fue dividido en dos partes por el sello discográfico Atlantic Records ante la preocupación de los productores porque era demasiado extensa para sonar en radio, detalle que no impidió que se convirtiera en uno de los mayores éxitos del artista en toda su carrera.Hit the Road JackCon esta canción, escrita por Percy Mayfield, Ray Charles obtuvo el premio Grammy a la mejor grabación de R&B en 1971.Georgia On My MindAunque no fue compuesta por Charles, su interpretación en el álbum de 1960 The Genius Hits the Road popularizó en la radio estadounidense este tema de 1930, considerada la canción oficial del estado de Georgia, cuna del ‘Padre del Soul’.Hallelujah I Love Her SoCompuesta en 1956, esta canción de R&B fue incluida en su LP debut en 1957. Alcanzó el número cinco en la lista Billboard de R&B y en su grabación contó con Don Wilkerson en el saxofón.Mess AroundUna de las canciones más bailables de Ray Charles, fue escrita originalmente por el presidente y fundador del sello Atlantic Records, Ahmet Ertegün.You Don't Know MeAl lanzarla en su álbum Modern Sounds in Country and Western Music, Ray Charles alcanzó con este single el número 2 en la lista Billboard Hot 100, siendo la más vendida de las múltiples versiones de esta canción, escrita por Cindy Walker.
A pesar del tiempo transcurrido, Marley sigue siendo la voz de los desposeídos, y perduran el espíritu de protesta y la moral de sus canciones, como "One Love," "Redemption Song" y "I Shot The Sheriff". Algunos de sus temas, considerados himnos de paz y lucha, esperanza y descontento, aún suenan en todo el mundo, especialmente en su Jamaica natal, una pequeña nación cuya cultura popularizó su ciudadano más famoso."Se dice que las estrellas que más brillan a veces no arden tanto tiempo y, en gran parte, Bob Marley fue nuestra estrella más brillante; logró mucho en un corto período de tiempo", dijo Judy Mowatt, miembro original del influyente trío I -Threes, cuyas voces acompañaron a Marley."Mirando hacia atrás ahora, creo que en muchos sentidos, se adelantó a su tiempo", dijo Mowatt a la AFP. "Sus palabras han sido proféticas, era un hombre que creía en todo lo que cantaba, no eran solo letras y música"."El dinero no puede comprar la vida"A Marley le diagnosticaron un melanoma lentiginoso acral debajo de la uña del pie cuando sufrió una lesión jugando al fútbol en 1977. Rechazó las recomendaciones de los médicos de amputar el dedo afectado, un procedimiento que violaba su férrea fe rastafari.Mientras estaba en Nueva York en 1980 para realizar dos actuaciones en el Madison Square Garden, Marley se derrumbó mientras corría en Central Park. Fue ingresado de urgencia en un hospital, donde los médicos descubrieron que el cáncer se había extendido al cerebro, a los pulmones y el hígado.Marley actuó por última vez en Pittsburgh el 23 de septiembre de 1980. No mucho después, acortó su gira y se sometió a meses de tratamiento alternativo contra el cáncer en Alemania.De camino a su casa en Jamaica para recibir uno de los premios más importantes de su país, la Orden del Mérito, el estado de Marley empeoró. Aterrizó en Miami para buscar tratamiento de emergencia. "El dinero no puede comprar la vida", le dijo -según trascendió- a su hijo Ziggy desde la cama del hospital antes de su muerte el 11 de mayo de 1981.The Wailers reunidosLa muerte de Marley fue un momento que marcó a Mowatt. "Era un lunes por la mañana, sentada en la terraza como estoy ahora, recibí la llamada telefónica de que Bob había muerto", explicó. "Fue muy doloroso. Todos los años que habíamos trabajado juntos llegaron a su fin, y me afectó".Marley tuvo un funeral de estado en Jamaica el 21 de mayo de 1981, en el que se combinaron elementos de la tradición etíope ortodoxa y rastafari. Fue elogiado por el ex primer ministro Edward Seaga y enterrado, junto a su guitarra, en una capilla cerca de su lugar de nacimiento.El 40 aniversario de la muerte de Marley tiene un significado particularmente especial, ya que este año murió Bunny, el último miembro original de los Wailers. En la década de 1960, el grupo ayudó a transformar el reggae, con sus intensas líneas de bajo y batería, en un fenómeno global.El género, que surgió de los estilos ska y rocksteady de Jamaica, también inspirado en el jazz y el blues estadounidenses, ha influido en innumerables artistas e inspirado muchos estilos musicales nuevos, incluidos el reggaetón, el dub y el dancehall.El reggae a menudo se clasifica como una música de los oprimidos, con letras que abordan cuestiones sociopolíticas. "La mayoría de la gente no domina el recuerdo. Bob Marley nunca fue visto. Fue una experiencia que dejó una huella mística indeleble con cada encuentro", dijo Seaga en su elogio al cantante tras su fallecimiento. "Un hombre así no se puede borrar de la mente. Es parte de la conciencia colectiva de la nación", añadió.
Con esta edición de INTENSIVO, Espacio Odeón reunirá colectivos y agentes que privilegian el arte y el símbolo como medios que incomodan, resignifican, convocan y transforman. Son cuerpos en emergencia, es un estallido social que creció y se visibilizó durante las manifestaciones en Colombia. INTENSIVO abre un espacio para fortalecer y ampliar una red de proyectos artísticos, comunitarios y de resistencia que se vienen construyendo desde hace años, que cada vez se apropian más del espacio público; son manifestaciones culturales cargadas de una necesidad colectiva de cambio.A lo largo de tres semanas, los espectadores encontrarán en INTENSIVO un performance sobre el fusilamiento de José Padilla (1828), otro alrededor del fenómeno de la minería, una pintura hecha en vivo que se pregunta sobre la figura de Quintín Lame, entre otras manifestaciones. También habrá espacio para el baile a través de laboratorios de danza (abierta al público y gratuita) y muestras de Voguing, una expresión activista de resistencia contra la marginación de grupos minoritarios que nació en la década de los ochenta en Estados Unidos.Además, INTENSIVO será la oportunidad para construir memoria sobre la protesta social en Colombia. Por ejemplo, tendremos archivos y proyecciones de diferentes movimientos estudiantiles y barriales que han sido fundamentales en el estallido social, ofreceremos una cocina colectiva alrededor de la cual queremos reflexionar sobre el territorio, sus luchas, las huertas urbanas o el compostaje en las ciudades, y construiremos un mapa colectivo y colaborativo del paro y su geografía. En total serán más de 15 invitados y cerca de 20 acciones que se desarrollarán en el Espacio Odeón, pero también en otros lugares de Bogotá y Cali.La programación será una oportunidad para expresarse, reclamar, refugiarse, crear y explorar sobre la urgencia y la necesidad de articular un proceso de reconocimiento y de análisis colectivo. Mucho más, teniendo en cuenta este momento de hartazgo, de afectación y de transformación social. Será un lugar para compartir saberes, experiencias y gestos que nos atraviesan históricamente y se manifiestan con cada vez más fuerza en el espacio público y el cuerpo colectivo.
Como parte de las apuestas y estrategias para difundir el legado vivo que la Comisión de la Verdad le dejará a la sociedad colombiana y al mundo al final de su mandato, del 16 de septiembre al 7 de octubre, los martes y jueves a las 6:00 p.m., en la página de Facebook de Artes Visuales MinCultura, la Comisión de la Verdad y el Ministerio de Cultura llevarán a cabo una serie corta de conversaciones interdisciplinarias entre distintos miembros de la Comisión de la Verdad y siete artistas que están exponiendo una de sus piezas en los 17 Salones Regionales de Artistas. Las charlas también se replicarán en la cuenta de Facebook de la Comisión de la Verdad.Los artista y moderadores de la Comisión de la Verdad pertenecen a cada una de las siete regiones en las que están estructurados los Salones Regionales, y su obra reflexiona sobre la relación entre el arte y el territorio desde distintos temas de especial interés para el trabajo de la Comisión de la Verdad.En términos generales, los Salones Regionales de Artistas son uno de los programas nacionales más importantes para los artistas emergentes en Colombia, y resulta interesante articularlo con el trabajo de la Comisión de la Verdad no solo porque ambos comparten un enfoque territorial, sino porque algunos de los artistas jóvenes que están exponiendo este año reflexionan sobre problemáticas relacionadas con la misión de la Comisión de la Verdad, como la violencia, el patriarcado, el racismo, la estigmatización, las afectaciones al medioambiente por cuenta del conflicto armando interno, la resistencia, el arraigo y la defensa del territorio, los procesos de memoria y la construcción de paz.El objetivo de estas charlas es entonces promover un diálogo interdisciplinario con un enfoque territorial entre algunos artistas que participan en los Salones y los coordinadores de las macroterritoriales de la Comisión de la Verdad. Hablar desde el arte de estos temas le permite a la Comisión de la Verdad reflexionar desde otros lenguajes sobre las problemáticas sociales, políticas, económicas y culturales propias de cada territorio, y que han aparecido en su ejercicio de investigación, reconocimiento y escucha profunda a lo largo de su mandato.El cronograma acordado para este ciclo de conversaciones es el siguiente: Jueves 16 de septiembre / 6:00 p.m.Región Orinoco-AmazoniaObra: El indio dormido, de Pablo Andrés González RojasConversa con: Heriberto Tarazona, coordinador de la territorial Guaviare de la Comisión de la VerdadPablo González Rojas nació en Mesetas, Meta, Colombia (1988). Inició su trayectoria artística en el año 2015 cuando ingresó al pregrado de Artes Plásticas en la Fundación Universitaria de Bellas Artes. Indaga sobre el trauma individual y colectivo a causa de la violencia política en Colombia y su consecuencia sobre el territorio, la memoria y la identidad. Fue uno de los ganadores del programa de Estímulos por parte del Ministerio de Cultura en la categoría de reconocimientos nacionales en el 2020 y participante del III encuentro de Investigación en la Fundación Universitaria Bellas Artes en el 2018. Actualmente, continúa su carrera como artista en la Universidad de Antioquia.Descripción breve de la obra: El indio dormido aborda la relación del territorio y los conflictos sociales. Utiliza el machete como parte de la construcción simbólica que constituye la violencia en Colombia, sobre todo en los Llanos Orientales.Martes 21 de septiembre / 6PMRegión OrienteObra: Intervalo, de Paula TorradoConversa con: Lorena Corvera, coordinadora territorial de Norte de Santander de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Artista visual y magíster en Museología y Gestión del Patrimonio de la Universidad Nacional de Colombia. Su trabajo artístico explora las intersecciones de la memoria cultural, la cultura visual y el entorno construido en espacios fronterizos con identidades inciertas. Sus intereses en el campo de la museología se enfocan en las prácticas decoloniales en las instituciones culturales y en los procesos de construcción de memoria histórica a través del arte.Descripción breve de la obra: Intervalo es un ensayo visual sobre un tránsito a través de la frontera colombo-venezolana, y sobre el margen en constante mutación que contiene las historias en territorios marcados por la migración.Jueves 23 de septiembre / 6:00 p.m.Región Centro-OccidenteObra: Hijos de hilos, deshilándose, de Laura Vallejo VelásquezConversa con: Óscar Martínez, coordinador territorial Pereira de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Laura Vallejo Velásquez nació en Medellín. Es artista plástica de la Universidad Nacional de Colombia y comunicadora gráfica publicitaria de la Universidad de Medellín. Trabaja en el equipo de educación del Museo de Antioquía desde 2019. Fue ganadora de la convocatoria de estímulos “Arte con alma” del Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquía, con la obra Al amparo de los días. Ha participado en exposiciones colectivas y ha sido finalista de diferentes convocatorias artísticas en Medellín. Los temas de su obra son la familia, el cuerpo, las emociones y las herencias.Descripción breve de la obra: La obra plástica está conformada por una trilogía de videos cuyo hilo es un narrador que reflexiona sobre la ausencia, el duelo, el peso emocional, físico y psicológico de la pérdida.Martes 28 de septiembre / 6:00 p.m.Región CaribeObra: Encuentros 1, de Ramón Eduardo LinerosConversa con: Ángela Rodríguez, coordinadora de la territorial Córdoba de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Ramón Lineros Picón nació en Ocaña, Norte de Santander, Colombia, en 1994. Es artista y gestor cultural, vive y trabaja en Aguachica, departamento del Cesar. Es egresado de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es director de “PaEntro” Espacio, una institución dedicada a la creación y difusión de prácticas artísticas en el sur del Cesar, Magdalena Medio y Catatumbo, propiciando laboratorios, residencias, exhibiciones, encuentros, viajes, podcasts y movilizaciones con comunidades rurales y urbanas.Descripción breve de la obra: Encuentros 1 es una serie de encuentros con comunidades de Aguachica, Gamarra y Loma de Corredor, Cesar, que reactiva manifestaciones musicales tradicionales del río Magdalena, y reflexiona sobre el territorio, la historia y la memoria.Jueves 30 de septiembre / 6:00 p.m.Región PacíficoObra: Marimba expandida, de Daniel Escobar VásquezConversa con: Gerardo Peña, coordinador de la territorial Cauca de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Daniel es comunicador social de la Universidad del Valle con estudios de Ingeniería Electrónica, y Magíster en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero de Argentina. Nació en Cali y le interesa el diálogo entre tecnologías y medios digitales, y prácticas culturales tradicionales. Descripción breve de la obra: Marimba expandida es una instalación interactiva que utiliza como interfaz una marimba de chonta, combinando proyecciones de video sobre arena y una proyección de videomapping sobre la misma marimba. La instalación invita al público, sea músico o no, a que toque la marimba. Este trabajo explora el intercambio entre los saberes ancestrales de la construcción y ejecución de instrumentos musicales artesanales, y los saberes de la creación visual y electrónica.Martes 05 de octubre / 6:00 p.m.Región SurObra: Abuelo, de Carlos ZúñigaConversa con: Diana Trujillo, coordinadora de la territorial Tolima de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Carlos es Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad del Tolima. Nació en el municipio de Rioblanco al sur del departamento del Tolima. Es artista con estudios en Modelado y Texturizado 3D. Obtuvo una tesis meritoria por su trabajo de grado Narrativas de río, donde aborda de la normalización de la violencia en su natal Rioblanco.Descripción breve de la obra: El abuelo es una obra que reflexiona sobre el río como testigo de la violencia en Colombia. En su municipio natal, al río lo conocen como el abuelo, y en la década de los noventa el grupo paramilitar AUC amenazaba a la población con mandarlos a hablar con él.Jueves 07 de octubre /6:00 p.m.Región CentroObra: El reloj de arena, de Pedro Gustavo JiménezConversa: con Darío Sendoya, coordinador de la territorial Bogotá de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Pedro Gustavo es artista plástico y educador. Es maestro en artes plásticas y visuales, con estudios en Literatura, promoción de lectura y escritura, ymediación cultural. Le interesa el trabajo comunitario y el reconocimiento de saberes y memorias locales y territoriales. Participó en un programa de promoción de lectura y escritura en espacios no convencionales de Fundalectura dirigido a niños y niñas, adolescentes y jóvenes, y en la exposición Voces para transformar a Colombia del Museo de Memoria de Colombia.Descripción breve de la obra: El reloj de arena es una obra que se compone de un archivo de relatos e imágenes de la historia de sus abuelos paternos, atravesada a su vez por la historia de las migraciones del campo a la ciudad y el proceso de expansión urbana de Bogotá.
Como aporte a la reactivación económica de la ciudad y con el fin de resaltar la importancia del conocimiento y uso de las plantas en la alimentación humana, este fin de semana el Instituto para la Economía Social - IPES y el Jardín Botánico de Bogotá se unen para realizar el primer Festival Gastronómico "Sabores del Jardín".Coincidente con las actividades que la Administración Distrital viene programando para celebrar el Día del Amor y la Amistad, este 18 y 19 de septiembre las dos entidades se lanzan en una apuesta de sabores, aromas, conocimientos, secretos de las abuelas, saberes ancestrales y otras experiencias en torno a la cocina tradicional de plazas de mercado como La Concordia, La Perseverancia, Trinidad Galán, 7 de Agosto y Las Ferias, que en esta ocasión se desplazan desde sus lugares de origen hasta la plazoleta exterior del Jardín Botánico para el deleite de visitantes nacionales y extranjeros.Tras la reapertura gradual y controlada de varios sectores de la economía, desde junio de este año el IPES y el Jardín Botánico han comenzado a desplegar estrategias encaminadas a apoyar a los comerciantes de las plazas de mercado así como a las y los agricultores urbanos, generando canales de venta de excedentes de sus productos en las jornadas que se han denominado “Bogotá es mi huerta : mercados campesinos agroecológicos”, que también cuentan con el respaldo de la Secretaría Distrital de Desarrollo Económico.Así las cosas, se dispuso la realización de un primer encuentro de sabores de la plaza, esta vez en el Jardín, con un enfoque que reivindica la importancia de las plantas aromáticas, condimentarias, medicinales y frutos de las huertas domésticas, comunitarias e institucionales para la seguridad alimentaria de la población.Desde la línea de investigación científica y de la mano con los profesionales de educación ambiental del Jardín Botánico, semanalmente se desarrollan espacios orientados a exaltar los usos y aplicaciones de las plantas a través de jornadas virtuales y presenciales enfocadas al conocimiento de la gastrobotánica y a la divulgación de recetas únicas y especiales en el espacio Botánica a la mesa.Antójese, aprenda y disfruteEl Festival Gastronómico "Sabores del Jardín" pone a disposición de los visitantes el mejor ajiaco santafereño de 2020, platos típicos del altiplano cundiboyacence con representantes de alta calidad, chocolates del pacífico colombiano, sándwiches artesanales, postres, ensaladas de frutas y jugos serán, entre otros, los protagonistas de este evento.El festival incluye además productos en su estado natural como frutas, verduras, especies y frutos secos; productos ciento por ciento orgánicos y otros procesados que entrarán a formar parte de la oferta alimenticia de esta primera versión.“No solo estamos aportando a la reactivación económica de nuestros productores agroecológicos sino, además, a la alimentación sana, divertida y con valor agregado para la ciudadanía que entiende que lo que está consumiendo hace parte de la enorme riqueza botánica de nuestra ciudad –región y que la naturaleza de manera generosa nos brinda salud y bienestar”, destacó Martha Liliana Perdomo, directora del Jardín Botánico de Bogotá.Por su parte, el director del IPES, Libardo Asprilla Lara, subrayó que este trabajo colaborativo “permite resignificar la labor de cientos de personas que viven de la preparación de platos tradicionales en un momento de transición y rescate de nuestras costumbres para enfrentar con alegría la nueva normalidad que dejará la pandemia”.
En septiembre, Film&Arts presenta “Victoria” en Colombia, la serie protagonizada por Jenna Coleman que retrata la vida de la reina Victoria. Con tan solo 18 años, Victoria asume el trono y con ello una historia llena de logros, compromiso, amoríos y lucha continúa. “Victoria” llega a la pantalla los jueves a partir del 30 de septiembre a las 10:00 pm.La vida de la joven Victoria, se transforma completamente cuando se convierte en reina. Ya no está escondida en el palacio Kensington y aunque su madre, la duquesa de Kent, confabulada con su consejero Conroy intentan reinar a través de ella, Victoria está determinada a ser independiente, aunque su inexperiencia la llevará a cometer errores e incluso le desatará algún escándalo.Hija del príncipe Eduardo IV hijo del rey Jorge III, Victoria fue criada bajo la supervisión de su madre. A pesar de vivir en constante debate interno entre la inmadurez de su propia edad, Victoria no actúa solo con ímpetu sino que tiene sus ideas sobre la vida monárquica, por lo que no pasará mucho tiempo para intentar influir en las decisiones políticas, convirtiéndose así en un ícono nacional con grandes valores férreos reflejo de la época en la que transcurre la historia.El guion de Victoria es el primer trabajo como escritora de Daisy Goodwin, novelista y antigua productora de televisión, quien declaró en un prólogo sobre la serie: “Nunca había escrito un guion antes, pero había vivido con la voz de Victoria durante tanto tiempo que casi parecía que ella misma lo estaba escribiendo. Tampoco faltaba material para la trama: ahora miramos hacia atrás y pensamos en su reinado como una época de magnificencia osificada, pero cuando llegó al trono había muchas personas cercanas a ella, además de la nación en general que pensaban que con apenas metro y medio de estatura y un nombre que sonaba peculiar, esa joven no sería capaz de ser la soberana del país que se estaba convirtiendo rápidamente en la nación más poderosa del mundo”.Victoria fue desarrollada por Rebecca Eaton y Damien Timmer, del equipo que produjo el drama de época Poldark. Además del protagónico de Jenna Louise Coleman (Doctor Who), el reparto de Victoria cuenta con Rufus Sewell (El ilusionista, Judy) como Lord Melbourne, Tom Hughes (Cruce de destinos) como el príncipe Alberto, David Oakes (Los Borgia) como Ernesto, y la actriz alemana Daniela Holtz (Phoenix) quien se encarga de dar vida a la baronesa Louise Lehzen, entre otros.El canal Film&Arts está disponible en Colombia por Claro (1621), Directv (746), Movistar (607).Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. Con una imagen moderna y vanguardista que subraya “el arte del entretenimiento”, el canal brinda a su audiencia una amplia gama de contenidos de alto nivel entre los que destacan grandes espectáculos de Broadway, eventos en vivo y algunas de las series de época más aclamadas de la actualidad, así como programas de entrevistas, documentales y destacadas películas orientadas a las artes. Disponible en HD las 24 horas del día, Film&Arts es contenido de alto valor estético para una audiencia exigente.
Luego de ser presentada la incompleta delegación de autores colombianos invitados a la edición 80 de la Feria de Madrid, evento en el que Colombia es el país invitado de honor, una oleada de críticas cuestionaron el modelo de selección de autores y el peligro de la neutralidad en los discursos oficiales.Algunas librerías españolas se pronunciaron en defensa de la libertad de los escritores. "Las listas negras de autores y autoras, no olvidemos, son solo la punta del iceberg de un país donde decenas de chicos y chicas que estaban en las protestas han sido desaparecidos, torturadas, violadas, perseguidos, estigmatizadas o directamente asesinados", aseguraron algunos de los miembros de las compañía editoriales.Tras algunos días álgidos y luego de las declaraciones del embajador en España, Luis Guillermo Plata, el Presidente Iván Duque ha cancelado el foro literario en el que presentaría su nuevo libro, el segundo volumen sobre Economía Naranja, en compañía del ex ministro Felipe Buitrago, durante el 16 y 17 de septiembre.Al momento de la publicación de esta noticia, no se ha pronunciado la Cancillería ni el presidente sobre la cancelación del evento.
