El jazz es un género musical que ha cautivado a oyentes de todo el mundo con su improvisación creativa, ritmos sincopados y expresión emocional única. Originario de los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el jazz ha evolucionado a lo largo de los años, fusionando una variedad de influencias culturales y estilos musicales para crear un arte verdaderamente diverso y vibrante.Orígenes del JazzEl jazz tiene sus raíces en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, donde se gestaron las primeras formas de música de jazz a finales del siglo XIX. Surgió como una amalgama de tradiciones musicales africanas y europeas, así como de la influencia de la música folclórica del Caribe. Se dice que el jazz es una fusión de elementos rítmicos africanos, armonías europeas y técnicas de improvisación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Diferenciándose de otros génerosLo que distingue al jazz de otros géneros musicales es su énfasis en la improvisación y la interacción musical entre los intérpretes. A diferencia de la música clásica, donde la partitura es la guía principal, en el jazz los músicos suelen improvisar sobre una estructura armónica básica, creando solos espontáneos que reflejan su creatividad y destreza técnica. Además, el jazz tiende a ser más fluido y flexible en términos de ritmo y estructura, permitiendo una mayor libertad de expresión para los músicos.Grandes exponentes del jazzEl jazz ha dado lugar a una plétora de talentosos músicos a lo largo de su historia. Algunos de los mayores exponentes del género incluyen a Louis Armstrong, considerado uno de los padres fundadores del jazz moderno y conocido por su distintiva voz rasgada y su habilidad para tocar la trompeta; Duke Ellington, un brillante compositor y líder de banda que dejó un legado duradero con su orquesta; Charlie Parker, pionero del bebop y virtuoso del saxofón; Miles Davis, cuya exploración de diferentes estilos y su continua innovación lo convierten en una figura emblemática del jazz; y John Coltrane, cuyo enfoque espiritual y búsqueda incansable de la excelencia musical lo convierten en una leyenda del jazz.Algunas canciones recomendadas"Take Five" - Dave Brubeck Quartet"So What" - Miles Davis"What a Wonderful World" - Louis Armstrong"Blue Train" - John ColtraneEstas canciones representan una muestra de la riqueza y diversidad del jazz, desde el swing clásico hasta el avant-garde experimental. Cada una de ellas ofrece una experiencia auditiva única y captura la esencia del género en sus distintas formas.El jazz es mucho más que un género musical; es un lenguaje universal que trasciende las barreras culturales y emocionales para conectar a las personas a través de su poderosa expresión artística. Desde sus comienzos en los callejones de Nueva Orleans hasta su reconocimiento como una forma de arte de importancia mundial, el jazz continúa inspirando y cautivando a oyentes de todas las edades y orígenes. Su legado perdurará por generaciones, siempre evolucionando y reinventándose a sí mismo en el proceso.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La improvisación (...) es recorrer un camino sin haberlo recorrido nunca antes y eso me encanta", asegura Luna en la entrevista, a pocos días de su concierto en solitario en La Habana, en el marco de la 39 edición del Festival Internacional Jazz Plaza de Cuba."No sé qué hay por ahí, pero voy a caminar y por ahí me voy sorprendiendo", añade el pianista durante un ensayo en los famosos estudios Abdala de la capital cubana, donde grabó a comienzos del 2000 su primer álbum, con muy buena acogida de la crítica local.Sin embargo, a diferencia de muchos de sus colegas cubanos, que crecieron en familias de músicos, el camino de este virtuoso para llegar al estrellato no fue lineal.Nacido en 1978 en La Habana de padres ingenieros, Luna comenzó a estudiar guitarra clásica a los 12 años, pero se aburría en extremo y pensó dejar la música, hasta que descubrió el piano y el jazz tres años después."Había una inquietud cuando veía gente tocando jazz", explica este músico y compositor, de espléndida sonrisa y unas trenzas que caen sobre su cuello. "Cuando encuentro el piano, encuentro otro mundo que no era el que me enseñaban en la escuela" de guitarra clásica. "Me enamoré de ese mundo", confiesa.Sin embargo, es difícil hacerse de un nombre en una isla que ha dado tantos músicos ilustres y pianistas de la talla de Bebo y Chucho Valdés, Ernan López-Nussa, Omar Sosa, Roberto Fonseca o Gonzalo Rubalcaba.Pero su pasión adolescente era tan devoradora que le permitió al joven Luna recuperar en algunos años el tiempo perdido: en 2007, con 29 años, obtuvo el Premio de Piano del afamado Festival de Jazz de Montreux, en Suiza, donde cautivó tanto al jurado como al público."La música es una sola"Su carrera continuó de la mano de la diva del mítico Buena Vista Social Club, Omara Portuondo, que lo nombró su acompañante. Al igual que su colega Fonseca, unos años mayor que él, pasó 10 años con el famoso grupo, "una oportunidad muy importante en mi vida", subraya.Muy solicitado, Luna multiplicó sus colaboraciones, participando en la grabación de unos 200 álbumes en Cuba, antes de lanzar una carrera en solitario y hacer valer su estilo inventivo y generoso.Reconocido por su dominio de la música clásica, el jazz y el amplio abanico de los ritmos cubanos, es capaz de hacer desvíos espontáneos hacia "La Marsellesa", los Beatles o "La Comparsa", del célebre compositor cubano Ernesto Lecuona."Para mí toda la música es una sola, y eso intento hacer cuando estoy en mi concierto, intento tocar la música clásica, llevarla más cerca de la música popular, (y) la música popular hacerla con el rigor que se hace la música clásica", detalla Luna, que ahora divide su vida entre Toulouse, en el suroeste de Francia, y La Habana.Los últimos tres años han sido fértiles para él. En Francia fue invitado por el trompetista Ibrahim Maalouf a unirse a su gira de 2021, y lanzó dos álbumes consecutivos: "Mi Alma en canciones" (2022), con versiones de temas tradicionales cubanos, y "Rolando's Faces" (2023), un disco doble en solitario.Un próximo álbum, "Rolando Luna Trio Live", grabado durante el Festival l'Esprit du Piano de Burdeos, en el suroeste de Francia, verá la luz en marzo.La "música es el arma que utilizo para comunicarme con las personas porque soy introvertido", añade Luna, que se transforma sobre el escenario y parece poseído.El pianista actuará próximamente en la ciudad estadounidense de Miami, antes de regresar en el verano boreal al Festival Jazz in Marciac, también en el suroreste de Francia, donde fue considerado en 2021 "una verdadera revelación" del evento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Suleika Jaouad no pudo acompañarlo personalmente en esa noche de gloria porque estaba luchando contra una leucemia. Esa dura conjunción entre éxito estratosférico y la cruda realidad es el hilo conductor de "American Symphony", un íntimo documental sobre la pareja disponible en Netflix."Quería que no sólo fuese sobre el proceso artístico, sino que también mostrase lo que implica alcanzar un nivel de grandeza en el arte", dijo Batiste a AFP. "También creo que estábamos mostrando una lección que no conocíamos entonces: que la creatividad es un mecanismo de supervivencia", agregó el artista, de 37 años.El proyecto comenzó como un documental sobre el proyecto de Batiste de escribir una sinfonía contemporánea de función única inspirada en la música de varios lugares del mundo. Pero se transformó radicalmente cuando Jaouad descubrió que su cáncer había reaparecido, casi diez años después.El resultado es, al mismo tiempo, una historia de amor, una reflexión sobre la enfermedad, una crónica de la vida familiar y una revisión tenaz del proceso creativo en sí mismo. Jaouad, de 35 años, es una reconocida escritora. Su primera batalla contra el cáncer, una década atrás, quedó plasmada en sus columnas en el periódico The New York Times."Negociación" en tiempo realDurante siete meses las cámaras siguieron a Batiste mientras dirigía ensayos, sufría de una severa ansiedad que lo mantenía despierto en las noches, hablaba con su terapeuta acerca de querer renunciar a su trabajo, y visitaba a Jaouad en el hospital."Dar acceso a las cámaras a estos momentos sagrados de nuestra vida fue una negociación en tiempo real", dijo Batiste. "Definir límites, ellos empujando esos límites, y nosotros empujando de vuelta", cuenta.Durante la misma época, su disco "We Are" lideró las nominaciones a los Grammys de 2022, y se impuso ante figuras como Taylor Swift, Kanye West y Billie Eilish en la categoría álbum del año. Pero cuando Batiste regresó de Las Vegas con sus cinco gramófonos, Jaouad estaba de vuelta en el hospital, enfrentando los efectos de la quimioterapia y un segundo trasplante de médula.Una poderosa escena del documental muestra a Batiste en el escenario durante un recital de piano de dos horas, ante un auditorio repleto. El músico le dedica la pieza siguiente a Jaouad y a continuación se detiene con los dedos en el teclado, durante un minuto. Tras esta pausa que parece una eternidad, toca una improvisación conmovedora y catártica."Estaba procesando todo en tiempo real frente al público", dijo Batiste. "Es tanto lo que ocurre, lo que pasa en una vida, que es difícil ponerlo en palabras", añadió."American Symphony", producida por la empresa audiovisual de Michelle y Barack Obama, se perfila como fuerte candidata para la categoría Mejor documental en los Óscar 2024. Batiste ya ganó un premio de la Academia por escribir la banda sonora de la película animada de Pixar "Soul"."Butterfly"De formación clásica, descendiente de una dinastía musical de Nueva Orleans, Batiste es un erudito del jazz que se hizo famoso al frente de la banda del popular programa de variedades de Stephen Colbert.El éxito de "We Are" llevó su estatus de celebridad a otro nivel y, menos de dos años después, está nominado a otros seis Grammys con su disco "World Music Radio".Batiste compite, entre otras categorías, en la de Mejor canción con "Butterfly", escrita para Jaouad cuando estaba en el hospital. Es el único hombre nominado para Grabación y Álbum del año, donde se medirá con superestrellas como Swift, Olivia Rodrigo y el grupo femenino boygenius.Con estas artistas comparte un interés por "música real, arte real", que no se apoya en tecnología y sonidos computarizados, asegura.Rodrigo "trajo de vuelta ese estilo 'vieja escuela' de componer", Eilish es "la voz de su época" y boygenius es un viaje a una "dinámica de banda y a la camaradería basada en valores compartidos", reflexiona Batiste. Pero cuando piensa en la ceremonia de los Grammys en febrero, lo que más le importa es que su esposa pueda estar a su lado."Esta vez, lo que más me entusiasma es que ella se encuentra bien y podrá ir a los Grammys conmigo", dijo. "Poder celebrar el álbum y esa canción, y poder estar en los Grammys de nuevo, ahora con ella... para nosotros es un círculo completo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Jerry Lee Lewis creció en una familia con raíces musicales. Comenzó a tocar el piano a una edad temprana . Su estilo fue influenciado por músicos de country y rhythm and blues.En la década de 1950, Jerry Lee Lewis comenzó a actuar en pequeños clubes y a grabar música. Su gran oportunidad llegó en 1957 cuando lanzó "Whole Lotta Shakin' Goin' On", una canción que lo catapultó a la fama y lo estableció como una de las principales estrellas del rock and roll.En 1958, Jerry Lee Lewis lanzó su sencillo más icónico, "Great Balls of Fire". La canción se convirtió en un éxito masivo y es una de las canciones más emblemáticas de la historia del rock. Su estilo frenético en el piano y su apasionada interpretación vocal la convirtieron en un clásico instantáneo.A pesar de su éxito musical, la vida personal de Jerry Lee Lewis estuvo marcada por la controversia. En 1957, se casó con su prima Myra Gale Brown, quien era menor de edad en ese momento, lo que causó un gran escándalo y dañó su imagen pública. Esto resultó en una disminución en su popularidad en los Estados Unidos, aunque continuó siendo exitoso en el extranjero. Jerry Lee Lewis continuó actuando y grabando música a lo largo de las décadas. Sus éxitos incluyen canciones como "Breathless" y "High School Confidential".En 1989 Jim McBried dirigió un biopic sobre el artista ¡Grandes bolas de fuego!, basada en la novela de Myra Gale Brown.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La IX edición del Festival de Jazz de Mompox promete ser una experiencia inolvidable para los amantes de este género musical. Del 5 al 7 de octubre, cerca de 150 intérpretes del jazz, tanto nacionales como internacionales, se encontrarán en Santa Cruz de Mompox.Una de las características más distintivas de este gran evento cultural es la manera en que transforma por completo las coloridas calles de Mompox en auténticos escenarios musicales. Más allá de las actuaciones en las tarimas principales, las calles, iglesias, plazas y lugares de encuentro, se impregnarán de la magia del jazz, con una agrupación en cada esquina de este emblemático municipio.Alrededor de 70 intérpretes del jazz compuestos por 40 músicos momposinos y 30 estudiantes de la UNIBAC darán vida al street jazz, asegurando que la música fluya a lo largo y ancho de las calles del centro histórico, la albarrada, la calle del medio, los parques e incluso a las orillas del río Magdalena.En su IX edición, el Festi Jazz ofrecerá una mezcla de estilos y sonidos que abarcan desde el blues y el jazz fusión hasta el jazz experimental, el funk y pop. Una diversidad que asegura una experiencia enriquecedora para todos los gustos musicales. En esta ocasión, el festival presenta destacadas agrupaciones colombianas que han adoptado y revitalizado este género con su toque musical colombiano. Entre ellas se encuentra el maestro Óscar Acevedo, Daniel Tamayo Quintet, Cesar López con su banda Jah Lous, La Bandita, Mississipi al Sinú, Jazz and Jam, Tolú Jazz, Gaita Jazz y Sinú Sax Quartet.Además de las actuaciones en vivo de las bandas de street jazz y los conciertos en el escenario principal con los reconocidos artistas nacionales e internacionales, el Festival de Jazz de Mompox también reserva un espacio especial para la música Gospel. Este año, la Institución Universitaria Bellas Artes y Ciencias de Bolívar (UNIBAC) deleitará al público con interpretaciones conmovedoras en las históricas iglesias de Santa Bárbara y San Francisco. Estos conciertos prometen ser una experiencia única, capaz de brindar una perspectiva enriquecedora a todos los asistentes.Durante los días del festival, se llevarán a cabo los toques finales en el emocionante proyecto conocido como el Parque del Jazz. Este esperado espacio, que encapsula la esencia misma del evento, abrirá oficialmente sus puertas un mes después. El parque busca posicionarse como un pilar importante para la promoción de la cultura de este género musical en el municipio, además de añadir un atractivo turístico adicional a Mompox. Tanto visitantes como residentes locales podrán explorar este lugar que promete convertirse en el epicentro del jazz en Colombia.Aquí le dejamos la conversación con Iván Sanes, el director de INCULTUR, quien nos habló más acerca del Festival de Jazz en Mompox. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Valentino Liberace, un nombre que evoca imágenes de extravagancia, talento deslumbrante y un estilo único en el mundo del piano. Nacido el 16 de mayo de 1919 en West Allis, Wisconsin, este icónico pianista, cuyo nombre real era Władziu Valentino Liberace, dejó una marca indeleble en la historia de la música y el entretenimiento.Desde una edad temprana, Liberace mostró un prodigioso talento musical. Su madre, Frances Liberace, fue su primera maestra de piano y lo alentó a perfeccionar su habilidad innata. Su dedicación incansable y pasión por el piano lo llevaron a estudiar en el Instituto de Música de Wisconsin y más tarde en el Conservatorio de Música de Milwaukee.Valentino Liberace desarrolló un estilo de interpretación que iba más allá de la música: era un espectáculo en sí mismo. Sus actuaciones eran opulentas y extravagantes, con trajes de lentejuelas, abrigos de piel y joyas ostentosas que reflejaban su personalidad carismática. A menudo, su piano también estaba adornado con detalles brillantes. Estas características hicieron que su nombre se convirtiera en sinónimo de exceso y lujo en el mundo del entretenimiento.Su repertorio incluía una amplia variedad de música, desde clásica hasta pop, pasando por jazz y música de películas. Entre sus obras más destacadas se encuentran "Claire de Lune" de Claude Debussy, "Rhapsody in Blue" de George Gershwin, y su propia composición, "Concerto for the Birds". Liberace tenía la habilidad de hacer que cualquier pieza musical sonara única y emotiva a través de su técnica excepcional y su estilo personal.A lo largo de su carrera, Valentino Liberace cosechó una inmensa cantidad de seguidores y fans leales. Su programa de televisión, "The Liberace Show", se emitió desde 1952 hasta 1955, y más tarde en los años 60 y 70, lo que lo convirtió en uno de los artistas más queridos de la televisión estadounidense. Sus actuaciones en vivo, que a menudo se realizaban en escenarios enormes, atraían a multitudes igualmente grandes, y su carisma en el escenario lo convirtió en un fenómeno de la cultura pop.Además de su música, Valentino Liberace era conocido por su generosidad. Donó grandes sumas de dinero a organizaciones benéficas y causas filantrópicas a lo largo de su vida.Lamentablemente, su salud se deterioró en sus últimos años debido al VIH, que contrajo en una época en que la enfermedad todavía era mal comprendida. Valentino Liberace falleció el 4 de febrero de 1987, a la edad de 67 años. Su legado musical y su impacto en la cultura popular perduran hasta el día de hoy.Valentino Liberace fue mucho más que un pianista virtuoso; fue un maestro del entretenimiento, un ícono de la música y una figura emblemática que dejó su huella en la historia. Su destreza en el piano y su espectacular presencia en el escenario lo convierten en una leyenda que sigue inspirando a músicos y artistas de todo el mundo.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un hombre grande, vestido de paño en una grabación en blanco y negro. Su bigote es poco poblado, en su boca, un saxofón, sus pómulos se expanden y se contraen y, sus dedos juegan sobre los botones del instrumento, arriba – abajo, otra vez, arriba-abajo. En ocasiones hace un vistazo a la cámara, vuelve su mirada hacía el saxofón, se concentra. El plano cambia a uno abierto mostrando la orquesta, después de unos segundos, regresa al rostro del hombre grande. Es Cannonball Adderley y su Orquesta en una presentación de 1963.Julian Edwin Adderley, Cannonball Adderley nació en la Tampa, Florida un 15 de septiembre de 1928 y murió en Gary, Indiana el 8 de agosto de 1975. Su estilo se enmarcó en el hard bop, que, a diferencia del bebop, se compone de melodías más simples y secciones rítmicas más relajadas.Kind of blue (1959)Aunque no es un disco propiamente de Cannonball Adderley, participó en este. En 1957 se unió al Quinteto de Miles Davis y en 1959 grabaron el disco de jazz más vendedor en la historia, con cerca de cinco millones de copias y un certificado de cuádruple platino.Autumn Leaves (1975)Es un álbum en vivo grabado en Tokio en el tour por Japón en 1963 junto a Nat Adderley, Yusef Lateef, Joe Zawinul , Sam Jones y Louis Hayes.Puede escucharlo aquí: https://music.apple.com/co/album/cannonball-adderley-autumn-leaves/591130536Cannonball’s Bossa Nova (1963)Este álbum se realizó con The Bosa Rio SextetPuede ver una película sobre Miles Davis: No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El Teatro Libre (sede Chapinero) abrirá sus puertas a la cantante y compositora portuguesa Sofia Ribeiro, quien llegará el próximo 17 de septiembre a las 4:00 p.m. a llenar el teatro de música y maravillas. La cantante y compositora portuguesa Sofia Ribeiro atrae inmediatamente al oyente a su universo musical único. Con una sólida formación en estudios de jazz, una profunda conexión con el fado portugués y horas interminables escuchando a legendarios músicos brasileños, su arte desafía los límites de las etiquetas musicales.Reconocida por sus actuaciones emotivas y enérgicas, donde cuenta historias de las canciones con entusiasmo y a menudo invita al público a cantar, Sofia Ribeiro ha cautivado a oyentes de todo el mundo con su cálido y poderoso sonido durante casi dos décadas.Con 11 álbumes como líder y otros tantos como colaboradora, Sofia ha realizado giras de conciertos en más de 20 países. Ha sido galardonada en competencias vocales internacionales: primer premio en Voicingers (Polonia, 2008), primer premio en Crest Jazz Vocal (Francia, 2010) y segundo premio en el concurso Brussels Young Jazz Singers (Bélgica, 2005). Fue artista residente en el Carnegie Hall de Nueva York durante tres años y ha colaborado con artistas como Michael League, Arooj Aftab, Marcelo Woloski, Marta Gómez, entre otros.Sofia tiene un diploma en interpretación de Jazz de la ESMAE (Portugal) y una Maestría del Conservatorio Real de Bruselas, ha realizado programas de intercambio de un año en la ESMUC (Barcelona), en Berklee College of Music (Boston) y en el Conservatoire National Supérieur de Paris, CNSMD.En este concierto Sofia actuará junto al prestigioso pianista colombiano Juan Andrés Ospina y los reconocidos músicos argentinos Marcelo Woloski en la percusión y Andrés Rotmistrovsky en el bajo.Puede adquirir su boleta en atrapalo.com y la taquilla del teatro.No deje de conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983 en Southgate, Londres, Reino Unido. Desde una edad temprana, demostró un talento innato para la música, particularmente en el género del jazz y el soul. Su voz distintiva y su estilo único la convirtieron en una de las artistas más influyentes de su generación.A lo largo de su vida, Amy experimentó con diversas formas de expresión artística, pero fue su música la que la catapultó a la fama. En 2003, lanzó su álbum debut, "Frank", que recibió elogios de la crítica y le valió su primer premio Ivor Novello. Este álbum marcó el inicio de su carrera y estableció su reputación como una vocalista excepcionalmente talentosa.Sin embargo, fue su segundo álbum, "Back to Black", lanzado en 2006, el que la convirtió en una sensación internacional. Este álbum, que incluía éxitos como "Rehab" y "You Know I'm No Good", la catapultó a la cima de las listas de éxitos y le valió cinco premios Grammy en 2008, incluido el premio a la Mejor Grabación del Año.A pesar de su éxito musical, Amy Winehouse luchó con problemas de salud y adicciones a lo largo de su vida. Su batalla contra el alcohol y las drogas fue ampliamente documentada por los medios de comunicación, lo que generó preocupación entre sus fanáticos y seres queridos.¿Qué le pasó a Amy Winehouse?Trágicamente, el 23 de julio de 2011, Amy Winehouse fue encontrada muerta en su apartamento en Camden, Londres, a la edad de 27 años. Su muerte conmocionó al mundo y dejó un vacío en la industria musical que aún se siente hoy en día.A pesar de su vida corta y tumultuosa, Amy Winehouse dejó un legado perdurable en la música. Su voz única y su capacidad para transmitir emociones a través de sus letras siguen siendo admiradas por millones de personas en todo el mundo. Su contribución al jazz y al soul la convierte en una figura icónica en la historia de la música del siglo XXI.Hoy en día, su música sigue siendo escuchada y apreciada por nuevas generaciones de oyentes, y su influencia perdura en numerosos artistas contemporáneos. Amy Winehouse será recordada como una artista talentosa cuyo brillo se apagó demasiado pronto, pero cuyo impacto perdurará en la música para siempre.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta versión de Jazz al parque 2023 contará con la participación de voces femeninas de cuatro continentes, entre las que está Rita Payés, trombonista y cantante catalana de 22 años, que ha pisado algunos de los escenarios más venerados de España, Francia, Reino Unido, Italia, Hungría, Marruecos y Suiza. Representando a Bogotá estará Brina Quoya, artista, compositora, bajista, arreglista y productora colombiana, quien presentará su estilo propio caracterizado por un sonido de vanguardia que combina trip hop, neo soul y R&B progresivo.Dentro de las voces destacadas de Jazz al Parque 2023 está también el reconocido dúo español Martirio y Chano Domínguez con su propuesta de coplas adaptadas al jazz para darle la vuelta a lo clásico y dotar el género con historias impagables en lírica, melodías, poesía y dramaturgia.“Esta es una oportunidad para disfrutar el jazz en todas sus formas. Tendremos artistas con diferentes propuestas e influencias que fusionadas generan un diálogo universal, agrupaciones que resaltan la mirada renovada de la escena colombiana y diferentes experiencias artísticas que se realizarán en vivo en el parque El Country. Además, la ciudadanía podrá compartir espacios académicos con invitados nacionales e internacionales los días previos al festival, así que la invitación es para que consulten toda la programación y se agenden para vivir la experiencia del jazz en Bogotá”, señala Mauricio Galeano, director del Idartes.La representación bogotana estará a cargo de artistas como Juan Pablo Cediel Quinteto, que reúne elementos del folclor andino colombiano, el jazz y las músicas del mundo; Guaita, que fusiona las raíces musicales colombianas con un enfoque moderno y ecléctico; Beatnicia con elementos de géneros como jazz contemporáneo, funk, R&B y música electrónica; y Jah Lous con una variedad de elementos rítmicos, armónicos y melódicos de diferentes culturas del planeta, entre otros.Además, como parte de la experiencia, Jazz al Parque 2023 tendrá clases maestras, talleres, conversatorios, charlas y conferencias alrededor de temas como la interpretación musical, las fuentes de ingreso, las regalías y la circulación del jazz en América Latina, entre otros, con la participación de invitados como Mauricio Weintraub de Argentina, Neris González de Cuba y Emilia Cantú, Cristina Vásquez y Gerardo Castillo de México, así como reconocidos expertos del ámbito local como la artista Diana Belmonte, William Patiño de Ditto Music, Camilo Ramírez de ACODEM y Julio Rojas de SAYCO, entre otros.Dentro de las actividades a realizar en el marco de Bogotá como Escenario se destaca el pequeños concierto en librería con la participación de Amandi Trío, una banda bogotana que explora el sonido a través del tradicional jazz, el lenguaje contemporáneo, la música afroamericana, latinoamericana y clásica, y la clase maestra Vestir la escena a cargo de Diana Echandía, diseñadora de vestuario escénico, que se realizarán el miércoles 6 de septiembre en El Cuarto Plegable, carrera 18 No. 39B – 69.Estos son los artistas que participarán de Jazz al Parque 2023Siete Ríos- BogotáJah Lous-BogotáÓscar Acevedo Cuarteto-BogotáJuan Pablo Cediel Quinteto-BogotáMartirio y Chano Domínguez-EspañaPuerto Candelaria-MedellínYissy García- CubaBeatnicia-BogotáNicolás Delgado Cuarteto-BogotáGuaita- BogotáRita Payés-EspañaMelífora-BogotáEnsamble Igsabelar-BucaramangaJojo Mayer & Nerver -Suiza
Luego del reciente anuncio de la gira de conciertos de Coldplay por toda Europa, la Fundación 1+1 y la Orquesta Filarmónica de Medellín se unen en una noche de color, amigos y britpop para cantar los grandes éxitos de la banda británica en tributo sinfónico. Esta será una oportunidad de vivir la música de Coldplay en una nueva experiencia, un viaje sonoro y emocional.En Coldplay tributo sinfónico se escucharán canciones como A sky full of stars, Clocks, Viva la vida y The scientist, entre otros grandes éxitos, este evento presenta en escena a más de 100 músicos de la Orquesta Filarmónica de Medellín y la Banda 1+1. Cuenta con arreglos musicales de Julio César Sierra y Juan David Osorio, director del concierto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“...se tributará a una banda icónica que sigue vigente en la actualidad, que ha marcado un camino, no sólo sonoro, sino también con su postura social y ambiental. Además del poderoso sonido de Filarmed, vamos a tener la participación de la Banda 1+1 integrada por artistas colombianos con voces y talentos impresionantes”, menciona Juan David Osorio, director de la banda. La Orquesta estará acompañada por la Banda 1+1, integrada por los cantantes Alejandro Cuevas, Carlos Andrés Agudelo y Eliana Piedrahíta; los guitarristas Pablo Castaño y David Escobar; el baterista Diego Vásquez, el bajista David Sánchez y en el teclado Cristian Hernández y Adelaida Oesch.El concierto será el próximo sábado 27 de abril a las 8:00 p.m. en el Teatro Metropolitano de Medellín, la boletería se divide en $107.000 y $154.000 y están disponibles en tuboleta.com y taquilla del Teatro. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una banda y un artista que han marcado el nuevo tropicalismo latinoamericano de los últimos 20 años. Cultura Profética y Vicente García compartirán tarima el próximo 14 de diciembre en el Movistar Arena de Bogotá. Cultura Profética y Vicente García se han consolidado como dos de los actos favoritos del público bogotano y su concierto en conjunto será un encuentro definitivo con el destino, una muestra de fanatismo y romanticismo tropical como ninguna en 2024.“Mi balcón” fue esa primera colaboración entre Cultura Profética y Vicente García, una canción que en 2011 nos mostró la química musical entre el cuarteto puertorriqueños y el cantautor dominicano. Trece años después, se encontrarán, en vivo, en un único concierto para celebrar las canciones, los momentos sonoros y las voces de dos monstruos latinoamericanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La dulzura y Camino al sol, que ganó el Latin Grammy 2023 a Mejor Álbum Folklórico, son los últimos discos de estos artistas.“Nos emociona confirmar el show de una de las bandas de reggae más importantes de Latinoamérica. Una vez más, gracias a Experiencias Aval, los clientes de los bancos Aval y dale! podrán acceder a la preventa exclusiva pagando con sus tarjetas débito y crédito.” expresó María Fernanda Sánchez, Gerente de Mercadeo & ESG de Grupo Aval en un comunicado.La venta para el público general está abierta desde el 24 de abril a las 10:00 a.m., a través de TuBoleta.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Filarmónica de Viena anunció este miércoles que el director alemán Christian Thielemann ha sido reconocido como "miembro de honor" por su vinculación con la orquesta desde hace 24 años.Thielemann ha dirigido el prestigioso concierto de Año Nuevo en dos ocasiones, 2019 y 2024, y ha sido una presencia constante en los últimos años tanto en los conciertos de los filarmónicos en el Musikverein como en el Festival de Salzburgo, además de liderar giras por Japón, China, Europa y Estados Unidos."Christian Thielemann nos ha acompañado durante muchos años en una profunda colaboración artística, especialmente destacada en el repertorio sinfónico", señaló Daniel Froschauer, presidente de la Filarmónica, en un comunicado."Es uno de los directores que más se identifica con nuestra orquesta", agregó Froschauer.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con Thielemann, la orquesta grabó varias sinfonías de Beethoven y, durante la pandemia, inició el trabajo en estudio para un ciclo de sinfonías del compositor austríaco Anton Bruckner.En 2024, coincidiendo con el 200 aniversario de Anton Bruckner, se lanzó por primera vez en la historia de la orquesta el ciclo completo de 11 sinfonías del compositor.Thielemann es uno de los directores de orquesta más importantes de la actualidad. Desde 2012 ha sido director musical de la Staatskapelle de Dresden, cargo que también tuvo en el Festival de Bayreuth de 2015 a 2020.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Universal Music ha anunciado este miércoles la publicación el próximo 28 de junio de un álbum titulado Songwriter que incluirá once grabaciones inéditas de Johnny Cash del año 1993, de entre las que ya es posible disfrutar en plataformas digitales el primer anticipo, Well Alright.Según la nota de prensa, era aquel un período entre contratos para el mítico artista, que comenzó a grabar en los estudios LSI de Nashville (EE.UU.) "demos" de canciones propias que había ido escribiendo a lo largo de los años.Fue poco después cuando conoció al productor Rick Rubin, iniciando una nueva etapa en su carrera. Aquel proyecto quedó aparcado hasta que 30 años más tarde, John Carter Nash, su hijo, redescubrió los temas y se centró en limpiar todo excepto la voz de su padre y su guitarra acústica.Con el objetivo de llevar su sonido de vuelta a las raíces "y el corazón de aquellas canciones", se trabajó junto con el coproductor David "Fergie" Ferguson y músicos como Marty Stuart a la guitarra, Dave Roe al bajo y Pete Abbott a la batería.Según Universal, entre los 11 cortes aparecen "canciones sobre el amor, la familia, la pena, la belleza, la salvación espiritual, la supervivencia, la redención y por supuesto, un poco de ese típico sentido del humor por el que Johnny era conocido, todo cantado con su grave, inconfundible e inimitable voz".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Songwriter estará disponible en "streaming" y descarga así como en CD y en una variedad de vinilos, que incluyen el estándar en negro y varias ediciones limitadas en una serie de colores.Johnny Cash (Kingsland, EE.UU., 1932) falleció en 2003 tras haberse ganado el título de 'rey de la música country' por su inmensa aportación a la historia de la música a través de temas como I Walk The Line, Folsom Prison Blues o Man in Black (El hombre de negro, en español), que le reportó otro de sus más conocidos pseudónimos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Joan Manuel Serrat, figura indiscutible de la canción española, hoy galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes, ha conquistado también al público latinoamericano a lo largo de su carrera, con composiciones como Mediterráneo, considerada una de las mejores canciones en español de todos los tiempos.Nació en Barcelona el 23 de diciembre de 1943 y tras cursar la enseñanza primaria y el bachillerato, se diplomó en 1966 en la Escuela de Peritos Agrícolas con Premio Extraordinario.Durante esos años formó un grupo musical con tres compañeros y en 1964 se presentó en un programa de radio en Barcelona, lo que le permitió grabar, en 1965, su primer disco, Una guitarra, con cuatro canciones.Pronto se convirtió en uno de los representantes de la llamada Nova Cançó (nueva canción) catalana, pero no fue hasta 1967 cuando obtuvo gran reconocimiento, gracias a su primer LP Ara que tinc vint anys.En 1968, por primera vez, una canción suya, Cançó de Matinada se colocó en el número 1 de las listas de España.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ese mismo año Serrat fue elegido para representar a España en el Festival de Eurovisión, con el tema La, la, la, que él pidió cantar en catalán, a lo que la televisión pública se negó, por lo que finalmente fue interpretada por Massiel, que ganó el certamen. Aquel desplante le valió ser vetado en la cadena pública hasta 1974.Pese a las críticas recibidas, empezó a cantar en castellano y en 1969 editó su primer LP en español, La paloma, y ganó el Festival Mundial de la Canción de Río de Janeiro con Penélope.En esa época protagonizó tres películas: Palabras de amor (1968), dirigida por Antoni Ribas; La larga agonía de los peces fuera del agua (1969), de Francisco Rovira Beleta; y Mi profesora particular (1972), de Jaime Camino.En 1971 apareció Mediterráneo, su disco más emblemático. Ya se había convertido en símbolo de la libertad, tanto en España como Iberoamérica y, a pesar de que tenía a la censura en su contra, el álbum ocupó un año la lista de los diez discos más vendidos de España.En 1975, unas declaraciones suyas desde México, condenando públicamente los fusilamientos de cinco militantes antifranquistas, le llevaron a permanecer exiliado en Iberoamérica y se prohibió la radiodifusión de sus discos. Regresó a España en agosto de 1976 tras la muerte de Francisco Franco.En 1983 llegó Cada loco con su tema e hizo una gira por Latinoamérica, excepto por Chile, donde se negaba a actuar por la dictadura de Augusto Pinochet.Serrat puso música a grandes poetas como Antonio Machado, Miguel Hernández o León Felipe. Y en los noventa formó un exitoso cuarteto con Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Ríos, con los que hizo la gira 'El gusto es nuestro', con la que recorrió España y América y de la que se editó un disco.En 1998 publicó Sombras de la china, al que siguieron Canciones (2000), Versos en la boca (2002) y Serrat Sinfónico (2003), que llevó de gira por España y América.En 2007 abordó a dúo con su gran amigo Joaquín Sabina la gira Dos pájaros de un tiro, con 72 conciertos por España y Latinoamérica y en 2010 publicó Hijo de la luz y de la sombra, dedicado a Miguel Hernández en el año del centenario del genial poeta, y que fue disco platino en España. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fundación Princesa de Asturias (@fundacionprincesadeasturias) En 2012, él y Sabina sacaron en EEUU La orquesta del Titanic, un disco de estudio que cuenta con once temas nuevos compuestos al alimón.Celebró sus 50 años sobre los escenarios con un cuádruple CD titulado Antología Desordenada (2014), una selección de 50 de los 600 temas de su cancionero, y una extensa gira que arrancó a comienzos de 2015.Las canciones fueron regrabadas con la colaboración de artistas como Rubén Blades, Alejandro Sanz, Joaquin Sabina, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Estopa, Miguel Poveda, Lolita, Ana Belén o Miguel Ríos.A finales de 2021, anunció su retirada de los escenarios con una última gira en 2022, El vicio de cantar 1965-2022, que le llevó por escenarios de toda América y España y cerró su carrera el 23 de diciembre de 2022 en Barcelona.Posee, entre otros reconocimientos, el Premio de las 'Músicas Actuales' del Ministerio español de Cultura (2009), la Medalla de Caballero de la Legión de Honor de la República Francesa (2007); la Medalla Honorífica del Parlamento de Cataluña (2007), la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes (1994) y la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (2006).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.