En las 18 ediciones previas del célebre festival europeo nunca se había visto una fórmula igual a la que desplegó un 6 de abril de 1974 en Brighton (Reino Unido) aquel cuarteto bautizado por las iniciales de sus integrantes: Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstad.Secundados por un director de orquesta vestido de Napoleón, en honor al protagonista de la batalla que sirvió de metáfora sentimental para la canción, presentaron una moderna producción, muy viva y contagiosa, con una sencilla pero emblemática coreografía, una guitarra con forma de estrella concebida para la ocasión y un colorido vestuario."Sabían que tenían que producir tanto impacto musical como visual. Ganaran o no, querían asegurarse de que la gente los recordara, de ahí toda esa ropa brillante glam rock y botas de plataforma. No dejaron nada a la improvisación", asegura uno de los mayores expertos en ABBA, Carl Magnus Palm, autor del libro 'ABBA at 50'.Escrita específicamente para el festival (el letrista Stig Anderson barajó "brevemente" otro título menos llamativo, el de 'Honey Pie'), con su combinación de pop, rock y "ecos de Rachmaninoff", otra canción de su repertorio titulada 'Hasta mañana' estuvo a punto de ser la postulada."Estaba más en la línea de las baladas que sonaban en el festival, pero se decantaron por 'Waterloo' finalmente porque era más fiel a como querían presentarse ante el mundo, independientemente del resultado", cuenta Palm.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Era la primera vez que en Eurovisión se permitía que los países participantes cantaran en otra lengua que no fuese la oficial de sus territorios y, aunque en su preselección lo habían interpretado en sueco, para su presentación europea escogieron el inglés, lo que ayudó a su victoria y posterior éxito internacional.Llegó a ser número 1 en países como el Reino Unido, la Alemania federal, Bélgica, Finlandia, Irlanda, Noruega y Suiza y se quedó a las puertas en otros como España o Francia. Más aún, tuvo repercusión en territorios ajenos a Eurovisión, como Sudáfrica, Canadá y EE.UU.La mejor canción de EurovisiónAunque corta, la trayectoria posterior de ABBA no fue exigua ni efímera. Habían publicado ya dos álbumes, incluido el homónimo 'Waterloo' (1974), y en los siguentes siete años lanzaron seis más con un saldo de éxitos abrumador: 'Mamma Mia', 'Dancing Queen', 'Take A Chance On Me', 'Super Trouper', 'Chiquitita', 'The Winner Taked It All'..."Antes nadie se interesaba por la música sueca. Una de sus mayores contribuciones fue mostrar a sus paisanos lo que se podía conseguir", subraya Palm sobre aquel fenómeno que dio a Suecia no solo la primera de sus siete victorias en Eurovisión, sino que fue punta de lanza de una ya larga tradición de exportar talento, con nombres como los de Roxette, Europe, The Cardigans, Ace of Base, Robyn, Swedish House Mafia o el productor Max Martin.En 1982, convertidos en uno de los grupos con mayores ventas, ABBA anunció su desbandada tras la doble separación sentimental de sus miembros e incapaces de llevar a término los temas nuevos que habían comenzado en un momento en el que su estilo ya no tenía el tirón de los 70. Aún así, su legado siguió generando regalías e interés.Cincuenta años después, Eurovisión vuelve a Suecia, pero no ABBA, que ha asegurado que no se reunirá para cantar este tema que en 2005 fue votado como el mejor de toda su historia. Y es que el festival los catapultó, pero también ellos volvieron a ponerlo en órbita."Durante mucho tiempo quisieron marcar distancias con el certamen para forjarse cierta credibilidad musical. Más recientemente creo que han aceptado esa parte de su historia y prefieren celebrarlo a negar su significado", concluye Palm.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esta tendencia no es realmente nueva, ya se ha visto hace años, pero se ha hecho viral entre los jóvenes de la generación Z (nacidos entre la última década del siglo XX y la primara del XXI) por su aspecto romántico", explicó este viernes la experta en comunicación de moda y directora de la empresa Vality, Alicia Hernández, quien aseguró que es una moda cíclica."Hace años estuvo vinculada a la estética de Lolita, de Vladimir Nabokov, ahora los más jóvenes apuestan por el 'coquette' de manera excesiva, incluso tan excéntrica que roza el disfraz", añade Hernández, quien, por otra parte, augura que esta moda tiene los días contados.Este estilo, que se inspira en el vestuario de películas como Las vírgenes suicidas (1999), María Antonieta (2006), Cisne negro (2010) o la serie Los Bridgerton (2020), exhala nostalgia, calidez y belleza sosegada.Pero el inicio de esta moda es más antiguo. 'Coquette', termino francés que traducido al español significa coqueto, es un estilo que se remonta al siglo XVIII cuando el rococó tardío sedujo a la reina María Antonieta que actualizó su vestuario con ornamentos decorativos como corsés, grandes lazos, encajes, plumas, flores, vistosos pliegues y volantes.Tras años en los que primó el chándal y los patrones de aire deportivo y la estética "ugly" (feo), resurge una moda que apuesta por una moda hiperfemenina que abraza los vestidos de corte imperio, calcetines y medias de punto, perlas y lazos por doquier como muestra en su colección la diseñadora española Alicia Rueda.Una moda que también han sacado a escena para esta primavera-verano 2024 firmas como Nina Ricci, Moschino, Richard Quinn, Chanel, Rodarte, Miu Miu, Erdem o Simona Rocha a base de tejidos como el satén, el tul o el encaje y detalles sofisticados como flores, lazos, volantes o botones joya.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El diseñador español Jorge Vázquez siempre defendió el estilo femenino y coqueto, una idea que materializa a través de siluetas drapeados, prendas que se recogen marcando la cintura y a las que (casi) siempre enriquece con lazos, volantes o plumas con buen gusto.Detalles del estilo 'coquette' también se ven en la colección masculina "Cruising in the Rose Garden", de Palomo Spain, un trabajo romántico y provocador a partes iguales en el que el diseñador apuesta por piezas de esencia palaciega llena de detalles coquetos como encajes, bordados y puntillas.La cantante y compositora Lana del Rey (Nueva York, 1985) ha sido una de las encargadas de revitalizar esta tendencia en una campaña de publicidad de la firma Skims.Alexa Chung, Olivia Palermo, Lily Rose Deep o Sydney Sweenery son otras de las artistas que se suman a esta moda que reivindica el gusto por lo femenino como han mostrado en alfombras rojas.Esta moda ha cautivado a la generación Z, jóvenes que echan mano de referencias de la década de los 90 y los 2000 "con el fin de expresar inocencia y dulzura", dijo la psicóloga Candela F. Carretero."No pasan por alto las camisetas interiores blancas, piezas que subrayan la feminidad", recordó Pepa Fernández, experta en comunicación de moda, quien advierte que esta moda trata de deshacerse de la etiqueta que (hasta ahora) le vinculaba a la fantasía sexual."Ya no se ve esta moda como algo sexual, negativo, infantil ni ñoño, al contrario, el 'coquette' reivindica exclusivamente lo femenino", concluyó F. Carretero.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se ha hecho un buen trabajo en un lugar que era justo que fuera accesible, por tratarse de otra pieza para recuperar los espacios de la historia y de la memoria de nuestra ciudad", sostuvo durante la reapertura el alcalde capitalino, Roberto Gualtieri.La Villa Torlonia de Roma fue desde 1929 la residencia de Mussolini, el dictador fascista que gobernó Italia con mano de hierro durante dos décadas, y de su familia: su esposa Rachele y sus hijos -reconocidos- Edda, Vittorio, Bruno, Romano y la pequeña Anna María.La vida era agradable en este palacio propiedad de una famosa dinastía romana: en sus salones los Mussolini brindaban fiestas a los jerarcas fascistas, mientras en su enorme jardín se distraían con partidos de tenis o ejercicios de equitación.Sin embargo, unos amenazantes nubarrones negros aparecieron sobre las copas de los árboles de Villa Torlonia al final del verano de 1939, cuando Mussolini y su aliado alemán, el nazi Adolf Hitler, arrastraron a Europa y al planeta a la sangrienta II Guerra Mundial.Con los primeros bombardeos, el 'Duce' italiano mandó construir en su finca tres refugios subterráneos: el primero, a partir de 1940, se excavó bajo un lago de la propiedad, aunque pronto se pensó en la necesidad de edificar un escondite más resistente.El lugar elegido entonces fue el conocido como "Casino Nobile", una pequeña mansión dentro de la villa que, con sus frescos y lámparas de araña, escondió las guaridas acorazadas del dictador, que se fueron fortificando con el desarrollo de la contienda.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En 1941 se edificó un refugio aéreo con muros de 120 centímetros de grosor, puertas antigas y un sistema de depuración de aire. Y un año después, todavía más abajo, a seis metros de profundidad, se empezaron las obras de otro búnker con muros de 4 metros.Sin embargo, el arresto del tirano en abril de 1943 haría que el búnker quedara sin terminar (faltan las puertas de aislamiento, el sistema de ventilación y los baños).La reapertura de estos lugares parece evidenciar que Mussolini se escondía cada vez más, y más profundo, como si entreviera el destino de un conflicto en el que, al final, él mismo perdería la vida, ejecutado en 1945 junto a su amante Clara Petacci.La reapertura de estas guaridas de la Villa Torlonia permite desde este jueves revivir aquellos tiempos de una forma sensorial, ya que se ha instalado un sistema que hace vibrar el suelo del búnker mientras por megafonía resuenan los ecos de los bombardeos aliados, como el que asoló el barrio romano de San Lorenzo en julio de 1943.Precisamente en las paredes de estos refugios acorazados se proyectan imágenes de aquellos días y noches ruinosos, recogidos por las cámaras del Instituto LUCE, la maquinaria cinematográfica creada bajo el régimen fascista como instrumento de propaganda.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cifras aportadas por el museo y recogidas este miércoles por medios locales como el periódico Asahi confirman que 1.981.617 personas visitaron durante el anterior año fiscal el museo memorial de la bomba atómica que el 6 de agosto de 1945 fue lanzada por la fuerza aérea estadounidense sobre esta ciudad nipona.El nuevo récord registrado en 2023, con cerca de dos millones de visitantes, podría achacarse en parte a la cumbre de líderes del G7 que la ciudad acogió en mayo de ese mismo año, según autoridades de Hiroshima.Desde la reunión de mandatarios, las largas colas formadas para entrar al museo se convirtieron en una cuestión que la organización del mismo decidió atajar con el lanzamiento de un sistema de reservas en febrero y ampliando su horario dos horas, una antes de la apertura y otra antes del cierre habituales.También habría contribuido al récord de visitas la película 'Oppenheimer', del director británico Christopher Nolan, una cinta biográfica sobre el físico teórico estadounidense de origen alemán J. Robert Oppenheimer, conocido como el "padre de la bomba atómica" por su destacado papel en la creación de la misma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El filme se estrenó en Japón hace unos días, ocho meses después de su lanzamiento en Estados Unidos, tras una controversia alrededor del legado de Robert Oppenheimer: "Muchos de los visitantes extranjeros con los que hablo mencionan la película", comentó el vicepresidente del museo, Shiro Tani, a Asahi.La relajación de las medidas restrictivas aplicadas por la pandemia de coronavirus que hicieron aumentar el turismo y la amenaza rusa de usar armas nucleares en Ucrania son otros de los motivos que acercaron a algunos de los visitantes al museo del legado de paz de Hiroshima en 2023.La ciudad registró otros dos picos de visitas a su museo de la bomba atómica en 2016 (1,73 millones) tras la visita de Barack Obama, el primer presidente de Estados Unidos en viajar hasta Hiroshima, y en 2019 (1,75 millones) con la reapertura de las instalaciones después de dos años cerradas por obras de renovación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Tengo una costumbre, casi una superstición. Cuando salgo de mi casa por un asunto importante sin falta toco los barrotes de la puerta", dice Irma, residente en el antiguo distrito Sololaki de Tiflis.Yago, un anciano que vive en la primera planta de una antigua casa se muestra orgulloso de su condición de tiflisense y, cómo no, de la reja que adorna la ventana de su vivienda. "Pasa tu mano por esta flor forjada, no seas tímido", invita el hombre, que esboza una sonrisa y añade: “He vivido aquí durante más de 60 años, pero admiro este adorno casi todos los días.Yago considera que Georgia es famosa por sus artistas, músicos, escritores y actores porque sabe cómo preservar las tradiciones y transmitirlas de generación en generación. "¡No puedes evitar escribir poesía cuando ves tanta belleza todos los días!", asegura.La modernización llega a TiflisPrecisamente, la segunda mitad del siglo XIX fue un punto de inflexión en la historia del desarrollo de Tiflis, pues "fue entonces cuando, en sus formas y contenidos, la cultura georgiana pasó a formar parte de la europea y adopta las tendencias más modernas", dice al EFE la experta en arte Tamta Shonvadze.Vivir en Tiflis daba prestigio y las familias pudientes competían en exhibir su riqueza, emulación que se manifestaba de manera más visible en la arquitectura.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Los portales y ventanas de la antigua Tiflis, ricamente decorados con rejas de hierro forjado, se convierten en las tarjetas de presentación de toda la ciudad y, cómo no, de los propietarios de los inmuebles”, añade Shonvadze.Estos ornamentos adquieren tal popularidad que proliferan las herrerías especializadas en la forja de rejas. Y es que la supresión en 1861 de la servidumbre en el Imperio ruso, del que Georgia formaba parte, estimuló el desplazamiento de la población rural a las ciudades y el desarrollo de la industria.“La nueva cara de la ciudad requería un nuevo estilo, nuevos detalles empezando por los portales, puertas y ventanas, en el que las rejas y la pintura decorativa de las entradas principales de los edificios eran un elemento clave”, sostiene la experta en arte.La historiadora Tamara Tavadze destaca que fueron años en los que los tiflisenses comenzaron a hacer suyas las tendencias de la moda europea que llegaban a ciudades ricas del Imperio.“El estilo occidental se impone y desplaza al oriental a un segundo plano, literalmente. La arquitectura oriental, con su balcones y escaleras, se repliega a los patios interiores, mientras que la occidental conquista las fachadas”, asegura Tavadze. La sovietización no puede con las tradicionesEsta deriva se interrumpió con la revolución bolchevique de 1917 que acabó con el Imperio ruso y en 1921 con la recién creada República Democrática de Georgia, invadida por el Ejército Rojo.El constructivismo, primero, y luego el realismo socialista llegaron a Tiflis. "Los lujos burgueses y sus adornos se tornaron no solo innecesarios, sino también peligrosos", añade la historiadora.Pese a 70 años de sovietización, en Tiflis no se precisa una máquina del tiempo para retroceder dos siglos; basta dar unos pasos desde la Plaza de la Libertad y adentrarse en la ciudad vieja para sumirse en el pasado.Allí, cual guardianes, las antigua rejas continúan protegiendo los patios de Tiflis y sus secretos. La experiencia es tan vívida que pareciera que en cualquier momento a la vuelta de la esquina saldrá un carruaje tirado por caballos con sus cascos repicando en el empedrado."La calidez de esta celosía, que probablemente preserva la memoria de mis bisabuelas y bisabuelos, ayuda. Todo lo misterioso se hace realidad", señala Irma.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lejos de los rascacielos de Dubái, Mariam al Kalbani enseña a una joven emiratí el arte del talli, un tipo de bordado tradicional inscrito en el patrimonio mundial de la Unesco en peligro de desaparición en los países del Golfo.Con las manos tatuadas de hena, la septuagenaria teje hilos coloridos, formando motivos que adornarán prendas o bolsas, bajo la mirada atenta de una aprendiz que vino a conocer los secretos de una práctica laboriosa, transmitida de generación en generación."Es la artesanía de nuestros abuelos y padres, y si no tomamos la iniciativa de enseñarles, desaparecerá", dice, en el marco de un festival dedicado a la artesanía local en la región de Al-Ain, en el emirato de Abu Dabi.Cubierto su rostro a mitad por la burqa típica del Golfo y un velo de tela dorada, la maestra subraya la complejidad de la obra, que puede implicar hasta cincuenta hilos diferentes. Para los motivos más simples, realizados con seis hilos, un metro de bordado requiere hasta tres horas de trabajo.En lo que respecta a la enseñanza, ésta "puede tomar uno o dos años (...) con un curso semanal", dice Mariam al-Kalbani, que teje el talli desde la adolescencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Patrimonio emiratíInscrito en la lista del patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2022, el talli es practicado en varios de los emiratos que conforman la federación, y su origen es difícil de determinar, señala Mohammed Hassan Abdelhafez del Instituto del patrimonio de Charjah.Los criterios de selección de la Unesco exigen sin embargo que la experiencia haya sido transmitida a través de varias generaciones, "al menos de los abuelos a los nietos", subraya.Mariam Al-Kalbani no logró comunicar su pasión a sus hijos. Solo a su nieta de tres años le gusta verla tejer, dice, así como sus aprendices que como Rim al-Ketbi, sigue con atención cada uno de sus gestos.Esta estudiante de 23 años reconoce que las mujeres de su edad no están "muy interesadas" por la artesanía tradicional, pero para ella la preservación "del patrimonio emiratí es un asunto de amor por el país".Antes desérticos, los Emiratos Árabes Unidos experimentaron una transformación social y económica de gran magnitud en los últimos cincuenta años, especialmente en Dubái, ciudad ultra-conectada que se volvió famosa por sus proyectos desmesurados.Pero el rico país petrolero, donde el 90% de sus 10 millones de habitantes son inmigrantes, siempre buscó preservar sus tradiciones y su modo de vida "inclusive después de la llegada de la modernidad y el descubrimiento del petróleo", subraya Mohammed Hassan Abdelhafez."Amenazado de desaparición"En el festival de artesanía de las industrias tradicionales de Al-Ain, el talli no es el único protagonista. En la plaza central, los hombres ejecutan una danza llamada Ayalah, en la que se esgrimen palos de bambú o fusiles descargados, al ritmo de las canciones folclóricas.Un poco más lejos, mujeres fabrican el sadu, un tejido tradicional utilizado para carpas, tapices y sillas de montar para camello, cuya experiencia figura en la lista del patrimonio inmaterial de la Unesco desde 2011. Otras mujeres más allá venden prendas y artículos diversos.Las autoridades de Abu Dabi registraron todas las artesanías para ayudarlos a hacerse conocer entre los jóvenes, indica una responsable del ministerio de la Cultura y Turismo del Emirato, Aisha al-Dhaheri.También proponen formaciones, especialmente para el talli, "pues se considera amenazado de desaparición", agregó.En su tienda, donde bolsas, pulseras, llaveros, e inclusive incensarios, están adornados con talli, Kaltum al-Mansuri lamenta que las jóvenes estén siempre ocupadas viendo "tabletas y teléfonos celulares" cuando deberían tomar el relevo, dice la octogenaria, pues "¿a nosotros, cuanto tiempo nos queda?".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A los 20 años, Alejandro III fue coronado como rey de Macedonia. Su padre Filipo II le dijo: “Busca, hijo mío, un reino igual a ti porque en Macedonia no cabes”, Alejandro el grande se comprometió a la palabra de su padre y decidió emprender un viaje por el mundo.Como cualquier príncipe, Alejandro Magno recibió una educación de primera, estudió matemáticas, historia, política y filosofía, esta última siendo el aprendiz de, nada más ni nada menos, que Aristóteles. Así como se educó en las áreas del conocimiento también alimentó el cuerpo con un entrenamiento militar fundamental para su camino en la conquista.En sus años de pupilo de Aristóteles, Alejandro Magno cargó como un libro sagrado La Iliada, de Homero pues estudió la cultura griega y las epopeyas de los héroes. La educación completa del hijo de Filipo II lo convirtió en un guerrero militar que estaba destinado a ser magnífico y a dejar su huella en el mundo.Berta Erill Soto, periodista de la National Geographic, menciona en un artículo sobre el conquistador lo siguiente: “Alejandro Magno disponía de unos 13.500 combatientes macedonios, 12.000 griegos del sur y 8.000 de origen balcánico: un total de aproximadamente 33.500 hombres”. El ejército fue considerado uno de los más desarrollados y poderosos de los tiempos antiguos.El Imperio persa y la conquistaTras la muerte de su padre en el 336 a.C, Alejandro Magno empezó a planear su travesía hacia el Imperio persa, comenzó su campaña militar en el 334 a.C., cruzando el Hellesponto con un ejército de aproximadamente 40,000 hombres. En la famosa batalla de Granico, derrotó a las fuerzas persas, lo que le permitió avanzar hacia Anatolia. Alejandro continuó su avance a través de Asia Menor, derrotando al rey persa Darío III en batallas cruciales como las de Issos y Gaugamela.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.En esta conquista Alejandro logró hacer una mezcla cultural entre los griegos y los persas, logrando también un tipo de integración cultural.Egipto y la gloriaSiguiendo con su travesía, Alejandro Magno se dirigió a Egipto donde fue recibido como un héroe por su victoria en Persia. En su estadía construyó templos y veneró a los dioses egipcios, por eso la población local lo nombró faraón. Cuando visitó el oasis de Siwa, fue al oráculo del dios Amón para confirmar sus orígenes divinos, el oráculo le confirmó la teoría dándole luces acerca de su conexión con la divinidad griega. Según el mensaje del oráculo y la historia, Alejandro Magno fue hijo de Zeus.Tras convertirse en faraón de Egipto y extender su dominio por el Nilo, Alejandro Magno se dirigió a la India, sin embargo, nunca logró llegar lo suficientemente lejos. En su reinado comenzó a tomar actitudes y costumbres persas, cosa que a su ejército lo le causó ninguna gracia y comenzaron a dudar de él.En medio de la desconfianza y el poder, Hefestión, un gran amigo de Alejandro (y con quien se presume que tuvo una relación afectiva) murió. Esto le causó profunda tristeza y viajó a Babilonia para realizarle un funeral digno. Esta historia se asemeja a la de Aquiles y Patroclo, contada en La Iliada de Homero.En el año 331 a.C, Alejandro Magno creó Alejandría, una metrópoli monumental que se convertiría en la capital de Egipto. Junto a Alejandría creó las ciudades de Tonis-Heracleon y Canope. La ciudad solo duró algunos siglos ya que la naturaleza consumió su totalidad y arrasó con su existencia.Alejandro Magno murió en junio, su fallecimiento ha sido un misterio hasta nuestros días. Algunos dicen que fue a causa de las fiebres por la malaria y otros expertos apuntan que fue envenenamiento, sin embargo, nunca se han esclarecido los hechos. El gran Alejandro creó una historia que quedó en los libros, así como lo hizo su libro sagrado, La Iliada.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un comunicado, la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México rechazaron la subasta de bienes arqueológicos y recordaron que entre los objetos dictaminados se incluyen piezas mayas, teotihuacanas y otras ligadas a estilos cerámicos propios del norte, el occidente y el Golfo de México.Señalaron que los especialistas del INAH elaboraron el dictamen arqueológico correspondiente, examinando las características de forma, estilo, materia prima, proporciones, acabados de superficie y estado de conservación de cada pieza."De ese dictamen se determina que 20 objetos puestos a la venta son monumentos arqueológicos mexicanos, definidos y protegidos por la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos", expuso el comunicado.La Secretaría de Cultura indicó que entre las piezas "se encuentran figurillas zoomorfas, vasijas elaboradas en barro modelado, espejos con incrustaciones de piedra verde, fragmentos de esculturas y tapas de braseros tipo teatro".Estas piezas recorren temporalidades que van de los periodos Preclásico (600 a.C.-200 d.C.) al Posclásico mesoamericanos (1200-1500 d.C.) "y que se ligan a culturas como la maya y teotihuacana, así como a estilos escultóricos de México como los denominados Casas Grandes del norte de México, de occidente o de las Culturas del Golfo de México.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ambas instituciones indicaron que "han iniciado los procesos judiciales y diplomáticos correspondientes ante autoridades mexicanas e internacionales, con el interés de que las piezas en cuestión sean repatriadas a territorio mexicano a través de los canales diplomáticos y legales oficiales".Además, autoridades de la Secretaría de Cultura enviaron una carta a la citada galería, "exhortando a sus directivos a detener el ofrecimiento y la venta de dichas piezas, en consideración de que representan un legado invaluable de nuestras culturas ancestrales y, además, son parte de la memoria de numerosos pueblos originarios de la actualidad".En la nota, México reafirmó su compromiso con la protección del patrimonio cultural y la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales, en cumplimiento de la legislación mexicana y de los tratados internacionales en la materia, haciendo un exhorto a las casas de subastas a reflexionar respecto a los códigos éticos en torno a la comercialización de bienes culturales expoliados de forma ilegal, ya que contribuye al despojo cultural y atenta contra la memoria de los pueblos.A nivel global, las embajadas y consulados de México han recuperado unas 13.500 piezas culturales durante la administración del presidente Andrés Manuel López Obrador, que inició el 1 de diciembre de 2018.El Gobierno mexicano ha combatido subastas en ciudades como Nueva York, París y Roma, en las que aparecen objetos robados o que pertenecen al patrimonio de México.Además, se intensificaron las demandas ante Gobiernos extranjeros para recuperar piezas arqueológicas y artísticas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Arte Vocabulario Cathecismo Menor y Mayor de la Lengua Moxa' es el título del libro escrito por Marbán (Tiedra, 1647) custodiado en el área de Bienes Documentales del Museo Nacional de Etnografía y Folclore (Musef) en La Paz, que tuvo la iniciativa de transcribir el documento, explicó la directora de esa institución, Elvira Espejo.Al tratarse de una publicación de más de 300 años, "por su fragilidad no puede salir" del museo y se la debe preservar, pero se pensó en hacer la transcripción "para quienes realmente quieren conocer el contenido" y estudiar en profundidad sobre la lengua y la cultura moxa, señaló."Lo interesante es conocer también estas terminologías de aquellas épocas de hace 300 años y que los jóvenes tengan la posibilidad de leer, aprender y también practicarlo si es posible", comentó Espejo.El antropólogo y museólogo Milton Eyzaguirre, jefe de la Unidad de Extensión del Musef, explicó que hace dos años el museo logró que el documento sea reconocido como "Memoria del Mundo" por la Unesco, una certificación que se recibió oficialmente en 2023."Y, claro, podríamos dejar el documento en el archivo y no visibilizarlo más, pero nuestro objetivo es que llegue a las poblaciones de diferentes lugares, de tierras bajas, de tierras altas", indicó.Las tierras altas son la zona andina y las tierras bajas son las regiones de la Amazonía, el oriente y el chaco bolivianos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marbán y el libroPedro Marbán llegó en 1675 a la llamada llanura de Moxos, actualmente territorio del departamento amazónico de Beni, en el noreste de Bolivia, y terminó de escribir el diccionario en 1701.Según Eyzaguirre, el jesuita dijo que cuando llegó al lugar había cinco lenguas mayores, una de ellas, la más importante, era el morocosí, que actualmente se conoce como moxeño."Hubo una serie de elementos vinculados con el proceso de asentamiento, formar y fundar diferentes reducciones en varias zonas de la región como Loreto o San Ignacio y en todo ese contexto es que logró consolidar el documento que tiene aproximadamente 860 páginas", precisó.El texto tiene cuatro partes, la primera es una introducción del manejo de la lengua moxa, la segunda y tercera son las traducciones del castellano al moxeño y viceversa y la cuarta es "el catecismo mayor y el catecismo menor, obviamente aplicando todos estos elementos de la lengua para la cristianización de la gente en tierras bajas", señaló.Para Eyzaguirre, fue "fundamental" que el jesuita lograse "sistematizar todo el manejo de esta lengua" en sus 26 años de permanencia en Moxos.Relevancia del facsímilSe calcula que actualmente hay unos 50.000 hablantes de la lengua moxa en Bolivia, principalmente en Beni y en la región central de Cochabamba.El experto explicó que algunas personas del municipio beniano de San Ignacio de Moxos reconocieron algunas palabras halladas en el texto y otras "las adscribían más bien a la lengua trinitaria"."Es decir, hay como un proceso de desuso de la lengua como tal lamentablemente, porque estamos en un proceso de homogenización del conocimiento y el manejo del español se está asentando con mucha fuerza", comentó.Precisamente con la edición facsimilar se apunta a que "se puedan recuperar algunos términos e inclusive la forma de pensamiento y la cosmovisión" de la cultura moxa, agregó.Para Eyzaguirre, será importante, por ejemplo, rescatar el concepto del agua en la lengua moxa, que presenta unos 200 usos de ese término, algo fundamental porque la región moxeña suele registrar inundaciones en el primer trimestre del año y fue una sociedad con importantes conocimientos hidráulicos."Este conocimiento que tenían los anteriores moxeños está albergado en parte del documento de Marbán, que nos hace referencia a estos contextos y podemos, a partir de éstos, comenzar a generar reconstrucciones", indicó.La transcripción del libro se hizo durante un año y se imprimió en dos tomos "para facilitar la lectura", lo que fue posible con apoyo de la Embajada de Suiza en Bolivia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro, una manifestación artística arraigada en la devoción religiosa, ha sido una fuente inagotable de inspiración y contemplación a lo largo de la historia. Este género, intrínsecamente ligado a las prácticas y creencias religiosas, ha desempeñado un papel crucial en la expresión espiritual y cultural de diversas civilizaciones. Desde las majestuosas catedrales góticas de Europa hasta las pinturas murales en templos hindúes, el arte sacro ha abrazado una variedad de formas, estilos y tradiciones, sirviendo como un puente entre lo terrenal y lo divino.El arte sacro surge de la profunda necesidad de las comunidades religiosas de expresar su fe y reverencia hacia lo sagrado. Sus orígenes se remontan a las antiguas civilizaciones, donde los primeros humanos, imbuidos de un sentido de lo trascendente, creaban obras para honrar a sus deidades y dar forma a sus creencias espirituales. Estas manifestaciones artísticas no solo servían como objetos de culto, sino que también buscaban transmitir enseñanzas religiosas y narrativas sagradas a través de imágenes, esculturas y arquitectura.El arte sacro abarca una amplia gama de formas artísticas, desde la arquitectura religiosa hasta la pintura, la escultura, la música y la literatura. Las catedrales góticas medievales, con sus altos arcos y vitrales que filtran la luz celestial, son ejemplos impresionantes de la arquitectura sacra que busca elevar el espíritu humano hacia lo divino. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la pintura renacentista, artistas como Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio crearon obras maestras que representaban escenas bíblicas y retratos de santos, infundiendo a sus obras una profundidad espiritual y una belleza trascendental.La escultura sacra, desde las estatuas de los dioses griegos hasta las representaciones de Cristo en la cruz, ha capturado la imaginación de los creyentes durante siglos, ofreciendo una conexión tangible con lo sagrado. Además, la música sacra, con sus himnos, oratorios y misas, ha enriquecido las experiencias religiosas, proporcionando una vía para la adoración y la contemplación espiritual.Representaciones de arte sacroLa Capilla Sixtina: Situada en el Vaticano, esta obra maestra del arte renacentista, con los frescos de Miguel Ángel que representan escenas del Génesis y el Juicio Final, es un testimonio impresionante del poder del arte para elevar lo humano hacia lo divino.La Catedral de Notre-Dame: Ubicada en París, esta catedral gótica es un símbolo icónico del arte sacro, con sus imponentes torres, rosetones y esculturas que narran historias bíblicas y glorifican a Dios.El David de Miguel Ángel: Esta escultura de mármol representa al héroe bíblico David antes de enfrentarse a Goliat, encapsulando la belleza y la perfección del Renacimiento italiano.Las Cantatas de Bach: Compuestas por Johann Sebastian Bach, estas obras musicales sagradas son una expresión sublime de la devoción religiosa y la maestría musical.A pesar de los cambios en la sociedad y la disminución de la religiosidad en algunas regiones, el arte sacro sigue siendo relevante en el mundo contemporáneo. Su legado perdura en museos, galerías y espacios de culto en todo el mundo, inspirando a artistas y espectadores por igual. Además, el arte sacro continúa desempeñando un papel importante en la preservación de la herencia cultural y espiritual de la humanidad, sirviendo como un recordatorio de nuestra conexión con lo trascendente y lo eterno.El arte sacro, con su rica historia y su diversidad de formas, sigue siendo una fuente de inspiración y contemplación para millones de personas en todo el mundo. A través de sus obras, los artistas han buscado capturar la esencia de lo divino y transmitir la profundidad de la experiencia religiosa, dejando un legado perdurable que trasciende el tiempo y el espacio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hablamos con la docente Catalina González, docente del programa de diseño de modas de la Universidad ECCI. El diseño de modas, no solo inspirado en las tendencias, lo que está de moda digámoslo así, sino en el bienestar de ciertas poblaciones que tienen unas dificultades determinadas y hablamos de las mujeres que han sufrido cáncer de seno y que ustedes han pensado, no solo qué ropa les sirve, sino cómo apoyarlas. Quisiera que me hablaras de este proyecto. Este proyecto básicamente se centra en desarrollar una cartilla como asesoría de imagen para este tipo de mujeres que han sufrido cáncer de mama que han pasado por una mastectomía radical. Esta cartilla está enfocada en todo lo que es el análisis de su imagen, de enfrentarse nuevamente a lo que son ellas después de este tipo de cirugías. Hablamos sobre el uso de maquillaje, el uso de prendas y adicional a eso contamos también con un apoyo a nivel de psicología para enfrentar todas estas barreras que se tienen a nivel de autoestima y de encontrar nuevamente su rol en la sociedad.Catalina, a veces uno piensa que la ropa es solo ropa y ya y lo hemos hablado con la profesora Alexandra que es la directora de diseño de modas aquí en la ECCI, pero en estos casos la ropa también suple un tema de autoestima y también sirve para decirle a la mujer que no está incompleta. Porque luego de una mastectomía pues ya sabemos la cosas que hay frente al espejo y cuán duro nos puede dar ese reconocimiento. Buscamos que con las prendas que ellas tienen en su guardarropa se sientan seguras y proyecten su nueva imagen a partir de esta cirugía. Entonces, la idea es que no es un un prototipo que nos va a llenar ese vacío porque muchas mujeres pueden utilizar prótesis hay otras que deciden no utilizarlas, la idea es que esas prendas ellas las lleven con poder, con empoderamiento, por ese motivo es importante el apoyo psicológico porque se trabaja desde la parte interna hacia la parte externa y así mismo poder proyectar esa nueva imagen.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Cuénteme de las prendas, pues sabemos que otras universidades también habían repensado. El tema sobre brasieres, por ejemplo, prendas íntimas, ¿cómo se diseñan estas prendas, qué tienen de particular?Bueno pues conozco de un prototipo que se elaboró que es un brasier, pues es un tejido especial para el proceso de cicatrización para ayudar en ese en postoperatorio y en ese proceso pues nosotros intentamos también desarrollar algunos prototipos de prenda, pero encontramos fue esa debilidad a nivel psicológico, a nivel emocional, que las mujeres necesitaban retomar nuevamente su imagen. El tema de la cartilla, ¿cómo lo elaboraron, cómo fue ese proceso? Bueno actualmente estamos en la prueba de aplicación con las mujeres y a partir de toda esa asesoría esperamos sacar como tal el resultado que es la cartilla. La cartilla básicamente sería: si tienes este tipo de piel puedes utilizar este tipo de prendas, los colores que puedes utilizar son estos... a nivel de accesorios a nivel de maquillaje. Incluso hay un estudiante que también está trabajando con nosotros sobre el tema de la colorimetría para este tipo de mujeres porque las mujeres cuando se enfrentan a quimioterapias o después de un postoperatorio su piel tiende a ponerse un poco más pálida, entonces la idea es que por medio de estos colores de las prendas se realce nuevamente su color natural.¿Cuál es el futuro de este proyecto? ¿Cómo se lo imaginan desde la ECCI?Estamos en conversaciones con el Instituto Nacional de Cancerología porque ellos son los que nos van a dar esa población donde vamos a aplicar realmente esta cartilla y ya a partir de ese estudio de la evaluación que ellas mismas nos hagan. La idea es empezar a replicarlo a otras comunidades, a otras instituciones que puedan colaborarnos con esta población.Catalina yo quisiera que me contarás sobre tu experiencia personal en este proyecto. No como una mujer, también una diseñadora. Impacta, impacta bastante. Darse una cuenta todo lo que puede llegar a dañar a nivel psicológico y a nivel físico este tipo de condiciones de salud, adicional a esto tener un poco más de conciencia, como lo decías al inicio, la moda no es solamente las prendas, la tendencia, sino darle un sentido social a esa prenda, a ese color que vamos a usar de temporada que realmente permita que esa mujer que lo tiene se proyecte y se afiance nuevamente como un rol femenino en la sociedad.Más allá de las mujeres también es un proyecto para las familias. Creo que es una posibilidad para apoyar a su mamá, a su abuela, a su tía, su hermana o a una misma ,una mejor amiga. Se vuelve casi que un impacto más grande que la única persona. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.