La película 'La Sociedad de la Nieve', dirigida por Juan Antonio Bayona, se ha convertido en un éxito rotundo en Netflix, narrando la historia del trágico vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya. El avión, un Fairchild FH-227D, despegó de Montevideo con destino a Santiago de Chile el 13 de octubre de 1972, llevando a bordo a miembros del equipo de rugby del Christian Club, sus familiares, y otros pasajeros. Problemas como la insuficiente potencia del motor y las extremas condiciones atmosféricas resultaron en una catástrofe sin precedentes.La tragedia en la cordillera de los AndesEn condiciones meteorológicas adversas y volando a una altitud de 5500 metros, los pilotos del vuelo 571 no pudieron verificar visualmente su posición. Confiando en la navegación por radio, creyeron erróneamente estar cerca de Curicó, Chile. Sin embargo, aún estaban a 60-70 km de distancia. Comenzaron un descenso prematuro hacia el norte, en un rumbo incorrecto.Al darse cuenta de su error crítico, los pilotos trataron ganar altitud aplicando la máxima potencia, pero no fue suficiente. El avión chocó contra una cresta, lo que hizo que la nave se partiera en dos, causando la caída de tres pasajeros, el navegante y el auxiliar de vuelo al vacío con la parte trasera del fuselaje.La aeronave continuó, perdiendo luego el ala izquierda, y dos pasajeros más fueron expulsados del fuselaje abierto. Finalmente, el fuselaje se deslizó por una pendiente a alta velocidad, chocando contra un banco de nieve.Supervivencia extremaDe las 45 personas que iban en el avión, 13 murieron inmediatamente. Durante la primera noche, fallecieron cuatro personas debido a las gélidas temperaturas y sus graves heridas. En las semanas posteriores, murieron doce más, la mayoría por un alud. En el fuselaje convertido en refugio, los sobrevivientes enfrentaron hambre y frío extremos. Agotadas las provisiones, recurrieron a medidas desesperadas para sobrevivir, incluyendo la antropofagia, una decisión tomada tras escuchar por radio que los equipos de rescate habían abandonado la búsqueda. Esta elección, tomada por necesidad extrema, se ha convertido en uno de los aspectos más controvertidos y debatidos de esta historia.Después de 72 días de aislamiento, la determinación de Nando Parrado, Roberto Canessa y Antonio Vizintín llevó a dos de ellos a emprender una peligrosa caminata a través de los Andes. Su encuentro con el agricultor Sergio Catalán fue crucial, permitiéndoles finalmente comunicar su situación y organizar un rescate para los demás supervivientes.Un testimonio fiel'La Sociedad de la Nieve' ha sido aclamada por su narrativa sensible y respetuosa, que logra transmitir la magnitud de este desastre humano y la increíble resistencia del espíritu humano. Bayona consigue equilibrar la representación cinematográfica con la realidad de los hechos, basándose en el libro homónimo de Pablo Vierci y los relatos de los sobrevivientes.Con un presupuesto de 60 millones, 'La sociedad de la nieve' se ha convertido en la película más cara de producir de la historia del cine español. Grabar en el lugar donde sucedió el accidente, a 4000 metros de altura, fue imposible. Por eso la producción se trasladó a Sierra Nevada, en la provincia española de Granada.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Suleika Jaouad no pudo acompañarlo personalmente en esa noche de gloria porque estaba luchando contra una leucemia. Esa dura conjunción entre éxito estratosférico y la cruda realidad es el hilo conductor de "American Symphony", un íntimo documental sobre la pareja disponible en Netflix."Quería que no sólo fuese sobre el proceso artístico, sino que también mostrase lo que implica alcanzar un nivel de grandeza en el arte", dijo Batiste a AFP. "También creo que estábamos mostrando una lección que no conocíamos entonces: que la creatividad es un mecanismo de supervivencia", agregó el artista, de 37 años.El proyecto comenzó como un documental sobre el proyecto de Batiste de escribir una sinfonía contemporánea de función única inspirada en la música de varios lugares del mundo. Pero se transformó radicalmente cuando Jaouad descubrió que su cáncer había reaparecido, casi diez años después.El resultado es, al mismo tiempo, una historia de amor, una reflexión sobre la enfermedad, una crónica de la vida familiar y una revisión tenaz del proceso creativo en sí mismo. Jaouad, de 35 años, es una reconocida escritora. Su primera batalla contra el cáncer, una década atrás, quedó plasmada en sus columnas en el periódico The New York Times."Negociación" en tiempo realDurante siete meses las cámaras siguieron a Batiste mientras dirigía ensayos, sufría de una severa ansiedad que lo mantenía despierto en las noches, hablaba con su terapeuta acerca de querer renunciar a su trabajo, y visitaba a Jaouad en el hospital."Dar acceso a las cámaras a estos momentos sagrados de nuestra vida fue una negociación en tiempo real", dijo Batiste. "Definir límites, ellos empujando esos límites, y nosotros empujando de vuelta", cuenta.Durante la misma época, su disco "We Are" lideró las nominaciones a los Grammys de 2022, y se impuso ante figuras como Taylor Swift, Kanye West y Billie Eilish en la categoría álbum del año. Pero cuando Batiste regresó de Las Vegas con sus cinco gramófonos, Jaouad estaba de vuelta en el hospital, enfrentando los efectos de la quimioterapia y un segundo trasplante de médula.Una poderosa escena del documental muestra a Batiste en el escenario durante un recital de piano de dos horas, ante un auditorio repleto. El músico le dedica la pieza siguiente a Jaouad y a continuación se detiene con los dedos en el teclado, durante un minuto. Tras esta pausa que parece una eternidad, toca una improvisación conmovedora y catártica."Estaba procesando todo en tiempo real frente al público", dijo Batiste. "Es tanto lo que ocurre, lo que pasa en una vida, que es difícil ponerlo en palabras", añadió."American Symphony", producida por la empresa audiovisual de Michelle y Barack Obama, se perfila como fuerte candidata para la categoría Mejor documental en los Óscar 2024. Batiste ya ganó un premio de la Academia por escribir la banda sonora de la película animada de Pixar "Soul"."Butterfly"De formación clásica, descendiente de una dinastía musical de Nueva Orleans, Batiste es un erudito del jazz que se hizo famoso al frente de la banda del popular programa de variedades de Stephen Colbert.El éxito de "We Are" llevó su estatus de celebridad a otro nivel y, menos de dos años después, está nominado a otros seis Grammys con su disco "World Music Radio".Batiste compite, entre otras categorías, en la de Mejor canción con "Butterfly", escrita para Jaouad cuando estaba en el hospital. Es el único hombre nominado para Grabación y Álbum del año, donde se medirá con superestrellas como Swift, Olivia Rodrigo y el grupo femenino boygenius.Con estas artistas comparte un interés por "música real, arte real", que no se apoya en tecnología y sonidos computarizados, asegura.Rodrigo "trajo de vuelta ese estilo 'vieja escuela' de componer", Eilish es "la voz de su época" y boygenius es un viaje a una "dinámica de banda y a la camaradería basada en valores compartidos", reflexiona Batiste. Pero cuando piensa en la ceremonia de los Grammys en febrero, lo que más le importa es que su esposa pueda estar a su lado."Esta vez, lo que más me entusiasma es que ella se encuentra bien y podrá ir a los Grammys conmigo", dijo. "Poder celebrar el álbum y esa canción, y poder estar en los Grammys de nuevo, ahora con ella... para nosotros es un círculo completo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Muestra Internacional Documental de Bogotá (MIDBO) regresa celebrando 25 años de pasión por el cine de lo real. Un evento que se ha consolidado como una plataforma esencial para la exhibición, la circulación, el diálogo y el pensamiento alrededor del cine documental en Colombia y América Latina. Organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas ALADOS, la edición MIDBO 2023 trasciende el formato documental tradicional, ofreciendo una variedad de perspectivas a través de sus tres secciones: Muestra Documental, Documental Expandido y el Encuentro Pensar lo Real, entre otras actividades, que el público podrá disfrutar del 1 al 6 de noviembre en 9 escenarios de la ciudad.Bajo el lema "Recrear lo Real", esta edición se centra en explorar la capacidad del documental para representar y recrear la realidad desde otras perspectivas. Busca resaltar las hibridaciones del cine de lo real, su relación con otras disciplinas y la capacidad del documental para acceder a mundos a veces ocultos o difíciles de retratar. Las películas que hacen parte de La Muestra se encuentran en la frontera entre el documental y la ficción, abordando temas como el trabajo con actores naturales, la construcción de relatos a través de archivos, entre otras temáticas y miradas. Serán más de 100 actividades entre proyecciones, talleres, encuentros, charlas y exposiciones.La sección de Cine Documental eje central de MIDBO, apuesta nuevamente por ser una muestra competitiva, por eso entregará para esta versión, el Premio del Público a mejor largometraje colombiano, el Premio del jurado a mejor largometraje internacional y el Premio Quijote al mejor cortometraje internacional otorgado por un jurado de la Federación Internacional de Cineclubes. Este año hacen parte de la programación 88 películas documentales colombianas y extranjeras, organizadas en seis líneas temáticas: Recrear lo real, Mujer(es) coraje, Espectros que asedian, Arquitectura documental, Cierto aire de familia y El silencio de los animales. Además, se mantiene el programa especial Espejos, centrado en la temática de la migración y el movimiento de personas en los territorios.En esta sección de cine documental, cabe resaltar títulos como: Retratos Fantasmas de Kleber Mendonca Filho (Brasil), película seleccionada para la inauguración de La Muestra que representa a Brasil en los Oscars; The mother of all lies (la madre de todas las mentiras) una historia familiar de la directora marroquí premiada al mejor documental en Cannes Asmae El Moudir. El estreno latinoamericano de Mighty Afrin (Poderosa Afrin) una docu-ficción de Angelo Rallis sobre el heroísmo de una niña en el entorno de las inundaciones en Bangladesh. Gracias a la presencia de Portugal, Brasil y España entre los países participantes, se hace posible la presentación de la clásica Os verdes anos de Paulo Rocha, Portugal (1963). También llega por primera vez un documental en 3D con A woman escapes, una producción de Canadá y Turquía. Por Colombia se destaca el estreno de la película Ana Rosa de Catalina Villar, un relato personal, crítica en clave de género a los fundamentos de la psiquiatría en Colombia. Y para la clausura tendrá lugar el estreno de la película La Bonga.El Encuentro Pensar lo Real es el espacio de pensamiento y reflexión alrededor del cine de lo real y otras prácticas audiovisuales contemporáneas, que reúne a directores/as, artistas, académicas/os, estudiantes y otros agentes del sector audiovisual en torno a actividades de formación y diálogo. Con el título de “Escenas de lo real” cuenta este año con invitados de prestigio internacional como Neús Ballús directora española de Seis días corrientes, la directora canadiense Miryam Charles de Cette Maison y Sylvain George, director francés que estrena en Colombia Nuit Obscure. También contará con invitados nacionales de honor como Catalina Villar y Víctor Gaviria quien abrirá el diálogo con Neus Ballús en el que ambos compartirán aspectos de sus métodos y reflexiones sobre su trabajo con actores naturales.En la sección de Documental Expandido, se presentan obras documentales que trascienden el formato tradicional de exhibición cinematográfica y experimentan con el espacio, ofreciendo al público nuevas relaciones con las obras. En esta oportunidad tendrá lugar un homenaje a Ricardo Restrepo con la exposición R377. Un archivo en dos actos en la Sala E de la Cinemateca de Bogotá y dos exposiciones en Calle Museo: Los planos del mundo, de realizadores jóvenes y Memoria Expandida, un recorrido por los 25 Años de la Gráfica MIDBO.Además, tendrán lugar eventos especiales como: El V Encuentro Nacional de Documentalistas, el lanzamiento del número 4 de La Pesadilla de Nanook, revista digital de la Corporación Colombiana de documentalistas ALADOS, El Taller de Circulación Documental y los laboratorios de escritura, montaje y corte final. También hacen parte de la programación un ciclo dedicado al Cine Dominicano, la celebración de CREA Diez años en la que se estrenarán los documentales dirigidos por jóvenes realizadores de los grupos de creación audiovisual de diversas localidades de Bogotá y se realizarán proyecciones para público adulto mayor de La Candelaria. A través de Especiales RTVC, se presentará la serie "Historias breves". Todo esto en la Cinemateca de Bogotá, Cinemateca El Tunal, Alianza Francesa, Cinemateca Sala Alterna, Viajero Hostel, Centro Gabriel García Márquez, Universidad Javeriana, Sala Fundadores y el Instituto Goethe. Además, por primera vez se realizará un prelanzamiento de la MIDBO fuera de Bogotá, será en el Colombo Americano de Medellín con la premiere de la película Aftersun del cineasta catalán Lluís Galter.Es así como con una rica tradición y un futuro prometedor por delante, la 25ª edición de MIDBO con la dirección artística de María Luna y la coordinación de públicos de Julio Lamaña, promete ser un evento memorable para todos los amantes del cine documental. Una oportunidad para sumergirse en el mundo del cine de lo real, y a apreciar la belleza, complejidad y la diversidad a través de narrativas poderosas, aprender de expertos del sector y ser parte de una celebración que marca un hito en el cine documental de América Latina.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En esta conversación, Camilo Falla, crítico de cine, hace un recorrido junto a Marta Rodríguez por su vida, su carrera y sus inspiraciones y referentes.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental Una mirada honesta narra la vida Eduardo Longoni, quien tuvo a la violencia como una marca indeleble desde sus inicios y sintetiza el compromiso de toda una generación de fotoperiodistas que resistieron en la calle durante los oscuros años de la dictadura cívico-militar y llega a las salas de cine del país, con funciones programadas durante el mes de agosto.Eduardo Longoni es un artista inquieto, que se reinventa y se lanza a buscar nuevos desafíos profesionales. Mientras prepara una retrospectiva por sus 40 años de trayectoria, resignifica sus fotos recurriendo a nuevas formas y lenguajes artísticos. Hoy, alejado de las calles, Eduardo vuelve la mirada hacia sus orígenes. Recorre los lugares de su infancia en la ciudad de Mar del Plata, y decide montar allí una proyección pública de fotos, imprimiendo sus imágenes sobre las olas embravecidas del mar.Las fotografías de Eduardo Longoni nos interrogan. ¿Son bellas o comprometidas? ¿Gritan una verdad o son una obra de arte? Sea cual fuere la respuesta, su mirada estuvo siempre atravesada por un mismo sentido: el de la honestidad.“Eduardo representa a toda una generación de fotoperiodistas argentinos que fueron imprescindibles para registrar momentos únicos de la historia nacional poniéndole el cuerpo a la dictadura cívico militar o registrando los momentos más gloriosos de Diego Maradona en el mundial de México 86. Eduardo es un claro ejemplo de compromiso y coherencia ideológica y desde ese lugar es que decidimos dar a conocer al hombre detrás de las fotos. Sus fotos son conocidas, e incluso memorables pero poco se sabe de quien las tomó. O se sabía… ahora es el momento que muchas personas conozcan un poco más de quién es ese hombre”, aseguran los directores del documental Roberto Persano y Santiago Nacif.Una mirada honesta es distribuida por La Alucinante Fábrica y tendrá funciones con presencia del director Roberto Persano, el productor argentino Gato Martínez Cantó y la productora colombiana Diana Ramos en la Cinemateca de Bogotá, en Cinemas Procinal las Américas y el Colombo Americano de Medellín, esta última estará acompañada de una exposición del fotoperiodista Eduardo Longoni. Asi mismo, durante el mes de agosto se confirmarán funciones en otras ciudades.Adicional al estreno en Colombia, La revista Rolling Stone en Español nominó a Una mirada Honesta a mejor Largometraje documental del Año por “la habilidad para presentar temas de relevancia social, histórica, política o cultural, de una manera cautivadora, realista, original y convincente, valorando además la forma y profundidad en que se presentan los hechos, y su capacidad para abrir espacios de diálogo”. La primera edición de los premios se llevará a cabo el 26 de octubre en Miami.
La publicación de la cinta más reciente de Pin Vilar –sus realizadores advierten de que no era la versión definitiva–, basada en una serie de entrevistas con el roquero argentino Fito Páez, no vino de la nada.En el programa que publicó el documental –en el que el músico tocó temas sensibles como la pena de muerte en la isla– los tertulianos de la televisión estatal criticaron las palabras del artista y aseguraron que está “mal informado” sobre el país. Meses antes, su proyección fue cancelada sin previo aviso en una sala habanera.En entrevista con EFE, Pin Vilar cargó contra las decisiones que tomaron las autoridades culturales –“han hecho un papelón”–, advirtió que esto incluso podría llevar al país a perder mucho dinero en los tribunales (la cinta aún no cuenta con los permisos de la disquera Sony) y lamentó la censura a la que se somete al sector.Según Pin Vilar, el viceministro de Cultura de Cuba, Fernando Rojas, lo “llamó una hora antes” para informarle de la emisión del programa, a pesar de que el director no le había dado permiso en una llamada telefónica previa junto con el entonces director del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), Ramón Samada –ya destituido–.“Yo le dije que tenía que consultarlo (...) mi productor, que está en Buenos Aires, y los distribuidores (también en la capital argentina) dijeron que no (...) (Les) expliqué que eso puede interrumpir la ruta (de la cinta) en festivales (...) No obstante, ellos en su cabeza de niños chiquitos y abusadores, dijeron: ‘Vamos a ponerlo de todas maneras”, censuró el cineasta.Reacción del sector Este episodio fue el germen que derivó en la creación de una asamblea independiente de cineastas, cuyo primer manifiesto contó con la firma de cientos de personas –entre ellos Fernando Pérez y Jorge Perugorría– y el apoyo tácito de figuras de la cultura históricamente vinculadas al Gobierno cubano, como Silvio Rodríguez.La asamblea ha buscado desde entonces dialogar con el Ministerio y ha empujado una agenda que tiene como objetivo terminar con la censura, dar una mayor libertad creativa a los realizadores y establecer una ley de cine.Sin embargo, esto no detuvo una andanada oficialista en contra de Páez –y de Pin Vilar– por haber sido crítico con los dirigentes de la isla y, entre otras cosas, asegurar en los medios que el Estado cubano no puede culpar de todos sus males al embargo económico estadounidense.“A mí lo que me tiene asombrado no es la censura, (sino) lo mentirosos que son (...) Empiezan a crear una narrativa tratando de mezclarme a mí con la contrarrevolución, diciendo que las ideas que yo manejo en el documental coinciden con una campaña contra Cuba”, cuenta con tono irónico.Pin Vilar no le quitaría ni una coma a las críticas del autor de canciones icónicas como El amor después del amor contra el Gobierno insular. “Yo soy de las personas, igual que Fito, que piensa que el bloqueo (embargo económico) es un daño que existe de verdad. Hay una persecución financiera contra Cuba… pero que no haya tomates (en los agromercados) o que tres idiotas tomen esa decisión (censurar el documental) no tiene nada que ver con el bloqueo”, remata.Tampoco entiende a quienes, desde las esferas oficialistas, justifican decisiones como la que se tomó con su cinta arguyendo que Cuba está en guerra con EEUU: “Es inaceptable para un joven con dos dedos de frente pensar que estamos en guerra”.Sin esperanza de cambioLo sucedido con La Habana de Fito, así como la reacción que ha provocado desde el Gobierno –en las últimas semanas se creó un grupo de trabajo para atender las demandas del gremio– no le genera mucha esperanza de cambio a Pin Vilar.“Las revoluciones se hacen para que haya libertades. Es por eso que triunfan (...) La que tú pongas. Da igual que la francesa, la mexicana, la cubana, cualquiera. Entonces, en la medida en que esas revoluciones se van convirtiendo en conservadoras, van derivando en Estados dictatoriales, porque no hay nada más dictador que lo conservador”, argumenta.El cineasta también se lamentó por la fuga de talentos que hay en Cuba, entre otras cosas, motivada por acciones como la que sufrió con su largometraje. “Lo más brillante de mi generación se fue, como lo más brillante de ésta. En vez de hacer un cine crítico y un cine que menciona la realidad, (se pretende hacer) un cine contemplativo, tonto, que no llega a ningún lugar”, dice.El director no tiene miedo de las posibles represalias por decir lo que dice sin pelos en la lengua. Aunque sí admite que tiene “preocupación” e “incertidumbre”.Lo que le deja más tranquilo y satisfecho es la avalancha de solidaridad que lo ha desbordado en las pasadas semanas, en especial de jóvenes que ni siquiera conoce. “Sí me emociona porque eso me dice que la solución a los problemas o que el cambio, como le llaman algunos, es posible y es probable desde Cuba. No desde agendas inducidas desde ningún lugar del mundo, sino desde Cuba”, concluye.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Copa 71", dirigido por Rachel Ramsay y James Erskine, recupera el mundial de fútbol que las selecciones femeninas de Inglaterra, Francia, Dinamarca, Argentina, Italia y México disputaron en la capital mexicana en agosto de 1971, 20 años antes que el primer torneo mundial femenino de la FIFA.Ese primer mundial femenino, que fue organizado por la Federación Independiente de Fútbol Femenino Europeo (FIFFE), ha quedado borrado de la historia y de hecho muchas de las futbolistas actuales desconocen su existencia, pese a que la final se jugó en el estadio Azteca ante 100.000 espectadores."Copa 71", que realizará su estreno mundial en Toronto, abrirá el programa de documentales de la 48 edición de TIFF, que se celebra este año del 7 al 17 de septiembre.Otros documentales que se estrenarán este año en TIFF son la cinta ucraniana "Defiant", "Flipside" (EE.UU.), "Mountain Queen: The Summits of Lhakpa Sherpa" (EE.UU.), "The Contestant" (Reino Unido), "The World is Family" (India) y "Walls" (Italia).el festival de Toronto ya anunció los títulos de unas 60 películas de ficción que se proyectarán en la edición de este año, entre ellas los estrenos mundiales de los nuevos largometrajes de Viggo Mortensen, "The Dead Don't Hurt"; Michael Keaton, "Knox Goes Away", y Ethan Hawk, "Wildcat". Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Phil Grabsky, ganador de un Premio BAFTA, conocido por su amplia trayectoria de más de 35 años en el mundo audiovisual con documentales en el mundo del arte como "Yo, Claude Monet" (2017) o "El joven Picasso" (2019), entre otros, junto a David Bickerstaff y Ali Ray son los directores de los cinco títulos que componen esta nueva temporada de arte que presentará Cineco Alternativo en los cines del país a partir del 7 de julio hasta el 10 de septiembre. Los protagonistas de este ciclo serán los pintores Edward Hopper (Nueva York, 1882 – Washington, 1967), Paul Cézanne (Aix en Provence, Francia, 1839-1906), Mary Cassatt (Algheni, 1844 – Le Mésnil-Théribus, 1926), Johannes Vermeer (Delf, 1632 – 1675), y la ciudad de Tokio, con un viaje a 400 años de historia vibrante de esta capital del mundo.Considerados como una experiencia inmersiva, los espectadores podrán conocer las obras más emblemáticas de estos maestros a través de visitas guiadas y documentadas que pasarán por el Rijksmuseum de Amsterdam, la Tate Gallery de Londres, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo d´Orsay en París y al Museo Ashmolean de Oxford, mediante el relato de historiadores, expertos y críticos de arte. “Cada documental se vive como una entretenida lección de arte, como si se tratara de un recorrido íntimo a estas exposiciones que marcan la agenda internacional y que permiten revelar aspectos desconocidos de estos maestros”, asegura Grabsky, quien es también el productor ejecutivo de las cintas.La temporada iniciará con la proyección el 7,8 y 9 de julio de "Hopper: una historia de amor estadounidense", en el que se profundiza en el arte, su vida, sus relaciones (en especial la vital importancia que jugó su esposa, la también artista Josephine Hopper en el desarrollo de su carrera) y su enigmática personalidad detrás del pincel; desde sus inicios hasta su éxito con la crítica y por supuesto el impacto comercial del que es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. La cinta contiene entrevistas con expertos y el material inédito componen esta reflexión de la vida norteamericana a través del arte de Edward Hopper.Después, el 28,29 y 30 de Julio, se presentará "Cézanne: retratos de una vida", en el que, la cinta, rodada en la Galería Nacional de Retratos de Londres, con entrevistas a expertos, curadores del MoMA de Nueva York, de la Galería Nacional de Arte de Washington y del Museo de Orsay en París, se recorren los lugares que acogieron a Cézanne y brinda nuevas luces sobre uno de los más importantes impresionistas. Este documental coincidió originalmente con su exposición de 2018 del Museo de Orsay, y fue relanzado a raíz de la exposición del Tate Modern de Londres en octubre de 2022.Para agosto el ciclo tendrá una mujer como protagonista con la cinta "Mary Cassatt: pintando a la mujer moderna". La artista forjó una carrera pintando las mujeres de su entorno. Sus imágenes radicales las mostraban como intelectuales, femeninas y reales, lo que supuso un gran cambio en la representación de las mujeres en el arte. Con la presentación de sus asombrosos grabados, pasteles y pinturas, este documental nos acerca a una impresionista ignorada en numerosas ocasiones, y cuya carrera estuvo tan llena de contradicciones como las mujeres que pintó. Sus obras son parte de una época marcada por la lucha de las mujeres por sus derechos para reescribir también el lenguaje del arte. El documental se presentará el 11,12 y 13 del mes. Por su parte, el 25,26 y 27 de agosto el turno será para "Vermeer: la mayor exposición", y es que, este año, el Rijksmuseum de Ámsterdam abre sus puertas a la más grande exposición de Vermeer en la historia. Con préstamos de distintos museos y colecciones, esta gran exhibición incluye sus obras más destacadas. Esta visita guiada a la exposición permite tener un encuentro íntimo con el artista, su obra y sus secretos. La orientación del curador y director del Rijksmuseum - Taco Dibbits- es una oportunidad única para entender las decisiones creativas de Vermeer y las motivaciones de sus composiciones.La temporada finalizará con "Historias de Tokio", los días 8,9 y 10 de septiembre, con una cinta que plantea un encuentro con una de las grandes capitales del mundo y su transformación durante los últimos 400 años, cuyo origen es la exposición del Museo Ashmolean de Oxford.Cuatro siglos de un arte dinámico y memorable cubren desde las delicadas xilografías de Hokusai e Hiroshige, hasta los carteles del Arte Pop y la fotografía contemporáneos, el Manga, el cine y las obras urbanas de sus calles. Esta exposición es un viaje al corazón de la vibrante Tokio, para explorar más a fondo su arte y sus artistas. Cabe destacar, que la duración de los documentales promedia los 90 minutos. Esta temporada se realizará en las salas Cine Colombia de Bogotá (Multiplex, Andino, Avenida Chile y Unicentro), Medellín (Multiplex Viva Envigado) y Cali (Multiplex Chipichape). Junto a las proyecciones, se realizarán 5 conversatorios del Club de Arte de Cineco Alternativo que se reunirá antes de cada función a través de Zoom, orientados por el curador del Museo Nacional, Jaime Cerón con el fin de indagar aún más sobre los artistas, su obra y su contexto. Las boletas ya están disponibles y se pueden adquirir en las taquillas de los teatros y el portal cinecolombia.com. Las funciones se llevarán a cabo a mediodía, en fechas exclusivas y los días viernes, sábado y domingo. Los documentales son estrenos cinematográficos en el país y se verán en su versión original en inglés, con subtítulos en español. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los creadores agrupados en la Asamblea de Cineastas Cubanos, incluidos el director Fernando Pérez y el actor Jorge Perugorría, sostuvieron un encuentro la víspera con dirigentes del Ministerio de Cultura y el Partido Comunista de Cuba (único legal) para tratar la polémica desatada a mediados de junio.La misma comenzó cuando un programa de la televisión estatal retransmitió el documental "La Habana de Fito", dirigido por Juan Pin Vilar sin contar con su permiso.Ante ese hecho, un grupo inicial de 58 creadores criticó a las autoridades culturales por violar "una y otra vez principios éticos". La lista se ha incrementado hasta los 600 firmantes del manifiesto.Ahora, la Asamblea comunicó que la respuesta de las autoridades "al nuevo acto de exclusión y censura con el documental" es que "existen bases legales para tomar ese tipo de acciones en situaciones excepcionales"."Como gremio, manifestamos y sostenemos nuestro total desacuerdo con esa respuesta y denunciamos ese y todos los hechos similares que, basados en cualquier legislación puedan suceder", divulgaron los cineastas en sus redes sociales.Según ellos, la viceprimera ministra cubana Inés María Chapman afirmó que "existe una disposición al diálogo y al trabajo en equipo para lograr tener resultados concretos ante todas las demandas allí expresadas".En tanto, una nota del Ministerio de Cultura apuntó que "los planteamientos de los artistas merecieron la mayor atención de los dirigentes de las instituciones"."Los artistas escucharon con atención los argumentos de los representantes de las instituciones y expresaron sus opiniones en total libertad", acorde con el texto.Los dirigentes cubanos describieron que el encuentro fue en un "clima franco, constructivo y de respeto mutuo, como caracteriza a la política cultural de la Revolución".Varios de los cineastas abogaron hace 10 años por una nueva ley para regular el sector en el país caribeño, una demanda que aún no se ha cumplido.Entre los firmantes aparecen Rebeca Chávez, Luis Alberto García e Iván Giroud, expresidente del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.No es la primera vez que hay una confrontación entre el sector artístico y el Gobierno cubano en los últimos años.El 27 de noviembre de 2020 cientos de personas protagonizaron una sentada afuera del Ministerio de Cultura en protesta por la detención de integrantes del Movimiento San Isidro, del artista -recientemente sentenciado a 6 años de prisión- Luis Manuel Otero Alcántara. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Patria y vida: el poder de la música" nació "el día en que la canción fue introducida como parte del libro del Congreso estadounidense junto a discursos míticos como el de Luther King, y el presidente de EEUU la leyó para que las futuras generaciones sepan que fue un himno de libertad", explica Luengo.En una entrevista con EFE junto a Yotuel Romero, uno de los compositores de la canción, Luengo desvela que, cuando regresaba en avión ese día a Miami (EEUU), decidió que esta historia debía ser un documental, una cinta que este martes se presenta en el festival español de cine de Málaga. Si no lo hacía ella, precisó, "alguien lo haría, pero dentro de veinte años, porque la importancia de los movimientos históricos en torno al arte se miran siempre a lo largo del tiempo".Empezó a trabajar el guion para que no fuera, comenta, "un corta y pega de imágenes", y buscó "un hilo conductor a través de la música y de la vida de Yotuel, que es impactante, para hacerle justicia a esta causa". Quería, además, "reivindicar la música" de verdad, ahora que todas las canciones tienen "el mismo acorde y la misma letra".De muerte a vidaYotuel explica cómo le dieron la vuelta al tradicional lema del régimen cubano, "Patria o muerte", para llegar a este "Patria y vida". "Es importante que ahora -según el cantante-, que el mundo va en el camino de la inclusividad, esto también se aplique a Cuba. Allí la dictadura es 'patria o muerte', o la patria como la conciben ellos o, si no, te mueres. Esa es la Cuba antigua, la Cuba nueva quiere patria y vida, tú y yo, mi diferencia y la tuya, ese modo inclusivo en que todos tengamos cabida en Cuba, por eso conectó mucho con el cubano".Sabía que el título contenía "un juego de palabras importante y fuerte a nivel de mensaje cuando naces en una sociedad en la que la propaganda más fuerte que hay en todos lados es 'patria o muerte'". Pero admite que no esperaban la "envergadura" de la reacción de los cubanos y cómo "les iba a dar valor y coraje para salir a la calle por primera vez en sesenta años".Lejos de la música comercialEl éxito de la canción no se quedó en la protesta social, porque además ganó dos Grammy Latinos, algo que para Yotuel demuestra que "la música también tiene que ver con decir cosas importantes y con transformar la sociedad". "Si una canción quiere hablar de reivindicaciones y de los problemas que tienes, dilo. 'Patria y vida' ha demostrado que puedes tener Grammy y ser relevante -añade-. Hay gente que cree que la relevancia solo está con el éxito del algoritmo, y hay que ser relevante desde la libertad de uno mismo".Después del impacto de la canción, Yotuel cree que el documental también "tiene esa fuerza" para "visualizar que el rapero Maykel Osorbo y el artista Luis Manuel Otero están presos (en Cuba) solo por decir 'patria y vida'". "Queremos que todo el mundo vea esta causa y sienta empatía con el pueblo cubano, y que el pueblo cubano sepa que el mundo entero está con ellos diciendo que es el momento de que Cuba sea libre", resalta.El mismo deseo comparte Beatriz Luengo, que recuerda que una musicóloga dijo que "muchas canciones han acompañado a movimientos sociales, pero por primera vez en la historia un movimiento social parte de una canción que le da nombre". Luengo citó a "los cubanos que se manifestaron, encontraron represión y golpes y están presos con condenas de cinco a veinticinco años solo por manifestarse"; y quiere que, con el documental, "vean todo lo que consiguieron y les genere la sensación de querer salir a la calle a manifestarse".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Dudamel llevó al escenario al rapero Common, al guitarrista y exjugador de los Yankees Bernie Williams y a varios estudiantes de música como parte de la celebración de la orquesta.La gala fue un anticipo de la próxima dirección del maestro venezolano en la orquesta más antigua de Estados Unidos, que empezará en la temporada 2026-27, cuando ponga fin a su puesto al frente de la Filarmónica de Los Ángeles tras 17 temporadas."Estoy totalmente convencido de que el futuro de la sociedad comienza con la educación de los jóvenes", dijo Dudamel a los asistentes."Estoy muy emocionado por nuestro futuro juntos", agregó, en referencia a su aterrizaje en Nueva York.Aunque aún no está al frente de la orquesta de la Gran Manzana, ya ha comenzado a trabajar en la configuración de su programación.La incorporación de Dudamel, de 43 años, fue un golpe de efecto para la filarmónica neoyorquina, fundada en 1842 e resuelta en los últimos años a modernizar su imagen.La dirección de la entidad invirtió 550 millones de dólares en la renovación de la sala David Geffen, su sede en el Lincoln Center de Manhattan.Dudamel calificó la música de "derecho humano fundamental" e hizo hincapié en el rol "trascendental" que "puede desempeñar en la vida de los jóvenes". El director invitó a varios estudiantes de música para que tocaran junto a los artistas de la compañía.También subió al escenario la estrella del hip-hop Common, que rindió homenaje a las raíces del género en Nueva York antes de interpretar con la orquesta canciones como Glory, tema que ganó un Oscar con la película Selma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bernie Williams, quien jugó 16 temporadas en el equipo de béisbol de los Yankees de Nueva York además de ser un consumado guitarrista, interpretó una composición de jazz.Como muchas instituciones de música clásica, la Filarmónica de Nueva York lleva años intentando renovar su imagen, que algunos críticos han tachado de demasiado elitista.Durante su estancia en Los Ángeles, Dudamel estrechó lazos con Hollywood al tiempo que se catapultaba su fama, acercando la música clásica a oídos quizá poco familiarizados con el género, incluso intimidados por todo lo que lo envuelve.Nacido el 26 de enero de 1981 en Barquisimeto (Venezuela), hijo de un trombonista y una profesora de canto, Dudamel cultivó su talento gracias al programa de educación musical venezolano El Sistema.Cuando se mudó a Estados Unidos, quiso llevar todo ese conocimiento a los más pequeños, y creó la Orquesta Juvenil de Los Ángeles, conocida como YOLA, siguiendo el modelo de El Sistema."Tenemos que educar a la gente, pero de la mejor manera, no poniendo el arte en un pedestal inaccesible", dijo a los periodistas el año pasado en una rueda de prensa en la que se presentó como próximo director musical y artístico de la Filarmónica de Nueva York."Cuando le das un instrumento a un niño, le estás dando belleza, le estás dando la oportunidad de crear su propio mundo", afirmó.Su actuación del miércoles fue una confirmación de esa visión de futuro, con los jóvenes músicos como máxima prioridad.Es una apuesta por crear un "futuro en el que todos nos sintamos seguros, en el que todos nos sintamos escuchados", dijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
No obstante, acudirá a ella el propio mandatario, quien presentará el domingo 12 de mayo su última publicación, Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica, según confirmó la Fundación El Libro, organizadora del certamen.Según los datos manejados por la Fundación, las ventas editoriales cayeron en Argentina entre un 20 % y 30 % en el primer trimestre de este año.Para incentivar que el público pueda comprar en esta edición, que se celebra del 25 de abril al 13 de mayo, la Fundación logró del Estado la exención de impuestos para los libros importados que se pongan en venta en el predio de La Rural, en el porteño barrio de Palermo.Será una manera de paliar las contracciones, aunque datos oficiales indicaron que la industria argentina de edición e impresión cayó el año pasado un 3,8 % y en el primer bimestre de este año acumuló una caída del 5,7 %.De acuerdo con el informe anual de producción de la Cámara Argentina del Libro (CAL), durante 2023 hubo 24.690 publicaciones en papel, lo que representa una tirada total de más de 47,9 millones de ejemplares, pero una bajada del 24 % respecto de 2022.En esta oportunidad, la Feria del Libro tendrá como ciudad invitada de honor a Lisboa (Portugal) y contará con el discurso inaugural de la escritora argentina Liliana Heker, de 81 años, que en diálogo con la prensa local ya adelantó que hará alusión "al ataque que se está haciendo a toda la cultura".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El presidente de la Fundación El Libro, el escritor Alejandro Vaccaro, ya se había mostrado previamente crítico con el Gobierno nacional, que por primera vez no formará parte de los pabellones de la feria: "Hay en el imaginario colectivo una sensación de que este Gobierno es sumamente hostil a todas las manifestaciones culturales", afirmó en rueda de prensa.Entre las actividades del certamen habrá homenajes a los autores argentinos Adolfo Bioy Casares y Julio Cortázar -por el 110° aniversario del nacimiento de ambos y el 25° de la muerte del primero, y al dibujante Joaquín Salvador Lavado 'Quino' y a su personaje más inolvidable, Mafalda.El predio dispondrá de unos 430 expositores que ocuparán unos 15.000 metros cuadrados, así como participaciones en innumerables actividades, como cuentacuentos, diálogos entre escritores o muestras fotográficas.Entre las presentaciones internacionales estarán el francés David Foenkinos, la ecuatoriana Mónica Ojeda, la china Zhao Si, las españolas Elvira Sastre y Sonsoles Ónega, la uruguaya María Lourdes Ferro o el italo-colombiano Walter Riso.A nivel nacional, estarán presentes los argentinos Eduardo Sacheri, Leila Guerriero, Claudia Piñeiro o Gabriel Rolón, que integrarán distintos paneles y presentaciones de libros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Una toma de la realidad para ciertos horrores, pero finalmente es literatura y al ser literatura se convierte en un espacio seguro donde poder hablar y pensar de lo oscuro, donde poder imaginar lo que nos da miedo y ponerle nombre, sin que nos pase nada”, dijo la autora.Enriquez compartió espacio con la narradora mexicana Liliana Blum para hablar de ‘El horror de la realidad’ y sostener un diálogo con sus lectores que se reunieron en el edificio Arroniz, uno de los sitios históricos de la ciudad mexicana de Guadalajara, capital del estado de Jalisco (oeste de México).La argentina, autora de libros como ‘Nuestra parte de la noche’, afirmó que escribir este género literario demanda de los escritores honestidad, pero también alejarse de la superioridad moral para crear a sus personajes y dejar de pretender que tienen una lección para dar a quienes les leen.“Si hay algo en todo tipo de literatura es la superioridad moral, creer que los personajes que una crea, lo que tiene para decir, etcétera, es de alguna manera mejor que el lector, que les estás dando una lección, que le estás señalando, eso está pasando en literatura y lamentablemente está pasando bastante en literatura escrita por mujeres”, declaró.La mexicana Liliana Blum aseguró que crear literatura de terror es también mostrar el lado oscuro y las perversidades de quien la escribe y que no siempre se puede decir en voz alta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Lo más perturbador de todo es que en el fondo todos somos iguales, claro decidimos actuar o no actuar sobre ciertas cosas. No es difícil meterse adentro de un personaje si aceptas también lo que tú eres y las partes oscuras no tan estimulantes”, afirmó.La narradora de ‘Un descuido cósmico’ afirmó que cuando un escritor acepta su propia humanidad y reconoce su propio lado oscuro logra ser más honesto en la forma de construir sus personajes y cómo los lectores se identifican con ellos”.Ambas escritoras coincidieron en que el género del horror es un buen espacio para hablar del cuerpo y las exigencias de la sociedad ante la belleza, especialmente para las mujeres.“Mis personajes nunca se han sentido a gusto en sus cuerpos, como yo no me he sentido en el mío, por eso tienen siempre eso: o es enana, es demasiado gorda o se están haciendo viejas, mis personajes en este último libro han ido creciendo junto conmigo y eso es un reclamo que yo doy (en mis libros)”, expresó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aunque aún se desconocen las causas del incidente, el director del Moulin Rouge, Jean-Victor Clerico, declaró que no había indicios de "sabotaje", sino que se produjo por un "problema técnico".Las aspas del decano de los cabarés parisinos --inmortalizado por el pintor Henri de Toulouse-Lautrec a finales del siglo XIX-- se desprendieron hacia la 01H45 de la madrugada, una media hora después de que se fueran los últimos espectadores.Las letras M, O y U de su nombre, situadas en la fachada, también cayeron, pero no hubo heridos ni hay riesgo de otro colapso en la estructura del inmueble, según los bomberos."Es increíble", declaró a Exaucé, que no quiso dar su apellido. Este cocinero del Moulin Rouge descubrió las aspas en el suelo cuando llegó al lugar hacia las 08H00 de la mañana.La entrada del establecimiento se encontraba este jueves en la mañana acordonada, pero la calle no estaba bloqueada, mientras un camión retiraba los elementos desplomados, constató una periodista de AFP."Es extraño. Es como si cortáramos la cabeza de la Torre Eiffel. Me duele. Espero que lo arreglen rápido", declaró Daniel, de 58 años, quien pasa todos los días por delante cuando va camino del trabajo.La empresa propietaria indicó que "es la primera vez que se produce un accidente de este tipo desde la fundación del Moulin Rouge, el 6 de octubre de 1889".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Templo del cancán"Afortunadamente ocurrió después de la hora del cierre", agregó la empresa, según la cual, "cada semana la dirección técnica del cabaré comprueba el mecanismo de las aspas del molino y no había encontrado ningún problema"."El propio sitio cuenta con vigilancia 24 horas al día, sobre todo en el tejado, con presencia humana. Ya sabemos que no se trata de un sabotaje, sino de un problema técnico evidentemente", dijo a la prensa Clerico.El único incidente grave en el templo mundial del cancán fue un incendio provocado por unas obras en 1915, que obligó a cerrarlo durante nueve años, según el cabaré.La ministra francesa de la Cultura, Rachida Dati, expresó su "emoción particular para el mundo del espectáculo y para todos los enamorados de París", y la alcaldesa de la ciudad, Anne Hidalgo, dijo "esperar" que la estructura estaría reparada antes de los Juegos Olímpicos, del 26 de julio al 11 de agosto.En una mezcla de madera, metal y aluminio, las aspas fueron restauradas como nuevas hace dos décadas para que fueran más ligeras, precisó Clerico, y su estructura y motorización "son controlados cada dos meses por una empresa especializada".Este establecimiento, que cumplirá 135 años el 6 de octubre, está situado a los pies de la turística colina de Montmartre, en el norte de París, y en el corazón del animado barrio de Pigalle.Sinónimo de las desenfrenadas noches parisinas junto al Lido y sus bailarinas de cancán, atrae cada día a miles de visitantes de todo el mundo, que se fotografían ante su fachada.Sus espectáculos de bailarinas en enaguas y volantes, en la estela de leyendas como La Goulue, la Môme Fromage, Nini Pattes en l'air y Mistinguett, hicieron famosa a esta institución.La película musical Moulin Rouge de Baz Luhrmann en 2001, protagonizada por Nicole Kidman y Ewan Mc Gregor, reforzó su interés internacional.El Moulin Rouge acoge a 600.000 espectadores al año, con dos representaciones cada noche, 365 días al año, y emplea a unos 450 trabajadores.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cineasta Laurent Cantet falleció de un cáncer que sufría desde hace un tiempo, y cuyo tratamiento no le impidió estar trabajando en una película que estaba en fase de preproducción, en colaboración con Marie-Ange Lucciani, productora de la aclamada Anatomía de una caída.Dirigió 13 títulos entre largometrajes (diez), cortos (dos) y una miniserie de televisión, y los escribió todos, bien en solitario o bien trabajando en grupo.El reconocimiento internacional le llegó con Entre les murs, que fue el primer filme en francés en ganar la Palma de Oro de Cannes en 21 años.La película impactó por su narración de la vida en un instituto de enseñanza media en un barrio conflictivo de París, donde un profesor lucha para que su mensaje cale entre alumnos adolescentes de distintas razas y de orígenes modestos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de la Palma de Oro de Cannes, recibió otros diez galardones nacionales e internacionales y fue nominada a los Óscar de 2009.Cantat creó un cine de conciencia social y trató la falta de moralidad de la sociedad contemporánea, como mostró sobre todo Resources humaines (1999), que narra la peripecia de un joven de familia obrera que tras unos brillantes estudios empieza a trabajar en las oficinas de una fábrica, donde debe acometer el despido de algunos trabajadores, entre ellos su propio padre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.