Inspiradas no solo en la vida de compositores, sino en obras de teatro, en sus composiciones y algunas con un toque de ficción, le presentamos algunas películas que cuentan la vida de compositores como Mozart, Beethoven y Chopin.Amadeus (1984): Esta película, dirigida por Milos Forman, es una adaptación de la obra de teatro homónima de Peter Shaffer. Se centra en la rivalidad entre Wolfgang Amadeus Mozart y Antonio Salieri en la Viena del siglo XVIII. Esta película está disponible en Prime Video y Apple TV con un costo adicional.Immortal Beloved (1994): Dirigida por el británico Bernard Rose, esta película examina la vida de Ludwig van Beethoven a través de la búsqueda de su "amada inmortal" a través de una serie de cartas que dejó tras su muerte.Copying Beethoven (2006): Dirigida por Agnieszka Holland, esta película se centra en los últimos años de Ludwig van Beethoven y su relación con una joven copista que lo ayuda a transcribir su Novena Sinfonía.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Chopin: Desire for Love (2002): Esta película polaca dirigida por Jerzy Antczak se centra en la vida del compositor Frédéric Chopin, específicamente en su relación con la escritora George Sand. Esta es una de las pocas películas biográficas sobre Chopin.Impromptu (1991): Aunque no se centra exclusivamente en la vida de un compositor, esta película dirigida por James Lapine cuenta la historia del romance entre el compositor polaco Frédéric Chopin y la escritora francesa George Sand, y ofrece una visión de la vida en los círculos artísticos del siglo XIX.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este lugar permaneció semiabandonado durante décadas y hasta ahora solo unos pocos carteles, edificios en ruinas y los restos de lápidas con inscripciones en hebreo hablaban del horror que inundó este lugar por el que pasaron decenas de miles de prisioneros, entre ellos algunos españoles.Unas 150.000 personas, mayormente polacos y húngaros, murieron en Plaszów y, cuando llegó el Ejército Rojo de la Unión Soviética, en enero de 1945, solo quedaban vivos 2.000 prisioneros.El infame comandante que diseñó y dirigió el campo fue Amon Goeth, que al mismo tiempo estaba a cargo del gueto judío de Cracovia y que dividió a la población judía en dos categorías: los que, por su edad o condición física, podían ser útiles para trabajos forzados, y los que serían enviados directamente a Auschwitz.Este personaje, de quien se cuenta que solía asesinar a algún prisionero antes de desayunar para a veces entregárselo a su manada de perros dóberman, fue interpretado magistralmente por Liam Neeson en la célebre película de Steven Spielberg "La Lista de Schindler", buena parte de la cual fue rodada en el campo de Plaszów.La siniestra residencia del verdugoLa casa en la que, en una famosa escena del filme, el comandante del campo dispara desde el balcón a varios prisioneros mientras fuma un cigarrillo, conocida por los locales como la "Casa Gris", es una de las mansiones que aún se levantan alrededor del campo y que fueron ocupadas por los oficiales nazis.La "Casa Gris" permaneció cerrada y a la espera de un comprador hasta hace pocos años, cuando un arquitecto de Cracovia la adquirió y se instaló allí con su familia a pesar de las protestas de agrupaciones judías que le pedían que la convirtiese en un museo.Los terrenos que ahora podrán ser visitados y conocidos gracias a paneles explicativos y recorridos guiados estuvieron a punto de caer en manos de la especulación inmobiliaria y, debido a su vegetación exuberante, eran un lugar de esparcimientos habitual para los vecinos, que hacían deporte o paseaban al perro entre las lápidas resquebrajadas de los antiguos cementerios que había en el campo.El alcalde de Cracovia, Jacek Majchrowski, que ha regido Cracovia durante décadas, considera el museo como su legado y decidió finalmente concluir el proyecto para evitar futuros planes de urbanización por parte de su sucesor.Al otro lado de la carretera de entrada al campo se levanta Bonarka, uno de los mayores centros comerciales de Polonia, y en el perímetro de Plaszów está el cráter de 400 metros de diámetro que dejó la cantera de granito donde trabajaron miles de prisioneros.Se cree que aún permanecen diseminados los restos de unas 10.000 personas en este lugar y hasta hace poco no era raro encontrar huesos semienterrados o restos de quienes dejaron su vida en Plaszów.Restaurando un pasado cercanoTras el cuidadoso trabajo de restauración, ahora es posible visitar lugares cargados de dramatismo como la llamada "colina de los idiotas", un altozano destinado a fusilar a las personas que serían arrojadas en la inmensa fosa común situada a solo unos metros.Las condiciones de trabajo y el régimen de terror impuesto por Goeth eran tales que ni siquiera se construyeron letrinas para mujeres o niños, pues habitualmente morían a los pocos días de su internamiento y ni siquiera recibían la ración completa de un litro de sopa al día y un kilo y medio de pan por semana asignado a cada prisionero.A pesar de que Goeth mandó destruir todos los barracones y enterrar las herramientas del campo, así como quemar todos los papeles que le pudiesen inculpar, no se salvó de ser ahorcado tras un juicio sumarísimo muy cerca del lugar donde había exterminado a tantos inocentes.Ada Abrahamer, una de las escasas supervivientes de Plaszów, dejó escrito su testimonio de coraje, que fue leído durante la ceremonia de apertura del museo: "es extraño cómo los fuertes tuvieron que rendirse y los débiles, que nunca pensaron que iban a resistir, terminaron siendo aún más fuertes".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cementerio, lejos de las rutas turísticas de la capital checa y de su centro histórico -Patrimonio de la Humanidad por la Unesco- cuenta con unas 4.200 sepulturas.Este lugar, fundado hace más de un siglo en las afueras de la ciudad para acoger a los pacientes fallecidos del hospital psiquiátrico de Bohnice, atrae a cazadores de fantasmas, amantes de escándalos y de ritos satánicos que buscan su energía mágica y las leyendas y misterios que lo rodean."Es un cementerio distinto" de los demás, explica Jiri Vitek, guardián voluntario del lugar, exbombero y ahora vicealcalde de un barrio de Praga."Estaba destinado a pacientes psiquiátricos clásicos (esquizofrénicos, alcohólicos), pero también a personas con las que no quieren cruzarse (pirómanos, pedófilos, asesinos", cuenta a la AFP.El entierro de MozartEl cementerio se abrió y consagró en septiembre de 1909. "Dos días más tarde, un niño de once años muerto de tuberculosis se convirtió en el primer paciente enterrado aquí", declaró Alzbeta Remrova, portavoz del hospital de Bohnice.En esa época, el hospital parecía un pueblo con una iglesia, una lavandería y una panadería, siendo el más grande de este tipo en el imperio austrohúngaro."Los pacientes trabajaban en los campos, cultivaban verduras y trabajaban en talleres", explicó Remrova. El personal del centro también podía ser enterrado en el cementerio gratuitamente.Cuando estalló la Primera Guerra Mundial también se enterró a soldados austríacos ingresados por enfermedades mentales y pacientes psiquiátricos de Italia, evacuados a Praga.La mayoría murieron durante una epidemia de fiebre tifoidea entre 1916 y 1918, afirma Vitek. El cementerio cerró en 1951, tras lo cual fue saqueado y desatendido durante seis décadas.Este extraordinario lugar fue escogido por el director estadounidense Milos Forman, de origen checo, para filmar el entierro de Wolfgang Amadeus Mozart para su película Amadeus (1984), parcialmente rodada en Praga y ganadora de ocho premios Óscar.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Piloto de ThatcherVitek cuenta que la primer ministra británica Margaret Thatcher visitó el cementerio en 1990 para trasladar los restos de un piloto británico muerto a finales de la Segunda Guerra Mundial.Nadie sabía cual era la tumba, salvo un vagabundo local que la identificó a cambio de una caja de ron, añade Vitek.Sin embargo, la mayor parte del tiempo el cementerio sirvió como prueba de valentía para los jóvenes de la región, especialmente la parte suroeste reservada a los criminales.Algunos evocan una energía negativa en ese lugar, afirmando que hacía más frío que en el resto del cementerio. "A los no creyentes no se les enterraba en ataúdes, sino en sacos, y eran saneados con cal. La cal endurecida es la que genera el frío", asegura.En los años 1980, la policía descubrió un ritual satánico en el cementerio. Algunos checos más pragmáticos utilizaban el lugar como vertedero. Fue en este estado como lo descubrió Jiri Vitek en 2011, cuando paseaba a su perro."Estaba lleno de refrigeradores viejos, lavadoras, sofás y escombros. Así que empecé a limpiarlo", cuenta. Poco a poco organizó visitas guiadas al cementerio, trabaja en la redacción de un libro y tiene previsto renovar la capilla, cubierta de hiedra, y el memorial."Como bombero salvé a personas vivas durante quince años. Desde hace 12 años, salvo a los muertos", afirma.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A menudo los universos que nos ofrece la ciencia ficción nos presentan un futuro distópico o, sin ubicarlo en el tiempo, también nos muestran caos, guerras y disputas por el poder en un nuevo mundo. Escasez de recursos, secretos familiares, profecías y la promesa de un mesías o líder que cambie el futuro, lo hemos visto y lo hemos leído.Juego de Tronos, Los Juegos del Hambre, Mad Max, Maze Runner y Matrix son solo algunas de estas historias que nos adentran en un universo nuevo, aunque con conflictos morales y tramas familiares cercanas a nuestra realidad. Sin embargo, una adaptación de la literatura al cine, que por años se resistió, es en la que nos enfocamos por estos días: Dune.En 2021 vimos por primera vez en el cine Dune, la primera película del cineasta Denis Villeneuve inspirada en la saga de libros homónima del escritor estadounidense Frank Herbert. Siendo un éxito en taquilla, con un recaudo de 434,8 millones de dólares, esta cinta nos presentó la lucha por el control de Arrakis, un planeta desértico, productor de “especia”, la materia indispensable para los viajes interplanetarios.Este año con la segunda entrega, Dune: parte 2, que se esperaba para octubre de 2023, pero se retrasó debido a las huelgas de Hollywood, Villeneuve presenta el desarrollo de su personaje principal Paul Atreides, interpretado por Timothée Chalamet. Este personaje es miembro de la familia noble que controlaba Arrakis. Ahora se enfrenta a las consecuencias del asesinato de su padre por orden del emperador, a manos de los Harkonnen, otra familia poderosa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El chico es un viejo adolescente en la 'Primera Parte', es, por decirlo, una víctima de los acontecimientos. En la segunda parte es todo lo contrario, se vuelve activo, se convierte en un guerrillero, y toma el control de su propio destino", le dijo el director al diario estadounidense Los Ángeles Times.A la espera de una tercera entrega, alrededor del mundo crecen los fanáticos que buscan saber más sobre esta historia y el destino de Atreides y Chani, interpretada por Zendaya. Sin embargo, no es necesario esperar estas respuestas.La saga Duna en libros En 1965, el escritor de ficción Frank Herbert saltó a la fama tras la publicación de su novela distópica Dune convirtiéndose rápidamente en un éxito literario que implicó la publicación de cinco libros más del autor. Su obra es considerada una de las principales sagas de ciencia ficción de todos los tiempos, donde abarca conflictos políticos, familiares e incluso ambientales.A lo largo de veinte años, Herbert publicó los seis libros originales de esta saga; en los dos primeros están inspiradas las dos primeras entregas que Denis Villeneuve ha llevado al cine. Estos libros exponen más detalles de los que podemos apreciar en las películas y el desarrollo de varias subtramas.Duna, 1965El mesías de Dune, 1969Hijos de Dune, 1976Dios emperador de Dune, 1981Herejes de Dune, 1984Casa Capitular Dune, 1985Tras la muerte del escritor a causa de un cáncer, en 1986, el universo de Dune fue ampliado por su hijo Brian Herbert y el escritor Kevin J. Anderson en una serie de libros ambientados en la historia original.En estas nuevas entregas publicadas a partir de 1999, los autores narran el desarrollo de la historia después de la saga escrita por Frank Herbert y también, historias previas a los hechos principales ocurridos con el padre de Paul Atreides.Dune: La casa Atreides, 1999Dune: La Casa Harkonnen, 2000Dune: La Casa Corrino, 2001Dune: La yihad butleriana, 2002Dune: La cruzada de las máquinas, 2003Dune: la batalla de Corrin, 2004Cazadores de Dune, 2006Gusanos de arena de Dune, 2007Paul of Dune, 2008Los Vientos de Dune, 2009La Hermandad de Dune, 2011Máquinas pensantes de Dune, 2014Navegantes de Dune, 2016Dune: El Duque de Caladan, 2020Dune: La Dama de Caladan, 2021Dune: El Heredero de Caladan, 2022🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paolo Taviani falleció esta tarde en la clínica Villa Pia, rodeado por su esposa, la diseñadora de vestuario Lina Nerli Taviani, y sus hijos Ermanno y Valentina y su funeral, que será laico, se celebrará el próximo lunes en el Ayuntamiento de la capital italiana, informaron los medios locales.Paolo (San Miniato, Toscana, 1931) fue el menor de los dos hermanos Taviani. El mayor, Vittorio, murió en abril de 2018 a los 88 años de edad, y ambos colaboraron durante más de cincuenta años para crear algunas de las mayores obras maestras del cine italiano.Los hermanos Taviani fueron un caso de perfecta sincronía artística y siempre trabajaron juntos. Cautivados por el Séptimo Arte desde la juventud, se lanzaron a la dirección trazando una línea divisoria con el Neorrealismo de Roberto Rosselini.El suyo siempre fue un cine político fraguado en la década de los sesenta, anticipando algunos de los principios motrices de Mayo del 68 y de las enseñanzas de referentes como Pier Paolo Pasolini. Lo dejaron claro enseguida en "Un uomo da bruciare" ("Hay que quemar a un hombre", 1962), dirigida junto a Valentino Orsini.La revolución volvería a aparecer en "San Michele aveva un gallo" ("No estoy solo", 1972), adaptación de "Entre lo divino y lo humano" de Leon Tolstoi, pero su consagración internacional se produciría con "Padre padrone" ("Padre patrón", 1977), el drama obrero con que ganó la Palma de Oro en Cannes.Un festival en el que volverían a triunfar, llevándose el Gran Premio del Jurado con su película más aclamada, "La notte di San Lorenzo" ("La noche de San Lorenzo", 1982), una oda a la resistencia antifascista en la Toscana de la Segunda Guerra Mundial.Otros de sus títulos fundamentales, en los que resuenan también los ecos de las clases trabajadoras, son "Sotto il segno dello scorpione" (1969), "Kaos" (1984) o el documental "Cesare deve morire" ("César debe morir", 2012), el drama de Shakespeare interpretado por presos con el que ganaron el Oso de Oro de la Berlinale.La última colaboración de los hermanos Taviani fue en 2017 en "Una questione privata", aunque el encargado de rodarla fue Paolo, pues Vittorio estaba ya muy enfermo.Desde entonces el hermano pequeño de la dupla ha seguido trabajando, considerándose un "medio director" por la falta de su hermano, tal y como declaraba a menudo en sus entrevistas, aunque, a pesar de todo, Paolo estrenó en 2022 "Leonora Addio", adaptación de la novela homónima de Luigi Pirandello y su primera obra en "solitario".Entre los reconocimientos a los hermanos Taviani destacan las condecoraciones como Grandes Oficiales y Comendadores del Orden del Mérito, otorgadas por la Jefatura del Estado, además del León de Oro honorífico de Venecia de 1986.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El realizador de "Cinema Paradiso", una de las más conmovedoras declaraciones de amor al cine rodadas nunca, está detrás de este libro con textos de la escritora Miralda Colombo y dibujos de André Ducci."Si todavía existiera un yo de 12 años y si tuviese a alguien que me obsequiara con una relación de 50 películas que hay que ver, lo consideraría el regalo más bonito del mundo", señala el oscarizado Tornatore en el prólogo."50 películas con las que hacerse mayor" (Libros Cúpula) incluye una nómina variada de superproducciones "revientataquillas" ("E.T., El Extreterrestre, de Steven Spielberg", "Harry Potter", de Chris Columbus"), títulos de lo que se solía llamar arte y ensayo ("El pequeño salvaje" de François Truffaut) u otros centrados en el enrevesado tránsito hacia la madurez ("El club de los poetas muertos", de Peter Weir, "Cuenta conmigo", de Rob Reiner"...)Una lista subjetiva, como todas de este tipo, delimitada además por una cifra (50), no puede ser exhaustiva -todo el mundo echará en falta algún título que le marcó- pero sí recorrer un siglo de cine desde el emotivo clásico del mudo "El chico" (1921), de Charles Chaplin, cronológicamente la primera de las incluidas, a la adaptación de "El jardín secreto" (2020) firmada por Marc Munden, la entrada más reciente.Historias en su mayoría donde la mirada, a la misma altura de los ojos del niño, o de ese adulto en potencia, es el punto de partida de la historia, como la de Scout, la hija del abogado Atticus Finch en la indiscutible "Matar a un ruiseñor", de Robert Mulligan o el irascible y soñador Max de "Donde viven los monstruos", de Spike Jonze.Una selección que abarca casi todos los géneros: el western ("El bueno, el feo y el malo", de Sergio Leone), la comedia ("El jovencito Frankenstein", de Mel Brooks), el musical ("El mago de Oz", de Victor Fleming), la ciencia ficción ("La guerra de las galaxias", de George Lucas), el de trasfondo social ("Ladrón de bicicletas", de Vittorio de Sica), la animación ("Fantasía") o el histórico ("El último emperador", de Bernardo Bertolucci), por citar algunos.De procedencia también diversa, pero siempre "dentro de un orden", porque se impone como es de esperar en la industria audiovisual el "made in USA".Así, a la treintena de filmes norteamericanos presentes se suman varios títulos del cine francés (como "Adiós muchachos", de Louis Malle), británico ("Billy Elliot", de Stephen Daldry) e italiano ("La vida es bella", de Roberto Benigni) y aportaciones puntuales de otras cinematografías, entre otras la japonesa ("El viaje de Chihiro", de Hayao Miyazaki), brasileña ("Estación Central de Brasil", de Walter Salles) o de España, con una sola entrada de la mano de "La lengua de la mariposas", de José Luis Cuerda.En cuanto al cine de autoría femenina, no abunda en esta lista, reflejo de la menor presencia de la mujer detrás de la cámara a lo largo de la historia del cine, y una tendencia que está cambiando poco a poco, pero de forma imparable.Así, el trío que aparece lo forman trabajos de creadoras de la última década: "Mujercitas", de Greta Gerwig (la publicación original del libro es anterior al fenómeno "Barbie"), "El pan de la guerra" de la irlandesa Nora Twome y "Persépolis", dirigida por la dibujante franco-iraní Marjane Satrapi, sobre su cómic homónimo, junto a Vincent Paronnaud.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme 'Mazinger Z vs. General Dark' (1974) estará disponible a partir de las 21:00 hora local (12:00 GMT) en el canal Toei Theater Online de YouTube y podrá verse durante dos semanas, según anunció la productora en un comunicado.Para los fanáticos de esta serie animada de los años setenta, a partir del 29 de febrero y por un idéntico período de tiempo podrá verse 'Great Mazinger vs. Getta Robot' (1975) y el 7 de marzo estará disponible 'UFO Robot Grendizer vs. Great Mazinger' (1976).Los ingresos recaudados de la publicidad durante las emisiones en abierto de los títulos serán donados a la Sociedad de la Cruz Roja Japonesa para apoyar las labores de reconstrucción de la península de Noto, epicentro del fuerte terremoto nipón de principios de año.Go Nagai, autor de Mazinger Z, es oriundo de Wajima, una de las localidades más castigadas por el terremoto de magnitud 7,6 del pasado 1 de enero, que dejó 241 muertos, 2,44 millones de toneladas de escombros y mantiene a miles de personas desplazadas.El dibujante de manga ya anunció en su momento la donación de 20 millones de yenes (unos 133.000 dólares) a la prefectura de Ishikawa, a la que pertenece Noto, para ayudar en la reconstrucción.El autor tenía un museo en su ciudad natal, el Go Nagai Wonderland, que quedó destruido por las llamas de un incendio masivo provocado por el sismo en el área, aunque posteriormente se supo que las obras en su interior quedaron intactas gracias a las medidas ignífugas adoptadas en las instalaciones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Luis Buñuel, el genio del cine surrealista, desafió las convenciones cinematográficas y sociales a lo largo de su prolífica carrera. Con su visión única y provocativa, Buñuel exploró las complejidades del subconsciente humano, desafiando las nociones tradicionales de narrativa y realidad. A través de su vasta filmografía, nos dejó un legado que sigue resonando en el mundo del cine hasta el día de hoy.Nacido en España en 1900, Buñuel encontró su pasión por el cine durante su estancia en París en la década de 1920, donde colaboró con Salvador Dalí en su obra maestra surrealista "Un perro andaluz" (1929). Desde entonces, Buñuel continuó desafiando las expectativas del público y de la crítica con su audaz y subversivo estilo cinematográfico.Aquí le recomendamos tres películas fundamentales de la filmografía de Luis Buñuel que todo amante del cine debería explorar:"Los Olvidados" (1950)Considerada una de las obras maestras del cine mexicano, "Los Olvidados" es un retrato crudo y conmovedor de la vida en los barrios marginales de Ciudad de México. Buñuel presenta una visión sin concesiones de la pobreza, la violencia y la desesperación a través de los ojos de un grupo de jóvenes delincuentes. La película es un poderoso comentario social que sigue siendo relevante en la actualidad, mostrando la lucha de los marginados por sobrevivir en un mundo que los ha olvidado. Con una narrativa impactante y una dirección magistral, "Los Olvidados" es una obra imprescindible en la filmografía de Buñuel."El Ángel Exterminador" (1962)En "El Ángel Exterminador", Buñuel lleva a cabo un audaz experimento cinematográfico al atrapar a un grupo de burgueses en una mansión y observar cómo se desintegran las normas sociales y el comportamiento civilizado. A medida que la situación se vuelve cada vez más absurda y claustrofóbica, Buñuel cuestiona las convenciones sociales y religiosas, revelando las hipocresías y contradicciones de la clase alta. La película es una sátira mordaz y surrealista que desafía al espectador a reflexionar sobre la naturaleza humana y la sociedad."El discreto encanto de la burguesía" (1972)Otra exploración ingeniosa de las convenciones sociales y la moralidad, "El discreto encanto de la burguesía" sigue las desventuras de un grupo de burgueses que intentan cenar juntos sin éxito. A través de una serie de situaciones absurdas y surrealistas, Buñuel pinta un retrato satírico de la clase alta, revelando sus prejuicios, vanidades y obsesiones ocultas. La película es un ejercicio magistral en el humor negro y la crítica social, consolidando el lugar de Buñuel como uno de los cineastas más importantes e influyentes del siglo XX.En resumen, las películas de Luis Buñuel trascienden las barreras del tiempo y el espacio, desafiando al espectador a cuestionar las convenciones sociales y explorar los rincones más oscuros de la psique humana. Su legado perdura como un testimonio de la capacidad del cine para desafiar, provocar y enriquecer nuestras vidas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En México, Buñuel se convirtió en un cineasta, dominando los aspectos técnicos del medio y aprendiendo a negociar las exigencias contradictorias de un medio popular", se puede leer en la descripción de la muestra, en la página web del museo.Más allá de las obras del director español, el ciclo incluirá la proyección del documental 'Buñuel, un cineasta surrealista', de Javier Espada, que fue parte de la sección de clásicos del Festival de Cannes en 2021."Hablar de Buñuel, recordar sus orígenes en el pueblo de Calanda, en el que también he nacido yo, aproximar la mirada al surrealismo, a su vinculación con el arte y plantear un recorrido que tiene en cuenta las particularidades de su obra dotó al documental de un elemento didáctico que es muy apreciado por los jóvenes, y en especial por los estudiantes de cine", dijo a EFE su director.Espada, que considera "histórica" esta retrospectiva centrada en la obra mexicana del cineasta, defendió las películas generalmente más denostadas de esta etapa del director español, ya que sin ellas "Buñuel no habría podido realizar sus películas de madurez".En México, el español se encontró con una industria ya muy asentada, en lo que se considera como la 'época de oro' del cine mexicano, entre las décadas de los treinta y los cincuenta del siglo pasado.Las películas se distribuían por toda América y representaban una alternativa al cine estadounidense, mientras que los directores tenían a su disposición "el sistema de estrellas más desarrollado fuera de Hollywood", según el MoMA.Gran parte de su producción mexicana se centró en géneros populares y con las audiencias locales en mente, aunque el director logró introducir algunas de sus obsesiones personales en cintas como 'Él', donde el galán mexicano por antonomasia de la época, Arturo de Córdova, se ve atormentado por extraños deseos sexuales.El museo ya ha organizado varias exposiciones y retrospectivas centradas en el cineasta aragonés (incluida una en 1976 para marcar el 76 cumpleaños del artista), y el propio Buñuel trabajó durante unos años montando documentales en el museo neoyorquino, al inicio de su exilio.En esta ocasión, muchas de las copias se proyectarán en 35 milímetros, gracias a la colaboración de los archivos de la Cineteca Nacional de México y de la Filmoteca UNAM.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Christian Bale ha sorprendido a Hollywood y al mundo con su capacidad impresionante de transformarse en personajes complejos, tanto física como emocionalmente. Aquí le traemos cinco de sus mejores películas.The Dark Knight Trilogy (2005-2012) Bale interpretó el papel icónico de Batman/Bruce Wayne en esta trilogía dirigida por Christopher Nolan, que incluye "Batman Begins" (2005), "The Dark Knight" (2008) y "The Dark Knight Rises" (2012).American Psycho (2000)Bale protagoniza esta adaptación de la novela homónima de Bret Easton Ellis. Interpreta a Patrick Bateman, un banquero de inversiones obsesionado con el materialismo y con un lado oscuro. La película es conocida por la interpretación intensa de Bale.The Prestige (2006)Dirigida nuevamente por Christopher Nolan, esta película sigue a dos magos (interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman) cuya rivalidad se vuelve cada vez más intensa. Es un thriller fascinante con giros inesperados.The Fighter (2010) Bale ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto por su papel en esta película biográfica. Interpreta a Dicky Eklund, el medio hermano del boxeador Micky Ward (interpretado por Mark Wahlberg), y ofrece una actuación convincente y emocional.El maquinista (2004)Es un thriller psicológico dirigido por Brad Anderson y protagonizado por Christian Bale. La historia sigue a Trevor Reznik (interpretado por Bale), un operario de maquinaria en una fábrica que, debido a su extrema delgadez y su insomnio, se ve envuelto en una espiral descendente hacia la paranoia y la obsesión.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paulus fue compuesto entre 1834 y 1836; los primeros estudios y planos datan de 1831. El estreno tuvo lugar en el marco del 18º Festival de Música del Bajo Rin el 23 de mayo de 1836 en Düsseldorf.Para Mendelssohn, el estudio de la música sacra era una cuestión del corazón, sólo mantenía correspondencia con su padre Abraham sobre cuestiones que iban mucho más allá de la liturgia y generaban problemas teológicos. Lo familiarizado que estaba el padre de Félix con Pablo se muestra en la carta del 10 de marzo de 1835, que fue escrita poco antes de la muerte de Abraham en noviembre del mismo año.Compuesto por Felix Mendelssohn-Bartholdy con la ayuda de Julius Fürst, (un amigo de la infancia) a partir de las palabras de la Sagrada Escritura, la primera parte de Paulus comienza con la lapidación de San Esteban, en la que Saulo de Tarso ‘se complace’. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Saulo es un judío respetuoso de la ley que sigue a la comunidad cristiana en Siria. De camino a Damasco, Jesús se le aparece y convierte a Saulo. Saulo queda ciego por tres días: Como discípulo, es bautizado con el nombre de Pablo y se convierte en uno de los principales misioneros del cristianismo.La versión de Paulus, Op. 36 que transmitimos hoy en Canto y Música Coral está a cargo de: Hellen Kwon, Elzbieta Ardam, Hans Peter Blochwitz, Peter Lika, el Ensamble 'Bach' de la Academia Coral Europea y la SWR Symphony Orchestra (La orquesta Sinfónica de Alemania), bajo la dirección de Joshard Daus.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 19 de mayo a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.