Es difícil resumir la onírica 'All of Us Strangers' en un único tema y frase, aunque, para Scott, puede simplificarse en "las diferentes manifestaciones del amor y cómo querer con valentía", según dijo a EFE durante una mesa redonda previa al estreno del filme este viernes 23 de febrero.Dirigida por Andrew Haigh, director de algunos episodios de la serie 'The OA' y de películas como 'Lean on Pete' o '45 years', cuenta la historia de amor entre Adam (Scott) y Harry (Mescal) tras conocerse en el edificio londinense donde ambos viven.El desarrollo de su relación se fusiona con el reencuentro de Adam y sus padres (Claire Foy y Jaime Bell), fallecidos en un accidente 30 años atrás, pero que, para el personaje interpretado por Scott, no han envejecido ni un solo día.Una historia de amor y fantasmasInspirada para su premisa en la novela de fantasmas 'Strangers', del japonés Taichi Yamada, 'All of Us Strangers' se aleja de lo sobrenatural de este libro para reflexionar sobre la esencia del amor que compone las relaciones humanas.Universal y concreta al mismo tiempo, permite que los espectadores se reencuentren con vínculos pasados, lo que, para Scott, ayuda a "entender nuestros patrones de comportamiento".Según el actor de 'Fleabag', algunos momentos de 'All of Us Strangers' logran emocionar a "300 personas en una sala" al mismo tiempo, lo que él considera un hecho "extraordinario" e incluso "milagroso". "Estar en la sala de cine con el público es tremendamente conmovedor, más que en ninguna otra película en las que he actuado", dijo.Así, 'All of Us Strangers' ofrece a los espectadores la oportunidad de "analizarse a sí mismos", como expresó Mescal durante la entrevista, quien también espera que el metraje genere una reacción emocional en el público. "Me encanta ir al cine y que la película me emocione, ya sea con carcajadas o con lágrimas; es la mejor sensación del mundo", confesó.La conexión de 'All of Us Strangers' con el públicoCon siete premios en los British Independent Film Awards, entre los que recibió el galardón a mejor película británica independiente y los de mejor director y actor de reparto -aunque no fue reconocida en los BAFTA, pese a sus seis nominaciones-, la cinta deja que los protagonistas recorran una nueva faceta en su carrera cinematográfica."El guion incorporaba lo que parecían ser seis géneros en uno: era increíblemente conmovedor, con elementos metafísicos y casi de terror, de historias de fantasmas…", expuso Scott.Para Mescal, las escenas y los diálogos del filme eran "excelentes", lo primero que siempre busca "egoístamente como actor", dijo durante la mesa redonda.También los silencios de 'All of Us Strangers' pueden considerarse parte del elenco, al dejar que la imagen y la música transmitan lo que puede ser complicado trasladar con palabras.Frente a lo cotidianoLa relación entre Adam y Harry, quienes, según Mescal, "contienen multitudes" por su complejidad como personajes, trae a escena las vulnerabilidades compartidas por todos los seres humanos.Para el actor de 'Normal People', la forma en la que los protagonistas de 'All of Us Strangers' o de series como 'Fleabag' acceden a la masculinidad le resulta "más familiar" que la estereotípica."Es agotadora toda esa presión para comportarse de una determinada manera. Es completamente innecesaria. No estaremos aquí por mucho tiempo. Sed como sois", añadió Scott.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ya está disponible en la pantalla grande el retrato de la icónica estrella del reggae, Bob Marley. Una figura colosal cuyo mensaje de unión a través de su música lo convertiría en el objetivo de fuerzas oscuras. La historia de un marido, un padre y un rebelde. Un hombre con debilidades y desafíos, podrá ser vista a través de la mirada intima de su familia y sus amigos más cercanos, quienes enriquecen la narración de los pasajes más significativos de su vida y obra en Bob Marley: la leyenda.Con Kingsley Ben-Adir (Barbie, 2023) encarnando al rey del reggae, junto a Lashana Lynch, quien interpreta a su esposa Rita Marley. El film es producido por su propia familia y Brad Pitt, entre otros productores. La cinta narra la vida del ícono que convirtió el reggae, más que un género, en un estilo de vida que predica la unidad y el amor como pilares, una fuerza de cambio que hizo mucho por aquellos que amó hasta el final.Reinaldo Marcus Green, dirige la película biográfica. Recordado por estar a la cabeza de El método Williams (King Richard, 2021) película por la que Will Smith fue galardonado con el Oscar como Mejor actor protagónico en el 2022."Mi padre quería que recordáramos nuestra historia", afirma el director sobre el activista panafricanista jamaicano Marcus Garvey, cuyo discurso de 1921, 'El trabajo que se ha hecho', inspiró la letra de Marley "Emancípate a ti mismo de la esclavitud mental” en la incomparable "Canción de redención". "Bob fue un elemento básico en nuestra casa mientras crecíamos. Su música es música rebelde. Es música guerrera. Es la voz del pueblo. Bob canta sobre todo lo que intento representar en mi vida. Esa integridad es la base de esta película. Siento que fui hecho para lograrlo", comenta Green.Los productores son dos de los hijos de Bob, Ziggy y Cedella Marley, y la artista e ícono que fue fundamental para lo que su esposo logró en sus 36 años en el planeta, su viuda, Rita.Bob Marley, un desafío interpretativo para Ben-AdirUno de los más recientes papeles que de Ben-Adir fue en la nominada (Barbie, 2023) donde interpretaba el papel del Ken afro. Es tambien recordado por encarnar al orador y activista estadounidence, Malcolm X (2020), en la película homonima de Amazon Studios. pero sin duda, será recordado por su interpretacion de Bob Marley en esta cinta, hasta ahora el papel más exigente de su carrera actoral.No solo se trató de sufrir grandes transformaciones físicas, como la dieta rigurosa a la que se sometió y con la que bajo 20 kilos, sino de desarrollar tres habilidades por las que Marley era conocido: cantar, bailar y tocar la guitarra. Adir bebió aprender a hablar patois jamaicano, escuchó horas enteras de entrevistas del rey de reggae, y prepararse en un estudio de danza en Londres para interpretar al ícono jamaiquino, que en el escenario sufría una suerte de trance con la dance mientras cantaba sus canciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de tener un accidente la paramédica Cassandra Webb comienza a experimentar una serie de visiones que le muestran el futuro inmediato de próximas tragedias.Sin comprender muy bien esta nueva capacidad que ha comenzado a desarrollar, la joven salva a tres adolescentes completamente desconocidas del ataque de Ezekiel Sims, un hombre arácnido que está dispuesto a acabar con la vida de todas.En un abrir y cerrar de ojos, Webb queda al mando de las tres niñas con familias disfuncionales y a partir de entonces su vida cambiará por completo."Cassandra Webb es una superheroína distinta porque sus superpoderes existen en su cabeza, entonces atraviesa por una experiencia muy inusual. La mayoría de su camino es muy humano, y por eso pude identificarme", aseguró Johnson en entrevista con EFE sobre el filme que llegará a los cines internacionales el 14 de febrero.El inicio de Johnson en el universo de Marvel marca también el debut de la directora británica SJ Clarkson en el ámbito de los largometrajes y engloba así un proyecto lleno de talento femenino del cual las actrices Sydney Sweeney, Isabela Merced y Celeste O'Connor también son parte."Para mí esta era una oportunidad realmente emocionante de explorar algo un poco más cerebral y psicológico que no habíamos visto antes en el universo de Marvel", comentó a EFE Clarkson.El filme distribuido por Sony Pictures y producido por Columbia Pictures en asociación con Marvel tiene un aire de las cintas de superhéroes de principios de siglo al narrar el origen de quienes más tarde se convertirán en reconocidos personajes del universo de Spider-Man.Sweeney interpreta a Julia Cornwall, una joven tímida que huyó de su casa; Merced da vida Anya Corazon, hija de inmigrantes mexicanos y puertorriqueños que se queda sola tras la deportación de su padre, mientras que O'Connor es la más rebelde de las tres, Mattie Franklin, y aunque ellas no lo saben, están conectadas por unos poderes arácnidos que aún no han desarrollado.Si bien la primera aparición de Cassandra Webb data de los cómics de Marvel 'The Amazing Spider-Man' (1980), las cuatro superheroínas hicieron su debut cinematográfico en la película animada 'Spider-Man: Across the Spider-verse', también distribuida por Sony."Creo que el filme tiene un aspecto feminista que para mí fue muy refrescante cuando leí el guión. Me encantó que Cassie no tuviera un interés amoroso y que se centrara en la relación entre estas cuatro mujeres", confesó Johnson.SJ Clarkson considera que parte del mensaje de la película es el ejemplo de trabajo en equipo que dan la protagonistas: "Creo que eso puede ser una lección para todos", explicó.La cineasta, que a su vez fue coguionista del filme, también aseguró que uno de los retos más grandes fue la creación de Ezekiel, el villano que interpreta el actor francés Tahar Rahim.El poder arácnido del villano es similar al de la protagonista, sin embargo el camino que decide tomar es más oscuro y tormentoso. "Teníamos que asegurarnos de que (Ezekiel) tuviera una historia de 360 grados y que él también tuviera su propio viaje psicológico", mencionó Clarkson.La cinta tendrá su estreno mundial este miércoles y si bien parece que este es el principio de una serie de películas en torno a estos personajes, su directora todavía no sabe qué más le depara en el universo de Marvel.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película Ritos ocultos está basada en una antigual celebración navideña pagana en Europa. La trama de la película sigue el dramático giro en la vida de Rebecca Holland (interpretada por Tuppence Middleton) cuando su hija, Grace (interpretada por Evie Templeton), desaparece repentinamente. En medio de la búsqueda frenética durante la festividad de cosecha local, se revelan misteriosos secretos ocultos en el pasado del pueblo. Con cada paso hacia el rescate de Grace, emergen las oscuras maquinaciones de Jocelyn Abney (interpretado por Ralph Ineson), el líder de un culto pagano cuya influencia resulta siniestra.William Brent Bell, director, y Tom de Ville, guionista, tomaron inspiración de la dinámica medieval conocida como "El señor del desorden" (título original de la película "Lord of misrule"). ¿Qué es la celebración de 'El señor del desorden'?Esta tradición festiva se celebraba durante la temporada navideña en Europa, destacando especialmente en Inglaterra. "El Señor del Desorden" era una figura designada para liderar las festividades y actividades caóticas que definían este período del año.Durante esta festividad, que solía realizarse en los días previos a la Nochebuena, se alteraban temporalmente las normas sociales y el orden establecido. "El señor del desorden" solía ser seleccionado entre los sirvientes o aquellos de un estatus social más bajo. Durante su breve mandato, se permitían comportamientos y actividades que normalmente estarían prohibidos, tales como juegos, bromas y festividades desenfrenadas, que incluían banquetes y consumo excesivo de bebidas.La tradición reflejaba la fascinante dinámica de la inversión temporal de roles y la liberación de tensiones sociales durante la temporada festiva. Aunque su forma específica podía variar significativamente según la región y el período histórico, su origen se remonta al Magister Ludi romano, quien presidía la Saturnalia, celebrada entre el 17 y el 23 de diciembre. Cuando el ritual en honor al dios Saturno fue suplantado por la Navidad cristiana, surgió la figura del "El Señor del desorden".La película ya está disponible en todos los cines del país. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante la promoción en España de la película 'Ferrari', Cruz hizo estas declaraciones tras las recientes acusaciones de violencia sexual contra dos directores de cine español, Carlos Vermut y Armando Ravelo, por parte de actrices y trabajadoras del sector cultural español.Tanto le preocupa este tema que el documental que prepara y que será su debut como realizadora -con la excepción de dos anuncios- se centrará en las mujeres, aunque no específicamente en el maltrato."Estoy desarrollando una película sobre estos temas, porque son temas que me importan de verdad y me da muchísima rabia y pena que sigan muriendo tantas mujeres en nuestro país y en tantos lugares del mundo", aseguró la intérprete.Pero incidió en que es un problema que no se circunscribe al cine. "Pasa aquí y en cualquier lugar del mundo (...) con enfermeras, maestras, amas de casa, señoras de la limpieza, el periodismo, la literatura, es por todas partes".La diferencia, a juicio de la actriz madrileña, es que a las actrices les ponen un micrófono y les preguntan por el tema, pero a otras mujeres no. Por eso no quiere hacer una película centrada en el mundo del cine."Llevo un año trabajando en mi documental del que todavía no puedo hablar, porque me quedan dos años más por lo menos, es complejo y necesita tiempo, no me gustaría hablar de ello hasta tenerlo terminado", dijo además en una entrevista con EFE en la que aseguró que le está poniendo "mucho cariño" a este proyecto, que necesita "mucha calma".En un encuentro posterior con los medios de comunicación apuntó que este trabajo, que será su ópera prima como directora, trata sobre las mujeres aunque no directamente sobre el maltrato. "Tiene que ver con la mujer pero habla de otra cosa".Y a preguntas sobre el movimiento #MeToo en el cine, precisó que "es un proceso que nunca se dijo que iba a ser corto o sencillo y estamos todavía muy lejos de llegar a un lugar de igualdad".Asimismo, la actriz destacó que en España las mujeres encuentran la fuerza "descomunal para atreverse a hablar" pero cree que "el sistema legal falla"."Es muy difícil para una mujer que está viviendo una situación de tortura, de malos tratos, gente que está viviendo un infierno, con hijos, que no tienen escapatoria del pasado porque no tienen ni a donde ir. Yo conozco a varias, sé sus nombres y apellidos y he visto cosas pero muy fuertes y no les han dado la protección necesaria, y no las han escuchado", compartió.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Çatak (Berlín, 1984), hijo de inmigrantes turcos, no acaba de asimilar el éxito del que ya es su cuarto largometraje como director, la gran triunfadora en los últimos premios del cine alemán y una de las cinco nominadas al Óscar a mejor película internacional."Supongo que ha conectado con el espíritu de los tiempos", dice a EFE durante una visita a Madrid con motivo del estreno en España el 2 de febrero. "Creo que el tema de la búsqueda de la verdad es algo que va a permanecer con nosotros en los próximos años, con el auge de la inteligencia artificial", señala.El hecho de que otra de las películas europeas del año, 'Anatomía de una caída' de la francesa Justine Triet, coincida en esa temática de fondo, la dificultad de comprender y atenerse a la verdad y la intromisión de los prejuicios, refuerza la tesis de Çatak."Vivimos tiempos locos, la verdad es cada vez más elusiva, especialmente desde que Trump llegó al poder en Estados Unidos entramos en esta historia de las fake news y el fact checking", señala.También es algo sobre lo que reflexionó durante la pandemia, cuando escribió el guión junto a Johannes Duncker. "Estaba todo el mundo discutiendo sobre la conveniencia de vacunarse o no, había opiniones de todo tipo y la verdad se convirtió en una cuestión de creencia".Su historia, eso sí, es muy diferente de la de Triet. Carla Nowak (Leonie Benesch) es una idealista profesora de matemáticas y gimnasia en una escuela de secundaria que, cuando se producen una serie de robos y se sospecha de uno de los alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta.En su empeño se verá poco a poco acorralada, por los padres indignados, sus colegas corporativistas y los estudiantes cada vez más agresivos. Y ahí uno de los aciertos de Çatak, que se aleja del clásico drama en las aulas para tender hacia el thriller, con una creciente atmósfera opresiva.Conflicto intergeneracionalHay un momento en el filme en que un grupo de alumnos, cansados de que se les oculte información, se alzan contra el sistema a través del periódico de la escuela y, para lograr hacerse oír, caen en el amarillismo.Çatak explica que quería abordar los problemas de entendimiento entre generaciones, inspirado por la incomprensión que ha generado en los últimos años el activismo ecologista juvenil, con acciones como el lanzamiento de pintura roja sobre obras de arte en museos."Al escribir pensaba en movimientos como Fridays for Future, que reprochan a los mayores que hayan estropeado el planeta y su manera de hacerse oír a veces resulta incomprendida, pero se trata de una toma de conciencia".Victimismo y diversidadEn medio de su turbulenta adolescencia, Çatak recuerda el día en que su profesor de latín le puso una mala nota, a su juicio injustamente, y él le llamó "nazi"."Por supuesto llamó a mis padres y, cuando llegué a casa, me dijeron que debía disculparme", relata. "Me negué, pensaba que el profesor me odiaba por ser turco, y recuerdo perfectamente a mi padre diciéndome: No eres una víctima, no es porque seas turco, es porque has cometido un error".Mantener esa perspectiva en la película era fundamental para Çatak, que entiende que la defensa de la diversidad no debe suponer caer en el victimismo o la simplificación."Muchas veces te encuentras con gente pidiéndote que no digas esto o lo otro porque alguien puede sentirse herido, y está bien, pero no hay que exagerar esa tendencia a ofenderse".Recuerda que recientemente, en una charla en la universidad donde da clases, contó que su próxima película, que rodará en Turquía, trata sobre una mujer a punto de entrar en menopausia y una chica entre el público se mostró ofendida por que un hombre aborde ese tema."¿Cómo es posible -se pregunta- que alguien que habla de diversidad tenga ese pensamiento binario? Hago cine para entender el mundo, no simplemente para contar mi propia historia sobre hombres turcos y alemanes, necesitamos expandir nuestra mente y a veces siento que con todo el tema de la diversidad la gente encoge sus perspectivas".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La pantalla en blanco y negro, los pies sobre el piano tratando de armonizar con las teclas, palabras indescifrables que salen de una boca adulta y la anomalía que se asoma en cada esquina. La sala está en silencio casi que dentro de la casa del doctor Godwin Baxter, un médico con delirios de Frankenstein que ha creado una monstruosidad bellísima.Bella Baxter, la creación de “God”, el experimento perfecto y el monstruo con un rostro armonioso que tiene la edad mental de un bebé. Bella desarrolla su habla rápidamente, su movilidad mejora y poco a poco se va convirtiendo en una criatura fascinante para el doctor Baxter y su ayudante Max McCandles. Es claramente un guiño a Mary Shelley y el amor a lo monstruoso.Poor things es la nueva película del director griego Yorgos Lanthimos, conocido por trabajos como La favorita, Langosta y Canino, este nuevo filme está basado en la novela homónima del escritor Alasdair Gray, publicada en 1992. Lanthimos construye un mundo modificado con tranvías que van en el aire y cielos azules con amarillo en el que habitan estos personajes que visten con ropas pomposas y colores radiantes, Bella es la más sobresaliente de todos.A medida de que Bella se desarrolla descubre la sexualidad y el deseo, se vuelve insaciable y comienza a buscar la felicidad que puede darse ella misma. Sin embargo, llega un hombre que quiere dañarla y en su deseo de conocer el mundo decide aventurarse con Duncan Wedderbun, quien la lleva a distintos lugares donde aprenderá nuevas emociones y sensaciones.El camino de Bella se vuelve tortuoso al darse cuenta de la maldad del ser humano y lo crueles que somos, sufre al ver la oscuridad del corazón así como el miedo a un hombre vil que lo único que quiere es tenerla para él siempre. La criatura espectacular viaja a otras ciudades en las que descubre que el cuerpo y el sexo son un elemento de trabajo en situaciones desesperadas, se funde en tristeza y desea volver a casa.Esta película es el viaje de una criatura que desea conocer y explorar el mundo, además de encontrarse a sí misma, descubriendo partes de su anterior vida y afirmando el poder de la libertad absoluta que es su función final. Poor things es una representación de la vida misma alimentada con unos escenarios espectaculares y un particular humor que caracteriza al director.Sí se debe hablar de la visión masculina y como las mujeres nos hemos visto retratadas en la pantalla grande, esta película está llena de escenas sexuales y desnudos que pueden ser innecesarios al momento de contar la historia, sin embargo, no sorprende que así hayan cientos de películas dirigidas por hombres.También es fundamental mencionar el desafío actoral de Emma Stone quien interpreta a Bella Baxter, Stone convirtió a Bella en una humana profundamente consciente y sensible, su papel fue fundamental para sentir cercana la historia y empatizar con lo que en otros contextos sería un monstruo. La encarnación en Bella es fascinante y conmovedora, cada una de sus acciones refleja la complejidad del personaje y lo bien elaborado que resultó, definitivamente es merecedora de todos los premios.La oscuridad de la sala se tornó colorida y se inundó con risas a medida del avance de la película, entre más avanzaba Bella en su búsqueda por sí misma se acentuaba la idea de la monstruosidad como la belleza misma, alejada del estándar y convertida en una anomalía preciosa, en un cuerpo modificado con un corazón formado en miedo, felicidad, deseo y maldad. El monstruo se transformó en fascinación y hermosura viva.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuando una joven estadounidense ingresa a un internado femenino en el Reino Unido, sus compañeras pronto descubren que su objetivo es encontrar una enigmática caja de juguetes oculta en el patio del colegio. Después de hallarla y abrirla, seis estudiantes se ven inmersas en una desesperada batalla por la supervivencia contra un demonio que se libera de su encierro. ¿Conseguirán escapar con vida de la escuela, o el demonio reclamará las víctimas necesarias para mantenerse vivo? Esta es la sinopsis de la tercera entrega de "Jack en la Caja Maldita"Los payasos han sido durante mucho tiempo uno de los primeros temores arraigados en las personas, y algunos siguen experimentándolo hasta hoy. Por esta razón, la industria cinematográfica ha tomado nota y está desarrollando proyectos centrados en estos personajes. Uno de los títulos más destacados a principios de 2024 será "Jack en la Caja Maldita 3: El ascenso".Esta película representa la tercera entrega de la escalofriante franquicia creada por el director Lawrence Fowler, quien también escribió las dos entregas anteriores: "Jack en la Caja Maldita" y "Jack en la Caja Maldita 2: El despertar". La primera película, lanzada en 2019, presenta el desentierro y apertura del antiguo muñeco Jack-in-the-box, haciendo que sus nuevos dueños sospechen de la inquietante marioneta, sugiriendo que puede tener vida propia.La secuela, estrenada en 2022, gira en torno a una mujer moribunda que abre una caja de sorpresas vintage y entabla un trato con el demonio que reside en su interior. El objetivo es curar su enfermedad a cambio de ayudar al demonio a cobrarse seis víctimas inocentes. Aunque las críticas no fueron las más favorables, la audiencia parece ansiosa por más, y así regresaremos para la tercera entrega.Reparto de "Jack en la Caja Maldita"En la tercera entrega de "Jack en la Caja Maldita", Nicholas Anscombre asume el papel principal como Jack, mientras que Isabella Colby Browne interpreta a Raven. Acompañándolos en el elenco se encuentran Lisa Antrobus, Anna Blackburn, Leona Clarke, Liam Clear, Georgia Conlan, Jade Groves, Luke Hardwell, Georgina Jane, Oli Meredith, Dere Nelson y James Reynard.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme es uno de los cinco nominados este jueves a mejor película en habla no inglesa en los premios BAFTA de la academia del cine británica.Bayona protagonizó en Zaragoza (España) un encuentro con unas 1.400 personas para reflejar la experiencia de los dieciséis supervivientes y de los otros compañeros que iban en el avión y no superaron los 72 días de frío: "Quería encontrar el denominador común de personalidades diferentes, confiando en el relato y entendiendo aquello por lo que habían pasado".Todo comenzó en 2011, cuando envió un mensaje a los supervivientes tras leer la obra del uruguayo Pablo Vierci: "Quería pedir permiso para hablar sobre esto y compartirles esa culpa de haber vivido una vida que ellos no tuvieron"."Parte del ejercicio es recuperar la memoria de los fallecidos y no cabía la posibilidad de no poder usar los nombres. Eso sí, había como una especie de frontera y separación. Después de hacer el pase el 1 de septiembre con ellos, creo que se mitigó, se unieron y les ayudó a procesar esos duelos de manera particular", indicó.No obstante, aseguró que lo que más le impresionó del libro fue el discurso que tiene sobre el ser humano llevado al límite y de cómo, en ese momento, se une para ayudarse."Estamos rodeados de cierto cinismo y escepticismo y el contar cómo el ser humano en esos momentos se abre al otro y se entrega, ayuda y colabora es un discurso que yo abrazo", resaltó.Aunque considera que él "solo ha ayudado a hacer llegar el mensaje del libro", remarcó que el trabajo fue enfocado en poner en valor "esa decisión tan generosa de entregar tu cuerpo en vida", así que "lo que pueda entenderse como una situación escabrosa se empieza a ver como un momento extremo"."La forma que tuvieron de entregarse unos a otros está en el relato. Hay otra forma de entender el heroísmo desde otros roles que no sea el guerrero que salva a toda la tribu, sino de aquel que posibilita al guerrero o que le da el rol al guerrero", dijo.Sin embargo, uno de sus propósitos fue cambiar el relato, enfocarse en lo espiritual, demostrar "cómo a través de la herida nos curamos" y dar importancia a aquellos que no habían sobrevivido y a la idea de grupo, sin protagonistas ni voces importantes."Es una historia que habla de darse al otro hasta la máxima consecuencia. La muerte de Numa se podía sentir como una estafa, pero para que el público apreciara la vida como los supervivientes tenía que morir por el camino, con él", subrayó.En cuanto a este personaje, Bayona destacó que "siempre provocó mucha curiosidad", porque todos los supervivientes y familias de fallecidos lo recuerdan con "buenas palabras y como la persona que más dio por el grupo", a pesar de no regresar y quedarse en la orilla. "Tenían deudas con los muertos", agregó.En cuanto al 'casting', en el que vio a más de 2.000 actores durante siete meses, destacó que tener la "suerte" de entrevistarse con los supervivientes en 2018 le ayudó a hacerse una idea "aproximada" de la personalidad de cada uno de ellos."Buscaba cierto parecido físico, aunque no era la prioridad, y características similares a la personalidad", añadió.'La sociedad de la nieve', que se rodó durante 140 días en escenarios reales en España para obtener una mayor autenticidad, es una película "dura y difícil" por la historia, la meteorología y la accesibilidad, pero "lo más importante siempre fue conseguir una experiencia inmersiva y demostrar que, al fin y al cabo, todos somos lo mismo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A punto de marcar un hito en la historia del cine argentino como la película nacional de terror más exitosa de todos los tiempos, "Cuando acecha la maldad" ("When Evil Lurks"), dirigida por Demián Rugna, acaba de estrenarse en México y tiene planes de llegar al resto de Latinoamérica y España, con la meta de superar los 300 mil espectadores. La película ha disfrutado de un notable desempeño en la cartelera estadounidense, proyectándose en más de 600 salas después de ganar el prestigioso Festival Internacional de Cine de Sitges en 2023, convirtiéndose en la primera producción latinoamericana en recibir dicho reconocimiento.¿De qué se trata "Cuando acecha la maldad"?En un apartado pueblo, dos hermanos se topan con un individuo poseído por un demonio, al borde de liberar el horror que yace en su interior. Sin embargo, al tratar de detenerlo, solo logran acelerar el proceso, desencadenando un terror que podría resultar aún más aterrador al extenderse más allá de ese rincón remoto, alcanzando una zona más densamente pobladaEn la fase de posproducción de la película, se llevó a cabo una proyección previa en Ventana Sur, situada en Puerto Madero, Buenos Aires, donde obtuvo el reconocimiento del Premio Blood Window Screenings. La premier mundial de "Cuando acecha la maldad" tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2023 el 13 de septiembre, presentándose en la sección "Midnight Madness". La distribución internacional de la película en el festival estará a cargo de la empresa parisina Charades. De acuerdo con la plataforma de agregación de críticas Rotten Tomatoes, la película cuenta con una aprobación del 98%, basada en 61 reseñas, con una puntuación promedio de 7,7/10. El consenso crítico destaca que "Cuando acecha la maldad" es una película impactante de terror, cuyos sobresaltos superficiales resultan tan atractivos como sus preocupaciones temáticas, añadiendo una experiencia visceralmente inquietante al género de posesión. Además, en el portal Metacritic, la cinta obtiene una calificación de 75/100, basada en la compilación de 12 reseñas. Según el sitio Collider, la película es descrita como "una obra de terror deliciosamente brutal donde la tensión es la clave, al tomar una historia clásica de posesión y llevarla a un territorio decididamente macabro".En Argentina, la película llegó a la pantalla grande el 9 de noviembre de 2023, atrayendo a 40,000 espectadores en su primer fin de semana. Con esta impresionante cifra, "Cuando acecha la maldad" se posiciona como la cuarta película de terror argentina más vista en la historia, quedando detrás de "No dormirás" (95,714 espectadores), "Sudor frío" (80,549 espectadores) y "Resurrección" (60,979 espectadores).No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.