Al rededor de su fama proliferaron anécdotas pero también numerosas leyendas urbanas, algunas de ellas recogidas a continuación:Escarabajos con ritmoLos Fab Four, como se les llamaba a menudo, se les suele enumerar de la siguiente manera: John (Lennon), Paul (McCartney), George (Harrison) y Ringo (Starr), en orden con el que se incorporaron a la banda. Pero antes de la llegada de Ringo, hubo otro batería, Pete Best, y también el bajista Stuart Sutcliffe."The Beatles" tampoco fue el primer nombre. En 1956 se empezaron llamando los "Black Jacks", para cambiar poco después a "Quarrymen".En el escenario también se presentaron como "Johnny and the Moondogs" y "The Silver Beetles" antes de adoptar definitivamente el nombre convertido en leyenda, un juego de palabras entre "beetles" (escarabajos en inglés) y "the beat" (el ritmo).La referencia al insecto es también, al parecer, un homenaje a Buddy Holly, ídolo de Lennon y McCartney, cuyo grupo se llamaba "The Crickets" (los grillos). En un hito poco habitual, cada uno de los músicos dispone de dos estrellas en el Paseo de la Fama de Los Ángeles: una como Beatle y la otra por su carrera en solitario posterior.La rivalidad con los Beach BoysSe habla a menudo de la rivalidad Beatles-Rolling Stones. Pero su verdadera competencia eran los Beach Boys. Cuando el cuarteto de Liverpool partió a la conquista de Estados Unidos, América estaba en plena Beach Boys manía con el célebre álbum "Surfin' USA".Aparecieron los Beatles y su álbum "I want to hold your hand" y Brian Wilson, el alma de los Beach Boys, se empezó a preocupar: "Inmediatamente sentí que todo había cambiado y que, para garantizar nuestra supervivencia, teníamos que estar en alerta".Aunque se admiran mutuamente, ambos grupos iniciaron una batalla durante varios años con álbumes interpuestos.Los "cuernos del diablo"Los Beatles innovaron en muchos aspectos, no solo musicales. Fueron los primeros en incluir las letras de sus canciones en un librillo en el interior de cada álbum.También hicieron popular el "signo de los cuernos", convertido en el símbolo por excelencia del rock. Antes asociado al diablo, el gesto, que consiste en apretar el puño y estirar los dedos índice y meñique, significa que uno está contento.El primer artista conocido en realizarlo fue John Lennon. El gesto quedó inmortalizado en la portada del single "Yellow submarine".Beatles contra Jesús "Somos más populares que Jesús". La frase, pronunciada por Lennon en una entrevista de 1966, pasó casi desapercibida al principio. Pero luego provocó una fuerte controversia, en la que a veces se tergiversaron las palabras del cantante para convertirlas en "más grandes que Jesús".El escándalo fue enorme. En Estados Unidos, antiguos seguidores quemaron en público vínilos del grupo. Las canciones fueron prohibidas durante un tiempo en México y Sudáfrica. Los artistas, aunque rectificaron, recibieron amenazas de muerte.Para Lennon, "el asunto Jesús" terminó desembocando en el fin de la banda: "No quería hacer más giras, sobre todo después de haber sido acusado de crucificar a Jesús cuando no había hecho más que un comentario desenfadado".Cuarenta años más tarde, el Vaticano los absolvió y declaró en 2008 que no era más que "la fanfarronada de un joven inglés de clase obrera enfrentado a un éxito inesperado".En honor a Lucy La mujer "más vieja" del mundo (3,2 millones de años), la australopiteca Lucy, debe su nombre a la canción "Lucy in the sky with diamonds". Descubiertos en 1974 en Etiopía por el paleontólogo francés Yves Coppens y sus colegas, los restos fósiles revolucionaron la percepción del origen de la humanidad.Durante la excavación, el equipo escuchaba en bucle el álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", en el que figuraba la popular canción. Cuando demostraron que los huesos pertenecían a una mujer, fue fácil dar con un nombre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para celebrar tres décadas de El Nervio del Volcán, un disco que cambió la historia de la música latinoamericana, Caifanes vendrá a Cali, Bogotá y Medellín los próximos 1, 3 y 4 de mayo de 2024. Luego de shows agotados en 2019 y 2022, y una presentación delirantemente apasionante en el Festival Cordillera 2022, la banda mexicana liderada por el mítico Saúl Hernández vuelve a su segundo hogar, Colombia en una gira con tres fechas. Este miercoles 1 de noviembre se iniciará con la preventa para clientes de los Bancos Aval y dale!. El 29 de junio de 1994 salió al aire El Nervio del Volcán, el disco que consolidaba a Caifanes de manera definitiva en el panteón del rock latino con himnos chamánicos como “Afuera”, “Aviéntame”, “Ayer me dijo un ave” y más."Los conciertos son momentos de vida, rituales y ceremonias y Caifanes los va a defender hasta el día que estemos muertos, es nuestro elemento para compartir la realidad de nuestras vidas", afirmó Saúl Hernández en 2020 para Radiónica. La ceremonia que prepara esta cofradía mexicana de chamanes roqueros será la celebración de las tres décadas de un disco fundamental para la idiosincrasia latinoamericana: El Nervio del Volcán. Igualmente, los shows de Caifanes en Cali, Bogotá y Medellín también serán, como siempre, rituales musicales para el alma himnos sagrados como “Nubes”, “Viento”, “No dejes que”, “La célula que explota”, entre otros.Caifanes y Colombia han solidificado una relación en los últimos años y los días 1, 3 y 4 de mayo de 2024 lo revalidamos con tres únicos conciertos en nuestro país: en el Centro de Eventos Valle del Pacífico de Cali, en el Movistar Arena de Bogotá y en La Macarena de Medellín.La preventa exclusiva para los clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y dale! desde el 1 de noviembre a las 9:00 am hasta el 3 de noviembre a las 8:59 am, o en la Venta General a partir del 3 de noviembre a las 9:00 am con todos los métodos de pago en TuBoleta (Bogotá), Taquilla Live (Medellín) y Taqui (Cali).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La legendaria banda de rock The Rolling Stones lanzó su primer álbum en casi dos décadas y amplía así una larga historia marcada, entre otros, por estos datos y momentos.Los inicios de la leyenda12 de julio de 1962: una joven banda llamada "The Rollin' Stones" da su primer concierto en el Marquee Club, uno de los locales de jazz más importantes de Londres.1964: su primer álbum, "The Rolling Stones", es un gran éxito en Gran Bretaña.1965: Sale "(I Can't Get No) Satisfaction", escrito por Mick Jagger y Keith Richards, y catapulta a la banda a la fama mundial. Desde entonces, la canción ha sido ampliamente resonada por otros artistas, desde Aretha Franklin hasta Britney Spears.Al filo de la ley1967: tras una incautación de anfetaminas en casa de Richards, él y Jagger reciben penas de prisión que luego son anuladas tras una protesta popular.3 de julio de 1969: el guitarrista Brian Jones, uno de los miembros fundadores de la banda con antecedentes de consumo de drogas, se ahoga en su piscina a los 27 años, poco después de que la banda lo despidiera.6 de diciembre de 1969: un adolescente es asesinado a puñaladas durante un caótico concierto gratuito encabezado por los Stones en Altamont, California. Se considera que el espantoso asesinato, captado por las cámaras, simboliza el fin de los años 60 de "paz y amor".Los famosos labios carnosos1970: un estudiante de diseño de Londres crea el logo de los Rolling Stones con labios rojo rubí para el cartel de la gira europea de la banda. Continúa convirtiéndose en uno de los más reconocibles en la industria de la música, apareciendo a lo largo de los años en innumerables recuerdos de la banda. En 2008, el Victoria and Albert Museum compra los dibujos originales.1985: Jagger lanza un álbum en solitario "She's the Boss", lo que provoca una guerra entre el cantante y Richards, quien dice que debería centrarse en la banda. Richards responde con su propio disco en solitario "Talk is Cheap" (1988).Rolling Stones y el beso corporativo1995: Microsoft paga varios millones de dólares por los derechos de uso de la canción de los Stones "Start Me Up" para la primera campaña publicitaria de Windows.8 de febrero de 2006: más de un millón de fans se agolpan en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro, para un concierto gratuito durante la gira del grupo "A Bigger Bang".25 de marzo de 2016: los Stones se convierten en la primera banda occidental que actúa con un concierto gratuito en La Habana.2022: celebran su 60 aniversario con una gira por toda Europa, pero sin el baterista Charlie Watts, fallecido en 2021.20 de octubre de 2023: lanzamiento de su nuevo álbum "Hackney Diamonds" con una variedad de estrellas como Lady Gaga, Paul McCartney, Elton John y Stevie Wonder.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La agrupación está integrada por 46 talentosas artistas bajo la dirección de Paola Ávila, se suma a El Rito de Soda Stereo para realizar un concierto inolvidable en el que brillarán la voz de Cristóbal Micaly, el bajo de Julio César Maldonado, la guitarra de Luis Peláez, el teclado de Luis Fernando Garcia, los coros de Andrés Gálvez y la batería de Juan Pablo Gálvez, quienes se han encargado de pulir el repertorio del exitoso ‘power trio’ argentino conformado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.Con arreglos de Edwin Rojas y Juan Felipe Naranjo, la Orquesta Filarmónica de Mujeres, una de las agrupaciones de la Red de Orquestas de la Filarmónica de Bogotá y del Programa de Formación Musical, participa en una versión sinfónica de estos clásicos que no pasan de moda.Orquesta Filarmónica de MujeresLa Orquesta Filarmónica de Mujeres es un proyecto que convoca a mujeres para que puedan dar continuidad a su formación musical, vivir la experiencia orquestal y de esta manera ejercer su excelencia en distintos formatos instrumentales de orquesta y de cámara. Se trata de una agrupación que es un reconocimiento a las mujeres que, a lo largo de la historia, han sido intérpretes, compositoras y directoras en el mundo de la música clásica.En el mundo existen pocas agrupaciones de música clásica conformadas únicamente con mujeres, dentro de las que se destaca la reconocida Orquesta de Cámara de Mujeres de Austria (Viena), la cual fue dirigida por la maestra Carmen Moral, quien fuera directora titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá entre los años 1988 y 1991. Proyectos como este se han diseñado de forma intencional para potenciar la aproximación estética y la sensibilidad expresiva de las mujeres en un universo que aún sigue siendo mayoritariamente masculino.La Orquesta Filarmónica de Mujeres de la Orquesta Filarmónica de Bogotá se constituye como la primera agrupación con estas características en Colombia, lo que la convierte en una Orquesta que nació para quedarse y trascender en el tiempo.Paola Ávila, directora titular (Colombia)Directora orquestal y coral apasionada por la educación y transformación social a través de la música. Se desempeña como Docente de Teoría en la Fundación Universitaria Juan N Corpas y en el Departamento de Música de la Universidad de los Andes. Fue ganadora del Fellowship en Dirección Orquestal con Chicago Sinfonietta durante la temporada 2018-2019.También obtuvo el Conducting Fellow con la Orquesta Sinfónica de Miami y directora líder en OrchKids, programa educativo de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, USA. Obtuvo su Maestría en Dirección Orquestal en Peabody Conservatory - Johns Hopkins University, bajo la tutoría de Marin Alsop. Trabajó con los directores Paavo Järvi, Neeme Järvi, Gennady Rozhdestvensky, Cristi Macelaru y Markus Stenz, entre otros. Actualmente se desempeña como directora de la Orquesta Filarmónica de Mujer.Única presentación de Soda Stereo Filarmónico (El Rito de Soda Stereo) el viernes 27 de octubre a partir de las 8:00 p.m. en el Movistar Arena. Entrada con boletería.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad - Sui GenerisCharly y Nito fueron alguna vez rivales. En el colegio cada uno tenía su grupo. García conoció a Carlos Alberto Mestre cuando este se acercó a hablarle, sobre el suceso Nito Mestre comenta: “este es el de la otra banda, entonces, debo conocer de qué se trata, me acerqué y encontré a Charly, obviamente nos pusimos a hablar enseguida, porque en teoría era la banda rival. Inmediatamente nos hicimos amigos”. Juntos decidieron crear un grupo, ya no competían por ser la banda más reconocida en el colegio. Charly y Nito, se articularon. Al terminar el secundario, el grupo se había organizado bajo el nombre de Suis Generis, aunque por la partida de varios de sus integrantes, el Sui Generis se redujo a los dos rostros que emblema: Charly y Nito. En 1972 se materializa su primer disco titulado “Vida”, gracias al contacto con el músico Billy Bond y “La pesada del rock and roll”. “Grabaron un gran disco, con una hermosa canción: hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad. Un maravilloso tango, hecho en tiempo de rock y vendieron un millón de discos.” Asegura Billy Bond productor musical de Sui Generis en 1993.Los días 2, 3 y 16 de noviembre de 1972, realizó la Tercera edición del Festival B.A Rock donde casi desde el anonimato Sui Generis hizo un concierto. Enseguida captaron la atención de la juventud. Marcó la adolescencia de los jóvenes del 70 por cantar los acontecimientos que sucedían de una forma que nadie lo había hecho. Sergio Merchi exclamó “Era como las cosas que los adolescentes que éramos más rockeros, nos empezábamos a cuestionar en los años 70. El colegio, todo es una rutina, todo tiene que ser gris y tenemos que seguir la vida de nuestros padres.”De la sencillez a la complejidad musicalCon el paso de los años, la sencillez musical de Sui Generis trazó un camino de complejidad que incluía crudeza en el campo musical y lírico, es el caso del disco “Confesiones de invierno”. En el tercer disco, se refleja la llegada de la tecnología a manos de Charly García. En “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones” García emplea teclados que no se encontraban en Argentina, lo que hizo del disco un rock progresivo y sinfónico. Según Sergio Marchi, este nuevo giro en la música de Charly y las demandas del público por un estilo más sencillo, hizo que Charly se sintiera frustrado y terminara la banda. Para Charly, con el tiempo, significó una de sus mejores decisiones: “creo que fue una de las decisiones más inteligentes que tomé en mi vida. Porque ya no era lo que era antes. Porque no daba para cambiarlo y porque de alguna manera provocó un fenómeno que fue la despedida de Sui Generis y todos esos mega conciertos. Creo que fue piola y Nito también está de acuerdo.” Sui Generis se separa en 1975 con tres discos editados y publicado; un doble concierto en el Estadio de Luna Park en Buenos Aires, el resultado de la separación dio como resultado una película y dos discos “Adiós Sui Generis”.La máquina de hacer pájaros, la Dictadura Militar Argentina y BrasilCon La Máquina de Hacer Pájaros contó con la presencia de Oscar Moro, Carlos Cutatai, Gustavo Nazterriza, José Luis Fernández y Charly García, todos exmiembros de las bandas más importantes y significativas hasta ese momento en Argentina. Grabaron dos discos que no tuvieron acogida en el país, sólo años después se reconoció la importancia de esta banda, que como indicaba Charly García “pretendía ser el Yes del subdesarrollo”.La Dictadura Militar Argentina provocó un alto en la carrera de Charly García y su instalación temporal en Brasil, allí, comenzó a idear un nuevo proyecto musical en el cual quería la participación de David Lebón, el nacimiento de Serú Girán.Quién sabe Alicia éste país - Serú GiránEn 1978, Charly García co-fundó la banda de rock Serú Girán junto a otros músicos destacados como David Lebón y Pedro Aznar. En medio de la Dictadura Militar Argentina que moderaba culaquier presentación o manifestación artística Serú hacía un frente desde la música por medio de metáforas. “Serú es como esos medios días de verano que te acordás de la infancia, que decís, qué barbaro” manifestó el bajista Pedro Aznar en 1997. En concordancia, Charly “para mi Serú es el paraíso, no sé si existe, pero es un lugar donde todo está bien. Es un lugar donde pueden caber cuatro o 100 mil o 200 mil. Pero donde no hay violencia, donde no hay injusticia, y es un lugar donde para entrar hay que tener cierta responsabilidad”. La banda fue un éxito inmediato y produjo una serie de álbumes influyentes.1982, Charly solista el no retornoDespués de Serú Girán, García empezó sus proyectos como solista y desde ese momento, no existió un retorno a trabajos con bandas. Charly llevo adelante su vida y su carrera. Creando genialidades junto a una reinvención constante. La situación política de su país afectó a Charly García en varios momentos. En el marco de la Guerra de las Malvinas se inspiró para crear dos discos. El primer disco como solista fue “Yendo de la cama al living”. Junto a la música, García acompañó presentaciones en vivo desafiantes, así lo recuerda Renata Schusseim escenógrafa de Charly García: “en el Estadio Ferro de 1982, lo del disparador de Charly que era un disparador que destruía todo, llamé a Juan Lepes, para hacer esa escenografía. Todo era un delirio porque no se probaba antes de, todo se hacía el mismo día de la función.”En 1983 Charly estuvo muy arriba dando cuenta de una explosión creativa de ese momento. Para Fito Paez, Charly es un pilar en la música, lo definió como un John Lennon latino “me parece que es un tipo que comprende las grandes ideas del inconsciente colectivo, Charly las condensa en todo lo que hace, y eso, precisamente es lo que lo diferencia del resto.” Junto a esto, Charly retrataba el país con humor, “es un tipo que siempre dio en clavo con humor, en un país que no tiene humor. Esto hace parte del encantamiento que produce Charly García”, complementó Paez en 1997.Aveces estoy tan bien, estoy tan downEn 1987 realiza su primera gira internacional que fue un éxito. La rigurosidad para componer y crear música ha sido un rasgo característico de Charly García, esto hacía que renovara su banda permanentemente. “Llevamos 20 horas ensayando. Es sin fin, es tremendo, pero está bien, es un obsesión, o sea un disco dura un mes, mes y medio, salgo del estudio y sigo componiendo” expresaba García en 1989.A lo largo de su carrera, Charly García ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2019.Intensidad. Charly García es un hombre que no conoce los puntos medios. Todo en él es intenso. Es un músico atento a otros músicos. Creó canciones que supo compartir. Charly es uno de los más grandes del continente y del mundo. Charly oído absoluto. Charly excesos. Charly García que unas veces está tan bien y otras tan down. Charly García siempre supo que no servía vivir para sufrir.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
"Clics modernos" (1983)El álbum Clics Modernos, lanzado en 1983, es considerado una obra maestra de la música en español y un hito en la carrera de este influyente músico argentino. Este disco se destacó por su innovación musical y lírica en un momento en que la escena musical argentina estaba experimentando una transición hacia el rock y la new wave. El álbum incorpora una variedad de influencias musicales, desde el rock hasta la música electrónica y experimental. Charly García utilizó sintetizadores, cajas de ritmo y otros elementos tecnológicos para crear un sonido vanguardista y futurista."Piano Bar" (1984)Lanzado en 1984, este álbum es un trabajo significativo en la carrera de este destacado músico argentino. A diferencia de algunos de sus álbumes anteriores que incluían elementos más experimentales y electrónicos, "Piano Bar" se centra en un sonido más íntimo y en las habilidades pianísticas de Charly García. Como su nombre sugiere, "Piano Bar" se caracteriza por un enfoque notable en el piano. Charly García demuestra su virtuosismo en el teclado a lo largo de todo el álbum, creando hermosas composiciones de piano que destacan por su emotividad y profundidad."Cómo conseguir chicas" (1989)El álbum "Cómo conseguir chicas" de Charly García es uno de los trabajos más destacados de su carrera y fue lanzado en 1989. Este álbum se caracteriza por su mezcla de estilos musicales y su lírica introspectiva. Este disco presenta una amplia variedad de estilos musicales. Charly García fusiona elementos de rock, pop, new wave y música electrónica en este álbum. Esto da como resultado una experiencia auditiva diversa y emocionante."La hija de la lágrima" (1994)Este álbum publicado en 1994 destaca por su enfoque experimental y su innovación musical. Charly García utiliza una amplia variedad de instrumentos y elementos electrónicos para crear un sonido vanguardista y único. Las letras de las canciones son líricas profundas y a menudo poéticas. Charly aborda temas variados, desde el amor y la soledad hasta la política y la sociedad, lo que agrega una capa de significado a la música."Random" (2017)Lanzado en 2017, Random marcó el regreso de García con nuevo material después de varios años. Este álbum recibió mucha atención y elogios tanto de los fanáticos como de la crítica, y representa una continuación de la carrera de Charly García como músico y compositor. Random presenta un sonido moderno y experimental, lo que muestra que Charly García sigue siendo un innovador en la música. Incorpora una variedad de elementos musicales, desde el pop y el rock hasta la música electrónica, fusionándolos de una manera característica.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hackney Diamonds" ("Cristales rotos" en argot inglés) es su 24º álbum de estudio y el primero con canciones originales en 18 años.¿Cuándo fue la última vez que esta icónica banda, que nació hace 61 años, lanzó un álbum honesto a juicio de la crítica? Las opiniones difieren. Para Philippe Manœuvre, crítico de rock francés y gran conocedor de la banda, hay que retroceder hasta 1978, con "Some Girls", que contenía el clásico "Beast Of Burden"."Desde 'Some Girls', los Stones han lanzado discos un poco apresuradamente", afirma este crítico en conversación con la AFP. Este nuevo álbum rezuma rhythm 'n' blues, pero sin alcanzar la altura de "Beggars Banquet" (1968), "Let it Bleed" (1969) o "Exile On Main St." (1972).La novedad más destacable, la participación de Paul McCartney, miembro fundamental de los Beatles, que toca el bajo por primera vez con los Stones en "Bite My Head Off".La supuesta rivalidad entre los Stones y los Beatles, una jugada de marketing, nunca existió realmente. Paul McCartney y John Lennon, de hecho, cantaron los coros en la canción "We Love You" de los Stones en 1967. "Paul y yo siempre hemos sido amigos", resume Mick Jagger a sus 80 años.Lady Gaga, Elton John, Stevie Wonder... La contribución de McCartney es evidente, al igual que la voz de Lady Gaga en "Sweet Sounds Of Heaven", con inspiración gospel, aunque sin alcanzar la estatura de la cantante de soul Merry Clayton, que prestó su voz a la joya "Gimme Shelter" en 1969."Angry" fue escogida como el primer sencillo del álbum, una canción de estribillo fácil.La presencia de Stevie Wonder en los teclados en "Sweet Sounds Of Heaven" es muy discreta, al igual que Elton John al piano en "Get Close" (donde se escucha más al saxofonista James King, un músico menos conocido). El toque de Sir Elton aparece de manera más evidente en "Live By The Sword".¿Por qué leyendas como Jagger y Richards han invitado a otras celebridades? Para Philippe Manœuvre, es una forma de volver a conectar con la "camarilla de músicos presentes en los grandes álbumes de los Stones, a la que se le llamaba el segundo círculo, como Gram Parsons de los Byrds en 'Exile On Main St.'".También se nota la influencia del productor Andrew Watt (Justin Bieber, Dua Lipa, etc.), quien convocó nombres destacados para el último álbum de Iggy Pop ("Every Loser"), como Duff McKagan (Guns N' Roses) o Chad Smith (Red Hot Chili Peppers)."Rolling Stone Blues" cierra el álbum, y es interpretado solo por Jagger y Richards. Es una versión convincente de "Rollin' Stone" (1950) de Muddy Waters, un regreso a sus raíces, cuando estos jóvenes músicos convivían y componían en su primer y desvencijado apartamento en Londres.Un momento emotivo para los fanáticos: en las canciones "Mess It Up" y "Live By The Sword", escritas en 2019, se puede oír la batería de Charlie Watts, el histórico miembro de los Stones fallecido en 2021 a los 80 años.En otras partes quien lleva las baquetas es Steve Jordan, que reemplazó al apacible dandy. "Cuando salgo de mi habitación, lo primero que veo es un retrato de Charlie en mi escalera, siempre le saludo", reveló Richards en "The Howard Stern Show" en Estados Unidos.Sin importar la recepción de este álbum, la longevidad de los Stones los ha consagrado en la historia. "Desde que era un niño, vivo en un mundo con sol, luna y los Stones", concluye Philippe Manœuvre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El esperado Rock Al Parque regresa al Simón Bolívar para llenarlo de nuevo de música y espectáculo, este evento reunirá del 11 al 13 de noviembre a los espectadores fanáticos de la música rock. "Con el pasar de los años, los Festivales al Parque se han convertido en uno de los programas más visibles e importantes, no solo del Idartes sino de la ciudad, que gracias al aporte que hacen, junto a diversas estrategias para el sector musical, permiten que Bogotá haga parte de la Red Unesco de Ciudades Creativas de la Música, con una escena cada vez más rica en creatividad y un abanico creciente de oportunidades para el desarrollo de las iniciativas musicales bogotanas", se menciona en un comunicado de la Alcaldía.Este año el festival estará dividido en tres escenarios: Escenario Plaza, Escenario Bio y Escenario Eco. El sábado 11 se presentarán: Thelemata, Tears Of Misery, Chemicide, No Dependiente, Agnostic, Ataque De Pánico, Eshtadur, In Flames, Mashkera, Munnopsis, Here Comes The Kraken, Konvent, Poison The Preacher, The Ocean, Info, Overkill, entre otros. El domingo 12 se presentarán: Ensamble Arsis, Southern Roots, Carolina Durante, Los Calzones, Sonido Gallo Negro, Salón Victoria, Lospetitfellas, Los Pericos, Desgobierno, Nonpalidece, Daniel, Me Estas Matando, La Real Del Sonido, Jenny Woo, Ana Curra, Los Suziox, entre otros artistas. Y finalmente el lunes 13 se presentarán: The Perro Boyz, La Banda Del Bisonte, Las Pastillas Del Abuelo, Javier Alerta, Armenia, Tijuana No Ima, Aterciopelados, Los Auténticos Decadentes, Los Outsaiders, Alto Grado, La Vida Boheme, El Kanka, Cabra y Julieta Venegas. Vea el cartel completo aquí:No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Slash, nacido en Londres como Saul Hudson, es una de las leyendas más enigmáticas del Rock&Roll y uno de los guitarristas más celebrados de todos los tiempos. Así lo ha registrado publicaciones como Rolling Stone, Time, Guitar World, Total Guitar, entre otras donde ha sido siempre finalista de los top históricos. Su pasado con Guns N´Roses y otros proyectos como Velvet Revolver y aventuras solistas han pavimentado una carrera cargada de éxitos, premios y millones de fanáticos. En 2022 visitó Colombia con su cofradía de Gunners en las dos fechas en El Campín, ahora su regreso será en un formato igual de salvaje pero más cercano y mucho más profundo cuando se presente el 26 de enero en el Chamorro City Hall de Bogotá. Este lunes 23 de octubre se iniciará con la preventa para clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y Av Villas) y dale!.“¡Gracias Bogotá, Colombia, por una fantástica segunda noche en tu increíble ciudad! Muy contento de estar de vuelta, ustedes son hermosos, ¡Gracias!”, escribió Slash en su cuenta de Twitter a la 1:14 del 13 de octubre de 2023. Un año después, se tendrá una nueva “fantástica noche” con sus míticos solos de guitarra, las canciones que ha protagonizado en sus más de 35 años de carrera y los sonidos que junto a Myles Kennedy & The Conspirators viviremos en su regreso a la “increíble ciudad” de Bogotá.La leyenda de la guitarra y el Rock&Roll vuelve a Colombia, Slash dará su único concierto en el país el 26 de enero de 2024 en el Chamorro City Hall de Bogotá. La preventa exclusiva para los clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y dale! serán los días 23 al 25 de octubre en Bogotá o en la venta a público general a partir del 25 de octubre con todos los métodos de pago en ETicket.co.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.