Todo comenzó el 11 de agosto de 1973 en el edificio 1520 Sedgwick Avenue cuando DJ Kool Herc montó una fiesta y decidió probar algo nuevo en sus dos tocadiscos: estiró el ritmo instrumental -breaking (romper)- para que la gente pudiera bailar esa parte por más tiempo.El Grand Wizzard Theodore añadió otra técnica a la caja de herramientas del hip-hop: scratching (rascar). Inventó esta técnica, que consiste en mover los discos de un lado a otro mientras suenan, en su habitación mientras hablaba con su madre.Poco a poco el sonido, ritmo, estilo y baile del hiphop fue tomando forma en el barrio de South Bronx, donde se daban conciertos y montaban fiestas, a veces incluso en edificios en ruinas o abandonados.El término hiphop en sí mismo tardaría unos años en hacerse conocido, hasta finales de los 70 en Nueva York.La cultura del hiphop va más allá de un sonido y en su medio siglo ha tenido diversas ramificaciones, pero se expresa en cuatro pilares: rapear, pinchar música, el breakdance y el graffiti.Pese a que han salido grandes símbolos del hiphop en otras zonas de Nueva York -The Notorious B.I.G. en Brooklyn, Puff Daddy en Harlem o Nas en Queens-, el Bronx sigue siendo el lugar de referencia por sus raperos de la vieja escuela como: Grandmaster Flash, Fat Joe o KRS-One.El sueño de rapear en el Bronx"Cualquier artista de hiphop sueña con estar en el Bronx", relata Leonidas, un chileno que lleva cantando en las calles y metros de Nueva York desde que llegó a la Gran Manzana hace un año.Aunque su estilo es muy distinto al hiphop original -su sonido es mezcla de merengue, house y hiphop y su referente es Sandy & Papo-, Leonidas dice que tiene "mucho respeto al estilo underground del rap".Su lugar favorito para cantar en el Bronx son las inmediaciones del estadio de los Yankees. "El Bronx es puro arte, tienes que crear un producto bueno porque te critican, te dicen: 'Eso no está bueno, eso no suena bien'. Y si ven que tú das algo bueno, ellos dice: ‘Oh, wow. Qué bueno hermano, mis respetos", anota el artista.El HipHop un "catalizador económico" para el BronxA finales de 2024-principios de 2025 se abrirá en South Bronx, a la orilla del río Harlem, el Museo Universal del Hiphop."El Bronx es la nueva Meca de las artes culturales. Somos el primer gran museo que se construye dentro de un distrito que no es Manhattan, lo cual es una gran ventaja para El Bronx", explica el director ejecutivo del museo, Rocky Bucano, en un tour a la prensa por el museo aún en obras.Este museo cuenta con un presupuesto de 65 millones de dólares (60,7 millones de euros) y está financiado en gran parte por la ciudad y el estado de Nueva York, aunque también han ayudado sendas donaciones de 5 millones de dólares de los senadores neoyorquinos Chuck Schumer y Kirsten Gillibrand (demócratas), más otra similar de Microsoft.El lugar contará con dos plantas, en las que se repartirán varias salas para exposiciones en las que se relatarán el pasado, presente y futuro de este movimiento convertido en internacional, además de dos teatros y una terraza restaurante.Bucano tiene claro que este museo será de un gran atractivo turístico, ya que ve el éxito que está teniendo una sala de exposiciones paralela que se abrió en la zona a la espera de la inauguración del museo."La mayoría de las personas que vienen a visitarnos nunca han estado antes en el Bronx antes, así que ya sabemos que el Museo Universal del Hiphop será un importante catalizador económico para esta área del sur del Bronx", recalca.Propiciar viviendas asequibles en un barrio humildeMás allá del hiphop y el turismo, el museo busca integrarse en la comunidad de este distrito -que a día de hoy sigue siendo el hogar de grupos minoritarios y personas con recursos limitados-. Por ello, la galería formará parte de un edificio de 23 pisos que acogerá 500 viviendas asequibles."Somos el ancla cultural de este desarrollo de viviendas (...) La ciudad de Nueva York, como todas las grandes ciudades, necesita viviendas asequibles y estamos muy emocionados de que este proyecto represente el verdadero espíritu de comunidad (del Bronx)", anota Bucano y explica que hasta el momento unas 40.000 personas se han apuntado a esta lotería para solicitar vivir en estos apartamentos que se levantarán por encima del museo. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La ceremonia rindió tributo al rapero que murió a los 25 años con una corta pero espectacular carrera en la cual ascendió de bailarín de apoyo a una de las más influyentes estrellas del hip-hop estadounidense."Me llena de honor estar aquí hoy representando a la familia Shakur", dijo su hermana Sekyiwa durante la ceremonia en Los Ángeles. "Tupac sabía que él estaba destinado para algo grande. Y como su hermanita tuve el privilegio de ver esa grandeza surgir".Conocido por sus letras emocionales e intensas y por su personalidad en el escenario, Shakur vendió más de 75 millones de discos con éxitos como "California Love" y "Changes".También se volvió una figura clave en una rivalidad, alimentada por los promotores, entre el hip-hop de la costa este y el de la costa oeste en Estados Unidos.Aunque nació en Nueva York, Shakur se mudó a California cuando era adolescente, junto a su familia. Se volvió una de las figuras más reconocidas en la escena de la costa oeste del país, antes de que fuera baleado en Las Vegas en septiembre de 1996.Las circunstancias alrededor de su muerte siguen siendo difusas. La ceremonia de este miércoles ocurrió nueve días después del que hubiese sido su cumpleaños número 52.Su identificación como uno rapero gangster ocurrió al final de su corta vida, cuando tuvo repetidos encuentros con la violencia y fue a prisión por cargos de ataque sexual.Pero Shakur, cuya madre era integrante del movimiento de las Panteras Negras y lo nombró en homenaje al revolucionario líder inca Tupac Amaru, también usó sus letras para hablar sobre temas que importan a la comunidad negra en Estados Unidos, desde la brutalidad policial hasta las políticas carcelarias.Shakur y su madre son los personajes de la serie documental de televisión "Dear Mama: The Saga of Afeni and Tupac Shakur". El director Allen Hughes y el productor Jamal Joseph estaban entre los presentes del evento en Hollywood. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Que las mujeres negras podamos estar libres de racismo, podamos abortar o hablar a viva voz es algo que tenemos que conquistar", denuncia desde la cafetería central de la Universidad Tecnológica del Chocó Bambazú, integrante del feminismo negro comunitario en Quibdó, capital del Chocó y creadora de la Fundación de arte social afrodiaspórico en movimiento "Mareia".Bajo este "nombre de vida afrocentrada", que hace referencia a un ritmo de música tradicional chocoana y que sustituye a una Carmenza Rojas "colonial", Bambazú apunta a los feminicidios, los abusos sexuales en el conflicto armado y al matrimonio infantil como algunas de las grandes problemáticas a las que se enfrentan las mujeres chocoanas.En este sentido, de los 619 feminicidios registrados en 2022 por el Observatorio Colombiano de Feminicidios, tres de ellos tuvieron lugar en este departamento que cerró el año como el más afectado por el confinamiento de sus comunidades y el segundo más castigado por el desplazamiento forzado, según la Defensoría del Pueblo."Nosotras lo hacemos mejor"Entre las mujeres que ordenan en el espacio carteles que recuerdan que "el feminismo debe ser antiracista, antimachista y diverso" está, tras unas gafas de sol en forma de corazón, Karen Shezzy, una de las primeras rapereas chocoanas que trató de llevar el feminismo al rap y que hoy cuenta con 20 años de experiencia en el hip hop."Me motivó que todo el tiempo era un grupo de hombres y ninguna mujer. Necesitábamos a mujeres raperas. Yo era la que siempre guerreaba, me uní a otras dos amigas y empezamos con el movimiento hasta hoy que ya somos como unas 15 mujeres en el rap", explicó a EFE Shezzy. "No es que los hombres lo hagan mal, es que nosotras lo hacemos mejor", agrega la rapera.Uniéndose a la denuncia de Bambazú sobre la falta de oportunidades para las jóvenes artistas, la rapera insiste en que, para ella, es "súper importante darle entrada a otras chicas que quieren hacer rap, pero que están quieticas por miedo o pena". En este sentido, la creadora de Mareia recuerda que muchas mujeres sin trabajo terminan renunciando a sus sueños profesionales para asumir oficios del cuidado mal remunerados, algo que, a su vez, pone de manifiesto una de las "herencias de la esclavización".Un mural sobre el empoderamientoOtro de los espacios ocupados por las chocoanas con motivo del Día Internacional de la Mujer fue el Parque Simón Bolívar, ubicado en el municipio de Istmina, para mostrar al mundo un mural en el que una mujer afro alza su puño en señal de fuerza.Dibujada la figura sobre un fondo rosado y azul al que se agregan las palmas de las manos de algunas de sus autoras, la profesora Yirleza Torres explica que esta pieza reivindica el empoderamiento, liderazgo y fuerza de resistencia de la mujer chocoana.De la elaboración del mismo participaron mujeres, en su mayoría víctimas del conflicto armado, y organizaciones de base que hacen parte de las capacitaciones que brinda en el territorio la organización internacional Aldeas Infantiles SOS, en su proyecto "Segura y Empoderada".Con esta iniciativa, Aldeas Infantiles SOS busca promover la igualdad de género, prevenir las violencias basadas en género, y apoyar y fortalecer los emprendimientos de las participantes ya que, para esta organización "una mujer segura y empoderada representa también un entorno protector para la niñez".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El Museo Nacional de Colombia extendió hasta el próximo 16 de abril la exposición "Nación Hip Hop: Colombia al ritmo de una cultura" presentada en el marco de la celebración de los 200 años de fundación del Museo Nacional de Colombia y de los 50 años de presencia de la cultura Hip Hop en el mundo, y 40 en el país gracias a la gran acogida del público en general. Esta exposición narra a partir de ocho ejes temáticos la historia del Hip Hop en Colombia "desde la década de 1980 hasta el presente, abarcando los acontecimientos y actores más importantes, a través de la evolución de sus elementos y evidenciando su crítica social, poder de innovación, transformación y aportes a las artes y a la cultura Hip Hop internacional. Para esto, se tuvo en cuenta la configuración del movimiento en cuatro regiones del país: Bogotá y el área metropolitana, Antioquia, Cali-Buenaventura y la región Caribe", según la descripción oficial de la exposición.En el marco de la muestra, el Museo ofrecerá eventos educativos y culturales para que los públicos puedan acercarse al movimiento Hip Hop colombiano. La agenda iniciará el miércoles 22 de febrero con las Exhibiciones de breakin’ de 3:00 a 5:00 p.m. con la participación de la escuela de formación en danza urban, Old Style Crew, especializada en el acondicionamiento físico y uso del tiempo libre de niños, niñas y adolescentes junto al DJ King Rock, tornamesista especialista en sonidos y rutinas musicales adaptadas a las exhibiciones de breakin’.El jueves 23 en la Sala Emma Araújo de Vallejo se hará el conversatorio "Hip Hop y Medios de Comunicación" con la participación de David Rentería RasDavid (Radiónica), Diego Microphone (Somos Rapdio), Terranova (Periódico La Nueva Granada), Nathan Díaz (Revista Habitante Urbano), MC Puma (Revista Humo) y VerónicaCorrea (Revista Doxa) como un intercambio de experiencias alrededor de la difusión del material más importante del Hip Hop colombiano.Por su parte el domingo 28 desde las 11:00 a.m. en el Auditorio Teresa Cuervo Borda se realizará el taller "El breakin’ es el futuro" dirigido por el colectiva Family Skillz que destaca la importancia de sentar, a temprana edad, bases sólidas y objetivos claros de la danza urbana en quienes buscan ser parte de este movimiento.La exposición estará abierta al público en el horario de 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Para más información de la programación académica y cultural de la exposición puede consultar la página web del Museo Nacional de Colombia. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El medio musical AllHipHop informó primero de la noticia, que fue confirmada por las publicaciones especializadas Rolling Stone y Pitchfork. Ningún medio especificó la causa de la muerte.Trugoy había hablado públicamente en los últimos años sobre su lucha contra la insuficiencia cardíaca, una enfermedad que le había impedido hacer giras con sus compañeros de De La Soul.El grupo pionero de hip hop, formado también por Posdnuos y Maseo, se formó en 1988 en Amityville, en Long Island, Nueva York. El trío ganó adeptos por su ecléctico sampleo, su desenfadado juego de palabras y su influencia en el hip hop alternativo, incluido el jazz rap.El grupo desprendía un espíritu positivo que contrastaba con las letras duras que giran en torno a la violencia de los pandilleros típicas de la costa oeste de Estados Unidos.El trío neoyorquino comenzó recientemente a publicar sus primeros éxitos en plataformas de streaming, tras una batalla de décadas por sus samples.Los seis primeros álbumes de la banda, publicados entre 1989 y 2001, no habían aparecido antes en las plataformas de streaming porque su discográfica, Tommy Boy, nunca encaró la ingente tarea legal de sacar todos los samples (hay entre 60 y 70 sólo en su primer álbum, "3 Feet High and Rising").La noticia de la muerte de Trugoy provocó la reacción de compañeros de la industria, como MC Big Daddy Kane: "Fue un honor compartir tantos escenarios contigo". Le invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el capitalismo puede lucrarse del feminismo, lo hace. Eso es independiente de las ideologías, se trata de sacar chavos", afirmó en una entrevista con EFE la que fuera la primera artista no binaria transfemenina en participar en las internacionalmente conocidas "Music Sessions" de Bizarrap.Su colaboración con el productor y DJ argentino la catapultó al estrellato hace siete meses, pero llevaba trabajando tiempo atrás en una carrera caracterizada por combativas letras que ponen en valor a la comunidad LGTBIQ+ y por un enorme talento para fluir instrumentales.Una posición que "quizás" puede ser novedosa para "un hombre blanco, cisgénero y heterosexual", mientras que para ella permea de forma natural en su música porque le "sale por los poros y aún más siendo rapera".La "Villana" desafía los límites autoimpuestos en un género "históricamente machista y misógino" poniendo a perrear a sus fans con composiciones que retratan la diversidad sexual y de género, la libertad, la independencia económica femenina y hasta el consumo de drogas recreativas."Hubo mucha polémica porque los cuerpos feminizados no podían hablar de ciertas cosas más allá del sexo (...) Ahora, estamos en un momento particular porque en el mercado hay fenómenos femeninos con otros puntos de vista", explicó Villano Antillano (Bayamón, 1995).Son muchas las artistas urbanas LTBIQ+ cuya trayectoria ha adquirido más y más relevancia en los últimos años, como Pabllo Vittar, Ptazeta, Tokischa o Young Miko, entre muchas otras.Además, aunque evite incluirse, entre esos fenómenos se encuentra ella misma cantando, por ejemplo, que "todos los caminos llevan al lesbianismo: el amor, el sexo o el hedonismo" en algún tema de su último disco, titulado "La Sustancia X" (2022).Más de seis millones de oyentes mensuales consumen la música de esta puertorriqueña solo en Spotify, plataforma que la ha seleccionado entre once artistas internacionales dentro del programa "GLOW", con el que promocionará a cantantes del colectivo LGTBIQ+ a lo largo de más de 50 países diferentes durante el próximo año.Su rostro comienza a ser cada vez más conocido, sobre todo en Latinoamérica. En el último año, su vida ha cambiado radicalmente y las ofertas le llueven, pero la "Villana" trata de alejarse de los focos para examinar cuáles están siendo los logros que más le enorgullecen."Me hace sentir muy feliz ver que tengo un público joven que llega sin ciertos estigmas y más apertura de mente. Aunque soy consciente de que hay otra parte que ni siquiera sabe que soy una mujer trans", explicó.Su capacidad para adaptarse a bases de rap, trap y a creaciones con toques de reguetón o electrónica hicieron que Bizarrap se interesara en grabar con ella, algo que cristalizó en una sesión publicada en junio del año pasado y que actualmente suma 177 millones de reproducciones.Todo lo que toca el argentino, lo convierte en oro y no fue diferente con la carrera de Villano Antillano, que desde entonces ha trascendido a un público más internacional al que interpelar con su marcado discurso de lucha contra la violencia y el abandonado que ha vivido durante décadas la comunidad LGTBIQ+."Él está abierto a todo el mundo, más allá de los patrones que siga cada quien. Sus sesiones son una plataforma que neutraliza y pone a cada uno en el mismo lugar. Es un supergenio", detalló la cantante sobre BZRP, siglas con las que se conoce al productor y DJ natural de Buenos Aires.Villano Antillano se declara admiradora de iconos latinoamericanos como el cantautor panameño Rubén Blades o el músico argentino Gustavo Cerati, pero también tuvo palabras de respeto y entusiasmo por Shakira y su exitosa canción con Bizarrap."Aunque la criticaran algunos grupos feministas, cada una lo brega y se desquita a su manera. Demostró que sigue siendo la que manda, tuvo un 'mood' de bichota; es la número 1", apuntó durante la entrevista.Para 2023, la "Villana" promete seguir dando guerra con mensajes de liberación, reivindicación y lucha contra los convencionalismos y los estereotipos.A su manera de entender la situación de la industria de la música urbana en español actualmente, "no queda mucho por hacer, queda todo" para hacer que el colectivo LGTBIQ+ ocupe "el papel que le corresponde" y para que la sociedad se vaya alejando de "discursos no solo homófobos, sino también racistas o gordofóbicos". Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hip-Hop: Conscious, Unconscious" ("Hip-Hop: consciente, inconsciente) en el museo Fotografiska, hasta el 21 de mayo, explora las personas, los lugares y las cosas que el hip-hop ha aportado cerca de cumplirse el 50 aniversario de su nacimiento, el 11 de agosto de 1973, en el sur de El Bronx.La exposición presenta más de 200 fotografías, entre 1972 y 2022, que van desde elementos básicos icónicos de esta cultura hasta retratos raros e íntimos de las estrellas del género, de pioneros legendarios, incluidos Nas, Tupac, Notorious B.I.G, and Mary J. Blige a iconos más jóvenes como Nicki Minaj, Megan Thee Stallion y Cardi B, según un comunicado.Los temas son variados y van desde el papel de la mujer en el hip-hop; la diversificación regional y estilística y rivalidades en el género así un lente humanista de las pandillas callejeras de El Bronx de la década de 1970 cuyos miembros contribuyeron a su nacimiento.También muestran cómo un movimiento de base se convirtió en una industria de millones de dólares que continúa acuñando nombres familiares en todo el mundo, e incluye además los "cuatro elementos del hip-hop" (rap, DJ, breakdance y graffiti), así como varios "quintos elementos" entre los que caben la moda y el beatboxing.Sobre las mujeres que fueron fundamentales para el crecimiento del género musical más popular del mundo, el público verá las imágenes de más de 20 de las pioneras que abrieron puertas en diversas capacidades."Hicimos un gran esfuerzo para representar con precisión la presencia de las mujeres, sin señalarlas abiertamente de ninguna manera", de acuerdo con Sally Berman, cocuradora de la exhibición."Hay muchas menos mujeres que hombres en el hip-hop, pero las que dejaron su huella tienen una presencia electrizante, al igual que el efecto de sus retratos intercalados a lo largo del espectáculo", destacó."Hip-Hop: Conscious, Unconscious" se presenta principalmente por cronología y geografía y las áreas de enfoque incluyen, entre otros, los primeros años, la costa este y oeste, el sur y la nueva ola de artistas que han surgido desde mediados de la década.Culmina con imágenes recientes de los nombres más importantes que trabajan en el hip-hop en la actualidad."Es fácil olvidar que hubo un tiempo antes de que el hip-hop fuera una industria y antes de que ganara dinero", afirmó por su parte Sacha Jenkins, co-curadora también de la exposición. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Algo cortito. Cuatro barras (versos) cada uno", les repite el profesor y maestro de ceremonias Zkirla entre el bullicio de los asistentes que se deleitan con la muestra "Nación Hip Hop: Colombia al ritmo de una cultura" que estará en el Museo Nacional hasta el próximo 26 de febrero.Acto seguido, SOL e Ital Ds, las dos mujeres del ensamble de música urbana "Rimas en Paz", del Conservatorio Javier de Nicoló del Instituto Distrital para la Protección de la Niñez y la Juventud (Idipron), comienzan la improvisación con un coro que dice: "Soy el silencio de los nadie".Bajo un gorro a juego con el color de unos guantes que dejan ver las puntas de sus dedos, SOL da un paso al frente, cierra los ojos y se deja llevar. Con 21 años es la más joven de los cinco raperos.La elección de SOL como nombre artístico, además de coincidir con el de su madre, la hace sentir empoderada porque, para ella que se define como una persona "demasiado triste", tiene que ver con "dar luz, ser vida y transformar lo malo en algo bueno".Rimas positivas de experiencias negativasConvencida de que el hip hop es una forma de vida, SOL celebra que el rap llegara a la suya para cambiársela cuando apenas tenía 11 años y escuchó uno de los temas de los colombianos Crack Family."Antes estaba muy perdida en las drogas. Bastante. Consumía demasiado, era muy alcohólica", relata la artista al tiempo que recuerda cómo un día conoció a un hombre que dijo estar impresionado con su "color de voz". Poco después él se convertiría en su primer productor."Yo vivía en otro mundo, pegada a la bolsa (de drogas). Él me dijo 'te paso esta pista, escribe lo que quieras'. Escribí un tema y al man le gustó. Empecé a los doce años a escribir rap, hice grabar mi música como a los 18 y empecé a subir a plataformas a los 18 o 19", agregó.Al respecto, el profesor Zkirla sostiene que en el proyecto "Rimas en Paz", nacido hace seis años, el objetivo es demostrar que los elementos del hip hop ('breakin' o expresión dancística; rap; grafiti; 'dijin' -técnica que crea la base sonora-; y el conocimiento como forma propia de la memoria y la identidad) pueden ayudar a los jóvenes a que sus experiencias negativas se conviertan en "rimas positivas" por medio de la música."Con Rimas en Paz le quitamos jóvenes a las actitudes negativas de la calle. Un joven más en tarima es uno menos en las calles delinquiendo", sentencia."¿Raperos o Rateros?"Para SOL, el hecho de que el hip hop, como expresión contracultural, llegue a un espacio como el Museo Nacional es algo "muy merecido" que ayudará a superar el estigma que pesa sobre quienes hacen parte de esta cultura históricamente asociada a "ñeros, ratas y marihuaneros"."Hubo mucha gente que salió de la drogadicción por medio del rap, que comenzó a creer en sí misma por medio de él y que gracias a él comenzó a sanar no las heridas del cuerpo sino las que se llevan por dentro", reivindica Zata Explicit, otro de los jóvenes del grupo que ha dedicado nueve de sus 25 años de vida al género.Si hay algo en lo que coinciden Ital Ds y SOL con sus "hermanos del rap" Zata Explicit, Juan Lo y Vinatu Braral es en su voluntad de hacer de la música urbana su proyecto de vida profesional. Con un tatuaje sobre una ceja que habla de "volar", ocho años de trayectoria en el género y 27 en el mundo, Ital Ds asegura no sentir arrepentimiento alguno por los sacrificios que hizo por su carrera musical."Yo tenía una carrera, administración de empresas, con un excelente trabajo y un buen sueldo, pero no era feliz, así que compré un parlante y empecé a rapear en los buses", narra orgullosa la artista.Es así como más de cuatro décadas después de la llegada del hip hop al país con la canción "Rapper´s Delight" bautizada por los colombianos como "La Cotorra", las nuevas generaciones de raperos buscan, con su arte, dejar una huella en el mundo y dignificar el género que cambió sus vidas. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Mis joyas son mi traje de superhéroe", señala en el libro "Ice Cold" (Taschen) el rapero Ricky Walters, que cuando llegó al olimpo de la riqueza apostó por lucir joyería de oro y diamantes, incluyendo, al mismo tiempo, varios collares con medallas gigantes, brazaletes, anillos enormes y dientes de oro.Este libro reúne 40 años de comunión entre raperos y joyas, una análisis con imágenes icónicas en el que grandes estrellas como Jay Z, Migos, Pharrell o Tupac hacen gala de piedras preciosas como signo de estatus social y expresión de estilo personal."El hiphop brilló y redefinió el mundo de la joyería, el lujo y el estilo", escribe la periodista y autora de este volumen, Vikki Tobak. El amor de los cantantes de hiphop por las joyas empezó a despuntar en la década de los ochenta, cuando artistas como Slick Rick o Run-DMC ganaron los primeros dólares con actuaciones fuera de sus barrios marginales.Era su manera de mostrar a la sociedad que, con su música callejera, ellos también tenían acceso a la riqueza y exhibían en público collares llamativos, cadenas gruesas de oro y anillos de impacto.Pero según se abría paso este estilo musical en los noventa, la industria de la joyería evolucionó de la mano de sus protagonistas, ofreciendo una gran variedad de piezas cuajadas de diamantes, con más poderío.En esa época, los raperos acudieron a Jacob Arabo, fundador y presidente de la prestigiosa marca de joyas Jacob & Co., que tenía su tienda en el distrito Diamond de Nueva York. Rápidamente le apodaron Jacob the Jeweler, sobrenombre que aparece en las canciones de Jat-Z o Nas, entre otros."La joyería siempre ha sido gran parte de mi vida, ha ido evolucionando según he ido creciendo en la música", cuenta en el libro el rapero A$AP Ferg. Recuerda que, en su barrio, Harlem, siendo un adolescente comenzó a hacer colgantes con tachuelas de cristal con personajes como Bart Simpson y Mega Man.Diseños exclusivosA medida que el hiphop subía como la espuma, la joyería proporcionaba a sus artistas un lenguaje a su medida. Por ejemplo, Asap Tocky incluyó la clásica perla blanca a piezas de oro, un juego estético que fue más allá de las normas de género.Ahora, las joyas no respiran aire callejero, sino diseños exclusivos en las que artistas como Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane y Cardi B integran motivos de la cultura pop y colaboran con artistas como Takashi Murakami en piezas que hablan de la audacia y la sabiduría del hiphop.Así, en este libro el rapero Cam'ron aparece en una imagen, tomada en Nueva York en 2006, con una maraña de cadenas y de una de ellas, cuelga un colgante con la forma de globo giratorio motorizado, con una luz de freno que funciona con baterías, y realizado con cientos de diamantes y más de 300 gramos de oro.La cantante Megan Thee Stallion aparece en una imagen de Los Ángeles en 2020 con el colgante "Hot Girl", una cadena de llamas con diamantes incrustados, elaborada con 155 quilates de diamantes y un kilo de oro.No pasan inadvertidas las piedras preciosas incrustradas en anillos tamaño XXL de LL Cool J, las gruesas cadenas de Big Daddy Kane o los adornos dentales de oro o platino, pieza que creó Eddie Plein en un sótano de Brooklyn y que ahora se ha convertido en accesorio imprescindible para Beyonce, Rihanna o Rosalía. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para esta celebración de 12 meses en 2023, que abarcará todos los condados, y que tendrá un elemento educativo, la ciudad se ha asociado con el Museo del Hip Hop, que se construye en El Bronx, condado donde surgió este estilo de música y baile en una de las fiestas que organizaba el pinchadiscos DJ Kool Here y su hermana Cindy Campbell."Feliz cumpleaños al hip hop. El hip hop cumple 50 años, vamos a tener una fiesta de celebración como nunca antes habíamos presenciado y en lugares donde históricamente les negaron su derecho a estar ahí. El nacimiento del hip hop está aquí, en Nueva York", afirmó este lunes con satisfacción el alcalde de la ciudad, Eric Adams, quien en anteriores ocasiones ha dicho que debe a este género ser quien es.Como parte de la celebración también habrá venta de productos relativos a este popular género que salió de un barrio para convertirse en un protagonista en el mundo de la música. Adams hizo el anuncio durante una rueda de prensa en la Alcaldía rodeado de figuras vinculadas a esta música, entre ellas el director del museo, Rocky Bucano."Cuando estos hermanos y hermanas estaban comenzando este increíble género musical, nadie lo quería. Fue rechazado. No se podía ver por ningún lado. Y hasta fue criminalizado. Pero siguieron adelante y fueron lo suficientemente audaces para ser fieles a sus artes y oficios", señaló un emocionado Adams, que cambió los elegantes conjuntos que lo caracterizan por ropa desenfadada, como suelen vestir los artistas del género."Recuerdo correr a casa para ver Video Music Box. Ralph y yo fuimos juntos a la escuela secundaria", dijo al referirse a la serie de televisión que fue la primera en presentar videos de hip hop, creada en 1983 por Ralph McDaniels y Lionel C. Martin, que eran también los anfitriones del programa, que se transmitió por el canal de la ciudad de Nueva York entre 1984 y 1996.McDaniels estuvo entre el grupo que asistió a la Alcaldía e informó de que todas las bibliotecas y museos de la ciudad estarán involucradas en la campaña de educación sobre el hip hop."Todas las instalaciones educativas participarán en esto porque creo que es importante. El hip hop usa más palabras que cualquier otro género musical y creo que es importante que nuestros jóvenes sepan cómo usar esas palabras y hacer que funcionen para ellos, para que puedan llegar más lejos", señaló."La educación es el quinto elemento del hip hop, y eso también estará representado en esta celebración", afirmó. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
—Diez... Veinte... Treinta... Aquí tiene su semana, maestro Flores.—Diez... Veinte... Treinta... —contó pausadamente el viejo, estirando con fuerza los billetes que luego lió y guardó en una cartera de cuero negruzco—. Conforme, patrón, muchas gracias y hasta el lunes.—Oiga, maestro, ¿no sería posible que mañana saliera a trabajar? Quisiera que me arreglara unos estantitos en el escritorio.—Yo no trabajo en domingo.—Lo sé, don Flores, pero un día es un día... Ya está, diga que sí.—Yo trabajo toa la semana, es mi deber, es mi obligación, pero el domingo descanso. Pa eso hizo Dios el domingo; pa descansar.—Convenido. Pero por esta vez no podría...—Ya fijé que no —atajó el viejo firmemente.—Se tendrá en cuenta su buena voluntad —dijo molesto el joven.Hablaban el patrón —o sea el administrador de la hacienda— y don Santos Flores, a través de la ventana del escritorio del primero que, protegida por una reja de hierro, abría sobre el corredor.Llegaba la noche con un silencio hondo, con una paz de vida que se aquieta, buscando en el reposo pujanza para la brega del siguiente día. Diversos rumores, al turbarlo, hacían luego más profundo ese silencio: un último aletear de pájaros en busca del nido; el paso de un gañán que horqueta al hombro caminaba- hacia su puebla; el trote brioso de un caballo; relinchando por la piara; el grito de una mujer que decía: "Vení, condenao", con estridencias broncíneas en-1a voz; el ulular de una lechuza anunciadora de la noche.Con todas las gamas del azul desvanecíase el paisaje en una especie de niebla: azul verdoso los prados; azul sombra los montes; azul negro, cordilleras; azul ópalo el cielo; azul plata las estrellas.— ¿Mi güena voluntá pa servir a l'hacienda desde que nací? Bien puee tomarse en cuenta... Sesenta años tengo y ni un día e trabajo hei faltao a mi obligación. Usté lo sabe y los patrones lo saben mejor que usté hablaba don Santos sin reproche, pero con una voz íntegra que no admitía discusión.—Bueno, bueno —contestó el joven conciliadoramente—, allá usted con sus razones. Hasta el lunes.—Hasta el lunes, patrón.Era interesante el viejo carpintero, recia figura hecha en músculos que los años iban enjutando. Sólo eso y blanquear los cabellos había conseguido el tiempo, porque el cuerpo se alzaba de un firme trazo único. A hachazos parecía haber sido hecha la fisonomía resuelta, de empecinado: cuadrada la barbilla, filudas como aristas las quijadas, delgados los labios descoloridos, recta la nariz, horizontales casi las cejas, rectangular la frente amplia, cerrados de expresión los grandes ojos de iris gris acero que iban derechos en busca de la mirada del interlocutor. La voz acordaba con el resto: fría, sin modulaciones, lenta, iba buscando con tino las palabras que mejor tradujeran su pensamiento."Es como un peñasco —pensó el administrador al verlo fundirse al azul de la noche en el fondo de la alameda—. ¡Y que vaya a casarse!"2Venido de varias generaciones que nacieran y murieran en la hacienda, Santos Flores —como todos los hombres de su familia fue carpintero.Muy niño aún, ayudaba a- su padre en cuanto sus fuerzas le permitían. Las horas de solaz que para los otros chiquillos eran correrías locas a través de los potreros en busca de nidos y frutas, para Santos eran paciente trabajo de carpintería que daba por resultado una cajita, una repisa, un banco. A los diez años entro a formar, parte del personal de la hacienda como ayudante de carpintero, bajo las órdenes de su, padre.Desde entonces no se le conoció otro goce que el trabajo, ni otra distracción que salir los domingos a dar una vuelta a caballo por los caminos comunales, ni otro afecto que el cariño a sus progenitores.En la austeridad de una vida hecha de deber cumplido pasaron lentos y monótonos los años. Murió el viejo maestro carpintero y Santos lo reemplazó en el puesto.Entre los montañeses aislados de la ciudad por enormes distanciar, se conserva íntegra la tradición casi feudal del vivir de nuestros abuelos. El patrón es el señor omnipotente del cual se soporta todo sumisamente, aunque en lo hondo se lo reconozca injusto. Ese sentimiento es mudo. La primacía del señor sobre el inquilinaje la ejerce en la puebla el padre, el marido o el hermano mayor sobre el resto de la familia. Así como el patrón lega al morir cuanto posee a sus descendientes, el montañés deja a los suyos el oficio que tuviera, con algo que más aún semeja su idiosincrasia a la del señor de otros tiempos: es el hijo mayor quien lo sucede.Santos Flores reemplazó a su padre en la carpintería y en el hogar.Tenía un carácter de hierro. Los principios morales y religiosos que la madre le inculcara se modelaron en ese metal, y nunca, nada ni nadie pudo borrarlos. Mientras vivió el padre fue un obediente a su mandar, luego tomó la dirección de la familia, reducida solamente a la mama Rosario, y bien supo ésta que era el hijo tan despótico como fuera el marido.— ¿Por qué no te casai? —preguntaba a veces, tímidamente, mama Rosario.—Porque aún hay tiempo pa tener un hijo.—La Juana del molino me gusta hartazo. Es limpia y comedida y de cara no es naíta e pior. Es l'única que me gustaría pa nuera.—Entoavía no pienso en casarme.Recién cumplía Santos Flores cuarenta años cuando la mama Rosario, de una gripe, fuese al otro mundo en busca de "su finao" que según ella la esperaba en la puerta del cielo.Este golpe rompió el equilibrio de sus hábitos. Por volver a ellos, inmediatamente, Santos Flores resolvió casarse.Eligió a Juana —la que tanto le- gustaba a su madre—, una mujercita bondadosa que sólo se ocupaba en bruñir el hogar modesto, plegándose humilde a cuanto Santos decía. Siempre taciturno, jamás contrariado, adivinado en sus menores deseos, el hombre fue bueno con ella y. la hizo feliz a su modo.Lo que no podía perdonarle, y en sus raras y frías cóleras le reprochaba como falta propia, era que en vez de un Santos Segundo Flores que siguiera la tradición de maestros Flores en la hacienda, le hubiera dado, con do años de diferencia de una a otra, tres hijas que se llamaban María Juana, María, Mercedes y María del Tránsito.Cuatro años después, al dar a luz un hijo varón que nació muerto, Juana murió, sumiendo a. Santos en un dolor silencioso, tanto más hondo persistente cuanto menos se deshacía en palabras y gestos.Junto al dolor —superándolo a ratos— estaba el sentimiento de humillación que el no tener un hijo le producía. En esos momentos pensaba en casarse nuevamente. Pero la recta visión de sus deberes paternales lo hacía desistir de ese, propósito, por no darles madrastra a las niñas. Cuando estuvieran mayores...Sí, entonces, ¿por qué, no casarse y lograr el ansia del hijo?La madre de Juana quiso reclamar el cuidado de las nietas. Santos Flores cortó todo proyecto de la molinera con esta frase sin vuelta:—Mis hijas son mías y. naiden más .que yo las criará.María Juana —que tenía a la sazón diez años— tomó el trabajo de la casa. Don Santos y ella se levantaban al amanecer, aseaban la -puebla; ordeñaban la vaca, preparaban el desayuno. Cuando el padre se iba, María Juana vestía a, las pequeñas y toda la mañana se le pasaba cuidándolas juiciosamente, al par que vigilaba la olla con los porotos y tenía lista la leche para el ulpo.A mediodía llegaba don Santos. Almorzaba de prisa y al pitar la sirena volvía el hombre a su trabajo. A eso de las cinco la mujer del campero Silva venía a lavar, a tostar, a moler trigo, a hacer, en fin, todos los trabajos que María Juana no podía realizar.Y la niña se esmeraba en su papel de madrecita que a sus propios años le daba importancia y —alma de servidumbre— vivía pendiente de los deseos de los demás, tratando de imitar en todo "el modo de los grandes", seria y razonable por naturaleza, obsesionada como su padre por el cumplimiento del deber.María Mercedes —Meche familiarmente—, era en lo físico idéntica a don Santos, pero en cuanto a carácter, el polo opuesto. Risueña, parlanchina, impulsiva, caprichosa, vivía en perpetua movimiento que impacientaba al padre. Y cuanto más crecía la niña, más rudos eran los choques de ambos caracteres. El padre exigía sumisión y obediencia pasiva; la hija quería libertad y obedecer sólo a su idea. A veces la discusión subía de tono, y el padre —exasperado— le pegaba. Pero ni razones ni golpes conseguían hacerla obedecer.—Sos pior que macho —decía don Santos:—Pior que yo es usté. ¿Por qué no m'eja ir a jugar con los chiquillos e don Silva?—Ya t'ije que no.—Es que yo l'igo que voy no más...—Vos m'andái buscando las manos.—Si quere pegarme aquí me tiene —y se lo quedaba mirando, desafiadora, con sus ojos de acero tan semejantes a los del padre, que unos parecían reflejo de los otros.Eran luchas que sumían a María Juana en un mar de estupores. Para ella, llevarle la contraria a don Santos era algo horrendo y, aunque le dolieran como recibidos en carne propia los golpes dados a Meche, encontraba muy naturales aquellas palizas.María del Tránsito —la Tatito— era un pobre ser de timidez que vivía en perpetuo sobresalto de desagradar, un ser de recogimiento únicamente se encontraba tranquila al estar sola, y que en presencia de don Santos transpiraba de angustia, no sabiendo qué hacer de su persona para disimularse. Las riñas de su padre con Meche la aterrorizaban hasta el punto de desmayarse cuando llegaban a hechos.Ya más grandes, empezaron a asistir a la escuela: juiciosa y aprovechada María Juana; díscola, pero admirable de comprensión, cuando se interesaba por el tema, Meche; opaca en su medianía Tatito, que sólo cobraba vida e inteligencia en la clase de religión.Al correr el tiempo se acentuaron en ellas sus diferentes personalidades, y al cumplir dieciocho años, María Juana era una agradable muchacha, atrayente por la bondad que emanaba de ella, óptima dueña de casa, hábil tejedora de lamas y choapinos, seria, humilde y, como su padre, rígida en sus principios y aferrada al deber.Meche seguía siendo la desesperación de todos, pues a sus características de niña agregaba ahora una coquetería endiablada que traía locos a los mozos de la hacienda. Mas tenían que contentarse con mirarla de lejos al pasar frente a la casita: conociéndola a fondo y temiendo una aventura que le costara la honra, tanto don Santos como María Juana la vigilaban estrechamente.—El que venga a las derechas que hable conmigo —decía don Santos.La pequeña vivía en éxtasis desde que hiciera la primera comunión en Curacautín. La religión fue un sedante para su angustia. Suave y opacamente desprendida de toda pasión humana, se le iban los días rezando, arreglando altares, mirando estampas.La pubertad le trajo innumerables trastornos físicos. La anemia roía su pobre cuerpecillo endeble, desmayos y vértigos la asediaban periódicamente y a tanto llegó su flacura que don Santos se asustó y, acompañado por la abuela molinera, fue con la niña a Victoria a consultar médico. .Siguiendo un régimen alimenticio muy nutritivo alternado con remedios, sin hacer otra cosa que hilar, pasaba Tatito días enteros sentada en un sillón, tirando de la hebra mecánicamente, muy delgada, muy blanca, señoril en su pose arcaica, toda ojos visionarios la cara comida por la enfermedad, extraña en aquel medio de rostros rudos, de figuras recias, de almas roqueñas.Una mañana don Santos las llamó a su pieza luego de desayunar, y pausadamente, con voz resuelta y expresión cerrada, dijo:—Ustedes ya están grandes y una madrastra no las irá hacer sufrir. Yo quero casarme y ya tengo palabreá a la Chabela Rojas. Ya está too arreglao. A mediados del otro mes será el casorio.Las muchachas lo oían estupefactas y un mismo impulso las hizo protestar.—Pero... —alcanzó a decir Tatito, abriendo enormes los ojos.— ¿Se quere casar? ¿Usté se quere casar? —dijo María Juana.— ¡Ja! ¡Ja! —rió Meche, insultante—. Se quere casar con la Chabela... El veterano templándose y mientras las hijas encerrás a canidao pa que naiden las vea. ¡Ja! ¡Ja!—Cállate —ordenó el viejo.—No quero. ¿Por qué voy a callarme? Si es pa morirse e la risa. ¡La Chabela es de la mesma edá que la María Juana!—Ya t'ije que te callaras.—Y yo dije que no quería callarme na... La Chabela Rojas e madrastra e nosotras. ¡Qu'irrisión más grande!—Ustedes serán las honrás. Ella es muy señorita y muy güena y. too se lo merece.— ¿La Chabela se lo merece too? ¿Usté está malo e la cabeza? Bien pue ser que le haigan hecho tomar alguna cosa... La Chabela Rojas muy señorita... Predúnteselo al patroncito... él le pegaría el señorío...—Eso sí que no te lo aguanto. Cállate o te costará caro.—No me callo... aunque me pegue... Predúnteselo tamién a don Fanor, el sobrino del señor Rodríguez. Predúnteselo... ¡Ay!... ¡Ayayaycito!— ¿No te querís callar? ¿No te querís callar?—Predúnteselo a los dos. ¡Ay! ¡Ay! ¡Ayayay!—Toma... Toma...Mala bestia...—Taitita lindo... ¡Por Diosito! —gentil, implorando, María Juana— Mi Señor, la va a matar... ¡Ay! Creo en Dios Padre... —musitaba Tato, alba como un lienzo y a punto de desmayarse.—Mala bestia la Chabela, qu'es una perdía —un bofetón más fuerte alcanzó a Meche en la boca y dando un traspié cayó de lado, sangrando abundantemente por la nariz.—Me vis acriminar —dijo el viejo, pesaroso.María Juana acudía a la otra, a Tatito, que había caído desmayada sobre la cama.—Vos tenis la culpa —prosiguió don Santos, dirigiéndose a Meche, que en el suelo, arrodillada, sollozaba convulsa—, me volvís loco con tus porfías. Con ésta creo que no quedrás más leución. El casorio es pa media-dos del otro mes. No hay güelta. Y no pongan malas caras y prepárense p'arreglar la casa. Hay mucho qui'acomodar pa recebir a la nueva señora. Ya lo saben.Cuando el viejo salía, Meche se irguió y dijo frenética:—Si usté se casa con la Chabela me voy puerta afuera. ¡Por ésta sé lo juro! Ya lo sabe.No contestó don Santos. Bien sabía que la última palabra era siempre de la rebelde. Pero mala hasta el punto de inventar una calumnia no la imaginaba. ¿De dónde sacaría las feas historias que achacaba a Chabela? Le amargó el día el saetazo de la frase: "Predúnteselo al patroncito. Predúnteselo..." Tanto le hería, tanto lo hacía sufrir, que en la tarde, al ir a ver a Chabela al despacho donde vivía con sus padres, le contó el incidente, taladrándola con sus ojos de acero.La muchacha lo oyó tranquila, sonrió mimosa y dijo:—Puras envidias. Cosas piores ha d'inventar la Meche pa que no se case conmigo.Y el viejo volvió a la confianza por obra de los ojos que tan serenos y verídicos parecían. Además su amor —un amor que llegara callado, tomándolo íntegro y sin vuelta— no pedía sino que le adormecieran recelos.Meche trató en otra ocasión —cuando tuvieron que dejar a la novia el dormitorio que ellas ocupaban, la pieza más espaciosa de la casita— de volver a su protesta de macho taimado que se niega a dar vueltas a la noria, por el solo placer doloroso de recibir una paliza que lo haga más consciente de su esclavitud.Fue su último grito de rebelión. Desde entonces hasta el día del matrimonio cosió, hiló, tejió, ayudó en todo a la par que las otras, en los preparativos que se hacían rumbosamente.Don Santos parecía haberlas olvidado. Absorto en sus pensamientos, sólo salía de su mutismo para dar breves órdenes. Además, lo veían poco. Almorzaba y comía en el despacho. Llegaba a acostarse. Se levantaba al alba, desayunaba servido por María Juana; revisaba la labor hecha por las muchachas el día anterior, hacía algunas hacía algunas indicaciones y se iba, tras de mirarlas muy fijo con sus ojos agudos como puñales.
Este mes la programación del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo estará llena de conciertos y obras magníficas, entre estos dos espectáculos imperdibles, la obra Juguetes Rotos de la directora argentina Carolina Román y el concierto de la Sinfónica Nacional de Colombia junto al Tambuco Ensamble de Percusión.En primer lugar, la directora y dramaturga argentina Carolina Román presenta su obra Juguetes Rotos por Producciones Rokamboleskas, una compañía de teatro española. Estas funciones hacen parte de la programación de España país invitado de honor en el Teatro Mayor. Juguetes Rotos narra la historia de una amistad entre Mario, un joven que abandona su pueblo, y Dorin, una transexual del mundo del espectáculo. Mario trabaja en una peluquería y Dorin lo lleva a enfrentarse a sus sueños de ser mujer. En este espejo en el que Mario se mira también se refleja un mundo de purpurina peligroso y revelador.Este proyecto propone una reflexión sobre la identidad sexual y sobre el mundo no-binario de España de las décadas de 1960 y 1970, en contrapunto con el del presente. En este entramado social muchas personas se vieron gravemente afectadas por un sistema que no los admitía ni reconocía más allá de los escenarios y la prostitución.Producciones Rokamboleskas nace de la mano de Fabián Ojeda (Premio Max 2017) y Nacho Guerreros, dos profesionales con una amplia trayectoria en las artes escénicas. Desde 2017 su actividad principal es la producción, coproducción y producción en gira de obras teatrales, apostando por la profesionalización del sector escénico en España y la calidad de los espectáculos.Carolina Román es dramaturga, actriz y directora. En Buenos Aires cabalgó entre sus estudios de periodismo en la Universidad de Buenos Aires y el teatro. Sus maestros más influyentes fueron Raúl Serrano, Alberto Félix Alberto y Augusto Fernández, entre otros. Junto a sus hermanas creó el Videoclub del Ángel, un proyecto especializado en cine de autor con el que organizaron modestos ciclos por el territorio.Las funciones serán el viernes 16 y sábado 17 de junio a las 8:00 p.m., la boletería está entre $55.000 y $80.000, la puede adquirir en la página web del teatro.Por otro lado, la Orquesta Sinfónica Nacional estará junto a Tambuco, uno de los ensambles de percusión más reconocidos en México (y el mundo) y a la directora inglesa Catherine Larsen Maguire.Tambuco interpretará junto a la Orquesta la pieza Metal de tréboles del también mexicano Javier Álvarez, una obra que a través de su discurso sonoro evoca a la naturaleza e impulsa a los músicos a explorar formas alternativas de tocar sus instrumentos. Esta obra y las otras tres que componen el programa, serán dirigidas por Catherine Larsen-Maguire, quien durante 10 años se desempeñó como Principal de fagot de la Komische Oper en Berlín, para después dedicarse de lleno a la dirección.Para abrir y cerrar la noche, la Orquesta interpretará dos obras del compositor estadounidense Aaron Copland, compositor clásico norteamericano por excelencia, quien además tenía un particular atractivo por la música latinoamericana. Para iniciar la velada, Three Latin American Sketches, una obra que se caracteriza, en palabras del compositor, “por sus melodías, ritmos y temperamento espontáneo y jovial”, y Rodeo: Four Dance Episodes, la versión sinfónica construida por el mismo compositor del ballet bajo el mismo nombre, en la que presenta fragmentos inalterados de conocidas melodías americanas. Completa el repertorio, Huapango, de José Pablo Moncayo, obra muy reconocida y de gran colorido que retrata la música popular de la zona de Veracruz en el Golfo de México.El concierto será el miércoles 28 de junio a las 8:00 p.m., la boletería va desde los $25.000 hasta los $80.000 y está disponible en la página del Teatro Mayor.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
En "Bramidos de agua dulce" (Escarabajo, 2020), la poeta conversa con el río Sinú, cuyas aguas serpentean a lo largo de la ciudad de Montería, en el Caribe colombiano; en su obra, el río adquiere vida propia y se convierte en un personaje central que, con cada corriente, lleva consigo los lamentos de la muerte y la violencia que asolan a las mujeres trans de esa urbe.A través de sus versos, la autora plasma algunas "experiencias aterradoras", pero también la resiliencia y lucha que vivieron estas mujeres hace más de 40 años: "Ante el temor de ser arrestadas y torturadas por la Policía, las mujeres trans que ejercían la prostitución en la época (...) preferían lanzarse al río Sinú"."Contar estas experiencias de vida desde una voz travesti, que es mi propuesta política, es controlar la narrativa de lo que se dice de nosotras", declara enfática a EFE Bárcenas, quien asegura que históricamente han sido interpretadas por personas cisgénero, heterosexuales y blancas que "terminan perpetuando lo que significa ser trans".Poesía en "clave travesti"Según la poeta, su "propuesta política" permite asumir el dominio de la narrativa en torno a las mujeres trans, que ha sido relegada al ámbito de la marginación, el sufrimiento y el trabajo sexual: "Me parece injusto" y, en su lugar, aboga por reivindicar nuevas perspectivas de "ser travesti"."La 'clave travesti' trata de posicionar la experiencia de vida de una mujer negra trans en la poesía", explica la escritora de 25 años, quien asegura que esta inclusión "no suele suceder en la literatura" porque "el canon literario es racista y transfóbico".En este contexto, Bárcenas reconoce que dichas experiencias se están convirtiendo en un nicho altamente lucrativo en la actualidad. A pesar de ello, la autora destaca que el reconocimiento y valoración de sus palabras y obras literarias son el mayor obstáculo que ha tenido que enfrentar.Escritura que abre horizontesEl contexto familiar y el entorno conservador en el que creció la poeta "no estaban preparados para comprender y aceptar" su identidad, lo cual generaba miradas opresoras y prejuiciosas hacia su persona y su cuerpo. Por lo que la colombiana encontró, desde temprana edad, un refugio íntimo y seguro en la escritura que le permitía plasmar sus sensaciones, experiencias y dar voz a su cuerpo en tránsito que ella describe, metafóricamente, como "florecer".La escritura también le dio conciencia del poder de la palabra y la expresión poética; fue una herramienta que le permitió forjar otro futuro, alejándose de los estereotipos limitantes que la sociedad asigna a las personas trans como "la prostitución, la peluquería o la calle". "La poesía me salvó porque me pude agenciar otro destino", explica Bárcenas, quien señala que no le parece negativo que sean prostitutas o peluqueras, sino que eso "sea lo único que la sociedad quiera que seamos".Dignificación y reconocimiento permanenteA propósito del Día Internacional del Orgullo LGBTI, que se celebra el 28 de junio, Bárcenas destaca que "la dignificación de las vidas trans va más allá de una celebración temporal y requiere cambios estructurales en diversos ámbitos".La activista enfatiza en la importancia de contratar a personas trans y brindarles espacios de manera continua: "Una verdadera inclusión implica tener en cuenta a las personas trans todo el tiempo, lo cual les proporcionaría la estabilidad económica tan necesaria en sus vidas porque aún enfrentan obstáculos para acceder a empleos, espacios culturales y académicos que no han sido diseñados con su inclusión en mente".La monteriana señala que durante esta celebración se percibe como "la cuota trans" y reflexiona sobre cómo muchas instituciones instrumentalizan la imagen de las personas trans en lugar de brindarles una participación genuina.Aunque le genera conflicto, también reconoce que esta situación puede ser una oportunidad para abrir camino a otras mujeres trans y ampliar su representación en diversos escenarios. "Ser reconocida como una travesti que pudo transformar su realidad y abrir nuevos horizontes para otras mujeres", así le gustaría a Flor ser recordada por sus hermanas travestis y por la sociedad.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde la creación en el año 2001, el Ciclo Rosa se reafirma cada año como la apuesta por la diversidad, como el puente para una transformación en las estéticas y narrativas de la creación audiovisual, que se mueven entre los distintos géneros cinematográficos, los múltiples formatos estéticos y las diversas maneras de narrar y representar el cuerpo, la sexualidad y el género mediante lo audiovisual.El Ciclo Rosa se ha convertido en un espacio alternativo para la muestra audiovisual y la discusión alrededor de la visibilidad LGBTIQ+. Por el Ciclo han pasado figuras significativas de la creación e investigación audiovisual nacional e internacional y se ha promovido la emergencia de nuevas formas de representación de los géneros y las sexualidades en su diversidad y complejidad.La edición del 2023 está conformada por una Muestra Internacional curada por Cédric Succivalli, crítico de cine y programador italiano, ha sido jurado en festivales como San Sebastián y el Festival de Cannes (jurado de la Palma Queer), entre otros. Succivalli propone 5 programas con un rango ecléctico de voces queer que lo han impresionado profundamente durante los últimos años. Esta muestra estará acompañada por su curador y presentará títulos: Lobo y perro, Fire at the Lake, The Lost Boys, Errante corazón, Exalted Mars, entre otros.La Muestra Nacional es resultado, por primera vez, de una convocatoria pública donde se recibieron más de 60 obras audiovisuales de todos los formatos y duraciones, provenientes de todo el territorio nacional. La muestra se compone de un largometraje: Clara y tres programas de cortometrajes: Fuerza salvaje, Afectos disidentes y Feminidades construidas.Además, el Programa Furia presentará películas que suspendan momentáneamente las convenciones sociales y permitirá que se avive la pasión por encima de la razón. Los personajes de Furia son complicados, difíciles de entender, rabiosos e inmorales, en esencia, queer. Por otro lado, en el Foco Jorge Cadena, intimidad y rebeldía, un recorrido entre lo personal y lo colectivo, lo introspectivo y lo político de este cineasta colombiano radicado en Suiza, los asistentes podrán ver una serie de cortometrajes que ha realizado en la última década, en un ir y venir constante entre su origen en el Caribe colombiano y su mirada extranjera en el mundo. Presentado por Swiss Films.Para complementar la agenda de películas se tendrán dos estrenos Internacionales: Medusa Deluxe de Thomas Hardiman y Lingua Franca de Isabel Sandoval. En estrenos nacionales: Wërapara de Claudia Fischer, Petit mal de Ruth Caudeli y Anhell69 de Theo Montoya.Esta edición tendrá la segunda versión de la Toma Rosa que se llevará a cabo del 9 de junio hasta el 1 de julio en la Galería de la Cinemateca de Bogotá, los días jueves, viernes y sábados. La Toma Rosa es un espacio para la juntanza y la circulación de propuestas interdisciplinarias vinculadas a diferentes prácticas artísticas en el marco del Ciclo Rosa, como una forma de apropiación de la Cinemateca por parte de todos los ciudadanos. Esta versión reunirá 13 artistas que fueron seleccionados a través de una invitación pública, quienes proponen un viaje por actividades literarias, audiovisuales, escénicas (circo, música, teatro, performance) de diseño gráfico, de artes plásticas y de Artes vivas.Ricardo Cantor, gerente de Artes Audiovisuales del Idartes, comenta “el Ciclo Rosa llega a su edición 22, y se ha convertido -como un rito- en un lugar de encuentro y conversación alrededor de las narrativas de representación y autorepresentación queer a través del cine y el audiovisual y su encuentro con otras prácticas artísticas y culturales como el performance, la literatura, la música, las artes visuales y la danza. En 2023, con un panorama internacional, el programa furia, el foco de Jorge Cadena, estrenos nacionales e internacionales sumado a 3 componentes convocados por invitaciones públicas: muestra nacional, la toma rosa y diálogos ciclo rosa junto con la exposición GenIA, El Cine & Yo con Daniela Maldonado y el Laboratorio Cuerpo Cyborg-Tecnogénero ensamblamos -como en un collage- una amalgama de lenguajes, estéticas y relatos que indagan en la expresión y las disidencias del género, del afecto y del amor.”Este año en la Sala E se realizará la Exposición GenIA: exploraciones inmersivas y con inteligencia artificial en clave de género, esta se basa en las posibilidades de intersección entre la tecnología y la identidad de género. Las obras realizadas y presentadas por la ciudadanía exploran estos temas desde una perspectiva descolonial, transfeminista, transterritorial, que reflexionan sobre la ética, la autonomía, la justicia y la dignidad; utilizando herramientas de inteligencia artificial para crear experiencias particulares. La exposición contará con visitas guiadas en inglés y español.Del 15 junio al 3 de agosto se realizará Laboratorio cuerpo cyborg-tecnogénero, en la Cinemateca de Bogotá y en el Castillo de las Artes, un encuentro de 16 sesiones los días lunes y jueves, el ingreso es libre con inscripción previa. El 28 de junio para participar en Lecturas de película - Reflejos de violetas en el turbio estanque: Inventario personal del cine homosexual debe hacer inscripción previa.El Ciclo Rosa tendrá una sesión especial de El Cine & Yo con Daniela Maldonado, lideresa comunitaria y activista social del sector poblacional trans de la ciudad de Bogotá, esta actividad de entrada libre, será el 21 de junio a las 7:00 p.m.Del 21 al 28 de junio se llevarán a cabo los Diálogos Ciclo Rosa, un espacio que abre y amplía conversaciones colectivas en torno a narrativas y disidencias del afecto. La selección de estos encuentros llegaron a través de invitación pública, en la que se recibieron propuestas con múltiples formas y formatos (talleres, ponencias, estudios de caso, material de archivo, mesas redondas, proyección y conversación, lecturas performativas, conversatorios, paneles, testimonios, entre otros)Durante los días del Ciclo Rosa se lanzarán las convocatorias para el Premio Dunkel Rosa 2023 y el 4° Laboratorio de Escrituras Audiovisuales Queer.Para más información puede consultar toda la agenda del Ciclo en la página web de la Cinemateca de Bogotá. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Bautizada la estatua imposible, "es una obra creada por cinco maestros diferentes que nunca habrían podido colaborar en la vida real", afirma a la AFP Paulina Lunde, portavoz de Sandvik, la empresa que diseñó esta escultura gracias a tres programas diferentes de IA.De acero inoxidable, mide 150 centímetros de alto y pesa 500 kilos. Esta expuesta por el museo de Tecnología de Estocolmo y representa a una mujer, cuya mitad del cuerpo debajo del busto está cubierta por una especie de túnica y lleva un globo -hecho de bronce- en su mano izquierda.La idea era crear una mezcla entre los estilos de cinco escultores que marcaron cada uno su época: Miguel Ángel (Italia, 1475-1564), Auguste Rodin (Francia, 1840-1917), Kathe Kollwitz (Alemania, 1867-1945), Kotaro Takamura (Japón, 1883-1956) y Augusta (Estados Unidos, 1892-1962)."Algo en su apariencia hace sentir que no fue creada por un ser humano", señala Julia Olderius, una responsable de innovación dentro del museo.El espectador puede percibir la musculatura inspirada en Miguel Ángel, mientras que la mano recuerda a las creadas por Takamura.Para lograrlo, los ingenieros de Sandvik alimentaron el programa con abundantes imágenes de esculturas creadas por estos artistas. La inteligencia artificial propuso luego varias imágenes en 2D que, según ella, reflejaban el sello de cada uno de estos escultores."Estas imágenes en 2D fueron incorporadas por nuestros ingenieros en un modelado 3D y, a partir de ahí, nos concentramos en la fabricación", destaca Lunde.¿Pero es arte, o más bien una hazaña técnica? "Creo que es arte", afirma Olderius, que considera que esta apreciación le corresponde al público.Sobre la cuestión más general de la irrupción de la IA en este campo, muestra el mismo optimismo. "No hay que tener miedo de lo que la IA hace con la creatividad, el concepto, el arte y el diseño", juzga. "Simplemente hay que adaptarse a un nuevo futuro", donde la tecnología tiene un lugar de pleno derecho en la creación y el diseño, añade. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.