La ceremonia rindió tributo al rapero que murió a los 25 años con una corta pero espectacular carrera en la cual ascendió de bailarín de apoyo a una de las más influyentes estrellas del hip-hop estadounidense."Me llena de honor estar aquí hoy representando a la familia Shakur", dijo su hermana Sekyiwa durante la ceremonia en Los Ángeles. "Tupac sabía que él estaba destinado para algo grande. Y como su hermanita tuve el privilegio de ver esa grandeza surgir".Conocido por sus letras emocionales e intensas y por su personalidad en el escenario, Shakur vendió más de 75 millones de discos con éxitos como "California Love" y "Changes".También se volvió una figura clave en una rivalidad, alimentada por los promotores, entre el hip-hop de la costa este y el de la costa oeste en Estados Unidos.Aunque nació en Nueva York, Shakur se mudó a California cuando era adolescente, junto a su familia. Se volvió una de las figuras más reconocidas en la escena de la costa oeste del país, antes de que fuera baleado en Las Vegas en septiembre de 1996.Las circunstancias alrededor de su muerte siguen siendo difusas. La ceremonia de este miércoles ocurrió nueve días después del que hubiese sido su cumpleaños número 52.Su identificación como uno rapero gangster ocurrió al final de su corta vida, cuando tuvo repetidos encuentros con la violencia y fue a prisión por cargos de ataque sexual.Pero Shakur, cuya madre era integrante del movimiento de las Panteras Negras y lo nombró en homenaje al revolucionario líder inca Tupac Amaru, también usó sus letras para hablar sobre temas que importan a la comunidad negra en Estados Unidos, desde la brutalidad policial hasta las políticas carcelarias.Shakur y su madre son los personajes de la serie documental de televisión "Dear Mama: The Saga of Afeni and Tupac Shakur". El director Allen Hughes y el productor Jamal Joseph estaban entre los presentes del evento en Hollywood. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Que las mujeres negras podamos estar libres de racismo, podamos abortar o hablar a viva voz es algo que tenemos que conquistar", denuncia desde la cafetería central de la Universidad Tecnológica del Chocó Bambazú, integrante del feminismo negro comunitario en Quibdó, capital del Chocó y creadora de la Fundación de arte social afrodiaspórico en movimiento "Mareia".Bajo este "nombre de vida afrocentrada", que hace referencia a un ritmo de música tradicional chocoana y que sustituye a una Carmenza Rojas "colonial", Bambazú apunta a los feminicidios, los abusos sexuales en el conflicto armado y al matrimonio infantil como algunas de las grandes problemáticas a las que se enfrentan las mujeres chocoanas.En este sentido, de los 619 feminicidios registrados en 2022 por el Observatorio Colombiano de Feminicidios, tres de ellos tuvieron lugar en este departamento que cerró el año como el más afectado por el confinamiento de sus comunidades y el segundo más castigado por el desplazamiento forzado, según la Defensoría del Pueblo."Nosotras lo hacemos mejor"Entre las mujeres que ordenan en el espacio carteles que recuerdan que "el feminismo debe ser antiracista, antimachista y diverso" está, tras unas gafas de sol en forma de corazón, Karen Shezzy, una de las primeras rapereas chocoanas que trató de llevar el feminismo al rap y que hoy cuenta con 20 años de experiencia en el hip hop."Me motivó que todo el tiempo era un grupo de hombres y ninguna mujer. Necesitábamos a mujeres raperas. Yo era la que siempre guerreaba, me uní a otras dos amigas y empezamos con el movimiento hasta hoy que ya somos como unas 15 mujeres en el rap", explicó a EFE Shezzy. "No es que los hombres lo hagan mal, es que nosotras lo hacemos mejor", agrega la rapera.Uniéndose a la denuncia de Bambazú sobre la falta de oportunidades para las jóvenes artistas, la rapera insiste en que, para ella, es "súper importante darle entrada a otras chicas que quieren hacer rap, pero que están quieticas por miedo o pena". En este sentido, la creadora de Mareia recuerda que muchas mujeres sin trabajo terminan renunciando a sus sueños profesionales para asumir oficios del cuidado mal remunerados, algo que, a su vez, pone de manifiesto una de las "herencias de la esclavización".Un mural sobre el empoderamientoOtro de los espacios ocupados por las chocoanas con motivo del Día Internacional de la Mujer fue el Parque Simón Bolívar, ubicado en el municipio de Istmina, para mostrar al mundo un mural en el que una mujer afro alza su puño en señal de fuerza.Dibujada la figura sobre un fondo rosado y azul al que se agregan las palmas de las manos de algunas de sus autoras, la profesora Yirleza Torres explica que esta pieza reivindica el empoderamiento, liderazgo y fuerza de resistencia de la mujer chocoana.De la elaboración del mismo participaron mujeres, en su mayoría víctimas del conflicto armado, y organizaciones de base que hacen parte de las capacitaciones que brinda en el territorio la organización internacional Aldeas Infantiles SOS, en su proyecto "Segura y Empoderada".Con esta iniciativa, Aldeas Infantiles SOS busca promover la igualdad de género, prevenir las violencias basadas en género, y apoyar y fortalecer los emprendimientos de las participantes ya que, para esta organización "una mujer segura y empoderada representa también un entorno protector para la niñez".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El Museo Nacional de Colombia extendió hasta el próximo 16 de abril la exposición "Nación Hip Hop: Colombia al ritmo de una cultura" presentada en el marco de la celebración de los 200 años de fundación del Museo Nacional de Colombia y de los 50 años de presencia de la cultura Hip Hop en el mundo, y 40 en el país gracias a la gran acogida del público en general. Esta exposición narra a partir de ocho ejes temáticos la historia del Hip Hop en Colombia "desde la década de 1980 hasta el presente, abarcando los acontecimientos y actores más importantes, a través de la evolución de sus elementos y evidenciando su crítica social, poder de innovación, transformación y aportes a las artes y a la cultura Hip Hop internacional. Para esto, se tuvo en cuenta la configuración del movimiento en cuatro regiones del país: Bogotá y el área metropolitana, Antioquia, Cali-Buenaventura y la región Caribe", según la descripción oficial de la exposición.En el marco de la muestra, el Museo ofrecerá eventos educativos y culturales para que los públicos puedan acercarse al movimiento Hip Hop colombiano. La agenda iniciará el miércoles 22 de febrero con las Exhibiciones de breakin’ de 3:00 a 5:00 p.m. con la participación de la escuela de formación en danza urban, Old Style Crew, especializada en el acondicionamiento físico y uso del tiempo libre de niños, niñas y adolescentes junto al DJ King Rock, tornamesista especialista en sonidos y rutinas musicales adaptadas a las exhibiciones de breakin’.El jueves 23 en la Sala Emma Araújo de Vallejo se hará el conversatorio "Hip Hop y Medios de Comunicación" con la participación de David Rentería RasDavid (Radiónica), Diego Microphone (Somos Rapdio), Terranova (Periódico La Nueva Granada), Nathan Díaz (Revista Habitante Urbano), MC Puma (Revista Humo) y VerónicaCorrea (Revista Doxa) como un intercambio de experiencias alrededor de la difusión del material más importante del Hip Hop colombiano.Por su parte el domingo 28 desde las 11:00 a.m. en el Auditorio Teresa Cuervo Borda se realizará el taller "El breakin’ es el futuro" dirigido por el colectiva Family Skillz que destaca la importancia de sentar, a temprana edad, bases sólidas y objetivos claros de la danza urbana en quienes buscan ser parte de este movimiento.La exposición estará abierta al público en el horario de 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Para más información de la programación académica y cultural de la exposición puede consultar la página web del Museo Nacional de Colombia. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El medio musical AllHipHop informó primero de la noticia, que fue confirmada por las publicaciones especializadas Rolling Stone y Pitchfork. Ningún medio especificó la causa de la muerte.Trugoy había hablado públicamente en los últimos años sobre su lucha contra la insuficiencia cardíaca, una enfermedad que le había impedido hacer giras con sus compañeros de De La Soul.El grupo pionero de hip hop, formado también por Posdnuos y Maseo, se formó en 1988 en Amityville, en Long Island, Nueva York. El trío ganó adeptos por su ecléctico sampleo, su desenfadado juego de palabras y su influencia en el hip hop alternativo, incluido el jazz rap.El grupo desprendía un espíritu positivo que contrastaba con las letras duras que giran en torno a la violencia de los pandilleros típicas de la costa oeste de Estados Unidos.El trío neoyorquino comenzó recientemente a publicar sus primeros éxitos en plataformas de streaming, tras una batalla de décadas por sus samples.Los seis primeros álbumes de la banda, publicados entre 1989 y 2001, no habían aparecido antes en las plataformas de streaming porque su discográfica, Tommy Boy, nunca encaró la ingente tarea legal de sacar todos los samples (hay entre 60 y 70 sólo en su primer álbum, "3 Feet High and Rising").La noticia de la muerte de Trugoy provocó la reacción de compañeros de la industria, como MC Big Daddy Kane: "Fue un honor compartir tantos escenarios contigo". Le invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el capitalismo puede lucrarse del feminismo, lo hace. Eso es independiente de las ideologías, se trata de sacar chavos", afirmó en una entrevista con EFE la que fuera la primera artista no binaria transfemenina en participar en las internacionalmente conocidas "Music Sessions" de Bizarrap.Su colaboración con el productor y DJ argentino la catapultó al estrellato hace siete meses, pero llevaba trabajando tiempo atrás en una carrera caracterizada por combativas letras que ponen en valor a la comunidad LGTBIQ+ y por un enorme talento para fluir instrumentales.Una posición que "quizás" puede ser novedosa para "un hombre blanco, cisgénero y heterosexual", mientras que para ella permea de forma natural en su música porque le "sale por los poros y aún más siendo rapera".La "Villana" desafía los límites autoimpuestos en un género "históricamente machista y misógino" poniendo a perrear a sus fans con composiciones que retratan la diversidad sexual y de género, la libertad, la independencia económica femenina y hasta el consumo de drogas recreativas."Hubo mucha polémica porque los cuerpos feminizados no podían hablar de ciertas cosas más allá del sexo (...) Ahora, estamos en un momento particular porque en el mercado hay fenómenos femeninos con otros puntos de vista", explicó Villano Antillano (Bayamón, 1995).Son muchas las artistas urbanas LTBIQ+ cuya trayectoria ha adquirido más y más relevancia en los últimos años, como Pabllo Vittar, Ptazeta, Tokischa o Young Miko, entre muchas otras.Además, aunque evite incluirse, entre esos fenómenos se encuentra ella misma cantando, por ejemplo, que "todos los caminos llevan al lesbianismo: el amor, el sexo o el hedonismo" en algún tema de su último disco, titulado "La Sustancia X" (2022).Más de seis millones de oyentes mensuales consumen la música de esta puertorriqueña solo en Spotify, plataforma que la ha seleccionado entre once artistas internacionales dentro del programa "GLOW", con el que promocionará a cantantes del colectivo LGTBIQ+ a lo largo de más de 50 países diferentes durante el próximo año.Su rostro comienza a ser cada vez más conocido, sobre todo en Latinoamérica. En el último año, su vida ha cambiado radicalmente y las ofertas le llueven, pero la "Villana" trata de alejarse de los focos para examinar cuáles están siendo los logros que más le enorgullecen."Me hace sentir muy feliz ver que tengo un público joven que llega sin ciertos estigmas y más apertura de mente. Aunque soy consciente de que hay otra parte que ni siquiera sabe que soy una mujer trans", explicó.Su capacidad para adaptarse a bases de rap, trap y a creaciones con toques de reguetón o electrónica hicieron que Bizarrap se interesara en grabar con ella, algo que cristalizó en una sesión publicada en junio del año pasado y que actualmente suma 177 millones de reproducciones.Todo lo que toca el argentino, lo convierte en oro y no fue diferente con la carrera de Villano Antillano, que desde entonces ha trascendido a un público más internacional al que interpelar con su marcado discurso de lucha contra la violencia y el abandonado que ha vivido durante décadas la comunidad LGTBIQ+."Él está abierto a todo el mundo, más allá de los patrones que siga cada quien. Sus sesiones son una plataforma que neutraliza y pone a cada uno en el mismo lugar. Es un supergenio", detalló la cantante sobre BZRP, siglas con las que se conoce al productor y DJ natural de Buenos Aires.Villano Antillano se declara admiradora de iconos latinoamericanos como el cantautor panameño Rubén Blades o el músico argentino Gustavo Cerati, pero también tuvo palabras de respeto y entusiasmo por Shakira y su exitosa canción con Bizarrap."Aunque la criticaran algunos grupos feministas, cada una lo brega y se desquita a su manera. Demostró que sigue siendo la que manda, tuvo un 'mood' de bichota; es la número 1", apuntó durante la entrevista.Para 2023, la "Villana" promete seguir dando guerra con mensajes de liberación, reivindicación y lucha contra los convencionalismos y los estereotipos.A su manera de entender la situación de la industria de la música urbana en español actualmente, "no queda mucho por hacer, queda todo" para hacer que el colectivo LGTBIQ+ ocupe "el papel que le corresponde" y para que la sociedad se vaya alejando de "discursos no solo homófobos, sino también racistas o gordofóbicos". Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hip-Hop: Conscious, Unconscious" ("Hip-Hop: consciente, inconsciente) en el museo Fotografiska, hasta el 21 de mayo, explora las personas, los lugares y las cosas que el hip-hop ha aportado cerca de cumplirse el 50 aniversario de su nacimiento, el 11 de agosto de 1973, en el sur de El Bronx.La exposición presenta más de 200 fotografías, entre 1972 y 2022, que van desde elementos básicos icónicos de esta cultura hasta retratos raros e íntimos de las estrellas del género, de pioneros legendarios, incluidos Nas, Tupac, Notorious B.I.G, and Mary J. Blige a iconos más jóvenes como Nicki Minaj, Megan Thee Stallion y Cardi B, según un comunicado.Los temas son variados y van desde el papel de la mujer en el hip-hop; la diversificación regional y estilística y rivalidades en el género así un lente humanista de las pandillas callejeras de El Bronx de la década de 1970 cuyos miembros contribuyeron a su nacimiento.También muestran cómo un movimiento de base se convirtió en una industria de millones de dólares que continúa acuñando nombres familiares en todo el mundo, e incluye además los "cuatro elementos del hip-hop" (rap, DJ, breakdance y graffiti), así como varios "quintos elementos" entre los que caben la moda y el beatboxing.Sobre las mujeres que fueron fundamentales para el crecimiento del género musical más popular del mundo, el público verá las imágenes de más de 20 de las pioneras que abrieron puertas en diversas capacidades."Hicimos un gran esfuerzo para representar con precisión la presencia de las mujeres, sin señalarlas abiertamente de ninguna manera", de acuerdo con Sally Berman, cocuradora de la exhibición."Hay muchas menos mujeres que hombres en el hip-hop, pero las que dejaron su huella tienen una presencia electrizante, al igual que el efecto de sus retratos intercalados a lo largo del espectáculo", destacó."Hip-Hop: Conscious, Unconscious" se presenta principalmente por cronología y geografía y las áreas de enfoque incluyen, entre otros, los primeros años, la costa este y oeste, el sur y la nueva ola de artistas que han surgido desde mediados de la década.Culmina con imágenes recientes de los nombres más importantes que trabajan en el hip-hop en la actualidad."Es fácil olvidar que hubo un tiempo antes de que el hip-hop fuera una industria y antes de que ganara dinero", afirmó por su parte Sacha Jenkins, co-curadora también de la exposición. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Algo cortito. Cuatro barras (versos) cada uno", les repite el profesor y maestro de ceremonias Zkirla entre el bullicio de los asistentes que se deleitan con la muestra "Nación Hip Hop: Colombia al ritmo de una cultura" que estará en el Museo Nacional hasta el próximo 26 de febrero.Acto seguido, SOL e Ital Ds, las dos mujeres del ensamble de música urbana "Rimas en Paz", del Conservatorio Javier de Nicoló del Instituto Distrital para la Protección de la Niñez y la Juventud (Idipron), comienzan la improvisación con un coro que dice: "Soy el silencio de los nadie".Bajo un gorro a juego con el color de unos guantes que dejan ver las puntas de sus dedos, SOL da un paso al frente, cierra los ojos y se deja llevar. Con 21 años es la más joven de los cinco raperos.La elección de SOL como nombre artístico, además de coincidir con el de su madre, la hace sentir empoderada porque, para ella que se define como una persona "demasiado triste", tiene que ver con "dar luz, ser vida y transformar lo malo en algo bueno".Rimas positivas de experiencias negativasConvencida de que el hip hop es una forma de vida, SOL celebra que el rap llegara a la suya para cambiársela cuando apenas tenía 11 años y escuchó uno de los temas de los colombianos Crack Family."Antes estaba muy perdida en las drogas. Bastante. Consumía demasiado, era muy alcohólica", relata la artista al tiempo que recuerda cómo un día conoció a un hombre que dijo estar impresionado con su "color de voz". Poco después él se convertiría en su primer productor."Yo vivía en otro mundo, pegada a la bolsa (de drogas). Él me dijo 'te paso esta pista, escribe lo que quieras'. Escribí un tema y al man le gustó. Empecé a los doce años a escribir rap, hice grabar mi música como a los 18 y empecé a subir a plataformas a los 18 o 19", agregó.Al respecto, el profesor Zkirla sostiene que en el proyecto "Rimas en Paz", nacido hace seis años, el objetivo es demostrar que los elementos del hip hop ('breakin' o expresión dancística; rap; grafiti; 'dijin' -técnica que crea la base sonora-; y el conocimiento como forma propia de la memoria y la identidad) pueden ayudar a los jóvenes a que sus experiencias negativas se conviertan en "rimas positivas" por medio de la música."Con Rimas en Paz le quitamos jóvenes a las actitudes negativas de la calle. Un joven más en tarima es uno menos en las calles delinquiendo", sentencia."¿Raperos o Rateros?"Para SOL, el hecho de que el hip hop, como expresión contracultural, llegue a un espacio como el Museo Nacional es algo "muy merecido" que ayudará a superar el estigma que pesa sobre quienes hacen parte de esta cultura históricamente asociada a "ñeros, ratas y marihuaneros"."Hubo mucha gente que salió de la drogadicción por medio del rap, que comenzó a creer en sí misma por medio de él y que gracias a él comenzó a sanar no las heridas del cuerpo sino las que se llevan por dentro", reivindica Zata Explicit, otro de los jóvenes del grupo que ha dedicado nueve de sus 25 años de vida al género.Si hay algo en lo que coinciden Ital Ds y SOL con sus "hermanos del rap" Zata Explicit, Juan Lo y Vinatu Braral es en su voluntad de hacer de la música urbana su proyecto de vida profesional. Con un tatuaje sobre una ceja que habla de "volar", ocho años de trayectoria en el género y 27 en el mundo, Ital Ds asegura no sentir arrepentimiento alguno por los sacrificios que hizo por su carrera musical."Yo tenía una carrera, administración de empresas, con un excelente trabajo y un buen sueldo, pero no era feliz, así que compré un parlante y empecé a rapear en los buses", narra orgullosa la artista.Es así como más de cuatro décadas después de la llegada del hip hop al país con la canción "Rapper´s Delight" bautizada por los colombianos como "La Cotorra", las nuevas generaciones de raperos buscan, con su arte, dejar una huella en el mundo y dignificar el género que cambió sus vidas. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Mis joyas son mi traje de superhéroe", señala en el libro "Ice Cold" (Taschen) el rapero Ricky Walters, que cuando llegó al olimpo de la riqueza apostó por lucir joyería de oro y diamantes, incluyendo, al mismo tiempo, varios collares con medallas gigantes, brazaletes, anillos enormes y dientes de oro.Este libro reúne 40 años de comunión entre raperos y joyas, una análisis con imágenes icónicas en el que grandes estrellas como Jay Z, Migos, Pharrell o Tupac hacen gala de piedras preciosas como signo de estatus social y expresión de estilo personal."El hiphop brilló y redefinió el mundo de la joyería, el lujo y el estilo", escribe la periodista y autora de este volumen, Vikki Tobak. El amor de los cantantes de hiphop por las joyas empezó a despuntar en la década de los ochenta, cuando artistas como Slick Rick o Run-DMC ganaron los primeros dólares con actuaciones fuera de sus barrios marginales.Era su manera de mostrar a la sociedad que, con su música callejera, ellos también tenían acceso a la riqueza y exhibían en público collares llamativos, cadenas gruesas de oro y anillos de impacto.Pero según se abría paso este estilo musical en los noventa, la industria de la joyería evolucionó de la mano de sus protagonistas, ofreciendo una gran variedad de piezas cuajadas de diamantes, con más poderío.En esa época, los raperos acudieron a Jacob Arabo, fundador y presidente de la prestigiosa marca de joyas Jacob & Co., que tenía su tienda en el distrito Diamond de Nueva York. Rápidamente le apodaron Jacob the Jeweler, sobrenombre que aparece en las canciones de Jat-Z o Nas, entre otros."La joyería siempre ha sido gran parte de mi vida, ha ido evolucionando según he ido creciendo en la música", cuenta en el libro el rapero A$AP Ferg. Recuerda que, en su barrio, Harlem, siendo un adolescente comenzó a hacer colgantes con tachuelas de cristal con personajes como Bart Simpson y Mega Man.Diseños exclusivosA medida que el hiphop subía como la espuma, la joyería proporcionaba a sus artistas un lenguaje a su medida. Por ejemplo, Asap Tocky incluyó la clásica perla blanca a piezas de oro, un juego estético que fue más allá de las normas de género.Ahora, las joyas no respiran aire callejero, sino diseños exclusivos en las que artistas como Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane y Cardi B integran motivos de la cultura pop y colaboran con artistas como Takashi Murakami en piezas que hablan de la audacia y la sabiduría del hiphop.Así, en este libro el rapero Cam'ron aparece en una imagen, tomada en Nueva York en 2006, con una maraña de cadenas y de una de ellas, cuelga un colgante con la forma de globo giratorio motorizado, con una luz de freno que funciona con baterías, y realizado con cientos de diamantes y más de 300 gramos de oro.La cantante Megan Thee Stallion aparece en una imagen de Los Ángeles en 2020 con el colgante "Hot Girl", una cadena de llamas con diamantes incrustados, elaborada con 155 quilates de diamantes y un kilo de oro.No pasan inadvertidas las piedras preciosas incrustradas en anillos tamaño XXL de LL Cool J, las gruesas cadenas de Big Daddy Kane o los adornos dentales de oro o platino, pieza que creó Eddie Plein en un sótano de Brooklyn y que ahora se ha convertido en accesorio imprescindible para Beyonce, Rihanna o Rosalía. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para esta celebración de 12 meses en 2023, que abarcará todos los condados, y que tendrá un elemento educativo, la ciudad se ha asociado con el Museo del Hip Hop, que se construye en El Bronx, condado donde surgió este estilo de música y baile en una de las fiestas que organizaba el pinchadiscos DJ Kool Here y su hermana Cindy Campbell."Feliz cumpleaños al hip hop. El hip hop cumple 50 años, vamos a tener una fiesta de celebración como nunca antes habíamos presenciado y en lugares donde históricamente les negaron su derecho a estar ahí. El nacimiento del hip hop está aquí, en Nueva York", afirmó este lunes con satisfacción el alcalde de la ciudad, Eric Adams, quien en anteriores ocasiones ha dicho que debe a este género ser quien es.Como parte de la celebración también habrá venta de productos relativos a este popular género que salió de un barrio para convertirse en un protagonista en el mundo de la música. Adams hizo el anuncio durante una rueda de prensa en la Alcaldía rodeado de figuras vinculadas a esta música, entre ellas el director del museo, Rocky Bucano."Cuando estos hermanos y hermanas estaban comenzando este increíble género musical, nadie lo quería. Fue rechazado. No se podía ver por ningún lado. Y hasta fue criminalizado. Pero siguieron adelante y fueron lo suficientemente audaces para ser fieles a sus artes y oficios", señaló un emocionado Adams, que cambió los elegantes conjuntos que lo caracterizan por ropa desenfadada, como suelen vestir los artistas del género."Recuerdo correr a casa para ver Video Music Box. Ralph y yo fuimos juntos a la escuela secundaria", dijo al referirse a la serie de televisión que fue la primera en presentar videos de hip hop, creada en 1983 por Ralph McDaniels y Lionel C. Martin, que eran también los anfitriones del programa, que se transmitió por el canal de la ciudad de Nueva York entre 1984 y 1996.McDaniels estuvo entre el grupo que asistió a la Alcaldía e informó de que todas las bibliotecas y museos de la ciudad estarán involucradas en la campaña de educación sobre el hip hop."Todas las instalaciones educativas participarán en esto porque creo que es importante. El hip hop usa más palabras que cualquier otro género musical y creo que es importante que nuestros jóvenes sepan cómo usar esas palabras y hacer que funcionen para ellos, para que puedan llegar más lejos", señaló."La educación es el quinto elemento del hip hop, y eso también estará representado en esta celebración", afirmó. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La canción, un reflejo del estilo irreverente y genuino de la artista, inspira su coro en el dicho popular "no eres cáscara de coco" para indicar que una persona no es fácil de manejar o complacer. "Es un futuro donde la mujer manda, el feminismo triunfa y la justicia y la venganza son accesibles. Es el comienzo de una nueva era", afirmó la también activista en un comunicado de prensa."En 'Cáscara de Coco' van a disfrutar del reggaetón pesado de la primera década de los 2000, con un metal de sonido más oscuro y sintetizado para crear una convergencia entre el pasado del reggaetón y el futuro del mismo", resaltó sobre el tema.Villano Antillano se encuentra dando los últimos toques a lo que será su primer álbum de estudio, "Sustancia X", que estrenará el próximo 25 de noviembre. Como parte de su trayectoria, ha sobresalido con temas como "Muñeca, "KLK" y "Vendetta", además de "BZRP Music Sessions #51", que trabajó con el reconocido productor argentino Bizarrap.La agenda de la rapera se ha mantenido activa en este 2022 con presentaciones memorables que incluyen su exitosa gira por las principales ciudades de España.También, fue invitada por el prestigioso diseñador Jean Paul Gaultier al evento "Scandal" durante el Paris Fashion Week (Semana de la Moda de París).A su vez, fue anunciada en los carteles de los prestigiosos festivales de música Lollapalooza Argentina 2023, Lollapalooza Chile 2023, Estero Picnic Colombia 2023 y Bombastic España 2023, en los que su nombre figura junto al de grandes estrellas como Drake, Billie Eilish, Blink 182, Lil Nas X y Rosalía, entre otros.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ya sea fácil o difícil, seguimos creando canciones porque es lo que sabemos hacer", expuso Tennant, que consideró que siempre han sido un dúo con una fuerte identidad musical, también presente en este disco.Durante la presentación del álbum, que ocurrió el pasado lunes, tanto el cantante como Lowe respondieron a preguntas del periodista del medio The Guardian Alexis Petridis y hablaron de distintos temas, entre los que destacó la actualidad musical y la nostalgia.Todo ello después de que el público asistente escuchara en exclusiva las diez canciones que componen Nonetheless algunos días antes de su estreno el viernes 26 de abril.Lo nuevo frente al pasadoEn el álbum, Lowe y Tennant presentan una propuesta con ritmos de los Pet Shop Boys de siempre, pero con inspiración que se puede considerar actual, con restos de trap y techno, e incluso un rap en algunas de sus canciones, como A New Bohemia, la favorita del vocalista.Pese a todo, Lowe aseguró que él nunca ha tenido "mucha conexión con la música pop", al contrario que Tennant, quien sí presta atención a las tendencias musicales.No obstante, señaló que conocía mucho más la escena musical de los 80 y los 90, cuando ambos formaban parte de ella, pero de la que reconoció que ya no son parte."Como artista, más o menos sientes cuándo el interés del público viene y cuándo se va", apuntó el cantante.Preguntados sobre la nostalgia del pasado, temática que se sitúa como centro de muchas de las obras artísticas actuales, Tennant indicó que incluso los años 90 fueron nostálgicos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Quizás los años 80 fueron el último período de creatividad musical", agregó el vocalista, quien se encargó de responder a la mayoría de las preguntas del periodista y del público, frente a los comentarios puntuales y matizaciones de su compañero Lowe.Un álbum de pandemiaLos artistas no solo se diferenciaron en la cantidad de respuestas, sino también en el atuendo.Mientras Tennant llevaba un 'look' más formal, vestido totalmente de negro con un pantalón liso y una camisa de pana, Lowe acudió al evento de forma más casual, con una sudadera negra, unos vaqueros, una gorra de camuflaje y sus características gafas de sol."Creo que, sin quererlo, a veces parecemos un poco arrogantes", bromeó Tennant, sobre su relación con su audiencia.Ambos artistas crearon su último álbum durante la pandemia, intercambiando letras —Tennant— e instrumental —Lowe— a distancia, un tiempo en el que ambos echaron la mirada atrás."Puede ser la edad; cuando te haces mayor, miras atrás y recuerdas personas y anécdotas", expresó.Nonetheless, álbum recorrido por la nostalgia, los recuerdos y la búsqueda de respuestas, será lanzado el próximo viernes 26 de abril, con diez canciones entre las que se encontrarán las ya publicadas Loneliness o Dancing Star.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con libros y pancartas cientos de miles de estudiantes y ciudadanos de Argentina salieron a las calles de Buenos Aires, y al menos catorce provincias, para exigir el derecho a la educación y protestar frente a los recortes presupuestales a la educación superior del Gobierno presidido por Javier Milei.“Hasta mayo o junio podemos funcionar con muchos recaudos y cuidando el dinero”, dijo Ricardo Gelpi, rector de la Universidad Buenos Aires, una de las más prestigiosas de ese país durante una entrevista en la emisora local Radio Mitre el 29 de marzo.Estas declaraciones se enmarcan en la crisis financiera que vive el sector de la educación superior argentina tras el anuncio del Gobierno en el que les asignó el mismo presupuesto que en 2023.Aunque no suene una medida “extrema”, si se tiene en cuenta la inflación de ese país, el anuncio significa una reducción de más del 60 % en el presupuesto de las universidades públicas del país.Las calles de Buenos Aires al unísono de "La UBA no se vende, la UBA se defiende" nos recuerda parte de la historia del país de Mercedes Sosa. Episodios oscuros de violencia y represión que marcaron a la Argentina, como la dictadura militar que se instauró en 1976, rememoran el poder que ha tenido el arte y la música para resistir, antes, frente a la violencia estatal, violencia física y ahora, frente al riesgo que se manifiesta en medidas políticas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En enero de este año, se dio a conocer una carta titulada “La cultura está en peligro”, en la que Charly García, Fito Páez, León Gieco, Cecilia Roth, Claudia Piñeiro y Leonardo Sbaraglia y más de 20.000 argentinos rechazan las reformas en el sector cultural impulsadas por Milei, otro de los sectores afectados por su política presupuestal de “motosierra”."La cultura es identidad. La cultura es lo único que no se puede importar. La hacen los pueblos. Queremos seguir teniendo una identidad propia como Nación. De otro modo solo nos quedará el destino triste de no ser. De eso se trata esta lucha. Un país es tan grande o tan pequeño como la medida de su proyecto cultural", se lee en la misiva.Ese pedido por preservar su identidad a través de la cultura, de hacer memoria y de ser también lo han manifestado en su arte y en sus canciones. Piero, María Elena Walsh y Charly García son solo algunos de los artistas que han entregado mensajes que se oponen a la violencia y represión, que recuerdan su historia y que la gente ha adoptado como suyas. Sus letras son himnos a través de los que Argentina ha construido una memoria colectiva, estas son algunas de las más representativas.“Como la cigarra” (1973), María Elena WalshEsta obra es una de las canciones más icónicas de la reconocida compositora, escritora y cantante argentina María Elena Walsh. Su letra está cargada de metáforas poéticas que hablan sobre la fuerza del espíritu humano y la capacidad de renacer a pesar de las adversidades.Pese a que fue publicada en 1973, no fue popular de inmediato, durante la dictadura militar argentina fue prohibida y a la par que la represión crecía, el significado de esta canción cambiaba para representar la situación del país. Walsh fue exiliada, al igual que Mercedes Sosa, quien la grabó en 1978, convirtiéndola en un himno.“Para el pueblo lo que es del pueblo” (1973), PieroLa letra de está canción es una crítica a la injusticia social, la opresión y la desigualdad. Piero habla de la pobreza, la represión política y la lucha de clases, instando a la población a levantarse contra la injusticia y reclamar lo que legítimamente les pertenece. Al igual que el álbum homónimo del que hace parte, fue prohibido durante la dictadura militar, y al igual que muchos artistas, tuvo que exiliarse. Solo hasta 1983, cuando regresó la democracia a Argentina, el disco fue reeditado.“Los dinosaurios” (1983), Charly GarcíaUna metáfora, en los años en los que Argentina vivió los últimos días oscuros de la dictadura militar, García hablaba de la desaparición de los dinosaurios, también de la desaparición de seres queridos, de los amigos del barrio o de los cantores de radio. Todo está dicho.“Sobreviviendo” (1984), Victor HerediaLa letra de esta canción relata la experiencia de un pueblo que ha sufrido la opresión y la violencia, pero que aún así encuentra la fuerza para resistir y seguir adelante. La canción es un testimonio de la lucha y la perseverancia del pueblo argentino en tiempos de adversidad, y al igual que varias de las canciones de esta lista, solo pudo ver la luz una vez terminaron los años de censura.“Nunca más” (2005), Teresa ParodiLa necesidad de seguir alzando la voz y manifestarse, en la calles, en la academia, o en la música la manifestó acertadamente Teresa Parodi, cantante y la primera ministra de Cultura de Argentina en una entrevista con el medio uruguayo Brecha, en octubre de 2023:“Quizás nosotros nos creímos que había cosas sobre las que ya no había necesidad de seguir hablando. Es muy ahora lo que nos pasa como para pensarlo en perspectiva, y quizás tenga que pasar un poco de tiempo para mirar más de lejos esta situación, pero creo que tiene que ver con que, a lo mejor, dejamos de repetir algunas cosas. Que existieron las torturas, los centros clandestinos. Que la democracia, si bien tiene 40 años, es algo nuevo. Y aunque estén las madres y las abuelas, aunque aparezcan los nietos recuperados, la militancia no debe parar nunca”.“Desapariciones” (1992), Los Fabulosos CadillacsQue alguien me diga si ha visto a mi hijoEs estudiante de pre medicinaSe llama Agustín y es un buen muchachoA veces es terco cuando opinaLo han detenido, no sé qué fuerzaPantalón blanco, camisa a rayasPasó anteayerEn 1984 Rubén Blades presentó Desapariciones, una canción habla del dolor de los secuestros, las desapariciones y los asesinatos extrajudiciales que aún hoy siguen siendo una realidad de muchos de los países sudamericanos.Caso tras caso, la letra de esta canción habla del dolor de las personas buscadoras, y en la voz de Vicentico y los Fabulosos Cadillacs, quienes hicieron su versión en 1992, nos remonta a la lucha incansable de las Madres de Plaza de Mayo por recuperar a los desaparecidos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este martes, 23 de abril, miles de personas de toda Argentina salieron a las calles a marchar por la propuesta de reducir el presupuesto para la educación superior pública en el país. El presidente Javier Milei desea implantar la política de la “motosierra” para reducir la participación del Estado en áreas públicas, como la educación, para estabilizar la economía argentina.El presupuesto destinado para la educación será el mismo del 2023 son contar que Argentina tiene una inflación del 290%, esto implica reducir costos en salarios, despido de funcionarios y afectaciones en la calidad de la educación.“ ‘Vamos a tener que dejar de funcionar’, dijo a una emisora local Ricardo Gelpi, el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), la institución pública que cuenta con más de 300.000 alumnos y que está catalogada entre las mejores de América Latina”, según la BBC.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según el rector ese recorte de presupuesto tendría repercusiones en los salarios, en la calidad de la educación y en los cinco hospitales que están bajo el cargo de la Universidad de Buenos Aires."Al ritmo al que nos están dando dinero, solo podremos funcionar entre dos y tres meses", aseguró el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), a la agencia AFP. En Argentina, alrededor de 2,2 millones de jóvenes estudian en universidades públicas como la de Buenos Aires, la Universidad de La Plata o la Universidad Nacional de Rosario.El estudiante Pablo Vicenti, de 22 años y en tercer año de Medicina en la UBA, se dijo indignado por "el ataque brutal del gobierno" a la universidad pública. "Quieren desfinanciarla con un cuento falso de que no hay plata. Sí tienen, pero eligen no gastarla en la educación pública", declaró a la AFP.El rector de la Universidad Nacional de San Luis, Víctor Moriñigo le mencionó lo siguiente a la AFP: "de las cuatro categorías docentes, tres han caído bajo la línea de pobreza", al dar cuenta de una escala salarial docente cuyo piso es de 100.000 pesos mensuales (112 dólares).Portavoces de la Universidad de Buenos Aires anunciaron que el martes se reunió medio millón de personas en la capital argentina para exigir una educación pública digna para toda la comunidad educativa.El presidente Javier Milei anunció en la red social X que no cerrarán las universidades y proclamó una carta en contra de la oposición que salió a marchar el día martes: “En ningún momento el gobierno nacional insinuó la intención de cerrar las universidades nacionales. Lejos de eso, ya el día anterior a la manifestación de ayer estaban hechos los giros de recursos para los gastos de funcionamiento de todas las universidades nacionales. Pero como la clase política no deja pasar ninguna oportunidad para defender sus privilegios, montaron sobre una consigna justa un acto netamente político de oposición al gobierno”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Luego del reciente anuncio de la gira de conciertos de Coldplay por toda Europa, la Fundación 1+1 y la Orquesta Filarmónica de Medellín se unen en una noche de color, amigos y britpop para cantar los grandes éxitos de la banda británica en tributo sinfónico. Esta será una oportunidad de vivir la música de Coldplay en una nueva experiencia, un viaje sonoro y emocional.En Coldplay tributo sinfónico se escucharán canciones como A sky full of stars, Clocks, Viva la vida y The scientist, entre otros grandes éxitos, este evento presenta en escena a más de 100 músicos de la Orquesta Filarmónica de Medellín y la Banda 1+1. Cuenta con arreglos musicales de Julio César Sierra y Juan David Osorio, director del concierto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“...se tributará a una banda icónica que sigue vigente en la actualidad, que ha marcado un camino, no sólo sonoro, sino también con su postura social y ambiental. Además del poderoso sonido de Filarmed, vamos a tener la participación de la Banda 1+1 integrada por artistas colombianos con voces y talentos impresionantes”, menciona Juan David Osorio, director de la banda. La Orquesta estará acompañada por la Banda 1+1, integrada por los cantantes Alejandro Cuevas, Carlos Andrés Agudelo y Eliana Piedrahíta; los guitarristas Pablo Castaño y David Escobar; el baterista Diego Vásquez, el bajista David Sánchez y en el teclado Cristian Hernández y Adelaida Oesch.El concierto será el próximo sábado 27 de abril a las 8:00 p.m. en el Teatro Metropolitano de Medellín, la boletería se divide en $107.000 y $154.000 y están disponibles en tuboleta.com y taquilla del Teatro. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una banda y un artista que han marcado el nuevo tropicalismo latinoamericano de los últimos 20 años. Cultura Profética y Vicente García compartirán tarima el próximo 14 de diciembre en el Movistar Arena de Bogotá. Cultura Profética y Vicente García se han consolidado como dos de los actos favoritos del público bogotano y su concierto en conjunto será un encuentro definitivo con el destino, una muestra de fanatismo y romanticismo tropical como ninguna en 2024.“Mi balcón” fue esa primera colaboración entre Cultura Profética y Vicente García, una canción que en 2011 nos mostró la química musical entre el cuarteto puertorriqueños y el cantautor dominicano. Trece años después, se encontrarán, en vivo, en un único concierto para celebrar las canciones, los momentos sonoros y las voces de dos monstruos latinoamericanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La dulzura y Camino al sol, que ganó el Latin Grammy 2023 a Mejor Álbum Folklórico, son los últimos discos de estos artistas.“Nos emociona confirmar el show de una de las bandas de reggae más importantes de Latinoamérica. Una vez más, gracias a Experiencias Aval, los clientes de los bancos Aval y dale! podrán acceder a la preventa exclusiva pagando con sus tarjetas débito y crédito.” expresó María Fernanda Sánchez, Gerente de Mercadeo & ESG de Grupo Aval en un comunicado.La venta para el público general está abierta desde el 24 de abril a las 10:00 a.m., a través de TuBoleta.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.