Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No es que quiera ser como todo el mundo, me gusta tener mi propio modo de ser. Me encanta ser ruidosa y malhablada con la gente, porque es como soy", escribe en una de esas reflexiones de juventud expuestas en 'Amy Winehouse, de su puño y letra', que, gracias a Libros del Kultrum, ve la luz solo unos meses después de la edición en inglés.Son los padres de la artista británica, Janis y Mitch, quienes lo han dotado de forma y contenido, tras llegar a la conclusión de que, "con demasiada frecuencia, se ha relegado a un injusto lugar secundario su genialidad", cuando, "al margen de los consabidos sinsabores de su azarosa vida personal, ella quería ser reconocida como autora y compositora"."No podemos blanquear la historia de Amy. Sí, era una adicta y, sí, su vida también era un caos. (...) Pero esas son circunstancias e imponderables en los que no es nuestra intención extendernos aquí", subrayan en el prólogo de este libro.Ciertamente, como señalan los progenitores de la cantante, fallecida en 2011 por una excesiva ingesta de alcohol, "cuesta encontrar siquiera el más leve rastro de ese tormento o de tamaña pesadumbre en cualquiera de sus textos", salvo en contados fragmentos."Odio mi temperamento. A veces llega a apoderarse de mí hasta el punto de que me hace llegar a ser violenta físicamente con aquellos a quien quiero. (...) Ahora mismo estoy escribiendo para liberar toda la rabia contenida", confiesa en uno de esos escritos íntimos.Revela lo terapéutica que para la artífice de 'Back to Black' era la escritura, como en otro comentario de sus diarios: "He pasado por momentos en los que he estado tan jodida por una situación que he tenido que estamparlo todo por escrito y descubrir así sentimientos que he tenido que asimilar".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Deseos "desesperados"'Amy Winehouse, de su puño y letra' se remonta a su nacimiento, cuatro días después de la fecha prevista: "Bromeábamos alegando que llegaba tarde a todo, incluso a su propio parto", recuerdan sus padres.Y, entre abundantes fotografías, algunas de sus vacaciones en Benalmádena (costa sur de España), comparten dibujos y calificaciones escolares que coinciden en mostrar su inteligencia y, a la vez, su carácter alborotador."Después del fallecimiento de Amy, empezamos a rebuscar entre los cuadernos y dibujos que atesorábamos desde su más tierna infancia. Y en ese momento comprendimos cómo, tras ese velo de aparente despreocupación, había estado perfeccionado cuidadosamente su arte, a la sombra de su talento, durante años", indican los Winehouse ante textos cada vez más elaborados y personales.En ellos comenta sus deseos "desesperados" de ser periodista o de ser "muy famosa y trabajar en el escenario". "Quiero que la gente escuche mi voz y olvide sus problemas durante cinco minutos, que me recuerden por ser tan solo como soy", dejó escrito, un objetivo que proyectó hasta en una lista de lo que haría cuando alcanzara tal objetivo.Ser fotografiada por David Lachapelle, actuar con Michael Madsen o con Steve Buscemi, ser buena amiga de Sarah Jessica Parker o Stella McCartney, hacer una colaboración con Missy Elliot y Timbaland, tener una colección de más de 300 pares de zapatos o "tener el pelo de Marilyn" son algunas de sus curiosos anhelos.Y, aunque "tampoco puede desprenderse una comprensión cabal de todas las interioridades de la artista" a través del libro, como reconocen los autores, lo más interesante es comprender cómo congelaba en aquellas líneas muchos de sus pensamientos y, tiempo después, ya procesados, los convertía en canciones."Embotellaba sus emociones hasta que alguien o algo le daba las llaves para abrirlas", señalan sus padres al recordar que detenía discusiones en seco para tomar apuntes de esos momentos, una muestra más de que "escribía sus letras e hilvanaba sus melodías desde lo más profundo de su corazón".El ejemplo más claro es la canción 'Rehab', que nació tras una conversación con su padre a raíz de que se le recomendara someterse a tratamiento por adicción al alcohol. "No quiero ir, papá. ¡No dispongo de noventa días!", le dijo entonces, y varios años después filtró aquello en su mayor éxito musical.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Admirado por su prodigioso virtuosismo, por la amplitud de su repertorio y por la originalidad de sus interpretaciones, con su muerte desparece "uno de los grandes músicos de nuestro tiempo y una referencia fundamental en la vida artística del teatro durante más de cincuenta años", escribió la Scala en su web."El superintendente Dominique Meyer, el director musical Riccardo Chailly, los profesores de la orquesta y los trabajadores de la Scala están al lado de su esposa Marilisa, su hijo Daniele y toda la familia", añadió.La capilla ardiente del maestro nacido en Milán en 1942, "protagonista absoluto de la escena concertista internacional desde su victoria a los dieciocho años en el concurso Chopin de Varsovia en 1960", se abrirá en las próximas horas en el la Scala, como ya sucedió cuando falleció la célebre bailarina clásica italiana Carla Fracci.Pollini fue un intérprete capaz de revolucionar la percepción de autores como Chopin, Debussy y el propio Beethoven y promover con incansable dedicación la escucha de las vanguardias históricas, sobre todo de Schönberg, y de la música actual, según recuerda la que fuera su casa durante cinco décadas.Junto a su grandeza como pianista, "sigue siendo fundamental su testimonio sobre el papel mismo de la música, entendida como componente esencial de la cultura y de la vida cívica y como instrumento de transformación de la sociedad", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Desde su debut el 11 de octubre de 1958 hasta su último recital el 13 de febrero de 2023, Pollini ha tocado en la Scala 168 veces", explica el teatro sobre su larga trayectoria, en la que colaboró con grandes artistas de su época como Claudio Abbado, Paolo Grassi, Riccardo Muti, Daniel Barenboim y Riccardo Chailly,sin olvidar sus las conciertos con Carlo Maria Giulini, Pierre Boulez y Zubin Mehta.Además de con los músicos de la Scala, Pollini interpretó su música con grandes orquestas como la Wiener Philharmoniker (con Abbado) y la Gewandhausorchester de Leipzig (con Chailly) y numerosas compañías dedicadas a la música de hoy, como el Ensemble Intercontemporain, el Klangforum Wien, la Musikfabrik K El estudio experimental SWR.Pollini también destacó en la música de cámara, pero en el centro de su larga carrera "se encuentran sobre todo los recitales: desde el histórico ciclo con las 32 sonatas de Beethoven en 1995 hasta el esperado concierto anual en el que recurrían las estrellas fijas de su universo musical: además Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Debussy, Schönberg y Noveno"."Lo esperábamos de nuevo el próximo 20 de octubre", revela la Scala.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trataba de celebrar la música, de celebrar a Rob (Pilatos) y aquel tiempo juntos y también de contar la historia para que se supiera lo que nosotros sentíamos, porque la gente aún piensa que fuimos los que lo organizamos todo", señala el único superviviente de la formación y coproductor de la película que se estrena este jueves, Fab Morvan.Titulada Girl You Know It's True, como el éxito musical del que a finales de los años 90 se llegaron a vender siete millones de copias, este artista francés reconoce su parte de responsabilidad en el escándalo, pero matiza unos hechos que contaron con el impulso y connivencia de grandes nombres de la industria que vieron aumentar sus cuentas corrientes."Sí, cometimos un error, pero también nos engañaron y caímos en una trampa al firmar un contrato sin abogado, sin representante, sin nadie que nos protegiera. Éramos dos jóvenes y se aprovecharon de nosotros para quitarnos la posibilidad de cantar en un disco", precisa Morvan (París, 1966).Según su versión de los hechos, se vieron atrapados por un contrato con Frank Farian, compositor y productor de las canciones de Milli Vanilli (amén de creador de los éxitos de Boney M). Fue él quien planteó que ellos fueran la imagen de un tema para el que, en principio, solo iban a bailar. Entonces llegó el éxito y la rueda no paró."Nos sedujo aquel estilo de vida. Rob era adoptado y mis padres se habían divorciado, así que, cuando de repente nos llegó todo ese amor de los fans, se volvió adictivo", se excusa Morvan sobre esa etapa, en la que resultaron rompedoras no solo sus canciones, también su imagen icónica con rastas y sus coreografías.Salvo por Michael Jackson, en la música pop americana de aquel entonces no había apenas artistas negros, pues sus canciones se redirigían automáticamente a un tipo de emisoras de radio. "Por alguna razón, al público blanco le encantó Milli Vanilli, quizás porque parecíamos exóticos y nos convertimos en bebés de MTV", recuerda.Insiste en que, como se ve en la película, no dejaban de sentirse a la vez mortificados por no ser quienes ponían la voz a los temas: "Nuestro sueño era convertirnos en cantantes y autores y nos sentíamos culpables día tras día. Por eso, cuando actuábamos, dábamos todo lo que teníamos", comenta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Reciclarse como profesor de francésDe su éxito inicial en Alemania saltaron a EE.UU. y al resto del mundo. Incluso emprendieron una gira, siempre en 'playback', hasta que en uno de los conciertos la cinta que reproducía la música se estropeó y entró en un bucle, lo que desató los rumores justo cuando luchaban por su libertad para tomar las riendas de su carrera."Frank debió escuchar que estábamos grabando un disco con otro sello cuando se fue a Nueva York a declarar que no éramos los que cantábamos. A partir de ese momento, ya nadie quería ni tocarnos", rememora Morvan sobre el proceso de ostracismo al que fueron sometidos.Desaparecieron del mercado las copias de su música y se les retiró el Grammy ganado unos meses antes. Llegaron a grabar un disco con sus voces y el nombre de Rob & Fab, pero sin repercusión alguna, y en 1998, cuando se planteaba volver de nuevo de la mano de Farian, el otro miembro del dúo, Pilatos, fue encontrado muerto por una sobredosis de pastillas y alcohol.A ese respecto, Morvan asegura que Carmen Pilatos, la hermana de su excompañero, "está feliz con la película porque se cuenta la verdad, aunque haya partes más ficcionadas, porque no deja de ser una película"."A veces, la vida te obliga a ser humilde. Yo comprendí que era el proceso por el que debía pasar", comenta sobre el camino personal que él decidió tomar, el de reciclarse primero como profesor de francés, recuperar su faceta de bailarín y, tras formarse, volver a poner todo su empeño en crear su propia música."La gente comete errores constantemente en privado, el problema fue que nosotros lo hicimos delante de todo el mundo", apunta el artista, que asegura haber hecho las paces con el mundo y con su historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La música barroca fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde el final del Renacimiento, alrededor de 1600, hasta mediados del siglo XVIII, alrededor de la década de 1750.Este período fue marcado por una gran expansión en la composición musical, el desarrollo de nuevas formas musicales y la aparición de figuras destacadas en la composición y la interpretación. De acuerdo con la Enciclopedia Británica, este periodo musical es conocido por su “espíritu grandioso, dramático y enérgico, pero también por su diversidad estilística”.Para entender el surgimiento de la música barroca es necesario abordar a su antecesor, el estilo polifónico. Desde finales de la Edad Media y durante el Renacimiento, situado entre los siglos XV y XVI tuvo auge el estilo polifónico universal, caracterizado por sonidos simultáneos con identidades musicales propias, pero que forman una armonía en su conjunto.A partir del siglo XVII, Italia lideró un cambio trascendental en la música, “con su énfasis en la voz solista, la polaridad de la melodía y la línea de bajo, y el interés por la armonía expresiva, se desarrolló para el uso profano la música barroca”, según relata la Enciclopedia Británica. Por su parte, el estilo polifónico se reservó para la música sacra. “La ampliación del vocabulario permitió una distinción más clara entre música sacra y profana, así como entre los lenguajes vocal e instrumental, y las diferencias nacionales se hicieron más pronunciadas”, se lee en ese compendio.El inicio del período barroco estuvo influenciado por varios cambios culturales y sociales, incluida la Contrarreforma en la Iglesia Católica y el surgimiento de una clase media acomodada interesada en la música. Uno de los aspectos más significativos de la música barroca fue el desarrollo de la armonía tonal, que estableció la primacía de ciertas tonalidades y acordes en la composición musical.Una de las características más importantes de la música barroca fue el uso del bajo continuo, también conocido como continuo o bajo cifrado, que consistía en un conjunto de acordes que acompañaban la melodía principal. Este bajo continuo era interpretado por un instrumento armónico, como el clavecín, y un instrumento bajo, como el violonchelo o la viola da gamba.En Italia, el compositor Claudio Monteverdi comenzó a explorar nuevas técnicas expresivas en la música vocal e instrumental. Monteverdi es especialmente conocido por sus innovaciones en la ópera, con obras como Orfeo y L'incoronazione di Poppea.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante las primeras décadas del siglo XVII, la música barroca comenzó a consolidarse como un estilo distintivo en Europa. En Italia, se desarrolló la escuela de ópera veneciana, con compositores como Monteverdi y Francesco Cavalli. Por su parte, en Alemania, Heinrich Schütz, conocido por su música sacra, combinó la influencia italiana con la tradición luterana alemana.A mediados de ese siglo se desarrolló la música instrumental. En Francia, Jean-Baptiste Lully emergió como una figura dominante, estableciendo un estilo distintivamente francés en la música operística y de ballet. Italia siguió aportando al desarrollo de formas instrumentales como la sonata y el concierto grosso con compositores como Arcangelo Corelli y Girolamo Frescobaldi.Para ejemplificar, el concierto grosso, se caracteriza el contraste entre un grupo de instrumentos solistas, conocido como concertino, con la orquesta más grande, conocida como ripieno o tutti. La sonata barroca, por su parte, consta de varios movimientos contrastantes y era interpretada, generalmente, por un pequeño grupo de instrumentos.Durante su apogeo, a finales del siglo XVII, la música barroca contó con una producción prolífica en todos los géneros. Compositores como Johann Sebastian Bach en Alemania y Antonio Vivaldi en Italia produjeron algunas de sus obras más importantes. Bach, destacado por su música sacra, incluyendo cantatas, oratorios y obras para órgano, y Vivaldi, por sus conciertos y obras instrumentales virtuosas.“La ópera, el oratorio y la cantata fueron las nuevas formas vocales más importantes, mientras que la sonata, el concierto y la obertura se crearon para la música instrumental”, puntualiza el compendio británico. Para principios del siglo XVIII, la música barroca empezó su tránsito hacia el período clásico.En esta transición hubo una una superposición de estilos y se desarrollaron nuevas formas musicales como la sinfonía y la ópera seria. El alemán, posteriormente nacionalizado inglés, George Frideric Handel, fusionó influencias italianas, alemanas y británicas que jugaron un papel importante que fungieron como puente entre el barroco y el clasicismo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El volumen total de facturación el curso pasado fue de 9.000 millones de dólares, de los cuales cerca de la mitad fueron a parar a creadores no fichados por grandes empresas: "Es el monto más alto de la historia que los independientes han generado de un solo comerciante en un año", expresaron desde Spotify.Loud & Clear 2024, que proporciona datos económicos y tendencias del mercado musical y del 'streaming' a nivel mundial, también recogió que la mitad de los artistas que generaron al menos diez mil dólares el curso pasado procedían de países donde el inglés no es el primer idioma.El español, el alemán, portugués, francés y el coreano lideraron en la clasificación por rendimiento en idiomas distintos al inglés, mientras que el hindi, indonesio, punyabí, tamil y el griego experimentaron aumentos significativos el año pasado, de acuerdo con las estadísticas de Spotify."El hecho de que el 'streaming' haya reducido las barreras de entrada es una noticia antigua, pero el impacto en los medios de vida de los artistas y la diversidad global de ese impacto están cada vez más claros", se explica en el comunicado difundido este martes.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Millonarios "desconocidos" y sin un 'hit' globalTodo en un año en el que Spotify estableció su récord histórico de pagos a artistas con un desembolso de 9.000 millones de dólares en regalías, lo que supone una sexta parte del total de gasto en este concepto desde que naciera la plataforma.Además, la empresa informó de que el número de creadores que facturan un millón de dólares, cien mil dólares o diez mil dólares anuales se ha "casi triplicado" desde 2017, consiguiendo "impulsar a artistas en todas sus etapas".La plataforma hizo especial hincapié en el grupo de los que generaron un millón de dólares anuales, porque el 80 % de ellos "no son nombres conocidos" ni tuvieron una canción que alcanzara el Top 50 Global gracias a que "los gustos de los fans son más diversos y el fondo de regalías es cada vez más grande".Por otra parte, casi la mitad de los artistas que se embolsaron más de diez mil dólares en 2017 ahora están generando más de cincuenta mil, de acuerdo con Loud & Clear 2024."Si se toman en cuenta las ganancias de otros servicios (...) es probable que estos artistas generen cuatro veces más ingresos de fuentes de música grabada en general, además de ingresos adicionales por entradas de conciertos y de merchandising", detalló Spotify.El 'streaming', "oportunidad" para artistas emergentesEl gigante del 'streaming' también comunicó que el año pasado trabajaron con 225.000 artistas "emergentes" que ven en Spotify un potencial sustento y "oportunidad" para sus carreras profesionales dentro de un sector donde muchos tratan de abrirse camino.De hecho, según el citado informe, más de diez millones de artistas tenían como mínimo un sencillo en la plataforma en 2023 y alrededor de ocho millones contaban con menos de diez canciones en el total de su repertorio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué nos depara el futuro? ¿cuál será la mejor decisión? ¿qué ropa usar? ¿cómo será nuestra vida profesional y personal en el futuro? son algunas preguntas recurrentes que se hacen muchas personas. Para algunas no hay una respuesta clara aparente, así que el gigante de la música por demanda, Spotify, decidió darle a sus usuarios una “ayuda” para responder preguntas del futuro con canciones.“Oráculo musical” es la nueva alternativa que Spotify tiene para interactuar con sus usuarios. A través de una interfaz que apela a lo místico, a las energías y una música ambiental que transmite el olor a incienso, usted puede usar esta opción para hacerle preguntas predeterminadas, a la aplicación sobre estudios, amigos y familia, amor, profesión, grandes misterios de la vida, su futuro, sobre usted, estilo y comida.“Las respuestas a tus preguntas a través de una canción”, de acuerdo con la aplicación, “es una experiencia inspirada en el cosmos que les permite a los usuarios hacer preguntas y recibir ‘respuestas’ con el formato del título de una canción”.Antes de usar esta opción, tenga en cuenta la aclaración de que es una experiencia diseñada con fines de entretenimiento, así que no es una fuente seria de consejos o determinante para tomar decisiones importantes en su vida.Dicho eso, le contamos cómo puede acceder a esta entretenida opción en cinco sencillos pasos. Tenga en cuenta que debe usar la opción desde su celular, pues no está disponible para computadores.Busque en su aplicación de Spotify “Oráculo musical” como género musical y seleccione el resultado.Aparecerá de inmediato la pantalla de inicio donde debe seleccionar “empezar”.A continuación elija el tema de su interés sobre el que quiere obtener una “respuesta”.Haga clic en la opción “presiona para escribir”, escoja una de las preguntas sugeridas y seleccione “enviar”.Mantenga pulsada la pantalla para generar una respuesta y así obtendrá una canción a modo de contestación.Con una canción como resultado, usted podrá reproducir la canción, volver a hacer preguntas o compartir la pregunta y la canción en sus redes sociales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo se eligen las respuestas de “Oráculo musical”?Spotify carga las preguntas que considera que serían las más frecuentes entre los usuarios. Sin embargo, si desea otra pregunta, puede optar por la alternativa “preguntar por mí”. Para dar una respuesta, se elige una canción de forma aleatoria. “No podemos dejar de enfatizar esto: Oráculo musical no tiene nada de mágico”, advierte la aplicación.¿Qué es un oráculo?A propósito de esta tendencia que apela a la historia grecorromana y a lo místico, les contamos un poco acerca de los oráculos. En la literatura y en el cine sobre la mitología griega es común ver a un oráculo, una persona que actúa como medio entre lo humano y lo divino.Un oráculo, de acuerdo con estas narraciones, es capaz de comunicarse con los dioses o entidades divinas para proporcionar respuestas, predicciones o consejos sobre asuntos importantes. Usualmente está representado en sacerdotisas o figuras religiosas, que además están asociados a interpretaciones de lo femenino, de la virginidad o de la pureza.Por ejemplo, en la famosa película Zack Snyder, 300, el líder de los espartanos, Leónidas, recurre al oráculo para decidir si ir a la guerra o quedarse con su pueblo durante las festividades religiosas. El oráculo predijo en la cinta dos caminos posibles, que Leónidas se quedara con su pueblo, bajo el riesgo de ser invadidos por los persas, o ir a combate para evitar la invasión y morir. Ya sabemos cuál fue el resultado.Uno de los oráculos más famosos es el Oráculo de Delfos, ubicado en el templo de Apolo en Delfos, Grecia. Se creía que la sacerdotisa de Delfos, conocida como la Pitia, entraba en trance y canalizaba las palabras de Apolo en forma de profecías y respuestas a las preguntas de los visitantes, como lo vimos en esta cinta.Otras culturas como la china y la egipcia también tenían sus oráculos. En el antiguo Egipto, el Oráculo de Amón era consultado por faraones y líderes en busca de orientación divina en asuntos políticos, militares y personales. Con el paso de los años y de la propagación del cristianismo estos rituales se consideraron paganos y su popularidad disminuyó, aunque dejaron importantes lugares históricos y arquitectónicos, como el templo de Amón en el desierto de Siwa.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los organizadores fueron criticados en la pasada edición al no programar a ninguna cantante en la escena principal, por lo que han evitado cometer el mismo error en la próxima edición, del 26 al 30 de junio."He soñado con este momento toda mi vida", reaccionó en Instagram la cantante británica Dua Lipa, en su primera presencia en el escenario principal en Glastonbury, después de haber actuado en 2016 y 2017.La cantante de raíces albanesas, intérprete de una larga serie de éxitos estos últimos años, que sacará pronto su tercer álbum, prometió "una noche inolvidable" en Glastonbury, su "lugar preferido en el mundo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.SZA, cantante estadounidense de R&B alternativo, que ganó tres premios Grammy en febrero, será también por primera vez cabeza de cartel en Glastonbury.PJ Harvey, Cindy Lauper y Janelle Monae también estarán en la programación del festival.La canadiense Shania Twain, conocida por sus éxitos "Man! I Feel Like A Woman!" y "You’re Still The One", y que ha vendido más 100 millones de copias de sus álbumes a lo largo de su carrera, también estará entre las cabezas de cartel.Coldplay vuelve a estar entre los cabezas de cartel, tras su última aparición en 2016, en su quinta presencia en el festival, un récord, después de debutar en 2002.Little Simz, LCD Soundsystem, Burna Boy, The Last Dinner Party e incluso Camila Cabello y Avril Lavigne serán otros de los artistas incluidos en la programación de un festival para el que ya no hay entradas, que se vendieron en noviembre en menos de una hora.Para poder plantar una carpa en el festival había que desembolsar 360 libras (unos 460 dólares), lo que permite disfrutar, a menudo entre lluvia y barro, de los conciertos de uno de los eventos musicales más famosos del mundo.Desde su nacimiento en 1970, "Glasto", en plena campiña inglesa, ha visto desfilar a los mejores cantantes del mundo.La edición de 2023 terminó con el último concierto británico de la gira de despedida de Elton John.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desarrolladas en Europa a lo largo de los siglos XVIII y XIX, las sinfonías hacen parte fundamental de la música clásica y es en este género en el que han surgido obras maestras de grandes compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Johannes Brahms.Pese a las diferencias estilísticas y estéticas que han variado a través de los años, los distintos tipos de sinfonías comparten características que las hacen fáciles de identificar. Por ejemplo, desde su composición, una sinfonía está pensada para ser interpretada por una gran orquesta sinfónica; es una obra completa, y a la vez compleja, que consta de varios movimientos conectados a través de motivos musicales recurrentes.En su mayoría, las sinfonías están compuestas por cuatro movimientos tradicionales: Allegro, Adagio, Minueto y Finale. Ahora, si bien esta es la estructura tradicional, la cantidad de movimientos y su organización puede variar según el compositor y la época en que se escribió.La Sinfonía n.º 5 en Si bemol mayor, Op. 55, compuesta en 1937 por el director de orquesta y pianista soviético Dmitri Shostakovich es un ejemplo de sinfonías en tres tiempos. En este caso, una variación que además responde a la evolución de este género durante el siglo XX.Para hacerse idea de cómo suenan los movimientos tradicionales de una sinfonía esta es una breve explicación que le ayudará a identificarlos: El movimiento inicial, Allego, generalmente es rápido y en forma sonata, lo que significa un contraste entre dos temas musicales.En segundo lugar, el Adagio se caracteriza por ser más lento y por tener una expresión lírica y emotiva. A menudo, este movimiento proporciona un contraste con el primer movimiento en términos de tempo y estado de ánimo.El tercer movimiento, tiene una variación importante a través del tiempo. En el siglo XVIII es un Minueto, pero en el siglo XIX, este movimiento suele ser un Scherzo, más rápido y enérgico. Finalmente, el último movimiento, Finale, busca un cierre dramático de la obra, rápido y en forma de sonata.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cuáles son los tipos de sinfonía?Pasando de los movimientos y lo que tienen en común las sinfonías, a través del tiempo han surgido diferentes corrientes en el género sinfónico. Tienen variaciones en sus estilos y en algunos casos, en su estructura.La Sinfonía de la era clásica es tal vez, la más conocida. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son algunos de los compositores más relevantes de este movimiento que se caracteriza por obras con un equilibrio formal, claridad estructural y desarrollo temático. Se desarrollaron durante el período clásico, aproximadamente entre los siglos XVIII y principios del XIX.Siguiendo con Beethoven como referente, el compositor alemán también cuenta con obras pertenecientes a la Sinfonía romántica. Su Sinfonía No. 3 en Mi bemol mayor, Op. 55, mejor conocida como la Sinfonía Heroica es un claro ejemplo de esta corriente; más expansivas en términos de longitud y de contenido emocional, con un reflejo del espíritu revolucionario y heroico que caracteriza al Romanticismo.La sinfonía romántica expandió los límites estructurales y expresivos que venían de la forma era clásica durante el siglo XIX. Johannes Brahms, Pyotr Ilyich Tchaikovsky y Gustav Mahler fueron otros de los artistas que desarrollaron obras bajo este tipo de sinfonía.Otro tipo de sinfonía es la Sinfonía programática. Estas obras de larga duración hacen de la música un recurso descriptivo, que narra una historia. Usualmente estas obras están inspiradas en un argumento literario o en una narración propia del compositor que se ve reflejada en cada movimiento de la sinfonía.Eventos históricos, paisajes, literatura o una autobiografía son algunos de los temas que se pueden apreciar en estas obras. Escrita en 1830, Sinfonía Fantástica del compositor francés Hector Berlioz, es un ejemplo de este movimiento, en su obra narra una historia autobiográfica a través de la música.Finalmente, nos encontramos con las Sinfonía de vanguardia. Adentrada en el siglo XX, en este tipo de sinfonía los compositores hacen cambios en la estructura e incluso en la instrumentación. Pueden llegar a ser experimentales, cambiando de ritmos, armonías y estructuras. Un ejemplo es la Sinfonía de los Cantos de las Aves de Olivier Messiaen compuesta en 1956. Esta obra explora los sonidos de las aves y la naturaleza utilizando técnicas musicales no convencionales y una amplia gama de colores orquestales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
René Peréz Joglar, mejor conocido como Residente, anunció su próxima gira Las Letras Ya No Importan. La noticia llega pocas semanas después del lanzamiento de su último álbum homónimo. De acuerdo con la información publicada por el artista puertorriqueño, la gira iniciará el 14 de septiembre en Barcelona, España, y se extenderá hasta el 7 de diciembre en su natal San Juan, Puerto Rico.El turno para Colombia será el 12 de octubre en Bogotá, para ser más precisos, en el Movistar Arena. “Este regreso de Residente a Colombia promete un show enérgico, frenético que todos sus fans han estado esperando desde su última visita el país”, asegura en un comunicado la productora de eventos Bizarro Live Colombia, encargada del paso de Residente por la capital.La última vez que el René estuvo en Colombia, fue en septiembre de 2023, siendo uno de los artistas principales del Festival Cordillera en el Parque Simón Bolívar de Bogotá.La gira, además de Bogotá, contará con presentaciones en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Las ciudades elegidas para presentar el show de “Las Letras Ya No Importan” son Barcelona, Madrid, Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile, Lima, Bogotá, Quito, Ciudad de México, Tegucigalpa, Ciudad de Guatemala, San Salvador y San Juan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cuándo y dónde comprar boletas para el concierto de Residente?En Colombia, la tiquetera encargada de la distribución de las boletas es TuBoleta. Para este evento se han organizado tres etapas distintas de venta así:Preventa Movistar: 14 de marzo desde las 9:00 a. m. hasta el 15 de marzo a las 8:59 a. m.Preventa Banco Falabella: 15 de marzo desde las 9:00 a. m. hasta el 18 de marzo a las 8:59 a. m.Venta Público General: 18 de marzo a las 9:00 a. m. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Bizarro Live Colombia (@bizarroliveco) “Las Letras Ya No Importan”, el álbumPese a que el lanzamiento del más reciente álbum de Residente se esperaba a finales de 2023, el puertorriqueño decidió posponerlo para este 2024. En diciembre, el cantante publicó un video en sus redes sociales en el que aclaraba que la razón para no estrenar sus nuevas canciones y videos músicales era el malestar que le generaba la guerra que hoy sigue ocurriendo en Gaza; afirmó no sentirse "bien" e "indiferente" "frente a todo el genocidio macabro que destruye lentamente a Palestina".Finalmente, en febrero de este año conocimos el nuevo disco que llegó siete años después del lanzamiento de su primer álbum como solista Residente, en 2017, luego de una larga trayectoria haciendo parte de Calle 13.El álbum Las Letras Ya No Importan está compuesto de 23 temas y una larga lista de artistas invitados. Entre ellos, Penélope Cruz, Ricky Martin, Busta Rhymes, Vico C, Big Daddy Kane, Rauw Alejandro, Christian Nodal, Arcángel, Jessie Reyez, Silvia Pérez Cruz, Ibeyi, WOS, Nino Freestyle, Amal Murkus, SFDK y AI2 El Aldeano. Los videos que acompañan las canciones fueron dirigidos por el propio René.El álbum, que tiene destacados éxitos como This Is Not America, René, Quiero ser baladista, con Ricky Martin; Problema Cabrón, con WOS; Ron En El Piso y 313, con Penélope Cruz y Silvia Pérez Cruz, debutó en el número dos de la lista de Spotify de “Top Albums Debut Global” con su lanzamiento.Esta última canción es un homenaje en memoria de Valentina, una amiga cercana de Residente que trabajó con él y tocaba el violín. Además, en el álbum incluye una nota de voz de su amiga y habla sobre el significado de 313.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.