El cimarronaje moderno llega al Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en el centro de Bogotá, con la potencia musical de Rocca. Por primera vez en este escenario el rapero y productor franco-colombiano Sebastian Rocca, reconocido en el país por su etapa como integrante de la banda Tres Coronas, presentará su nuevo álbum Cimarrón.La elección de la Sala Delia Zapata para el estreno de esta producción discográfica no es casualidad. Para Rocca, actuar en este centro, que lleva el nombre de una maestra e investigadora de nuestras tradiciones, tiene una carga simbólica significativa.Acorde con el lugar, está la temática del álbum que surge de una profunda reflexión alrededor de las historias de los esclavizados africanos que escaparon para establecerse en palenques. Bajo la idea del cimarronaje, estas comunidades construyeron bastiones de resistencia contra el sistema colonial y territorios que fueron sinónimo de libertad.“Empecé a estudiar sobre el cimarronaje moderno. Me pareció gracioso ver que los medios nos identifican a nosotros (al movimiento hip hop) como una tribu urbana, pero luego pensé: ‘pues sí, soy de una tribu urbana’. Yo armo mi palenque, lo que quiere decir que estoy haciendo un acto de resistencia a la represión o a un sistema que no me conviene”, explica Rocca.“Me di cuenta que, ese acto de resistencia ancestral, uno lo puede equiparar a situaciones que estamos viviendo hoy día. Empecé a adaptar la palabra cimarrón a lo que yo estoy viviendo espiritual, social y musicalmente”, dice el artista.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El álbum comienza con una oración, con la cual el artista proclama su fe en la religión Yoruba. Luego suenan 16 canciones que exploran el cimarronaje moderno desde distintas perspectivas, mientras la percusión, elemento ancestral y primigenio, actúa como el hilo conductor del disco.La versión que interpretará en el Delia será en español, pues también existe la edición en francés. Para llegar a Cimarrón se grabó durante más de dos años entre París, Francia y Colombia. La producción y la mezcla de este trabajo fue análoga, una decisión que va en línea con la resistencia del artista frente a las dinámicas contemporáneas de la industria musical. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por ROCCA (@roccaeloriginal) Esta obra representa una fusión de dos mundos musicales, liderada por los productores Dj Duke y Rocca, una alquimia musical única que quedó plasmada en el disco pese a la trágica pérdida de Dj Duke durante la última etapa de mezcla. Al juntar el sonido del rap hardcore con las texturas modernas y los ritmos místicos de las percusiones colombianas y afrocubanas Yoruba, Cimarrón ofrece una experiencia sonora enriquecedora y diversa.El disco trasciende las fronteras del hip hop, aunque al mismo tiempo junta lo ancestral y el presente en un mensaje de resistencia que tiene como principio la independencia y la libertad. Su propuesta musical, única y atemporal, se destaca por su rechazo a las tendencias contemporáneas del mainstream, mientras celebra las profundas herencias que conforman la cultura latinoamericana.Rocca explica que el concierto de lanzamiento pudo ser en cualquier tarima, pero que hacerlo en la Sala Delia Zapata tiene un significado especial. "Me pareció perfecto para este tipo de música, donde estoy rindiendo homenaje a los pueblos en resistencia de América. Y, como suelo decir, Eleguá (dios Yoruba) es el que abre y cierra los caminos... y me está abriendo el camino con Delia Zapata", concluye.La cita es el próximo sábado, 20 de abril, a las 7:30 p. m. en el Delia Zapata, ubicado en la calle 11 #5 60 de Bogotá. El ingreso será con boletería disponible en Tu Boleta, para mayores de 10 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“La sociedad siempre necesita y siempre está sensible a problemáticas en las que la gente se reconoce, la gente no es tonta, nos quieren atontados, que es otra cosa, la gente es sensible", indicó en la ciudad de Guadalajara. "Hay que estar con los oídos más abiertos respecto a lo que está sucediendo”, agregó.Tijoux fue en Guadalajara la cantante estelar del festival de música del Encuentro Trama, que apoya el arte hecho por mujeres, en el único concierto ofrecido en México como parte de su gira 'Vida' para presentar su nuevo álbum y que la lleva a diversas ciudades de Estados Unidos y Europa.La artista, considerada como la rapera hispana más importante por las revistas Rolling Stone y Billboard, afirmó que en el continente hay cantantes de hip hop y rap que están comprometidos en hablar de la problemática social, pero la industria musical acorta los espacios donde pueden escucharse.“El tema del letrista es una cosa que no sé si se ha ido perdiendo o la industria lo que ha querido es bajar a muchos artistas que dicen cosas, porque hay muchos que dicen cosas, el tema es que no suena en la radio, hay mucha gente muy sensible (a estos temas) de las nuevas generaciones", declaró.Con rimas, versos y la cadencia del rap combinado con ritmos tradicionales chilenos, la música de Tijoux aborda la violencia contra las mujeres, la discriminación, la opresión y los derechos humanos, impregnada por la militancia política de su familia y por el exilio de sus padres tras la dictadura de Augusto Pinochet.Para la cantante, hablar de las injusticias es parte de su identidad y de lo que la formó como persona y como artista al vivir en Francia y después regresar a Chile para vivir la transición a la democracia.“El rap desde los 80 y 90 siempre ha sido un filtro musical que ha demostrado qué pasa en los barrios, (decir) que quizás no son los jóvenes los que son violentos, quizás el barrio es el que está violento o que el sistema es violento" señaló.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. Su nueva 'Vida'Tijoux ha recibido ocho nominaciones al Grammy y al Grammy Latino, además de los MTV Music Awards y premios en su país. En 2014, ganó un Grammy Latino junto al uruguayo Jorge Drexler en la categoría de 'Canción del año' por 'Universos Paralelos'.'Vida' es el nombre de su nuevo álbum de estudio tras casi una década sin producir uno, aunque la cantante estuvo colaborando con otros artistas y produciendo sencillos como 'Antifa Dance', para criticar a los gobiernos fascistas, así como 'Cacerolazo' y 'Rebelión de octubre' para apoyar las protestas chilenas de 2019.En esta nueva producción, la cantante buscó un estilo más bailable, pero sin abandonar su compromiso político.Una de las canciones toca el tema de las personas desaparecidas en Latinoamérica, con la colaboración de Estela de Carloto, fundadora de Abuelas de Plaza de Mayo, quienes buscan a nietos de desaparecidos en Argentina.Feminismo y justiciaEl feminismo ha sido uno de los sellos de la carrera de Tijoux, quien escribió en 2014 'Antipatriarca', que musicaliza las demandas del movimiento feminista y que se convirtió en uno de sus himnos.Aunque la cantante resaltó un avance durante la última década en los derechos de las mujeres, aseguró que el machismo está metido en la sociedad.“Es un problema estructural, no solamente de la industria musical. O sea, un sello discográfico solo de mujeres, con productoras mujeres, mánager mujeres, obviamente que va a aportar, pero tiene que ver con un problema que es un cambio estructural general, creo que está en un marco educacional”, expresó.A lo largo de su carrera ha mostrado su apoyo a Palestina y ha calificado la guerra de Israel como “un genocidio”.“Que la gente no tenga miedo a posicionarse contra un genocidio, es muy importante romper la retórica de lo que está sucediendo ahora en Gaza", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No es que quiera ser como todo el mundo, me gusta tener mi propio modo de ser. Me encanta ser ruidosa y malhablada con la gente, porque es como soy", escribe en una de esas reflexiones de juventud expuestas en 'Amy Winehouse, de su puño y letra', que, gracias a Libros del Kultrum, ve la luz solo unos meses después de la edición en inglés.Son los padres de la artista británica, Janis y Mitch, quienes lo han dotado de forma y contenido, tras llegar a la conclusión de que, "con demasiada frecuencia, se ha relegado a un injusto lugar secundario su genialidad", cuando, "al margen de los consabidos sinsabores de su azarosa vida personal, ella quería ser reconocida como autora y compositora"."No podemos blanquear la historia de Amy. Sí, era una adicta y, sí, su vida también era un caos. (...) Pero esas son circunstancias e imponderables en los que no es nuestra intención extendernos aquí", subrayan en el prólogo de este libro.Ciertamente, como señalan los progenitores de la cantante, fallecida en 2011 por una excesiva ingesta de alcohol, "cuesta encontrar siquiera el más leve rastro de ese tormento o de tamaña pesadumbre en cualquiera de sus textos", salvo en contados fragmentos."Odio mi temperamento. A veces llega a apoderarse de mí hasta el punto de que me hace llegar a ser violenta físicamente con aquellos a quien quiero. (...) Ahora mismo estoy escribiendo para liberar toda la rabia contenida", confiesa en uno de esos escritos íntimos.Revela lo terapéutica que para la artífice de 'Back to Black' era la escritura, como en otro comentario de sus diarios: "He pasado por momentos en los que he estado tan jodida por una situación que he tenido que estamparlo todo por escrito y descubrir así sentimientos que he tenido que asimilar".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Deseos "desesperados"'Amy Winehouse, de su puño y letra' se remonta a su nacimiento, cuatro días después de la fecha prevista: "Bromeábamos alegando que llegaba tarde a todo, incluso a su propio parto", recuerdan sus padres.Y, entre abundantes fotografías, algunas de sus vacaciones en Benalmádena (costa sur de España), comparten dibujos y calificaciones escolares que coinciden en mostrar su inteligencia y, a la vez, su carácter alborotador."Después del fallecimiento de Amy, empezamos a rebuscar entre los cuadernos y dibujos que atesorábamos desde su más tierna infancia. Y en ese momento comprendimos cómo, tras ese velo de aparente despreocupación, había estado perfeccionado cuidadosamente su arte, a la sombra de su talento, durante años", indican los Winehouse ante textos cada vez más elaborados y personales.En ellos comenta sus deseos "desesperados" de ser periodista o de ser "muy famosa y trabajar en el escenario". "Quiero que la gente escuche mi voz y olvide sus problemas durante cinco minutos, que me recuerden por ser tan solo como soy", dejó escrito, un objetivo que proyectó hasta en una lista de lo que haría cuando alcanzara tal objetivo.Ser fotografiada por David Lachapelle, actuar con Michael Madsen o con Steve Buscemi, ser buena amiga de Sarah Jessica Parker o Stella McCartney, hacer una colaboración con Missy Elliot y Timbaland, tener una colección de más de 300 pares de zapatos o "tener el pelo de Marilyn" son algunas de sus curiosos anhelos.Y, aunque "tampoco puede desprenderse una comprensión cabal de todas las interioridades de la artista" a través del libro, como reconocen los autores, lo más interesante es comprender cómo congelaba en aquellas líneas muchos de sus pensamientos y, tiempo después, ya procesados, los convertía en canciones."Embotellaba sus emociones hasta que alguien o algo le daba las llaves para abrirlas", señalan sus padres al recordar que detenía discusiones en seco para tomar apuntes de esos momentos, una muestra más de que "escribía sus letras e hilvanaba sus melodías desde lo más profundo de su corazón".El ejemplo más claro es la canción 'Rehab', que nació tras una conversación con su padre a raíz de que se le recomendara someterse a tratamiento por adicción al alcohol. "No quiero ir, papá. ¡No dispongo de noventa días!", le dijo entonces, y varios años después filtró aquello en su mayor éxito musical.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Admirado por su prodigioso virtuosismo, por la amplitud de su repertorio y por la originalidad de sus interpretaciones, con su muerte desparece "uno de los grandes músicos de nuestro tiempo y una referencia fundamental en la vida artística del teatro durante más de cincuenta años", escribió la Scala en su web."El superintendente Dominique Meyer, el director musical Riccardo Chailly, los profesores de la orquesta y los trabajadores de la Scala están al lado de su esposa Marilisa, su hijo Daniele y toda la familia", añadió.La capilla ardiente del maestro nacido en Milán en 1942, "protagonista absoluto de la escena concertista internacional desde su victoria a los dieciocho años en el concurso Chopin de Varsovia en 1960", se abrirá en las próximas horas en el la Scala, como ya sucedió cuando falleció la célebre bailarina clásica italiana Carla Fracci.Pollini fue un intérprete capaz de revolucionar la percepción de autores como Chopin, Debussy y el propio Beethoven y promover con incansable dedicación la escucha de las vanguardias históricas, sobre todo de Schönberg, y de la música actual, según recuerda la que fuera su casa durante cinco décadas.Junto a su grandeza como pianista, "sigue siendo fundamental su testimonio sobre el papel mismo de la música, entendida como componente esencial de la cultura y de la vida cívica y como instrumento de transformación de la sociedad", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Desde su debut el 11 de octubre de 1958 hasta su último recital el 13 de febrero de 2023, Pollini ha tocado en la Scala 168 veces", explica el teatro sobre su larga trayectoria, en la que colaboró con grandes artistas de su época como Claudio Abbado, Paolo Grassi, Riccardo Muti, Daniel Barenboim y Riccardo Chailly,sin olvidar sus las conciertos con Carlo Maria Giulini, Pierre Boulez y Zubin Mehta.Además de con los músicos de la Scala, Pollini interpretó su música con grandes orquestas como la Wiener Philharmoniker (con Abbado) y la Gewandhausorchester de Leipzig (con Chailly) y numerosas compañías dedicadas a la música de hoy, como el Ensemble Intercontemporain, el Klangforum Wien, la Musikfabrik K El estudio experimental SWR.Pollini también destacó en la música de cámara, pero en el centro de su larga carrera "se encuentran sobre todo los recitales: desde el histórico ciclo con las 32 sonatas de Beethoven en 1995 hasta el esperado concierto anual en el que recurrían las estrellas fijas de su universo musical: además Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Debussy, Schönberg y Noveno"."Lo esperábamos de nuevo el próximo 20 de octubre", revela la Scala.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trataba de celebrar la música, de celebrar a Rob (Pilatos) y aquel tiempo juntos y también de contar la historia para que se supiera lo que nosotros sentíamos, porque la gente aún piensa que fuimos los que lo organizamos todo", señala el único superviviente de la formación y coproductor de la película que se estrena este jueves, Fab Morvan.Titulada Girl You Know It's True, como el éxito musical del que a finales de los años 90 se llegaron a vender siete millones de copias, este artista francés reconoce su parte de responsabilidad en el escándalo, pero matiza unos hechos que contaron con el impulso y connivencia de grandes nombres de la industria que vieron aumentar sus cuentas corrientes."Sí, cometimos un error, pero también nos engañaron y caímos en una trampa al firmar un contrato sin abogado, sin representante, sin nadie que nos protegiera. Éramos dos jóvenes y se aprovecharon de nosotros para quitarnos la posibilidad de cantar en un disco", precisa Morvan (París, 1966).Según su versión de los hechos, se vieron atrapados por un contrato con Frank Farian, compositor y productor de las canciones de Milli Vanilli (amén de creador de los éxitos de Boney M). Fue él quien planteó que ellos fueran la imagen de un tema para el que, en principio, solo iban a bailar. Entonces llegó el éxito y la rueda no paró."Nos sedujo aquel estilo de vida. Rob era adoptado y mis padres se habían divorciado, así que, cuando de repente nos llegó todo ese amor de los fans, se volvió adictivo", se excusa Morvan sobre esa etapa, en la que resultaron rompedoras no solo sus canciones, también su imagen icónica con rastas y sus coreografías.Salvo por Michael Jackson, en la música pop americana de aquel entonces no había apenas artistas negros, pues sus canciones se redirigían automáticamente a un tipo de emisoras de radio. "Por alguna razón, al público blanco le encantó Milli Vanilli, quizás porque parecíamos exóticos y nos convertimos en bebés de MTV", recuerda.Insiste en que, como se ve en la película, no dejaban de sentirse a la vez mortificados por no ser quienes ponían la voz a los temas: "Nuestro sueño era convertirnos en cantantes y autores y nos sentíamos culpables día tras día. Por eso, cuando actuábamos, dábamos todo lo que teníamos", comenta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Reciclarse como profesor de francésDe su éxito inicial en Alemania saltaron a EE.UU. y al resto del mundo. Incluso emprendieron una gira, siempre en 'playback', hasta que en uno de los conciertos la cinta que reproducía la música se estropeó y entró en un bucle, lo que desató los rumores justo cuando luchaban por su libertad para tomar las riendas de su carrera."Frank debió escuchar que estábamos grabando un disco con otro sello cuando se fue a Nueva York a declarar que no éramos los que cantábamos. A partir de ese momento, ya nadie quería ni tocarnos", rememora Morvan sobre el proceso de ostracismo al que fueron sometidos.Desaparecieron del mercado las copias de su música y se les retiró el Grammy ganado unos meses antes. Llegaron a grabar un disco con sus voces y el nombre de Rob & Fab, pero sin repercusión alguna, y en 1998, cuando se planteaba volver de nuevo de la mano de Farian, el otro miembro del dúo, Pilatos, fue encontrado muerto por una sobredosis de pastillas y alcohol.A ese respecto, Morvan asegura que Carmen Pilatos, la hermana de su excompañero, "está feliz con la película porque se cuenta la verdad, aunque haya partes más ficcionadas, porque no deja de ser una película"."A veces, la vida te obliga a ser humilde. Yo comprendí que era el proceso por el que debía pasar", comenta sobre el camino personal que él decidió tomar, el de reciclarse primero como profesor de francés, recuperar su faceta de bailarín y, tras formarse, volver a poner todo su empeño en crear su propia música."La gente comete errores constantemente en privado, el problema fue que nosotros lo hicimos delante de todo el mundo", apunta el artista, que asegura haber hecho las paces con el mundo y con su historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La música barroca fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde el final del Renacimiento, alrededor de 1600, hasta mediados del siglo XVIII, alrededor de la década de 1750.Este período fue marcado por una gran expansión en la composición musical, el desarrollo de nuevas formas musicales y la aparición de figuras destacadas en la composición y la interpretación. De acuerdo con la Enciclopedia Británica, este periodo musical es conocido por su “espíritu grandioso, dramático y enérgico, pero también por su diversidad estilística”.Para entender el surgimiento de la música barroca es necesario abordar a su antecesor, el estilo polifónico. Desde finales de la Edad Media y durante el Renacimiento, situado entre los siglos XV y XVI tuvo auge el estilo polifónico universal, caracterizado por sonidos simultáneos con identidades musicales propias, pero que forman una armonía en su conjunto.A partir del siglo XVII, Italia lideró un cambio trascendental en la música, “con su énfasis en la voz solista, la polaridad de la melodía y la línea de bajo, y el interés por la armonía expresiva, se desarrolló para el uso profano la música barroca”, según relata la Enciclopedia Británica. Por su parte, el estilo polifónico se reservó para la música sacra. “La ampliación del vocabulario permitió una distinción más clara entre música sacra y profana, así como entre los lenguajes vocal e instrumental, y las diferencias nacionales se hicieron más pronunciadas”, se lee en ese compendio.El inicio del período barroco estuvo influenciado por varios cambios culturales y sociales, incluida la Contrarreforma en la Iglesia Católica y el surgimiento de una clase media acomodada interesada en la música. Uno de los aspectos más significativos de la música barroca fue el desarrollo de la armonía tonal, que estableció la primacía de ciertas tonalidades y acordes en la composición musical.Una de las características más importantes de la música barroca fue el uso del bajo continuo, también conocido como continuo o bajo cifrado, que consistía en un conjunto de acordes que acompañaban la melodía principal. Este bajo continuo era interpretado por un instrumento armónico, como el clavecín, y un instrumento bajo, como el violonchelo o la viola da gamba.En Italia, el compositor Claudio Monteverdi comenzó a explorar nuevas técnicas expresivas en la música vocal e instrumental. Monteverdi es especialmente conocido por sus innovaciones en la ópera, con obras como Orfeo y L'incoronazione di Poppea.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante las primeras décadas del siglo XVII, la música barroca comenzó a consolidarse como un estilo distintivo en Europa. En Italia, se desarrolló la escuela de ópera veneciana, con compositores como Monteverdi y Francesco Cavalli. Por su parte, en Alemania, Heinrich Schütz, conocido por su música sacra, combinó la influencia italiana con la tradición luterana alemana.A mediados de ese siglo se desarrolló la música instrumental. En Francia, Jean-Baptiste Lully emergió como una figura dominante, estableciendo un estilo distintivamente francés en la música operística y de ballet. Italia siguió aportando al desarrollo de formas instrumentales como la sonata y el concierto grosso con compositores como Arcangelo Corelli y Girolamo Frescobaldi.Para ejemplificar, el concierto grosso, se caracteriza el contraste entre un grupo de instrumentos solistas, conocido como concertino, con la orquesta más grande, conocida como ripieno o tutti. La sonata barroca, por su parte, consta de varios movimientos contrastantes y era interpretada, generalmente, por un pequeño grupo de instrumentos.Durante su apogeo, a finales del siglo XVII, la música barroca contó con una producción prolífica en todos los géneros. Compositores como Johann Sebastian Bach en Alemania y Antonio Vivaldi en Italia produjeron algunas de sus obras más importantes. Bach, destacado por su música sacra, incluyendo cantatas, oratorios y obras para órgano, y Vivaldi, por sus conciertos y obras instrumentales virtuosas.“La ópera, el oratorio y la cantata fueron las nuevas formas vocales más importantes, mientras que la sonata, el concierto y la obertura se crearon para la música instrumental”, puntualiza el compendio británico. Para principios del siglo XVIII, la música barroca empezó su tránsito hacia el período clásico.En esta transición hubo una una superposición de estilos y se desarrollaron nuevas formas musicales como la sinfonía y la ópera seria. El alemán, posteriormente nacionalizado inglés, George Frideric Handel, fusionó influencias italianas, alemanas y británicas que jugaron un papel importante que fungieron como puente entre el barroco y el clasicismo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El volumen total de facturación el curso pasado fue de 9.000 millones de dólares, de los cuales cerca de la mitad fueron a parar a creadores no fichados por grandes empresas: "Es el monto más alto de la historia que los independientes han generado de un solo comerciante en un año", expresaron desde Spotify.Loud & Clear 2024, que proporciona datos económicos y tendencias del mercado musical y del 'streaming' a nivel mundial, también recogió que la mitad de los artistas que generaron al menos diez mil dólares el curso pasado procedían de países donde el inglés no es el primer idioma.El español, el alemán, portugués, francés y el coreano lideraron en la clasificación por rendimiento en idiomas distintos al inglés, mientras que el hindi, indonesio, punyabí, tamil y el griego experimentaron aumentos significativos el año pasado, de acuerdo con las estadísticas de Spotify."El hecho de que el 'streaming' haya reducido las barreras de entrada es una noticia antigua, pero el impacto en los medios de vida de los artistas y la diversidad global de ese impacto están cada vez más claros", se explica en el comunicado difundido este martes.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Millonarios "desconocidos" y sin un 'hit' globalTodo en un año en el que Spotify estableció su récord histórico de pagos a artistas con un desembolso de 9.000 millones de dólares en regalías, lo que supone una sexta parte del total de gasto en este concepto desde que naciera la plataforma.Además, la empresa informó de que el número de creadores que facturan un millón de dólares, cien mil dólares o diez mil dólares anuales se ha "casi triplicado" desde 2017, consiguiendo "impulsar a artistas en todas sus etapas".La plataforma hizo especial hincapié en el grupo de los que generaron un millón de dólares anuales, porque el 80 % de ellos "no son nombres conocidos" ni tuvieron una canción que alcanzara el Top 50 Global gracias a que "los gustos de los fans son más diversos y el fondo de regalías es cada vez más grande".Por otra parte, casi la mitad de los artistas que se embolsaron más de diez mil dólares en 2017 ahora están generando más de cincuenta mil, de acuerdo con Loud & Clear 2024."Si se toman en cuenta las ganancias de otros servicios (...) es probable que estos artistas generen cuatro veces más ingresos de fuentes de música grabada en general, además de ingresos adicionales por entradas de conciertos y de merchandising", detalló Spotify.El 'streaming', "oportunidad" para artistas emergentesEl gigante del 'streaming' también comunicó que el año pasado trabajaron con 225.000 artistas "emergentes" que ven en Spotify un potencial sustento y "oportunidad" para sus carreras profesionales dentro de un sector donde muchos tratan de abrirse camino.De hecho, según el citado informe, más de diez millones de artistas tenían como mínimo un sencillo en la plataforma en 2023 y alrededor de ocho millones contaban con menos de diez canciones en el total de su repertorio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El actor británico Bernard Hill interpretó al capitán Edward Smith en el filme sobre la tragedia del transatlántico ganadora del Óscar en 1997 y también al rey Théoden en la trilogía de El Señor de los Anillos.Ha sido el único actor que ha aparecido en dos películas que ganaron once Óscar de la Academia de Hollywood cada una, en El Señor de los Anillos: el retorno del rey y Titanic.Entre otras actuaciones, destaca la de Yosser Hughes, un personaje cuya vida se desmorona en el programa Boys from the Blackstuff de los pasados años 80.Nacido en la localidad de Blackley (norte de Inglaterra) el 17 de diciembre de 1944, el actor creció en el entorno de una familia católica de mineros y desde edad temprana se inclinó por el arte dramático, lo que le llevó a estudiar en Escuela Politécnica de Drama de Manchester. Estaba casado con la actriz Marianna Hill.También dio vida al sargento Putnam en el filme Gandhi, de 1982, dirigido por el cineasta Richard Attenborough, mientras que hizo papeles pequeños en varios programas dramáticos en la televisión británica, como en I, Claudius (1976), como el personaje de Gratus.Entre otros trabajos, se puso en la piel de Thomas Howard, tercer duque de Norfolk, en la adaptación de la BBC en seis partes de las novela de la escritora Hilary Mantel Wolf Hall.La actriz Barbara Dickson, que protagonizó con él un musical basado en los Beatles, estuvo entre los que este domingo le rindieron homenaje y lo describió como un "actor maravilloso" en la red social X."Con gran tristeza conozco la muerte de Bernard Hill. Trabajamos juntos en John, Paul, George, Ringo y Bert, (por) Willy Russell, maravilloso espectáculo 1974-1975. Un actor realmente maravilloso. Fue un privilegio haberme cruzado con él. Benny x", agregó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La directora de BBC Drama, Lindsay Salt, dijo hoy que Hill "abrió un camino en la pantalla y su duradera carrera llena de papeles icónicos y notables es un testimonio de su increíble talento".Desde Boys from the Blackstuff hasta Wolf Hall, y muchos más, "nos sentimos realmente honrados de haber trabajado con Bernard en la BBC. Nuestros pensamientos están con sus seres queridos en este momento triste", agregó Salt.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hablamos con la docente Catalina González, docente del programa de diseño de modas de la Universidad ECCI. El diseño de modas, no solo inspirado en las tendencias, lo que está de moda digámoslo así, sino en el bienestar de ciertas poblaciones que tienen unas dificultades determinadas y hablamos de las mujeres que han sufrido cáncer de seno y que ustedes han pensado, no solo qué ropa les sirve, sino cómo apoyarlas. Quisiera que me hablaras de este proyecto. Este proyecto básicamente se centra en desarrollar una cartilla como asesoría de imagen para este tipo de mujeres que han sufrido cáncer de mama que han pasado por una mastectomía radical. Esta cartilla está enfocada en todo lo que es el análisis de su imagen, de enfrentarse nuevamente a lo que son ellas después de este tipo de cirugías. Hablamos sobre el uso de maquillaje, el uso de prendas y adicional a eso contamos también con un apoyo a nivel de psicología para enfrentar todas estas barreras que se tienen a nivel de autoestima y de encontrar nuevamente su rol en la sociedad.Catalina, a veces uno piensa que la ropa es solo ropa y ya y lo hemos hablado con la profesora Alexandra que es la directora de diseño de modas aquí en la ECCI, pero en estos casos la ropa también suple un tema de autoestima y también sirve para decirle a la mujer que no está incompleta. Porque luego de una mastectomía pues ya sabemos la cosas que hay frente al espejo y cuán duro nos puede dar ese reconocimiento. Buscamos que con las prendas que ellas tienen en su guardarropa se sientan seguras y proyecten su nueva imagen a partir de esta cirugía. Entonces, la idea es que no es un un prototipo que nos va a llenar ese vacío porque muchas mujeres pueden utilizar prótesis hay otras que deciden no utilizarlas, la idea es que esas prendas ellas las lleven con poder, con empoderamiento, por ese motivo es importante el apoyo psicológico porque se trabaja desde la parte interna hacia la parte externa y así mismo poder proyectar esa nueva imagen.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Cuénteme de las prendas, pues sabemos que otras universidades también habían repensado. El tema sobre brasieres, por ejemplo, prendas íntimas, ¿cómo se diseñan estas prendas, qué tienen de particular?Bueno pues conozco de un prototipo que se elaboró que es un brasier, pues es un tejido especial para el proceso de cicatrización para ayudar en ese en postoperatorio y en ese proceso pues nosotros intentamos también desarrollar algunos prototipos de prenda, pero encontramos fue esa debilidad a nivel psicológico, a nivel emocional, que las mujeres necesitaban retomar nuevamente su imagen. El tema de la cartilla, ¿cómo lo elaboraron, cómo fue ese proceso? Bueno actualmente estamos en la prueba de aplicación con las mujeres y a partir de toda esa asesoría esperamos sacar como tal el resultado que es la cartilla. La cartilla básicamente sería: si tienes este tipo de piel puedes utilizar este tipo de prendas, los colores que puedes utilizar son estos... a nivel de accesorios a nivel de maquillaje. Incluso hay un estudiante que también está trabajando con nosotros sobre el tema de la colorimetría para este tipo de mujeres porque las mujeres cuando se enfrentan a quimioterapias o después de un postoperatorio su piel tiende a ponerse un poco más pálida, entonces la idea es que por medio de estos colores de las prendas se realce nuevamente su color natural.¿Cuál es el futuro de este proyecto? ¿Cómo se lo imaginan desde la ECCI?Estamos en conversaciones con el Instituto Nacional de Cancerología porque ellos son los que nos van a dar esa población donde vamos a aplicar realmente esta cartilla y ya a partir de ese estudio de la evaluación que ellas mismas nos hagan. La idea es empezar a replicarlo a otras comunidades, a otras instituciones que puedan colaborarnos con esta población.Catalina yo quisiera que me contarás sobre tu experiencia personal en este proyecto. No como una mujer, también una diseñadora. Impacta, impacta bastante. Darse una cuenta todo lo que puede llegar a dañar a nivel psicológico y a nivel físico este tipo de condiciones de salud, adicional a esto tener un poco más de conciencia, como lo decías al inicio, la moda no es solamente las prendas, la tendencia, sino darle un sentido social a esa prenda, a ese color que vamos a usar de temporada que realmente permita que esa mujer que lo tiene se proyecte y se afiance nuevamente como un rol femenino en la sociedad.Más allá de las mujeres también es un proyecto para las familias. Creo que es una posibilidad para apoyar a su mamá, a su abuela, a su tía, su hermana o a una misma ,una mejor amiga. Se vuelve casi que un impacto más grande que la única persona. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.