El galardón, dotado con 20.000 euros (cerca de 22.000 dólares), está considerado el reconocimiento público más alto a un compositor o compositora viva de la comunidad iberoamericana, según informó este lunes la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) de España en un comunicado.Tania León (1943, La Habana), ganadora de un Premio Pulitzer de Música en 2021 y del Premio Kennedy Center Honors en 2022, fue galardonada por "su experiencia artística que se proyecta como paradigma de comprensión y diálogo intercultural", según indicó el jurado.Junto a ello, el jurado reconoció "los exilios externo e interno que, como cubana en los Estados Unidos, han marcado su producción compositiva de alto reconocimiento internacional, así como a su posición como ser humano ante las coordenadas vitales por las que ha discurrido su trayectoria”."Siempre he sido fiel a mi filosofía. Me crié en una familia que tenían orígenes muy diferentes, crecí en una especie de pequeñita Naciones Unidas", explicó la ganadora quien aseguró tener "esa semilla mental de que el mundo debería ser igual para todos y no enfatizar tanto en las diferencias".Con más de 40 obras de cámara, orquestales, vocales y multitud de óperas, su forma de crear ha conseguido elevar la música latina en Nueva York: "Europa es la semilla de la composición, y en Estados Unidos se conocía muy poco la carrera de composición latinoamericana", precisó la artista.Su música se caracteriza por un estilo moderno de carácter cosmopolita, a la vez complejo y expresivo, basado en la incorporación de prácticas rítmicas derivadas de la diáspora latinoamericana, fusionadas con técnicas europeas en el Caribe, recordó la SGAE.Además, su obra siempre se ha marcado por su gran compromiso político. A través de la música se ha enfrentado al rechazo y a la misoginia, explicó la organización."Siempre he sido de perseguir mis propuestas y cuando me decían que no, no me dejaba amedrentar: Les daba la espalda y continuaba mi camino", dijo ella al respecto.León se fue de Cuba a los 24 años para emigrar a Estados Unidos. Afincada en Nueva York desde 1967, no pretendía dedicarse a la composición sino que su sueño era ser concertista y se formó como pianista, pero acompañó al coreógrafo Arthur Mitchell en el proyecto del Dance Theater of Harlem” y comenzó así "una de las carreras más brillantes y prolíficas de la composición en Latinoamérica", destacó la SGAE.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Luego de visitar Berlín, Johannesburgo, Moscú, París, Sao Paulo y Tokio, Night Embassy llega a Colombia con una misión: convertirse en una pista de baile en la que público y artistas puedan unirse para celebrar la “Calentura Tropical” que existe en la noche bogotana, sus voces, su mestizaje y diversidad, ¡su pasado, presente y futuro!Night Embassy es un proyecto que nació en Berlín, la ciudad que nunca duerme. En cada lugar que visita, Night Embassy crea escenarios para que los artistas y las voces de la fiesta y la cultura, puedan expresarse a través de una pista de baile segura, con una programación cargada de goce, arte y experimentación.“Darle poder a la vida nocturna como un espacio de libertad, arte, fiesta y creatividad, es la esencia de Night Embassy. Para nosotros significa la oportunidad de llevar a cabo manifestaciones artísticas e ideas sin limitaciones. Creemos firmemente que la vida nocturna es una parte vital de Bogotá y estamos comprometidos en crear espacios seguros e innovadores para vivirla”, afirma Oriana Gómez, Experiential Marketing Manager Latam en Jägermeister.Durante las dos primeras semanas de octubre, Night Embassy Bogotá desarrollará residencias artísticas y creativas en torno a 3 escenas culturales: la urbana, la tropical y la electrónica. Cada escena contará con un mentor y un equipo de embajadores, cuyas voces darán forma al evento y su programación.La Escena urbana será liderada por Traque, un colectivo conformado por creativos, artistas visuales, ilustradores y muralistas, que tienen como objetivo, crear una programación que reivindique el poder de la urbe en la noche bogotana. Traque contará con el apoyo de Mike Style, DJ, integrante del Freaky Colectivo y una de las voces de mayor trayectoria en la noche capitalina. El colectivo será el encargado de crear La caldera urbana: una fiesta soñada para los amantes de la pintura, el graffiti, el skate y la música.Por otro lado, la poética tropical del evento será liderada por Pop Up Art, plataforma colaborativa de creación, difusión y distribución artística. Este colectivo contará con el apoyo de Alejandra Gómez Quintero, directora de Biche, agencia de producción creativa y ejecutiva de proyectos musicales especializados en la cultura alternativa latinoamericana. Pop Up Art será encargada de producir los Relatos del trópico sabanero, un pilar de Night Embassy que se vestirá de goce y en el que abundarán los aromas, sabores, texturas, y el sonido “Tropicanibalista” con ellas mismas lo definen.Por último, la escena electrónica tendrá como concepto La capital de la diversidad electrónica. Será un espacio multimedia que a través del sonido, la imagen, el performance, la moda y la circulación del conocimiento, ofrecerá experiencias de co-creación entre audiencia y performers. Esta escena será liderada por Danika Nogales, también conocida como Lomáasbello, y contará con el apoyo de María Mestiza, DJ y productora, quien colaborará con la cantante y actriz para crear un universo de beats, samples y sonoridades que darán color a lo más diverso de la fiesta.La locación de la embajada de la noche es secreta, y solo será revelada días antes del evento a quienes se inscriban para asistir en https://night-embassy.com/bo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Filarmónica de Bogotá y La-33 se unen para celebrar el aniversario 485 de la capital de Colombia, con Salsa Filarmónica, un concierto en el que La pantera mambo, Soledad y Qué rico boogaloo, entre muchas otras canciones de este colectivo salsero sonarán en el formato sinfónico, bajo la dirección de Rubián Zuluaga, el sábado 5, a las 8:00 p.m., y el domingo 6 de agosto, a las 5:00 p.m., en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.La-33 es una agrupación que surgió en Teusaquillo, localidad de Bogotá, en 2001. En sus comienzos ensayaban en la casa de los hermanos Mejía, en la calle 33, donde interpretaban ritmos como el rock, el jazz, la salsa, el ska y el reggae. Allí, cocinaron lo que más tarde sería La 33 impregnando al grupo de la esencia del formato de Nueva York de la década del 70, con sonidos rudos y sucios fusionados con ritmos caribeños, pero que conservan un ensamble clásico de percusión.En 2004 lanzan su primer trabajo discográfico, La 33, disco compuesto por canciones como Soledad, Qué rico boogaloo y La pantera mambo. Esta última, una versión colombiana de la canción de Henri Mancini, trazaría su historia y los posicionaría como una banda que manifiesta a través de la música un movimiento musical en el que se reflejan las transiciones personales de cada uno de sus integrantes, las luchas internas, el amor, el desamor, las ganas de vivir y de bailar.Por otro lado, la actividad desarrollada por la Fundación Filarmónica Colombiana y el trabajo liderado por el maestro Raúl García, permitieron la creación de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, reconocida formalmente en la ciudad en 1967. En la búsqueda por democratizar la cultura musical, promover la práctica de la música de cámara, la dirección y la divulgación de la música sinfónica, durante sus 55 años de existencia, la Orquesta se ha convertido en patrimonio de la ciudad.Ha interpretado ciclos de compositores como Mahler, Bruckner y Bartók, por mencionar algunos. Conciertos con artistas ampliamente reconocidos en Colombia y el resto del mundo como Totó La Momposina, Puerto Candelaria, China Moses, Miguel Poveda, Petit Fellas, Manuel Medrano, Juanes, Aterciopelados, Herencia de Timbiquí, entre muchos otros, le han permitido acercarse a nuevos públicos. Recibió el Grammy Latino en 2008 por Mejor Álbum Instrumental con ‘40 años’ y en 2018 como reconocimiento a la ingeniería de sonido a Rafa Sardina por el disco ‘50 años tocando para ti’.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Es un momento súper importante para la música latina en general. La música latina urbana hizo que ya no sea una música regional, sino una música internacional y ahora todos estamos en esa ola, incluso los que como yo hacemos una música un poquito más tradicional", dice.En una entrevista con EFE, Bagué, ganador de dos Grammy latinos (2017 y 2019) y muchas veces nominado, habló también del filme sobre Arroyo, que fue uno de sus ídolos desde niño, y de sus proyectos musicales.En "Rebelión", producida para Netflix y dirigida por el colombiano José Luis (Chepe) Rugeles, la música es "protagonista" a la par que los actores, dice el productor musical de 55 años, vicepresidente de la compañía Peermusic.La película biográfica, coprotagonizada por Angie Cepeda, tuvo su estreno internacional en el Festival de Cine Black Nights, de Talin, y fue galardonada con el premio a la Mejor Banda Sonora Original en el Festival de Cine de Málaga.Producida por Bagué para Alacrán Records y grabada en Alacrán Studios por el ingeniero Carlos Pérez D'Anda en Miami, la banda sonora incluye una nueva versión de "Rebelión", el mayor éxito de Arroyo, interpretado por la popular banda colombiana de hip hop ChocQuibTown."Fue idea mía. ChocQuibTown es un grupo con quien yo tengo larga historia. Nos conocemos súper bien y entonces yo me imaginaba la canción Rebelión cantada por Goyo (Gloria Martínez), una mujer afrolatina, lo que le da casi otro sentido a la letra", subraya.La película, interpretada por el actor Jhon Narváez, cartagenero como Joe Arroyo, y estrenada este mes en Netflix, realiza un viaje oscuro y claustrofóbico por diferentes momentos de la vida de la leyenda de la salsa afrocolombiana, marcada por la pasión por la música y las adicciones.La primera pero no la última Es la primera banda sonora de Bagué, que está abierto a que no sea la última, pues ama el cine. "Definitivamente me gustaría hacer y seguir haciendo y trabajar más en cine", dice.El cantante Carlos Guerrero, vocalista del grupo colombiano de salsa Niche, que "tiene una voz increíble y suena muy parecido a Joe", es la "voz" de la película. "Inclusive hasta las escenas íntimas cuando canta susurrando", dice Bagué.El productor detrás de álbumes como el premiado "To Beny Moré with Love", de Jon Secada, cuenta que fue "un reto", pues el proceso de ponerle la voz al protagonista de "Rebelión" se hizo a la inversa de lo habitual, que es el "lipsync" (sincronización labial)."Primero se grabó al actor y los músicos allá en Colombia y después tuvimos que reemplazar la voz de Narváez por la de Carlos y yo creo que tuvo un efecto muy dinámico, muy emotivo", subraya.Bagué está ahora involucrado en un proyecto discográfico para el trompetista de jazz latino Charlie Sepúlveda, que verá la luz a fines de este año. "Es un proyecto de jazz, pero lo estoy haciendo con raperos. En cada canción aparece un rapero distinto y como realmente, el rap viene de la improvisación, igual que el jazz, entonces yo creo que esa es la mancuerna", subraya.Todos los raperos que participan, entre ellos Rafa Pabón, Misionero, PJ sin suela, Noemi, Danny Fornaris, son latinos y cantan en español. Los coros están a cargo del dominicano Gilberto Santa Rosa, "El caballero de la salsa", que se ofreció a hacerlos al saber que quien iba a ser el corista había caído enfermo de covid.Bagué dijo que le influyó un proyecto de Quincy Jones en el que fusionó a "músicos americanos con raperos americanos en inglés". "La música latina es mucho más importante de lo que era antes. Ahora se escucha en Asia, en África, es número uno en otros países, en Europa, donde no, no se habla español y yo creo que eso es muy importante. La cosa es que sigamos haciendo música para aprovechar esta ola que está sucediendo", concluye.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nadie olvida tampoco sus llamativos vestidos y atrevidas y coloridas pelucas con los que lucía impecable la "reina de la salsa", un título que se ganó por derecho propio en una carrera de cinco décadas, que comenzó en su natal Cuba y continuó en EE.UU., donde se exilió en 1961.Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz y Alfonso de la Santísima Trinidad (1925-2003), una mujer negra y cubana de origen humilde, se abrió paso y se impuso en un género dominado por hombres, que le querían y respetaban.Veinte años después de que "la Guarachera de Cuba" perdiera la batalla contra el cáncer, la comunidad cubana le rindió tributo al dedicarle su desfile y una carroza en Nueva York, donde su alcalde Eric Adams declaró el 16 de julio el "Día de Celia Cruz", mientras que a sus seguidores no les importó la intensa lluvia y acudieron a su mausoleo en el cementerio Woodlawn en El Bronx, entre ellos Michael Grazino, de 43 años.Graziano, que vestía una camiseta con el rostro de la cantante, recordó cuando, a sus 9 años, escuchó a Cruz por primera vez: "Me disponía a dormir cuando oigo 'bemba colorá, oye que tú tienes la bemba colorá'. Me quedé hipnotizado y le pregunté a mi madre quién cantaba y ella insistía en que fuera a dormir y yo en saber quién era esa mujer. Me dijo 'Celia Cruz' y desde ese día su nombre quedó grabado para siempre", indicó mientras otros admiradores dijeron a EFE que era importante rendir tributo a su reina.."Recuerdo a Celia con la misma fuerza, amor y dulzura porque es lo que siempre ha primado en nuestra amistad", comenta a EFE la cantante cubana Lucrecia, que dio vida a la popular intérprete en un musical y se refiere a ella como si estuviera viva. "La admiración que siento por Celia para mí es intocable", afirma y destaca que la fenecida cantante es "cada vez es más grande" porque jóvenes que no le conocieron están entre sus nuevos seguidores.Cruz mostró desde joven su interés por la música, pero su padre quería que fuera maestra "una de las pocas carreras a las que un negro pobre podía estudiar en Cuba" y que abandonó cuando estaba cerca de terminarla, recuerda en su libro "Celia en Cuba (1925-1962)" la filóloga cubana Rosa Marquetti, sobre la carrera de la cantante en su país, periodo del que no se conoce mucho.A Celia no la hizo famosa La FaniaIndicó a EFE que con su libro, publicado en 2022, quiso mostrar que "Celia es un fenómeno que trasciende generaciones, que fue una diva y que sus contribuciones a la música cubana fueron enormes" y también poner fin a la idea de que fue la orquesta Fania la que la hizo famosa."Con la Fania se expande su popularidad, porque ya había viajado y era famosa en otros países (previo a llegar a EE.UU.) donde viajó cantando con la Sonora Matancera. En Cuba hizo teatro lírico, teatro vernáculo, fue una de las grandes estrellas del cabaré Tropicana e hizo una radionovela", recordó.Asegura que más allá del legado musical, la cantante dejó un legado a las latinas "de sus valores, de su constancia, inteligencia, de saber luchar por sus sueños, de su sagacidad para lidiar con situaciones complejas". "Supo imponerse sin perder calidad humana, sin pisar la cabeza a nadie y con ese legado se identifican muchas mujeres, entre ellas yo" afirma."Tenía respeto por el público, estaba consciente de quién era, sabía del peso de su nombre pero también de que sin ese público no hubiera llegado donde llegó", afirmó Marquetti, que trabaja en la segunda parte de la historia de la carrera de la artista.Cuando se conoció su muerte, admiradores se reunieron frente a la funeraria en Nueva York donde fueron llevados sus restos y cantaron abrazados a sus fotos y discos, mientras compartían recuerdos durante largas horas.Tras casi una semana de multitudinarias exequias de fervor popular, en que sus restos fueron velados en Miami y Nueva York, fue sepultada en su mausoleo y descansan junto a su marido Pedro Knight, que murió cuatro años más tarde.Su muerte no ha detenido el reconocimiento a este icono de la música latina, y entre los homenajes está la salida al mercado de la muñeca Barbie-Celia Cruz el próximo septiembre, y en 2025 será inmortalizada en una moneda de 25 centavos en EE.UU.
Salsa Al Parque vuelve al Simón Bolivar cargado de música y baile. Este evento que se realiza cada año traerá en su edición de 2023 a más de 80 artistas, entre estos 15 agrupaciones de danza. Esta versión del Festival busca rememorar la fiesta popular colombiana a través de la música, la danza y el disfrute, con invitados distritales, nacionales e internacionales, entre los que se encuentra El Gran Combo de Puerto Rico ‘La universidad de la salsa’, que al son de Julia, Timbalero, Un verano en Nueva York, y otros grandes clásicos de su repertorio harán cantar y bailar a los bogotanos.Mauricio Galeano, director del Idartes, comenta: “escuchamos a la gente y por eso, este año decidimos regresar al Parque Simón Bolívar para brindar a los salseros y en general a toda la ciudadanía, un espacio amplio y con todas las condiciones técnicas y logísticas para compartir y celebrar con lo mejor de la salsa y con otros ritmos caribeños que se harán presentes en esta versión del Festival. Hoy anunciamos la participación de El Gran Combo de Puerto Rico y durante los próximos días traeremos muchas más noticias que de seguro prenderán la fiesta”.Salsa al Parque 2023 tendrá invitados de Estados Unidos, Venezuela, España, Puerto Rico y República Dominicana, entre los que están Jimmy Bosch ‘El trombón criollo’, quien llega al Festival para celebrar sus 50 años de trayectoria, de salsa, latin jazz y música afroamericana; La Dimensión Latina ‘Los generales de la salsa’, una de las agrupaciones salseras de mayor renombre en la música caribeña; y Proyecto A ´El tren del sabor’, la orquesta que sigue creciendo dentro del género de la salsa y lo latino con éxitos como Mi credo, Renuncio, Quiéreme y Con la misma moneda, entre otros.Los artistas nacionales vienen de Cali, Medellín y seis agrupaciones distritales que fueron seleccionadas a través de la convocatoria pública del Festival: Kaona Orquesta, La Pambelé, Luna Llena Salsa Band, Orquesta Punto Baré, Sabor Yembé Orquesta y Son de Ají. Además, 11 parejas y cinco agrupaciones de danza se suman a la programación para contagiar a la ciudadanía con los diversos movimientos, coreografías y sabores de la salsa.“Colombia es un país de celebración, es un país que históricamente se reúne en torno a la música para compartir, para celebrar o simplemente para disfrutar en lo que conocemos popularmente como una fiesta. En esta ocasión el Festival se viste de anfitrión y además de los clásicos de la salsa, recibe a uno de los ritmos caribeños por excelencia, que ha acompañando la fiesta de los colombianos durante décadas, así que los invitamos a programarse para un fin de semana lleno de baile, de éxitos y alegría, porque queremos que Salsa al Parque se consolide como un referente de fiesta para los bogotanos”, afirma Michael Navarro, gerente de Música del Idartes.El Festival se llevará a cabo este fin de semana 3 y 4 de junio en el Parque Simón Bolívar, la apertura de puertas será a las 12:00 p.m. y la entrada es totalmente gratis. Si quiere consultar la programación puede hacerlo en este enlace. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Más 60 años después de su nacimiento en Nueva York de la mano de músicos predominantemente puertorriqueños y cubanos, los más agoreros hablaban de una pérdida de relevancia del género en una isla que es cuna del reguetón, pero los nuevos exponentes de la salsa demuestran lo contrario.A sus 34 años, el cantante, productor, compositor y arreglista de salsa Carlos García, oriundo de Carolina, en el norte de la isla caribeña, asegura a EFE que la salsa no ha perdido vigencia: "el género está súper bien".Los salseros puertorriqueños más conocidos internacionalmente son ya bien veteranos y, según García, muestran su apoyo a los más jóvenes para que también puedan vivir del género. "La salsa es el género con el que me identifico, el que amo, el que respiro, el que creo y en el que trabajo a día de hoy gracias a Dios", destaca García, que empezó a tocar el piano con nueve años y participó por primera vez en un grupo de salsa a los 15.Desde entonces, el artista ha despuntado en el género con colaboraciones con salseros boricuas de renombre como Charlie Aponte, Norberto Vélez y Pete Perignon, con el peruano Tony Succar y el dominicano David Kada."Se puede vivir de la salsa en Puerto Rico"García es el vivo ejemplo de que las nuevas generaciones pueden vivir de la salsa en Puerto Rico: realiza producciones y arreglos para otros artistas, compone sus temas, y actúa en directo como solista y junto a la agrupación "Grupo sin nombre" semanalmente en varios establecimientos de San Juan desde hace más de 13 años.El pianista, que lanzó recientemente su último sencillo "Loco enamorado", señala que la ventaja de los nuevos salseros son las plataformas digitales que favorecen la difusión y ayudan a que sus proyectos puedan ser consumidos en cualquier parte del mundo, pese a la distancia física con sus seguidores.Su amigo y compañero del género Carlos Nevárez, de 33 años, coincide en que su generación "está llena de mucho talento, con una educación musical brutal, muchos arreglistas, muchos compositores e instrumentistas que cantan".Nevárez es una de las nuevas voces de la salsa, estuvo nominado en 2018 a un Latin Grammy junto a Pete Perignon con el disco "La esquina del bailador", y ha realizado colaboraciones con Ronald Borjas, Manolito Rodríguez y Wiso Rivera, entre otros. El joven salsero se ha presentado en México, Colombia, Estados Unidos, en algunos países de África y próximamente va a subir a un escenario en Bari, Italia, donde presentará su último sencillo "Se está regando" y otros temas.Las mujeres rompen barrerasLas compañeras salseras también se abren hueco en este mundo que, como Nevárez subraya, antes era "muy macharrán" (machista), pero ahora artistas como Amor de Jesús, Zayra Pola, Tanisha Galarza o Michelle Brava "están rompiendo con esto".Otro ejemplo de ello es la joven de 26 años Merari Rivera, que se está dando a conocer dentro del género y, según relata a EFE, ha recibido el apoyo de reconocidos salseros como Víctor Manuelle. Se han mostrado "bien contentos, bien orgullosos con el papel" que está ejerciendo como figura femenina, afirma la joven.Rivera desde los nueve hasta los 17 años fue integrante del Coro de Niños de San Juan y a finales de marzo lanzó su tema "La carta", que surgió como balada y más tarde se convirtió en una salsa."Estoy bien, honrada de la exposición y del amor que le han dado a este primer tema y no se van a defraudar de todo lo que vengo a traer", asevera Rivera, quien fue descubierta en 2017 cuando el cantautor venezolano, Franco De Vita, escuchó su música en las redes sociales.Sus referentes son Eddie Santiago y Celia Cruz, entre otros, y afirma que su sueño es actuar en Colombia y ofrecer un concierto en el Coliseo de Puerto Rico "por lo que significa como puertorriqueña".Conéctese a la señal en vivo de la HJCK y escuche lo mejor de la música clásica.
Estas estrellas destacaron en entrevistas con EFE que hoy se cosechan los frutos de las semillas que ellos plantaron cuando las fusiones y las colaboraciones eran algo novedoso. “En mis inicios recibí muchas críticas porque le pusimos nuevos ritmos al vallenato”, recordó Vives, quien visitará los temas de sus inicios en la gira “El Tour de los 30”, que comienza en Nueva York el 19 de agosto.“Lo que la gente no terminó de entender es que todos los elementos que yo le ponía y le pongo a mi música salen de los ritmos ancestrales latinoamericanos, a los que le metemos un sonido más moderno. Pero todas estas fusiones están ancladas en quienes somos”, agregó el colombiano.Para él es “un gran placer” ver como “grandes” de la música urbana como Daddy Yankee y Wisin se acercaron a él para fusionar el reguetón con su música. También lo es escuchar canciones como “Dharma”, en la que Sebastián Yatra mezcló el flamenco con el vallenato en colaboración con Rosario Flores.Conectando con los jóvenesEste abril el cantautor neoyorquino Prince Royce recibió el premio Pionero de los Latin American Music Awards. La distinción le hizo recordar sus inicios, “cuando muchos decían que lo mío no era bachata, porque era muy pop”. Royce comenzó con una versión en bachata y bilingüe del clásico “Stand By Me” en 2010. “Yo quería llevar la bachata a los jóvenes, no solo latinos, sino los que hablaban inglés también. Era algo que no se hacía en esa época”, manifestó.“Ahora, lo normal es hacer música de muchos géneros y varios idiomas”, indicó el artista, cuya inspiración fue Juan Luis Guerra, quien fue el primero en hacer versiones sofisticadas de merengues y bachatas.“Lo mismo pasó con la salsa, que es la fusión del son cubano con los sonidos de Nueva York, o con el reguetón, que es la fusión del reggae jamaiquino con la percusión del Caribe latino y las influencias de la música urbana anglo”, señaló Ivy Queen, quien además le metió un toque femenino con una voz grave que no fue “precisamente bienvenida” en sus inicios.Elvis Crespo puso de moda el merengue a nivel mundial hace 25 años con “Suavemente”, y lo logró por una reinterpretación del género dominicano. “Le hicimos una introducción a capella seguida rápidamente por trompetas, saxofones, güira, congas y percusión y un ritmo intermedio”, recordó el artista.Considerando que la canción ha sonado en el espacio, en producciones de Hollywood, en boca de Dua Lipa y hasta en la casa de Anthony Hopkins, quien mientras meneaba las caderas al ritmo de “Suavemente” dijo “Soy colombiano”, resulta inaudito que Crespo haya tenido que luchar para que la canción fuera incluida en su primer disco.Resistencia hasta en casaAlejandro Fernández encontró esa resistencia en su propia casa. Su padre, el legendario cantante de rancheras Vicente Fernández, no tomó de buena manera que su “Potrillo” quisiera “modernizar” lo que para él ya estaba perfecto.“Mi papá se enojó muchísimo cuando yo empecé a llevar a mi música más hacia el pop”, relató Fernández, quien se siente “orgullosamente pionero del movimiento actual de la música mexicana”.Antes de que Christian Nodal saliera con su estilo “mariacheño” (mariachi y norteño), de que Danny Félix, Natanael Cano y ahora Peso Pluma hicieran corridos tumbados, o de que Calibre 50 lanzara fusiones con MC Davo, Santa Fe Klan y Beto Sierra, ya Alejandro Fernández había acercado la ranchera al pop. “Yo estaba convencido de que esa era la forma de que la música mexicana siguiera vigente, y no me equivoqué”, sostuvo.No todos los que abrieron camino con las fusiones enfrentaron críticas. Maná, por ejemplo, fue una banda aplaudida por su fusión de rock con pop y elementos del folclor mexicano. Shakira hizo lo mismo con un acento colombiano y hoy en día sus álbumes iniciales son venerados por los amantes del rock en español, aunque primero le costó ser respetada como mujer rockera. “La pluralidad de voces femeninas, fusiones y colaboraciones de hoy me emociona, porque recuerdo bien esa época”, dijo.La artista colombiana también fue una de las primeras en hacer colaboraciones con otros artistas. Su dueto “La tortura”, con Alejandro Sanz, data de 2005. Sanz, por su parte, fue pionero en la fusión de la música tradicional del sur de España con el pop y el rock. “Son mis dos pasiones”, afirmó el artista español al hablar de cómo nació la idea de mezclar estos ritmos. Su sonido abrió espacios para que hoy triunfen estrellas como Rosalía, C. Tangana, Omar Montes y muchos otros.Para Vives, “la música, como todo, es cíclica y lo que hoy se considera un clásico cuando arrancó era visto como un sacrilegio”. “Pero esa es la naturaleza del arte y los que hemos abierto los caminos para los jóvenes de hoy transitamos otros que habían hecho para nosotros”, puntualizó.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Según su director, el también colombiano José Luis Rugeles, "se podría disfrutar con los ojos cerrados" "Es la historia de un genio que tuvo tres grandes amores. El mayor era la música, después la droga y después su familia. Los tres amores se fueron revolviendo en la vida y cada vez se fue alejando más de la familia, acercándose más a la droga, y siempre estuvo con él al lado la música", explicó este domingo el cineasta.Esta coproducción de Colombia, Argentina y EEUU, presentada en la sección oficial del festival español de cine de Málaga (sur), nació de la admiración del director por Joe Arroyo, que es "parte de la banda sonora de los colombianos".Pero no quería hacer una película tropical "complaciente", explicó, "sino entendiendo que la vida del genio a veces es también incómoda, no solo llena de placeres, sino que crear y sentir es un dolor que lleva por dentro Joe". "Era un tipo maravilloso, lleno de anécdotas, y la película es una lucha contra las anécdotas, que nos perseguían", comentó el director.Así, "tomamos la decisión de entrar en las tinieblas fuertes de la vida de Joe. La gente está acostumbrada a ver la vida de estos artistas por las revistas de la farándula y, cuando encuentran el lado b, para la gente es un conflicto", constató.Reconoció el director que era "bien complejo y arriesgado" mostrar esta cara oscura de un ídolo en Colombia y "no contar lo que la gente quiere oír". Tenía Rugeles "mucho miedo" de enfrentarse a sus familiares y amigos; pero después de haber visto éstos la película, pero ha salido "bien librado".Destacó el trabajo del actor Jhon Narváez, que no solo interpretó a Arroyo, sino que "se convirtió" en él. "Joe fue una persona muy enferma, y Jhon empezó a enfermarse cuatro días antes de empezar el rodaje. Lo conecté con mi chamán, que empezó a trabajarle las energías", desveló el director.A lo largo del proceso de creación, la película tuvo varios títulos, pero finalmente decidió que "el más pertinente" era "Rebelión", como se llamó también uno de sus mayores éxitos musicales."Era un rebelde en su época -argumentó-, no estaba en el molde de los músicos normales y siempre se salía de todo. Si pones atención a las letras de sus canciones, entiendes muchas claves de su vida. En la música tropical estamos muy acostumbrados a bailar o a gozar, pero poco a escuchar las letras de las canciones".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes 10 de marzo el Grupo Niche lanzó una versión sinfónica de Hagamos lo que diga el corazón junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, trascendiendo el tiempo y la riqueza musical de las obras del inolvidable maestro Jairo Varela.Hagamos lo que diga el corazón, el gran éxito de 1991 del grupo salsero colombiano, que hizo parte del álbum ‘Llegando al 100 %’, se estrena ahora en versión sinfónica para la Edición Deluxe del Grupo Niche, en el que 101 músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, más el Grupo Niche, convirtieron éxitos salseros en nuevas creaciones artísticas para el deleite del oído de todas las generaciones.“Se puede sentir, desde los primeros compases, la majestuosidad de una perfecta fusión entre la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y el Grupo Niche, con su sección de cornos franceses, una sección de cuerdas maravillosas y el sonido del bombo sinfónico, imitando los latidos del corazón”, comenta José Aguirre, actual Director Musical del Grupo Niche en un comunicado.Este pre-estreno hace parte de esta anunciada producción sinfónica Niche Sinfónico, que incluirá 10 temas icónicos del legado de su creador. Hagamos lo que diga el corazón es uno de los temas más aclamados y cantados por toda clase de público que, en esta nueva oportunidad, se podrá disfrutar en su versión sinfónica con la orquesta de este género de mayor trayectoria en Colombia.Uno de los aspectos más importantes de este lanzamiento es la riqueza en la producción y masterización musical, en este proyecto también participan reconocidos talentos del país y de talla internacional. Ningún esfuerzo fue escatimado para este nuevo logro.El primer sencillo de esta producción ya está disponible en todas las plataformas digitales y es el comienzo para el gran lanzamiento de Niche Sinfónico. Encuentre más información en las redes sociales de la orquesta y del Grupo Niche. Escuche aquí "Hagamos lo que diga el corazón" versión sinfónica: No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra exhibirá desde retratos del siglo XVI realizados por Hans Holbein el Joven a fotografías contemporáneas de Hiroshi Sugimoto o los trajes utilizados en el popular musical 'SIX', en la primera exhibición histórica desde la reapertura de la galería de arte londinense el año pasado.Así, recogerá más de 140 trabajos con referencias a las vidas de Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Aaa de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, incluidas pinturas, dibujos, libros, fotografías o trajes, algunos nunca vistos antes.Con las diferentes obras que hablan de las seis esposas del Tudor, la National Portrait Gallery pretende "poner el foco narrativo en estas mujeres extraordinarias y no en su tristemente célebre marido", como se recoge en la nota de prensa.El objetivo es que el público aprenda sobre las relaciones de las distintas reinas con la corte y con el rey, además de sobre sus intereses, su ideología o sus creencias y valores, entre otros aspectos de sus vidas.Entre los trabajos destacados que se expondrán se encuentra un retrato de Ana de Cléveris pintado por Edgar Degas, la caja con las herramientas de escritura de Catalina de Aragón o el libro de horas de Ana Bolena.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Estas obras de la época interactúan con otras posteriores, que mostrarán cómo la cultura popular ha reinterpretado y representado a las seis mujeres, recordadas por el momento de su muerte y no por sus vidas —en inglés, existe la rima 'Divorced, beheaded, died / Divorced, beheaded, survived' ('Divorciada, decapitada, muerta / Divorciada, decapitada, superviviente')—.Como dijo el director de la National Portrait Gallery, Nicholas Cullinan, la muestra espera "generar la empatía" de los asistentes.Y también pretende "recordarnos que debemos reflexionar sobre las historias que construimos colectivamente y la facilidad con la que podemos terminar definiendo a las personas por un único momento de sus vidas", destacó.La exposición, acompañada de la publicación de un libro del mismo título escrito por la comisaria, Charlotte Bolland, permanecerá abierta durante los meses de verano hasta el 8 de septiembre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.