De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De acuerdo con TMZ, que cita fuentes policiales en Argentina, las pruebas de toxicología revelaron además que había "cristal" en su sangre, la versión argentina de la metanfetamina.Según sus fuentes, la Policía encontró una botella de alcohol en la habitación del artista, así como medicamentos recetados contra la ansiedad.La noticia de la muerte de Payne, de 31 años, el pasado 17 de octubre, causó gran conmoción en su Reino Unido natal y produjo una cascada de reacciones de pesar en las redes sociales, donde se convirtió inmediatamente en un tema del momento (trending topic).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fotos de la habitación del hotel en Palermo desde donde cayó el artista, y que publicó TMZ, muestran la pantalla del televisor destrozada, un polvo blanco sobre una mesa y diverso instrumental relacionado aparentemente con las drogas.Los resultados de la prueba parecen respaldar lo que la Policía ya ha dicho, de que las drogas pueden haber sido un factor en el posible suicidio de Liam, destaca además el sitio web.Geoff Payne, padre del artista, viajó a Argentina al día siguiente de su muerte para la repatriación de su cadáver al Reino Unido, un proceso que podría tardar entre diez y quince días.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uno de los primeros contactos de Charles Ives con la música los obtuvo al asistir a los festivales locales, en los que por las calles de su ciudad la banda de su padre (director de la banda del Ejército de los Estados Unidos) y otras bandas tocaban simultáneamente.Las lecciones musicales que recibió de su padre también tuvieron una gran importancia. George Ives tenía una visión muy abierta respecto de la teoría musical, y animaba a su hijo a experimentar en armonizaciones bitonales y politonales.Charles llegó a ser organista de iglesia a los 14 años y escribió varios himnos y canciones para los servicios eclesiales, entre ellos sus Variaciones sobre "América".Charles Ives escribía notas muy detalladas sobre sus obras. Sobre el propósito y el contexto de Central Park en la oscuridad fue escrito en 1906, cuando Ives vivía frente al parque. Compuesta para una orquesta de cámara de vientos simples, dos pianos, percusión y cuerdas, es un equivalente "urbano" de las muchas escenas rurales y de pueblos pequeños que Ives conoció. Sobre esta obra Charles Ives anotó:“Esta pieza pretende ser una imagen sonora de los sonidos de la naturaleza y de los acontecimientos que los hombres oían hace unos treinta años (antes de que el motor de combustión y la radio monopolizaran la tierra y el aire), cuando estaban sentados en un banco de Central Park en una calurosa noche de verano”.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según el pianista holandés René Eckhardt (nacido en 1980) “la gente que oyó tocar a Ives elogia su gran talento de improvisación. Representaba al piano sus fantasías más locas; hacía su comentario al respecto o cantaba con entusiasmo. Si daba rienda suelta a sus asociaciones sucedía algo extraordinario. Entonces surgían melodías, himnos y ragtimes”.Sobre su Sonata N° 1 para violín y piano Charles Ives anotó: “El primer movimiento puede, en cierto modo, sugerir algo que la naturaleza y la naturaleza humana se cantarían mutuamente, a veces. El segundo movimiento, un estado de ánimo en el que ‘The Old Oaken Bucket’ y ‘Tramp, Tramp, Tramp, the Boys are Marching’ llegaban sobre las colinas, tratando de revivir la tristeza de los viejos días de la Guerra Civil. Y el tercer movimiento, los himnos y las acciones en el campamento de agricultores incitándolos a "trabajar porque llega la noche".Esta sonata es en parte una impresión general, una especie de reflexión y recuerdo de las reuniones al aire libre de los pueblos en las que los hombres se levantaban y decían lo que pensaban, sin importar las consecuencias -de las celebraciones navideñas y los campamentos de los años 80 y 90, sugiriendo algunas de las canciones, melodías e himnos, junto con algunos de los sonidos de la naturaleza que se unen desde las montañas en algunos de los antiguos pueblos agrícolas de Connecticut.Quizás ninguna obra resuma mejor la visión de Charles Ives (de quien conmemoramos los 150 años de su nacimiento) que su Cuarta Sinfonía. Una composición más ambiciosa, tanto en la partitura como en sus múltiples capas.Eric Salzman compositor, erudito, autor, empresario, crítico musical y productor discográfico estadounidense, escribió sobre la Sinfonía N° 4 de Charles Ives: “La sinfonía generalmente está fechada entre 1909 y 1916, pero el material, las ideas e incluso el plan se remontan a años anteriores. La obra completa no se interpretó hasta 1965 (tras la transcripción del casi indescifrable final), aunque los dos primeros movimientos se tocaron ya en 1927 y la Fuga en 1933”.El Preludio, basado en el himno de Lowell Mason Watchman, Tell Us of the Night, plantea una pregunta a la que los movimientos siguientes proporcionan, o al menos proponen, respuestas. Incluso en su breve duración hay referencias a una obra anterior (la Primera Sonata para piano) y a varias canciones e himnos antiguos.Ives se refirió al segundo movimiento como "no un scherzo... sino una comedia", que fue inspirado por la historia de Hawthorne El Ferrocarril Celestial y está relacionado con el movimiento Hawthorne de la sonata Concord de Ives. En su desenfrenada multifonía se citan más de una docena de conocidas melodías estadounidenses.El Trío para violín, violonchelo y piano de Ives es también una obra abiertamente estadounidense, inspirada en recuerdos de la vida universitaria en la Universidad de Yale, donde se graduó en 1898. Las conexiones con Yale son evidentes en un boceto que Ives preparó para la portada, que dice: Trio Yalensia & Americana.Se encuentran detalles más específicos en una nota del programa que Ives envió en abril de 1948 a John Wolavar, el pianista de la primera actuación pública del Trío el 24 de mayo de 1948 en Berea, Ohio. Ives recordó una actuación privada en Nueva York aproximadamente treinta años antes. El comentario del compositor es el siguiente: “El Trío fue, de manera general, un reflejo o impresión de la época universitaria en el Campus, hace ahora 50 años”.Charles Ives fue un compositor que, antes de que surgieran las cuestiones de la identidad musical estadounidense, logró escribir música original y ajeno a los modelos europeos y lleno con el espíritu de su Nueva Inglaterra natal.La música de Ives "representa" cosas, pero de una manera más humanamente caótica que el método convencional de Grofé, como lo demuestran las tres piezas de su Set Orquestal N° 2. Una obra en tres movimientos que llevan los títulos, que recuerda la experiencia de Ives del 7 de mayo de 1915, día en que se conoció la noticia del hundimiento del RMS Lusitania, antes de la entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial.Podrá escuchar obras maravillosas de Charles Ives en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 21 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"Murió la provincia", escribió Vives en un mensaje publicado en su cuenta de X, acompañado de una fotografía en blanco y negro de Egidio Cuadrado interpretando el acordeón.Posteriormente, Vives dijo a la emisora Blu Radio que el fallecimiento de su inseparable compañero, ocurrida esta madrugada en una clínica de Bogotá, a la edad de 71 años, marca el fin de una era porque "La Provincia nació con él".Al recordar el origen de la banda, a mediados de los años 90, Vives explicó que "La Provincia era la mezcla de músicos jóvenes del rock bogotano con los músicos de provincia (...) era la mezcla de algo muy campesino con algo muy urbano"."Con la muerte de mi compadre Egidio, no me cabe la menor duda de que ese momento de la historia se fue", añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Vives, que internacionalizó la música vallenata con el primer álbum de la banda, titulado Clásicos de La Provincia (1994), dijo que "vendrán otras cosas" al referirse al futuro de su conjunto musical."Yo creo que ese nombre cambia (...) creo que con la muerte de mi compadre Egidio, definitivamente mi banda deja de llamarse así", agregó el cantautor.Egidio Cuadrado, nacido en 1953 en la localidad de Villanueva, en el caribeño departamento de La Guajira, estaba ingresado desde hace días en la Clínica Colombia de Bogotá tras sufrir una recaída de una neumonía por la que ya había estado ingresado a comienzos de año."Fueron años difíciles para él desde la pandemia", recordó Vives sobre el estado de salud de su acordeonista.Dupla exitosa en el mundoCuadrado fue coronado rey vallenato en el Festival de la Leyenda Vallenata de 1985, lo que le abrió las puertas al éxito, que cimentó años después cuando Carlos Vives lo llamó para que lo acompañara en La Provincia."La Fundación Festival de la Leyenda Vallenata lamenta el fallecimiento del Rey Vallenato 1985, Egidio Rafael Cuadrado Hinojosa, y presenta sus condolencias a su esposa Fanny Maldonado, sus hijos José Luis y Katerine, familiares, paisanos, y a su compadre Carlos Vives", publicó en su cuenta de X la organización de ese festival, el más importante de esa música.En 1993 Vives protagonizó la telenovela Escalona, inspirada en la vida del compositor Rafael Escalona, en la que Cuadrado lo acompañó con el acordeón, y al año siguiente lanzaron 'Clásicos de La Provincia', una recopilación de canciones vallenatas que convirtió a esa música del norte de Colombia en un fenómeno de ventas dentro y fuera del país.En ese álbum incluyeron canciones clásicas como La gota fría, El cantor de Fonseca, Alicia adorada, Amor sensible y Matilde Lina, entre otras que catapultaron a La Provincia a la fama.Luego vino otra docena de álbumes, como La tierra del olvido, Tengo fe, Clásicos de La Provincia II y Corazón profundo, entre otros, y la pareja de Vives y Cuadrado, acompañado siempre por el sombrero vueltiao y la mochila arhuaca que llevaba terciada, se paseó por los escenarios del mundo. Junto con Carlos Vives, Cuadrado ganó varios premios Grammy y Grammy Latinos.Egidio Cuadrado será despedido este mismo lunes con un homenaje en un cementerio del norte de Bogotá.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el fin de semana se venía especulando sobre el estado de salud del músico y acordeonero Egidio Cuadrado tras su hospitalización en la Clínica Universitaria Colombia, incluso la misma institución tuvo que desmentir los rumores de su fallecimiento. Pero en la madrugada de este 21 de octubre la clínica fue la encargada de confirmar la muerte del músico de 71 años a causa de una pulmonía."Con profundo dolor, la Clínica Universitaria Colombia, se permite informar a la opinión pública que ha fallecido en nuestra institución el artista vallenato Egidio Cuadrado", se lee en el comunicado de la clínica, en el que añaden “Nos unimos al dolor que embarga a los colombianos por la pérdida de este gran músico que dedicó su vida a la difusión y conservación del vallenato, llevando la música de la región Caribe a escenario nacionales e internacionales”.Y es que la trayectoria de Cuadrado, pese a estar estrechamente relacionada al cantante Carlos Vives desde hace treinta años, inició mucho antes, si quiere, podríamos remontarnos a su infancia, cuando desde los seis años ya daba luces de su don con el vallenato y el acordeón.Nacido el 26 de febrero de 1953 en Villanueva, La Guajira, Cuadrado fue hijo de Agustín Cuadrado y Cristina Hinojosa, su madre, quien se encargaría de regalarse su primer acordeón siendo muy niño. En su natal Villanueva, cuna de acordeoneros y dinastías vallenatas, Egidio se formó empíricamente en su instrumento. Con el acordeón interpretó rancheras y por supuesto, vallenatos.Con veinte años, en 1973, Egidio se dio a conocer en el medio al ganar como mejor acordeonero en el Festival de la Leyenda Vallenata en la categoría de “rey aficionado”. Desde entonces participó en parrandas y festivales. Una de las más famosas, tuvo lugar un 18 de septiembre, durante las fiestas del patrón de Villanueva, Santo Tomás, cuando un famoso Rafael Escalona mandó llamar al joven acordeonero para animar la parranda.Incluso, la relación de Egidio con Escalona, trascendió lo musical, pues la hermana del músico, la nombrada Dina Luz, fue pareja de Escalona. Desde entonces, Cuadrado volvió a participar en el Festival Vallenato, ahora en la categoría profesional, en 1983 y 1984, quedando en ambas ocasiones en segundo lugar.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Finalmente en 1985, tras interpretar en su acordeón canciones de Escalona como El mejoral y La vieja Sara, y otras canciones, se llevó el título de rey vallenato, coronado por un jurado que incluía a leyendas vivas del acordeón como Alejandro Durán, Lorenzo Morales, Emiliano Zuleta Baquero y Adolfo Pacheco.La música de Escalona lo acompañaría por muchos años más, pues en 1990 fue convocado por el director Sergio Cabrera y el guionista Bernardo Romero Pereiro para hacer parte del elenco de la telenovela Escalona, protagonizada por Carlos Vives.Allí se afianzó la cercanía de Vives con el vallenato, pero también nació su relación con Egidio, juntos le dieron un nuevo aire a los clásicos de Escalona, en la televisión y en las emisoras del país. Tras el éxito de esta producción, juntos iniciaron un camino de fusión de géneros, teniendo el vallenato como base y alimentándolo de gaitas e incluso elementos del rock y el pop, lo que Vives daría a conocer como “el rock de mi pueblo”, más adelante.El 17 de agosto de 1993 publicaron el álbum Clásicos de la provincia, un homenaje y una revolución al vallenato tradicional que sería la esencia de La provincia, la agrupación que hasta hoy en día se mantiene como la banda de Vives.Durante su carrera conjunta, grabaron más de 11 discos juntos y viajaron de gira alrededor del mundo, Egidio, acompañado siempre del sombrero vueltiao, estuvo presente en la revolución del vallenato, la antesala al vallenato nueva ola, e incluso, en La Provincia, fue precursor de lo que conoceríamos como tropipop, una mezcla de ritmos pop que se alimentó principalmente del vallenato. En 2021, como reconocimiento a su trayectoria fue galardonado con uno de los premios del Consejo Directivo de la Academia del Grammy Latino. "Agradecer principalmente a Dios por darme vida, a mis padres José Agustín y Cristina por inculcarme valores y a nunca darme por vencido, a mi esposa Fanny por creer en mí, por su amor y su apoyo incondicional, a mis hijos José Luis y Katherine por su amor, por permitirme ser su padre y amigo, a mis nietos por enseñarme el valor del amor desinteresado y a reencontrarme con mi niño interior, a mis hermanas y hermanos por su afecto total y constancia, a mi compadrito Carlos Vives por su amistad verdadera, por su confianza y lealtad", escribió en sus redes sociales tras recibir el premio. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los autores, investigadores de la Facultad de Medicina de la Universidad de California Northstate, han analizado los estudios existentes sobre el potencial de la música para ayudar a las personas a recuperarse tras una intervención quirúrgica.En total, han revisado 3.736 trabajos científicos y se han centrado especialmente en los 35 que incluían datos preciosos sobre el impacto de la música en la reducción de la sensación de dolor y la ansiedad, así como mediciones de la frecuencia cardíaca y el consumo de opiáceos como calmantes tras una cirugía.Su conclusión es clara: la reducción de los niveles de cortisol que se produce al escuchar música, ya sea a través de auriculares o de un altavoz, facilita la recuperación de los pacientes especialmente en cuatro ámbitos.Menos sensación de dolorLos pacientes que escucharon música experimentaron una reducción estadísticamente significativa del dolor al día siguiente de la intervención quirúrgica, en base a dos baremos de medición científicos: la Escala de Calificación Numérica (alrededor de un 19 % de reducción) y la Escala Visual Analógica (alrededor de un 7 % de reducción).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En todos los estudios analizados, los niveles de ansiedad que declararon los pacientes se redujeron de media un 3 %, en función de las escalas de medición de este trastorno.Los enfermos que escucharon música consumieron menos de la mitad de morfina que los que no escucharon música el día después de la intervención: una media de 0,758 miligramos frente a los 1,654 de los que no escucharon música.Y en cuarto lugar, quienes escucharon música experimentaron una reducción de la frecuencia cardíaca (alrededor de 4,5 latidos por minuto menos) en comparación con los pacientes que no lo hicieron.Este último dato, señalan los autores en un comunicado, es “clave” porque mantener la frecuencia cardíaca de un paciente dentro de un rango saludable, ya que permite que el oxigeno y los nutrientes circulen mejor por todo el cuerpo y, en particular, por las zonas operadas.Una terapia barata, sencilla y eficaz“Aunque no podemos sostener específicamente que los pacientes sientan menos dolor, los estudios coinciden en que los pacientes perciben que sienten menos dolor, y eso es igual de importante”, enfatiza uno de los autores, Shehzaib Raees, investigador de Medicina de la Universidad de California Northstate.“Cuando los pacientes se despiertan tras una intervención quirúrgica a veces se sienten muy asustados y no saben dónde están. La música puede ayudar a facilitar la transición de la fase de despertar a la vuelta a la normalidad, así como ayudar a reducir el estrés en esa transición”, señala otro de los autores, Eldo Frezza, profesor de cirugía en la misma universidad.“A diferencia de otras terapias, como la meditación o el pilates, que requieren una concentración o movimiento considerables, escuchar música es una experiencia más pasiva y puede ser incorporada por los pacientes sin gran coste o dificultad inmediatamente después de la operación”, agrega.Los estudios revisados no controlaron el tiempo durante el cual escucharon música los pacientes ni qué tipo de música, pero el equipo de California planea llevar a cabo un programa piloto para evaluar el uso de la música en el entorno quirúrgico y en la unidad de cuidados intensivos.“Creemos que la música puede ayudar a la gente de diferentes maneras después de una cirugía, se ha probado que reconforma y hace sentir al paciente como si estuviera en un lugar familiar, y estos dos factores son fundamentales en la recuperación”, concluye Raees.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El tema, definido por su discográfica como "un guiño canalla al mundo" ante el momento vital que vive el artista tras el anuncio de su retirada, cuenta como coautores con Benjamín Prado y Leiva, este también como encargado de la producción, de los arreglos y de tocar algunos de los instrumentos junto a Carlos Raya (guitarras), César Pop (teclados) y José Bruno (batería).En un bar se desarrolla el videoclip que lo acompaña, "un homenaje a todas y cada una de las personas que forman (y han formado parte) de la vida" de Sabina, en el que el protagonista se confiesa a altas horas de la noche con un barman y poco a poco se le van uniendo en la barra "amigos, compañeros de viaje, familia y gente querida"."Si este va a ser, como él dice, el último videoclip de Joaquín Sabina, su último vals, no quedaba otra que salir a bailar con él", dijo León de Aranoa en declaraciones recogidas por Sony Music sobre los motivos que le han llevado a volver a colaborar con su amigo tras dirigirle también en el documental sobre su vida Sintiéndolo mucho (2022).Junto con estas novedades, el cantante también dio a conocer que serán 16 las ciudades españolas que acojan su gira de despedida, llamada 'Hola y adiós', a partir del que ofrecerá el próximo 1 de mayo en Gran Canaria Arena tras su paso previo por América.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue el pasado mes julio cuando se anunció en un comunicado la intención de Sabina "despedir unas canciones que nunca más serán cantadas ante miles de personas por su propio autor, que jubila su faceta de trotamundos guitarra en ristre celebrando su propia supervivencia con este convite de despedida".En el mismo se precisó que "ya no habrá más periplos interminables por recintos multitudinarios" tras esta gira, aunque el artista de 75 años se guarda en la manga "el as de reaparecer a placer, sea porque las musas le susurren poemas o canciones que merezca la pena compartir, o porque le piquen las ganas de subirse a cualquier entarimado para darse, darnos, un homenaje".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hay más de 41 aves en este audio, más de tres anfibios, hay ranas, hay hasta un jaguar, tenemos capturada una ballena también en el Pacífico, que tienen un sonido increíble, capturamos también sonidos de la naturaleza, el viento, el mar y la lluvia para enriquecer mucho más el ambiente", explicó a Blu radio el productor musical Miguel de Narváez, encargado de integrar meticulosamente los sonidos.Junto a un equipo de biólogos, este músico viajó durante diez días por las regiones Caribe, Pacífico, de los Llanos Orientales y algunos páramos para registrar con micrófonos "muy sofisticados" la antología de sonidos."Lo que hicimos fue primero grabar todo, lo que más pudiéramos, y después sí determinar cuáles (pájaros) estaban en las tonalidades que necesitábamos, porque el himno está en la tonalidad original del himno nacional y no todos los pájaros nos servían", explicó de Narváez.La composición sonó en algunas emisiones radiales este miércoles, en vísperas de la COP16 sobre biodiversidad que se celebrará en Cali entre el 21 de octubre y el 1 de noviembre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El gobierno de Colombia también lanzó recientemente una canción para la cumbre que corea el lema de "paz con la naturaleza" al ritmo de marimba, tambores y otros sonidos del Pacífico colombiano.Según el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF), Colombia "tiene la mayor diversidad de aves en el mundo: en total son 1.935 especies de aves identificadas hasta ahora". Le sigue Perú, que ha registrado 1.879 especies, según un informe oficial de este año.Las poblaciones de animales salvajes han perdido en promedio el 73 por ciento de sus individuos en 50 años, de acuerdo a WWF.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La policía de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, dio a conocer este jueves, 17 de octubre, el informe preliminar de la autopsia realizada por el cuerpo forense argentino que investiga el caso de la muerte del artista británico Liam Payne, quien se hospedaba en un hotel del barrio de Palermo.De acuerdo con el director del Sistema de Atención Médica de Emergencia de la ciudad, Alberto Crescenti, “a las 17:04 a través del 911 fuimos alertados de una persona que estaba en el patio interno del hotel Casa Azul. A los minutos arribó un equipo de cercanía del SAME que comprobó el fallecimiento de este hombre que después nos enteramos que era de un conjunto musical. Presentaba lesiones incompatibles con la vida producto de su caída”.Ahora, el informe del cuerpo forense explica que Payne falleció por “politraumatismo” con “hemorragia interna y externa”. En la habitación del hotel donde se hospedaba el cantante, la policía encontró entre otros un teléfono, presuntamente de Payne, una botella de whisky, clonazepam, pastillas energizantes, entre otros. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los demás elementos encontrados en el lugar fueron trasladados a un laboratorio para analizar su composición y de Payne, todavía está pendiente por darse a conocer el reporte toxicológico, que, se espera, sea explicado en un próximo reporte de la Fiscalía encargada del caso. Hasta ahora, los excompañeros de One Direction, no se han pronunciado frente al deceso de Liam. Por otro lado, La St Peter’s Collegiate Academy, del que el joven fue alumno, emitió un comunicado lamentando la pérdida. “Estamos profundamente entristecidos al enterarnos del repentino fallecimiento de nuestro ex alumno, Liam Payne. Durante su tiempo en St Peter’s Collegiate Academy, Liam no solo era querido por sus compañeros y profesores, sino que también era reconocido por sus talentos. Tuvo un impacto positivo en nuestra comunidad escolar, y sus contribuciones serán recordadas”.Entre 2010 y 2016 Liam fue uno de los integrantes de la exitosa banda One Direction. En 2011, lanzaron su primer álbum, Up All Night, seguido por Take Me Home, en 2012; Midnight Memories, en 2013; Four, a finales de 2014 y finalmente Made in the AM, en 2015, el que sería su último disco como banda.Después de cuatro giras mundiales y su quinto álbum, la banda decidió hacer una pausa indefinida, tras lo cual cada uno inició su carrera como solista y también en otras facetas como la actuación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Shakira agotó sus cuatro fechas en Colombia tras la venta general el pasado 10 de octubre y la nueva fecha en Bogotá, agendada para el próximo 27 de febrero en el estadio El Campín. Los conciertos en Barranquilla, Medellín y Bogotá están completamente vendidos e incluso agotó la boletería de su segunda noche en Bogotá en hora y media. Ahora, también cantará por una segunda noche en Barranquilla el viernes, 21 de febrero de 2025, completando así cinco fechas en su paso por Colombia, dentro de su gira "Las mujeres ya no lloran", lo que supone un récord en la historia de los conciertos de la barranquillera en el país.Su gira por América Latina comenzará el 11 de febrero en Río de Janeiro, luego visitará Sao Paulo, Lima, las fechas en Colombia, Santiago, Buenos Aires y terminará con tres fechas en México.Hasta la fecha, la superestrella mundial ha agotado las entradas para 17 espectáculos en estadios en la primera etapa internacional de su gira mundial "Las Mujeres Ya No Lloran", acumulando más de 800 mil entradas vendidas y contando.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Las Mujeres Ya No Lloran World Tour es un homenaje a la popular música de Shakira, con una mirada hacia el futuro. Inspirada en su álbum “Las Mujeres Ya No Lloran”, esta gira promueve un mensaje de empoderamiento y fortaleza, que Shakira busca transmitir a varias generaciones de fans, quienes nunca la han visto en vivo o a esos que llevan varios años esperando su regreso", menciona Paramo presenta en un comunicado.Las venta de boletería, con culquier medio de pago, estará disponible desde este 18 de octubre a las 10:00 a.m. a través de eticket. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Páramo Presenta (@paramopresenta)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La serie será fruto de un acuerdo de Amazon con King y con el cineasta (también especializado en terror) Mike Flanagan, que ya han colaborado juntos en otros proyectos como Gerald's Game (2017) y Doctor Sueño (2019).Aunque las novelas de King se han llevado al cine en numerosas ocasiones y con gran éxito -baste recordar El Resplandor, Misery, It o Los chicos del maíz-, no han sido muchas las series basadas en novelas del reputado escritor, hoy declarado enemigo de Donald Trump.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El caso de Carrie es especial teniendo en cuenta que tanto la novela, de 1974, como la adaptación de tono 'gore' que hizo Brian de Palma en 1976, se convirtieron ambas en clásicos respectivos de la novela y del cine de terror, tanto que el filme de De Palma tuvo una secuela para el cine, un 'remake' para televisión y una nueva versión en 2013, con diferente fortuna.Carrie, escrita cuando King tenía 27 años, contiene todos los elementos del universo del escritor: una adolescente inadaptada hija de una madre fanática religiosa, que posee el don de la telequinesia (traslado de objetos con la mente) y que es víctima del 'bullying' en un instituto de una ciudad estadounidense donde los muchachos viven la explosión hormonal. Todo termina en una monumental tragedia llena de sangre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.