La gobernación de Sianlurfa, fronteriza con Siria, confirmó la detención sin dar más detalles. El agente de prensa del músico, quien no quiso dar su nombre, dijo que el hombre de 55 años sería liberado "en cuestión de horas".La estrella del electro folk sirio es acusada de "ser parte de la organización terrorista PKK/YPG", según el diario progubernamental Yeni Safak y la agencia de prensa DHA.Omar Souleyman, que reside desde hace unos años en Turquía, fue detenido en Sanliurfa, a 50 km de la frontera siria.Ankara considera que las Unidades de Protección Popular (YPG, por sus siglas en kurdo), la principal milicia kurda en Siria, son una rama del Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK), clasificado como "terrorista" por Turquía, la Unión Europea y Estados Unidos.Las canciones de Souleyman, como "Warni Warni", que cuenta con casi 100 millones de visualizaciones en YouTube, le han abierto las puertas de los principales festivales internacionales. Inició su carrera cantando en bodas en Siria y en sus vídeos, aparece con una kufiyya roja y negra y lentes de sol.Tras el inicio de la guerra civil en Siria en 2011 se instaló en la vecina Turquía, donde abrió una panadería.
No lleva tutú, pero sí una falda de volantes y en puntas de pie, la bailarina encadena saltos mientras con sus manos suena las castañuelas. Está en el escenario del Teatro Real de Madrid, donde el público acudió la noche del jueves a admirar esta mezcla de géneros en una sala por primera vez abarrotada desde que se inició la pandemia del covid-19, gracias al fin de las restricciones. "Antonio es desde luego uno de los grandes de España y un genio de la danza en el mundo", afirma Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España (BNE). "Abrió las puertas del mundo para la danza española", con su mixtura de flamenco, bolero, folclore y "danza estilizada", que mostró ante la reina de Inglaterra o el rey Faruk de Egipto, prosigue.Nacido en 1921 en Sevilla con el nombre de Antonio Ruiz Soler, fue un niño prodigio que se abrió camino desde muy joven junto con su compañera Rosario. Con mucho talento, esta pareja artística, que perduró por más de dos décadas, actuó frente al rey español Alfonso XIII en 1929. Adolescente, Antonio el Bailarín se va de España con su compañera durante la Guerra Civil (1936-1939) para hacer una gira por América Latina, antes de desembarcar en 1939 en Estados Unidos, donde conquistará el corazón del público.Tras cosechar gran éxito en el Carnegie Hall de Nueva York, el dúo aparece en películas de Hollywood como "Zigfield Girl" (1941), "Sing another chorus" (1941), "Pan-Americana" (1945) o "Hollywood Canteen" (1944). Una escena de este último filme ilustra a la perfección la danza española: en blanco y negro, se ve a Antonio y Rosario bailar dando vueltas, mientras palmean y ejecutan saltos y figuras, antes de entregarse a un largo "zapateo"."Era amigo de Nureyev, de grandes bailarines del mundo, que lo adoraban porque él era un enamorado de la danza clásica también", dice Rubén Olmo. "Puso la danza masculina española en primer término, en el primer plano, porque ya en esa época todavía el hombre estaba acompañando a la mujer", continúa. Bailarín del BNE, José Manuel Benítez dice sentir orgullo "de realizar esta pieza" de Antonio, personaje muy presente "en el conservatorio"."Predomina la espectacularidad, predomina el carácter antes que la técnica" y el público "lo que busca es esto: Es emoción, es carisma", describe.Tras pasar doce años en Estados Unidos, Antonio el Bailarín vuelve a Madrid en 1949 con Rosario, pero decide emprender una carrera en solitario, en la que su arte se expandirá en todo su esplendor. En la película "Flamenco" de Edgar Neville (1952), interpreta un "martinete", un cante flamenco que hasta entonces no había sido coreografiado. Actuó en largometrajes británicos, franceses e italianos y entabló amistad con actrices como Audrey Hepburn o Ava Gardner, con el cantante francés Maurice Chevalier y con John F. Kennedy, presidente estadounidense de 1961 a 1963. Cartas subastadas en 2000 lo atestiguan.En 1979, tras medio siglo de carrera y una última gira por Japón, Antonio el Bailarín se retira. Muere en 1996.El tiempo pasa, pero "sus obras siguen y siguen, no pasan de moda", estima Miriam Mendoza, miembro del BNE.Para algunos, el coreógrafo alumbró un sello "Hecho en España": "Normalmente en el extranjero, la gente le dice flamenco. ¡Pero no sólo es el flamenco!", exclama Mendoza.Sobre el escenario del Teatro Real, entre oles, los músicos marcan el ritmo con sus palmas, mientras se mueven los mantones, las faldas de cola y las telas de lunares. Rubén Olmo quería ser fiel a "la esencia". Luego de meses con salas semivacías por la pandemia, "se nota la energía de un teatro lleno", se emociona el bailarín José Manuel Benítez.
El baterista de los Rolling Stones, Charlie Watts, murió en Londres a los 80 años, según anunció su agente en un comunicado oficial. Watts murió internado en el hospital y rodeado de su familia, luego de haber anunciado, semanas atrás, una intervención delicada que lo dejó por fuera de la última gira de la banda. Lea también: "Por primera vez en mi vida estoy a destiempo", Charlie Watts, baterista de The Rolling Stones.El baterista, que cumplió 80 años en junio, llevaba en los Stones desde 1963. Junto con el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, Charlie Watts era uno de los miembros más antiguos de la famosa banda de rock, en la que también han participado Mick Taylor, Ronnie Wood y Bill Wyman.En 2004, Watts fue tratado en el Hospital Royal Marsden de Londres de un cáncer de garganta, del que se recuperó tras una batalla de cuatro meses contra la enfermedad, incluidas seis semanas de radioterapia intensiva."Charlie era un amado esposo, padre y abuelo y también, como miembro de los Rolling Stones, uno de los más grandes bateristas de su generación", afirmó Doherty. "Pedimos que se respete la intimidad de su familia, de los miembros de la banda y de los amigos cercanos en este difícil momento", añadió.
Ahora de 28 años, Jerhonda Pace cuenta que cuando tenía 16 tuvo relaciones sexuales durante unos seis meses con el músico originario de Chicago. Pace lloró ante el jurado al leer partes del diario en donde escribió que el cantante la cacheteó: "Si le vuelvo a mentir, la próxima vez no será un golpecito", leyó.También narró una vez en que el cantante la ahorcó durante una disputa hasta que se desmayara, antes de tener relaciones sexuales. Según el relato, le pedía llevar ropa de niña exploradora y hacerse trenzas para cumplir sus fantasías durante el acto que grababa en video.Pero dijo que un día "se cansó", luego de una última relación sexual. "Volví a mi casa y lo conté todo", explicó.Durante el contrainterrogatorio, uno de los abogados trató de presentar a Pace como una "groupie' que "acosaba" al cantante cuando acabó la relación. Pace negó esa afirmación.La víctima, una de las seis del proceso, acusa también a R.Kelly de haberle transmitido entonces un herpes genital sin avisarle que estaba contagiado con la enfermedad de transmisión sexual.El médico del cantante caído en desgracia, Kris McGrath, confirmó haberle prescrito un tratamiento desde 2007.El músico de 54 años, conocido mundialmente por éxitos como "I Believe I Can Fly", es juzgado en un tribunal federal de Brooklyn por extorsión, explotación sexual de menor, secuestro, corrupción y trabajo forzado entre 1994 y 2018.Según el acta de acusación dirigía una red que reclutaba y preparaba jóvenes chicas a tener relaciones sexuales con él. Las encerraba en su cuarto de hotel cuando estaba de gira. Estrella mundial, fue acusado varias veces de abusos sexuales, pero fue absuelto de pedopornografía durante un juicio en 2008. Si es condenado por todos los cargos, R.Kelly arriesga entre 10 años y prisión a perpetuidad.
"Lollapalooza se fundó en base a la diversidad, inclusión, respeto y amor. Con eso en mente, DaBaby ya no se presentará en Grant Park", dijo en Twitter el festival basado en Chicago. Los músicos Young Thug y G Herbo ocuparían su lugar, dijo Lollapalooza.DaBaby, cuyo nombre real es Jonathan Lyndale Kirk, provocó un generalizado rechazo durante un concierto a fines de julio, cuando fue acusado de difundir información errónea sobre el virus VIH y el SIDA. "Si hoy no apareciste con VIH, SIDA, cualquiera de esas enfermedades de transmisión sexual que te harán morir en dos, tres semanas, enciende tu teléfono celular", dijo a una multitud en Miami, según videos divulgados en redes sociales.También hizo comentarios homofóbicos y lanzó afirmaciones insultantes acerca de las mujeres. Grandes nombres de la música, entre ellos Elton John, quien encabeza una fundación contra el SIDA y Madonna que vieja promotora de investigaciones sobre el virus y la enfermedad, cuestionaron a DaBaby, de 29 años, por desinformar y contribuir a estigmatizarLlamaron al joven de 29 años por difundir información errónea y contribuir al estigma en torno a las enfermedades. "La desinformnación sobre el HIV y la homofobia no tienen cabida en la industria musical. Debemos romper el estigma sobre el HIV y no diseminarlo", dijo la fundación de Elton John en Twitter.Ante la ola de críticas, DaBaby se disculpó en Instagram pero de inmediato fue criticado ferozmente por decir en su video que sus fans gays no tienen SIDA porque "tienen clase" y no son "cochinos" ni "adictos". De nuevo se disculpó y lo hizo por Twitter. Admitió haber dicho algo "insensible", pero dijo que no fue intencional.DaBaby fue nominado este año al Grammy del disco del año por "Rockstar". Tras encabezar los rankings durante meses por "Rockstar", lanzó una versión en la línea Black Lives Matter referida a las protestas antirracistas desatadas el año pasado luego de la muerte del afroestadounidense George Floyd por un policía blanco que lo tenía bajo custodia. En esa versión incluyó frases sobre sus propias experiencias de abuso policial.
La periodista mexicana María Cortina, amiga y confidente de la cantante mexicana Chavela Vargas, con quien escribió en 2009 Las verdades de Chavela, ha vuelto al “universo” chaveliano con un libro inédito que se propone afianzar la “memoria del futuro”. Así definía la cantante mexicana sus ansias de ser recordada, algo que parece garantizado y no solo en el caso de Cortina, quien responde afirmativamente, sin dudar, cuando se le pregunta si Chavela Vargas: entre García Lorca y Pedro Páramoes fruto de la añoranza. Cortina ha escrito un libro sobre sus conversaciones y anécdotas con Chavela Vargas, a la que conoció en España en la recta final de su vida, cuando la cantante de La llorona y Macorina dejó el alcohol y reinició su carrera con “más sabiduría”. Su segundo libro sobre Chavela Vargas es una obra que Cortina define como “un dique contra el olvido” y un tributo a su “maestra de vida”. Almodóvar y José Alfredo Jiménez, los amigos más fielesPor sus páginas transitan personas muy conocidas, entre ellas el director de cine español Pedro Almodóvar y el cantante mexicano José Alfredo Jiménez, los cuales, según Cortina, fueron los amigos más grandes de la cantante nacida en Costa Rica, pero afincada en México desde los 17 años (el 17 de abril cumpliría 102 años).De Almodóvar, que alguna vez dijo que “Chavela Vargas no va a reencarnar porque ya es la reencarnación de Chavela Vargas”, Cortina ha tomado la idea de que la cantante tuvo tres momentos decisivos en su vida de los que surgió distinta cada vez. Esas “reencarnaciones” fueron su viaje a México a los 17 años, su regreso a los escenarios a los 72, tras una ausencia de más de una década en la que se perdió en el alcohol, y a los 93 años, poco antes de que su corazón dejara de latir. También le puede interesar: La vida de Mercedes Sosa llegará a la pantallaEl libro lleva el antetítulo de “Conversaciones con María Cortina”, porque conversar, además de acompañarla en su etapa triunfal en España, es lo que Cortina (quien era agregada de prensa de la embajada de México en Madrid por aquellos años) más hizo con la “Dama del poncho rojo”, como la apodó el cantante Joaquín Sabina. También la visitaba una vez a la semana en la casa de Cuernavaca, donde pasó los últimos años de su vida, después de su último viaje a España, que hizo con 93 años.“Estaba muy sola, la mayor parte del tiempo solo con sus enfermeras”, dice Cortina, quien destaca que a la vez su página oficial en internet cada día tenía más seguidores. Después de su muerte, el 5 de agosto de 2012, se llenó aun más de personas jóvenes que decían en sus mensajes cuánto les hubiera gustado conocerla en vida.García Lorca y Juan RulfoChavela tampoco conoció nunca al poeta español Federico García Lorca, pero lo “hizo tan suyo como una canción de José Alfredo”, dice Cortina al explicar el título de su nuevo libro. Cuando iba a Madrid, la cantante se alojaba en la Residencia de Estudiantes, una institución que tuvo como alumnos a García Lorca, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros. Tomaba siempre la habitación del poeta granadino, asesinado en 1936 durante la Guerra Civil Española, y decía “con total naturalidad que por la noche había escuchado sonar el piano y había bajado para conversar con Federico”, recuerda Cortina. Tanto se identificaba con el autor de Romancero gitano, que su último disco se lo dedicó a él.El mundo de Pedro Páramo, la novela del escritor mexicano Juan Rulfo, forma también parte del universo de Chavela Vargas, a quien encantaba esa novela de un pueblo, Comala, cuyos habitantes están todos muertos. Cortina cuenta que un día una gitana en Madrid le dijo que alguien le había echado mal de ojo y ella se lo contó a Chavela, quien le pidió que no se preocupara pues iba a hablar con “Don Juan”, en referencia a Rulfo (que llevaba años muerto), para arreglarlo. Después le dijo que no se espantara si por la noche, en su habitación, escuchaba el ruido de un sombrero al caer al piso. “Así lo sentí, igual que siento la presencia de Chavela ahora”, dice Cortina, quien, sin embargo, afirma no creer en parapsicología ni espíritus.En su última conversación con ella, la cantante, que “veía cosas que los demás no veían” y era famosa por sus “frases contundentes”, le dijo que no tenía miedo a morir y aceptaba que se iba ir, pero también que “seguiría por aquí”. “Minutos después de aquella confesión, me pidió que llevara a la habitación del hospital donde se encontraba internada el medallón que los chamanes de la comunidad huichola le entregaron cuando la nombraron Gran Chamana. Lo tuvo puesto hasta el final”, recuerda.“Quienes todavía lloramos al escuchar su canto, quienes pensamos en ella cuando nos duele el alma, los que nos empeñamos en deshilvanar sus verdades, los que la invocamos cuando nos urge un trago de coraje, sabemos que desde el 5 de agosto de 2012 Chavela vive su tercera vida”, dice la periodista en el libro. Sobre el arte de su maestra, Cortina afirma que “cuando Chavela canta frente al que sabe escucharla, no desnuda el alma. Lo que en realidad hace es que consigue que el intruso la deshabite para que solo quede uno mismo”.
Desde el primer respiro, cada nuevo ser está embebido por la posibilidad. Con el inicio, con el primer pálpito, la vida empieza y así va escribiéndose. Para la mayoría de las personas en América Latina, supone un esfuerzo máximo hacerse una vida, por lo menos, decente. Cada paso es más bien un arañazo, una meta que se cruza y no hay tiempo de celebración o descanso, porque la vida es, sobretodo, una cuesta arriba que ninguno termina de conquistar. Después de todo ese trecho, a nadie se le ocurre que, de repente, por voluntad y orden de uno o unos pocos, la vida de esa persona se convierta en una cifra. Un titular en mayúscula con letras rojas. Una página de periódico impresa cientos de veces, hasta inundar la ciudad con un nombre. Una pared pintada en la calle que pregunta de manera tácita “¿dónde está?”. Un cuerpo que no aparece por más que se visiten casas, calles y hospitales.Entonces regresa el cuerpo, a veces por el cauce del río o el descubrimiento de un hueco en la tierra que alberga en él los huesos de quienes son extrañados. Una vida arrebatada es también una familia rota, el principio de una ausencia perenne y honda que se funde en el tiempo con un duelo inacabado. Con una justicia inexistente. Lea también: "¿Quiénes son?: una acción ciudadana por la paz".Dentro de los muchos matices que existen entre los países de América Latina, hay un rasgo terrible que nos hermana: nuestros relatos sobre la desaparición y la violencia. Desde el momento de fundación de nuestros pueblos hasta la actualidad, nos han inscrito en la historia como espectadores de la muerte. A todos la guerra nos ha robado algo, sin embargo, es innegable reconocer que han sido los grupos históricamente vulnerados quienes han cargado con el peso de la violencia sobre ellos, sus familias y territorios. Le puede interesar: "Un periódico de ayer, un podcast sobre la huella del pasado en el presente".Ante la incapacidad estatal de proteger a las comunidades, garantizar justicia reparación y no repetición, el arte ha sido un punto de encuentro en el que la víctimas logran sentir alivio. A través del tejido, la música, acciones performáticas y diferentes expresiones artísticas, se abre un camino para tramitar el dolor que, si bien no termina el ciclo de duelo o búsqueda, es un medio de construcción de memoria que permite aprender a vivir con la herida. Las obras e incluso los cuerpos de quienes participan se convierten en medios, ceden su piel, voz y movimiento para que tomen forma quienes no están y vuelvan al encuentro de quienes los buscan, aunque sea por un momento.Estas apuestas políticas por parte de los artistas, son indispensables para narrar el presente y abrir un espacio para contar las historias que no hacen parte de la agenda noticiosa, para seguir exigiendo respeto por las vidas. Aquí recordamos algunas de las muestras más recientes que van desde el Cauca hasta República Dominicana, pasando por ríos, cuerpos y cantos.After SchoolDesde su primera entrega en el mundo de las letras y la música, Rita Indiana ha generado el mismo efecto es quienes la leen y escuchan: necesidad de repetir. Hay que volver sobre lo que canta para entenderla y permitir que todas las verdades que enuncia, se agolpen en la memoria. Así lo hizo con “El Juidero”, su primer álbum en estudio y diez años después, La Montra regresa con “Mandinga Times”, un disco compuesto por 10 canciones, tres de ellas conforman el performance After School.A lo largo de 13 minutos, La Montra transita entre el bolero y el afro punk para hacer memoria sobre tres episodios dolorosos que han marcado el continente. "The Heist", inaugura la sesión. Se trata de una melodía inspirada en el spaghetti western - un subgénero cinematográfico - sobre el robo de un depósito de Wells Fargo que tuvo lugar en 1983 por Los Macheteros, un grupo guerrillero urbano de Puerto Rico que ha buscado desde 1976, la independencia de Puerto Rico de los Estados Unidos.“Hay un dolor peregrino que nunca va a descansar, es el dolor de una madre que a su chamaco quiere encontrar. Hay una voz prodigiosa que no se cansa de hablar, la voz airada y hermosa del estudiante de una normal”. Sentada frente al micrófono, acompañada de una guitarra, Rita Indiana cierra los ojos y aprieta la garganta al cantar "Pa 'Ayotzinapa", un bolero grunge que ha escrito en honor a los 43 estudiantes de la escuela rural de Ayotzinapa, México, que fueron secuestrados y desaparecidos a manos de la policía municipal de Iguala, Guerrero, entre el 26 y 27 de septiembre del 2014. “Y aquí en el pecho tatuado, traigo sangriento un 43”.Finalmente, una descarga con la única fuerza de La Montra cierra el episodio con "Mandinga Times", la canción principal del nuevo álbum de la artista, una advertencia en clave afro punk para dejar claro que el tiempo se acaba. After School fue grabado en agosto del 2020, en un aula de La Goyco, una de las más de 300 escuelas públicas cerradas en Puerto Rico por el exgobernador Ricardo Roselló. Cuenta con la dirección de Noelia Quintero Herencia y con la participación de Eduardo Cabra, MIMA y Kiko el Crazy. Véanlo aquí.Ríos rojos: eje ambientalDe acuerdo con el Instituto de Estudios para el Desarrollo y la Paz (Indepaz), en lo corrido del 2020, 215 personas han sido asesinadas en 55 masacres perpetradas en el país. En cañaduzales, a la entrada de sus casas, en medio de reuniones familiares, la falta de presencia del Estado ha dejado un trecho libre para que los que todavía se oponen a la paz, arrebaten la vida de los más inocentes. Ante la negativa de verdad y justicia por parte de las instituciones encargadas, y de acuerdo con las declaraciones del Alto Comisionado para la Paz, Miguel Ceballos, el presidente Iván Duque y el ministro de Defensa Carlos Holmes Trujillo, la única causa de esta oleada de la violencia es el narcotráfico. Mientras extienden condolencias en redes sociales, la sangre de los vulnerados, olvidados y varias veces desterrados sigue derramándose y, de nuevo, ante la situación sanitaria del país, solo nos queda lamentarnos desde la distancia porque la crudeza de la muerte no llega de esa forma a la ciudad. No llega.Pero como en otras ocasiones, las aguas, los ríos, han sido el medio para contar esa verdad que nos ocultan. La mañana del lunes 7 de septiembre, las aguas del Eje Ambiental, un corredor ubicado en el centro de la capital del país, se tiñeron de rojo como una metáfora ante el derramamiento de sangre de los últimos meses en el país. Con betaína de remolacha, desde hace tres días el agua ensangrentada fluye entre la carrera primera y la tercera.Sin embargo, por aterradora y cruel que parezca la imagen, siguen sin haber respuestas. En el peor de los casos, esta acción - de autor aún desconocido - puede convertirse en paisaje, como sucede con los titulares que reúnen los nombres de los fallecidos, como una formalidad del lenguaje.Otras imágenes del Eje Ambiental. #SantaFe pic.twitter.com/71GG7m6yxt— Hernando Franco 🌻 EDIL SANTA FE (@HernandoFranc0) September 9, 2020"Un país que siembra cuerpos"Durante el Paro Nacional, en noviembre del 2019, la creatividad y el arte se tomaron las calles en todo el país. Arengas, danzas y escudos narraron la inconformidad de miles de Colombianos que se apropiaron de las calles para exigir condiciones dignas, defensa de la vida y cumplimiento de los acuerdos de paz. En la ciudad de Medellín, un colectivo realizó una performance en honor a los más de 700 líderes sociales que fueron asesinados durante ese año.La acción fue cruda. De un puente colgaban tres cuerpos mutilados, sangrando y pendiendo en las alturas entre telas rojas. Sobre los artistas se leía un letrero que decía “Un país que siembra cuerpos”, inscrita en letras ensangrentadas sobre una bandera del país. Lea también: "Todo el poder para la gente: el paro sigue con música y cacerolas".¿Quién los mató?Detrás de los "cinco cuerpos" hay un nombre, una familia y una historia interrumpida por la violencia. Jair Andrés Cortés, Jean Paul Cruz, Luis Hernando Preciado, Arturo Montenegro y Leider Hurtado fueron encontrados muertos la noche del martes 11 de agosto, en inmediaciones de un cañaduzal cercano al barrio Llano Verde, oriente de Cali. Aunque el hecho está en investigación, nos negamos a caer en el discurso de criminalización de estos jóvenes. Sus vidas importan y por eso hay que nombrarlos.Las voces de cantaoras y artistas de la región acompañaron la despedida de Jair Andrés Cortés, Jean Paul Cruz, Luis Hernando Preciado, Arturo Montenegro y Leider Hurtado. Al ritmo de alabaos, toda la comunidad de Llano Verde dió el último adiós a los jóvenes, en medio del parque del barrio. Los nombramos y recordamos para no olvidarlos, para que las vidas de los niños y niñas del país reciban la importancia que merecen.“Madre, no llegaré a la hora de la cena. Aparecí en un lugar que no era mi hogar”. Un reclamo en forma de pregunta es el que hacen en esta canción Hendrix, Nidia Gongora, Junior Jein y Alexis Play.
Halloween (1978)Con un enfoque minimalista, el cineasta John Carpenter compuso en 1978 el tema musical principal de una película que cambió el género del terror para siempre.Carpenter tenía 30 años cuando hizo Halloween, cinta iniciática del llamado subgénero slasher, donde contaba la historia de Michael Myers, un maniático que regresa a su ciudad natal para continuar una tarea que inicio 15 años atrás.Halloween fue la primera entrega de una saga de siete películas que incluye dos reinicios, todo un éxito en la historia del cine.Holocausto caníbal (1980)Esta polémica película italo-colombiana lanzada en 1980 cuenta la historia de un grupo de jóvenes que viaja a la selva del Amazonas para filmar un documental.Pese a que la cinta fue prohibida en varios países por sus imágenes violentas, es todo un objeto de culto entre varios especialistas del género debido, en gran parte, a su banda sonora, compuesta por el italiano Riz Ortolani, que inicia de manera amigable, casi engañando a la audiencia sobre lo que se verá a continuación.The Thing (1982)El italiano Ennio Morricone compuso en 1982 la banda sonora de The Thing (La Cosa), película de John Carpenter basada en la novela de 1938 escrita por John W. Campbell Who Goes There?Aunque en su momento no gozó de fama y la recaudación en salas de cine no superó los 20 millones de dólares, críticos elogiaron los efectos especiales y la repulsión que algunas escenas de The Thing transmite a la audiencia.Candyman (1992)Dirigida por Bernard Rose y lanzada en 1992, Candyman es la versión cinematográfica de una popular historia corta llamada ‘Lo Prohibido’, del escritor británico Clive Barker.La música compuesta por Philip Glass es de lo más destacado de esta cinta, que ha sido criticada por parecer un “slasher de bajo presupuesto”.The Shining (1980)Un clásico imperdible del cine de terror de todos los tiempos. La película The Shining (El Resplandor), del director Stanley Kubrick, está basada en la novela homónima del bestseller Stephen King y narra la historia de Jack Torrance, un profesor que acepta un puesto como vigilante en un hotel durante un frío invierno.La música de la compositora estadounidense Wendy Carlos acompaña a la perfección este relato que lleva a la audiencia por el camino hacia la locura, acompañado por extrañas visiones y escenas de violencia.
El camino hacia la locura se aborda de diversas maneras en la recientemente estrenada Joker, que mientras genera críticas y reacciones de todo tipo, lidera la taquilla internacional. Mientras unos debaten si es la mejor película basada en cómics, otros alertan sobre la posible inspiración que su argumento podría generar en quienes quieran cometer actos de violencia.Ajeno a ese debate moral y ético parece estar la música que el director del filme, Todd Phillips, eligió para acompañar la historia de un atormentado Arthur Fleck, interpretado de manera magistral por Joaquin Phoenix, que lleva de la mano a los espectadores por una ciudad (Gótica) marcadamente individualista, cínica y materialista. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. Lea también: Viajar al espacio y caer al vacío: reseña de la película Ad AstraEste es un recorrido hacia el borde del abismo que a simple vista pareciera una experiencia específica, individual, pero que en realidad cuenta una historia universal, de muchas maneras.El relato está marcado por el ritmo movido del R&B y el funk, la tranquilidad y pausas del jazz, y la rabia del rock, que convergen con las imágenes y sentimientos del personaje, ayudando a entrever sus preocupaciones, miedos y demonios.La primera canción de la cinta es Temptation Rag, una antigua pieza de piano con un ritmo acentuado en tiempos impares (primero y tercero). Es, también, un sonido que sitúa a la audiencia geográficamente en el lugar de la acción; históricamente, el ragtime fue el primer género netamente estadounidense, de ahí su influencia para el jazz y que al escucharse casi de inmediato sea fácilmente asociado a espectáculos circenses de ese país.La película también cuenta con piezas originales compuestas por la islandesa Hildur Guðnadóttir, que diseñó un sonido sombrío que coincide con la historia del Príncipe Payaso del Crimen.Estas piezas son matizadas con algunos clásicos de la música norteamericana como la balada Send in The Clowns, interpretada por Frank Sinatra, el apacible R&B Everybody Plays The Fool, de Main Ingredient, o el single pop de la década de 1950 That's Life, que representa una añoranza por tiempos mejores, en un modo típico del cine de drama y policíaco de antaño.Conforme avanza la historia, la música da un nuevo vuelco y la guitarra folk de Jackson Frank con My Name Is Carnival evoca la historia del hombre solitario que no se adapta al sistema, tal vez en una aspiración a ópera americana, cuando Arthur enfrenta momentos financieros y personales cada vez más difíciles.El despertar del Joker estalla con la furia del rock con canciones como White Room de Cream o la segunda parte de Rock ‘n’ Roll de Gary Glitter, que representan el que será el rumbo definitivo de un personaje que se oculta en un lugar donde el sol nunca brilla y las sombras huyen de sí mismas.
Con motivo de la celebración de los 140 años del Museo de Antioquia, se inauguró una exposición en la Sala Mural que tiene como eje central "Escena con jinete", un mural de Fernando Botero creado en 1960 y que se había dado por perdido, luego de cambios de ciudad y la construcción de un pasaje comercial en Nueva York.Bajo esa técnica, Botero pintó tres ejemplares al fresco y este es el único que se encuentra en Colombia, ahora como parte del catálogo del Museo. "Escena con jinete" hace parte de la exposición que se ha presentado como "una conversación sin fin que iluminará como un faro, el paso de una generación a otra”.Botero ganó la convocatoria en 1959 para pintar la obra del hall del edificio donde se ubicaría el Banco Central Hipotecario en la calle Colombia en Medellín. Entre febrero y abril de 1960, cuando estaba cercano a cumplir 28 años, pintó el mural. De acuerdo con Comfama, “está inspirado en los cuentos antioqueños y en la infancia del pintor que, lejos de una mirada inocente propone un gesto misterioso que algunos estudiosos del arte han comparado con el Guernica de Pablo Picasso”.Tras la liquidación de la entidad a inicios de la década de 1990, el edificio fue acogido por una caja de compensación familiar hasta el 2014, cuando finalmente se convirtió en un paseo comercial. La obra perdió su espacio y reconocimiento, por lo que las entidades se propusieron desde el 2018, trasladarlo para su conservación. El mural es el ejemplar más grande que ha pintado el artista (2,55 por 9,07 metros).Sin embargo, trasladar el mural era todo un reto, por su tamaño, razón por la que tuvo que ser divida en dos partes, de esta manera podría ser traslada del centro comercial. Cuando por fin se pudieron trasladar las piezas a las afueras del museo, las lazaron con una grúa de 30 toneladas para entrarlas por el segundo nivel del edificio, “hay que volver a constituirlo como pieza única y juntar las dos partes”, contó María del Rosario Escobar, directora del Museo de Antioquia, en entrevista con El Tiempo."Vamos a quitar con todo el cuidado y la rigurosidad operativa un pedacito de piel para que el corte sea perfecto y el mural pueda viajar hasta su nuevo cuerpo. Allí, adaptándolo al resto del legado del maestro, completará su sentido”, aseguró Estefanía González, responsable de Bibliotecas y Centros Culturales de Comfama. Esta obra se suma a 188 obras más de botero, entre ellas las esculturas donadas por él mismo al museo. “Es la forma en la que el museo le da las gracias al maestro Botero, lo vincula y le dice que lo mantenemos presente”, afirmó Escobar.
El scroll sostenido se ha convertido en una constante de todos las páginas principales, en distintas redes sociales. Luego de las imágenes en instagram, los videos rápidos que popularizaron distintas canciones y retos se han convertido en el nuevo formato de moda de los universos digitales. Precisamente, esa relación de cercanía con la música ha llevado a las plataformas de streaming a apropiarse de la tendencia y proponer nuevos espacios para sus usuarios. Spotify ha incluido en su feed Discover, un espacio de navegación vertical que presenta videos musicales cortos y conecta a través del audiovisual, las canciones que reproducen los usuarios en la plataforma. Chris Messina, parte del equipo de desarrolladores de Spotify, dijo a través de su Twitter que los videos breves que aparecen en esa sección, funcionan bajo la lógica de tiktok: toble tap para like o deslizar para saltarlo. En el feed de Discover de cada usuario figurará el contenido con el que interactúe constantemente cada usuario, luego, el contenido de manera intuitiva selecciona sus preferencias gracias a los algoritmos con base en los artistas que escucha normalmente cada persona. "En Spotify, realizamos una serie de pruebas de forma rutinaria en un esfuerzo por mejorar nuestra experiencia de usuario. Algunas de esas pruebas terminan allanando el camino para nuestra experiencia de usuario más amplia y otras sirven solo como un aprendizaje importante. No tenemos más noticias que compartir en este momento”, agregó el portavoz de la aplicación en entrevista con TechCrunch.La función aún no se ha activado para todos los usuarios, tampoco se ha fijado una fecha por parte de Spotify. Cabe recordar que los desarrolladores de la aplicación ya han intentado adaptar el formato en la aplicación. Su primer esfuerzo fue con historias, una idea heredada de Snapchat que tomarían Instagram, Whatsapp, facebook e incluso, twitter. EEn spotify, esa función permitía esa a los usuarios presentar sus propias listas de reproducción seleccionadas, pero esa opción nunca estuvo disponible para todos los países. Discover, basada en videos de Spotify, podría ayudar a presentar a los usuarios música nueva y ofrecer una forma de señalar sus intereses a Spotify en un formato familiar.
Después de casi dos años de que la industria de la cultura y el entretenimiento enfrentó el cierre de los escenarios, en el más duro periodo por la pandemia y la crisis sanitaria del Coronavirus, vuelve Misi Producciones a encender el espíritu de la navidad con el estreno del musical El Compositor de Sueños, en alianza con la Universidad del Rosario, Colsubsidio y El Tiempo.A partir del 4 de diciembre subirá el telón del Teatro Colsubsidio, para darle vida a esta nueva historia enmarcada en un viaje de ilusión, fantasía, música, color y personajes mágicos. Original de Juan Mondragón y Felipe Salazar, El Compositor de Sueños, llevará al público de regreso al teatro musical clásico, que surge de la necesidad de devolverle la fe y la esperanza al mundo después de estos duros momentos, con la alegría que produce la libertad de volver a disfrutar los espectáculos.Esta es una historia enmarcada en la tras escena de un teatro y que muestra todo lo que ocurre en la preparación de un musical de Navidad, con todos los personajes que hacen parte de un montaje. El protagonista es un compositor, Gabriel (Juan Mondragón), responsable de componer la música del espectáculo, que no se pudo estrenar debido al cierre de los teatros, y pierde así su inspiración.En medio de la desesperanza que atraviesa Gabriel, aparece en su vida un personaje llamado Belén (Juliana Reyes), la musa que llega para ayudarle a salir de su tristeza, devolverle la ilusión y recuperar su inspiración. De su mano, Gabriel logrará salir de su bloqueo, gracias a la magia de la Navidad y a sus personajes de fantasía que, desde el más clásico hasta el más mágico y animado, cobrarán vida y mostrarán la verdadera aventura de Navidad con los elfos, los renos, los osos y personajes fantásticos.Será la oportunidad para volver al teatro clásico, a lo esencial, con los recursos tradicionales, en donde la escenografía que enmarca el mundo del teatro es protagonista, al igual que los personajes que se mueven en la tras escena, que nunca vemos, y que son importantes en esta historia.La obra cuenta con más de 30 artistas, una orquesta conformada por 14 músicos bajo la dirección del maestro Ricardo Jaramillo, con las orquestaciones de Larry Hochman, Moisés Herrera y Andrés Prieto, con la música original de María Isabel Murillo, Leonardo Palacios y Juan Mondragón, con el diseño de vestuario de Juliana Reyes, el diseño de iluminación de Humberto Hernández, el diseño de escenografía de Hernán Peñuela, el diseño de sonido de Alejandra Bernal, la dirección actoral de Christian Ballesteros, la dirección musical de Leonardo Palacios, coreografía de Richard Palomares, Vanessa García y Felipe Sánchez, con libreto de María Clara Torres, Laura Orduz, Ricardo Aponte y Juan Mondragón, bajo la dirección general de Felipe Salazar.Las funciones se presentarán en el Teatro Colsubsidio de jueves a domingo, los días jueves y viernes a partir de las 7:30 p.m., los sábados desde las 3:30 p.m. y 7:30 p.m., y el domingo con única función a las 4:00 pm. Las boletas se encuentran en TuBoleta y en las taquillas del teatro.
Han pasado 140 años desde que el Museo de Antioquia abrió sus puertas por primera vez, el 29 de noviembre de 1881, hasta convertirse en una de las instituciones culturales más importantes de la región y del país. Para conmemorar el aniversario, el público podrá disfrutar de manera gratuita y hacer los recorridos guiados por las salas y mediante los cuales podrán conocer más sobre las obras y sus artistas, entre ellas, “Escena con Jinete”, un mural del maestro Fernando Botero que fue trasladado hasta ese recinto después de un proceso largo de restauración pictórica y logística.El museo originalmente fue fundado en 1881 con el nombre de Museo y Biblioteca de Zea, en honor a Francisco Antonio Zea, uno de los próceres que participó en la Independencia. El 20 de julio de 1882 se realizó la apertura oficial y en ese entonces, Manuel Uribe Ángel, médico y geógrafo, pronunció un discurso en el que destacó el carácter educativo y pedagógico de este lugar. Medio siglo después, a partir de 1936, el museo permaneció cerrado hasta que la Sociedad de Mejoras Públicas inició una campaña para fortalecerlo hasta que abrió sus puertas definitivamente el 28 de mayo de 1944.Entre 1950 y 1984, el Museo de Antioquia se especializó en el campo artístico. Durante su historia son varias mujeres las que han estado a carggo de su dirección: Débora Arango, Emma Mejía, Carmen Salazar, Teresita Mejía, son algunas de ellas. En 1977 se cambió el nombre de Museo de Zea a Museo de Arte de Medellín Francisco Antonio Zea. Posteriormente se propuso que se llamara Museo de Antioquia para darle más identidad cultural y manifestar su compromiso con la región.A partir de 1993 y bajo la dirección de Lucrecia Piedrahita, el museo fortaleció su capacidad educativa. En 1997, bajo la jefatura de Pilar Velilla, se concentró en la sede nueva, en el Palacio Municipal, y en la donación de Botero. El 15 de octubre se abrió la sede nueva del museo y casi un año después, se inauguró la Plaza de las Esculturas Fernando Botero. En el 2016, María del Rosario Escobar fue nombrada como nueva directora y desde entonces se ha caracterizado por un liderazgo que ha acercado el museo a la ciudad y ha creado armonía y unidad entre las obras existentes.Además del ingreso libre, el Museo de Antioquia celebra su aniversario con la exhibición de “Escena con jinete”, un mural de Fernando Botero que fue trasladado desde el Centro Comercial Nueva York hasta una de sus salas, el pasado 15 de agosto. Gracias al apoyo de Comfama, Argos, el ministerio de Cultura, esta obra fue movida y restaurada para que la gente de la ciudad pueda apreciarla. De acuerdo con su actual directora, “esta obra es de una belleza y una rareza única. Representa el cierre de un ciclo: su permanencia en Medellín y en Colombia. Después de pintarlo, él (Fernando Botero) salió de la ciudad y el país y comienza un periplo que lo lleva a su reconocimiento"."Al mismo tiempo, el mural presenta un estilo que Botero estaba cultivando y que se suma a una tradición del paisaje y la representación pictórica latinoamericana y colombiana. Es la representación de un hombre a caballo con todo lo que eso significa en la tradición artística y una escena un poco confusa y también metafórica de un relato épico. Junto a los murales que el maestro Pedro Nel Gómez pintó, se suma a tejer estos relatos, y empieza a representar de manera ajustada de todo aquello que el museo ha hecho durante estos 140 años de trabajo por el arte colombiano”, dijo.
Cuando la profesora Sweta Gyanu Baniya, de Virginia Tech, vio un ornamentado collar nepalí del siglo XVII en el Instituto de Arte de Chicago, estalló en lágrimas, se inclinó y comenzó a rezar. Ahora un video que ella subió a redes sociales convirtió a la pieza en blanco de activistas patrimoniales que indagan para recuperar algo de los miles de bienes sacados durante décadas del país del Himalaya.Solo unas pocas reliquias han hecho el viaje de regreso, pero han llegado desde algunas de las principales instituciones culturales del mundo y crece la presión para obtener más. El entonces rey de Nepal ofreció el collar recubierto de oro adornado con piedras semipreciosas a Taleju Bhawani, la diosa patrona de su dinastía malla, en 1650. Su templo en Katmandú solo abre al público un día por año, pero las autoridades removieron la pieza para resguardarla en 1970, tras lo cual desapareció. Baniya contó a AFP que su reacción cuando visitó el museo de Chicago en junio fue "simplemente abrumador". "Comencé a llorar al frente de él, comencé a rezar como lo haría en un templo", recordó."Yo tenía tantas preguntas, como ¿por qué estaba aquí?, ¿cómo llegó aquí?", agregó. Aun tiene trazos de pigmento bermellón usado en rituales hindúes, y el video de Bankiya en Twitter llevó a que las autoridades nepalíes contactaran al museo para recuperarlo. El Instituto de Arte de Chicago señala en su página web que el collar fue donado por la Fundación Alsdorf, que la adquirió en 1976 de un comerciante en California. El sacerdote Udhav Kamacharya ha trabajado 26 años en el templo. Al mirarlo comentó: "Sentí que la diosa aún reside aquí". "A veces decimos que los dioses ya no están aquí, pero lo están. Es por eso que fue hallado pese a estar en una tierra extranjera", agregó.Nepal es un país profundamente religioso y sus templos hindúes y budistas son parte integral de la vida cotidiana de su población. Pero muchos desconocen sus antiguas esculturas, pinturas, vitrales y puertas, robadas a veces con ayuda de funcionarios corruptos, luego de que el país se abrió al mundo en los años 1950, para alimentar los mercados del arte de Estados Unidos, Europa y otros sitios."Nuestro arte para nosotros no es solo arte, son dioses para nosotros", dijo el especialista en patrimonio Rabindra Puri, quien hace campañas para repatriar piezas nepalíes robadas y ha reunido una colección de réplicas para un museo que piensa crear. En junio, la oficina de París de la casa de subastas Bonhams debió cancelar la venta de cinco ídolos de cobre y bronce recubiertos de oro, sacados de un templo en los años 1970, ante la presión de autoridades y activistas nepalíes.La subasta fue identificada por Lost Art of Nepal, una página de Facebook que ha publicado cientos de objetos históricos y religiosos, señalando su ubicación. "Hemos visto templos vacíos, santuarios vacíos, pedestales vacíos y toranas rotas por todas partes en el valle de Katmandú, dijeron los administradores de la página en un mensaje de correo electrónico. "La magnitud de la pérdida de patrimonio es mucho mayor de lo que se conoce o se ha publicado".Ídolos andróginosLos robos continúan hasta el día de hoy, especialmente en remotos monasterios, y los activistas quieren que esto se convierta en una cuestión delicada para compradores y coleccionistas, como los diamantes de zonas en conflicto o el marfil de elefante. En medio del debate sobre la devolución de piezas históricas a sus lugares de procedencia, como los mármoles de Elgin de Grecia o los bronces de Benín de Nigeria, los nepalíes consiguen recuperar a cuentagotas parte de su patrimonio.Este año obtuvieron seis piezas y las autoridades buscan más en Francia, Estados Unidos y Reino Unido. En marzo, el Museo de Arte de Dallas y el FBI devolvieron a Nepal una escultura andrógina de piedra fechada entre los siglos XII-XV de la deidad hindú Laxmi-Narayan. Este mes será reinstalada en el templo donde se encontraba ubicada inicialmente y del que había desaparecido en 1984.El museo había albergado la estatua durante 30 años, pero un tuit de la profesora de crimen en el arte Erin L. Thompson preguntándose sobre su origen provocó una investigación. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York también entregó una escultura de piedra del siglo X del dios hindú Shiva en septiembre, el tercero que ha devuelto a Nepal desde 2018. En Bhaktapur, los fieles veneran otro ídolo andrógino de Laxmi-Narayan, protegido detrás de una puerta de hierro cerrada con llave.Las mujeres embarazadas mantienen la antigua tradición de ofrecerle aceita para predecir el género del bebé. Pero es una réplica, cuyo original desapareció a principios de los 1980. Badri Tuwal, de 70 años, recuerda que los lugareños lloraron el día de la desaparición. "No sabemos dónde está, pero espero que algún día podemos celebrar su regreso", dijo.
