¿Qué nos depara el futuro? ¿cuál será la mejor decisión? ¿qué ropa usar? ¿cómo será nuestra vida profesional y personal en el futuro? son algunas preguntas recurrentes que se hacen muchas personas. Para algunas no hay una respuesta clara aparente, así que el gigante de la música por demanda, Spotify, decidió darle a sus usuarios una “ayuda” para responder preguntas del futuro con canciones.“Oráculo musical” es la nueva alternativa que Spotify tiene para interactuar con sus usuarios. A través de una interfaz que apela a lo místico, a las energías y una música ambiental que transmite el olor a incienso, usted puede usar esta opción para hacerle preguntas predeterminadas, a la aplicación sobre estudios, amigos y familia, amor, profesión, grandes misterios de la vida, su futuro, sobre usted, estilo y comida.“Las respuestas a tus preguntas a través de una canción”, de acuerdo con la aplicación, “es una experiencia inspirada en el cosmos que les permite a los usuarios hacer preguntas y recibir ‘respuestas’ con el formato del título de una canción”.Antes de usar esta opción, tenga en cuenta la aclaración de que es una experiencia diseñada con fines de entretenimiento, así que no es una fuente seria de consejos o determinante para tomar decisiones importantes en su vida.Dicho eso, le contamos cómo puede acceder a esta entretenida opción en cinco sencillos pasos. Tenga en cuenta que debe usar la opción desde su celular, pues no está disponible para computadores.Busque en su aplicación de Spotify “Oráculo musical” como género musical y seleccione el resultado.Aparecerá de inmediato la pantalla de inicio donde debe seleccionar “empezar”.A continuación elija el tema de su interés sobre el que quiere obtener una “respuesta”.Haga clic en la opción “presiona para escribir”, escoja una de las preguntas sugeridas y seleccione “enviar”.Mantenga pulsada la pantalla para generar una respuesta y así obtendrá una canción a modo de contestación.Con una canción como resultado, usted podrá reproducir la canción, volver a hacer preguntas o compartir la pregunta y la canción en sus redes sociales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo se eligen las respuestas de “Oráculo musical”?Spotify carga las preguntas que considera que serían las más frecuentes entre los usuarios. Sin embargo, si desea otra pregunta, puede optar por la alternativa “preguntar por mí”. Para dar una respuesta, se elige una canción de forma aleatoria. “No podemos dejar de enfatizar esto: Oráculo musical no tiene nada de mágico”, advierte la aplicación.¿Qué es un oráculo?A propósito de esta tendencia que apela a la historia grecorromana y a lo místico, les contamos un poco acerca de los oráculos. En la literatura y en el cine sobre la mitología griega es común ver a un oráculo, una persona que actúa como medio entre lo humano y lo divino.Un oráculo, de acuerdo con estas narraciones, es capaz de comunicarse con los dioses o entidades divinas para proporcionar respuestas, predicciones o consejos sobre asuntos importantes. Usualmente está representado en sacerdotisas o figuras religiosas, que además están asociados a interpretaciones de lo femenino, de la virginidad o de la pureza.Por ejemplo, en la famosa película Zack Snyder, 300, el líder de los espartanos, Leónidas, recurre al oráculo para decidir si ir a la guerra o quedarse con su pueblo durante las festividades religiosas. El oráculo predijo en la cinta dos caminos posibles, que Leónidas se quedara con su pueblo, bajo el riesgo de ser invadidos por los persas, o ir a combate para evitar la invasión y morir. Ya sabemos cuál fue el resultado.Uno de los oráculos más famosos es el Oráculo de Delfos, ubicado en el templo de Apolo en Delfos, Grecia. Se creía que la sacerdotisa de Delfos, conocida como la Pitia, entraba en trance y canalizaba las palabras de Apolo en forma de profecías y respuestas a las preguntas de los visitantes, como lo vimos en esta cinta.Otras culturas como la china y la egipcia también tenían sus oráculos. En el antiguo Egipto, el Oráculo de Amón era consultado por faraones y líderes en busca de orientación divina en asuntos políticos, militares y personales. Con el paso de los años y de la propagación del cristianismo estos rituales se consideraron paganos y su popularidad disminuyó, aunque dejaron importantes lugares históricos y arquitectónicos, como el templo de Amón en el desierto de Siwa.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los organizadores fueron criticados en la pasada edición al no programar a ninguna cantante en la escena principal, por lo que han evitado cometer el mismo error en la próxima edición, del 26 al 30 de junio."He soñado con este momento toda mi vida", reaccionó en Instagram la cantante británica Dua Lipa, en su primera presencia en el escenario principal en Glastonbury, después de haber actuado en 2016 y 2017.La cantante de raíces albanesas, intérprete de una larga serie de éxitos estos últimos años, que sacará pronto su tercer álbum, prometió "una noche inolvidable" en Glastonbury, su "lugar preferido en el mundo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.SZA, cantante estadounidense de R&B alternativo, que ganó tres premios Grammy en febrero, será también por primera vez cabeza de cartel en Glastonbury.PJ Harvey, Cindy Lauper y Janelle Monae también estarán en la programación del festival.La canadiense Shania Twain, conocida por sus éxitos "Man! I Feel Like A Woman!" y "You’re Still The One", y que ha vendido más 100 millones de copias de sus álbumes a lo largo de su carrera, también estará entre las cabezas de cartel.Coldplay vuelve a estar entre los cabezas de cartel, tras su última aparición en 2016, en su quinta presencia en el festival, un récord, después de debutar en 2002.Little Simz, LCD Soundsystem, Burna Boy, The Last Dinner Party e incluso Camila Cabello y Avril Lavigne serán otros de los artistas incluidos en la programación de un festival para el que ya no hay entradas, que se vendieron en noviembre en menos de una hora.Para poder plantar una carpa en el festival había que desembolsar 360 libras (unos 460 dólares), lo que permite disfrutar, a menudo entre lluvia y barro, de los conciertos de uno de los eventos musicales más famosos del mundo.Desde su nacimiento en 1970, "Glasto", en plena campiña inglesa, ha visto desfilar a los mejores cantantes del mundo.La edición de 2023 terminó con el último concierto británico de la gira de despedida de Elton John.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desarrolladas en Europa a lo largo de los siglos XVIII y XIX, las sinfonías hacen parte fundamental de la música clásica y es en este género en el que han surgido obras maestras de grandes compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Johannes Brahms.Pese a las diferencias estilísticas y estéticas que han variado a través de los años, los distintos tipos de sinfonías comparten características que las hacen fáciles de identificar. Por ejemplo, desde su composición, una sinfonía está pensada para ser interpretada por una gran orquesta sinfónica; es una obra completa, y a la vez compleja, que consta de varios movimientos conectados a través de motivos musicales recurrentes.En su mayoría, las sinfonías están compuestas por cuatro movimientos tradicionales: Allegro, Adagio, Minueto y Finale. Ahora, si bien esta es la estructura tradicional, la cantidad de movimientos y su organización puede variar según el compositor y la época en que se escribió.La Sinfonía n.º 5 en Si bemol mayor, Op. 55, compuesta en 1937 por el director de orquesta y pianista soviético Dmitri Shostakovich es un ejemplo de sinfonías en tres tiempos. En este caso, una variación que además responde a la evolución de este género durante el siglo XX.Para hacerse idea de cómo suenan los movimientos tradicionales de una sinfonía esta es una breve explicación que le ayudará a identificarlos: El movimiento inicial, Allego, generalmente es rápido y en forma sonata, lo que significa un contraste entre dos temas musicales.En segundo lugar, el Adagio se caracteriza por ser más lento y por tener una expresión lírica y emotiva. A menudo, este movimiento proporciona un contraste con el primer movimiento en términos de tempo y estado de ánimo.El tercer movimiento, tiene una variación importante a través del tiempo. En el siglo XVIII es un Minueto, pero en el siglo XIX, este movimiento suele ser un Scherzo, más rápido y enérgico. Finalmente, el último movimiento, Finale, busca un cierre dramático de la obra, rápido y en forma de sonata.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cuáles son los tipos de sinfonía?Pasando de los movimientos y lo que tienen en común las sinfonías, a través del tiempo han surgido diferentes corrientes en el género sinfónico. Tienen variaciones en sus estilos y en algunos casos, en su estructura.La Sinfonía de la era clásica es tal vez, la más conocida. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son algunos de los compositores más relevantes de este movimiento que se caracteriza por obras con un equilibrio formal, claridad estructural y desarrollo temático. Se desarrollaron durante el período clásico, aproximadamente entre los siglos XVIII y principios del XIX.Siguiendo con Beethoven como referente, el compositor alemán también cuenta con obras pertenecientes a la Sinfonía romántica. Su Sinfonía No. 3 en Mi bemol mayor, Op. 55, mejor conocida como la Sinfonía Heroica es un claro ejemplo de esta corriente; más expansivas en términos de longitud y de contenido emocional, con un reflejo del espíritu revolucionario y heroico que caracteriza al Romanticismo.La sinfonía romántica expandió los límites estructurales y expresivos que venían de la forma era clásica durante el siglo XIX. Johannes Brahms, Pyotr Ilyich Tchaikovsky y Gustav Mahler fueron otros de los artistas que desarrollaron obras bajo este tipo de sinfonía.Otro tipo de sinfonía es la Sinfonía programática. Estas obras de larga duración hacen de la música un recurso descriptivo, que narra una historia. Usualmente estas obras están inspiradas en un argumento literario o en una narración propia del compositor que se ve reflejada en cada movimiento de la sinfonía.Eventos históricos, paisajes, literatura o una autobiografía son algunos de los temas que se pueden apreciar en estas obras. Escrita en 1830, Sinfonía Fantástica del compositor francés Hector Berlioz, es un ejemplo de este movimiento, en su obra narra una historia autobiográfica a través de la música.Finalmente, nos encontramos con las Sinfonía de vanguardia. Adentrada en el siglo XX, en este tipo de sinfonía los compositores hacen cambios en la estructura e incluso en la instrumentación. Pueden llegar a ser experimentales, cambiando de ritmos, armonías y estructuras. Un ejemplo es la Sinfonía de los Cantos de las Aves de Olivier Messiaen compuesta en 1956. Esta obra explora los sonidos de las aves y la naturaleza utilizando técnicas musicales no convencionales y una amplia gama de colores orquestales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
René Peréz Joglar, mejor conocido como Residente, anunció su próxima gira Las Letras Ya No Importan. La noticia llega pocas semanas después del lanzamiento de su último álbum homónimo. De acuerdo con la información publicada por el artista puertorriqueño, la gira iniciará el 14 de septiembre en Barcelona, España, y se extenderá hasta el 7 de diciembre en su natal San Juan, Puerto Rico.El turno para Colombia será el 12 de octubre en Bogotá, para ser más precisos, en el Movistar Arena. “Este regreso de Residente a Colombia promete un show enérgico, frenético que todos sus fans han estado esperando desde su última visita el país”, asegura en un comunicado la productora de eventos Bizarro Live Colombia, encargada del paso de Residente por la capital.La última vez que el René estuvo en Colombia, fue en septiembre de 2023, siendo uno de los artistas principales del Festival Cordillera en el Parque Simón Bolívar de Bogotá.La gira, además de Bogotá, contará con presentaciones en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Las ciudades elegidas para presentar el show de “Las Letras Ya No Importan” son Barcelona, Madrid, Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile, Lima, Bogotá, Quito, Ciudad de México, Tegucigalpa, Ciudad de Guatemala, San Salvador y San Juan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cuándo y dónde comprar boletas para el concierto de Residente?En Colombia, la tiquetera encargada de la distribución de las boletas es TuBoleta. Para este evento se han organizado tres etapas distintas de venta así:Preventa Movistar: 14 de marzo desde las 9:00 a. m. hasta el 15 de marzo a las 8:59 a. m.Preventa Banco Falabella: 15 de marzo desde las 9:00 a. m. hasta el 18 de marzo a las 8:59 a. m.Venta Público General: 18 de marzo a las 9:00 a. m. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Bizarro Live Colombia (@bizarroliveco) “Las Letras Ya No Importan”, el álbumPese a que el lanzamiento del más reciente álbum de Residente se esperaba a finales de 2023, el puertorriqueño decidió posponerlo para este 2024. En diciembre, el cantante publicó un video en sus redes sociales en el que aclaraba que la razón para no estrenar sus nuevas canciones y videos músicales era el malestar que le generaba la guerra que hoy sigue ocurriendo en Gaza; afirmó no sentirse "bien" e "indiferente" "frente a todo el genocidio macabro que destruye lentamente a Palestina".Finalmente, en febrero de este año conocimos el nuevo disco que llegó siete años después del lanzamiento de su primer álbum como solista Residente, en 2017, luego de una larga trayectoria haciendo parte de Calle 13.El álbum Las Letras Ya No Importan está compuesto de 23 temas y una larga lista de artistas invitados. Entre ellos, Penélope Cruz, Ricky Martin, Busta Rhymes, Vico C, Big Daddy Kane, Rauw Alejandro, Christian Nodal, Arcángel, Jessie Reyez, Silvia Pérez Cruz, Ibeyi, WOS, Nino Freestyle, Amal Murkus, SFDK y AI2 El Aldeano. Los videos que acompañan las canciones fueron dirigidos por el propio René.El álbum, que tiene destacados éxitos como This Is Not America, René, Quiero ser baladista, con Ricky Martin; Problema Cabrón, con WOS; Ron En El Piso y 313, con Penélope Cruz y Silvia Pérez Cruz, debutó en el número dos de la lista de Spotify de “Top Albums Debut Global” con su lanzamiento.Esta última canción es un homenaje en memoria de Valentina, una amiga cercana de Residente que trabajó con él y tocaba el violín. Además, en el álbum incluye una nota de voz de su amiga y habla sobre el significado de 313.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El jazz es un género musical que ha cautivado a oyentes de todo el mundo con su improvisación creativa, ritmos sincopados y expresión emocional única. Originario de los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el jazz ha evolucionado a lo largo de los años, fusionando una variedad de influencias culturales y estilos musicales para crear un arte verdaderamente diverso y vibrante.Orígenes del JazzEl jazz tiene sus raíces en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, donde se gestaron las primeras formas de música de jazz a finales del siglo XIX. Surgió como una amalgama de tradiciones musicales africanas y europeas, así como de la influencia de la música folclórica del Caribe. Se dice que el jazz es una fusión de elementos rítmicos africanos, armonías europeas y técnicas de improvisación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Diferenciándose de otros génerosLo que distingue al jazz de otros géneros musicales es su énfasis en la improvisación y la interacción musical entre los intérpretes. A diferencia de la música clásica, donde la partitura es la guía principal, en el jazz los músicos suelen improvisar sobre una estructura armónica básica, creando solos espontáneos que reflejan su creatividad y destreza técnica. Además, el jazz tiende a ser más fluido y flexible en términos de ritmo y estructura, permitiendo una mayor libertad de expresión para los músicos.Grandes exponentes del jazzEl jazz ha dado lugar a una plétora de talentosos músicos a lo largo de su historia. Algunos de los mayores exponentes del género incluyen a Louis Armstrong, considerado uno de los padres fundadores del jazz moderno y conocido por su distintiva voz rasgada y su habilidad para tocar la trompeta; Duke Ellington, un brillante compositor y líder de banda que dejó un legado duradero con su orquesta; Charlie Parker, pionero del bebop y virtuoso del saxofón; Miles Davis, cuya exploración de diferentes estilos y su continua innovación lo convierten en una figura emblemática del jazz; y John Coltrane, cuyo enfoque espiritual y búsqueda incansable de la excelencia musical lo convierten en una leyenda del jazz.Algunas canciones recomendadas"Take Five" - Dave Brubeck Quartet"So What" - Miles Davis"What a Wonderful World" - Louis Armstrong"Blue Train" - John ColtraneEstas canciones representan una muestra de la riqueza y diversidad del jazz, desde el swing clásico hasta el avant-garde experimental. Cada una de ellas ofrece una experiencia auditiva única y captura la esencia del género en sus distintas formas.El jazz es mucho más que un género musical; es un lenguaje universal que trasciende las barreras culturales y emocionales para conectar a las personas a través de su poderosa expresión artística. Desde sus comienzos en los callejones de Nueva Orleans hasta su reconocimiento como una forma de arte de importancia mundial, el jazz continúa inspirando y cautivando a oyentes de todas las edades y orígenes. Su legado perdurará por generaciones, siempre evolucionando y reinventándose a sí mismo en el proceso.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conocido como el "rey del boogaloo", el pianista y director de orquesta estadounidense Pete Rodríguez falleció este lunes a los 91. Así lo confirmó el sello discográfico Fania Records, que acompaño la carrera artística de Rodríguez, a través de sus redes sociales. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por FANIA RECORDS (@faniarecords) “Con pesar compartimos el fallecimiento del gran pianista y líder de banda, Pete Rodríguez. El mundo ha perdido a un increíble artista latino cuya música seguirá influenciando durante generaciones. Enviamos nuestras condolencias a su familia y amigos”, publicó la Fania Records en su cuenta de Instagram.Pionero del boogaloo, Pete Rodríguez fue el encargado de posicionar este género que fusionaba elementos de la música afrocaribeña con el rhythm and blues y el soul en Estados Unidos y Latinoamérica durante los años 60 y 70.Nacido en el Brox, en Nueva York, en 1932, Rodríguez fue criado con tradiciones latinas por su ascendencia puertorriqueña. Años más tarde, después de servir en el Cuerpo de Marines de los EE. UU. su carrera musical inspirada en los ritmos latinos tuvo gran acogida con el famoso “boogaloo”.En 1967 alcanzó la fama con su éxito I Like It Like That, lanzado junto con su banda, Pete Rodríguez y Su Conjunto. Esta canción, que se popularizó en los últimos años con la versión urbana de Bad Bunny, Cardi B y J Balvin, en ese entonces se convirtió en un himno del boogaloo y se destacó por su ritmo pegajoso y la mezcla del español y el inglés que alcanzó los primeros lugares de las listas de éxitos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A lo largo de su carrera, Pete Rodríguez, junto a su orquesta, continuó grabando éxitos musicales como Micaela, Descarga Caliente, Soy El Rey o la icónica colaboración con Rubén Blades, De Panamá a Nueva York.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El violín, llamado "Il Cannone" (el cañón), era el favorito del célebre violinista y compositor Niccolò Paganini.El músico italiano, oriundo de Génova, lo tocó durante décadas antes de que se convirtiera en propiedad de su ciudad natal tras su muerte en 1840.Actualmente, este instrumento, fabricado por el lutier italiano Giuseppe Bartolomeo Guarneri del Gesù en 1743, solo se saca de vez en cuando para que lo toquen los más virtuosos del mundo.El Laboratorio Europeo de Radiación Sincrotrón (ESRF), centro de investigación que cuenta con un acelerador de partículas en Grenoble -en el sureste de Francia-, escaneó el instrumento hasta la estructura celular de su madera.La idea es crear un modelo 3D del violín, por dentro y por fuera, sobre el cual la gente pueda hacer zoom, hasta una micra, es decir una milésima parte de un milímetro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El objetivo principal es la conservación", explicó Paul Tafforeau, del ESRF. "Si alguna vez algún defecto necesita ser reparado, tendremos todos los detalles".Pero también esperan que el "análisis no destructivo" ayude a arrojar algo de luz sobre su bello sonido."Es un instrumento excepcional en términos de sus cualidades sonoras. (...) Con estos datos, esperamos comprender mejor por qué", añadió Tafforeau. El análisis detallado de los rayos X tomará varios meses.Luigi Paolasini, a cargo del proyecto en el ESRF, afirmó que se aseguró el violín por un valor de 30 millones de euros (32 millones de dólares) para viajar de Génova a Grenoble.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Este es el reconocimiento más importante de mi carrera. Es la primera vez en la historia que una latina es considerada como la mujer del año y por eso voy a decir que durante muchos años viví decepcionada (...) Pero así como yo lo hice, todas ustedes también lo pueden hacer con seguridad", dijo la también conocida como la Bichota.Karol G recibió de manos de su compatriota y amiga Sofía Vergara el mismo premio que años anteriores también ha condecorado a artistas como Taylor Swift, Madonna o Beyoncé."Ella era tan humilde y tan agradable en el set que si uno no fuera fan de su música no tendría ni idea de que es una superestrella mundial con miles de seguidores en el planeta", comentó Vergara, quien compartió elenco con la cantante de 'Tusa' en la serie 'Griselda'.Karol G obtuvo este galardón apenas un mes después de haberse convertido en la primera mujer en la historia en haber ganado un Grammy estadounidense en la categoría de mejor álbum de música urbana por 'Mañana será bonito' y dos años después de que los propios Billboard Women in Music la hubieran nombrado como artista "rompedora" por desafiar las expectativas con su música."En mi mente cambié el 'una mujer no puede lograrlo' por el 'mira a esa mujer cómo lo hace'", ahondó la originaria de Medellín, Colombia, quien además interpretó en el escenario una versión tropical de su tema 'Amargura' con Emily Estefan -hija de Emilio y Gloria Estefan- en las percusiones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las catorce mujeres de la industria condecoradas este año fueron anunciadas previamente por la revista Billboard.Kylie Minogue recibió el premio Icono tras el impacto de su tema 'Padam Padam' y por sus más de cuatro décadas de carrera."Sé que esto se trata solo de celebrar, pero ya que estoy aquí quiero dar un aplauso a todos esos momentos terribles: gracias por cambiarnos, son horribles en su momento pero es importante lo que hacemos con ellos", aseguró la intérprete de 'Can't Get You Out of My Head'.La estrella puertorriqueña en ascenso Young Miko tomó por su parte el escenario para recibir el premio Impacto y presentó su nuevo tema 'Curita' antes de recibir de manos de la rapera estadounidense Saweetie su reconocimiento."Es muy loco para mí estar aquí porque hay tantas mujeres que han impactado mi vida que me vuela la cabeza pensar que yo puedo hacer lo mismo con otras personas", mencionó la rapera.Asimismo, Katy Perry tuvo una breve aparición en el evento para entregar el premio a Ejecutiva del año a Michelle Jubelirer, mientras que Demi Lovato interpretó junto a la cantante brasileña Luisa Sonza -acreedora del galardón de Fuerza global- su colaboración 'Penhasco2'.Tras recibir el premio Potencia y en una actitud más rebelde, Charlie XCX usó su discurso para denunciar la competitividad de la industria, mientras que el grupo de K-Pop New Jeans recibió el galardón a Grupo del año y agradeció a sus "bunnies" -como llaman a sus seguidores- el apoyo incondicional que recibieron el último año.Otras estrellas reconocidas este jueves fueron la cantante de country Maren Morris, la intérprete nigeriana de R&B Tems, la considerada por los Grammy mejor Nueva artista 2024 Victoria Monét o la cantante de pop inglesa PinkPantheress.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Beltrán, conocida como "La Reina de la Música Ranchera", fue una de las voces más emblemáticas de México en el siglo XX. Nacida el 7 de marzo de 1932 en Rosario, Sinaloa, Lola Beltrán dejó un legado perdurable en la música mexicana, cautivando a audiencias tanto nacionales como internacionales con su poderosa voz y su innegable carisma.Desde una edad temprana, Lola mostró un gran interés por la música, participando en festivales escolares y eventos locales. Sin embargo, su carrera musical comenzó a tomar forma en la década de 1950, cuando fue descubierta por el compositor José Alfredo Jiménez, quien la invitó a la Ciudad de México para grabar algunas de sus canciones. Este fue el comienzo de una asociación fructífera que catapultaría a Lola Beltrán a la fama.Su voz única y su habilidad para transmitir emoción hicieron que Lola se destacara en el género de la música ranchera. Sus interpretaciones de canciones como "Cucurrucucú Paloma", "Paloma Negra" y "La Cigarra" se convirtieron en clásicos atemporales que aún resuenan en el corazón de los amantes de la música mexicana.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de su talento vocal, Lola Beltrán también incursionó en el cine, participando en varias películas mexicanas donde demostró su versatilidad como artista. Su carisma en la pantalla grande la convirtió en una figura muy querida por el público, consolidando aún más su estatus como ícono de la cultura popular mexicana.A lo largo de su carrera, Lola Beltrán recibió numerosos reconocimientos y premios, incluyendo múltiples discos de oro y platino, así como el prestigioso Premio Ariel por su contribución al cine mexicano. Su legado continúa vivo en la música ranchera y su influencia se puede sentir en generaciones posteriores de artistas que han sido inspirados por su trabajo.Sin embargo, la vida de Lola Beltrán no estuvo exenta de desafíos. Enfrentó dificultades personales y profesionales, pero siempre mantuvo su determinación y pasión por la música. Su autenticidad y su conexión con el público la convirtieron en un símbolo de la identidad mexicana y en un ícono cultural que trasciende generaciones.Lola Beltrán falleció el 24 de marzo de 1996, dejando un vacío en el mundo de la música, pero su legado perdura en cada nota de sus canciones y en el corazón de aquellos que han sido tocados por su arte. Hoy, en el aniversario de su nacimiento, recordamos y celebramos la vida y obra de esta leyenda de la música ranchera, cuyo impacto sigue resonando en todo el mundo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Federico García Lorca, uno de los poetas más destacados del siglo XX, no solo era un maestro de la palabra escrita, sino que también estaba profundamente influenciado por la música en todas sus formas. Desde el flamenco hasta la música popular, pasando por la música clásica, la presencia de la melodía y el ritmo en su poesía es innegable y profundamente enraizada en su identidad artística.La música, en la obra de Lorca, no solo es un acompañamiento estilístico, sino una fuerza vital que impregna cada línea y cada verso. En su poesía, se pueden encontrar ecos de diferentes formas musicales, desde el cante jondo hasta las melodías folclóricas andaluzas, pasando por los ritmos del jazz y la música clásica. Esta amalgama de influencias musicales refleja la rica diversidad cultural de España y la profunda conexión que Lorca sentía con su tierra natal.Una de las formas más evidentes en que la música influye en la poesía de Lorca es a través del ritmo. Sus versos están meticulosamente estructurados para crear una cadencia musical que imita el flujo y reflujo de una canción. Esta musicalidad innata se puede observar en poemas como "Romance de la luna, luna", donde los versos parecen fluir con la misma naturalidad que una melodía. Lorca utilizaba la repetición, la aliteración y otras técnicas poéticas para crear un ritmo que evocara la sensación de una canción popular.Además del ritmo, la musicalidad de Lorca se manifiesta en el uso de imágenes y metáforas que evocan el mundo sonoro. En muchos de sus poemas, los elementos visuales se entrelazan con los sonoros, creando una sinestesia que transporta al lector a un mundo donde los sentidos se fusionan. Por ejemplo, en "La casada infiel", Lorca describe el canto del ruiseñor como un elemento central de la naturaleza que rodea la historia de amor, utilizando el poder evocador de la música para intensificar la emoción del poema."La casada infiel" (fragmento)Cinco toronjas se endulzanen la cercana cocina.Las cinco llagas de Cristocortadas en AlmeríaPor los ojos de la monjagalopan dos caballistas.Un rumor último y sordole despega la camisa,y al mirar nubes y montesen las yertas lejanías,se quiebra su corazónde azúcar y yerbaluisa.¡Oh, qué llanura empinadacon veinte soles arriba!¡Qué ríos puestos de pievislumbra su fantasía!Pero sigue con sus flores,mientras que de pie, en la brisa,la luz juega el ajedrezalto de la celosía.💬 Únase a nuestro canal de Whatsapp y conozca todas las novedades de la cultura. Otra influencia musical importante en la poesía de Lorca es el flamenco. Lorca estaba fascinado por el cante jondo, el estilo más profundo y emotivo del flamenco, y lo incorporó en muchas de sus obras. En poemas como "Poema del Cante Jondo", Lorca captura la esencia del flamenco, con su pasión desbordante y su melancolía profunda. "El grito", de "Poema del Cante Jondo"La elipse de un grito,va de montea monte.Desde los olivosserá un arco iris negrosobre la noche azul.¡Ay!Como un arco de violael grito ha hecho vibrarlargas cuerdas del viento.¡Ay!(Las gentes de las cuevasasoman sus velones.)¡Ay!La intensidad emocional del cante jondo se refleja en la poesía de Lorca a través de imágenes vibrantes y un lenguaje cargado de simbolismo.La influencia de la música en la poesía de Federico García Lorca es innegable y omnipresente. Desde el ritmo y la cadencia hasta las imágenes y metáforas, la música impregna cada aspecto de su obra, dotándola de una vitalidad y una profundidad emocional que la hacen perdurar en el tiempo. Lorca no solo escribía poesía, sino que componía música con las palabras, creando un legado artístico que sigue resonando en los corazones de los lectores y oyentes hasta el día de hoy.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la mañana del martes 19 de marzo, la familia del poeta Eduardo Escobar confirmó su fallecimiento tras varios meses luchando con un cáncer de pulmón. Su hija Raquel habló con El Tiempo y confirmó la noticia, contando que su padre fue internado hacía dos días en la Clínica Oncológica de Envigado por complicaciones de salud. “Lo mandaron como en el correo de la muerte porque le quitaron los drenajes, el suero y no le daban de comer. Estuvimos muy a disgusto, mi papá estuvo muy mal”, dijo su hija a El Tiempo. Eduardo Escobar fue uno de los fundadores del movimiento nadaísta en Colombia junto con el escritor Gonzalo Arango, el Nadaísmo era una puesta literaria en contra de las figuras establecidas de cultura, academia, literatura, entre otras. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante cuarenta años escribió la columna Contravía en el periódico El Tiempo, su última publicación fue el pasado 4 de marzo de 2024. Recientemete le habían otorgado el premio del Círculo de Periodistas de Bogotá (CPB) a la Mejor publicación periodística.También le entregaron el premio Simón Bolívar a la mejor columna de opinión en el año 2000 por un texto crítico acerca del escritor argentino Jorge Luis Borges.El pasado 20 de febrero en su columna "Noticia de los reinos intermedios" escribió: “Se agitan las enfermeras desde la primera hora en los paisllos, y entran y salen de la habitación con rara insistencia, para preguntarme si me duele, y yo contesto a veces que sí y a veces que no, porque de tanto oír la pregunta dejé de entender bien lo que es el dolor. Hay muchas clases de dolor. Borges dijo que sufrimos de uno en uno. Y hay muchas clases de heridas. Y hay muchos modos de llevarlas”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacido el 9 de agosto de 1949 en Buenos Aires, Argentina, la vida personal y profesional de Guillermo Coppola se ha visto marcada por su estrecha relación con Diego Armando Maradona, el mítico jugador argentino. Además de ser su cliente más importante, como representante de jugadores, Coppola también fue amigo cercano y prácticamente la sombra del “Pelusa”, como fue conocido Maradona.Igual que muchos niños de Sudamérica, Guillote, como le dirían a Coppola, soñaba con ser futbolista; jugó en las inferiores de Racing, no duró mucho ese sueño, pero su relación con el fútbol no murió. Con una formación como administrador y un trabajo en el Banco Federal Argentino, Coppola se fue acercando al mundo transaccional del fútbol.Encontró su talento en la compra y venta de jugadores de fútbol. A lo largo de su carrera representó alrededor de 183 futbolistas, entre ellos a Vicente Pernía, en 1975 y de ahí en adelante a Nery Pumpido, Vicente Pernía, Mario Alberto Kempes, Alberto Tarantini, Oscar Ruggeri, Hugo Gatti y Reinaldo Merlo. En lo más alto de su carrera llegó a representar aproximadamente a 43 jugadores al tiempo, convirtiéndolo en una de las principales figuras de la industria del fútbol argentino.Era buscado por los jugadores para encontrarles los mejores equipos, o incluso llegar más rápido a las principales ligas del fútbol europeo. Una de las transferencias que catapultaron su reputación como representante fue el traspaso, en 1978, de Alberto “El Conejo” Tarantini de Boca Juniors al Birmingham de Inglaterra, uno de los primeros argentinos en jugar en ese país.Sin embargo, la vida de Guillote también tuvo momentos de inflexión que truncaron su carrera como mánager. En 1994 fue acusado por el asesinato del empresario Leopoldo “Poli” Armentano, quien también fue amigo suyo. “Guillote” siempre negó las versiones que lo implicaban y al final, años más tarde, el caso fue cerrado.Apenas dos años después, pasó 97 días en prisión. Una bolsa con cocaína fue encontrada en su casa tras un allanamiento en octubre de 1996. En ese entonces, el mánager denunció que se trataba de una persecución; varias irregularidades se encontraron en el proceso, hasta que en 1999 Coppola quedó libre de todos los cargos. Estas historias y su relación con Maradona están contadas por él mismo en “Guillote. Acá está, esta es mi vida” su autobiografía publicada en el 2009.Su relación con Diego Aramando Maradona, su vida privada con múltiples escándalos y la representación de muchos otros futbolistas han hecho de Coppola una de las figuras públicas más destacadas y controversiales de Argentina. Ha hecho parte del mundo del espectáculo de su país y también se ha desempeñado como comentarista deportivo en televisión y en la emisora argentina La 100.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué relación tenía Guillermo Coppola con Diego Maradona?Considerado la sombra de Maradona, Coppola estuvo en los años de gloria y también en la decadencia de la carrera del 10. En 1985, Maradona terminaba la relación con su primer representante, Jorge Cyterszpiler, para firmar un contrato con Coppola, quien lo había conocido cuando el jugador apenas tenía 17 años.Los cientos de jugadores representados se redujeron a uno: Maradona, que le pidió exclusividad para representarlo. Desde entonces, por años, la vida de Coppola estuvo en función de Diego. Además de una relación laboral, se convirtieron en amigos cercanos.Coppola estuvo en los mejores años del 10 en Napoli, lo acompañó en el Mundial de México 86, donde Maradona y Argentina se consagraron campeones, pero también estuvo en las noches de fiesta, en los excesos, en el tránsito del jugador por la drogadicción, en su reuniones con La Camorra y en un círculo vicioso que marcó la decadencia del jugador. Incuso, la prensa italiana y argentina lo acusaba de ser una mala influencia para Maradona, de acolitar y facilitar sus extravagancias.“Con Diego fuimos un matrimonio sin sexo, tuvimos tres años prácticamente solos, mano a mano. Yo de al lado de Diego me fui pato, porque no me interesaba lo material y perdí todo. La relación se fue desgastando y yo sentía que ya no le llegaba”, explicó “Guillote” en agosto de 2023 durante el programa Confesiones TNT Sports Argentina durante una conversación con el exjugador Ricardo Gareca, quien también fue representado por Coppola. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Guillermo Coppola (@guillermocoppola) En 2003, tras 18 años de trabajo juntos, la relación Coppola - Maradona se fracturó. Maradona y Coppola vivían en Cuba por invitación de Fidel Castro. Era parte del proceso de recuperación del 10 de su adicción a las drogas, hasta que Coppola decidió tomar distancia y dejar de representar al jugador. Por años se especuló sobre las razones, se dijo que fue cuestión de dinero, que fue por una mujer, entre otros rumores.En 2022, “Guillote” abordó el tema en entrevista con LAM, donde recordó el punto exacto en el que decidieron separarse. “Me querés cagar el cumpleaños” le dijo Maradona el 30 de octubre. “Yo no quería cagarle el cumple, yo quería las cosas un poquito más prolijas en esa noche. Me encerré en el cuarto, a él le molestó. Cosas de amigos. Nos amábamos, nos amábamos. Al otro día le pedí hablar. Y el primero de noviembre nos encontramos en el campo de golf y nos separamos”, contó.Pasaron más de diez años para que esa novela entre los dos tuviera un nuevo capítulo; se distanciaron y no fue hasta 2015 que retomaron el contacto, cuando los acercó el fallecimiento de Don Diego, el padre de Maradona. Desde entonces estuvieron en contacto, pero nunca como antes.“Cuando nos encontramos en Rusia (Mundial 2018) me dijo ‘nunca dejé de amarte’ y yo le dije lo mismo. Afortunadamente, con encuentros, fuimos puliendo eso”, detalló Coppola sobre el final de su relación con Maradona en TNT Sports Argentina.¿De qué se trata “Coppola, el representante”?Maradona fue protagonista en la vida de Coppola, pero no lo es en esta serie, o por lo menos no lo vemos, a pesar de las muchas referencias a él. A lo largo de seis capítulos, el actor y director argentino Juan Minujín personifica a Coppola en el hilarante drama cómico del representante.La serie narra la vida del argentino desde 1985, cuando inicia la ardua tarea de representar al entonces mejor jugador del mundo, hasta 2001, cuando planea organizar el partido de despedida de Maradona. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Star+ Latinoamérica (@starplusla) En el intermedio, el espectador se encontrará con momentos clave de la carrera al lado del “Pelusa”; lidiar con la vida privada del jugador, cumplir con sus exigencias, su propia vida privada, sus amores, la muerte de su amigo y su paso por la cárcel.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tamara de Lempicka, una figura icónica en la historia del arte del siglo XX, dejó una marca indeleble en el movimiento Art Decó con su estilo distintivo y su enfoque audaz hacia la representación visual. Nacida en Polonia el 16 de mayo de 1898 como Maria Górska, adoptó el nombre de Tamara después de casarse con el abogado Tadeusz Lempicki en 1916. Su vida estuvo marcada por una mezcla de escándalo, glamour y creatividad, y su obra se convirtió en sinónimo del espíritu liberado y elegante del período de entreguerras.Tamara de Lempicka vivió una vida de constante transformación. Después de sufrir el trauma de la Revolución Rusa en 1917, escapó con su esposo a París, donde se sumergió en la vibrante escena artística de la época. Fue en París donde su talento como pintora comenzó a florecer, y su estilo único comenzó a llamar la atención.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.El arte de Tamara de Lempicka es inconfundible en su fusión de sensualidad, elegancia y modernidad. Sus pinturas están llenas de figuras alargadas y angulares, con una paleta de colores vibrantes y contrastantes que resaltan la sofisticación y el dinamismo de la era Art Decó. Sus retratos de mujeres son especialmente notables, capturando la feminidad en una luz que desafía las convenciones de la época.Lempicka revolucionó el movimiento Art Decó al infundirle una nueva energía y una perspectiva única. A través de sus obras, llevó el Art Decó más allá de la mera estética y lo convirtió en un medio para explorar la identidad, la sexualidad y el poder femenino en una sociedad en rápida transformación. Sus retratos audaces desafiaron las expectativas tradicionales de la representación femenina en el arte, presentando a mujeres fuertes, seguras de sí mismas y seductoras en un mundo en el que estaban tomando un papel más activo.Sus pinturas se encuentran en importantes colecciones y museos, y su influencia sigue siendo evidente en la moda, el diseño y la cultura popular contemporánea. Su capacidad para capturar la esencia de una época y su visión única continúan inspirando a artistas y admiradores por igual, asegurando su lugar como una de las figuras más importantes del Art Decó y del arte moderno en general.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su día, Alemania llamó eufemísticamente "protectorados" a sus colonias, que estuvieron "bajo su posesión" desde 1884 hasta el final de la Primera Guerra Mundial. A diferencia de países como Francia, Gran Bretaña u Holanda, Alemania no era una de las superpotencias coloniales. Sin embargo, su trato a las colonias de África y Asia no fue nada escrupuloso. Así lo atestiguan los numerosos restos humanos que aún se conservan en las colecciones de museos y universidades alemanas.En la jerga museística, a esos restos se los denomina "sujetos". Con ello se pretende expresar respeto y estima por las personas cuyos cráneos o huesos se guardan en los sótanos y almacenes de las colecciones de los museos y universidades alemanes. El término pretende minimizar la brutalidad con la que fueron saqueados durante la época colonial y llevados a Alemania.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Los colonialistas cometieron crímenes atrocesMuchos cráneos y huesos proceden de personas ejecutadas, y fueron cortados, limpiados y enviados a Alemania como trofeos. Sólo el Museo de HIstoria Médica Charité, en Berlín, tiene en sus depósitos 106 de estos "restos humanos", provenientes de África, Oceanía, Asia y Norteamérica. Cada vez son más los que se examinan de cerca en el marco de la investigación de procedencia, documentando su origen.Entre 2011 y 2019, sin embargo, solo nueve de estas piezas fueron devueltas en el marco de dichas investigaciones, según informó el Museo de Historia Médica Charité de Berlín. A diferencia de los museos, algunos de los cuales documentan en línea sus exposiciones de contextos coloniales, los depósitos de la Charité de Berlín siguen siendo una caja negra. "No proporcionamos ninguna fotografía a menos que sepamos de dónde proceden los restos humanos", respondió Judith Hahn, una de las empleadas.Berlín era considerada la capital de los "coleccionistas de cráneos"Esa es precisamente la cuestión: ¿cómo llegaron los "sujetos" a Berlín? La capital alemana se convirtió en el centro de la investigación antropológica a finales del siglo XIX y principios del XX, "simplemente porque algunos de los coleccionistas más locos trabajaban aquí", afirma Andreas Eckert, africanista y profesor de la Universidad Humboldt, en una entrevista con DW. Los científicos Rudolf Virchow y Felix von Luschan examinaron los restos en Berlín con el fin de sacar conclusiones para su "ciencia de las razas"."Había listas de pedidos; si estaba claro que alguien iba a viajar a la región, por ejemplo, al suroeste de África alemana (ahora Namibia), recibía un pedido", dice Eckert. Estos pedidos eran similares a una lista de la compra para el supermercado, con cantidades concretas. Los cráneos eran las partes del cuerpo más solicitadas", explica el experto.Los científicos alemanes querían utilizar el tamaño de la cabeza para demostrar que las personas de origen no europeo pertenecían a una "raza" inferior. No solo África, sino también otros continentes no europeos, se consideraban "terra nullius", tierra de nadie. Esta abstrusa idea de África como continente sin historia surgió en el siglo XVII con el inicio de la esclavitud, y apenas cambió con el paso de las décadas. Incluso un gran escritor alemán como el poeta Friedrich Wilhelm Schiller habló en términos generales de zonas "incivilizadas" fuera de Europa, en su discurso inaugural de la Universidad de Jena, en 1789.El africanista Andreas Eckert no es el único que sospecha que hay muchos más restos humanos en las instituciones alemanas: "Se calcula que hay unas 20.000 osamentas. A esos se suman los que han quedado enterrados en el camino con el paso del tiempo. Así es posible imaginar la enorme cantidad de estos huesos que fueron traídos aquí, a Alemania, en un período de tiempo relativamente corto". Además de la dificultad de determinar la procedencia exacta de los restos humanos, hay otro problema, dice Andeas Eckert. "En algunas regiones del mundo, hay gente que se queja y dice: 'Ahora quieren deshacerse de esto, pero, en realidad, nosotros no necesariamente lo queremos'". Algunos incluso temen que con las osamentas regrese algún "mal espíritu", una reminiscencia de aquellos oscuros días de la época colonial.📻 No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Imagínatelo: Tienes 17 años y nunca has salido de casa. Tu padre y tu tío son comerciantes y han estado ausentes toda tu vida. Acaba de volver a casa y ya preparan el próximo viaje, al que esta vez tú los acompañarás. Será un recorrido de miles de kilómetros, que durará 24 años.Nacido en Venecia en 1254, Marco Polo recorrió la Ruta de la Seda, una ruta comercial medieval que conectaba Europa con Asia, entre 1271 y 1295.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Al regresar a Italia, Polo colaboró con el escritor Rustichello da Pisa para escribir la crónica de su viaje. El libro, titulado Il Milione (El millón), conocido en español como Los viajes de Marco Polo, se convirtió en un éxito. Fue traducido a muchos idiomas y leído por todas las personas alfabetizadas de la época. Se dice que Cristóbal Colón llevaba consigo un ejemplar.Un relato que "escandalizó" a los europeosPolo no fue el primer europeo que viajó a la China medieval, tampoco el primero que lo documentó. Según Hyunhee Park, profesora de Historia de la City University of New York, ya en los siglos IX y X los viajeros musulmanes documentaban sus viajes a China.Pero en una época en la que Europa estaba encerrada en sí misma, Polo fue el primer europeo en llevar información sobre China a la sociedad. Lo que dijo sobre el país asiático no encajó con las expectativas europeas.Polo describió el Imperio Mongol como una gran civilización con grandes ciudades, explica Park: "Muchos europeos se escandalizaron. Incluso le tacharon de mentiroso".Las descripciones de Polo se desviaban de las convenciones utilizadas por otros occidentales que informaban sobre tierras no europeas, explica Margaret Kim, profesora de la National Tsing Hua University de Taiwán. Kim también cuenta que, a diferencia de Polo, muchos viajeros europeos transmitían lecciones morales y doctrinas religiosas al escribir sobre el extranjero. Marco Polo, no. Es un escritor secular.La "mirada imperial"Por otro lado, el punto de vista empleado por Polo lo diferencia de otros relatos de viajes de europeos, que estaban impulsados por un espíritu de conquista y superioridad.Zhang Longxi, profesor de la Academia Yenching en la Universidad de Pekín, explica que las futuras descripciones de China tacharían el país asiático de "atrasado" y "estancado", lejos de la "grandeza" europea.En China, Polo se convirtió en una figura muy respetada en la corte de Khan. Aunque su cargo exacto sigue siendo objeto de debate, existe consenso en que era un destacado funcionario con responsabilidades diplomáticas. Por tanto, no contempló el imperio mongol como un extranjero, sino como un miembro más.Según Kim, al pasar tantos años de su formación en Asia, Polo desarrolló una forma de pensar que no puede calificarse como occidental. Sin embargo, el ilustre viajero si tenía lo que Kim llama, una 'mirada imperial'. ¨Para él, el mundo estaba dividido entre pueblos más o menos civilizados. De modo que, para Marco Polo, o eras muy civilizado o poco civilizado o un salvaje".Y para él, tal como señala Kim, el centro de la civilización no era el que los europeos esperaban, sino el Imperio Mongol de Kublai Khan.Los múltiples viajes de Marco PoloEl hecho de que no exista un único manuscrito oficial y los debates sobre el rol que cumplió Rustichello en la producción del libro, ha originado diferentes opiniones de los historiadores sobre su contenido.Las omisiones de información esperada sobre China y la supuesta falta de fuentes que la corroboraran también llevaron a algunos historiadores, como la destacada sinóloga Frances Wood, a cuestionar la autenticidad de las observaciones de Polo.Hoy los historiadores suelen coincidir en que las principales observaciones de Polo son reales.Marco Polo, un personaje actualHoy, 700 años después de su muerte, Marco Polo sigue siendo un personaje muy conocido, incluso para los no eruditos.Para Kim, Polo demuestra que el mundo contiene cosas que van más allá de lo que imaginamos y que esto nos puede inquietar y perturbar, pero que podemos adaptarnos a ello. Por lo tanto, la 'mirada imperial' no es propia de ninguna cultura o civilización.Según Zhang, "Marco Polo ofrece un modelo alternativo de encuentros e interrelaciones entre Oriente y Occidente muy valioso para nosotros en el mundo actual. Es un modelo de entendimiento mutuo y cooperación, en lugar de rivalidad feroz y conflicto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.