En los últimos años, la industria de entretenimiento y medios se ha caracterizado por ser uno de los sectores más diversos y llamativos del mercado, al disponer para su audiencia una gran variedad de ofertas, que van desde lo tradicional hasta lo digital. Si bien ha enfrentado desafíos y retos tras dinámicas económicas cambiantes, tanto a nivel mundial como nacional, la industria ha visto en esos cambios el foco para buscar nuevas oportunidades, que le permitan llamar la atención de sus consumidores.Algo es claro: la forma de consumo de las audiencias ha cambiado, debido, principalmente, a la constante digitalización que ha tenido la industria, lo que ha generado un gran impacto en los medios físicos e impresos como las revistas, los periódicos y los libros. En este sentido, ¿qué le espera a estos sectores tradicionales en los próximos años? Según el más reciente informe de PwC Colombia, Entertainment & Media Outlook, los sectores de impresión decrecerán, con una disminución a una tasa de crecimiento anual compuesta (CAGR, por sus siglas en inglés) de -6,2 % de los ingresos esperados por publicidad, mientras que los periódicos digitales crecerán, con un aumento a una tasa compuesta anual del 7,3 %, gracias a los ingresos publicitarios.Aunque lo anterior representa una problemática para los medios tradicionales de impresión, como los periódicos y los libros, a su vez, ha sido el factor que los ha impulsado a buscar nuevas alternativas, con el fin de innovar y captar la atención del público para combatir esta caída. Por ello, algunos medios, como El Espectador, El Tiempo y Pulzo, han optado por invitar al público a compartir noticias locales o a personas influyentes para que publiquen en sus plataformas y, en algunos casos, migrar al entorno digital, con restricción de contenido.No obstante, el informe también resalta que aunque los formatos impresos han disminuido, no será una caída tan notable para el mercado de libros de consumo en Colombia, pues aunque se contraerá a una tasa de crecimiento anual compuesta (CAGR) de -0,3 % entre 2022 y 2027, según la Cámara Colombiana del Libro, la cantidad de libros que se producen en el país va en aumento. Esto podría darse gracias a la existencia de un gran número de personas que se interesan por ellos y participan en las 17 ferias regionales que pertenecen a la Red Colombiana de Ferias del Libro (se estimó que en 2022 más de 1,7 millones de personas participaron en estos eventos).Frente a esto, Giovanni Molina, socio de Auditoría de Tecnología de PwC Colombia, resalta que: “En un mundo cambiante como el actual, y con un acelerador importante como la transformación digital, es necesario estar a la vanguardia y conocer los puntos clave que ayudarán a impulsar la industria de medios y entretenimiento, no solo en su autoconsumo, sino en las demás industrias impactadas por sus productos, por lo que se hace necesario que los líderes puedan tener una guía que les permita formular los pasos a seguir. Esto, con el fin de identificar las nuevas oportunidades que surgen de las disrupciones, la innovación y cambios producto del contexto actual, ya que al final, estos tienden a generar un impacto importante en las decisiones de inversión que toman o en la forma en que consumen las audiencias”.¿Y qué pasa con la música?Al igual que los medios impresos, los eventos en vivo experimentaron una caída significativa, debido a los confinamientos, producto de la pandemia de covid-19. La música en vivo fue uno de los sectores más afectados, ya que la venta de entradas tuvo una disminución interanual del -74,8 % hasta 2020. Aunque, poco a poco se ha ido recuperando, se espera que hasta este año logre alcanzar los ingresos generados en años anteriores a la pandemia. Aún así, se prevé que este sector aumente a 51 millones de dólares (mn) en 2027.Asimismo, se espera que los ingresos totales por música, podcast y radio aumenten a una tasa compuesta anual de 4,4 % para llegar a 310 millones de dólares en 2027. Entre los artistas colombianos que más se han destacado en el último año en las listas de reproducciones del país, se encuentran Feid, Karol G, J Balvin, Ryan Castro, Maluma y Morat.Acerca de la radioA pesar de que existen diferentes plataformas de música, la radio sigue teniendo un gran impacto en el país, permitiendo que las cadenas radiales logren llegar a más de dos millones de oyentes diarios, tanto en secciones musicales como de noticias. Además de ello, los anunciantes en Colombia siguen considerando la radio como el canal idóneo para sus estrategias de marketing, por lo que se espera que para 2027 los ingresos por publicidad alcancen los 166 millones de dólares.En conclusión, aunque se espera que ciertos sectores tradicionales bajen su productividad, como los medios impresos, también se destaca la relevancia que formatos como la radio y la música en vivo tienen en las audiencias, generando nuevos ingresos para la industria y manteniéndose en uno de los canales preferidos de entretenimiento del consumidor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Diego "El Cigala", la legendaria voz del flamenco que ha cautivado al mundo, se prepara para deslumbrar a Colombia con su gira latinoamericana "Cigala canta a México". Este carismático cantante y embajador de la música flamenca a nivel mundial se presentará en dos únicas e inolvidables noches en Bogotá.Diego "El Cigala" es considerado una de las voces más influyentes y originales de España. Nacido en Madrid y de raíces gitanas, ha trascendido los límites del flamenco, explorando el rico universo de la música latina y aportando a la conversación global sobre la evolución de este género. Con más de 30 años de carrera y una proyección global, ha obtenido numerosos reconocimientos, incluyendo varios Grammy y Latin Grammy Awards.En su presentación exclusiva en Bogotá, Diego "El Cigala" ofrecerá un repertorio excepcional que fusiona el son, el bolero y el flamenco. El público tendrá la oportunidad de disfrutar de icónicas canciones como "Somos Novios", "Soy lo prohibido", "La media vuelta", "Vámonos" y "De qué manera te olvido", así como temas inéditos en esta aclamada gira.Aquí las fechas donde podremos disfrutar de la magia de Diego "El Cigala" en Bogotá: 25 y 26 de octubre de 2023, será en Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y las boletas están disponibles en Tuboleta.com.Este espectáculo promete fusionar el son, el bolero y el flamenco en una noche mágica llena de música y emoción. Los amantes de la música no querrán perderse esta oportunidad única de presenciar el talento de Diego "El Cigala" en vivo.¿Quién es Diego "El Cigala"?Diego "El Cigala" es el nombre artístico de Diego Ramón Jiménez Salazar, un reconocido cantante de flamenco español nacido el 27 de diciembre de 1968 en Madrid, España. Es conocido por su poderosa voz y su habilidad para interpretar una variedad de estilos dentro del flamenco, incluyendo bulerías, tangos, fandangos y soleares, entre otros. A lo largo de su carrera, El Cigala ha fusionado el flamenco con otros géneros musicales, como el jazz y la música latina, lo que le ha valido el reconocimiento y el éxito tanto en el ámbito nacional como internacional.Diego El Cigala ha lanzado varios álbumes aclamados por la crítica y ha colaborado con numerosos artistas de renombre en todo el mundo. Su estilo distintivo y su capacidad para transmitir una profunda emoción a través de su música lo han convertido en una figura destacada en el mundo del flamenco y la música en general.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad - Sui GenerisCharly y Nito fueron alguna vez rivales. En el colegio cada uno tenía su grupo. García conoció a Carlos Alberto Mestre cuando este se acercó a hablarle, sobre el suceso Nito Mestre comenta: “este es el de la otra banda, entonces, debo conocer de qué se trata, me acerqué y encontré a Charly, obviamente nos pusimos a hablar enseguida, porque en teoría era la banda rival. Inmediatamente nos hicimos amigos”. Juntos decidieron crear un grupo, ya no competían por ser la banda más reconocida en el colegio. Charly y Nito, se articularon. Al terminar el secundario, el grupo se había organizado bajo el nombre de Suis Generis, aunque por la partida de varios de sus integrantes, el Sui Generis se redujo a los dos rostros que emblema: Charly y Nito. En 1972 se materializa su primer disco titulado “Vida”, gracias al contacto con el músico Billy Bond y “La pesada del rock and roll”. “Grabaron un gran disco, con una hermosa canción: hubo un tiempo que fue hermoso y fui libre de verdad. Un maravilloso tango, hecho en tiempo de rock y vendieron un millón de discos.” Asegura Billy Bond productor musical de Sui Generis en 1993.Los días 2, 3 y 16 de noviembre de 1972, realizó la Tercera edición del Festival B.A Rock donde casi desde el anonimato Sui Generis hizo un concierto. Enseguida captaron la atención de la juventud. Marcó la adolescencia de los jóvenes del 70 por cantar los acontecimientos que sucedían de una forma que nadie lo había hecho. Sergio Merchi exclamó “Era como las cosas que los adolescentes que éramos más rockeros, nos empezábamos a cuestionar en los años 70. El colegio, todo es una rutina, todo tiene que ser gris y tenemos que seguir la vida de nuestros padres.”De la sencillez a la complejidad musicalCon el paso de los años, la sencillez musical de Sui Generis trazó un camino de complejidad que incluía crudeza en el campo musical y lírico, es el caso del disco “Confesiones de invierno”. En el tercer disco, se refleja la llegada de la tecnología a manos de Charly García. En “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones” García emplea teclados que no se encontraban en Argentina, lo que hizo del disco un rock progresivo y sinfónico. Según Sergio Marchi, este nuevo giro en la música de Charly y las demandas del público por un estilo más sencillo, hizo que Charly se sintiera frustrado y terminara la banda. Para Charly, con el tiempo, significó una de sus mejores decisiones: “creo que fue una de las decisiones más inteligentes que tomé en mi vida. Porque ya no era lo que era antes. Porque no daba para cambiarlo y porque de alguna manera provocó un fenómeno que fue la despedida de Sui Generis y todos esos mega conciertos. Creo que fue piola y Nito también está de acuerdo.” Sui Generis se separa en 1975 con tres discos editados y publicado; un doble concierto en el Estadio de Luna Park en Buenos Aires, el resultado de la separación dio como resultado una película y dos discos “Adiós Sui Generis”.La máquina de hacer pájaros, la Dictadura Militar Argentina y BrasilCon La Máquina de Hacer Pájaros contó con la presencia de Oscar Moro, Carlos Cutatai, Gustavo Nazterriza, José Luis Fernández y Charly García, todos exmiembros de las bandas más importantes y significativas hasta ese momento en Argentina. Grabaron dos discos que no tuvieron acogida en el país, sólo años después se reconoció la importancia de esta banda, que como indicaba Charly García “pretendía ser el Yes del subdesarrollo”.La Dictadura Militar Argentina provocó un alto en la carrera de Charly García y su instalación temporal en Brasil, allí, comenzó a idear un nuevo proyecto musical en el cual quería la participación de David Lebón, el nacimiento de Serú Girán.Quién sabe Alicia éste país - Serú GiránEn 1978, Charly García co-fundó la banda de rock Serú Girán junto a otros músicos destacados como David Lebón y Pedro Aznar. En medio de la Dictadura Militar Argentina que moderaba culaquier presentación o manifestación artística Serú hacía un frente desde la música por medio de metáforas. “Serú es como esos medios días de verano que te acordás de la infancia, que decís, qué barbaro” manifestó el bajista Pedro Aznar en 1997. En concordancia, Charly “para mi Serú es el paraíso, no sé si existe, pero es un lugar donde todo está bien. Es un lugar donde pueden caber cuatro o 100 mil o 200 mil. Pero donde no hay violencia, donde no hay injusticia, y es un lugar donde para entrar hay que tener cierta responsabilidad”. La banda fue un éxito inmediato y produjo una serie de álbumes influyentes.1982, Charly solista el no retornoDespués de Serú Girán, García empezó sus proyectos como solista y desde ese momento, no existió un retorno a trabajos con bandas. Charly llevo adelante su vida y su carrera. Creando genialidades junto a una reinvención constante. La situación política de su país afectó a Charly García en varios momentos. En el marco de la Guerra de las Malvinas se inspiró para crear dos discos. El primer disco como solista fue “Yendo de la cama al living”. Junto a la música, García acompañó presentaciones en vivo desafiantes, así lo recuerda Renata Schusseim escenógrafa de Charly García: “en el Estadio Ferro de 1982, lo del disparador de Charly que era un disparador que destruía todo, llamé a Juan Lepes, para hacer esa escenografía. Todo era un delirio porque no se probaba antes de, todo se hacía el mismo día de la función.”En 1983 Charly estuvo muy arriba dando cuenta de una explosión creativa de ese momento. Para Fito Paez, Charly es un pilar en la música, lo definió como un John Lennon latino “me parece que es un tipo que comprende las grandes ideas del inconsciente colectivo, Charly las condensa en todo lo que hace, y eso, precisamente es lo que lo diferencia del resto.” Junto a esto, Charly retrataba el país con humor, “es un tipo que siempre dio en clavo con humor, en un país que no tiene humor. Esto hace parte del encantamiento que produce Charly García”, complementó Paez en 1997.Aveces estoy tan bien, estoy tan downEn 1987 realiza su primera gira internacional que fue un éxito. La rigurosidad para componer y crear música ha sido un rasgo característico de Charly García, esto hacía que renovara su banda permanentemente. “Llevamos 20 horas ensayando. Es sin fin, es tremendo, pero está bien, es un obsesión, o sea un disco dura un mes, mes y medio, salgo del estudio y sigo componiendo” expresaba García en 1989.A lo largo de su carrera, Charly García ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2019.Intensidad. Charly García es un hombre que no conoce los puntos medios. Todo en él es intenso. Es un músico atento a otros músicos. Creó canciones que supo compartir. Charly es uno de los más grandes del continente y del mundo. Charly oído absoluto. Charly excesos. Charly García que unas veces está tan bien y otras tan down. Charly García siempre supo que no servía vivir para sufrir.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
"Clics modernos" (1983)El álbum Clics Modernos, lanzado en 1983, es considerado una obra maestra de la música en español y un hito en la carrera de este influyente músico argentino. Este disco se destacó por su innovación musical y lírica en un momento en que la escena musical argentina estaba experimentando una transición hacia el rock y la new wave. El álbum incorpora una variedad de influencias musicales, desde el rock hasta la música electrónica y experimental. Charly García utilizó sintetizadores, cajas de ritmo y otros elementos tecnológicos para crear un sonido vanguardista y futurista."Piano Bar" (1984)Lanzado en 1984, este álbum es un trabajo significativo en la carrera de este destacado músico argentino. A diferencia de algunos de sus álbumes anteriores que incluían elementos más experimentales y electrónicos, "Piano Bar" se centra en un sonido más íntimo y en las habilidades pianísticas de Charly García. Como su nombre sugiere, "Piano Bar" se caracteriza por un enfoque notable en el piano. Charly García demuestra su virtuosismo en el teclado a lo largo de todo el álbum, creando hermosas composiciones de piano que destacan por su emotividad y profundidad."Cómo conseguir chicas" (1989)El álbum "Cómo conseguir chicas" de Charly García es uno de los trabajos más destacados de su carrera y fue lanzado en 1989. Este álbum se caracteriza por su mezcla de estilos musicales y su lírica introspectiva. Este disco presenta una amplia variedad de estilos musicales. Charly García fusiona elementos de rock, pop, new wave y música electrónica en este álbum. Esto da como resultado una experiencia auditiva diversa y emocionante."La hija de la lágrima" (1994)Este álbum publicado en 1994 destaca por su enfoque experimental y su innovación musical. Charly García utiliza una amplia variedad de instrumentos y elementos electrónicos para crear un sonido vanguardista y único. Las letras de las canciones son líricas profundas y a menudo poéticas. Charly aborda temas variados, desde el amor y la soledad hasta la política y la sociedad, lo que agrega una capa de significado a la música."Random" (2017)Lanzado en 2017, Random marcó el regreso de García con nuevo material después de varios años. Este álbum recibió mucha atención y elogios tanto de los fanáticos como de la crítica, y representa una continuación de la carrera de Charly García como músico y compositor. Random presenta un sonido moderno y experimental, lo que muestra que Charly García sigue siendo un innovador en la música. Incorpora una variedad de elementos musicales, desde el pop y el rock hasta la música electrónica, fusionándolos de una manera característica.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Niccoló Paganini amplió las posibilidades interpretativas del violín mediante digitaciones especiales y posiciones muy avanzadas en el diapasón, y terminó con los mitos de la necesidad de ciertas condiciones físicas para la ejecución del instrumento.Durante mucho tiempo en sus recitales en Italia no incluía obras propias y en cambio sí, conciertos de Viotti y de Kreutzer, pero antes de incursionar en el extranjero compuso sus obras para violín basadas en temas de las populares óperas de Rossini y los primeros tres conciertos para violín, el N° 1 en 1819 y los números 2 y 3 en 1826.En todo este periodo Paganini se vio afectado por enfermedades que le dieron aquel aspecto cadavérico que pronto le caracterizaría. La primera de estas enfermedades le atacó en 1822 y la segunda en 1826. Precisamente aprovechó esas ocasiones para componer y poco después de mejorarse estrenó en 1827 el más famoso de sus conciertos, el segundo, cuyo tercer movimiento, conocido como La Campanella (La Campanilla), es el más popular de la obra y uno de los más famosos del compositor italiano.Durante varios años Niccoló Paganini se dedicó a la composición, la enseñanza y la dirección de la orquesta de la corte de Livorno. Sin embargo, en 1808 decidió concentrarse en su carrera como artista libre y a desarrollar su particular habilidad para demostrar el talento que poseía.Tan importante como Le Streghe fue la serie de Caprichos, 24 obras para violín solo que Paganini escribió inspirado por una colección de Locatelli y que exploran cada aspecto de la técnica del violín. Pero más que ejercicios son verdaderos estudios cuya influencia no sólo afectó a violinistas sino también a intérpretes de otros instrumentos y a compositores.El violín y la guitarra constituyeron el medio de expresión favorito de Niccoló Paganini, especialmente durante su período de éxito en Italia entre 1810 y 1828 que estuvo centrado en sus conciertos en los más importantes teatros del país donde su virtuosismo y magnetismo personal despertaron grandes entusiasmos y a su vez grandes reservas.De esta época es su grupos de seis sonatas, Op.2 y Op.3 para violín y guitarra publicadas en Milán en 1820 y probablemente compuestas alrededor de 1805, contemporáneas de obras de mayor envergadura como la Gran sonata en la mayor, la Sonata Concertata o el Duetto armónico.Paganini determinado a conquistar Milán, considerado el centro cultural italiano de la época, llegó a la ciudad en 1813 y presentó Le Streghe (Las brujas), una obra basada en un tema de Süssmayr que se estrenó en La Scala con gran éxito. Similar suceso tuvo en los siguientes dos meses cuando realizó once conciertos en Milán.Fue hasta el año 1828 que Niccoló Paganini comenzó a cosechar triunfos fuera de Italia. En Viena el público quedó fascinado, el emperador le nombró virtuoso de cámara de la corte y se le otorgó una medalla. Sin embargo, una posterior estadía en Praga no fue tan auspiciosa, primero debido a dos operaciones que se le practicaron para remover toda su dentadura, y luego, a causa del moderado éxito económico y artístico de los seis conciertos presentados en diciembre.De 1829 a 1831 Niccoló Paganini viajó por Alemania, retomó el camino del éxito y las ganancias, logró una mejor recepción de la crítica y conoció a figuras como Goethe y Ludwig Spohr.Ninguno se sintió impresionado y mientras Spohr consideró su estilo como una extraña mezcla de genio consumado y carencia de gusto, Heine le admiró en Hamburgo y Schumann en Frankfurt. En 1831 Paganini llega a París y encuentra simultáneamente triunfos y hostilidad. Al principio la recepción del público y la crítica fue entusiasta, tanto por su talento virtuosístico como por el empleo de los elementos de la escuela de violín francesa. Sin embargo, cuando el artista rehusó tocar en un concierto de beneficencia, la prensa comenzó una campaña que reavivó los rumores más calumniantes y el público le convirtió en un miserable avaro.Las Variaciones para violín y orquesta Op. 10 ‘El Carnaval de Venecia’ de Niccoló Paganini, que llevan este título porque están construidas sobre el tema de la cancioncilla popular veneciana de ese nombre. Es quizás el más extraño documento del virtuosismo paganiniano.Luego de la pobre recepción de sus conciertos por varios países de Europa, la carrera internacional de Niccoló Paganini declinó y llegó a su fin en 1834. Habían sido seis años de viajes por el extranjero, pero resintiendo su salud, y ahora retornaba con amargura a su patria. Sin embargo, a su llegada a Italia, se presentó en Parma, Piacenza y Génova recibiendo toda clase de honores. Se estableció en Parma y tomó el cargo de director musical para revitalizar a la orquesta ducal.Lamentablemente su carácter y las intrigas cortesanas se conjugaron para frustrar su esfuerzo y se vio obligado a renunciar en diciembre de 1836.En octubre de 1939 Niccoló Paganini cayó enfermo y perdió la voz, así que desde entonces tuvo que comunicarse escribiendo. No obstante, los esfuerzos de diversos especialistas, la salud de Paganini fue deteriorándose continuamente y al momento de morir estaba embarcado en varios proyectos, entre otros, distribuir instrumentos de cuerdas, escribir un método de violín que acortara su periodo de estudio y efectuar una serie de presentaciones interpretando los cuartetos finales de Beethoven y de Spohr.Escuche una selección de obras de Niccoló Paganini en la nueva edición de El músico de la semana el lunes 23 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Euryanthe es una ópera catalogada por el propio compositor como grande, heroica, romántica, en tres actos. El libreto en alemán de Helmina von Chézy, está basado en un cuento medieval inglés: La historia del muy noble y caballeroso Príncipe Gerardo, Conde de Nevers, y de la virtuosa y castísima princesa Euriant de Saboya, su almeja. La ópera con música de Weber fue estrenada el 25 de octubre de 1823 en el Theater am Kärntnertor de Viena. Euryanthe se aparta de la tradición del Singspiel alemán (la forma de drama musical que se caracteriza por el diálogo hablado, alternado con canciones, baladas y arias.La audición que ofrecemos en HJCK será interpretada por: Jessye Norman en el papel de Euryanthe de Saboya, Rita Hunter como Eglantine von Puiset, Nicolai Gedda interpreta a Adolar, conde de Nevers, Tom Krause está a cargo del papel de Lysiart, conde de Forest y Beaujolais, Siegfried Vogel se desempeña como el Rey Luis VI, Renate Krahmer es Bertha, una chica de campo y Harald Neukirch interpreta a Rudolf, un noble. Los acompañan el Coro de la Radio Alemana de Mitteldeutscher, con sede en Leipzig y la Staatskapelle de Dresden, bajo la dirección de Marek Janowski Los lugares en que se desarrolla esta ópera son Prémery y Nevers, en Francia.Le dejamos el argumento y el primer acto de esta obra maravillosa del maestro Carl María von Weber.Euryanthe está comprometida con el conde Adolar. En un salón del palacio del rey Luis VI de Francia en Prémery, el conde canta las alabanzas de su prometida. Lysiart, conde de Forest y Beaujolais, desafía la fidelidad de la doncella y afirma que él puede conquistarla si quisiera intentarlo. Adolar apuesta sus tierras y fortuna por la fidelidad de Euryanthe y exige que su amigo muestre alguna prueba de su victoria, si gana.En su castillo de Nevers, Euryanthe ha dado refugio a Eglantine de Puiset, la hija de un amotinado. Eglantine está enamorada de Adolar y, bajo el pretexto de la amistad con su benefactor, decide secretamente llevar a cabo la caída de Euryanthe y romper su apego a Adolar.Lysiart, que ha intentado sin éxito ganarse el favor de Euryanthe, ayuda a Eglantine. Después de ser interrogada por Eglantine, Euryanthe le confía un secreto que Adolar le dio a Eglantine. La hermana de esta última, Emma, había perdido a su amante en la batalla y se había suicidado bebiendo veneno de un anillo. Su alma no puede encontrar descanso hasta que el anillo, que yace en su tumba, se humedezca con las lágrimas de una doncella herida e inocente. Euryanthe, que ha estado orando todas las noches en la tumba de Emma, le había prometido a Adolar mantener este secreto y, demasiado tarde, se arrepiente de habérselo dicho a Eglantine.Escuche la obra completa en una nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 22 de octubre a las 9:00 p.m . por la señal en vivo de la HJCK.
Desde sus humildes comienzos en Hamburgo hasta su ascenso a la fama en Viena, exploraremos cómo forjó un legado musical que perdura hasta el día de hoy. Prepárese para sumergirse en la fascinante biografía de Johannes Brahms, un músico cuyo impacto en el mundo de la música clásica es indiscutible.Los primeros pasosJohannes Brahms nació el 7 de mayo de 1833 en Hamburgo, una ciudad portuaria en el norte de Alemania. Desde temprana edad, mostró un interés innato por la música. Su padre, un músico aficionado, lo introdujo en el mundo de los instrumentos y la música. A la temprana edad de siete años, comenzó a recibir lecciones de piano y pronto se destacó por su destreza musical.Su educación formal comenzó en la escuela de St. Michael en Hamburgo, donde recibió una sólida formación musical. A medida que crecía, su talento se volvía más evidente, y ya a los 13 años, empezó a tocar en bares y restaurantes para ayudar a su familia. Esta experiencia temprana le proporcionó una comprensión profunda de la música popular y de la música clásica, que luego influiría en su estilo único de composición.Ascenso a la famaEl viaje de Johannes Brahms lo llevó a Viena, la capital musical de Europa, en 1863. Este fue un paso crucial en su carrera, ya que Viena era el epicentro de la música clásica en ese momento. En Viena, se relacionó con figuras prominentes en el mundo musical, como Robert Schumann, quien desempeñaría un papel fundamental en su desarrollo.Schumann, un renombrado crítico musical y compositor, reconoció de inmediato el talento excepcional de Brahms. En su famoso artículo de 1853, Schumann lo alabó como el futuro de la música clásica, afirmación que lo catapultó a la fama.Composiciones inmortalesEl legado de Johannes Brahms se forjó a través de sus composiciones. Sus obras abarcan una amplia gama de emociones y estilos, desde la profundidad melancólica de su Primera Sinfonía hasta la exuberancia del Danubio Azul. Algunas de sus piezas más conocidas incluyen las sinfonías números 1 a 4, el Concierto para Violín en Re Mayor y el Réquiem Alemán. Sus composiciones son veneradas por su profundidad emocional y su complejidad estructural.Las sinfonías de Brahms son particularmente destacadas. La Primera Sinfonía, a menudo llamada la "Sinfonía del Destino", es un ejemplo magistral de su habilidad para transmitir profundas emociones a través de la música. La Tercera Sinfonía se caracteriza por su gracia y belleza, mientras que la Cuarta Sinfonía es un logro monumental en la música clásica, conocida por su estructura impecable y su emotividad.Vida personalAunque la vida de Brahms estuvo centrada en la música, también experimentó desafíos personales. Brahms nunca se casó y llevó una vida bastante reservada. Su relación con Clara Schumann, esposa de su mentor Robert Schumann, ha sido objeto de especulación a lo largo de la historia musical. A pesar de la cercanía entre Clara y Brahms, su relación parece haber sido principalmente platónica y basada en la admiración mutua por la música y el arte.Legado duraderoEl legado de Johannes Brahms sigue vivo a través de su música. Sus composiciones continúan siendo interpretadas y apreciadas en todo el mundo. Su contribución a la música clásica es inestimable, y su influencia se extiende a lo largo de generaciones de músicos. Su enfoque en la tradición clásica y su capacidad para comunicar emociones profundas y complejas han dejado una huella imborrable en la historia de la música.Johannes Brahms fue un gigante en el mundo de la música clásica. Desde sus humildes comienzos en Hamburgo hasta su fama internacional en Viena, su vida estuvo dedicada a la creación de obras maestras que tocan el alma de quienes las escuchan. Su legado es un testimonio de la belleza y la emotividad de la música clásica.Explorar la vida y obra de Johannes Brahms le permite comprender la evolución de la música clásica y apreciar su influencia perdurable en la música de hoy. Si desea profundizar en el mundo de este maestro de la música, le invitamos a seguir explorando su legado.No olvide sintonizar la seña en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Con las manos firmes el maestro toma la batuta, la mueve como si fuera un artefacto mágico que ordena a los instrumentos cobrar vida. Los arcos de los violines saltan de arriba a abajo, los dedos en las flautas presionan botones y los clarinetes soplan melodías dulces. El maestro Joji Hattori lleva toda su vida en la música, su madre fue violinista y su padre, un fanático de los discos; así que desde niño ha estado rodeado por las notas y las partituras. Ha vivido en Viena la mayoría de su vida, allí aprendió lo básico de la música y estudio con grandes violinistas de la atmósfera contemporánea.Su trabajo con el violín se fue combinando con la dirección de orquesta creando así una armonía con ambas tareas de la música. Hattori ha sido director musical del Open-Air, Festival de Verano de Ópera/Opereta en Schloss Kittsee y es uno de los principales directores invitados de la Orquesta de Cámara de Viena."La música no es una arte por sí sola, es una forma de generar emociones en las personas. Un ejemplo, la vida humana es una lucha constante contra la soledad y creo que la música es una herramienta maravillosa para que nos sintamos menos solos, puedes ir a un concierto con alguien a quien no le entiendes su idioma, sin embargo, la música los conecta, es un lenguaje universal", dice el maestro Hattori a los micrófonos de la HJCK. Siguiendo el camino del maestro encontramos que de 2007 a 2008, Hattori fue director residente principal de la Ópera de Erfurt y de 2014 a 2018 fue director principal invitado y Codirector Artístico de la Orquesta Sinfónica de Baleares, en Palma de Mallorca (España).También ha trabajado como director invitado en repetidas ocasiones con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Londres, la Filarmónica Eslovaca, la Viena Symphoniker, la Düsseldorfer Symphoniker, así como con muchas sinfónicas importantes en Japón.Al preguntarle por sus influencias musicales el Hattori contesta: "cuando era niño solo me gustaba la música romántica como Tchaikovsky, luego descubrí el Barroco y a Bach, quien, para mí es el mejor compositor de la historia. A lo largo de mi carrera he tenido el privilegio de tener como maestros y de conocer a músicos como Yehudi Menuhin, quien ha sido una inspiración desde que gané su competencia de violín cuando tenía veinte años. También tuve el honor de estudiar con el maestro Lorin Mazzel, quien fue director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, entre muchos otros que han influenciado mi música". En su primera visita a Colombia cuenta que siente entusiasmo de tocar con la Filarmónica de Bogotá el sábado 21 de octubre a las 4:00 p.m. en el Teatro El Ensueño, en la localidad de Ciudad Bolívar, dice que son una gran agrupación y que espera que el público disfrute el espectáculo. Presentará piezas de Ludwig van Beethoven y Johannes Brahms.Aparte de sus obligaciones escénicas, Joji Hattori es presidente y miembro del Jurado del Concurso Internacional de Violín Yehudi Menuhin y en 2003 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.Su sonrisa amable y acogedora se despide de una sala de ensayo que acaba de ser la casa del espectáculo magnífico que se vivirá en Bogotá en cuestión de horas. Hattori usa sus manos como un mecanismo fantástico que hace volar notas musicales por el recito y que, sin pensarlo, emana el aroma de la vida misma con las cuerdas del violín. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal el vivo de la HJCK.
La Sinfonía de los Bichos Raros, que mereció la nominación a los Latin Grammy 2022 como Mejor Álbum de Música Latina para Niños, es una puesta en escena en la que Los Candelarios invitan a otros excéntricos especímenes a celebrar la dicha de ser raros, pero bien. Un colorido musical que para esta presentación cuenta con invitados especiales como Bomby, Fl y Juliana de Latinta Dúo.“La Sinfonía de los Bichos Raros es una metáfora poderosa para invitar a escuchar al raro, al diferente, a no rechazar aquello que no conocemos y más que nada, a celebrar la diversidad natural y la alegría de ser raros, pero bien” afirma Juancho Valencia, el Sargento de Puerto Candelaria.El espectáculo recorre la historia de 10 bichos de la naturaleza, esos que normalmente provocan gritos, rechazos e histeria, pero que en primera persona se presentan como seres mágicos, llenos de poderes y hermosas características que suelen desconocerse y que harán que quien los escuche tenga una nueva perspectiva.Por ejemplo, la araña relata que ha sido víctima de la mala publicidad de los humanos pero que realmente es una excelente costurera y percusionista; la mantis religiosa narra cómo da su vida por amor; la zarigüeya entrega un sentido mensaje de cuidado maternal; y la cucaracha, por su parte, llega a la conclusión de que los humanos le tienen envidia, porque ellas resisten cualquier calamidad que destruiría la humanidad. En definitiva: los bichos muestran los superpoderes y maravillas de la naturaleza que vale la pena conocer.El musical se presenta en el Teatro El Tesoro, en el marco de la celebración de Halloween de El Tesoro Parque Comercial, como tercera temporada artística del 2023 del Teatro. “Tras el éxito de La Sociedad de la Cumbia, una coproducción entre El Teatro El Tesoro y Puerto Candelaria, traemos a escena el premiado musical La Sinfonía de los Bichos Raros. Con él queremos transmitir a los niños y niñas y a sus familias valores tan representativos de esta obra como lo son la curiosidad y el respeto por la diferencia. De esta forma en nuestro Teatro continuamos trabajando para fortalecer el tejido cultural de Medellín”, sostiene Lina Gaviria, directora del Teatro El Tesoro.El musical que ya han podido vivir miles de niños y familias en diferentes escenarios del país, vuelve a Medellín para una celebración adelantada del Halloween. El viaje de Puerto Candelaria a través de los bichos mal amados de la naturaleza estará en el Teatro El Tesoro, con tres funciones el viernes 20 y el sábado 21 de octubre.Los horarios de los conciertos serán el viernes 20 de octubre de 2023 - 6:00 p.m. y el sábado 21 de octubre de 2023 - 3:00 y 6:30 p.m. El valor de la boletería se divide de esta manera: aliados VIP El Tesoro: $60.500 y público general: $71.500. Boletería en tuboleta.com o en la taquilla del Teatro: El Tesoro Parque Comercial, Plaza Teatro, nivel 3.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hackney Diamonds" ("Cristales rotos" en argot inglés) es su 24º álbum de estudio y el primero con canciones originales en 18 años.¿Cuándo fue la última vez que esta icónica banda, que nació hace 61 años, lanzó un álbum honesto a juicio de la crítica? Las opiniones difieren. Para Philippe Manœuvre, crítico de rock francés y gran conocedor de la banda, hay que retroceder hasta 1978, con "Some Girls", que contenía el clásico "Beast Of Burden"."Desde 'Some Girls', los Stones han lanzado discos un poco apresuradamente", afirma este crítico en conversación con la AFP. Este nuevo álbum rezuma rhythm 'n' blues, pero sin alcanzar la altura de "Beggars Banquet" (1968), "Let it Bleed" (1969) o "Exile On Main St." (1972).La novedad más destacable, la participación de Paul McCartney, miembro fundamental de los Beatles, que toca el bajo por primera vez con los Stones en "Bite My Head Off".La supuesta rivalidad entre los Stones y los Beatles, una jugada de marketing, nunca existió realmente. Paul McCartney y John Lennon, de hecho, cantaron los coros en la canción "We Love You" de los Stones en 1967. "Paul y yo siempre hemos sido amigos", resume Mick Jagger a sus 80 años.Lady Gaga, Elton John, Stevie Wonder... La contribución de McCartney es evidente, al igual que la voz de Lady Gaga en "Sweet Sounds Of Heaven", con inspiración gospel, aunque sin alcanzar la estatura de la cantante de soul Merry Clayton, que prestó su voz a la joya "Gimme Shelter" en 1969."Angry" fue escogida como el primer sencillo del álbum, una canción de estribillo fácil.La presencia de Stevie Wonder en los teclados en "Sweet Sounds Of Heaven" es muy discreta, al igual que Elton John al piano en "Get Close" (donde se escucha más al saxofonista James King, un músico menos conocido). El toque de Sir Elton aparece de manera más evidente en "Live By The Sword".¿Por qué leyendas como Jagger y Richards han invitado a otras celebridades? Para Philippe Manœuvre, es una forma de volver a conectar con la "camarilla de músicos presentes en los grandes álbumes de los Stones, a la que se le llamaba el segundo círculo, como Gram Parsons de los Byrds en 'Exile On Main St.'".También se nota la influencia del productor Andrew Watt (Justin Bieber, Dua Lipa, etc.), quien convocó nombres destacados para el último álbum de Iggy Pop ("Every Loser"), como Duff McKagan (Guns N' Roses) o Chad Smith (Red Hot Chili Peppers)."Rolling Stone Blues" cierra el álbum, y es interpretado solo por Jagger y Richards. Es una versión convincente de "Rollin' Stone" (1950) de Muddy Waters, un regreso a sus raíces, cuando estos jóvenes músicos convivían y componían en su primer y desvencijado apartamento en Londres.Un momento emotivo para los fanáticos: en las canciones "Mess It Up" y "Live By The Sword", escritas en 2019, se puede oír la batería de Charlie Watts, el histórico miembro de los Stones fallecido en 2021 a los 80 años.En otras partes quien lleva las baquetas es Steve Jordan, que reemplazó al apacible dandy. "Cuando salgo de mi habitación, lo primero que veo es un retrato de Charlie en mi escalera, siempre le saludo", reveló Richards en "The Howard Stern Show" en Estados Unidos.Sin importar la recepción de este álbum, la longevidad de los Stones los ha consagrado en la historia. "Desde que era un niño, vivo en un mundo con sol, luna y los Stones", concluye Philippe Manœuvre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Recuerdo perfectamente los ojos espantados de mi abuela al ver los niños de la cuadra correr con la pólvora en las manos diminutas. Cuando tenía seis años la vida parecía resuelta, mis papás cumplían con la tradición de comprar las velas y salir al andén para prenderlas, la voz suave de mi madre me enseñaba a dar gracias por cada una de las velas que comenzaban a derretirse. Oraba un Ave María entre dientes tratando de recordar que decía la oración, todo lo que sabía era que las velas que iluminaban mi cuadra eran para dar gracias y pedir deseos o pedir amparo de Dios. Usualmente prendíamos una por cada persona de la familia, siempre mi mamá primero y mi papá ayudaba a que no nos quemáramos. El ruido de las demás casas a veces interrumpía la plegaria de mi abuela que juntaba sus manos como las imágenes de la Virgen María. La tradición continuó todos los años, mi hermana y yo aprendimos a hacer un resguardo para las velas con cartón porque el viento hacía de las suyas y las apagaba, solía pensar que era porque mis deseos y mis agradecimientos no eran lo suficientemente fuertes para mantenerse, pero el frío de Bogotá simplemente hacía su trabajo. Cuando mis abuelos murieron mi mamá decidió encender una vela por ellos, decía que podían ver su luz desde el cielo, así que espero cada 7 de diciembre vean que aún conservamos el calor de sus abrazos en esa muestra minúscula de luz. Dicen que el día de velitas no se hace en ningún otro lugar y creo que por eso lo hace tan especial, es el comienzo de la felicidad momentanea de diciembre, son las ganas de comer todo lo que no hemos comido en el año y nos hace recordar con nostalgia cada una de las personas que ha plantado una luz en nuestra vida. La luz de esas velas ha sido para mí el recuerdo de aquellos que nos dejaron pronto y de quienes lo hicieron en el momento correcto, es también el fervor con el que mi madre le pide a Dios por un año mejor y el abrigo que resguarda la vida del peligro, es también la esperanza que queda en cada uno de nosotros quienes esperamos por una chispa de luz en la oscuridad del mundo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cubismo, un movimiento artístico revolucionario que se originó a principios del siglo XX, transformó la manera en que percibimos y representamos el mundo visual. Esta corriente, impulsada por la exploración de la geometría y el análisis de las formas tradicionales, desafió las convenciones artísticas establecidas y sentó las bases para la evolución del arte moderno.El cubismo surgió en el contexto del cambio cultural y tecnológico de principios del siglo XX, donde la fotografía y la cinematografía comenzaban a cuestionar la necesidad de la representación pictórica realista. Pablo Picasso y Georges Braque, considerados los padres fundadores del cubismo, llevaron a cabo una revolución artística al alejarse de la representación visual convencional y abrazar una forma más abstracta y conceptual de expresión.El cubismo se caracteriza por la representación simultánea de múltiples perspectivas y el análisis de las formas en planos geométricos. Los artistas cubistas buscaban capturar la esencia de un objeto desde varios ángulos a la vez, desafiando así la percepción tradicional del espacio y el tiempo en el arte.El cubismo evolucionó a lo largo de varias fases distintas:Cubismo Analítico (1908-1912): En esta fase inicial, Picasso y Braque descompusieron las formas en fragmentos geométricos, utilizando una paleta de colores limitada y formas más angulares.Cubismo Sintético (1912-1914): Se caracteriza por la reintroducción de elementos figurativos en las obras cubistas, mediante el uso de collages y la incorporación de letras y números en la composición.Grandes Exponentes del CubismoPablo Picasso (1881-1973): Picasso, un titán del arte del siglo XX, co-creó el cubismo y personalizado un papel crucial en su desarrollo. Sus obras, como "Las señoritas de Aviñón" y "Guernica", son ejemplos destacados de la influencia del cubismo en la expresión artística y política.Georges Braque (1882-1963): Braque, colaborador cercano de Picasso, trabajó estrechamente con él durante la fase inicial del cubismo. Juntos, desarrollaron la técnica de la fragmentación y la representación simultánea de múltiples perspectivas.Juan Gris (1887-1927): Gris, otro destacado exponente del cubismo, aportó su propia interpretación al movimiento. Su enfoque meticuloso y su atención a los detalles se reflejan en obras como "Violín y Guitarra".El cubismo influyó no solo en la pintura, sino también en la escultura, la arquitectura y la literatura. Su legado perdura como un hito crucial en la historia del arte, desafiando las convenciones estéticas y abriendo el camino a nuevas formas de expresión.En conclusión, el cubismo es una manifestación artística que trasciende la mera representación visual para explorar la esencia misma de la percepción. A través de la experimentación con la geometría y la abstracción, los cubistas cambiaron para siempre la cara del arte y allanaron el camino para movimientos artísticos posteriores.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El dramaturgo y novelista noruego recibirá el Nobel el próximo domingo, con el resto de galardonados, pero la tradición establece que días antes pronuncien un discurso. Hoy fue el turno de Fosse (1959) con un texto en el compartió recuerdos de su vida y ahondó en su visión de la escritura.Fosse recordó que las felicitaciones que más le conmovieron cuando le concedieron el premio fueron las de personas que dijeron, “con franqueza”, que con sus escritos “les había salvado la vida”. En sus obras hay “muchos” suicidios y eso hacía temer al escritor que, con ello, pudiera haber contribuido a legitimarlo.“En un cierto sentido, siempre he sabido que escribir salva vidas, quizás incluso ha salvado la mía. Y si mi escritura también puede ayudar a salvar las vidas de otros, nada me haría más feliz”.Vestido de negro, con un pañuelo al cuello y el cabello largo y entrecano recogido en una coleta, comenzó su lectura tras una interpretación al piano de música de Bach, que también cerró el acto. En la Academia Sueca y ante decenas de invitados, narró que la primera vez que tuvo que leer en voz alta en el colegio escapó corriendo porque el miedo se apoderó del él.Un miedo a leer en alto través del cual entró en "la soledad, que es más o menos la vida de una persona que escribe" y ahí se quedó desde entonces. Fosse empezó a escribir pequeños textos y poemas para recuperar el lenguaje que le arrebataba el miedo, lo que le dio un “sentido de seguridad” y encontró un “lugar secreto” dentro de sí mismo, desde el que aún escribe.“Un lenguaje silencioso” fue el título del discurso, que conecta con la motivación de la Academia Sueca para concederle el galardón: “por sus innovadoras obras de teatro y prosa que dan voz a lo indecible".En su primera etapa de prosa y poesía trató de escribir lo que normalmente “no puede decirse con palabras”, pues “las cosas mas importantes en la vida no puede decirse, solo escribirse”. Por eso, intento dar palabras al "habla silenciosa”, dijo Fosse, autor intimista, reflexivo y minimalista, cuya obra innovadora y difícil de catalogar le ha hecho casi inventar nuevas formas literarias.El escritor pudo usar ese “habla” de una forma completamente diferente en el teatro, genero en el que comenzó con “Alguien va a venir” (1996), su primera obra y aún la más representada. Todo lo que tenía que hacer era escribir “pausa”, palabra que es la más usada en su teatro -dijo-. A través de esos intervalos lo que más habla “es el silencio”.El teatro le dio “un gran sentido de felicidad y seguridad”, ver sus obras representadas era lo opuesto a la soledad del escritor, era “compañerismo”, crear “arte compartiendo arte”. Para Fosse, el teatro es “un gran acto de escucha” y el acto de escribir es "escuchar", cuando escribe no planea nada y procede escuchando.Tras unos quince años escribiendo teatro sintió que “ya era suficiente” y volvió a la narrativa, donde había comenzado en 1983 con “Rojo, Negro”. Un género en el que detrás de lo escrito hay también un “lenguaje silencioso” que debe ser expresado.Ese lenguaje silencioso -destacó- habla desde “el espíritu de la totalidad de una obra”, ya sea teatro o narrativa, y si se oye lo suficientemente cerca, “escuchas el silencio. Y se ha dicho que solo en el silencio se pude oír la voz de Dios”.Su vuelta a la narrativa fue con 'Trilogía' (2014) y después llegaría 'Septología' que le proporcionó algunos de sus “momentos más felices como escritor”. Esta es una de la obras, junto a "Un día de verano" (1999) y "Mañana y tarde' (2022) de las que se leyeron unos fragmentos tras el discurso del nuevo nobel.Fosse, que no escribe para expresarse a sí mismo sino para “huir” de sí mismo, aseguró que si no escuchó las malas críticas en sus inicios y mantuvo la confianza en sí mismo, tampoco habría podido dejar que el éxito le influyera. “Me agarraría rápido a mi escritura, aguantaría, me aferraría a lo que había creado”. “Creo -aseguró- que eso es lo que he conseguido hacer, y realmente creo que seguiré haciéndolo incluso después de haber recibido el Premio Nobel”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La senadora vitalicia y superviviente de Auschwitz Liliana Segre, la encargada de presidir la función en ausencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, fue recibida con una fuerte ovación al llegar al Palco Real, donde la acompañaron el presidente del Senado, Ignazio La Russa, y el alcalde de Milán, Beppe Sala.Antes del inicio de la ópera, el superintendente de La Scala, Dominique Meyer, celebró con el público del famoso templo de la ópera la declaración del canto lírico italiano como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, unas palabras que fueron aplaudidas por los asistentes.Junto a Almodóvar y Smith también pudo verse en una Scala especialmente embellecida a la cantante italiana Ornella Vanoni, la mítica soprano Raina Kabaivanska, el arquitecto Stefano Boeri y la estrella italiana de la danza Roberto Bolle, entre otros rostros conocidos.El 7 de diciembre es una cita imperdible para cualquier amante de la lírica: además de en Italia, el "Don Carlos" de Lluis Pasqual llegará a otros países en directo televisivo como Austria, Bélgica, Francia, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Portugal, República Checa e incluso Japón, y en otros lugares como España y América Latina podrá verse en cines.Será un espectáculo de evocación hispana, no solo porque el "Don Carlos", adaptación de la tragedia de Friedrich Schiller, habla del enfrentamiento ficticio entre Felipe II y el infante Carlos, sino porque Pasqual se inspiró en Castilla para su puesta en escena.Este día de San Ambrosio, patrón de Milán, está consagrado a la ópera y ya se prueba la pantalla gigante desde la que se puede seguir la "Prima" en la Galería Vittorio Emanuele desde la calle, resistiendo al frío.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Casa Museo Quinta de Bolívar se ha venido consolidando como un espacio de intercambio de saberes, construcción de memorias locales y procesos colectivos de creación artística gracias a proyectos de formación con enfoque artístico, social y medioambiental.De esa línea de acción nació Rompiendo el molde. Este proceso de formación artística, en el que mujeres de diferentes localidades de Bogotá confeccionaron un corsé y lo intervinieron para contar sus historias y reflexiones en torno a la feminidad y los roles y expectativas de género; contó con siete sesiones realizadas entre el 16 de septiembre y el 11 de noviembre del 2023. Cada una de ellas tuvo un componente teórico, en el que se exploraron los roles femeninos en la Nueva Granada durante el período colonial y republicano, una conferencia sobre cultura libre de sexismo en Bogotá y un componente práctico en el que se instruyó el patronaje, corte y ensamblado de la prenda.En cada encuentro, además, hubo espacios para socializar reflexiones e historias de cada participante y sus intenciones con la pieza que confeccionaron. Esta metodología fue construida en conjunto con la Secretaría de la Mujer de Bogotá, aliado estratégico y asesor para la integración de un enfoque de género en el proceso.Por otra parte, la exposición, producto de las diferentes sesiones realizadas, estará compuesta por tres capítulos con los cuales se hizo una agrupación temática de los corsés que serán exhibidos:El corsé. Una prenda con historia: Lo que inició como una prenda de moda entre la realeza francesa en el siglo XVI, se fue adoptando en las sociedades occidentales como un símbolo de clase, feminidad y buena educación. Si bien su uso como prenda diaria decreció en Occidente a mediados del siglo XX, hoy en día sigue estando sujeta a experimentación artística y ha sido comúnmente adoptada en estéticastransgresoras y obras con mensajes críticos sobre la feminidad y los roles de género.En Rompiendo el molde, las participantes tienen la oportunidad de reinterpretar y recontextualizar al corsé al confeccionarlo de manera que refleje sus propias intenciones.Expresión: El vestuario no es sólo una forma de proteger el cuerpo del clima y los entornos agrestes. También es una forma de expresión de clase, género, etnia y, recientemente, ha servido para la expresión individual: el poder destacarse entre los demás. En Rompiendo el molde, la capacidad comunicativa del vestuario es aprovechada por las autoras para narrar historias personales o reflexiones sobre su contexto y la sociedad.Control: Con la moda también se ejerce control. Durante siglos, las normas y leyes sobre la vestimenta han sido una forma de controlar la apariencia de los integrantes de una sociedad de acuerdo a los estándares vigentes de su respectiva época. En Rompiendo el molde, el control se evidencia como uno ejercido a través de imaginarios que cada mujer ha proyectado sobre sí misma y que les ha dictado el “deber ser” de una mujer, una madre o una esposa. La idea de control también se manifiesta como aquellas condiciones materiales hostiles para ellas como trabajadoras o campesinas, y como violencias ejercidas sobre ellas o sus allegadas.La muestra dialogará con imágenes de apoyo de algunas obras de la colección del Museo de la Independencia Casa del Florero y estará abierta en los horarios habituales del museo, de martes a domingo, 9:00 a.m. - 5:00 p.m.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
