Las primeras experiencias musicales de Carl Nielsen consistieron en escuchar cantar a su madre, a su padre interpretar el violín y la corneta de pistones; y estudiar tres grandes clásicos de la música europea: Bach Mozart y Beethoven.A pesar de su pobreza, los padres de Carl Nielsen le encaminaron y le inscribieron en el Conservatorio de Copenhague. Allí comenzó a componer con su innato sentido de la armonía.Su cultura general incluía las mitologías, escandinava y griega, Shakespeare y Goethe. A los cinco años de estar allí, en 1889 ya se ganaba la vida como violinista de la orquesta Real.Carl Nielsen compuso música de género diverso; el catálogo de sus obras incluye óperas, música incidental y seis sinfonías. Su estilo, aunque original, tiene mucho en común con el de los compositores románticos de la segunda mitad del siglo Diecinueve, pero el sabor de su música es marcadamente nacionalista. Lo mismo se puede decir de su música de cámara, reconocida en su poderosa originalidad.Carl Nielsen, nuestro invitado a esta audición del Músico de la Semana, escribió su primera sinfonía en 1892 y la segunda casi diez años después. Los Cuatro Temperamentos, como así título a su obra, muestra las razones por las cuales las seis sinfonías de Nielsen constituyen uno de los más grandes tesoros del desarrollo de la forma en el siglo XX.Esta sinfonía no se atiene a ninguna clase de programa, como fue usual entre los contemporáneos de Nielsen. El título no es más que una indicación general, y cada movimiento evoca un carácter de la personalidad humana.El primer movimiento, es Allegro colérico; el segundo, Allegro cómodo y flemático; el tercero, Andante melancólico y el cuarto Allegro sanguíneo.Fuera de su labor como compositor Carl Nielsen llevó una activa vida musical; hasta 1914 fue director de la Real Orquesta Danesa, y más tarde ocupó la misma posición en el Conservatorio. Entre los compositores daneses del siglo XX, Nielsen es quizás el único cuyo nombre tuvo una amplia divulgación fuera de su país natal.La primera obra de Carl Nielsen compuesta específicamente para orquesta fue la inmediatamente exitosa Suite para cuerdas (en 1888), que evocaba el romanticismo escandinavo expresado por Grieg y Svendsen. La obra marcó un hito importante en la carrera de Nielsen, ya que no solo fue su primer éxito real, sino que también fue la primera de sus piezas que él mismo dirigió cuando se representó en Odense un mes después.Podrá escuchar más acerca de la vida del compositor francés y apreciar algunas de sus obras en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 5 de junio a las 3:00 p.m. por nuestra señal en vivo.
Hablar de Henry Purcell (1659 - 1695) es remitirse a uno de los nombres más aclamados (si no el más) de la historia de la música barroca inglesa, gracias a su destacada obra que se expandió en diversos géneros en el corto tiempo de producción que tuvo, debido a su fallecimiento a los 35 años de edad. Dentro de su destacado repertorio, una de las composiciones más importantes es El rey Arturo, una semiópera en cinco actos con libreto del poeta John Dryden basada en el personaje de la literatura europea, especialmente inglesa y galesa que según los registros se representó por primera vez en el Queen's Theatre, Dorset Garden de Londres, a fines de mayo o principios de junio de 1691. Como era costumbre para la época, contrario al imaginario de la representación de una obra de estas características, los personajes no suelen tener espacios de canto (siempre y cuando no posean propiedades especiales para la trama, sobre todo, sobrenaturales), por lo que los personajes son en vez de interpretes, actores. La trama de la ópera esta basada en las batallas entre las tropas británicas del rey Arturo y el pueblo sajón, dejando de lado la tradicional historia basada en las leyendas del castillo de Camelot. En la trama sin embargo, sí aparecen los personajes tradicionales de estos cuentos, como Merlín, además de la aparición de personajes como Cupido y Thor. La historia por supuesto se valdrá de las temáticas del siglo XVII, en la que podremos ver al rey Arturo en una cruzada por recuperar a su prometida, la princesa Cornualles Emmeline, que ha sido secuestrada por el rey sajón Oswald de Kent. El primer acto de la ópera inicia justamente con el rey Arturo, después de diez años de batallas contra los sajones, manteniendo firmemente en su poder a todo el reino a excepción de Kent. Los sajones están dirigidos por Oswald, que se ha propuesto conquistar no sólo el reino de Arturo, sino también a su amada, la ciega Emmeline, hija de Conon (duque de Cornualles). Arturo se despide de ella antes de la decisiva batalla final contra el invasor pagano. La historia por supuesto derivará una vez más en el amor y el protagonista triunfando por encima de cualquier desgracia y tempestad. El rey Arturo fue representada al menos dos veces durante la vida de Purcell y continuó representándose a fines de la década de 1690, manteniéndose hasta nuestros días como una de las puestas en escenas más representadas y difundidas de la historia. Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Nancy Argenta, Linda Perillo, Julia Gooding, Jamie MacDougall, Brian Bannatyne-Scott, Gerald Finley, el Coro y El Conjunto The English Concert bajo la dirección de Trevor Pinnock en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un testimonio recogido por el portal informativo de la cadena pública ARD, una joven identificada como "Cynthia A." relató cómo en 2020, entre bastidores, Lindemann mantuvo relaciones con ella "de forma bastante violenta" hasta hacerla sangrar, sin que ella opusiera resistencia debido al estatus de celebridad del cantante.Otra joven, "Kaya", de 21 años, declaró que, tras un concierto, se despertó en una cama de hotel donde se había quedado inconsciente y descubrió que el cantante, de 60 años, estaba abusando de ella.Más de una docena de mujeres con las que se comunicó ARD afirmaron que habían sido contactadas a través de redes sociales o en conciertos de Rammstein por personas del entorno de Lindemann para acudir a fiestas especiales para las que debían vestirse de forma atractiva. Como prueba aportaron conversaciones de WhatsApp u otros servicios de mensajería.También el diario "Süddeutsche Zeitung" publicó hoy testimonios similares. Algunas de las entrevistadas sabían de antemano que a cambio de la invitación a la fiesta se esperaba de ellas que mantuvieran relaciones sexuales con Lindemann, mientras que a otras las tomó por sorpresa.La editorial alemana "Kiepenheuer und Witsch", que ha publicado tres volúmenes de poemas de Lindemann, anunció hoy el fin de la colaboración con el vocalista, debido a las citadas alegaciones y a la existencia de un vídeo sexual de 2020 en que éste supuestamente "glorifica la violencia sexual".La semana pasada surgieron en redes sociales diversas alegaciones sobre presuntos abusos por parte de Lindemann, después de que una joven irlandesa afirmara haber sido drogada después del concierto de Rammstein en la capital lituana de Vilna.La joven relató en sus redes sociales como el cantante supuestamente montó en cólera después de que ella se negara a mantener relaciones sexuales con él. Después comenzó a tener lagunas en la memoria, a pesar de que sólo había ingerido un poco de alcohol, y al día siguiente despertó llena de moratones.La joven afirmó que ha cursado una denuncia ante la policía lituana y manifestó el convencimiento de que una de las copas que se le suministraron en la fiesta contenía drogas.Rammstein reaccionó el pasado domingo con un breve comunicado en el que la banda descartó que ninguno de los hechos narrados se hubiera producido en su entorno."No tenemos conocimiento de que se estén produciendo investigaciones oficiales al respecto", agregó el grupo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Este reconocimiento lo recibo en nombre de la trova cubana de todos los tiempos", aseguró Rodríguez en un acto al que asistió el presidente de Cuba, Miguel Díaz-Canel, según reportaron medios oficiales.El trovador cubano expresó que era "indescriptible ser reconocido por la institución donde han hecho historia tantas personalidades"."Más si esto ocurre en el país donde nací", añadió Rodríguez al recibir la distinción en el Aula Magna del centro de altos estudios.El compositor, de 76 años, recibió también una carpeta con carteles creados por estudiantes de diseño con referencias a canciones emblemáticas del autor de "Ojalá" y otros temas.Rodríguez participó en 1968 en el concierto que pasaría a la historia como la fundación del movimiento de la Nueva Trova cubana, junto con otros compositores como Noel Nicola, Pablo Milanés, Martín Rojas, Eduardo Ramos y Vicente Feliú.Silvio, como se le conoce popularmente, ha sido uno de los miembros de la Nueva Trova que más repercusión ha tenido fuera de las fronteras de Cuba.La Nueva Trova llegó a ser uno de los movimientos musicales más influyentes en Latinoamérica en la segunda mitad del siglo XX. Mezcló el estudio de las raíces populares de la música cubana con letras altamente politizadas y a favor de la revolución de Fidel Castro y el "Che" Guevara.Temas como "Yolanda" -de Milanés-, "Créeme" -de Feliú- y "Ojalá" -del propio Rodríguez- pasaron a la historia como parte de la Nueva Trova, considerada además "la banda sonora de la Revolución cubana".Pese a defender el proceso revolucionario y su liderazgo, Rodríguez ha criticado ocasionalmente en los últimos años algunas situaciones de la realidad cubana desde su blog "Segunda Cita".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Salsa Al Parque vuelve al Simón Bolivar cargado de música y baile. Este evento que se realiza cada año traerá en su edición de 2023 a más de 80 artistas, entre estos 15 agrupaciones de danza. Esta versión del Festival busca rememorar la fiesta popular colombiana a través de la música, la danza y el disfrute, con invitados distritales, nacionales e internacionales, entre los que se encuentra El Gran Combo de Puerto Rico ‘La universidad de la salsa’, que al son de Julia, Timbalero, Un verano en Nueva York, y otros grandes clásicos de su repertorio harán cantar y bailar a los bogotanos.Mauricio Galeano, director del Idartes, comenta: “escuchamos a la gente y por eso, este año decidimos regresar al Parque Simón Bolívar para brindar a los salseros y en general a toda la ciudadanía, un espacio amplio y con todas las condiciones técnicas y logísticas para compartir y celebrar con lo mejor de la salsa y con otros ritmos caribeños que se harán presentes en esta versión del Festival. Hoy anunciamos la participación de El Gran Combo de Puerto Rico y durante los próximos días traeremos muchas más noticias que de seguro prenderán la fiesta”.Salsa al Parque 2023 tendrá invitados de Estados Unidos, Venezuela, España, Puerto Rico y República Dominicana, entre los que están Jimmy Bosch ‘El trombón criollo’, quien llega al Festival para celebrar sus 50 años de trayectoria, de salsa, latin jazz y música afroamericana; La Dimensión Latina ‘Los generales de la salsa’, una de las agrupaciones salseras de mayor renombre en la música caribeña; y Proyecto A ´El tren del sabor’, la orquesta que sigue creciendo dentro del género de la salsa y lo latino con éxitos como Mi credo, Renuncio, Quiéreme y Con la misma moneda, entre otros.Los artistas nacionales vienen de Cali, Medellín y seis agrupaciones distritales que fueron seleccionadas a través de la convocatoria pública del Festival: Kaona Orquesta, La Pambelé, Luna Llena Salsa Band, Orquesta Punto Baré, Sabor Yembé Orquesta y Son de Ají. Además, 11 parejas y cinco agrupaciones de danza se suman a la programación para contagiar a la ciudadanía con los diversos movimientos, coreografías y sabores de la salsa.“Colombia es un país de celebración, es un país que históricamente se reúne en torno a la música para compartir, para celebrar o simplemente para disfrutar en lo que conocemos popularmente como una fiesta. En esta ocasión el Festival se viste de anfitrión y además de los clásicos de la salsa, recibe a uno de los ritmos caribeños por excelencia, que ha acompañando la fiesta de los colombianos durante décadas, así que los invitamos a programarse para un fin de semana lleno de baile, de éxitos y alegría, porque queremos que Salsa al Parque se consolide como un referente de fiesta para los bogotanos”, afirma Michael Navarro, gerente de Música del Idartes.El Festival se llevará a cabo este fin de semana 3 y 4 de junio en el Parque Simón Bolívar, la apertura de puertas será a las 12:00 p.m. y la entrada es totalmente gratis. Si quiere consultar la programación puede hacerlo en este enlace. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Nichol Lechmanik afirmó este jueves en una rueda de prensa en Los Ángeles junto a su abogada Gloria Allred que el cantante, que cambió su nombre a Ye, le causó "grandes daños mentales y emocionales".El incidente ocurrió en enero de 2023 cuando la paparazzi estaba afuera de un recinto deportivo en el condado de Ventura, cerca de Los Ángeles, donde estaba la hija de Ye y Kim Kardashian.De acuerdo con la demanda, la paparazzi había tomado algunas imágenes de Kardashian al entrar al complejo cuando vio a Ye afuera discutiendo con alguien. Lechmanik comenzó a filmar con su teléfono desde su carro al rapero.En un clip reproducido durante la rueda de prensa, Ye se aproxima al vehículo y confronta a la paparazzi. "Si quiero ver a mi hijo en un juego, no pueden venir encima de mí así. Si digo que paren (...) Paren con sus cámaras", dice Ye visiblemente molesto."Lo sé, pero Kanye, eres una celebridad", le responde la fotógrafa que continúa filmando, al igual que un acompañante en el carro.En seguida el músico agarra el teléfono de Lechmanik y lo lanza al piso, se da la vuelta y se va. "Me causó mucho miedo", dijo este jueves la fotógrafa. "Sus acciones han interferido con mi trabajo. (...) Él no tiene el derecho de atacarme o causarme miedo de ejercer mi profesión".Cuestionada por un periodista sobre los límites de la privacidad de las celebridades, Lechmanik dijo que tenía diez años de experiencia y que nunca había tenido un incidente similar. "Creo que la gente no entiende las dificultades que pasamos los fotógrafos", agregó.La demanda busca "daños generales, especiales y punitivos", comentó Gloria Allred.Ye y Kim Kardashian comenzaron a salir en 2012 y se casaron en Italia en una lujosa ceremonia dos años después. La pareja, con cuatro hijos, se divorció el año pasado luego de un largo y público proceso.La vida de Ye después de la separación de la estrella de la telerrealidad ha estado marcada por polémicas y controversias.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Luego de Nueva York y hasta el 8 de junio, los manuscritos harán escala en Los Ángeles y Hong Kong. Y luego serán expuestos en agosto en Londres, antes de su venta en una serie de subastas previstas del 4 de agosto al 11 de septiembre.Escrito con bolígrafo y con lápiz sobre papel membrete de una compañía aérea ya desaparecida "British Midlands Airways", el borrador de "Bohemian Rhapsody" revela en 15 páginas los diferentes giros que Freddie Mercury consideró para este famosos éxito de Queen, y que preveía titular "Mongolian Rhapsody". Sotheby's hace una estimación de su valor de entre 1 y 1,5 millones de dólares.Entre los demás borradores del cantante -que falleció de sida en 1991- están los de los temas "Don't Stop Me Now", "Somebody to Love" y "We Are the Champions".Borradores tan precoces fueron "fácilmente perdidos o desechados", pero las piezas que irán a subasta ofrecen una "inmersión fascinante en la manera en la que las canciones" de Freddie Mercury "fueron desarrolladas y compuestas", "al tiempo que nos recuerdan su complejidad musical y sofisticación", señaló Gabriel Heaton, especialista de manuscritos en Sotheby's.Estas páginas revelan el intenso trabajo del artista, su "increíble atención" a la creación de las armonías vocales emblemáticas de Queen, agregó.Entre las otras piezas se encuentra un cuaderno de notas rojo de inicios de los años 1970, sin duda uno de sus compendios de letras más tempranos, en cuyas páginas también hay bocetos del logo para el grupo, con manchas de café.Asimismo otras piezas como un cuaderno amarillo de espiral de 24 páginas con letras para el séptimo álbum del grupo en 1978, llamado "Jazz", que incluye el tema "Don't Stop Me Now" y también algunos disfraces entre ellos el mono satinado que vistió Mercury en el video de "Bohemian Rhapsody" en 1975.El catálogo completo de unos 1.500 objetos será revelado a fines de julio o inicios de agosto y Sotheby's estima que alcance un valor de 7,2 millones de dólares.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El músico vienés con raíces danesas y estadounidenses Niels Muus estará al frente de la Filarmónica de Bogotá, en calidad de director invitado, en dos conciertos en los que esta agrupación en gran formato explorará creaciones destacadas de Franz Schubert (1797-1828) y Anton Bruckner (1824-1896).Este repaso por Franz Schubert y Anton Bruckner desde la batuta de Niels Muus se realizará el viernes 2 de junio a las 5:00 p.m. en la Iglesia San José Obrero, en la localidad de Rafael Uribe Uribe (entrada libre), y el sábado 3 de junio a las 4:00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (ingreso con boletería).Franz Schubert compuso siete óperas completas y dejó once sin terminar. Solo dos se representaron en vida del compositor, una de ellas fue El arpa mágica, que interpretará la Filarmónica de Bogotá, para la que el autor mismo escribió el libreto a partir de un texto de Georg von Hofmann. La obra se estrenó el 19 de agosto de 1820 en Viena.El libreto de esta pieza desapareció y la música no se volvió a interpretar. Por mucho tiempo se pensó equivocadamente que Schubert utilizó la obertura tres años más tarde cuando compuso la música incidental para Rosamunda, obra de Helmina von Chézy. El error llevó a la publicación de la obra, tras la muerte del compositor, como Obertura Rosamunda.La obertura para El arpa mágica es una pieza de gran riqueza melódica, ingeniosa orquestación y temperamento enérgico que muestra la influencia de Rossini, quien causaba furor en Viena cuando se escribió esta obra. Schubert fue uno de los referentes para Anton Bruckner, un nombre fundamental en la historia de la sinfonía. El compositor austriaco creó un novedoso lenguaje que nace del conocimiento de la tradición.La Sinfonía n. 7 en mi mayor la compuso entre 1881 y 1883. Cuando estaba terminando el segundo movimiento, Wagner murió y en su honor, Bruckner introdujo una marcha fúnebre que recuerda la de Sigfrido, una de las óperas del autor alemán, e introdujo la llamada tuba Wagner, un instrumento que se gestó para el ciclo El anillo del nibelungo.El director invitado Niels Muus se graduó en la Real Academia de Música de Dinamarca. Continuó sus estudios en el Conservatorio San Martino (Bolonia), el Mozarteum (Salzburgo) y la Ecole Normale de Musique (París), así como con los maestros Franco Ferrara, Carlo Zecchi, Tatjana Nikolajewna y Jakob Gimpel.Entre 1992 y 1999 fue director principal en el Tiroler Landestheater, Innsbruck, y entre 1999 y 2003, se desempeñó como director de orquesta y director de casting en la Volksoper Wien. Reconocido como un experto en el campo de la ópera, Muus ha dirigido algunas producciones importantes para televisión como “L'Elisir d'amore” de Donizetti del MacerataOpera Festival, "L`Assedio di Corinto" de Rossini para las Olimpiadas de la Cultura en Grecia, y “Rusalka" de Dvorak para el Año Internacional HC Andersen en Moscú y Dinamarca.Niels Muus es un especialista de renombre internacional para la música de W.A. Mozart, por eso ha sido codirector del “Proyecto Mozart”, una colaboración anual con la Orquesta Filarmónica de Viena. También ha sido docente en instituciones como el Conservatorio Monteverdi (Bolzano), el Estudio de la Ópera de los Países Bajos (Ámsterdam), el Estudio de la Ópera, el Nuevo Teatro Nacional de Tokio y la Opera Academy of California (San Francisco).Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Joaquín está muy bien de salud, dentro de sus limitaciones, conocidas desde hace tiempo", aseguró este viernes a EFE su representante, José Navarro "Berry".El artista español ha aplazado sus conciertos previstos para esta semana hasta mediados de julio dentro de la gira "Contra todo pronóstico" por un cuadro de laringitis y afonía, con un periodo de reposo de entre cinco y siete días.Sabina estaba "muy bien" tras dos exitosos conciertos en Madrid cuando empezó a sentir molestias por el cambio de tiempo, según el representante.Llegó a plantearse intentar dar el primer concierto de este viernes en La Coruña (España), pero era consciente de que en ningún caso hubiera podido afrontar el segundo, por lo que prefirió iniciar ya su recuperación y descanso.Sabina sufrió en 2001 un infarto cerebral leve, un susto al que siguió una depresión.En mayo de 2010, a punto de ofrecer tres conciertos en Estados Unidos, los tuvo que suspender por una diverticulitis aguda. Y en septiembre anuló un concierto en Barcelona (España) por una caída doméstica.También los problemas de estómago le llevaron a abandonar un concierto en Madrid en 2014 y se habló entonces de un puntual ataque de pánico escénico.El 12 de febrero de 2020, el día que cumplía 71 años, tras perder pie al borde del escenario por un cable y la luz de un foco en Madrid, se precipitó al foso desde casi dos metros de altura, de lo que resultaron varios traumatismos, un ingreso hospitalario en cuidados intensivos y dos intervenciones.En su gira tiene previstos conciertos en España hasta octubre, para volver a cruzar el Atlántico y subirse a los escenarios de México, donde ofrecerá cuatro actuaciones en Ciudad de México el 27, 29 y 31 de octubre y 2 de noviembre, y otra en Guadalajara el 4 de noviembre.Después viaja a Estados Unidos: Nueva York, Miami y Los Ángeles los días 16, 19 y 22 de noviembre, respectivamente.Tiene previsto concluir la gira en Madrid el 18 y 20 de diciembre.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Más 60 años después de su nacimiento en Nueva York de la mano de músicos predominantemente puertorriqueños y cubanos, los más agoreros hablaban de una pérdida de relevancia del género en una isla que es cuna del reguetón, pero los nuevos exponentes de la salsa demuestran lo contrario.A sus 34 años, el cantante, productor, compositor y arreglista de salsa Carlos García, oriundo de Carolina, en el norte de la isla caribeña, asegura a EFE que la salsa no ha perdido vigencia: "el género está súper bien".Los salseros puertorriqueños más conocidos internacionalmente son ya bien veteranos y, según García, muestran su apoyo a los más jóvenes para que también puedan vivir del género. "La salsa es el género con el que me identifico, el que amo, el que respiro, el que creo y en el que trabajo a día de hoy gracias a Dios", destaca García, que empezó a tocar el piano con nueve años y participó por primera vez en un grupo de salsa a los 15.Desde entonces, el artista ha despuntado en el género con colaboraciones con salseros boricuas de renombre como Charlie Aponte, Norberto Vélez y Pete Perignon, con el peruano Tony Succar y el dominicano David Kada."Se puede vivir de la salsa en Puerto Rico"García es el vivo ejemplo de que las nuevas generaciones pueden vivir de la salsa en Puerto Rico: realiza producciones y arreglos para otros artistas, compone sus temas, y actúa en directo como solista y junto a la agrupación "Grupo sin nombre" semanalmente en varios establecimientos de San Juan desde hace más de 13 años.El pianista, que lanzó recientemente su último sencillo "Loco enamorado", señala que la ventaja de los nuevos salseros son las plataformas digitales que favorecen la difusión y ayudan a que sus proyectos puedan ser consumidos en cualquier parte del mundo, pese a la distancia física con sus seguidores.Su amigo y compañero del género Carlos Nevárez, de 33 años, coincide en que su generación "está llena de mucho talento, con una educación musical brutal, muchos arreglistas, muchos compositores e instrumentistas que cantan".Nevárez es una de las nuevas voces de la salsa, estuvo nominado en 2018 a un Latin Grammy junto a Pete Perignon con el disco "La esquina del bailador", y ha realizado colaboraciones con Ronald Borjas, Manolito Rodríguez y Wiso Rivera, entre otros. El joven salsero se ha presentado en México, Colombia, Estados Unidos, en algunos países de África y próximamente va a subir a un escenario en Bari, Italia, donde presentará su último sencillo "Se está regando" y otros temas.Las mujeres rompen barrerasLas compañeras salseras también se abren hueco en este mundo que, como Nevárez subraya, antes era "muy macharrán" (machista), pero ahora artistas como Amor de Jesús, Zayra Pola, Tanisha Galarza o Michelle Brava "están rompiendo con esto".Otro ejemplo de ello es la joven de 26 años Merari Rivera, que se está dando a conocer dentro del género y, según relata a EFE, ha recibido el apoyo de reconocidos salseros como Víctor Manuelle. Se han mostrado "bien contentos, bien orgullosos con el papel" que está ejerciendo como figura femenina, afirma la joven.Rivera desde los nueve hasta los 17 años fue integrante del Coro de Niños de San Juan y a finales de marzo lanzó su tema "La carta", que surgió como balada y más tarde se convirtió en una salsa."Estoy bien, honrada de la exposición y del amor que le han dado a este primer tema y no se van a defraudar de todo lo que vengo a traer", asevera Rivera, quien fue descubierta en 2017 cuando el cantautor venezolano, Franco De Vita, escuchó su música en las redes sociales.Sus referentes son Eddie Santiago y Celia Cruz, entre otros, y afirma que su sueño es actuar en Colombia y ofrecer un concierto en el Coliseo de Puerto Rico "por lo que significa como puertorriqueña".Conéctese a la señal en vivo de la HJCK y escuche lo mejor de la música clásica.
Originalmente, estas palabras que están leyendo estaban pensadas para ser leídas hacia mediados de mayo, como pueden intuir, el retraso es evidente.Por favor, bajen las antorchas literarias y déjenme exponer mi caso. Podrán decidir a lo largo de este texto si soy digna de la hoguera o no. El libro llegó a mí como todas las cosas buenas que pasan en la vida, por azar y por amor. Un amigo muy cercano me preguntó si quería formar parte de reseñar este libro con una corta explicación de lo que se trataba, acordamos que así sería.En medio de ajetreos, me entregó el libro. Lo primero que me llamó la atención fue su portada, donde Carlo Airoldi luce pletórico, con una pinta de luchador bigotón que no se puede superar. El hombre parece listo para abatirse a puñetazos en la Londres de Jack London. Y su título, que se me quedó en la cabeza dando vueltas, El Truco es Resistir, me asaltaba en momentos diferentes del día, todos los días, como un taladro.El momento que elegí para leerlo sería un viaje de 15 horas en carretera hasta Arauca. En medio de la mañana, en alguna parte de la vía mientras a lado y lado solo hay llanura, me encontré cara a cara con el mito, Carlo Airoldi, y su sueño olímpico. Su alma inquieta por naturaleza y el amor a correr, a echar a andar los pies hasta que el cuerpo pida tregua. El libro comienza con un relato fantástico y una oda a la competencia y el honor, mientras Carlo corre 1.000 km entre Torino y Barcelona. “Estoy completamente exhausto, no tengo un ni un musculo que no me duela, no hay postura que alivie mis dolores. Y sonrió porque esto quiere decir que el dolor y el cansancio no son verdadero, y así engaño un poco. Louis me mira y su mirada es la misma que comenzó a dirigirme después de la primera semana de carrera. La misma mirada, cada vez más larga, que me mantuvo después de que dejamos atrás Italia, a nuestra llegada a Marsella. Los mismos ojos incrédulos cuando entendió que lo enfrentaría hasta Barcelona, hasta la meta.”Para dar un aproximado más cercano, esto sería la distancia desde Bogotá a Ibarra, la primera ciudad ubicada después de nuestra frontera con Ecuador, a unos 100 km de Ipiales, la última población de Colombia hacia la frontera. En esa barbaridad de distancia, Carlo Airoldi no solo probó su talento, fuerza y brío, sino también su corazón.En el último kilómetro solo eran Carlo y Louis Ortégue, el francés, que solo se ponía comunicar con Carlo por señas, “El solo hablaba su francés”. Justo antes de llegar a Barcelona, este último se desploma por el agotamiento y la dura prueba que supone recorrer esta distancia, como un ovillo en el piso, rendido. Carlo se devuelve justo cuando quería acelerar para tomar ventaja, una carrera no puede terminar casi para ningún atleta. Carlo lo toma en sus brazos y se lo cuelga a la espalda. Al llegar, aclara que él es el primero y el francés el segundo. Maravillados por su gesto, los organizadores deciden entregarle un premio metálico para que pueda volver a Milán, su hogar, en tren.Me conmovió tanto este gesto de Carlo que tuve que leerlo varias veces estas páginas, por si había perdido algún detalle, había leído alguna palabra que no era, pero en un gesto de honor, respeto y competencia, sucedió. Cerré el libro para tomar un poco de aire y visualizar a Carlo en ese momento. En mi mente, y a pesar de que la narración de Agostinelli no da estos detalles, me tomaré esta licencia que solo ser lector permite: lo imagino hinchado, bajo un sol sin tregua, lleno de polvo, mientras este se pega a él como lodo por el sudor, tratando de desviar su mente del dolor que supone seguir durante días una ruta y enfrentarse a sí mismo, para luego, en lo que en mi cabeza luce como agonía, tener este gesto de profunda humanidad y amor al deporte.Mi confesión es que este trocito de relato de Agostinelli me obsesionó durante días, en los que no podía pasar de estas páginas, releerlo y releerlo para añadir más datos a mi cabeza. Mientras estaba en una hamaca, en la calurosa Arauca, pasé de página como si nada, para encontrarme con algo todavía más alucinante, aún más mitológico, olímpico.Durante su viaje de vuelta a Milán desde Barcelona, Carlo se va a enterar de lo que se puede considerar los primeros Juegos Olímpicos modernos, en 1896 en Atenas, y de lo que será su obsesión durante un año y probablemente toda su vida: la carrera olímpica la Maratón - Atenas (40 km), que parte desde la ciudad de Maratón y terminaría en el Estadio Panathinaikó en Atenas para cerrar las olimpiadas. Desde este momento, para Carlo, todo se traduce a ese momento en que entra triunfal a un estadio abarrotado que aclama a gritos a su nuevo héroe.Sin ánimo de arruinar para nadie esta obra, porque creo que no solo merece ser leída, sino masticada, página a página, esto llevará a nuestro héroe a asumir la tarea absolutamente delirante, por necesidad y hambre de gloria, de caminar desde Milán hasta Atenas, unos 2000 km y un tramo del Mar Adriático. En dimensión latinoamericana, esto sería como caminar desde Bogotá hasta Cajamarca, Perú, atravesando todo el sur del país por Pasto y de punta a punta a Ecuador. Aun hoy, con todas las vías y carreteras modernas, es una locura; imaginémoslo en el siglo pasado, por territorios escarpados y sorteando áreas incomunicadas por vía.Por páginas y páginas, vemos el camino de Carlo durante 28 días. Este relato, al estilo de los cuentos de vieja escuela, al estilo de las “Las Mil y noches” o “En busca del tiempo perdido” de Proust, esa forma clásica de narrar una proeza, que te mantiene en vilo; me devolvió una parte de asombro y fascinación, esa capacidad para sorprendernos que solo tienen los más jóvenes. En medio de estas páginas, encontré una prueba humana fascinante. Carlo y su relato, mejor dicho, su vida y obra, me dieron un poco de fuerza para sortear mi propia carrera. En estos días de turbulencias y desasosiego, estas páginas me recordaron que podía resistir un poco más y aprender a sufrir con gracia, como una prueba del carácter humano, no para no rendirse, sino para jugármela por lo que vale la pena. Eso debe ser personal para cada persona. El título que lleva este libro me ha acompañado como un mantra, recordándome que sufra con estilo, con pundonor, y lo deje ir cuando ya sea suficiente.El truco de resistir creo que no solo está en aguantar, sino en honrar los pasos que se dan en el camino, reconociendo el padecimiento de cada uno de ellos y acostumbrando al cuerpo al dolor que solo da el amar con ganas y con cada fibra del alma al juego, a la competencia y a la vida. El desenlace de este libro es tan doloroso como alentador. Agostinelli logra en estas páginas recuperar un poco de la esencia de los libros de mitología y mezclarlos con una excelente crónica que se puede devorar, masticar o, como lo hice yo, rumiarla.
De hecho, el filme, que se estrena este viernes, está basado en la obra homónima que el escritor estadounidense publicó en 1978 con gran acogida por parte de sus lectores."No es real. No es real. No es real", reza el inquietante eslogan de esta cinta dirigida por el británico Rob Savage ("Host" y "Dashcam") y que cuenta con las actrices Sophie Thatcher ("Yellowjackets") y la jovencísima Vivien Lyra Blair ("Obi-Wan Kenobi") como protagonistas."Recuerdo haber leído la historia cuando era pequeño, así que sabía que podía ser aterradora para el público y aún más para los fanáticos de Stephen King. (...) Quería que esta vez fuera una criatura sangrienta pero que también supusiera una amenaza física contra la que luchar", explicó Savage en entrevista con EFE.La trama relata la historia de la estudiante de secundaria Sadie Harper (interpretada por Thatcher) y su hermana menor Sawyer (Blair) cuando pierden a su madre y no reciben el apoyo necesario por parte de su padre (Chris Messina), un terapeuta que lidia con su propio dolor.Entonces, mientras el pequeño mundo familiar se derrumba, el progenitor ofrece ayuda psicológica a un paciente desesperado que se presenta en su casa acechado por una aterradora entidad sobrenatural que se alimenta del sufrimiento humano."Pregunté a psicólogos reales para que me explicaran mejor cómo interpretar este papel y qué tipo de terapia se supone que estaba aplicando. Además, se notó que el director conocía muy bien el género porque me guio a la perfección", comentó Messina, quien también apareció este año en "Air", en declaraciones a EFE.Una postura con la que coincidió Thatcher, también presente en la conversación con EFE, añadiendo que Savage le recomendó películas como "Don't Look Now" (1973) u "Ordinary People" (1980) para ayudarla a conocer mejor su personaje.Es entonces cuando aparece en escena el coco, hombre del saco o "boogeyman" (en inglés), una criatura que, dependiendo de la cultura, puede adoptar apariencia humana o configurarse como una especie de monstruo con cabeza y dedos alargados que molesta a niños y padres.Estaba previsto que la cinta se estrenara directamente en el servicio de "streaming" Hulu pero, tras una exitosa proyección de prueba a finales del año pasado, se anunció que pasaría primero por las salas de cine.Sus creadores quisieron consultar la visión de Stephen King acerca de esta obra en una maniobra inusitada que pasó por alquilar su cine favorito en Portland (Maine, EE.UU.), ciudad natal del autor, para que la viera como en casa."Él sabe lo que no le gusta y, si le hubiéramos fastidiado la historia, nos lo habría dicho. En cambio, nos envió un precioso ensayo sobre lo mucho que le había gustado la película", aseguró Savage, quien añadió que fue el mismo King el que sugirió que la película se estrenara en cines, públicamente semanas atrás.Scott Beck y Bryan Woods ("A Quiet Place"), así como Mark Heyman ("Black Swan") se encargaron del guion de esta cinta que ha contado con un presupuesto ligeramente superior a los 40 millones de dólares y que encontrará en la película "Spider-Man: Across the Spider-Verse" (Sony Pictures) su principal contendiente en la taquilla del fin de semana.El resto del reparto de "The Boogeyman" lo completan, entre otros, Marin Ireland ("The Umbrella Academy"), Madison Hu ("Bizaardvark"), LisaGay Hamilton ("Vice") y David Dastmalchian ("Boston Strangler").No será la primera vez que esta leyenda aterrice recientemente en el mundo del cine porque Universal Studios lanzó el año pasado la película "The Black Phone" cuyo personaje principal, encarnado por Ethan Hawke, también estaba inspirado en el coco u hombre del saco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre las obras expuestas del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) destaca "Ulises", una enorme máscara de cuero negro, látex y acero inoxidable con la que el artista plástico David Lozano representa a un "cuerpo oscuro sometido a las pasiones y deseos, a veces reprochables para una sociedad mojigata". El "temor" que inspira esta máscara "dialéctica" se rompe cuando el público se acerca a la obra y desde su parte trasera se adentra en un interior cubierto de tela de peluche que recuerda que la realidad tiene "dos caras".Esta pieza suspendida del techo de la sala hace parte de la serie "Ulises, cuerpo gaseoso", una instalación que recrea el sauna masculino "Ulises" de Bogotá, espacio que Lozano define como un "lugar de la memoria" que estuvo en auge en la década de los 90 y que aún continúa activo."Algunos de mis amigos que iban a Ulises y a otros sitios murieron. Digamos que es un homenaje a todos esos amigos y no amigos que murieron y desaparecieron durante la pandemia (de VIH/Sida)", relata a EFE el artista.Esperma sobre tinta azúl Un centenar de abstractas eyaculaciones se superponen a la palabra "sementerio" con la que, en tinta azul, fueron marcadas las hojas de papel sobre las que reposan las muestras de esperma de quienes participaron en esta obra en la que Wilson Díaz reflexiona sobre la existencia sexuada, haciendo énfasis en la noción de muerte.Como pieza estrella que da nombre a la exposición destaca un revelado parcial de plata en gelatina de Miguel Ángel Rojas con la que se responde al "pánico vivido" en la década de los 80 por el "peligro y violencia asociados al contagio del vih", acrónimo que los artistas decidieron escribir en minúsculas para "transformar su peso simbólico". En ella se vislumbra una fusión de dibujo tras los cuales se distinguen algunas escenas de sexo, pequeñas figuras que irradian angustia y hasta la propia muerte.Los videos experimentales también tienen presencia en esta exposición con artistas como Camilo Acosta y Santiago Lemus, quienes en "Los Amarillos" reflexionan acerca de la ictericia que experimentan algunos pacientes de esa enfermedad, fruto de los efectos secundarios de los antirretrovirales que les amarillean la piel.Como extensión de esta pieza audiovisual, Acosta y Lemus protagonizaron este jueves en el Mambo "Manifiesto amarillo", una performance en la que ingirieron más de una decena de papeles amarillentos y mojados en los que se leían frases como "El vih no es una enfermedad, es un síntoma político".Más allá del VIHLa exposición se presenta junto a una línea de tiempo en la que se hace referencia a algunas obras creadas por artistas y colectivos colombianos, así como algunos testimonios y documentos que datan desde comienzos de los años 80 hasta la actualidad, a fin de examinar "la profunda historia cultural de la crisis del sida".Bautizada como "Hilos de sangre: Historias y memorias del vih/sida en Colombia", esta línea temporal se enmarca dentro de una investigación del artista colombiano radicado en Nueva York Carlos Motta y el investigador Pablo Bedoya."Nos dimos cuenta de que no había realmente una fuente visitable y accesible públicamente en Colombia a la cual uno se pudiera acercar, si quisiera conocer acerca del vih. Tanto Pablo como yo pensamos que eso era una gran falta en la memoria histórica del país", explicó a EFE Motta.Como parte de este ciclo expositivo disponible hasta el 11 de junio, Motta también inunda las paredes del MAMBO con "Stigmata", exposición antológica que, más allá de hablar del VIH en piezas como "La caída de los condenados" cubre otras aristas relacionadas con la experiencia de la democracia desde la perspectiva de los grupos minoritarios.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es Pablo-matic: Picasso según Hannah Gadsby", que va del 2 de junio al 24 de septiembre, es una de las muestras más esperadas en el marco de los numerosos eventos, bajo el auspicio de Francia y España, por los 50 años de la muerte del pintor de las "Las señoritas de Avignon" (1907) y el "Guernica" (1937).Picasso (1881-1973) sigue siendo uno de los artistas más influyentes del arte moderno, considerado un genio. Pero en medio del movimiento #MeToo, la figura de este adicto al trabajo con una extensa producción se empaña por las acusaciones del control, a veces violento, que podía ejercer sobre las mujeres que compartieron su vida e inspiraban su obra.¿Separar al hombre del artista? La humorista australiana Gadsby se niega a hacerlo en los comentarios escritos y de audio que acompañan las obras en el Museo Brooklyn al ver en las pinturas y dibujos símbolos de misoginia. Como ejemplo, señala un pene en medio del lienzo "El escultor" (1931), según ella prueba de que Picasso "no podía él mismo desligarse de su arte en sus obras"."Admiración y cólera"Catherine Morris, curadora jefe del Centro por el arte feminista del museo y cocuradora de "Pablo-matic", propone una lectura más moderada. "Están frente a la situación realmente compleja y matizada de un artista que indiscutiblemente es un genio, pero también un ser humano menos que perfecto", explica Morris a la AFP durante una presentación a la prensa en la que Gadsby no estuvo."La admiración y la cólera pueden coexistir", advierte también el preámbulo de la exposición, organizada en cooperación con el Museo Nacional Picasso de París y que busca revisitar su obra bajo una mirada feminista.Por tanto, Picasso en medio de las mujeres, pero no las que representó en sus obras, sino al lado de artistas de su época. Ellas "no tuvieron el mismo apoyo o acceso a las estructuras institucionales que favorecieron al 'genio' de Picasso", subraya Lisa Small, curadora principal de arte europeo en el Museo Brooklyn.El visitante puede detenerse en los dibujos de desnudos de los años 1930 de la estadounidense Louise Nevelson (1899-1988), "totalmente revolucionarios en esa época porque entonces era muy difícil para las mujeres ser admitidas en cursos de dibujo", explica Morris. O bien admirar a Käthe Kollwitz (1867-1945), figura del expresionismo alemán "increíblemente talentosa, tanto en el plano técnico como en el plano emocional", añade Small.También se exponen figuras del movimiento de arte feminista estadounidense, en el que el Museo Brooklyn está a la cabeza, como la afroestadounidense Faith Ringgold o las Guerilla Girls.Este movimiento, encarnado en el ensayo fundador de la historiadora del arte estadounidense Linda Nochlin, "Por qué no ha habido grandes artistas femeninas", de 1971, tuvo su auge en los años 70, durante la década que vio desaparecer a Picasso.Cincuenta años después de su muerte, "hay obras (de Picasso) increíbles en esta exposición que me siguen encantando", dice Morris. "Lo que lamento, es que Picasso fue en gran parte el único artista moderno que me enseñaron. Hay una historia mucho más rica que explorar de la que él puede hacer parte", añade la experta.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Pintura abstracta es un término que llevamos más de cien años intentando definir y no existe consenso", explica el comisario Gary Garrels a AFP el jueves, en la presentación de la muestra que hasta el 25 de agosto monopolizará los dos locales que la galería tiene en el barrio londinense de Mayfair."Para mí, es una pintura que mantiene una conversación interna, en la que los componentes de la propia pintura -el color, la superficie, la textura, el tamaño, los materiales- son los elementos primarios, que no se refiere a algo externo de algún modo descriptivo", agrega.Tras año y medio visitando estudios de artistas de "tres generaciones", reunió 41 cuadros recientes, algunos de ellos concebidos expresamente para la exposición. Representan a 41 pintores vivos -algunos superfamosos, otros prácticamente desconocidos- con el objetivo de examinar el estado de salud de un arte que a veces se ha tildado de moribundo.¿Su diagnóstico? "Lejos de estar muerto, está muy vivo", afirma. "Tenemos al menos otro siglo por delante", agrega, asegurando que la pintura abstracta prospera gracias a su "increíble variedad, riqueza y diversidad" de estilos.Para demostrarlo, la muestra comienza con la oposición entre obras de dos pintoras europeas de la misma edad que no pueden ser más diferentes: la gran y caótica "It's not yesterday anymore" (2022) de la británica Cecily Brown, con su explosión de ásperos trazos y colores, y la pequeña y precisa "Emko" (2023), ejemplo de la suave geometría gráfica monocromática de la alemana Tomma Abts. Cada cuadro se expone solo, sobre una gran pared blanca, para resaltar la individualidad de los artistas."Perseguir su propia visión"Las salas se organizan por afinidades entre pintores, ya sean temporales, geográficas o estilísticas. El abigarrado cuadro "Abstraktes Bild" (2017) de Richter, dialoga en una de ellas con el minimalista "Rivers" (2020-21) del pintor norteamericano Brice Marden. Pero también con la fluidez orgánica de "Rainbow Waterfall #6" (2022) de la estadounidense Pat Steir.Son representantes de una generación que emprendió la pintura abstracta en los años 1960, "pero han seguido produciendo grandes obras", subraya Garrels. En el extremo opuesto de la exposición, Murillo presenta "manifestation" (2020-22), mezcla de pintura al óleo convencional, barra de aceite, grafito y espray sobre lienzo y lino.El dramatismo de sus gruesos trazos oscuros contrasta con la ligereza y luminosidad de "Untitled" (2022) del joven estadounidense Ryan Sullivan. Sin embargo, su combinación de resina de unretano moldeada, fibra de vidrio y epoxi hace que ambos compartan un juego de texturas sin restricciones. En una modalidad artística en la que "no existen movimientos", cada artista crea su estilo, "persigue su propia visión", subraya Garrels.Mientras para algunos todo está en el gesto y la expresividad del trazo, otros se focalizan en un arte "tranquilo" basado en superficies puras, casi homogéneas, con escasos matices tonales. Muchos de estos artistas tienen relaciones de amistad que, afirma el comisario, se plasman en el diálogo que mantienen sus trabajos.Es el caso, por ejemplo, de la estadounidense Jacqueline Humphries y la alemana afincada en Estados Unidos Charline von Heyl, que comparten el gusto por una pintura indirecta, realizadas por mediación con pantallas u otros utensilios, que les da un carácter elusivo y difícil de aprehender.La muestra reúne exclusivamente a artistas alemanes, estadounidenses y británicos. Pese a haber nacido en La Paila y tener doble nacionalidad colombiana/británica, Murillo, que vive en Londres, creció y se formó en el Reino Unido, adonde emigró con su familia siendo niño.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
