Su valor estimado es de 400 millones de euros (unos 433 millones de dólares) y es una joya entre las antigüedades egipcias.El busto de la reina Nefertiti, de 3.370 años de antigüedad, está en Berlín desde 1922, y ahora crece la presión para que regrese a casa.Zahi Hawass, renombrado egiptólogo y exministro de Antigüedades de Egipto, comenzó a ejercer presión para que se repatriara a Nefertiti antes de las protestas que derrocaron a Hosni Mubarak, en 2011.En septiembre pasado, Hawass lanzó una petición para urgir a Alemania a restituir el famoso busto de la reina Nefertiti, que actualmente se encuentra en el Nuevo Museo de Berlín."Este busto, notable e inigualable en la historia por su mérito histórico y estético, se encuentra ahora en Alemania, pero es hora de que regrese a Egipto", se lee en la petición. Un equipo arqueológico alemán descubrió el busto de piedra caliza pintado en 1912 y lo envió a Europa un año después.Nefertiti se ha convertido en una importante atracción turística y en parte del panorama cultural esencial de la capital alemana durante su largo exilio.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí¿Es Nefertiti un símbolo de la colonización?El busto, cuya realización se cree que data de 1345 d.C., también ha sido apodado el "embajador” de la cultura egipcia en la capital alemana.Sin embargo, esa narrativa es criticada por la arqueóloga Monica Hanna: "Un embajador implica un intercambio diplomático", responde Hanna a la pregunta sobre si Egipto ha recibido a cambio algo importante, como "la corona de (el monarca prusiano) Federico el Grande o un cuadro de Alberto Durero". "No creo que lo hayamos hecho”, dice Hanna.La arqueóloga llamó públicamente a la "descolonización de la arqueología egipcia”. Argumenta que la iniciativa para repatriar a Nefertiti genera resistencia, porque "se convertiría en un precedente que pavimentaría el camino hacia la devolución de una cantidad de diferentes objetos tomados durante la época colonialista”.La petición de Hawass también llama a que se restituyan la Piedra Rosetta y el Zodíaco de Dendera, antigüedades egipcias que conservan Reino Unido y Francia, respectivamente.La Fundación del Patrimonio Cultural Prusiano, que supervisa las colecciones de los museos de Berlín, ha reconocido la presencia de arte colonial robado en sus colecciones, como los Bronces de Benín, algunos de los cuales fueron devueltos a Nigeria desde Alemania en 2022.El museo en Berlín dice que no hay motivo para la restituciónPero dicha fundación piensa que el busto de Nefertiti fue obtenido de Egipto de manera legal, tras ser descubierto en los restos de la ciudad de Amarna, la efímera capital del faraón Akenatón, esposo de Nefertiti. Después de su muerte, la ciudad, que se encuentra en la orilla este del río Nilo, fue abandonada en 1335 a.C."El busto de Nefertiti fue encontrado en el curso de una excavación autorizada por la Administración de Antigüedades de Egipto”, dijo Stefan Müchler, portavoz de la Fundación el Patrimonio Cultural Prusiano. "Llegó a Berlín sobre la base de una división del hallazgo, habitual en aquella época, que incluía muchos más objetos"."El busto fue sacado legalmente del país y no hay ningún derecho de restitución por parte del Gobierno egipcio", explica Müchler en una declaración escrita.Stefan Müchler se refiere a un acuerdo con las autoridades egipciast, que detallaba una división de un 50 por ciento para cada país de unos 10.000 artefactos encontrados, a cambio de financiación proporcionada por el magnate alemán del algodón y los textiles James Simon.Expertos de arte alemanes dicen que un representante del Gobierno de Egipto seleccionó la mitad de los objetos, mientras la otra mitad fue trasladada a Alemania, incluyendo el busto, que fue exhibido en el Nuevo Museo de Berlín años más tarde.El busto fue 'robado descaradamente', según arqueólogo HawassSin embargo, algunos cuestionan esa forma de contar la historia. Hawass dice que el busto de Nefertiti "fue robado descaradamente de Egipto por los alemanes en 1913, cuando estaba siendo ocultado, y fue sacado de contrabando del país, a pesar de las leyes que declaraban ilegal sacar hallazgos arqueológicos 'excepcionales' de Egipto".El arqueólogo insiste en que el egiptólogo alemán Ludwig Borchard, líder de la excavación inicial, sacó a Nefertiti del país con pretextos falsos.Según el sitio web Returning Heritage, "en ese momento, el Estado egipcio mantenía un veto sobre los objetos que consideraba demasiado importantes para salir del país". Pero es posible que Borchard pudiera "tergiversar la importancia" del busto, señala el autor del informe, Lewis McNaught.La retirada de la escultura de Nefertiti tuvo lugar antes de que se descubriera la tumba de Tutankamón, en 1922. Este descubrimiento histórico llevó a Egipto a eliminar todos los derechos "concedidos a los excavadores extranjeros para llevarse a casa los principales descubrimientos", escribe McNaught en su informe.El experto cree que es "altamente improbable" que Hawass tenga éxito en su campaña para repatriar a Nefertiti, a menos que él o las autoridades egipcias "presenten nuevas pruebas de que hubo un engaño deliberado".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el tercer fin de semana de octubre la agenda cultural está llena de actividades y planes por hacer, con actividades destacadas como el Festival Raíces Bogotá Andina. Les recomendamos conciertos de música de cámara que no pueden dejar pasar, obras de teatro, talleres y exposiciones.Sábado, 26 de octubreCreación de máscaras fantásticas con la naturalezaEste taller invita en varios momentos a conversar sobre los preconceptos y la información sobre el cine y la literatura enfocando el tema en las características de los personajes que hacen parte de estos géneros. Así mismo, se dispondrá un espacio con materiales naturales que por su apariencia ayudarán a inspirar la creación de un ser fantástico.📍 Cinemateca de Bogotá (BECMA) - Carrera 3 # 19-10🕒 10:00 a. m. a 12:00 p. m.Entrada libre con inscripción previaObra de teatro “Madreselva” en el Festival de títeres ManueluchoEsta obra para toda la familia cuenta la historia de una selva, un río y el gran árbol, donde habitan tucanes, gusanitos, mariposas e incluso la gran anaconda. Todo es vida hasta que un día llega un hombre al que llaman ingeniero con grandes máquinas que destruyen el paisaje y ahora prevalece el señor Smog, que contamina el aire, el río y la tierra.📍 Teatro El Parque - Carrera 5 # 36-05🕒 3:00 p. m.Entrada libreConcierto de la Orquesta Filarmónica de Bogotá junto a Philippe BernoldLa Orquesta Filarmónica de Bogotá presenta en concierto a la violinista Tatiana Samouil, bajo la dirección del francés Philippe Bernold, con un repertorio que incluirá obras de Ludwig van Beethoven y Felix Mendelssohn📍 Auditorio León de Greiff - Avenida carrera 30 # 45-3🕒 4:00 p. m.Entrada libre hasta completar aforo💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Teatro y circo: "El centro del mundo"En El centro del mundo, las técnicas circenses no son solo una muestra de destreza física, sino una herramienta narrativa que potencia la historia. Las acrobacias aéreas, los equilibrios, los malabares y el trapecio se entrelazan para contar el viaje de Victoria, una mujer que atraviesa "puertas" que la llevan a universos emocionales opuestos.📍 Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella - Calle 11 # 5 - 60🕒 25 y 26 de octubre: 8:00 p.m. / 27 de octubre: 3:00 p. m.Entrada libreNuevo ciclo expositivo del MAMBO y visita guiadaEste es el primer fin de semana del MAMBO con tres nuevas exposiciones: Colección en escena #5. Fetiche: conversaciones materiales, Tecnologías del cuidado, de la artista italiana Elisa Giardina Papadel y RepararRenacer del artista franco–argelino Kader Attia. Este sábado Giardina ofrecerá un recorrido por su arte. 📍 Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO - Calle 24 # 6-00🕒 3:00 p. m. (visita especializada con la artista)Entrada con costoConciertos de la octava edición del Festival Raíces Bogotá AndinaEl Festival Raíces Bogotá Andina, proyecto de la Fundación Social Sembrando Camino, apoyado por la Alcaldía Mayor de Bogotá e Idartes, presenta una serie de conciertos en el auditorio Teresa Cuervo Borda que exalta las músicas colombianas y andinas. Este concierto contará con la presentación, de Daniel Castillo (Tunja), Camila y Silvio (Chile) y Nahual folclórico (Popayán)📍 Museo Nacional de Colombia - Carrera 7 # 28-66🕒 5:00 p. m.Entrada libre Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por FESTIVAL RAICES BOGOTÁ ANDINA (@festivalraicesbogotaandina)Domingo, 27 de octubreBebés al parqueComo antesala a Halloween, también celebrado como Día de los niños, Idartes organiza el festival familiar Bebés al parque, dedicado a la primera infancia. Este evento contará con obras musicales, experiencias artísticas, actividades con el Planetario de Bogotá, emprendimientos con Hecho en Bogotá y más sorpresas .📍 Parque Simón Bolívar - Avenida calle 53 - Avenida La Esmeralda🕒 10:00 a. m. a 8:00 p. m.Entrada libreConcierto Soplo de vida - Luis Fernando FrancoEste concierto es la celebración de un proceso de investigación interdisciplinar, en colaboración con el Museo del Oro, resultado de la comisión de obra por parte del Banco de la República al compositor Luis Fernando Franco. Promete ser una experiencia multisensorial que concilie tiempos, espacios, lenguajes, paisajes, sonidos y disciplinas que, aunque suelen estar alejados, dialogarán para narrar historias tan ancestrales como actuales.📍 Biblioteca Luis Ángel Arango - Calle 11 # 4-14🕒 11:00 a. m.Entrada con boleteríaConciertos de la octava edición del Festival Raíces Bogotá AndinaEl Festival Raíces Bogotá Andina, proyecto de la Fundación Social Sembrando Camino, apoyado por la Alcaldía Mayor de Bogotá e Idartes, tendrá su concierto de cierre con las presentaciones de Ukamau (Bogotá), Kaipimikanchi (Pasto) y Lucio Feuillet y la murga bailando bailando (Pasto).📍 Teatro al aire libre La media torta - Calle 18 # 1-05e🕒 3:00 p. m.Entrada libre🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde 24 de octubre y hasta el 9 de febrero de 2025 estarán en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO, tres nuevas exposiciones que hacen parte del tercer ciclo expositivo del museo. En estas instalaciones se exploran conceptos como trauma y reparación, las prácticas tecnológicas en la vida cotidiana y la mediación de nuestra relación con la materialidad actual.En esta ocasión, el MAMBO reúne artistas nacionales, al artista franco–argelino Kader Attia y a la artista italiana Elisa Giardina Papa. En el nivel uno del lugar los visitantes se encontrarán con la Colección en escena #5. Fetiche: conversaciones materiales, una selección de obras propias de la Colección del MAMBO, que no sólo representan parte importante del patrimonio artístico y cultural de la nación; sino que también se reúnen para construir una red de significados frente al ‘fetiche’.Bajo la curaduría de Juaniko Moreno, esta exposición, de más de 35 obras, parte de cinco ejes principales, para concebir al ‘fetiche’ como un término sombrilla que abarca ideas y objetos en las márgenes de la norma, lo aceptado o lo racional.Ya sea como sinónimo de ídolo religioso, como objeto de deseo sexual desmedido o como elemento de valor socialmente percibido, ‘fetiche’ reúne bajo un único concepto el limbo entre devoción y materialidad, deseo y poder, magia y artificio, tótem y amuleto, construcción social de valor y apreciación individual del mismo.La muestra junta las obras de reconocidos artistas modernos y contemporáneos con el fin de establecer diálogos que, aún insertados en las corrientes artísticas marcadas por el racionalismo y escepticismo, características propias del arte moderno, abordan el acto creativo desde la pulsión de lo esotérico, oculto y ancestral.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También en el nivel uno, y en el nivel tres, aparece Tecnologías del cuidado, la primera exposición antológica institucional de la artista italiana Elisa Giardina Papa en Colombia. En esta obra, Giardina, radicada en Nueva York, evidencia las tensiones actuales frente a las economías digitales y el ensamblaje de la maquinaria humana.A través de videoinstalaciones de gran escala, las cualidades del poder, el género y los sistemas sociales se hacen presentes en las nuevas modalidades de trabajo, presentando obras relacionada con la afección y la tecnología en el tercer nivel, mientras que en el -1 explora, desde el archivo histórico y la especulación lírica, interpretaciones contemporáneas de la mujer.Esta muestra, que es la primera parte de una exhibición de dos tiempos, la segunda se presentará en marzo de 2026, ofrece un amplio panorama frente a las implicaciones de las plataformas digitales, las formas de conocimiento y deseo perdidas u olvidadas, la manera en que los sistemas de pensamiento condicionan las prácticas tecnológicas, y los roles de género en medio de un contexto virtual en constante transformación.Por último, el segundo nivel alberga una minuciosa selección de dieciséis obras del reconocido artista franco–argelino Kader Attia en la que refleja su visión sobre la ruptura traumática: un ciclo que no se elimina, sino que se reelabora como algo nuevo. A través de la aceptación de la reparación en objetos, culturas y cuerpos, Attia demuestra cómo el pasado, aún herido, puede dar origen a nuevas formas de significado y existencia.A través de videos, instalaciones, esculturas, collage y fotografía, la obra presenta los diversos enfoques del artista frente a los distintos tipos de reparación posibles para los traumas de las sociedades modernas poscoloniales. La exposición busca abrir un espacio de diálogo sobre los traumas colectivos históricos de la sociedad colombiana, abordando el concepto de reparación desde la creación y transformación.Podrá visitar este ciclo de exposiciones de martes a sábado entre las 10:00 de la mañana y las 6:00 de la tarde, o los domingos y festivos desde el mediodía hasta las 5:00 de la tarde. Tenga en cuenta las tarifas de ingreso al museo y que el último domingo de cada mes la entrada es gratuita, es decir, este 27 de octubre, el 24 de noviembre, el 29 de diciembre y el 26 de enero de 2025, para este ciclo. Estos son los horarios de las visitas guiadas con los artista: Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museo de Arte Moderno de Bogotá - MAMBO (@mambogota)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su acción de protesta, llevada a cabo poco antes del mediodía, los activistas pegaron la fotografía de una madre en Gaza con su hijo sobre el cristal protector de la obra que Picasso completó en 1901, antes de verter pintura roja por el suelo de la sala 43 del museo.El grupo, que también pintó el eslogan "conferencia genocida" a la entrada del congreso laborista en septiembre en Liverpool, reclamó en un comunicado que el Gobierno británico decrete un embargo a la venta de armas a Israel y que detenga la concesión de nuevas licencias de petróleo y gas.Los activistas fueron identificados por Youth Demand como Jai Halai, de 23 años y que trabaja para la Sanidad pública en Londres, y Monday-Malachi Rosenfeld, estudiante de 21 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según un portavoz policial citado por el diario 'The Times', ambos fueron detenidos y permanecen bajo custodia policial, mientras que la sala del museo ha sido cerrada para permitir las investigaciones.Por su lado, un portavoz del museo citado por el mismo medio confirmó que ningún cuadro ha sufrido daños en la acción de protesta. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo 5 de mayo se llevará a cabo la nueva edición de la MET Gala, el evento de moda más importante de Nueva York y que es organizado por el Costume Institute para recoger fondos para el Museo Metropolitano de Arte.La MET Gala recibe a las celebridades y caras famosas de la moda en una noche que celebra el lujo y la importancia de la moda en la historia. Se rumora que cada puesto en la fiesta está entre los 75.000 dólares.¿Cuál es el tema de la MET Gala 2025?El tema central de la nueva edición será “Superfine: Tailoring Black Style”, el dandinismo negro, esta es la segunda exposición del MET que se realiza en torno a la moda masculina desde el 2003.“El espectáculo se inspira en el libro de Monica Miller «Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity», publicado en el 2009, en el que establece el dandismo negro como una construcción estética y política”, escribió el Museo del MET en su cuenta de Instagram.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta gala explorará la visión del dandi negro desde el siglo XVIII hasta la actualidad. Por esta razón los anfitriones serán: Pharrell Williams, Colman Domingo, ASAP Rocky, Lewis Hamilton y, como siempre, Anna Wintour, la jefa de redacción de la revista Vogue.La gala pasada estuvo dedicada a las “Bellas durmientes”, esas piezas de alta costura que se guardan en las casas de diseño y en los museos junto al homenaje del relato “El jardín del tiempo”, del escritor J.G. Ballard.Se espera que para la nueva edición de la MET Gala, los asistentes decidan atreverse a salir de su zona de confort utilizando atuendos que hagan alusión al tema y que le den un vuelco a la moda masculina tradicional, también que decidan colaborar con diseñadores afro como lo hizo el piloto de Fórmula 1, Lewis Hamilton, el año pasado.El evento se realizará el primer lunes de mayo como es costumbre y será transmitido por la página web y el canal de Youtube de la revista Vogue.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El último análisis de la obra, bautizada como Retrato de Melchior Michael, fue realizado por el Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas -Conicet-, que confirmó que los materiales y pigmentos usados en la obra se corresponden con las usadas en la época y en el taller de Tintoretto.Los investigadores tomaron micromuestras de zonas dañadas y no visibles para someterlas a análisis espectroscópico y químico. Los resultados han sido publicados en la revista científica Journal of Molecular Structure, según señala el museo en una publicación en Instagram.El artista, cuyo nombre original era Jacopo Comin, desarrolló su trabajo en Venecia en el siglo XVI, en pleno Renacimiento italiano. La obra del museo argentino es un retrato del almirante veneciano Melchior Michael, al que conocía Tintoretto.Según señala el diario Clarín, la obra llegó a Argentina en 1932 a partir de una donación de la aristócrata Sara Wiklinson de Santamarina y Marsengo. Emilio Pettoruti (1892-1971), que entonces era director del museo, consideró esta obra y otras atribuidas a Goya como "cuadros mediocres".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las obras fueron de este modo relegadas a "pertenecientes a las escuelas" de esos autores y consignadas en su depósito.La obra fue expuesta en la Gran Exposición de Arte Veneciano celebrada en Londres en 1894, y que integró la reconocida colección de León Zomzée, más tarde subastada en Bruselas en 1904. Una obra muy similar a la atribuida ahora se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.Otros medios apuntan a que el museo bonaerense probablemente presentará el cuadro durante la feria de arte contemporáneo La Plateada, que se celebrará el próximo noviembre.Desde 2022, el museo trabaja en la catalogación y recuperación de la memoria institucional, archivo y colección del museo y en averiguar la autoría de otros cuadros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo confirmó la propia organización medioambiental en su cuenta de X (antes Twitter), junto a un vídeo en el que aparecían tres activistas en la exposición dedicada a Van Gogh en el museo londinense, lanzando sopa de tomate a dos de las pinturas y dirigiéndose a la multitud a gritos."Hay gente en prisión por pedir el fin de nuevos (proyectos de) gas y petróleo", dijeron los activistas, en referencia a sus compañeras Phoebe Plummer, de 23 años, y Anna Holland, de 22, sentenciadas este viernes en el tribunal londinense de Southwark.Las dos ecoactivistas recibieron penas de dos años y veinte meses de cárcel, respectivamente, por causar daños al marco dorado del cuadro de 'Los Girasoles', por valor de 10.000 libras (casi 12.000 euros).Por su parte, la National Gallery informó en un comunicado de que los tres activistas fueron detenidos y que las pinturas vandalizadas, otras dos de la serie de 'Los Girasoles', de 1888 y 1889 respectivamente, permanecen sin daños."Las obras han sido retiradas de la exposición y examinadas por un restaurador y están intactas. Esperamos poder reabrir la muestra lo antes posible", escribió el museo londinense.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En octubre de 2022, Plummer y Holland, que llevaban camisetas de Just Stop Oil, arrojaron el contenido de dos latas de sopa de tomate Heinz sobre la obra de 1888, antes de arrodillarse frente a ella y pegar sus manos a la pared.Aunque el óleo no se manchó al estar protegido por un cristal, sí se estropeó el marco, que el museo había comprado en 1999 por 28.000 libras (33.500 euros).Al pronunciar su sentencia, el juez Christopher Hehir afirmó que a las activistas "no pudo importarles menos si el cuadro se dañaba o no" y lamentó que hubiera podido perderse un "tesoro de la cultura".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El acceso al emblemático edificio, en el centro de Londres, deja de ser un tiempo muerto y se convierte en una experiencia educativa, para los curiosos ciudadanos que le visitan a diario, que resume de forma interactiva la evolución natural del planeta."Es complicado tratar de explicar un tiempo tan remoto. El número en sí, 2.700 millones de años", reconoce Keith Jennings, director de proyectos de la prestigiosa galería.En aquel entonces la vida en la Tierra era "sólo microbiana, no había plantas ni animales tal y como los conocemos ahora", explica Jennings.El sendero está flanqueado de rocas milenarias y distinta vegetación como helechos, que ilustran la época en la que se destruyeron los bosques de carbón -en el Pensilvánico-, debido al incremento en el planeta del dióxido de carbono, instruye el experto.Cada metro andado representa unos cinco millones de años de la historia de nuestro planeta, que sufrió erupciones volcánicas y la extinción de la vida un par de veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre dinosauriosEn la mitad del camino se erige una enorme réplica del esqueleto de un dinosaurio Diplodocos, como muestra de la importancia de aquellos gigantescos reptiles que gobernaron la Tierra durante doscientos millones de años en la era Mesozoica.'Fern', que así se llama el herbívoro saurópodo, de unos veintidós metros de largo y cuatro de alto, capta la atención de miradas y 'selfies' de los visitantes.Adultos y niños caminan a su alrededor e incluso “pasan por debajo de él, algo que no pueden hacer en el museo” lo que permite imaginar cómo eran de grande, dice su director de proyectos.Los visitantes descubren que compartían vida con peces y mamíferos, como una diminuta criatura parecida a una musaraña que está escondida en el jardín, antes de que el impacto de un meteorito los extinguiese y cambiase el transcurso de la historia hace 66 millones de años.La huella humanaLa vida se recuperó y continuó de forma distinta tras la colisión del asteroide que bloqueó la luz solar y cambió el clima, “vemos cómo aparecen las plantas con flores. Antes no había ninguna.”, señala Jennings, representadas en el camino.“Llegaron los primeros primates, simios y finalmente, por supuesto, aparecen los primeros seres humanos” prosigue el experto.Jennings reflexiona sobre la brevedad humana, “hemos estado aquí -en la Tierra- un periodo corto de tiempo, sólo unos pocos pasos hasta la puerta”, unos dos millones de años, en esa escala que ha creado el Museo de Historia Natural.“Es el viaje que estamos contando en esta parte del jardín.”, la fugacidad humana, declara. Aunque efímera, la incidencia en el porvenir del planeta Tierra forma parte de otra ala del jardín.El museo se centra en la actividad humana y las consecuencias que el cambio climático pueda tener en las plantas y naturaleza urbana.Según el futuro proyectado por la institución, tomando plantas de países mediterráneos, higos, almendras y olivos podrán ser cultivados en Inglaterra, a medida que el clima se calienta.“Es un gran desafío el calentamiento global. Tendremos que adaptarnos para seguir adelante, consigamos los objetivos ambientales o no”, el director de proyectos del museo londinense.El último informe de las Naciones Unidas, a finales de 2023, señala que los planes de acción nacionales son insuficientes para cumplir con el Acuerdo de París.El documento vinculante, firmado en 2016 por más de 190 países, busca limitar el aumento de la temperatura media por debajo de 1,5 grados centígrados respecto a niveles preindustriales, y evitar un peor impacto para el planeta y la vida en él.“Somos optimistas -en el museo-, de que se cumplan los objetivos, los planetas y la humanidad sobrevivan. Es una historia esperanzadora la que contamos en el museo.”, concluye Jennings🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Paley Museum de la ciudad de Nueva York, el Grammy Museum en Los Ángeles y el Gary Nader Art Centre de Miami albergarán a partir del próximo septiembre exhibiciones que servirán para resaltar los "grandes logros" de la música de aroma hispano, como dijo el presidente de la academia, Manuel Abud."Durante 25 años hemos tenido el inmenso privilegio de celebrar la excelencia en la música latina, acompañando a nuestros creadores de música en sus éxitos a nivel mundial. Estas exposiciones son una magnífica oportunidad para llevar al público la magia de los Latin Grammys", agregó.La exposición inaugural de esta serie abrirá sus puertas el próximo 13 de septiembre en el museo Paley, donde hasta el 3 de noviembre los visitantes podrán observar "invaluables objetos, vestuarios glamorosos e instrumentos icónicos de superestrellas de la música", entre ellos los ganadores del Grammy y Latin Grammy Ricky Martin, Rosalía, Carlos Santana y Shakira.Artículos de célebres neoyorquinos como Celia Cruz y Rubén Blades también serán parte de la exhibición en la ciudad de los rascacielos, la cual "mostrará por qué la música latina se ha convertido en una parte integral de nuestra cultura", según un comunicado difundido este jueves.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Los Ángeles, la exhibición se inaugurará el 19 de septiembre en el segundo piso del Museo del Grammy, donde ya hay una exhibición permanente dedicada a la música latina y que se "enriquecerá" con objetos de Carlos Santana y Karol G a raíz de esta muestra, que se mantendrá abierta hasta el 18 de diciembre."La esencia de la exhibición radica en comprender cómo la música latina se ha transformado en una fuerza comercial enormemente exitosa en el panorama musical internacional en el último cuarto de siglo, con los Latin Grammys desempeñando un papel fundamental en su desarrollo mundial", resalta la nota.La galería Gary Nader de Miami, por su parte, centrará su exhibición en pinturas de artistas como Romero Britto, Walter Goldfarb, y Michael V. Ríos, éste último responsable del diseño de la portada del galardonado álbum 'Supernatural', de Carlos Santana.La muestra en esta ciudad del sur de Florida se desarrollará entre el 26 de septiembre y el 20 de diciembre La vigésimo quinta edición de los premios Latin Grammy se celebrará el próximo 14 de noviembre en el centro de Miami, y será transmitida en vivo por TelevisaUnivision.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'¡Viva! Broadway: ayer, hoy y mañana' es el nombre de la muestra, que estará abierta al público en el Museo de Broadway durante un mes y destacará "los excepcionales logros de los artistas latinos" en Broadway, señala un comunicado.Como parte de la exposición, que cuenta con el apoyo del Fondo de la Familia Miranda, habrá un mural de la artista de grafiti Soraya Márquez (1980), de origen dominicano y conocida como Indie184, así como una serie de eventos especiales y foros para artistas y profesionales de la industria.El reconocimiento a la comunidad hispana es parte de la iniciativa '¡Viva! Broadway', el programa nacional de desarrollo de audiencias de La Liga que se dedica a captar e inspirar al público hispano mediante eventos, programación mediática y asociaciones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Creamos el museo con el propósito de educar, entretener e inspirar a visitantes de todas las edades, aprendiendo del pasado para construir nuestro futuro colectivo", indicó en el comunicado Julie Boardman, productora ejecutiva y cofundadora del museo.Éste es el primer museo permanente en el mundo dedicado a la historia y los artistas, creadores y estrellas legendarios de los musicales y obras de teatro de Broadway, fundado en 2022 por un grupo de mujeres. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por The Museum of Broadway (@museumofbroadway)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gabriel Fauré nació en Pamiers, el 12 de mayo de 1845. En 1853, Dufaur de Saubiac, un funcionario de la Asamblea Nacional de Francia escuchó a Fauré y le aconsejó a su padre enviarlo a la Escuela de música que Louis Niedermeyer estaba estableciendo en París.Fauré continuó como alumno en la escuela durante once años, durante los cuales estuvo sostenido económicamente por una beca concedida por el obispo de su diócesis.Al salir de la Escuela de Niedermeyer, Fauré fue nombrado jefe organista de la iglesia de Saint-Sauveur, en Rennes, Bretaña. Asumió el cargo en 1866 y durante los cuatro años que estuvo allí, se dedicó también a instruir a alumnos privados a quienes dio lecciones de piano.Aunque los biógrafos de Fauré han dividido a menudo su producción creativa en tres períodos estilísticos (temprano, medio y tardío), las obras para violonchelo se pueden clasificar más fácilmente en dos categorías: temprana (anterior a 1900) y tardía (posterior a 1900). Todas las piezas más breves para violonchelo, salvo una, datan del período temprano, y sólo estas obras han alcanzado una gran popularidad. De hecho, todas las obras de Fauré que se escuchan con regularidad hoy en día datan de finales del siglo XX; aparte de las piezas para violonchelo, se incluyen obras como el Réquiem, la Pavana, la primera sonata para violín, los dos cuartetos para piano y canciones como "Lydia" y "Après un rêve".La segunda sonata para violoncello y piano habita en un mundo completamente diferente. La energía extática del primer movimiento es aún más sorprendente si se considera que es la obra de un hombre cada vez más debilitado de casi setenta años. Tal vez Aaron Copland tenía este movimiento en mente cuando escribió que las obras de Fauré "se vuelven cada vez más espirituales y serenas a medida que él se vuelve físicamente más viejo y débil".En 1909 Gabriel Fauré fue nombrado miembro del Instituto de Francia, pero ese mismo año, un grupo de compositores liderados por Ravel y Koechlin rompieron con la Société Nationale de Musique, la cual, bajo la presidencia de Vincent d'Indy, había adoptado ideales reaccionarios. A causa de esto, formaron un nuevo grupo: la Société Musicale Indépendante, de la cual Fauré aceptó la presidencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Réquiem en re menor, Op. 48 escrito por Gabriel Fauré entre 1886 y 1888, es una de las más populares misas de réquiem y según el musicólogo Max Harrison:El Réquiem de Fauré se presenta como una reacción contra la obra equivalente de Berlioz de 1837, y en Le Figaro del 25 de enero de 1904 escribió sobre esta última como una partitura "en la que el gusto por los efectos dramáticos a gran escala y la indiferencia hacia la música religiosa pueden encontrar igual satisfacción".Y Fauré escribió: "Se ha dicho que mi Réquiem no expresa el miedo a la muerte, y alguien lo llamó una canción de cuna de la muerte. Pero así es como veo la muerte como una feliz liberación, una aspiración a la felicidad superior, más que como una experiencia dolorosa".La música incidental de Fauré para el drama simbolista Pelléas et Mélisande de Maeterlinck fue encargada en la primavera de 1898 por la célebre actriz Patrick Campbell para acompañar nueve funciones matinales. A finales de 1898 o principios de 1899, Fauré decidió hacer una suite orquestal a partir de los nueve números diferentes que había compuesto y, utilizando la orquestación original de su alumno del Conservatorio Charles Koechlin como base, escribió versiones para orquesta más grande.El estreno de esta suite se llevó a cabo el 3 de febrero de 1901 por la Orchestre Lamoureux dirigida por Camille Chevillard. En esa ocasión se omitió el tercer movimiento, la Chanson de Mélisande.Podrá escuchar obras maravillosas de Gabriel Fauré en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 4 de noviembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Con música y libreto del propio Richard Strauss Intermezzo, describe al propio Strauss (bajo el nombre ‘Robert Storch’ y a su esposa Pauline de Ahna como ‘Christine’), y se basa en un incidente real de su vida matrimonial.Intermezzo, Op. 72 es una ópera en dos actos y está catalogada como una ‘comedia burguesa con interludios sinfónicos’.En esta audición de Canto y Música Coral transmitiremos la versión de Intermezzo, Op. 72, de Richard Strauss, con el siguiente reparto:Robert Storch, director de orquesta, Dietrich Fischer-Dieskau, Christine, su esposa Lucía Popp, El baron Lummer Adolf Dallapozza, Franzl, hijo de Robert y Christine Philipp Brammer, El notario Klaus Hirte, Anna, la camarera Gabriele Fuchs, Fanny, la cocinera Elisabeth Woska, Stroh, director de orquesta Martin Finke, El Consejero Comercial Raimund Grumbach, El Consejero de Justicia Jörn W. Wilsing y la orquesta Sinfónica de la Radiodifusión Bávara, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch.Aquí el argumento y acción del primer acto de Intermezzo, Op. 72, la comedia burguesa con interludios sinfónicos’, con música y libreto de Richard Strauss.Casa del director de orquestar Robert Storch en Grundlsee. Son las siete de la mañana. Storch y su esposa Christine están haciendo las maletas porque él tiene que ir a Viena por un compromiso. Hay frecuentes enfrentamientos entre Storch y su nerviosa esposa. Ella se queja de los sirvientes, de la distracción de Storch y de que siempre está en casa. Storch no se inmuta, pues conoce desde hace muchos años los caprichos de su esposa. Cuando ella comienza a criticar a su familia y sus orígenes, él se dirige a la habitación contigua para desayunar. Anna, la camarera, sabe muy bien lo que va a pasar: en cuanto Storch se vaya, su señora inevitablemente se pone triste. Robert regresa para despedirse de su esposa quien siempre lo despide con un consejo bien intencionado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Christine finalmente se está vistiendo. Aunque se queja con Anna de que su marido siempre está fuera, pero ella no está dispuesta a acompañarlo. ¿Cómo podría hacerlo cuando hay tanto que hacer? Cuidar a su hijo Franzl; discutir el menú con la cocinera Fanny y hacer llamadas telefónicas. Pero cuando ella comienza a quejarse de Storch, Anna vehementemente se pone del lado de su empleador.Una amiga llama a Christine y la invita a patinar y en la pista de hielo Christine derriba accidentalmente al joven barón Lummer. Mientras habla con él, se da cuenta de que sus padres son conocidos suyos y lo invita a su casa.Christine ha ido al baile en el GrundlseeInn y se encuentra con el barón Lummer, que corteja galantemente a la señora del director de orquesta.Ya en casa, Christine escribe una carta a su marido en la que habla con entusiasmo de su amistad con el joven barón. ¡Por fin alguien que no ve en ella sólo la "media naranja" de un famoso director de orquesta!Luego, el barón Lummer viene de visita y Fanny lo anuncia. Después de una breve conversación sobre cosas cotidianas, ambos comienzan a leer las columnas de chismes del periódico. Christine entonces quiere saber cuándo comenzará el barón sus estudios. Pero el barón prefiere evitar este tema, afirmando que preferiría viajar, si no fuera por los gastos.Mientras la atención de Christine vuelve al periódico, el barón Lummer dirige hábilmente la conversación nuevamente hacia sus dificultades financieras. Christine declara que está dispuesta a hablar bien de él cuando su marido regrese. El barón se muestra escéptico, pero Christine lo tranquiliza: su marido es tan bueno, tan bondadoso, tan generoso, en definitiva, es la bondad personificada. Pero el barón Lummer prefiere los hechos a las palabras: ¿No podría la señora del director de orquesta prestarle un poco de dinero antes del regreso de su marido? Ella lo consuela y concreta una cita con él para el día siguiente.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 3 de noviembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Orquesta Sinfónica de Cartagena (OSC) cierra su temporada 2024 con el programa especial ‘Hacia el sur’. Este ciclo incluye dos conciertos que tendrán lugar en algunos de los escenarios más emblemáticos de la ciudad, ofreciendo una oportunidad única para disfrutar de la música sinfónica en vivo.Con entrada libre, ambos conciertos pondrán en escena el talento de los jóvenes músicos de la OSC, bajo la batuta de la reconocida directora Paola Ávila. El programa destaca piezas de compositores europeos y colombianos que rinden homenaje a la tradición musical española.El primer concierto se realizará el sábado 9 de noviembre en el Teatro Adolfo Mejía, con acceso gratuito. Además, el evento será transmitido en vivo por streaming, permitiendo a los amantes de la música en todo el mundo disfrutar de esta velada especial.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa gran sorpresa de esta temporada será el segundo concierto, que tendrá lugar el lunes festivo 11 de noviembre en el Parque Bicentenario. Este concierto al aire libre promete una experiencia inolvidable, invitando a la comunidad a disfrutar de una noche de música sinfónica en un entorno abierto y accesible para todos.Con estas presentaciones, la OSC reafirma su compromiso de llevar la música sinfónica a la comunidad, contribuir al tejido social y apoyar la transformación cultural de Cartagena.Conciertos didácticosLa OSC también ofrecerá tres conciertos didácticos el viernes 8 de noviembre, dirigidos especialmente a niños y jóvenes de la ciudad que están iniciando su formación musical. Estos eventos buscan acercar la música clásica a nuevas generaciones y promover el aprecio por este arte en el público joven.'Hacia el su’:Fecha: Sábado 9 de noviembre de 2024Hora: 6:30 pmLugar: Teatro Adolfo Mejía, CartagenaFecha: Lunes 11 de noviembre de 2024Hora: 7:00 pmLugar: Parque Bicentenario, CartagenaManzana F Lote 27 - Megabarrio Bicentenario🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Crear música, componer una melodía, escribir las letras que cantamos en conciertos, en el transporte, en la ducha, es crear contenido, el contenido artístico que nos acompaña día a día. Músicos y compositores son creadores de contenido, pero no en el sentido al que estamos acostumbrados por estos días, no creadores de contenido para redes sociales, son creadores de arte.Y como en algunos hogares colombianos cuando los más jóvenes anuncian su vocación por el arte, resuena entre músicos, productores y artistas, la pregunta “de qué va a vivir”; no sabemos desde hace cuánto esta es una pregunta constante, pero hace unos días la banda bogotana Diamante Eléctrico, con la voz de Juan Galeano y Daniel Álvarez en la guitarra, puso sobre la mesa la intensa presión económica a la que su proyecto musical se ve sometido.“Estamos despertando a una crisis del modelo de negocio. La crisis no es nueva, pero el despertar sí, y lo vemos alrededor nuestro cada día más fuerte. En resumen: el negocio de la música está centrado en los músicos, pero en la ecuación final somos los que perdemos siempre”, escribieron los artistas en un comunicado difundido a través de sus redes sociales.Agregaron entre los argumentos que dejan en evidencia la poca sostenibilidad del proyecto, los costos que se deben pagar a terceros, la escasa monetización que reciben por las reproducciones en plataformas de streaming, la imperante necesidad de ser quienes publicitan sus productos, álbumes y giras en sus redes sociales. Otro tema, sumado a los gastos por los eventos en vivo, es el poco o nulo pago de regalías por parte de Sayco, la “Sociedad de gestión colectiva de derechos de autor”.Juan y Daniel contaron además que para que la banda exista es necesario que ellos tengan trabajos paralelos, es decir, no viven con los ingresos de su música. Un hecho que de entrada abre la pregunta: si esa es la realidad de Diamante Eléctrico, una banda con una trayectoria de doce años, ganadora de tres Latin Grammy y nominados ahora en la categoría mejor canción rock de esos premios, con más de 300 mil oyentes en Spotify, qué le espera a las nuevas bandas y a los artistas emergentes.Iván Castillo, productor musical que trabaja con artistas emergentes como la cantautora caleña Mayra Sánchez, el artista de Panamá Carlos Méndez, y que trabajó con bandas como LosPetitFellas, explica que para que un proyecto musical genere ingresos necesita de acciones sostenidas por más de tres años, un estimado de cinco años, tiempo en el que necesita sacar música, hacer shows y tener estrategias para llegar a un público y fidelizarlo.“Daniél Álvarez fue profesor mío en SAE, de una materia que se llamaba Bussiness plan, y siempre teníamos claro que en este momento hay muchas dificultades para hacer sostenibles los proyectos que vienen desde estos nichos alternativos y que si quieres entrar en ligas, por ejemplo, del reguetón o de la música popular, primero tienes que tener una capacidad de inversión altísima o conseguir a esos inversionistas dispuestos a dar mucho dinero”, explica.Cuenta, además, que esta situación la viven principalmente los proyectos musicales que se han enfocado en la escena independiente y en el género alternativo o en el rock, desde su popularización en los años ochenta en el país.Lo que nos lleva a otro lado del asunto: la relación entre los fans y los artistas. Galeano y Álvarez fueron claros en el camino por el que van a apostar para sostener el proyecto: sus fans. “Lo único que nos va a salvar es el true fan, una conversación radical y directa con quien sí está dispuesto a pagar, a oír, a tatuarse lo que hacemos. No más rezos al algoritmo para ser si hoy contamos con la suerte de que quien ya ama a nuestra banda se cruce con el post no pautado que anuncia nuevo merch, canción o gira”, concluyeron en la publicación mencionada. Le apuestan a su público porque en últimas, son sus seguidores quienes están dispuestos a comprar las entradas a los conciertos, las camisas, pines, discos y todo lo que la banda produce. Pero antes deben pasar de ser oyentes a fans fieles, esos que están atentos al lanzamiento del próximo sencillo, a la gira del nuevo álbum.Y por estos días llegar a ser fan de nuevos artistas y bandas es un camino que se ve mediado por las plataformas de streaming, a menos que estemos inmiscuidos en explorar la escena alternativa de la ciudad o del país, asistiendo a toques, por ejemplo. Y aunque este último sería un escenario ideal para todos, la poca disposición de tiempo, la movilidad y responsabilidades y gastos económicos hacen un espacio para un nicho muy reducido.Para Castillo persiste la reticencia del público a escuchar nuevos artistas y de involucrarse con ellos y su música. “Lo que se gana con streams es muy muy poco. Uno de los esfuerzos que tienen que hacer los artistas es posicionarse en estas plataformas para ganar visibilidad, seguir procesos como presentar y distribuir un disco con un mes de anticipación para ser tenido en cuenta en las playlist editoriales y que el algoritmo funcione un poco mejor”, comenta.El productor explica que esta es una estrategia de visibilidad, pero que está envuelta en un mar de contenido e información que “para un artista emergente no tiene un sentido tan claro, ni un retorno tan claro. Es chévere que Spotify te destaque, pero eso no te está representando una entrada económica”, puntualiza.De músicos a 'influencers', promotores, comerciantes…Ali Stone, cantautora y productora colombiana nominada a tres premios Latin Grammy, estrenó recientemente su álbum Pandora, que presentó en una edición especial en vinilo con bordes en forma de sierra, tan especiales que tuvieron que ser hechos a mano. El estuche es una caja de Pandora, para darle un toque más de personalización.Resulta que cada disco tiene un precio al público de 90 dólares (en Estados Unidos), costoso si tenemos en cuenta que un vinilo normal tiene un valor promedio de 40 dólares, y sin embargo, el precio real para que fueran una entrada de dinero rentable para Stone tendría que ser casi de 180 dólares, el doble. “Así venda los discos, pierdo dinero”, comenta Stone, quien afirma que una ventaja que ha tenido en su carrera artística es su versatilidad, pues, por ejemplo, en Pandora es la escritora, intérprete y editora, es decir, hizo el álbum de principio a fin. Pese a que esta modalidad le representa bajos costos de producción, llegan otros asuntos como el de los vinilos que dificultan el negocio. Stone cuenta que vive de la música, sí, pero no de ser cantante. Ha podido sostener su proyecto artístico gracias a trabajos paralelos que tiene, al igual que lo expresó Diamante, trabaja como productora musical, arreglista y compositora.La artista, radicada en Los Ángeles, coincide con Castillo en que antes el negocio de la música se podía equiparar muy bien con la venta de discos, generando ganancias para los músicos. “Actualmente hay un vacío con el streaming, un vacío que se tiene que cubrir con cosas como el merch, discos, cosas creadas para los fans, camisetas”, dice el productor.Ese es el caso de Stone, quien entendiendo las dinámicas del mercado, desde el inicio de su carrera optó por diseñar camisetas, pines, gorras y más merch, que aunque no se vendiera al inicio, representaba una marca, Ali Stone el nombre de una artista y de una marca.“Todos los artistas necesitan entender y fortalecer desde el principio cuál es su discurso, qué es lo que los conecta con la gente y ponerles un producto e intentar comercializarlo”, concluye Castillo.Y aunque en esencia ese producto vendría a ser la música, en términos económicos, se necesita algo más, esos productos que la gente puede comprar, porque para los artistas, a menos que acumulen millones y millones de reproducciones en plataformas, sus canciones parecieran ser un intangible difícil de vender comercialmente.Para promocionar un álbum o una gira, los artistas y bandas como Diamante Eléctrico se han visto llevados a las redes sociales, a sus tendencias y retos, en los que tratan de hablar de su música, pero en muchos casos ambientados en situaciones cómicas o llamativas, que traigan clics y visualizaciones y eso no está mal, pero ahora no es una opción, casi es la norma.En una dinámica de redes sociales, donde una persona responde preguntas casuales por otra, esperando que tengan las mismas respuestas al final, Álvarez coincidió con Galeano en que algo que le molestaba al segundo era hacer precisamente ese tipo de videos.Pero parece ser que en estos días es muy difícil que los artistas no sean sus propios medios publicitarios. En este panorama ser introvertido entonces sería un obstáculo más para los artistas emergentes que necesitan dar visibilidad a su música y no precisamente expresándose en la tarima, con su voz o con su instrumento en mano.Dicho de otro modo, solo ser músico no funciona como negocio. Al igual que en otros emprendimientos, es necesario que el artista no solo esté empapado de técnicas de mercadeo, marketing, comunicación, derechos de autor, logística, tendencias y hasta diseño, se requiere un conocimiento más profundo en estas áreas. Da la sensación entonces de que solo así, haciendo malabares y siendo "toderos", se podría pensar en la música como proyecto de vida. La solución tampoco son las regalíasAunque en el imaginario colectivo tenemos presente que los artistas reciben dinero de regalías por el uso de sus obras, y así debe ser, del recaudo de dinero al pago por esos derechos de autor hay un proceso largo y truncado.Juan Galeano expresó que recibir el dinero de sus regalías por parte de Sayco ha sido demorado y que la representación de los artistas no ha sido la mejor. “Cómo es posible que tu propia recaudadora, que está viendo por tus derechos, va a querer callarte, intimidarte, demandarte o entutelarte”, dijo Galeano en un reciente video sobre su relación pasada como asociado a Sayco, en el que además contó que desde 2020 no ha recibido los pagos debidos a través de su nueva recaudadora, la estadounidense BIM.Castillo, por su parte, reconoce que no trabaja con sus artistas representados a través de Sayco. “He conocido casos de colegas que hacen la recaudación por Sayco y han llegado a la conclusión de que pueden hacer una recaudación con otro tipo de sociedad de gestión colectiva, como BIM que son de Estados Unidos, con todo el proceso de pago de impuestos y demás, les retribuye más que Sayco”, ejemplifica.Y añade que “la razón de eso es que no se entiende a Sayco. Uno entiende qué es lo que cobran y cómo le cobran a uno, pero no cómo pagan. No hay una claridad y se percibe un sistema arcaico, pese a que no soy un experto en Sayco, no hay un buena imagen de Sayco".Por su parte, Sayco respondió a la banda a través de un comunicado, que resultó en el video de Galeano detallando la situación vivida con la sociedad. "Sabemos que el ecosistema musical actual cambia continuamente, lo que requiere adaptarse y revisar los paradigmas que históricamente han guiado este negocio", aseguraron en el comunicado e indicaron que la banda actualmente no está afiliada a Sayco, sin profundizar en la situación o mencionar la relación que existió en años anteriores. Además, respondieron a la polémica pautando en un medio de comunicación que favorece su propia gestión. En el mapa de soluciones aparecen opciones necesarias y urgentes como revisar la relación de recaudadoras de regalías con sus artistas y las fechas de esos pagos, así como replantear la relación de poder que existe entre músicos independientes con las plataformas de streaming. Por ahora, el negocio sigue recayendo en los hombros de los artistas, avocados al multitasking y el mercadeo, una carga que puede ser más liviana si encuentran entre millones de usuarios a sus fanáticos. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ya no haré más conciertos en vivo largos porque me fatigo, y es natural por mi edad. Pero dejo claro que no me retiro de la música. Continuaré con mis grabaciones, y otras actividades, que mi edad y salud me permitan", aseguró Portuondo en la red social Facebook.El mensaje llega menos de un mes después de que, tras sufrir problemas de salud durante un concierto en Barcelona (noroeste de España) el 2 de octubre pasado, su hijo explicara que se había decidido su "retiro definitivo de los escenarios". El pasado 29 de octubre la artista cumplió 94 años.La también conocida como "la novia del feeling" agregó en su comunicado que "mientras tenga fuerzas" y el apoyo de familiares, amigos y seguidores seguirá cantando. "Con el respeto de todas las personas que sinceramente me aprecian, cada persona decide, cómo quiere vivir y morir también", escribió.Portuondo subrayó que "mientras tenga fuerzas y las personas me quieran escuchar seguiré cantando. Porque como siempre les digo: la música es en mi, cielo, tierra, mar y sol, alegría y razón".El pasado 2 de octubre la artista sufrió durante un concierto en el Palau de la Música de Barcelona un episodio de "fatiga y desorientación" que la obligó a dejar la actuación luego de interpretar la primera canción, el clásico de su repertorio "Quizás, quizás", de Osvaldo Farrés.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPortuondo, nacida en 1930, comenzó su carrera en los años 40 acompañada por su hermana Haydeé, interpretando música cubana con una fuerte influencia de géneros como la bossa nova y el jazz, para salar poco después al mundo profesional.Con tiempo, conciertos y grabaciones, la artista cubana logró primero el reconocimiento nacional y, posteriormente el internacional. En este último jugo un papel importante, sobre todo para extender su nombre entre el gran público, el trabajo con el Buena Vista Social Club.Portuondo, además de su extensa carrera en solitario -con trabajos como VIDA, Gracias y Flor de amor-, ha colaborado con artistas como Pablo Milanés, Chico Buarque, Chucho Valdés, Cachaito López, Jorge Drexler e Ibrahim Ferrer.Entre los premios que acumula la cantante cubana destacan el Premio de Música Latina 2005 de la revista Billboard, el Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo y la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en España. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Omara Portuondo (@omaraportuondocuba)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.