El Retiro convirtió sus zonas comunes en galerías de arte, con obras de 90 artistas el centro comercial estrena su segunda edición de esta muestra trayendo el arte al público de una manera única y dando a conocer el trabajo de artistas inugualables como Omar Rayo o Marcelo Wong. Los asistentes se encontrarán con distintas técnicas que identifican a cada uno de los artistas, por ejemplo, las obras del maestro Edgar Negret con dobleces, tuercas y tornillos; Hugo Zapata, Pez Barcelona, Tot Cat, Chicadania; artistas que han llevado su arte a festivales internacionales de Barcelona, Moscú, Bahamas y otros lugares del mundo. Por su parte MAMBO, El Museo de Arte Moderno de Bogotá, cumplió 60 años y para celebrarlo eligió al Retiro para exponer la colección Voz a Voz, un proyecto que nació de la pandemia donde artistas colombianos de diferentes generaciones crearon esta obra inédita que tiene como objetivo difundir reflexiones sobre el aislamiento, la soledad, la crisis social, entre otras temáticas contemporáneas.Algo a resaltar es lo maravilloso que es tener el arte cerca y poder disfrutarlo en otro contexto distinto al que ya se conoce, esta también es una oportunidad para descubrire artistas que no hayamos conocido antes.Aparte de exposiciones de arte contemporáneo y emergente, estará expuesta también la fotografía de moda de Santiago Quiceno que con su cámara plasma lo mejor del estilo, el color, el brillo, y las texturas que se convierten en tendencia.Por otro lado esta muestra también tendrá presentaciones de música clásica para todos los gustos y edades y un taller de pintura con el Maestro German Tessarolo que con su técnica invita a los asistentes a olvidarse de los procedimientos y combinaciones para dejar volar la imaginación plasmando con un pincel en el papel sus sentimientos y sueños.El evento estará disponible en los pasillos del centro comercial El Retiro en Bogotá hasta el 12 de abril, nosotros asistimos y le dejamos aquí como fue nuestra experiencia visitando la exposición. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El "retrato de Juan de Pareja", que Velázquez pintó en 1650 durante un viaje a Roma, fue adquirido por el MET por 5,5 millones de dólares en 1971 y es, desde entonces, una de las obras maestras del museo, pero nunca hasta ahora se había exhibido junto al contexto necesario de su época, ni junto a las obras que el propio De Pareja pintó con su firma (dos de ellas prestadas por el Museo del Prado).Ese retrato, que muestra a un hombre de mediana edad, de abundante cabello negro y barba, con una mano en el pecho, es exhibido aquí enfrente de otro retrato de Velázquez aún más famoso: el del papa Inocencio X, ya que se considera que ambas obras expresan lo mejor de Velázquez como retratista, con una capacidad sin par de captar la psicología del personaje.En medio de los dos, la muestra contiene un documento único llegado desde los Archivos de Roma (la ciudad donde se firmó): es la carta de manumisión en la que Velázquez da la libertad a su siervo ("captivus") así como "a sus hijos y descendientes", aunque precisa que esa liberación será efectiva cuatro años después.Las dos obras y el documento están datadas en 1650, cuando Velázquez estaba en el cénit de su fama y reconocimiento. Cuando el retrato de Juan de Pareja fue exhibido lo describieron así, tal y como recoge un testimonio de la época: "Era tan semejante, y con tanta viveza que, habiéndolo enviado con el mismo Pareja, á la censura de algunos amigos; se quedaban mirando el retrato pintado, y á el original con admiración y asombro".Una sociedad multiétnicaVanessa K. Valdés, co-comisaria de la exposición "Juan de Pareja, pintor hispanoafricano" -que se podrá visitar del 3 de abril al 16 de julio-, explica a EFE que no hay certezas sobre los orígenes del pintor liberto, aparte de que también su padre se llamaba así -"posiblemente un apellido común"-, y que se supone que su madre era de origen morisco.Nació en Antequera y creció en Sevilla, una ciudad multiétnica en la que la esclavitud no era extraña, dadas las constantes batallas con los turcos y otros emiratos norteafricanos en los que los prisioneros pasaban a ser esclavos que se vendían o se intercambiaban por otros.Valdés subraya que la idea de la esclavitud entonces no debe entenderse como en el siglo XIX -los siervos en una plantación de algodón-, ya que un esclavo podía desarrollar una carrera profesional, como fue el caso de Juan de Pareja, que pasó veinte años en el estudio de Velázquez, donde adquirió una cierta posición, hasta el punto de ser elegido para acompañar al maestro en aquel viaje a Italia.Por esa razón, la muestra recoge tanto pinturas de la época con otros personajes africanos -una obra de Murillo y otra de Zurbarán, contemporáneos de Velázquez-, y en otro apartado varias obras atribuidas a Velázquez que actualmente se considera fueron en gran medida obras colectivas de su taller, en la que la intervención de los ayudantes -Pareja entre otros- es probable, aunque no se pueda demostrar.Uno de los mitos que la muestra quiere desterrar es que Pareja desarrollase su pintura "a escondidas" -circulaba una anécdota de que pintaba a hurtadillas en el reverso de lienzos desechados por Velázquez-, y precisamente muestra cómo su técnica se pulió al lado del maestro.El pintor maduroAquel viaje a Roma fue para Pareja tan importante como para Velázquez: siendo Italia el epicentro del arte en el siglo XVII, Pareja tuvo, como ayudante de Velázquez, acceso a las mejores obras y los artistas más reconocidos de la época.A su regreso a Madrid, donde se encontraba la corte y donde medraban los pintores, Pareja desarrolló un arte de temática principalmente religiosa. No parece que tuviera ningún conflicto religioso como morisco, toda vez que -como recuerda Valdés- los descendientes de los moriscos hacían gala de una acendrada religiosidad católica para que nadie les recriminara por su impureza de sangre.De las cuatro obras firmadas por el propio Pareja, llama la atención la de "La vocación de San Mateo", fechada en 1661: el pintor se autorretrató en el extremo izquierdo del cuadro, de cuerpo entero, con un papel en la mano donde aún puede leerse "Juan de Pareja Fecit". Probablemente en imitación a su antiguo dueño y maestro, que cinco años antes se había autorretratado en "Las Meninas".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Bajo el nombre "A few degrees more" (unos cuantos grados más), el museo vienés ha sacado varias obras maestras de su milimétrica horizontalidad, en un intento de usar el arte para llamar la atención sobre la crisis climática, que sea también alternativo a los ataques contra obras de arte protagonizados por activistas."Nos gustaría hacer nuestra contribución para sensibilizar a nuestros visitantes sobre el urgente problema de la crisis del clima", explica a EFE el director del Museo Leopold, Hans-Peter Wipplinger.Educación y no agresionesEl responsable del museo recuerda que hace cuatro meses dos activistas arrojaron un líquido negro contra "Muerte y vida", una de las obras más conocidas de Klimt, en una protesta para llamar la atención contra la emergencia climática en la que el cuadro no resultó dañado."Estamos completamente en desacuerdo con esas agresiones a las obras de arte. Somos solidarios con quienes protegen el clima, con los investigadores. Pero queríamos hacer una acción más inteligente, más constructiva y educativa y que no cause daños. Y esta es nuestra respuesta", afirma Wipplinger.En el proyecto colabora el Climate Change Centre Austria, una plataforma de científicos e investigadores que ha redactado textos que explican los efectos en el medioambiente en función de cuántos grados centígrados aumente la temperatura del planeta. Los cuadros, principalmente paisajes, cuelgan en diagonal en ángulos de entre 1,5, y 7 grados, y los científicos explican qué cambios causaría un calentamiento de ese mismo nivel, y también qué puede hacer cada persona para evitarlo.Así, una vista del monte Rax, pintada por Koloman Moser en 1907, cuelga en un ángulo de 1,5, el aumento en centígrados de las temperaturas a partir del cual la comunidad científica considera que los efectos serían irreversibles. Una subida de ese nivel tendría graves consecuencias en los Alpes, advierten los científicos, y pondría en peligro la diversidad vegetal, derretiría la mitad de los glaciares y amenazaría el suministro de agua potable en Austria.Colapso del lago de KlimtOtros cuadros alertan del riesgo de colapso de lagos como el Attersee, que Klimt pintó en numerosas ocasiones, si la temperatura sube dos grados, o de cómo un aumento de 3 afectaría a la producción agrícola en Europa Central. El Museo Leopold recurre a "Puesta de Sol", de Egon Schiele, para advertir de que un incremento de la temperatura de 4 grados hasta el año 2100 reduciría o eliminaría hábitats como los que muestra el cuadro, y causaría una subida del nivel del mar que obligaría a desplazarse a millones de personas.La escala llega hasta los 7 grados de ángulo con los que cuelga "Joven en el manantial", de Albin Egger-Lienz, en el que un joven bebe agua de una fuente natural como las que desaparecerían con el calentamiento. "Al colgarlos torcidos queremos mostrar que incluso cambios marginales, de dos o tres grados, tienen efectos increíbles. Que las cifras abstractas sean llamativas visualmente y llamen la atención", resume Wipplinger la intención de este proyecto."Más constructiva""Creo que es una buena forma para un museo de encontrar una posibilidad de que se vea el problema. Pero no sé si esto va a cambiar el mundo", dice a EFE Lisa, una escolar de 16 años que considera que esta acción es "más constructiva" que protestas como pegarse a un cuadro o arrojar líquidos.Con ella está de acuerdo Paul, de 17 años, que ve la iniciativa del modelo como una "buena solución" en contraste con protestas climáticas en las que se ha atacado, incluso sin causar daño, obras de arte. "Llaman la atención pero al final lo que hacen no aporta mucho. Lo considero un poco innecesario", opina.De momento, Wipplinger está satisfecho con el resultado de esta iniciativa, que se mantendrá hasta el 26 de junio. "Nos damos cuenta con las reacciones de que logramos una cierta atención y esperamos que provoque un cambio en la forma de pensar de los visitantes", confía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El esqueleto fue apodado Trinity, en referencia a su origen: los huesos provienen de tres tiranosaurios diferentes encontrados entre 2008 y 2013 en yacimientos en Montana y en Wyoming, en el noroeste de Estados Unidos. Este rompecabezas gigantesco es reconstituido con minucia por Schicker-Siber, que es conservadora del museo de dinosaurios de Aathal, en Zúrich.Durante dos días trabajó junto a otros expertos para dar forma a los huesos del animal que vivió hace 67 millones de años. Los restos viajaron desde Estados Unidos a Suiza en nueve contenedores gigantes. Trinity tiene una altura de 3,9 metros y un largo de 11,6, y está colocado sobre una alfombra roja, detrás de un cristal, en medio de una sala de conciertos en Zúrich, donde estará expuesto antes de la subasta el 18 de abril.La casa de subastas Koller estimó su valor entre seis y ocho millones de francos suizos (6,5 y 8,7 millones de dólares). Pero para Christian Link, experto en historia natural de Koller, ésta es una estimación "bastante baja". Los yacimientos de donde proviene Trinity son conocidos porque allí fueron encontrados otros esqueletos que salieron a subasta.En el año 2000, otro tiranosaurio apodado Stan fue vendido por 31,8 millones de dólares, rompiendo un récord establecido por Sue, que fue subastada en 1997 por 8,4 millones de dólares.El año pasado, la casa de subastas Christie's tuvo que retirar un esqueleto de T-Rex, que también provenía de Montana- de una subasta de Hong Kong, pocos días antes de la venta, debido a dudas sobre la autenticidad de algunas partes del fósil.Muy, muy viejosReconstituir a Trinity no fue una cosa simple, afirmó Schicker-Siber a la AFP. "Los huesos son muy, pero muy viejos. Tienen 67 millones de años. Esto significa que son frágiles, que tienen fisuras", explicó.Aart Walen, que tiene 30 años de experiencia en el ensamblaje de esqueletos de dinosaurios, concordó. "Todavía no hemos roto nada", afirmó con orgullo mientras junto a su equipo trabaja para colocar los isquiones, un hueso de la zona pélvica, desde donde salen los huevos.Walen rellena las fisuras utilizando herramientas parecidas a los instrumentos dentales. Es importante que las reparaciones sean visibles, dijo, mostrando las zonas oscuras donde había roturas. "Se tiene que ver dónde hubo reparaciones. Hay circulando historias de falsificaciones. No queremos eso", recalcó.Espacio para un tiranosaurioUn poco más de la mitad de la materia ósea del esqueleto proviene de tres especímenes de tiranosaurio, lo que está por encima del 50% necesario para que los expertos lo clasifiquen como de gran calidad.La casa de subastas Koller quiso ser transparente sobre el origen de los huesos. "Por eso el nombre Trinity. No ocultamos que este espécimen proviene de tres sitios de excavación diferentes, explicó Link. Pero para el paleontólogo Thomas Holtz, Trinity "no es realmente un 'espécimen', sino más bien una instalación artística". En su opinión, es "engañoso" e "inapropiado (...) combinar huesos reales de diferentes individuos para crear un único esqueleto".El vendedor es un "particular" que prefiere pertenecer en el anonimato. Las ventas de esqueletos de dinosaurios ponen un tinte de expectación a las subastas, pero a costa de la frustración de los paleontólogos, que perciben la venta como una oportunidad menos de que los restos sean expuestos en museos.Según Link, un 95% de los tiranosaurios rex conocidos se encuentran actualmente en museos y si un coleccionista privado compra a Trinity, puede prestarlo. A él le gustaría que fuera un museo suizo que lo comprara.Schicker-Siber dirige junto a su padre el museo suizo dedicado a los dinosaurios el Aathal. Pero esta organización carece de los medios para comprar Trinity. "Pero si alguien lo compra y no sabe dónde ponerlo, conocemos un museo - con suficiente espacio - para un tiranosaurio rex", dejó caer.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Hay una gran diferencia entre la desnudez y la pornografía", subrayó Cecilie Hollberg, directora de la Galería de la Academia de Florencia, en una entrevista con la AFP. "Realmente hay que tener una mente retorcida para confundir" los dos conceptos, agregó al comentar el despido de una profesora en Estados Unidos por haber mostrado el David a sus jóvenes estudiantes.El caso repercutió en Italia después de que la prensa estadounidense informara sobre la dimisión de Hope Carrasquilla, rectora y profesora de un colegio de Tallahassee, la capital de Florida, la cual tuvo que renunciar a su cargo por haber mostrado a sus alumnos de 11 y 12 años imágenes de la famosa estatua, dedicada al héroe bíblico, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504."Quienes están preocupados (por la desnudez de David) tienen un problema grave con las raíces de la cultura occidental", reaccionó Hollberg al referirse a una de las esculturas más importantes de la historia del arte y entre las más representativas del Renacimiento. "La desnudez es justamente el símbolo de la pureza", explicó la directora del prestigioso museo, quien lamentó lo que tildó de "puritanismo inapropiado".Para Hollberg se trata además de un caso "bastante grave", porque demuestra que "estamos perdiendo el vínculo con nuestra cultura y con la historia". "Y pensar que en el pasado, en los Juegos Olímpicos de Grecia, todos los atletas salían desnudos", comentó con una gran sonrisa.Entre la historia y los derechos Emblema del Renacimiento italiano, el David fue esculpido por Miguel Ángel en un solo bloque de mármol de Carrara y representa al héroe bíblico mientras se prepara a enfrentar al gigante Goliat con su honda.Considerado como el ideal de la belleza masculina, la obra se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque una copia, realizada también en mármol blanco, se puede admirar en la céntrica plaza de la Señoría de Florencia. "Confundir arte con pornografía es simplemente ridículo", reaccionó por su parte en Twitter el alcalde de Florencia, Dario Nardella. El alcalde anunció además que va a invitar a la maestra Carrasquilla a la ciudad de los Médicis, como un reconocimiento a su trabajo, porque "quien enseña el arte merece respeto", escribió en Facebook.Por su parte, el representante de los padres de familia de la escuela de Florida, Barney Bishop, aseguró a la televisión estadounidense CNN que no se pedía prohibir la divulgación de esas imágenes, ya que cada año se enseñan en las clases de arte.El problema para él fue que los padres no fueron informados con antelación sobre los temas e imágenes que los hijos iban a ver, por lo que la escuela recibió una denuncia de un padre que consideraba esa imagen pornográfica.Florida promulgó hace un año la ley de Derechos de los Padres en la Educación, reforzando los derechos fundamentales de los padres a tomar decisiones sobre la educación y el bienestar de sus hijos. Una política promovida por el gobernador Ron DeSantis, rival de Donald Trump como candidato del Partido Republicano en las elecciones presidenciales de 2024 y conocido por sus posiciones conservadoras.La administración de DeSantis además desea extender la ley a todos los grados de instrucción de manera de prohibir abordar temas como la orientación sexual, la identidad de género, la sexualidad y el racismo.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Las dos pinturas, cuyo rastro se perdió durante la Segunda Guerra Mundial, fueron localizadas en 2019 por funcionarios del Estado polaco que llevan a cabo una campaña para localizar y retornar los miles de obras de arte y objetos históricos sustraídos a Polonia durante el conflicto.La "Mater Dolorosa" y el "Ecce homo" del maestro belga Albert Bouts forman un díptico que se encontraba en el castillo de Goluchów desde 1883 y desde allí fueron trasladadas a Varsovia, donde fueron sustraídas por los nazis, momento a partir del cual su rastro se perdió hasta que reaparecieron en el Museo de Pontevedra.El ministro polaco de Cultura, Piotr Glinski, recordó que Polonia "perdió más de 500.000 obras y objetos artísticos" en los saqueos desencadenados durante la Guerra, que hasta el 70 % de los libros de las bibliotecas polacas fue "robado o destruido" y que en total se extraviaron bienes culturales por valor de unos 10.000 millones de euros.En cuanto al proceso de restitución, el ministro polaco destacó la profesionalidad mostradas en todo momento por las autoridades españolas y expresó su deseo de que los futuros procesos de restitución con otros países implicados "se lleven a cabo del mismo modo, lo que hasta ahora no está siendo el caso", según dijo.Por su parte, el embajador de España en Polonia, Ramiro Fernández Bachiller, tras congratularse de que las dos pinturas ya estén "en casa", destacó la defensa "de la integridad territorial" de todos los países, lo que incluye su patrimonio cultural.El diplomático explicó que a través de las "peripecias" de las obras en Europa es posible reconstruir parte de la historia común de los países europeos y señaló el valor simbólico que la devolución de las pinturas tiene en el contexto europeo y en especial las buenas relaciones entre España y Polonia.Por su parte, el director del Museo de Pontevedra, José Manuel Rey, explicó cómo la petición del Estado polaco sorprendió a las autoridades de la institución que, en cuanto fueron conscientes del verdadero origen de los cuadros, no tuvieron duda de que había que "proceder a su restitución lo más rápido posible".Según el director del Museo de Poznan Tomasz Lecki, entidad que gestiona la colección expuesta en el castillo de Goluchów, las peripecias sufridas por los cuadros restituidos simbolizan las trágicas circunstancias que afectaron a múltiples obras de arte por la invasión nazi.Dado que el proceso de investigación se llevó a cabo a través de internet y existen algunas réplicas de estas obras, los técnicos polacos tuvieron que recurrir a relacionar pistas proporcionadas por expertos, fuentes originales y documentos históricos que confirmaron que en efecto se trataba de los cuadros expoliados.Los datos del Ministerio de Cultura polaco indican que hay unas 155 peticiones de restitución, pendientes de respuesta por parte de 15 países. Le invitamos a conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hago un llamamiento a los museos, las instituciones y los coleccionistas de arte jemer para que sigan devolviendo estos objetos a Camboya, sobre la base del voluntariado", declaró el dirigente en una ceremonia en Phnom Penh."Los objetos históricos deben ser devueltos a su país de origen", afirmó. Constituyen un "patrimonio cultural inestimable", destacó el ministerio camboyano de Cultura.Entre los tesoros presentados figura una parte de la colección de 77 joyas de oro u otros metales preciosos -coronas, collares, pulseras, pendientes o amuletos-, que regresaron al país en febrero.Estas piezas fueron devueltas por la familia de un comerciante británico, Douglas Latchford, acusado por la justicia estadounidense de tráfico de obras de arte y que murió en 2020 antes de su juicio.Los tesoros datan de las épocas pre-angkoriana y angkoriana, del nombre del imperio que dominó gran parte de la península indochina entre los siglos IX y XIV.También están expuestas dos esculturas del siglo X de los dioses hindués "Skanda montado en un pavo" y Ganesh, devueltas por Estados Unidos. Estos tesoros se exhibirán en el Museo Nacional de Camboya, en Phnom Penh. Le invitamos a conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El monumento, que permanecía como una de las pocas atracciones con acceso libre en la Ciudad Eterna, implementará el pago tan pronto como se "completen los trámites técnicos necesarios para que los visitantes puedan adquirir las entradas", indicó un comunicado."En apenas tres meses hemos logrado definir un objetivo basado en el sentido común: hacer pagar un módico billete por el sitio cultural más visitado en Italia", celebró el ministro de Cultura italiano, Gennaro Sangiuliano.Durante años se había debatido sobre la idea de hacer pagar una entrada al Panteón de Agripa, el monumento de la época romana mejor conservado del mundo y posteriormente convertido en la iglesia de Santa Maria ad Martyres.El anterior ministro de Cultura, Dario Franceschini, del Partido Demócrata (PD), anunció en 2017 una entrada de 2 euros (unos 2,35 dólares) a partir de mayo de 2018, pero finalmente nunca se llegó a aplicar ya que, al ser una iglesia, debía mantener el acceso libre para el culto.Sin embargo, el nuevo Gobierno italiano, ahora liderado por Giorgia Meloni, ha logrado el consenso con la Diócesis de Roma y el Ayuntamiento de la capital italiana.El 70 % de los beneficios recaudados por la venta de entradas serán para el Ministerio de Cultura, que se encargará de su limpieza y conservación, mientras que el 30 % restante irá a las arcas de la Diócesis romana, que destinará parte de los ingresos a acciones benéficas y a otros templos.Las personas exentas de pago serán las mismas que contemplan los museos y monumentos de Italia, como los menores de 18 años y personas con discapacidad, mientras que otros grupos, como los jóvenes hasta 25 años de edad, pagarán una entrada reducida de 2 euros.Por su parte el acceso para el culto y las actividades religiosas seguirá siendo gratuito, como también para el personal religioso y los trabajadores laicos, entre ellos los guardias de las Tumbas Reales situadas en el Panteón."Hay que ver lo que está pasando en el resto de Europa: en Francia para visitar el Musée de l'Armée, los Inválidos y la Tumba de Napoleón pagas 14 euros, en Inglaterra la entrada a la Abadía de Westminster, donde están enterrados los miembros de la realeza británica, cuesta 25 euros, mientras que en Roskilde, para visitar la catedral con las tumbas de los reyes daneses, te gastas 60 coronas, unos 8 euros", señaló Sangiuliano hace unos meses, al poco tiempo de tomar posesión.El Panteón, prácticamente intacto a pesar de sus dos milenios de historia, es fruto de una remodelación que el emperador Adriano realizó entre los años 118 y 125 d.C. a un templo dedicado a los dioses, erigido por el general Marco Agripa entre el 25 y 27 a.C.En el año 608 d.C. el papa Bonifacio IV hizo de este edificio un templo cristiano después de depositar en su interior los restos de numerosos mártires.Se trata de una de las principales metas para los turistas, dada su monumentalidad, su imponente cúpula y su situación, enclavado en pleno corazón de la Ciudad Eterna.Además, acoge las tumbas de importantes figuras como el pintor renacentista Rafael, así como los reyes de Italia Víctor Manuel II, su hijo y sucesor Umberto I de Saboya y la esposa de este, la reina Margarita. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo desea apoyar "expresamente los esfuerzos para establecer, a nivel nacional, una comisión independiente que investigue sobre los bienes culturales confiscados en el marco de las persecuciones nazis", indicó en un comunicado.En espera de que se constituya este órgano, la Sociedad de Bellas Artes de Zúrich, propietaria de la colección del museo, "establecerá una comisión internacional de expertos (...) de aquí al otoño (boreal) de 2023" para llevar a cabo investigaciones sobre las obras de origen dudoso."Nuestro objetivo principal debe ser siempre comprobar profesionalmente el origen de nuestras obras y proponer soluciones justas y equitativas cuando existan indicios fundados de que se han confiscado bienes culturales en el marco de las persecuciones nazis", afirmó el presidente de la sociedad de Zúrich de Bellas Artes, Philipp Hildebrand.El museo someterá prioritariamente su propia colección así como sus nuevas adquisiciones a la búsqueda de la procedencia de las obras."Como museo, tenemos una gran responsabilidad social", afirmó la directora Ann Demeester, y "por ello, consideramos esencial un enfoque proactivo y lo más transparente posible en materia de investigación de procedencia".El museo fue objeto de críticas durante la apertura en 2021 de una nueva ala destinada a albergar de manera permanente la colección de Emil Bührle (1890-1956), un industrial de origen alemán y comerciante de armas, naturalizado suizo en 1937.Bührle había creado una vasta colección de obras de arte, algunas de las cuales podrían haber sido robadas a los judíos o vendidas con urgencia por sus propietarios para huir de los nazis. Le invitamos a conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Signo de la mejora de las relaciones entre París y Riad, el acuerdo fue firmado el pasado fin de semana por Laurent Le Bon, presidente del museo francés, y Nora Aldabal, directora de programación artística y cultural de la Comisión Real saudita.El museo debería abrir sus puertas 2027-2028 en el sitio de Al-Ula, en la provincia de Medina, que alberga las ruinas de Hegra, Patrimonio de la Humanidad.El Centro Pompidou "aportará sus conocimientos científicos y técnicos en la formación de personal, particularmente en materia de conservación, la gestión de colecciones y la mediación", según el comunicado.El museo parisino también asesorará al nuevo centro saudita en la programación y en la organización de actos culturales, añadió el texto. El ministerio de Cultura francés explicó a AFP que en los próximos tres meses se detallarán los aspectos financieros de ese contrato de asociación.El museo parisino confirmó por otro lado que estudia "una asociación en Corea del Sur, en Seúl, a partir de 2025".El diario Le Monde recordó que en 2019, tras el escándalo mundial que había provocado el asesinato del periodista saudita Jamal Khashoggi, el entonces director del Museo Picasso, Laurent Le Bon, había visitado Al-Ula.Khashoggi fue asesinado en octubre de 2018 en el consulado saudita en Estambul, presuntamente por su postura crítica con el régimen.Esa muerte provocó rechazo mundial, pero desde entonces el gobierno liderado de facto por el príncipe Mohamed bin Salmán emprendió una campaña de apertura cultural. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El ministro de Asuntos Exteriores de España, José Manuel Albares, destacó estos datos en la mesa sobre "La fuerza del español en Europa y en la escena internacional" del IX Congreso Internacional de la Lengua Española, inaugurado este lunes en Cádiz (España).Albares subrayó la "creciente relevancia" en el contexto internacional de la lengua española, uno de los idiomas oficiales en organismos internacionales como Naciones Unidas y la Unión Europea (UE).El ministro sostuvo que la presidencia española de la UE en el próximo semestre dará "un papel protagonista" a este idioma y será una oportunidad para impulsarlo.La UE es una de las áreas donde más creció el interés por aprender español, ya que, junto con Estados Unidos y Brasil, reúne al 81 por ciento de los cerca de 24 millones de estudiantes del idioma.Según un informe del Instituto Cervantes, uno de los organizadores del congreso, en Estados Unidos hay cerca de 8 millones de estudiantes de español, más de 5 millones en Brasil, algo más de 3 en Francia y más de 800.000 tanto en Reino Unido como en Alemania.La presidenta de la Asociación Internacional de Hispanistas, Ruth Fine, señaló por su parte que "la fuerza del español es indiscutible". Esta entidad, fundada en 1962 para promover el idioma, sigue creciendo con la incorporación de nuevas asociaciones de hispanistas, la última de ellas creada en Taiwan.Unos seiscientos congresistas de más de medio centenar de países está previsto que participen en julio próximo en el XXI congreso de la asociación en Neuchatel (Suiza).El español lo hablan como lengua materna o aprendida unos 595 millones de personas, el 7,5 por ciento de la población mundial, según el Instituto Cervantes, con México, Colombia, Argentina, España y Estados Unidos entre los países con mayor número de hispanohablantes.El congreso se desarrollará durante cuatro días, organizado por instituciones como el Instituto Cervantes, la Real Academia Española (RAE) y la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), que aglutina a 23 agrupaciones de América, España, Filipinas y Guinea Ecuatorial.Escuche lo mejor de la música clásica por medio de la señal en vivo de la HJCK.
El 4 de julio de 2022 el presidente electo Gustavo Petro anunciaba en su cuenta de Twitter el nombre de la ministra de cultura que lo acompañaría a partir del 7 de agosto cuando tomara posesión en su gobierno: La dramaturga y gestora cultural Patricia Ariza. La también poeta fue elegida para lo que se denominó "un estallido de cultura en toda Colombia para la Paz y la convivencia. Una cultura para la identidad para dinamizar la colombianidad diversa", según el anuncio. Recibido de gran forma, el nombre de Ariza planteaba una ruptura con los perfiles que habían sido cabeza de la cartera ministerial, con el que se esperaba un amplio dialogo entre sectores artísticos a nivel nacional y el gobierno. El primer gran anuncio de su ministerio vendría en el marco del 12 de octubre en el que radicó dos proyectos de ley con reformas simbólicas: la primera cambiar el nombre del Día de la Raza por el Día de la Diversidad Étnica y Cultural y el segundo, cambiar el nombre del Ministerio de la Cultura por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes” con el que el Ministerio pasó a denominarse MiCASa.Este último proyecto además busca un cambio frente al enfoque ministerial del gobierno de Iván Duque y la economía naranja, articulando lo que denominaron como "una nueva valoración" de las culturas, las artes y los saberes ancestrales, dividida en cuatro ejes que funcionarían como nuevo enfoque de la cartera: 1. Cultura de paz, 2. Colombia en el planeta y en el mundo, 3. Memoria Viva y 4. Arte, artistas y Educación para la vida. Tan solo algunos días después en su cuenta de Twitter, Ariza anunciaría el que quizá sea el logro más importante dentro de su administración: Para 2023, el presupuesto de inversión más alto de la entidad en su historia por $701.000 millones de pesos, 125% más que los recursos estimados por el gobierno anterior y un 25% más que el presupuesto de 2022, con lo cuál por ejemplo, en la apertura del Programa Nacional de Estímulos 2023 el pasado 23 de febrero y que estará disponible hasta el 3 de abril, el presupuesto aumentó en un 51% con el anterior programa, ofreciendo 1070 becas, 199 reconocimientos, 18 premios, 13 pasantías y 18 residencias. Para un total de 1318 convocatorias. No obstante es en este mismo programa de estímulos en donde varios artistas y gestores culturales han levantado quejas alrededor de una de las causales de rechazo de propuestas para aplicar a estas convocatorias: para este año se ha limitado a los interesados en participar a tener la posibilidad de solo presentar (1) propuesta dentro de todo el portafolio, contrario a como venía ocurriendo en años anteriores. Esto, en otras palabras traduce, a que se han reducido las posibilidades de todos aquellos interesados en participar de estos estímulos haciendo aún más difícil su vinculación laboral dentro del campo artístico, ya que es común, que se presenten a varias convocatorias en paralelo para poder ser beneficiario de alguna de ellas. Para noviembre del 2022 en la rendición de cuentas de los primeros 100 días de gobierno, el ministerio publicó en su página web, al igual que las demás carteras ministeriales sus logros. En este caso, además de los ya mencionados proyectos de ley y el incremento presupuestal, destacó la ejecución de "1.479 actividades en 258 municipios de Colombia, entre las que sobresalen 135 conciertos de la Fundación Batuta, con la participación de 18.600 niños, niñas y jóvenes; 53 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; 436 funciones de teatro en 218 salas concertadas; 92 funciones de teatro comunitario y de calle; y un piloto de formación artística en 100 instituciones públicas". Junto a ello la apertura de cuatro bibliotecas públicas con el apoyo de la Embajada de Japón de las que se estiman se beneficiarían 90 mil niños, niñas y jóvenes en los municipios de Rivera, Huila; San Agustín Huila; Totoró, Cauca y Pijiño del Carmen, Magdalena y los cambios y el incremento en la convocatoria del Programa Nacional de Concertación en el que se registraron 5.175 proyectos, desde 797 municipios de los 32 departamentos del país y la ciudad capital, lo que significó un aumento en 18.58% en la participación.También se destacó la expedición del decreto que reglamenta el artículo 64 de la Ley 397 de 1997 (Ley general de Cultura) en relación con la estructura, el desarrollo y funcionamiento del Sistema Nacional de Educación y Formación Artística y Cultural (SINEFAC) que busca en palabras del ministerio "garantizar que en todos los niveles y modalidades educativas haya currículos con componentes de formación artística y cultural". Para el mes de diciembre fue debatido y aprobado en primer debate por la Cámara de Representantes el Proyecto de Ley 189 de 2022 conocido como “Ley de la Música” que tras varias reuniones con el sector, propone construir una propuesta más incluyente en términos poblacionales, diferenciales, territoriales y de género para beneficio del sector colombiano de la música en términos de precariedad laboral, informalidad, mínimos de participación en eventos y desfinanciación en general del sector. Este proyecto sigue su curso de aprobación en cámara y siguen existiendo espacios de disertación para el proyecto. Además se le ha atribuyó que en la radicación de la reforma tributaria con el que el gobierno recaudará $19,7 billones en 2023 y un promedio de $20 billones en los siguientes tres años, presentada en diciembre de 2022, el sector cultural no haya sufrido modificaciones. Sin embargo, también existieron tensiones. Quizá el que más se destacó fue desde el sector de las artes visuales, donde a través de varios medios reclamaron un papel donde se reconociese la pluralidad de las artes y no solo encasillar las manifestaciones artísticas a ciertos temas y ciertas practicas como el muralismo. Sumado a estas tensiones a inicios de febrero del presente año, se sumó el sector musical con una carta firmada por 2.424 personas, poniendo sus preocupaciones con la iniciativa del Gobierno confirmada por el presidente tras la visita de la primera dama Verónica Alcocer a Venezuela, en el que uno de los puntos de reunión fue revisar la implementación del modelo orquestal venezolano en el país. Si bien en el último mes las comunicaciones frente al tema por parte de Ariza fueron ambiguas, en entrevista con La W, la dramaturga declaró que "Había malos entendidos, pero no diferencias esenciales. Pensé que eran cosas normales que suceden", y todo parece indicar, que las diferencias radicaban en este enfoque. El Ministerio de Cultura sigue sin cabeza oficial. Mientras tanto, Ignacio Zorro, ministro encargado ha salido a desmentir en medios como el diario El Tiempo la implementación del sistema orquestal en Colombia o en Blu Radio argumento que el enfoque sería distinto aunque el 20 de febrero en su cuenta de Twitter, Patricia Ariza haya publicado un comunicado en el que también aparece la firma de zorro, done expresa que: "El gobierno del Cambio busca fortalecer todas las músicas: estimular y promover la creación de nuevas orquestas y grupos musicales. Como lo señala el presidente Gustavo Petro, este año despegará el Sistema orquestal colombiano, ligado al Sistema Educativo, acogiendo y complementando la actual cobertura del PNMC (El Plan Nacional de Música para la Convivencia)" y su relación con los hijos del presidente Gustavo Petro.Sin embargo, los tres proyectos de ley presentados por Ariza hasta ahora siguen su curso en las cámaras, al igual que las convocatorias y programas de estímulos. Lo más urgente es conocer quién será ahora la nueva cabeza del estallido cultural y si mantendrá este enfoque ministerial de los últimos siete meses. Lo que sí habría que pedir, es que un espacio que necesita de la concertación de tantos sectores y manifestaciones culturales, abra aún más espacios de escucha para artistas y gestores culturales, de ahí quizá, de la gente que hace prácticas artísticas, esta la clave para el desarrollo del ministerio. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta es una de las historias que se desempolvaron después de años y de silencios.Ella es Angelina Beloff, una artista rusa que dedicó su vida a la pintura el dibujo y el arte. Sin embargo, podríamos atrevernos a decir que Beloff dedicó gran parte de su pulsión creativa y emocional en el amor que le profesó al también pintor, el mexicano Diego Rivera. Ambos se casaron y vivieron juntos en París, en una época marcada por la guerra y la pobreza. Mientras Rivera regresó a México para convertirse en la leyenda que hoy conocemos, a Beloff le tomó mucho tiempo arrivar la tierra latinoamericana de sus sueños. Su historia de amor —también de abandono, de eclipse y frustración— fue narrada por la escritora Elena Poniatowska en el libro "Querido Diego, te abraza Quiela".A Beloff México le agradece, sobre todo, el trabajo que realizó con los guiñol, un títere de guante nacido en Lyon a comienzos del siglo XIX, que ella pudo adaptar y llevar a la cultura mexicana. Además de ser una de las fundadoras del Salón de la Plástica Mexicana.
IndieWire trabaja desde 1996 publicando artículos acerca de la industria del cine a nivel mundial, famosos por sus predicciones de los Óscar y sus conteos de series y películas se han posicionado como uno de los medios que más consulta la comunidad cinéfila. El pasado jueves 23 de marzo publicaron un ranking de las mejores 70 series animadas de toda la historia entre ellas Final Space, Gravity Falls y Big Mouth. Le traemos un mini conteo de las seis mejores que anunció la página. 6. Steven UniverseLa trama de esta serie se centra en los guardianes que deben cuidar de la humanidad, Las Gemas de Cristal. El protagonista Steven es un niño gracioso que encuentra refugio en las gemas, la serie toca temas sumamente importantes como la diversidad, la identidad y la etapa de crecer para volverse un adulto. La serie comenzó en el 2013 y terminó en el 2020. 5. Batman: la serie animadaEsta serie comenzó en 1992 y terminó tres años después en 1995. Contaron otra historia del "super héroe" al que la gente estaba acostumbrada a ver. "Con una extraña mezcla de amenazantes bordes afilados y misteriosas imágenes en movimiento, la animación capturó la belleza de la creación original de Bob Kane y colocó al Caballero de la Noche en un mundo que se sentía tan peligrosamente real como el superhéroe sin poder que enfrentaba con valentía", menciona Ben Travers, uno de los escritores del artículo. 4. Daria De las series más icónicas de los 90 y comienzos del siglo XXI, cuenta la historia de una chica que está viviendo su adolescencia y es la única que parece entender que el mundo está yendo cada vez peor, con toques de humor y frases características atravesamos la realidad a través de los ojos de Daria, quien marcó a su generación tanto como a los que la vimos. 3. ArcherLa historia de esta serie se basa en las aventuras del espía Sterling Archer quien se ve envuelto en distintos escenarios solucionando casos y acertijos. Archer lleva desde el 2009 al aire y ya cuenta con 13 temporadas, cada una con un destino distinto y las mismas ocurrencias del espía. Está toda en Netflix si desea verla. 2. Los SimpsonCualquiera se podría sorprender por el segundo lugar ya que Los Simpson han sido una serie tan icónica para varias generaciones. Esta serie nos ha hecho reflexionar, crear teorías conspirativas y tener referencias para la vida real. Lo que hemos reído con la familia Simpson no se compara con lo que han hecho otras series, dándonos justo lo necesario para disfrutar y pasar un buen rato frente al televisor como Homero. 1. BoJack Horserman La historia del actor olvidado que intenta volver a sus días de gloria ha sido de las mejores series animadas aclamadas por la crítica. Cuenta con cinco temporadas, cada una de 12 capítulos en las que el protagonista se adentra en sus pensamientos y reflexiona sobre la vida, momentos con los que cualquiera se puede identificar. "Desde los diálogos de cinco segundos que unen la angustia y la hilaridad, hasta los chistes ocultos que pueblan cada centímetro cuadrado del cuadro, hasta la animación ingeniosa y llamativa que construye mundos sin una gota de exposición, "BoJack Horseman" es un increíble historia para contemplar", vuelve a decir el escritor del artículo.
Regresa el programa Vive la Cinemateca de las Vacaciones Recreativas a este lugar emblemático de Bogotá, junto a Idartes la Cinemateca abre un espacio para las vacaciones de Semana Santa con distintas actividades y proyecciones especiales para quienes se quedarán en la ciudad. Vacaciones Recreativas es una iniciativa que tiene como misión promover y aprovechar el uso del tiempo libre en alternancia con los deberes escolares. Este espacio permitirá que los más jóvenes puedan aprender, disfrutar y crear mundos de fantasía por medio de experiencias sonoras y visuales. De esta manera, podrán acercarse al mundo mágico y lleno de posibilidades del cine y las artes audiovisuales.Durante una semana los niños, niñas, jóvenes y sus familias serán los visitantes de la Cinemateca. Y como es habitual, en las Vacaciones Recreativas no puede faltar la maratón de actividades de un solo día, conocida como Tómate de Cinemateca, que se llevará a cabo el sábado 1 de abril.El resto de la programación se divide en distintos espacios y actividades en la Cinemateca: El 4 y el 7 de abril se continuará con la experiencia artística Siempreviva, luz y sombra de 11:00 a.m. a 12:00 m., 12:30 p.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 3:00 p.m. El 6 de abril habrá otra sesión del taller de imagen para bebés en los horarios: 10:00 a.m. a 11:00 a.m., 12:30 p.m. a 1:30 p.m. y 2:00 p.m. a 3:00 p.m.Por otro lado, el 4 y el 7 de abril se continuará con la experiencia artística Siempreviva, luz y sombra de 11:00 a.m. a 12:00 m., 12:30 p.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 3:00 p.m. El 6 de abril habrá otra sesión del taller de imagen para bebés en los horarios: 10:00 a.m. a 11:00 a.m., 12:30 p.m. a 1:30 p.m. y 2:00 p.m. a 3:00 p.m.“Nidos se une a las Vacaciones Recreativas y al evento Tómate la Cinemateca con el propósito de generar espacios de disfrute, juego, exploración, creatividad y movimiento para los bebés, las niñas y niños hasta los 5 años, donde podrán crear y descubrir el mundo a partir de los misterios de la luz, el color, la imagen y los secretos de nuestra ciudad”, menciona Liliana Martín, responsable general del Programa. Así, dentro de la agenda de talleres y experiencias se encuentra Crea tu propio personaje en movimiento, Sonidos Imaginarios, ¡Hola VR! Explorando nuevos mundos/Temporada de Realidades Extendidas, Mundos Virtuales y Juegos con Roblox, Carteles, posters y afiches para tu película. Además, las experiencias de Libro al Viento tienen como foco la literatura y el cine. Así mismo, los asistentes podrán participar de la estación de maquillaje de fantasía, pantallas divertidas, proyecciones audiovisuales en Domo, experiencias en telescopio, conociendo la Luna y un concierto con María del Sol Peralta y Cantaclaro.La Franja Infantil y Juvenil de la Cinemateca tendrá funciones especiales para los fines de semana con dos imperdibles: Las Aventuras de Maurice de Toby Genkel y, para los jóvenes, Eternos Compañeros de Law Wing-Cheong.Si quiere conocer más detalles puede hacerlo en la página oficial de la Cinemateca. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
