Este jueves 18 de abril, desde las 3:00 p. m. se inaugura la exposición temporal Folios y cubiertas: el oficio de la encuadernación, en el Museo de la Independencia Casa del Florero, en el centro de Bogotá.La muestra, que estará abierta hasta el próximo 2 de agosto, le permite a los asistentes acercarse a la encuadernación como un saber histórico con diferentes elementos técnicos y estéticos y como un oficio de memoria viva del centro de Bogotá.“Para el Museo de la Independencia Casa del Florero, estas propuestas expositivas son una forma de darle vida a esta práctica, ya que es necesario conocerla para apreciar nuestra cultura escrita y material, así como las formas tradicionales de transmitir y preservar el conocimiento”, explica Elvira Pinzón Méndez, directora del Museo de la Independencia Casa del Florero y de la Casa Museo Quinta de Bolívar.El oficio de la encuadernación, que se remonta al siglo III y que cambió la forma de percibir los textos, comprendía tres procedimientos básicos: la composición de los pliegos, la unión de los folios con una costura y la realización de una cubierta. Estos pasos dieron lugar a lo que conocemos actualmente como libro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Mantener la memoria viva de este tipo de saberes y dar valor a sus orígenes permite a las generaciones actuales relacionarlas con los avances tecnológicos del presente”, agrega Pinzón sobre la muestra que expone este oficio y sus transformaciones a través del tiempo.El valor de la encuadernación está representado en el museo a través de tres apartados: crear el libro, embellecer la materia y proteger la materia. En la primera parte se hace una reflexión sobre el valor del libro, además de por su contenido. Es una invitación a pensar cómo la encuadernación hace parte de la integridad simbólica y semántica del libro; y el encuadernador, de la memoria de su creación.En la siguiente fase, los visitantes podrán apreciar la utilización de materiales como el oro en los papeles, de ornamentos palaciegos en los lomos, y de cuero animal en las cubiertas (de cabra, becerro y cordero), hicieron posible la creación de algunas encuadernaciones de lujo que, desde Europa, llegaron a América, y a la Nueva Granada. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museo de la Independencia Casa del Florero (@museodelaindependencia) La parte final de la exposición se enfoca en la segunda mitad del siglo XX, cuando se empezaron a crear algunos talleres de encuadernación en el barrio La Candelaria. En este sector de la ciudad se articulaban fácilmente con dinámicas culturales, como bibliotecas y universidades, entre otras.“Los espacios de los museos contribuyen a que el público conozca diferentes prácticas culturales, en esta ocasión, a partir del conocimiento de los contextos sociales de producción de diferentes épocas de la encuadernación, los visitantes pueden establecer relaciones con el mundo de la edición, con la historia del arte o con el patrimonio bibliográfico”, puntualiza Pinzón Méndez.La exposición temporal estará abierta, con entrada libre, durante la inauguración. Posteriormente estará disponible de martes a domingo por el costo de ingreso al Museo de la Independencia Casa del Florero, ubicado en la carrera 7 # 11-82 en el centro de Bogotá de 9:00 a. m. a 5:00 p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gabriel García Márquez es uno de los representantes a nivel mundial de la literatura colombiana, en 1982 ganó el Premio Nobel de Literatura y su obra Cien años de soledad ha sido traducida a más de 35 idiomas.🦋 Visite el especial "Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive" haciendo clic aquí y descubra textos inéditos, entrevistas, fragmentos de su obra en su propia voz y más detalles de la vida y obra de nuestro Nobel de Literatura.El escritor nació en Aracataca, Magdalena, un minucipio a casi hora y media de Santa Marta, la capital del departamento. Allí lo han homenajeado numeradas veces, tienen estatuas en su honor y hasta intentaron cambiar su escudo en honor a él. La casa en donde creció se ha convertido en un museo y aunque se quemó en 1925, fue reconstruida rápidamente para seguir guardando el legado de la familia. Este museo está abierto al público que desee acercarse a la escritura y mundo del Nobel de literatura así como quienes quieras enredarse en sus primeros años de vida. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La casa museo está abierta de martes a sábado de 9:00 a. m. a 12:00 m. y de 2:00 p. m. a 5:00 p. m.; y los domingos y lunes festivos de 8:00 a. m. a 12:00 m. y de 1:00 p. m. a 3:00 p. m. La casa queda ubicada sobre la Carrera 6 Este.¿Cómo llegar a Aracataca?Desde Bogotá o cualquier otra ciudad de Colombia se puede llegar en bus o en avión hasta Santa Marta y allí se puede realizar el viaje en carro, dura una hora y diez minutos y son 86 kilómetros de distancia. Aracataca se convirtió en la casa de García Márquez y un monumento vivo a Cien años de Soledad, allí se encuentra la estatua de Remedios, La Bella, La Casa del Telegrafista o la Tumba de Melquíades.Este 17 de abril se cumplen diez años del fallecimiento de Gabriel García Márquez, en la HJCK tenemos contenidos relacionados que le hacen homenaje a su voz y a sus historias. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lucrecia Díaz, nacida en Búfalo, aunque pasó su niñez en Colombia, reflexiona en una entrevista sobre el trabajo profesional de un fotógrafo: "No está todavía bien valorado y, por ello, invito a la ciudadanía a consumir arte porque es lo que le da sentido a un país".La fotógrafa resalta que la irrupción de la inteligencia artificial "cambiará por completo el panorama", lo cual abrirá un nuevo debate dentro del arte y, como artistas, quizás tengan "que recurrir a realizar fotos analógicas para que nadie las pueda manipular".Lo ideal sería que esta labor "se pagara mejor y, sobre todo, para reconocer la valía, porque en Estados Unidos, hace quince años, ya te contrataban para hacer sesiones para Facebook y ahora están comenzando a contratar fotógrafos para determinadas redes, por lo que invito a todos a hacerse un buen retrato o una buena foto de familia".Retrato y fotos artísticasDíaz centra su larga trayectoria profesional en el retrato y fotos artísticas de danza o baile. "Además de mis dos grandes temas, me gusta mostrar de cerca a las personas, más allá de sus oficios", comenta.Se inició en la profesión tras fotografiar a bomberos y policías de su barrio, lo que dio como resultado "Sirviendo a la comunidad", una exposición en España."El arte nace con uno, estudié Relaciones Internacionales pero las fotos siempre han sido mi hobby, de ahí que una vez que empecé a viajar se convirtió en mi profesión después de estudiar en Chile un diplomado de fotografía, lo que hizo que en cada viaje buscara un tema distinto", explica.Entiende que es "difícil" vivir de la fotografía porque a la gente le cuesta "pagar por una buena foto". Y concreta: "hoy en día, con las redes sociales, la gente piensa que tiene que verse mejor, es decir, todo el mundo se tiene que vender en los perfiles sociales y contar con un buen fotógrafo es muy importante".No obstante, apunta que la aparición de las redes sociales "hace que todo el mundo esté en la calle haciéndose selfies o fotos con los móviles y, de hecho, los teléfonos tienen unas capacidades maravillosas que pueden hacer mejores fotos en la oscuridad que con una cámara profesional".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Detrás del uniformeDíaz, que desde 1996 reside en España y que tiene un estudio en Madrid, se encuentra estos días en Ceuta, ciudad española en el norte de África, con motivo de su exposición Detrás del uniforme, que permanecerá abierta hasta finales de este mes y en la que se aproxima a los hombres y mujeres que sirven en las Fuerzas Armadas, desde la "intimidad y la cercanía física".La fotógrafa, que ha residido también en Alemania, Chile y Australia, subraya que su idea es "aproximarme a la persona, sacarla de su entorno, meterla en un estudio y descubrir al que está detrás del uniforme, que es alguien como tú o yo". Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Lucrecia Diaz (@lucrephoto) Con esta muestra, la autora quiere celebrar la "heterogeneidad y darles protagonismo a todos aquellos cuya profesión y finalidad son el servicio y el trabajo por los demás".El proyecto nació tras visitar Ceuta el pasado septiembre con motivo del aniversario de la fundación de La Legión española.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cinco años después del incendio que devastó Notre Dame el 15 de abril de 2019, la reapertura de la catedral parisina sigue programada para el 8 de diciembre, según Philippe Jost, presidente del organismo público encargado de supervisar su reconstrucción.Alrededor de 250 empresas y cientos de artesanos, arquitectos y otros profesionales han trabajado en la reconstrucción de la catedral, obra maestra del gótico inscrita en el patrimonio mundial de la Unesco.La primera etapa incluyó la remoción de toneladas de escombros, y se prolongó a causa de las interrupciones provocadas por el covid, la necesidad de garantizar las medidas de seguridad en el sitio y a la descontaminación del edificio, particularmente el plomo del tejado, fundido durante el incendio.Esa etapa se completó a mediados de 2021, con un costo de 150 millones de euros (unos 155 millones de dólares).Las obras de restauración comenzaron poco después, tanto en la catedral como en los numerosos talleres de artesanos que participaron a distancia en la reparación o la recreación de vidrieras, piedras o en la reconstrucción idéntica de la estructura de madera de la nave y el coro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más de mil árboles taladosEsa compleja operación, que terminó en marzo, requirió el talado de más de mil árboles bicentenarios seleccionados en los bosques franceses.La aguja diseñada por el arquitecto del siglo XIX Viollet-le-Duc, que se derrumbó junto con parte del techo, volvió a ser visible en febrero.En el interior del templo los expertos aprovecharon para realizar la limpieza de paredes, vidrieras, bóvedas y decoraciones. Esa etapa está casi concluida y ha permitido devolver a la catedral una luminosidad desconocida en la memoria reciente."Es verdaderamente maravilloso, todos estos colores habían desaparecido completamente. Los estoy descubriendo ahora", dijo el vicerrector de Notre Dame, Guillaume Normand.El gran órgano, cubierto de polvo de plomo, fue limpiado y sus 8.000 tubos fueron ensamblados de nuevo, uno por uno. Se espera que su afinación dure seis meses.Para el verano (boreal), las obras de los techos de la nave, del coro y de la aguja deberían haber terminado, así como la restauración de los suelos a cuadros en blanco y negro y algunos trabajos en el mobiliario de arte interior. También se está instalando un importante sistema antiincendios.Los vitrales de época, entre los cuales destacan los tres enormes rosetones medievales, muestran ahora una luz tamizada.Se ha lanzado un concurso para la creación de vitrales contemporáneos, que no serán instalados antes de 2026.Se anticipa que el presupuesto total de esta fase de reconstrucción se mantendrá "por debajo" de los 550 millones de euros estimados (unos 585 millones de dólares), según Jost.El incendio de la catedral provocó un movimiento de solidaridad en todo el mundo, que se tradujo en 846 millones de euros de donaciones (901 millones de dólares), de los cuales aproximadamente 150 millones se destinarán a la restauración de partes exteriores erosionadas antes del incendio.A partir del otoño boreal, se despejarán y remodelarán la explanada y los accesos a la catedral, en colaboración con el Ayuntamiento de París, encargado de reestructurar los alrededores de Notre Dame para 2028.El rector de Notre Dame, monseñor Olivier Ribadeau-Dumas, estima que habrá "13 a 14 millones" de visitantes anuales en el futuro, en comparación con los 12 millones antes del incendio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este año, el programa de artes de la Cámara de Comercio de Bogotá, ARTBO, celebra veinte años de existencia y ocho de su edición ARTBO Fin de Semana que se lleva a cabo desde este viernes, hasta el próximo domingo 14 de abril. A través de 71 espacios entre galerías, espacios autogestionados, museos, instituciones y espacios de diseño, los ciudadanos podrán acercarse al sector artístico y cultural.“ARTBO ha evolucionado como un programa integral de atención a las artes plásticas desde nuestra entidad que busca propiciar la creación a través de los artistas, de los gestores. Buscamos generar procesos de circulación, de visibilidad y acceso amplio ciudadano y espacios de mercado para que los artistas e involucrados en el sector puedan vivir del arte”, explica María Paz Gaviria, directora de ARTBODurante tres días los asistentes podrán recorrer cada uno de los seis circuitos artísticos que incluyen Centro Histórico, Macarena, San Felipe, Chapinero Norte, Chapinero Central y Teusaquillo. En ellos podrán participar de actividades y exposiciones especiales como visitas guiadas, conversatorios, talleres y encuentros editoriales.Esta iniciativa, surgida en 2017 con el objetivo de promover la difusión, circulación y comercialización del arte en la ciudad, este año contará con una nueva ruta enfocada en el diseño. La Ruta Diseño busca destacar y promover la diversidad y creatividad que caracteriza al sector del diseño de autor en Bogotá y contará con una programación especial distribuida por los 6 circuitos artísticos de la ciudad.“Queremos integrar el diseño de autor, su conexión con las artes plásticas, a través de estas rutas que se plantean para que los visitantes puedan aproximarse mediante el arte y reconocer el diseño como un campo que está relacionado con el sector”, señala Gaviria.Entre las actividades que se destacan en esta edición de ARTBO Fin de Semana se encuentran las charlas sobre coleccionismo, curaduría y sobre el rol de la institucionalidad actualmente coordinadas por Ademar Britto, curador e investigador de arte. También, el encuentro editorial con la curaduría de Caín Press, proyecto editorial de Andrés y Francisco Toquica, y el diseño del estudio de diseño Toquica, que presentan para esta edición diferentes editoriales independientes y actividades entre lanzamientos, talleres y charlas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Por su parte, Ovidio Claros Polanco, presidente ejecutivo de la CCB invitó a los bogotanos y visitantes a participar de estos recorridos. “El Programa ARTBO es un orgullo para la institución y un referente internacional. Invitamos a todos los ciudadanos a que participen de las actividades y exposiciones, todas son gratuitas y abiertas al público, y de esta manera sigamos posicionando a Bogotá como un referente para la cultura y los negocios”. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Programa ARTBO (@programaartbo) ¿Qué lugares visitar durante ARTBO Fin de Semana?Con una programación con horarios extendidos, son 71 los espacios que acogerán a los visitantes de ARTBO. El viernes 12 y sábado 13 de abril las rutas estarán disponibles desde las 11:00 a. m. hasta las 8:00 p. m., mientras que el domingo el horario de cierre será a las 7:00 p. m.Tenga en cuenta que para asistir nos debe cancelar ningún pago de ingreso y si desea visitar varios circuitos, hay disponibles buses gratuitos en los recorridos que facilitarán el acceso y el traslado entre los espacios a lo largo de la ciudad. Estas son las rutas de los buses:Los espacios que hacen parte de los seis circuitos son:Centro HistóricoCinemateca de Bogotá – Galería, Claustro de San Agustín – UNAL, Espacio Odeón, Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria, Fundación Gilberto Alzate Avendaño – FUGA, Galería Santa Fe – Idartes, Museo Colonial, Museo de Arte Miguel Urrutia – MAMU, Museo Santa Clara y la Sala de Exposiciones Colpatria, Centro Cívico de la Universidad de los Andes.MacarenaAlonso Garcés Galería, Espacio El Dorado, LT Projects (León Tovar Gallery), Museo de Arte Moderno de Bogotá – MAMBO, Museo de Artes Visuales – UTADEO, Museo Nacional de Colombia, NC ARTE, Sala de Arte Bancolombia y SN Macarena.San FelipeAdrián Ibáñez Galería, Casa Plástica, Espacio KB, Estudio [74], Galería Doce Cero Cero -12:00-, Galería Elvira Moreno, Instituto de Visión, La Zineteca – Espacio 101, LGM Galería, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAC, Plural, Policroma, PROCESO Art Gallery, Proyecto Binario, SGR Galería y SKETCH.Chapinero NorteFoiles, Del Portillo, Dessvan, Ochoinfinito, Octubre Arquitectura, Moblar, Alta Estudio, Ultramodernas, Villa Hechizo, OCtBeatriz Esguerra Arte, Casa Zirio, Galería El Museo, Espacio Alterno – Uniandinos, Espacio Continuo, Galería Baobab, La Cometa, LA Galería Arte Contemporáneo y Montenegro Art Projects – MAP.TeusaquilloCasatinta, mor charpentier, Salón Comunal, Taller Trez y Tranquilandia. Tienda y Laboratorio de arte. Para ver y ser vistos.Chapinero CentralARTBO | Salas –, Sede Chapinero, Biblioteca Museo Casa Lleras – UTADEO, Casa Hoffmann, Casas Riegner, Galería Christopher Paschall s. XXI, Galería Sextante | Arte Dos Gráfico, La Balsa Arte, Lamazone, Mmaison Galería, Nueveochenta, Ocre Galería y Otros 360°.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el próximo 13 de abril, la artista mexicana Tania Candiani presentará en el espacio cultural Fragmentos su obra Desminar, creada específicamente para ser presentada en este lugar, pues propone un análisis topográfico del contra monumento FRAGMENTOS.A partir de un detector de minas, la artista busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio.“Partiendo de las tensiones que atraviesan la estructura estético-social del modelo de presentación moderno, Candiani propone un desplazamiento radical del centro de atención de las paredes hacia el piso, elemento que es presentado como objeto-sujeto de una exploración a profundidad formulada en su instalación”, explica la curadora Gabriela Rangel.Y complementa en la presentación de la obra que “valiéndose de este gesto abstracto la artista no sólo identifica las reverberaciones políticas del piso concebido por Doris Salcedo como contra monumento del conflicto armado colombiano, que en el espacio FRAGMENTOS, Espacio de Arte y Memoria otorga razón de ser al museo junto a las ruinas sobre las cuales se edifica su estructura. La acción de Candiani agrega el residuo irracional y misterioso de la violencia, su condición inasible y difusa, para fusionarlo a aquella otra violencia que reúne crímenes concentrados en capas históricas reunidas en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco en México”.En esta exposición los visitantes, acompañados por un facilitador, asumen el rol del buscador de minas y manipulan el dispositivo “desminador” mientras caminan por la sala 1 del lugar. Los sonidos e imágenes que surjan de esta acción de escudriñar las historias, emociones y susurros que se esconden en las huellas de este espacio de arte y memoria, tendrán proyección simultánea en la sala principal.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En esta acción interactiva, la sala principal se convierte en una gran videoinstalación con el sonido envolvente de 4 canales y proyección ampliada en toda la pared frontal del espacio proponiendo una experiencia inmersiva. El registro del recorrido en vivo en la sala 1 se contrapone con imágenes y sonidos extraídos previamente de otro suelo igualmente marcado por la violencia: la Plaza de Las Tres Culturas, ubicada al norte del Centro Histórico de Ciudad de México, donde el 2 de octubre de 1968 ocurrió la matanza del movimiento estudiantil de Tlatelolco.Así, el registro sonoro y visual de uno de los sucesos más sangrientos y dolorosos del siglo XX en México que se resiste al olvido en las piedras de su suelo, se une a las lesiones de los más de 50 años del conflicto armado colombiano forjadas en el piso de FRAGMENTOS, Espacio de Arte y Memoria, construyendo en conjunto una cartografía multimedia de la historia de guerras que ha caracterizado al continente latinoamericano.“De esta forma, las lesiones cometidas durante el conflicto armado colombiano que duermen silentes en las baldosas del recinto, se traducirán en sonido. Igual que el buscador de minas usa un detector de metales para desenterrar los explosivos, yo usaré una cámara provista con un microscopio para recoger con el lente los surcos e incisiones que conforman la topografía de FRAGMENTOS y que no son otra cosa que las huellas que dejó la guerra, para escuchar así el rastro sonoro de esas heridas”, explica la artista Tania Candiani. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fragmentos, Arte y Memoria (@fragmentosarteymemoria) Adicionalmente, en el pasillo que conecta ambas salas, se exhibe en una vitrina la Caja Libro. Un libro que contiene textos sobre la obra, la curadora Gabriela Rangel, un storyboard de la artista Tania Candiani, grabados sobre impresiones del piso de FRAGMENTOS y la Plaza de Las Tres Culturas, y un tornamesa que posteriormente reproducirá un vinilo con las grabaciones del registro sonoro del piso realizado durante las primeras semanas de la exposición.La exposición estará abierta entre el sábado 13 de abril y el 28 de julio de 2024 con entrada libre. El sábado 13, día de la inauguración, también se llevará a cabo un conversatorio entre la artista y la curadora, a las 12:00 del día.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cualquier sociedad humana que se vea privada de su patrimonio cultural es una sociedad perdida (...). En el caso del continente africano, hay una herida profunda que dejó el saqueo", afirma Chika Okeke-Agulu, especialista en teoría del arte de África en la Universidad de Priceton de Estados Unidos.La actual repatriación de las obras por parte de instituciones occidentales a los países saqueados no es uniforme, pues "en algunos casos se ha avanzado y en otros no", señala el experto.El presidente francés, Emmanuel Macron, prometió en 2017, durante una visita a Burkina Faso, que su país haría de la devolución temporal o definitiva de colecciones de arte africano -cifradas en cerca de 100.000 artículos- una prioridad.Desde entonces, Francia ha protagonizado simbólicas restituciones como la devolución a Benín, en 2021, de 26 obras del tesoro real del antiguo reino de Dahomey (1600-1904)."Ahora, mirando hacia atrás, sabemos que era solo un anuncio público. (Macron) Es un político como cualquier otro, así que (casi) nada salió realmente de aquello", denuncia George Ondeng, asesor de cultura en el Ministerio de Género, Cultura, Artes y Patrimonio de Kenia.Por su parte, Alemania, que se enfrenta a la restitución de un millar de artefactos expoliados, firmó en 2022 un acuerdo con Nigeria por el que se comprometió a devolver los 1.130 bronces de Benín guardados en museos germanos.Desde entonces, sólo regresaron veinte a Benín en diciembre de ese mismo año.Bélgica expresó en 2022 su intención de devolver los artefactos adquiridos en condiciones ilegítimas en la actual República Democrática del Congo (RDC) durante la tiránica dominación que dirigió el rey Leopoldo II.El Museo de África de Bélgica, un majestuoso palacio próximo a Bruselas construido a finales del siglo XIX para ensalzar la dominación colonial, alberga una colección de unos 129.000 objetos africanos, de los cuales 84.000 proceden de RDC.El museo prometió que iniciaría un proceso para devolver las obras a la RDC, mientras el primer ministro belga, Alexander De Croo, presentó en 2022 una lista de obras que podrían ser restituidas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bronces de Nigeria en el Museo BritánicoMiles de bronces fueron expoliados en 1897 por soldados británicos durante el saqueo y la quema del palacio real del reino de Benín, en el sur de la actual Nigeria, y posteriormente subastados en países europeos.El Museo Británico tiene unas 900 piezas de esa colección, aunque no especificó si retornará este tesoro."El Gobierno conservador del Reino Unido ha dejado muy claro que no apoya la devolución de objetos", subraya Ondeng.El mayor compromiso de un museo británico para "descolonizar" su colección es el del Museo Horniman de Londres, que inició la devolución a Nigeria de 72 piezas de bronce del antiguo reino africano en 2022.Preguntado por la lentitud de la repatriación de obras, Ondeng lo achaca a "la falta de voluntad de los gobiernos occidentales para apoyar ese proceso".En Etiopía, las tropas británicas también saquearon miles de artefactos como botín de guerra tras conquistar en 1868 Magdala (centro), capital del emperador etíope Theodros II.El Gobierno etíope lleva décadas reclamando estos objetos, cuya restitución parcial únicamente ha corrido a cargo de coleccionistas privados.Desafíos de la restituciónUno de los retos que enfrenta la devolución de estos objetos es la diversidad de opiniones sobre el sitio más apropiado para preservar las obras.Mientras que multitud de activistas y organizaciones panafricanistas piden que los artefactos vuelvan a su origen, voces europeas y estadounidenses rechazan su devolución.Éstos defienden que es deber de Occidente actuar como custodio del patrimonio cultural mundial, y sostienen que los países africanos no tienen ni los recursos ni las instituciones idóneas para cuidar de su patrimonio."Algunas (de esas opiniones) me parecen francamente racistas y otras las considero absolutamente ignorantes", expresa Okeke-Agulu.Sin embargo, la era digital puede cambiar ese enfoque y permitir que las nuevas generaciones de africanos conecten con su herencia cultural."Si pudiera volver en el tiempo y evitar que hubiera sucedido (el expolio), lo haría, pero no puedo. Lo único que podemos cambiar es el futuro (...) y preservar la cultura utilizando la tecnología", señala a EFE el nigeriano Chidi Nwaubani, creador de Looty, proyecto que recupera digitalmente artefactos de museos occidentales.Okele-Agulu también enfatiza la importancia de las generaciones venideras: "Es a los jóvenes a los que deberíamos dirigirnos, porque son menos proclives a los malos comportamientos ligados a la mentalidad colonial".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde la tercera semana de marzo, el ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa, solicitó la renuncia del director del Museo Nacional, William López, para iniciar un proceso de transformación administrativa al interior de esta unidad especial, adscrita a este ministerio.La nueva directora del Museo Nacional de Colombia será Liliana Angulo, artista plástica con especialización en escultura de la Universidad Nacional de Colombia y maestra en artes en la Universidad de Illinois, Chicago. Ha sido investigadora, educadora, gestora, curadora y ha hecho parte de varios colectivos para contribuir a las luchas del pueblo afro. Entre sus retos están adelantar las mejoras necesarias en las infraestructuras de los museos, y avanzar en importantes transformaciones administrativas y curatoriales necesarias para contar con una red de museos protagonistas del cambio.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.El Museo Nacional y los museos regionales siguen operando en los horarios establecidos. Estos espacios cuentan con personal para prestar servicios a la ciudadanía sin contratiempos ni afectaciones. En la primera semana de abril se espera finalizar el proceso licitatorio para adjudicar el convenio que garantice la contratación del personal necesario para desarrollar proyectos misionales del Museo Nacional de Colombia.El Museo Nacional de Colombia, como la primera institución museológica del país, despliega un papel fundamental no solo en la gestión del patrimonio cultural, sino también en la garantía del derecho de colombianos y colombianas a participar en la representación de la nación. Además, ejerce una función crucial al liderar el sector museístico del país, orientando políticas y fortaleciendo la gestión en todo el país. El Ministerio de las Culturas reconoce la trascendencia de los museos colombianos que, en su diversidad y complejidad, han sido no solo garantes del ejercicio de los derechos culturales sino plataforma de procesos que posibilitan la transformación social y la construcción de la paz territorial.¿Quién Liliana Angulo, la nueva directora del Museo Nacional?Liliana Angulo Cortés ha cultivado una trayectoria multifacética que abarca su labor como artista plástica, educadora y promotora del legado y arte comunitario afro-colombiano. Entre 2004 y 2007, desempeñó roles de coordinación en el Programa de Educación Continua de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, y ha impartido enseñanza en la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano. Brindó asesoramiento en la Gerencia de Artes Plásticas y Visuales de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. En 2014, ocupó el cargo de Subdirectora de Prácticas Artísticas y Patrimoniales en la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá. Desde 2015, es miembro del colectivo de artistas afro-colombianos "AguaTurbia". En 2020, ejerció como Subdirectora de las Artes en el Instituto Distrital de las Artes. A lo largo de su trayectoria, ha llevado a cabo numerosas curadurías artísticas y ha impartido conferencias en diversas instituciones tanto nacionales como internacionales.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una encuesta realizada por el medio para determinar qué está ocurriendo con los museos mostró que están volviendo a la normalidad y que durante 2023 muchos de los más grandes del mundo registraron números de visitantes similares a los de 2019, el año antes de que cerraran sus puertas.Incluso algunos recibieron exactamente la misma cantidad, entre ellos el Rijksmuseum en Amsterdam, que recibió tanto en 2019 como en 2023 unos 2,7 millones de visitantes, apoyado por la exhibición de las obras del holandés Johannes Vermeer, mientras que el Museo Nacional de Escocia tuvo la misma experiencia con 2,2 millones ambos años y el Getty Villa en Los Ángeles con 442.000 en prepandemia y 443.000, respectivamente.Destaca que en total los 100 principales museos recibieron en conjunto en 2023 175 millones de personas, comparado con los 141 millones del año anterior, pero aún distante de los 230 millones previo al cierre por la pandemia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No obstante, otros aún luchan por atraer la atención del público como los museos en Moscú afectados por la guerra contra Ucrania y el colapso del turismo extranjero mientras que los diez principales del Reino Unido también están en general un 13 % por debajo de los niveles que registraron antes de la pandemia, asegura el medio.De acuerdo con theartnewapaper, la lucha de los museos de Nueva York no parece ser distinta con el Museo de Arte Moderno (MoMa) registrando más de 2,8 millones de visitantes en 2023, un 2 % más que en 2018 cuando operó a toda capacidad previo a abrir sus puertas por solo seis meses en 2019 por remodelación. En contraste, el Whitney, recibió un 26% menos de visitantes (768.000) en 2023 al compararlo con el nivel prepandemia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo abre mañana martes una gran exposición sobre esa muestra, innovadora en muchas facetas, y la sitúa en su contexto histórico. Obras maestras de Renoir, Manet, Monet, Degas, Cézanne o Morisot figuran entre las 157 piezas que se presentan, llegadas de museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.La exposición de 1874 "se ha convertido en legendaria" y cambió "la historia del arte". Esta es "la primera vez" que se trata de forma específica, y se hace con otra exposición, explicó la conservadora de pintura Sylvie Patrie, una de las dos comisarias, durante la presentación de la exhibición.Fue un 15 de abril de 1874 cuando el estudio del fotógrafo de moda Nadar en París, un edificio de cuatro plantas a dos pasos de la Ópera, sirvió para presentar unos 215 cuadros (se desconoce el número exacto) de 31 pintores, muchos de los cuales no pasaron a la posteridad.La idea revolucionaria comenzó ya con su concepción, puesto que los pintores crearon una cooperativa para poder exponer juntos, y lo hicieron al margen del Salón, la exhibición oficial anual de arte, un evento mucho más académico y conservador.El contexto histórico era complicado. Francia acababa de salir de la dura derrota en la guerra contra Prusia (1870) y de la revolución de la Comuna de París y su sangrienta represión (1871).Apenas una cincuentena de las pinturas de esa primera exposición podrían ser consideradas 'impresionistas', un estilo que supuso una ruptura radical tanto con los temas plasmados como con la técnica pictórica.La revolución industrial y la creciente importancia de la burguesía generó temas nuevos, como el ferrocarril, los espectáculos o el turismo, ya que los impresionistas querían mostrar "la vida moderna" y "su visión de una ciudad en plena transformación", añadió Patry.Sobre todo, la forma de pintar "no tiene nada qué ver" con lo que se hacía antes, por el uso revolucionario de la pincelada y el color para plasmar la luz y recrear la impresión que deja en la retina, señaló por su parte la otra comisaria, Anne Robbins."La novedad es tanto la elección de los temas como la recuperación de la sensación, de la impresión", incidió Robbins, conservadora de pintura en el Orsay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Origen del término 'impresionismo'El nombre 'impresionismo' llegó de un comentario con voluntad despectiva del crítico de arte Louis Leroy a partir del ya inmortal cuadro Impresión, sol naciente, una brumosa interpretación del puerto de Le Havre por Claude Monet, que evidentemente no falta en este homenaje.El término 'impresionista' pasó a ser reivindicado por los artistas en sentido positivo.Otra cosa, precisó Patry, es el "mito" creado a comienzos del siglo XX y que pretende que "un grupo marginal de revolucionarios que pintaban de forma diferente organizaron una exposición de vanguardia", una idea falsa alimentada después por algunos de los artistas y que aún perdura.La nueva exposición, titulada París 1874: Inventar el impresionismo, incluye veinte pinturas de la muestra original en el estudio de Nadar. Muchas de las otras no tenían calidad y se desconoce su nombre.Entre las obras maestras presentes destacan La bailarina, El palco y La parisina (Renoir), Boulevar de los Capuchinos (Monet), Une moderne Olympia (Cézanne) o Ensayo de ballet sobre el escenario (Degas).También está Baile en el molino de la Galette, de Renoir, una de las obras cumbres del movimiento, pero que se presentó en la tercera exposición impresionista, en 1877.Tampoco faltan varias pinturas de la consagrada Berthe Morisot (parte de la exposición original) o de Eve Gonzalès, que luchaba para abrirse paso, a fin de resaltar la presencia femenina en la génesis del impresionismo.Las dos comisarias han dedicado toda una sala a cuadros del Salón de ese año, de factura y temáticas mucho más clásicas, para "reexaminar la radicalidad" estética que supuso la propuesta de los impresionistas.La exhibición del Orsay, que cerrará el 14 de julio, día de la Fiesta Nacional francesa, va acompañada de una experiencia inmersiva con gafas 3D, en el mismo museo, sobre un espacio de 650 metros cuadrados y que permite visitar esa primera jornada de la exposición original de 1874.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película española La sociedad de la nieve vivió este viernes un anticipo de lo que podría ser su noche estelar en la gala de los premios Platino de la industria audiovisual iberoamericana, al recibir los galardones del público para mejor película y mejor actor.Los premios al cineasta español Juan Antonio Bayona y al intérprete uruguayo Enzo Vogrincic fueron resultado de la votación de 14.000 espectadores a través de redes sociales, y se anunciaron en una conferencia de prensa en Playa del Carmen, previa a la gala del sábado."El publico (...) nos abrazó muchísimo, fue realmente una cosa masiva que constantemente nos hacen llegar", dijo emocionado Vogrincic, tras recibir el galardón."Es el acto de magia más espectacular", agregó el uruguayo, impresionado por el cariño del público ante su interpretación de Numa Turcatti, uno de los verdaderos protagonistas de la tragedia de un equipo de rugby uruguayo en los Andes en 1972.Bayona agradeció, por su parte, a las familias de los fallecidos en el accidente aéreo "que nos dieron permiso para contar su historia".La entrega de los premios tendrá lugar este sábado en el teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret en la Riviera Maya mexicana. "La sociedad de la nieve" ostenta siete nominaciones, entre ellas las de mejor película, director y actor protagónico.De cara a la gala del sábado, otras dos películas se perfilan como protagonistas, con seis nominaciones cada una: la sombría comedia chilena El conde, dirigida por Pablo Larraín, y Cerrar los ojos, una coproducción entre Argentina y España dirigida por el veterano cineasta ibérico Víctor Erice.La votación popular también favoreció a la actriz argentina Dolores Fonzi, reconocida por su papel protagónico en Blondi, una película que marca además su debut como directora.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."¡Aguante el cine argentino, aguante el cine mundial, no hay que rendirse nunca, no nos van a parar!", dijo Fonzi tras recibir la estatuilla, aludiendo a la crisis que vive el cine de su país debido a los recortes presupuestales del gobierno de Javier Milei.La española Úrsula Corberó y el argentino Santiago Korovsky también recibieron el premio del público, como mejor actriz y actor para una teleserie o miniserie respectivamente, al igual que la serie española El cuerpo en llamas.Homenaje a Cecilia RothPreviamente, la actriz Cecilia Roth denunció el desmantelamiento que la industria cultural de Argentina sufre debido a las políticas económicas de Milei, así como el discurso que busca tachar a los artistas como "parásitos del Estado".En la conferencia previa a su distinción el sábado con el Premio Platino de Honor, Roth lamentó que se esté haciendo "muy difícil" producir cine y cultura en Argentina."Están desmantelando todo lo relacionado a la cultura en general y al cine en particular, quiero que esto se sepa en Latinoamérica y en España. De alguna manera es un pedido de ayuda también", dijo la intérprete de 67 años.Agregó que este es un llamado de atención a la comunidad artística y al público porque quizás en 2025 no haya ninguna producción argentina en este tipo de premiaciones, debido al recorte presupuestal.Roth subrayó que el cine y la industria cultural "dan réditos al país" y no viven solo del apoyo estatal."Esa es la idea que se está instalando en la gente, que todos los que participamos, todos los que hacemos cine o estamos vinculados con la cultura somos parásitos del Estado", señaló la actriz. "Hay que modificar esa idea cruel e injusta", agregó.Para Roth, una de las musas del célebre director español Pedro Almodóvar y con casi 50 años de trayectoria, es necesario que la comunidad alrededor de los premios Platino actúe sobre esta situación y resista "de una manera activa" a este momento complejo."Hemos construido, con muchísima lucha, una industria todavía no instalada sólidamente, con lo cual un viento fuerte como éste que está sucediendo ahora en Argentina puede golpear a la industria en general", reflexionó la actriz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La cultura en general en estos momentos en Argentina vive un punto de expulsión para enormes cantidades de familias que nos dedicamos a esto (...). Están desmantelando todo lo relacionado con la cultura en general y con el cine en particular", ha denunciado la artista en su minuto de gloria ante un escenario de trescientos periodistas del mundo latino que esperaban expectantes sus palabras."Quiero que esto se sepa en España y en Latinoamérica, esto es un pedido de ayuda", ha dicho la protagonista de éxitos mundiales como Todo sobre mi madre (2000) o Martín (Hache) (1998).Una petición que "significa que estemos atentos, porque el año que viene a lo mejor no hay ningún representante de nuestro país porque este año no se va a hacer ninguna película", ha alertado Roth."Somos un eslabón de la cultura de nuestra historia y de nuestro propio país y no podemos cortar los eslabones", advirtió la intérprete, que concluyó su reflexión con un mensaje positivo. "Estoy segura de que esto también pasará, pero con la ayuda de ustedes, más", ha dicho ante el aplauso de los más de trescientos periodistas de 23 países latinos que se reunieron en la sala Diego 4 del hotel Xcaret Arte de la Riviera Maya.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La artista celebró la existencia de los Premios Platino, que ella entiende “como un 'país’ entero en el que podemos cruzarnos, entretejernos, conocernos, contarnos cada uno con nuestra propia identidad, y a la vez estar unidos por el idioma", castellano o portugués.”"Me da una enorme alegría estar aquí con gente que hace audiovisual y sabe lo difícil que es hacer cine, hacer series, en medio de los cambios que sufre la industria permanentemente, y de cómo cambian los países", ha manifestado minutos antes de responder a un par de preguntas de periodistas latinas que le pidieron que hiciera extensible esa petición a otros países, además del suyo."Nuestros países son muy frágiles, muy vulnerables", ha destacado Roth. "Lentamente, con muchísima lucha, hemos construido una industria que aún no está seriamente instalada y a la que un viento fuerte, como el que sopla ahora en Argentina, puede tumbar".Y ha reivindicado que "una industria apoyada por un Estado no necesita subvención, porque todo se devuelve"."Se ha instalado en la gente la idea de que todos los que estamos vinculados con la cultura somos parásitos del Estado. Y lo que tendríamos que hacer todos, empezando por los Premios Platino -ha dicho Roth-, es tratar de modificar esa idea dura cruel e injusta de que somos parásitos".Primero, ha señalado, "porque es insultante e injusto para los que sabemos lo que significa hacer una película. Pero ¿cómo contárselo a gente que escucha eslóganes y frases que nos destruyen?. Creo que toda la comunidad Platino tiene que hacerse cargo de lo que pasa en todos y cada uno de nuestros países, contándolo, poniéndole luz a esto, y enfrentarlo con resistencia activa"."No solo decirlo, sino machacarlo -aclara con una sonrisa triste-. No decimos que hacer cine sea fácil, pero nadie pide al Estado más de lo que merece, todos los organismos que se han desmantelado, del INCA a la Escuela del Cine y el Audiovisual, y todo lo que ellos posibilitan, en Argentina se han desmantelado. Así que -ha concluido- hay que contarlo y trabajar para que esto pueda dejar de suceder, y si se puede, que se vuelva para atrás".Roth, sencillamente vestida con un pantalón oscuro y una camiseta de rayas, apenas maquillada y muy serena, ha agradecido "la profunda tranquilidad" que le da sentirse arropada por el mundo Platino. "Esto es lo que generan estos premios", ha dicho.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De melena a la cintura, frenillos y vestimenta holgada, Lela se despoja de la timidez cada vez que sube a una tarima o graba un videoclip. Se transforma en una cantante arrojada que rapea sobre la migración, su pasión por la música y temas adolescentes que seducen a más de 300.000 fans en redes sociales."Lo importante en algunas canciones es el contenido más que todo (...) Que la persona sienta, se identifique con la letra", dice en conversación desde su casa en Bogotá.Pero el camino al éxito fue espinoso. A los seis años y con el duelo de su abuela a cuestas, migró con su familia en bus desde Caracas, como muchos de los tres millones de venezolanos que llegaron a Colombia huyendo del colapso económico.Hoy sus videos caseros de freestyle e interpretaciones reciben "me gusta" de Ana Tijoux, icónica rapera chilena. También ha compartido escenario con Apache, leyenda del hip-hop venezolano. La última recompensa llegó en diciembre de 2023, cuando la joven promesa firmó un contrato con un reconocido sello discográfico que por ahora prefiere mantener bajo reserva.Pero sus primeras canciones son la memoria de tiempos menos venturosos:"No se imagina las adversidades que he pasado/los obstáculos que en el camino me he tropezado (…) decidí migrar con el propósito de un mejor futuro/ pero se me han cerrado puertas en el camino/ colocado muros", cantaba hace unos años en los buses junto a su padrastro Jesús Sanz, de 32 años, a quien considera su padre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.IncendioLos hermanos Gabriel y Gabriela Brito comparten no solo su nombre y un vínculo familiar. Las cicatrices de sus brazos recuerdan el día en que una explosión en 2017 casi los mata. Su abuela falleció por las llamas del incendio que generó una fuga de gas."El superhéroe Gabriel", entonces de 8 años, se lanzó sobre su hermana de 6 para protegerla de las llamas, relata la madre Hayleén Volcán. Los niños fueron tratados por quemaduras graves. Gabriel estuvo hospitalizado varios meses y pasó seis días en terapia intensiva. "Es un milagro de vida", dice su madre.Con la muerte de su abuela, los niños se quedaron solos en Venezuela. Eso los obligó a reunirse con su madre, que había migrado a Colombia unos meses antes.Hoy Gabriel tiene 15 años y acompaña a Lela en el escenario. Aunque es tímido, está aprendiendo a usar la tornamesa y es el DJ de su hermana."Tener esta marca (sus cicatrices) me da dicha. Con ella llegamos donde estamos ahorita", asegura el adolescente."Lela" es un nombre artístico inspirado en el hermano que le salvó la vida. Cuando era pequeño se le dificultaba pronunciar Gabriela, le decía "Lela" como ahora la aclaman decenas de fans antes de un concierto para pedir autógrafos y selfis.Del bus a la tarimaMientras Lela y Gabriel ensayan, sus dos hermanos de 5 y 3 años juegan y revolotean por el pequeño departamento en el sur de Bogotá donde viven con sus padres.En la sala, Hayleén Volcán confecciona pequeños moños de colores que vende a un negocio, en un país donde la informalidad laboral afecta a 82 % de los migrantes venezolanos.Cuando llegó a Colombia "fueron meses de vender café, de vender en un semáforo, de vender agua, de vender maní", dice la madre de 35 años.Al comienzo Lela se preguntaba: "¿Yo qué hago aquí? yo me quiero ir a mi casa". Luego recordaba el incendio y se daba ánimo: "Tenemos que estar aquí (...), luchar aquí".Hasta que un día junto a su padre Jesús Sanz, que rapeaba en los buses de Bogotá para llevar dinero a casa, decidió "quitarle el micrófono y ahí comenzó todo", recuerda. Tenía ocho años, alguien la grabó y se hizo viral con una canción compuesta por su padre sobre el drama de la migración.La interpretación llegó a oídos del productor Jairo Peñaranda, conocido como Mctematico en el mundo del hip-hop. Se convirtió en mánager de Lela, profesionalizó sus habilidades y encaminó su carrera artística. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por VEN BAILALO CONCIERTOS (@ven_bailalooficial) Puso una única condición: que Gabriela y su hermano mayor regresaran al colegio y tuvieran acompañamiento psicológico. La falta de escolaridad afecta a un 29,7 % de niños venezolanos en Colombia, según la autoridad estadística.Poco a poco aprendió técnica vocal, modulación y desenvolvimiento en el escenario. En 2021 lanzaron su primer tema.Antes de salir al escenario, Lela hace estiramientos y ejercicios de vocalización. Parece nerviosa, pero en el escenario es otra."Soy una persona que no habla", pero "después de la primera canción es como que me perdieron, con mi actitud me disfruto el show", dice y lanza una tímida sonrisa.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tomando como inspiración la célebre frase del historiador de arte Ernst Gombrich, "No existe realmente el arte. Solo hay artistas”, Vurko Art extiende una invitación especial al público bogotano para explorar “Trending!!! Pop Art Colombiano". Del 25 al 30 de abril en la Casa Museo Grau, esta exposición celebra la creatividad individual y las perspectivas de cada uno de los artistas participantes, que van más allá de las definiciones convencionales al transformar elementos cotidianos en expresiones artísticas únicas, significativas y críticas.La muestra presenta una selección de más de 35 obras de los principales exponentes del Pop Art en Colombia, incluyendo a Segundo Miguel Tirado, Andrés Moreno, Camilo Pinto, Mac Salom (Mactivo), Nicolás Uribe, Omar Mendoza, Rubén Trespalacios, Harold Rubio, Fidel Álvarez (topensao), Gonzalo León, quien además estuvo a cargo de la curaduría y Georg Vurkovitsky director de Vurko Art. Esta exposición no solo rinde homenaje a la tradición del Pop Art, sino que también la revitaliza y adapta al contexto contemporáneo local, invitando a los visitantes a una experiencia artística inolvidable. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, la exposición contará con piezas icónicas de los maestros Enrique Grau y Ritcielt Vurkovitsky y un homenaje al maestro Álvaro Barrios a partir de una creación colectiva.El pop art, es conocido por su vibrante enfoque estético y su íntima relación con la cultura de masas, cuestionando las divisiones entre el mal llamado 'arte elevado' y los elementos de la cultura popular. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, y Richard Hamilton, lograron subvertir las tradiciones artísticas. “Trending!!! Pop Art Colombiano" toma esa tradición y la revitaliza, introduciendo elementos familiares de la vida cotidiana colombiana, desde marcas locales hasta iconografía publicitaria, y los fusiona con enfoques innovadores y diversas técnicas artísticas que van desde la pintura al óleo y acrílico hasta la escultura, pasando por el hilorama, la plastilina, la resina y el bronce.No se desconecte de la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su publicación ha llegado además con sorpresa: tras la filtración este pasado jueves de los 16 cortes que debían integrar el disco completo, finalmente han sido 31 las canciones que lo componen y en ellas su vida personal constituye una vez más su material favorito para construir canciones."Reflejan eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue a la vez sensacional y doloroso a partes iguales", ha comentado ella misma en sus redes después de la publicación sobre "un capítulo que está cerrado y tapiado", en el que "no hay nada que vengar ni cuentas que ajustar una vez que las heridas han sanado".Los rumores sobre el posible núcleo temático del disco comenzaron desde que la propia Swift (West Reading, 1989) reveló el título en la última gala de los Grammy, muy parecido al de un chat "online" que su ex compartía con los también actores Paul Mescal y Andrew Scott, llamado Tortured Man Club.Ese es igualmente el título de uno de los cortes destacados, en el que Swift le espeta a su interlocutor con ínfulas de escritor (cabe recordar que Alwyn coescribió en el pasado algunos temas de la cantante): Tú no eres Dylan Thomas y yo no soy Patti Smith.Asimismo, no parece casual la coincidencia geográfica entre la nacionalidad británica de su ex y la fuente inspiracional de la canción So Long, London, una de las más torturadas junto a 'Florida!!!!'. Respecto a esta, hay quien ha apuntado que ese era el estado en el que recalaba la gira The Eras Tour cuando en abril de 2023 se hizo pública la ruptura de la pareja.Los reproches prosiguen en uno de los temas potencialmente más radiables de esta hornada, My Boy Only Breaks His Favorite Toys (en español, mi niño solo rompe sus juguetes favoritos), en el que la artista anuncia el momento en el que se da por vencida en una relación que no prospera: "Abandono lo de construir castillos que él destruye".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los temas sorpresa que han aparecido a las dos horas de su hora oficial de publicación se encuentran los que debían integrar como extras las cuatro ediciones especiales del disco, esto es, The Black Dog, The Albatross, The Bolter y The Manuscript, que cierra las más de dos horas de música.El desamor va cubriendo conceptualmente todo el álbum y, con él, la melancolía se hace fuerte, pero sin desesperación ni en sus palabras ni en sus formas, más bien aceptación, con espacios para la ironía y el sarcasmo en cortes como The Smallest Man Who Ever Lived o I Can Do It With a Broken Heart.Es ese, casi al final, uno de los pocos alivios de "bpm" acelerados y ochenteros que se pueden encontrar en este The Tortured Poets Department, marcado por la densidad emocional de las canciones, coproducidas por la autora junto a su inseparable Jack Antonoff.Bajo su criterio, sintetizadores y arreglos electrónicos sustituyen en gran medida a las texturas orgánicas que acompañaban la melancolía que también impregnó trabajos previos como Evermore o el previo Folklore, ambos de 2020. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Taylor Swift (@taylorswift) En medio de todo ello, de vez en cuando afloran atisbos de la Swift de la época "country", como cuando recupera el ukelele y viejas estructuras melódicas de entonces, véase en la dinámica y larga But Daddy, I Love Him!.Mención aparte merecen las dos colaboraciones de este álbum que se ha publicado sin carta de presentación previa: por un lado Post Malone en el inicial Fortnight (en el que queda relegado vocalmente a una labor más de acompañamiento) y, por otro, Florence + The Machine en la catártica Florida!!!!, con una relación vocal más compensada entre las dos intérpretes.Con The Tortured Poets Department ya en la calle, Swift iniciará en París los días 9, 10, 11 y 12 de mayo el tramo europeo de su 'The Eras Tour'. Serán medio centenar de actuaciones hasta el final el 20 de agosto en el estadio de Wembley de Londres, con paradas como las del 29 y 30 de mayo en el remozado estadio Santiago Bernabéu de Madrid.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.