Bridget Bate Tichenor (1917–1990) fue una pintora franco-británica-mexicana cuya obra se inscribe en las complejidades del surrealismo y la magia realista. Su vida, marcada por desplazamientos geográficos y transformaciones personales, refleja un tránsito constante entre mundos: Europa, Estados Unidos y, finalmente, México. Fue en este último donde encontró no solo un hogar físico, sino también el ámbito espiritual y cultural que dio forma definitiva a su arte.Nacida Bridget Diana Bate en París en 1917, Tichenor creció en una familia de privilegio. Su madre, la exótica Vera Bate Lombardi, estaba conectada a la élite europea, lo que situó a Bridget en un entorno cosmopolita desde temprana edad. Su educación transcurrió entre Inglaterra, Italia y Francia, lo que le proporcionó una perspectiva culturalmente rica pero emocionalmente compleja. Estudió en la Slade School of Fine Art en Londres y más tarde en la Académie de la Grande Chaumière en París, instituciones que cimentaron su formación académica pero que no definieron del todo su enfoque artístico.A mediados del siglo XX, Tichenor emigró a México, un país que entonces se había convertido en un imán para artistas e intelectuales exiliados o marginados por las corrientes dominantes. Allí encontró su conexión más profunda con el simbolismo, el esoterismo y los paisajes interiores, temas que pronto se volverían centrales en su trabajo.La evolución de su estilo y su conexión con el surrealismoAunque vinculada frecuentemente con el surrealismo, el trabajo de Tichenor no se limitaba a las premisas automáticas o oníricas del movimiento encabezado por André Breton. Su obra se encuentra más cerca de lo que podría describirse como "realismo mágico" pictórico, un término que enfatiza la cohabitación de lo mundano y lo extraordinario en un mismo espacio visual.En sus óleos, ejecutados con una meticulosidad obsesiva, se percibe una influencia técnica que remite a los maestros flamencos como Jan van Eyck, con un énfasis en el detalle minucioso y la representación de texturas. Sin embargo, el contenido simbólico y espiritual de sus obras pertenece al ámbito de lo arquetípico. Sus figuras —frecuentemente híbridas, animales antropomorfizados y seres mitológicos— dialogan con las cosmogonías indígenas mexicanas y con un esoterismo universal que bebe tanto del ocultismo europeo como de las tradiciones chamánicas mesoamericanas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA diferencia de artistas como Remedios Varo o Leonora Carrington, quienes también exploraron lo fantástico en México, Tichenor permaneció relativamente al margen de los círculos artísticos establecidos, desarrollando un estilo aún más introspectivo y menos narrativo. Si bien Carrington y Varo usaban lo surreal como una extensión de sus experiencias personales, Tichenor parecía más interesada en trascender lo individual y abordar lo eterno.Contexto social y cultural: México como crisol creativoCuando Tichenor llegó a México en la década de 1950, el país atravesaba un periodo de efervescencia cultural. La Revolución Mexicana había dado paso a una identidad nacionalista que glorificaba el mestizaje y las raíces indígenas, lo que atrajo a artistas extranjeros en busca de autenticidad cultural. En este ambiente, Tichenor se sumergió en la riqueza de las tradiciones mexicanas, adoptando prácticas como el uso de textiles indígenas en su vida cotidiana y absorbiendo las cosmovisiones locales.La posición de Tichenor, sin embargo, era ambigua: aunque profundamente conectada con México, siempre mantuvo un aire de outsider, una figura que observa desde los márgenes. Esta dualidad —la de pertenecer y estar alienada al mismo tiempo— es evidente en sus obras, que trascienden el paisaje mexicano para situarse en una dimensión metafísica y atemporal.Muerte y legadoBridget Bate Tichenor murió en 1990 en Valle de Bravo, México, un lugar cuya geografía y atmósfera habían influido profundamente en su trabajo. En vida, su obra fue poco conocida, en parte debido a su carácter reservado y a su falta de interés en las estructuras comerciales del arte. Solo en décadas recientes ha comenzado a recibir un reconocimiento más amplio, especialmente en exposiciones que reevalúan el papel de las mujeres artistas en el surrealismo y el modernismo.El aislamiento de Tichenor la diferencia de contemporáneas como Frida Kahlo, cuya obra también dialoga con lo simbólico pero está anclada en un discurso político y autobiográfico explícito. Mientras que Kahlo expone su dolor de manera visceral, Tichenor opta por un simbolismo más abstracto y universal. En términos de técnica, su atención al detalle puede ser comparada con la de Varo, pero sin la narrativa expansiva que caracteriza a esta última.Bridget Bate Tichenor es, en última instancia, una artista cuya obra desafía categorizaciones simples. Su legado reside en su capacidad para fusionar lo físico y lo metafísico, lo humano y lo animal, lo histórico y lo eterno, creando un universo visual que permanece inquietantemente resonante.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Leonora Carrington fue una de las figuras más singulares y cautivadoras del surrealismo, una artista cuya vida y obra se construyeron con rebeldía, poesía y una inquebrantable voluntad de transgredir. Nació en 1917 en Lancashire, Inglaterra, en el seno de una familia industrial aristocrática que la educó bajo estrictas normas victorianas. Sin embargo, desde temprana edad, Leonora mostró una clara inclinación hacia lo subversivo. Fue enviada a una serie de internados de los que escapó en varias ocasiones, negándose a conformarse con los modelos de feminidad y obediencia impuestos. A los 20 años, un giro inesperado marcó su destino: conoció a Max Ernst, uno de los líderes del surrealismo, y se enamoró apasionadamente de él. Ambos huyeron a París y se sumergieron en el movimiento surrealista, en un entorno de libertinaje intelectual y creatividad feroz. La obra de Carrington: un realismo onírico y oscuroLa pintura de Carrington es compleja, enigmática y profundamente personal. Si bien fue influenciada por las ideas de André Breton y el surrealismo de Ernst, Carrington nunca fue una simple discípula de este movimiento. En su obra, los elementos oníricos y simbólicos son más bien expresiones de un mundo interior que apenas roza el psicoanálisis de Freud que fascinaba a otros surrealistas. Las obras de Carrington están plagadas de símbolos mitológicos, alquímicos, y referencias literarias, frecuentemente inspiradas en la literatura celta y las leyendas de su tierra natal.Un tema recurrente en su obra es la figura femenina como ente poderoso y multifacético, rompiendo con las visiones más objetivantes de otros surrealistas. Carrington daba vida a mujeres que eran a la vez humanas y místicas, ambiguas y transformadoras, fusionadas con el entorno. "El Mundo Mágico de los Celtas", uno de sus escritos más personales, refleja esta dualidad, mientras que en pinturas como The Lovers o The Pomps of the Subsoil, las figuras femeninas se representan con una presencia inquietante, espectral y casi sobrenatural, cuestionando las normas tradicionales sobre la femineidad y el poder.La Segunda Guerra Mundial y el exilioSu vida fue interrumpida trágicamente con la irrupción de la Segunda Guerra Mundial. Max Ernst fue arrestado en varias ocasiones por las autoridades francesas y luego por los nazis debido a su ciudadanía alemana y sus actividades en el mundo del arte vanguardista. Desgarrada por la situación de Ernst y en medio de una Europa en crisis, Carrington sufrió un colapso mental y fue hospitalizada en un sanatorio en Santander, España. En sus escritos, como En Bas, narra las torturas físicas y psicológicas sufridas durante su internamiento, un testimonio perturbador de su lucha interna.Logró huir de España y, con el tiempo, llegó a México, donde estableció un hogar y construyó una segunda vida junto a su segundo esposo, el fotógrafo húngaro Emerico Weisz. En México, encontró una comunidad de artistas e intelectuales afines, entre los que se incluían Remedios Varo y Benjamin Péret. Fue aquí donde su obra se profundizó y se diversificó, adoptando motivos de la cultura prehispánica y continuando con su interés en la magia, el tarot y la alquimia.Características principales de su estiloLa obra pictórica de Carrington se caracteriza por una sensibilidad profundamente mística y narrativa. Las atmósferas de sus pinturas son introspectivas, densas, y pobladas de figuras híbridas, animales y paisajes oníricos que parecen existir fuera del tiempo y el espacio convencionales. A diferencia de otros surrealistas que buscaban liberar el subconsciente a través de lo irracional, Carrington exploraba lo oculto y lo mágico con una lógica interna que parecía responder a sus propios mitos personales.Sus obras, como The Giantess o Green Tea, presentan paletas de colores sutiles y una disposición espacial que lleva al espectador hacia un mundo alternativo. Las figuras parecen estar suspendidas entre la vida y la muerte, el sueño y la vigilia, fusionando elementos que, en otras manos, podrían ser incoherentes. Esta destreza narrativa se extendió a su prosa, donde las mismas criaturas y mundos fantásticos tomaban forma en relatos profundamente personales y transgresores.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLeonora Carrington murió el 25 de mayo de 2011 en Ciudad de México, a los 94 años. Sus últimos años los pasó en relativa tranquilidad, aunque mantuvo una postura crítica y subversiva hasta el final de sus días. Carrington rechazaba las entrevistas y se mostraba incómoda con cualquier intento de encasillarla como "mujer surrealista", refiriéndose a sí misma, en cambio, como una “persona completa”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Remedios Varo, nacida en España en 1908 y formada en un ambiente de convulsiones sociales y culturales, es una de las artistas más profundas y únicas del surrealismo. Varo no solo desafió el papel tradicional asignado a las mujeres en el arte de su época, sino que exploró, a través de su estilo onírico y místico, una combinación fascinante de ciencia, espiritualidad y el subconsciente humano. Su obra, aunque profundamente personal, resonó con las ansiedades y las esperanzas de un siglo que buscaba respuestas en la lógica y la magia, en el pasado y el futuro.Una artista entre dos mundos: origen y formaciónVaro nació en Anglès, un pequeño pueblo en la región de Cataluña, en el seno de una familia donde la ciencia y la educación tenían un lugar importante. Su padre, un ingeniero hidráulico, fue fundamental en su educación y le inculcó el rigor y la curiosidad científica que marcarían sus obras. Remedios fue una niña precoz, apasionada por la literatura y la experimentación, y a temprana edad ingresó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Allí conoció de primera mano el fervor del surrealismo, un movimiento que en España encontraba sus propios matices.En la década de 1930, el ascenso de las tensiones políticas en Europa, y en España en particular, llevó a Varo a Francia, donde se rodeó de figuras importantes del surrealismo como André Breton y Max Ernst. A pesar de ser una mujer en un círculo dominado por hombres, Varo se distinguió por su habilidad para infundir un sentido único de narración y de simbolismo en su obra. A diferencia de otros artistas surrealistas, que se inclinaban hacia la improvisación automática, ella desarrolló una metodología cuidadosa y deliberada, en la que cada elemento tenía un propósito profundo.El exilio y la transformación en MéxicoLa Segunda Guerra Mundial supuso un duro golpe para los artistas en Europa. Varo, quien había mantenido su independencia y sus principios antifascistas, tuvo que huir nuevamente, esta vez rumbo a México, que en ese momento acogía a una comunidad vibrante de exiliados europeos. Para Varo, el exilio en México fue más que una imposición; fue un renacimiento creativo. Allí encontró una cultura rica en sincretismo, donde convivían la magia prehispánica y la tradición católica. Este entorno estimulante se reflejó en su obra, que evolucionó hacia una exploración profunda de la espiritualidad, la alquimia y la ciencia. México no solo la acogió, sino que también le dio un espacio donde su sensibilidad única pudo florecer sin restricciones.En este período, Varo comenzó a desarrollar su estilo característico. Sus personajes, a menudo figuras andróginas y enigmáticas, exploran mundos imposibles llenos de artilugios mecánicos, arquitectura laberíntica y símbolos esotéricos. En obras como La creación de las aves, Mimetismo y Mujer saliendo del psicoanalista, Varo se presenta como una especie de alquimista moderna que combina conocimiento y misterio en cada pincelada.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Principales características de su obraLa obra de Remedios Varo es única en el sentido de que fusiona rigor científico y misticismo. Sus figuras, a menudo atrapadas en espacios interiores opresivos o en escenarios de ensueño, parecen ser proyecciones de sus propias reflexiones y angustias internas. En lugar de representar los paisajes exteriores, Varo se adentra en los laberintos mentales y espirituales de sus personajes.La iconografía de Varo abarca relojes, aves, espejos y artefactos que sugieren un constante flujo de energía y transformación. Sus pinturas exploran conceptos de alquimia, psicoanálisis y mitología, revelando su interés por disciplinas como la astrología y la física cuántica, temas que la obsesionaban. Así, se adelantó a su tiempo al plasmar una perspectiva holística que abordaba lo racional y lo intuitivo, lo material y lo espiritual, en un equilibrio casi perfecto.Varo también exploraba con frecuencia la idea de lo femenino como fuerza creadora, un tema que se vuelve evidente en la construcción cuidadosa de sus personajes femeninos. Sus figuras no eran la proyección erótica de la mujer que abundaba en el surrealismo masculino; eran mujeres activas, pensadoras, científicas y místicas, que exploraban y transformaban su mundo interior y exterior. En una época donde el papel de la mujer era constantemente delimitado, Varo hizo de lo femenino un símbolo de poder, conocimiento y misterio.Contexto cultural y socialEl entorno social de Varo fue sumamente complejo, marcado por dos guerras mundiales y la Guerra Civil Española. Su obra se desarrolló en un contexto de incertidumbre y transformación, donde muchos artistas encontraron en el surrealismo una respuesta a las crisis existenciales de su tiempo. Los horrores de la guerra, la opresión política y el surgimiento de ideologías totalitarias alimentaron el deseo de explorar lo irracional y de buscar respuestas más allá de lo tangible.En México, la situación fue diferente. Tras la Revolución Mexicana, el país vivía un renacimiento cultural y político, promoviendo la integración de las raíces indígenas en la identidad nacional. Aunque Varo no era mexicana, encontró en esta cultura un sentido de pertenencia y libertad que le permitió crear sin las restricciones que había enfrentado en Europa. Esta libertad dio pie a una obra que resonó en la escena artística mexicana, aunque en un espacio distinto al del muralismo dominante.La vida de Remedios Varo se truncó tempranamente. Murió en 1963, a los 54 años, de un infarto al corazón. Su repentina partida dejó una sensación de vacío, ya que su carrera había alcanzado apenas la madurez. No obstante, su legado sigue presente. Varo abrió puertas para las mujeres en el arte, al demostrar que la imaginación y la ciencia podían unirse en un acto creativo de dimensiones épicas. Su obra, aunque enraizada en su época, ha trascendido como una expresión atemporal de la búsqueda de sentido en un mundo en constante transformación. A través de su arte, Varo sigue invitándonos a explorar los recovecos del subconsciente, a ver el universo con ojos de niño, de científico y de místico.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo jueves 28 de noviembre a las 8:00 p. m., el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) dará inicio a la temporada navideña con la segunda edición de la Fiesta MAMM, un evento que combinará cultura, música y solidaridad. Los asistentes podrán recorrer las salas de exposición del museo mientras disfrutan de música en vivo a cargo de Los Cumbia Stars y sesiones de DJ.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl evento no solo promete una noche memorable, sino que también fomenta el apoyo a la institución a través de la compra de boletas, ya que la Fiesta MAMM se inspira en eventos como la Gala MAMBO o el Met Gala, funcionando como una importante recaudación de fondos. El MAMM, como organización sin ánimo de lucro, depende de sus propios ingresos, donaciones privadas y recursos gubernamentales obtenidos mediante proyectos específicos para sostener su programación y operaciones.En 2024, el MAMM ha recibido más de 135.000 visitantes y ha sido escenario de diversas actividades culturales como exposiciones al aire libre, cine, conversatorios y talleres que, según un comunicado oficial, han logrado “conectar a la ciudad con el mundo”.Las entradas para la Fiesta MAMM tienen un costo de $450.000, aunque los miembros del programa Amigos MAMM pueden acceder a un precio especial de $350.000. Este programa ofrece beneficios como entrada gratuita al museo, descuentos en cines y otras instituciones culturales. La boleta incluye una membresía anual a Amigos MAMM, un trago de cortesía, snacks y la posibilidad de solicitar un certificado de donación. Los interesados pueden adquirirlas a través del sitio web oficial del museo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Museo de Auschwitz anunció el lanzamiento de una nueva herramienta en línea que permite buscar información sobre las víctimas del campo de concentración nazi, así como detalles sobre los transportes de prisioneros al campo.Según explica un comunicado de prensa, el nuevo sitio web victims.auschwitz.org contiene datos sobre 1.187 transportes de prisioneros y 265.702 personas que se pueden consultar libremente y que son el resultado de "años de trabajo" y del análisis de "aproximadamente un millón de documentos".El director del museo, Piotr Cywiński, presentó este martes 26 de noviembre esta herramienta "dirigida a historiadores y a cualquiera que esté interesado en la historia, tanto familiares de las víctimas o de los supervivientes como personas que quieran saber un poco más de ese negro capítulo del pasado"."Recuperar y mostrar la identidad de determinadas víctimas de Auschwitz es una parte muy importante de la misión", recordó Cywiński, "porque los soldados de las SS (cuerpo militar nazi que dirigió los campos de exterminio nazis) despojaron a las víctimas de su humanidad, y además, al destruir las pruebas de sus crímenes, intentaron eliminar sus identidades".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíNo son números, "tienen nombre, rostro e historia""Para las autoridades del campo, las víctimas eran sólo números. Para nosotros, cada una de estas personas tiene su propio nombre, rostro e historia", añadió el director del museo.La herramiento digital es el resultado de años de trabajo por parte del equipo de archiveros e incluye una cronología de los transportes a Auschwitz, con información sobre el número de personas deportadas, el rango de números asignados a hombres y mujeres, y, en el caso de los transportes judíos, el número de personas asesinadas en las cámaras de gas, entre otros datos.El buscador contiene información detallada sobre las deportaciones al campo y el destino de las víctimas. Los transportes individuales se vinculan a los nombres y apellidos de los prisioneros, lo que permite a los usuarios encontrar información sobre personas específicas.Los usuarios pueden realizar sus propias búsquedas por apellido, fecha de encarcelamiento en el campo y lugar de deportación marcado en un mapa interactivo. Además, los datos sobre los transportes de prisioneros también se presentan en el mapa interactivo, que muestra los lugares de origen de las deportaciones.El sitio web también utiliza datos de multitud de fuentes, como las listas de transporte alemanas, la Crónica de Auschwitz 1939-1945 de Danuta Czech, libros conmemorativos de polacos deportados a Auschwitz y estudios académicos.No obstante, aclaran, "el pequeño porcentaje de documentos de archivo conservados significa que no se conoce a todas las víctimas por su nombre y apellido".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 7 de diciembre, el tradicional Día de las Velitas se vivirá de una forma única con el evento “Tinta Dulce: sembrar hojas, cosechar palabras”, que mostrará el universo de la coca como pigmento y destacará el potencial artístico y creativo de sus usos alternativos. Será una celebración en la que el estudio de diseño y comunicación visual Ginger Blonde invita a las familias y los habitantes de Bogotá a saber más sobre las posibilidades de la hoja de coca, mientras prueban algunas de sus aplicaciones gráficas y gastronómicas, y disfrutan de una jornada musical con Djs y música en vivo.Ginger Blonde, el estudio de diseño gráfico y comunicación visual fundado por las diseñadoras Daniela Rubio y Mónica Suárez, creó esta fiesta en alianza con la imprenta experimental Proyecto Relámpago para que personas de todas las edades conozcan las oportunidades ofrecidas por esta planta y las aplicaciones posibles para utilizarla como base de tintas naturales para acuarela, crayolas, serigrafía y textiles."Nuestro interés es que cualquier persona pueda hacer uso de esta tinta y, por eso, ponemos el conocimiento que hemos desarrollado durante los últimos tres años a disposición de quienes estén interesados en relacionarse con la coca desde sus aplicaciones creativas, de una manera diferente y acercarnos a ella desde el color", explica Mónica Suárez.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn la celebración también se podrán probar comidas y bebidas de emprendimientos bogotanos que usan la hoja de coca como ingrediente, a cargo de Joaquín Guzmán de Aperitivo Carmesí; y el helado de mambe de Selva Nevada, sabores que acompañarán una larga jornada musical en la que estarán las Djs Astrid Ávila y Cheetah Latina. Las presentaciones en vivo serán de las agrupaciones Gato ‘e Monte, Mariscos, Yoisamani y la comunidad artística de investigación que, busca rescatar, acercar y divulgar las músicas regionales, originarias y mestizas del Abyayala, Los Sikuris Suaya. La entrada será libre y la programación empieza a partir de las 4:00 p.m.“Será la ocasión para compartir con todas las personas que se han venido sumando al proyecto de Tinta Dulce”, dice Daniela Rubio, quien cuenta que próximamente lanzarán dos publicaciones con las que podrán involucrar a todas las personas en este uso alternativo de la hoja de coca.La cita será el próximo 7 de diciembre de 4:00 p.m. a 12:00 a.m. en Casa Rosa (Carrera 5 No. 24-06) con entrada libre hasta completar aforo. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el Centro Felicidad Chapinero, inaugurado el pasado 17 de octubre, tendrá lugar la IV Feria Nacional de Editoriales Independientes La vuelta, un evento para la promoción de la edición independiente y emergente, organizada por la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte y BibloRed, en alianza con la Cámara Colombiana de la Edición Independiente.Entre el 11 y el 16 de diciembre la feria contará con la participación de 66 editoriales de Bogotá y 12 de otras ciudades de Colombia. Durante los seis días se realizarán actividades, presentaciones y charlas para acercar al público a las apuestas literarias más vanguardistas y a la reflexión sobre el futuro de la cultura escrita en el país.“La Vuelta amplía las oportunidades de acceso a la cultura escrita y contribuye a la generación de nuevos lectores y lectoras, acercando a la ciudadanía a publicaciones que posiblemente no se encuentren en un mercado tradicional. Para esta edición, La Vuelta busca destacar la articulación, asociación y el trabajo colaborativo de las editoriales independientes y emergentes de Bogotá y el resto del país”, menciona el Secretario de cultura, recreación y deporte, Santiago Trujillo.La variada programación de esta cuarta edición de La vuelta incluye mesas de conversación sobre literatura infantil, juvenil y contemporánea, talleres innovadores como la escritura con imágenes y el deporte, y presentaciones de autores emergentes.Además, habrá actividades familiares con talleres y teatro, y lanzamientos editoriales en temas como el cómic y la ciencia ficción. La feria se extenderá por varios espacios, incluyendo las bibliotecas públicas de Bogotá, y comenzará con un concierto especial de apertura.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEste encuentro literario estará organizado por franjas en las que se ofrecerán actividades para todos los públicos lectores. Por ejemplo, en el espacio Leer la infancia Gabriela Ramírez, directora de la revista Cucú, especializada en literatura infantil y juvenil, compartirá su visión sobre los libros imprescindibles para los niños en la edición independiente colombiana. La acompañan los autores e ilustradores Dipacho y Amalia Satizábal.La franja Lecturas cruzadas, por su parte, abordará temas transversales de proyectos editoriales, tales como la naturaleza, la enfermedad, el cómic, la ciencia ficción y los nuevos formatos y medios. Se llevarán a cabo lanzamientos de novedades editoriales de Babel Libros, Tragaluz Editores, La Jaula Publicaciones, Revista Ex Libris, Angosta Editores, Motas Dice, Gallinaxxa y Cataplum, entre otros.En otras actividades, la programación familiar incluirá talleres para niños sobre libros con texturas y fanzines, lecturas cantadas y presentaciones de la Compañía de la Libélula Dorada y el teatro de Teatro Cría Espiritrompa. Además, la participación internacional estará representada por el escritor congoleño In Koli Jean Bofane y la escritora mexicana Verónica Gerber.La vuelta, que se realiza en el marco de la implementación de la Política de Lectura, Escritura y Oralidad de Bogotá (La LEO), tendrá un concierto inaugural abierto al público el 11 de diciembre en el Centro Felicidad Chapinero.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El nuevo edificio se llama ‘Pietro Maria Bardi’ en honor al primer director artístico del museo y se encuentra al lado de la edificación original, símbolo de la arquitectura brasileña, que ahora pasará a llamarse ‘Lina Bo Bardi’ en conmemoración a su creadora, la arquitecta italobrasileña e ícono del modernismo.El MASP original, un edificio elevado sobre unos pilares rojos que sobresale en la emblemática Avenida Paulista, es uno de los símbolos de São Paulo y se ha convertido en el punto de encuentro de todo tipo de manifestaciones, protestas y eventos culturales.La obra final, que será abierta al público a finales de marzo de 2025, cuenta con 14 pisos que alojarán cinco salas de exposiciones temporales, aulas para ampliar la oferta académica de la escuela MASP, laboratorios de conservación, restaurante, cafetería, salas multiuso y un túnel subterráneo de 40 metros que la conectará con su edificio hermano.El director del MASP, Heitor Martins, contó que este edificio es un “sueño” que comenzó hace diez años como un deseo, ya que la construcción original creada en 1968 había quedado “pequeña” para la cantidad de exposiciones y de visitantes que estaban recibiendo.Debido a limitaciones físicas, se exhibe poco más del 1 % de la colección del museo, que cuenta con más de 11.000 obras entre pinturas, esculturas, objetos, fotografías, videos e indumentaria de diferentes épocas, abarcando producción europea, africana, asiática y americana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíActualmente, relata el director, el predio pensado por Lina Bo Bardi recibe alrededor de 600.000 personas al año, y esperan que con la nueva edificación el número gradualmente aumente hasta los 2 millones de visitantes.Esta expansión hace que el museo ubicado en São Paulo “adquiera una escala compatible a la de los grandes museos de otras metrópolis, lo que refuerza la inserción de Brasil y de América Latina en ese circuito global de grandes instituciones”, comentó Martins durante la inauguración.El predio ‘Pietro Maria Bardi’ cuenta con normativas muy estrictas de seguridad, “no solo patrimonial, sino de prevención y control de incendios así como de climatización de las unidades”, explicó Martín Corullon, uno de los socios del estudio de arquitectura METRO, a cargo del proyecto.En 2025, la programación del MASP estará dedicada plenamente a la relación del ser humano con el ambiente y la ecología, y contará con una exposición del pintor impresionista Claude Monet (1840-1926), quien dedicó gran parte de su obra a retratar la naturaleza y los diferentes paisajes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
