Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Incluso en un mercado cada vez más complicado para los artistas anglosajones como el español, la estadounidense ha alcanzado, no solo el número 1 (es su cuarto trabajo que lo consigue), sino amarrar ya el doble disco de platino, lo que en España equivale a un mínimo de 40.000 copias y constituye un volumen de venta poco habitual en ese plazo.Con el récord de ventas en vinilo, solo en Estados Unidos ha conseguido vender 2,6 millones de discos, superando incluso las que cosechó recientemente con '1989 (Taylor's Version)', lo que la ha llevado a coronar las listas allí. Además, ha batido los registros históricos de reproducciones en 'streaming'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Swift también ha conseguido ser número 1 en el Reino Unido, Canadá, Australia, Alemania, Francia, Irlanda, Italia, Suecia, Noruega, Países Bajos, Dinamarca, Bélgica, Suiza y Nueva Zelanda.'The Tortured Poets Department', el undécimo álbum de su carrera, se publicó el pasado 19 de abril con colaboraciones con Post Malone y Florence + The Machine, y en medio de una gran expectación.El álbum, que gira en torno a la ruptura con el actor Joe Alwyn tras seis años de relación, "refleja eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue a la vez sensacional y doloroso a partes iguales", comentó ella misma en redes sociales después.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ya sea fácil o difícil, seguimos creando canciones porque es lo que sabemos hacer", expuso Tennant, que consideró que siempre han sido un dúo con una fuerte identidad musical, también presente en este disco.Durante la presentación del álbum, que ocurrió el pasado lunes, tanto el cantante como Lowe respondieron a preguntas del periodista del medio The Guardian Alexis Petridis y hablaron de distintos temas, entre los que destacó la actualidad musical y la nostalgia.Todo ello después de que el público asistente escuchara en exclusiva las diez canciones que componen Nonetheless algunos días antes de su estreno el viernes 26 de abril.Lo nuevo frente al pasadoEn el álbum, Lowe y Tennant presentan una propuesta con ritmos de los Pet Shop Boys de siempre, pero con inspiración que se puede considerar actual, con restos de trap y techno, e incluso un rap en algunas de sus canciones, como A New Bohemia, la favorita del vocalista.Pese a todo, Lowe aseguró que él nunca ha tenido "mucha conexión con la música pop", al contrario que Tennant, quien sí presta atención a las tendencias musicales.No obstante, señaló que conocía mucho más la escena musical de los 80 y los 90, cuando ambos formaban parte de ella, pero de la que reconoció que ya no son parte."Como artista, más o menos sientes cuándo el interés del público viene y cuándo se va", apuntó el cantante.Preguntados sobre la nostalgia del pasado, temática que se sitúa como centro de muchas de las obras artísticas actuales, Tennant indicó que incluso los años 90 fueron nostálgicos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Quizás los años 80 fueron el último período de creatividad musical", agregó el vocalista, quien se encargó de responder a la mayoría de las preguntas del periodista y del público, frente a los comentarios puntuales y matizaciones de su compañero Lowe.Un álbum de pandemiaLos artistas no solo se diferenciaron en la cantidad de respuestas, sino también en el atuendo.Mientras Tennant llevaba un 'look' más formal, vestido totalmente de negro con un pantalón liso y una camisa de pana, Lowe acudió al evento de forma más casual, con una sudadera negra, unos vaqueros, una gorra de camuflaje y sus características gafas de sol."Creo que, sin quererlo, a veces parecemos un poco arrogantes", bromeó Tennant, sobre su relación con su audiencia.Ambos artistas crearon su último álbum durante la pandemia, intercambiando letras —Tennant— e instrumental —Lowe— a distancia, un tiempo en el que ambos echaron la mirada atrás."Puede ser la edad; cuando te haces mayor, miras atrás y recuerdas personas y anécdotas", expresó.Nonetheless, álbum recorrido por la nostalgia, los recuerdos y la búsqueda de respuestas, será lanzado el próximo viernes 26 de abril, con diez canciones entre las que se encontrarán las ya publicadas Loneliness o Dancing Star.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Universal Music ha anunciado este miércoles la publicación el próximo 28 de junio de un álbum titulado Songwriter que incluirá once grabaciones inéditas de Johnny Cash del año 1993, de entre las que ya es posible disfrutar en plataformas digitales el primer anticipo, Well Alright.Según la nota de prensa, era aquel un período entre contratos para el mítico artista, que comenzó a grabar en los estudios LSI de Nashville (EE.UU.) "demos" de canciones propias que había ido escribiendo a lo largo de los años.Fue poco después cuando conoció al productor Rick Rubin, iniciando una nueva etapa en su carrera. Aquel proyecto quedó aparcado hasta que 30 años más tarde, John Carter Nash, su hijo, redescubrió los temas y se centró en limpiar todo excepto la voz de su padre y su guitarra acústica.Con el objetivo de llevar su sonido de vuelta a las raíces "y el corazón de aquellas canciones", se trabajó junto con el coproductor David "Fergie" Ferguson y músicos como Marty Stuart a la guitarra, Dave Roe al bajo y Pete Abbott a la batería.Según Universal, entre los 11 cortes aparecen "canciones sobre el amor, la familia, la pena, la belleza, la salvación espiritual, la supervivencia, la redención y por supuesto, un poco de ese típico sentido del humor por el que Johnny era conocido, todo cantado con su grave, inconfundible e inimitable voz".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Songwriter estará disponible en "streaming" y descarga así como en CD y en una variedad de vinilos, que incluyen el estándar en negro y varias ediciones limitadas en una serie de colores.Johnny Cash (Kingsland, EE.UU., 1932) falleció en 2003 tras haberse ganado el título de 'rey de la música country' por su inmensa aportación a la historia de la música a través de temas como I Walk The Line, Folsom Prison Blues o Man in Black (El hombre de negro, en español), que le reportó otro de sus más conocidos pseudónimos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su publicación ha llegado además con sorpresa: tras la filtración este pasado jueves de los 16 cortes que debían integrar el disco completo, finalmente han sido 31 las canciones que lo componen y en ellas su vida personal constituye una vez más su material favorito para construir canciones."Reflejan eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue a la vez sensacional y doloroso a partes iguales", ha comentado ella misma en sus redes después de la publicación sobre "un capítulo que está cerrado y tapiado", en el que "no hay nada que vengar ni cuentas que ajustar una vez que las heridas han sanado".Los rumores sobre el posible núcleo temático del disco comenzaron desde que la propia Swift (West Reading, 1989) reveló el título en la última gala de los Grammy, muy parecido al de un chat "online" que su ex compartía con los también actores Paul Mescal y Andrew Scott, llamado Tortured Man Club.Ese es igualmente el título de uno de los cortes destacados, en el que Swift le espeta a su interlocutor con ínfulas de escritor (cabe recordar que Alwyn coescribió en el pasado algunos temas de la cantante): Tú no eres Dylan Thomas y yo no soy Patti Smith.Asimismo, no parece casual la coincidencia geográfica entre la nacionalidad británica de su ex y la fuente inspiracional de la canción So Long, London, una de las más torturadas junto a 'Florida!!!!'. Respecto a esta, hay quien ha apuntado que ese era el estado en el que recalaba la gira The Eras Tour cuando en abril de 2023 se hizo pública la ruptura de la pareja.Los reproches prosiguen en uno de los temas potencialmente más radiables de esta hornada, My Boy Only Breaks His Favorite Toys (en español, mi niño solo rompe sus juguetes favoritos), en el que la artista anuncia el momento en el que se da por vencida en una relación que no prospera: "Abandono lo de construir castillos que él destruye".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los temas sorpresa que han aparecido a las dos horas de su hora oficial de publicación se encuentran los que debían integrar como extras las cuatro ediciones especiales del disco, esto es, The Black Dog, The Albatross, The Bolter y The Manuscript, que cierra las más de dos horas de música.El desamor va cubriendo conceptualmente todo el álbum y, con él, la melancolía se hace fuerte, pero sin desesperación ni en sus palabras ni en sus formas, más bien aceptación, con espacios para la ironía y el sarcasmo en cortes como The Smallest Man Who Ever Lived o I Can Do It With a Broken Heart.Es ese, casi al final, uno de los pocos alivios de "bpm" acelerados y ochenteros que se pueden encontrar en este The Tortured Poets Department, marcado por la densidad emocional de las canciones, coproducidas por la autora junto a su inseparable Jack Antonoff.Bajo su criterio, sintetizadores y arreglos electrónicos sustituyen en gran medida a las texturas orgánicas que acompañaban la melancolía que también impregnó trabajos previos como Evermore o el previo Folklore, ambos de 2020. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Taylor Swift (@taylorswift) En medio de todo ello, de vez en cuando afloran atisbos de la Swift de la época "country", como cuando recupera el ukelele y viejas estructuras melódicas de entonces, véase en la dinámica y larga But Daddy, I Love Him!.Mención aparte merecen las dos colaboraciones de este álbum que se ha publicado sin carta de presentación previa: por un lado Post Malone en el inicial Fortnight (en el que queda relegado vocalmente a una labor más de acompañamiento) y, por otro, Florence + The Machine en la catártica Florida!!!!, con una relación vocal más compensada entre las dos intérpretes.Con The Tortured Poets Department ya en la calle, Swift iniciará en París los días 9, 10, 11 y 12 de mayo el tramo europeo de su 'The Eras Tour'. Serán medio centenar de actuaciones hasta el final el 20 de agosto en el estadio de Wembley de Londres, con paradas como las del 29 y 30 de mayo en el remozado estadio Santiago Bernabéu de Madrid.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Volver, Por una Cabeza y El día que me quieras de Carlos Gardel; Cambalache de Enrique Santos Discépolo y Malena de Lucio Demare son algunos de los icónicos tangos que serán interpretados por la cantante Natalia Bedoya el próximo 18 de abril en Smoking Molly en el centro de Bogotá. Desde las 9:00 de la noche, este escenario busca ser un viaje emotivo y poético a través de los clásicos del tango, un género musical que, a pesar de surgir hace más de 140 años, sigue presente. A Bedoya, se suma la interpretación en el escenario del Quinteto Leopoldo Federico conformado por el bandoneonista Giovanni Parra, el pianista Alberto Tamayo, el contrabajista Andrés Almanza y el violinista Daniel Plazas.La combinación de la voz de Natalia y el quinteto presenta en este espectáculo el resultado de un trabajo conjunto de más de trece años. Esta colaboración inició cuando, en 2011, se reunieron para presentar innovadoras fusiones de jazz y tango en el show Martini Blues Cabaret.Años más tarde, Bedoya participó en el disco Quinteto con voz, nominado a los premios Grammy Latino en 2019. En 2021 lanzaron el álbum Nostalgia, grabado durante la pandemia, en el que además de continuar con la colaboración artística, sentaron las bases del repertorio que ahora se presentará. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para Bedoya es fundamental acercar al público a conciertos, al tango y a ritmos de antaño, pues considera que “estamos en una crisis musical, tanto los artistas como los oyentes derivada del mercado, de lo que abunda en las plataformas”. La artista explica que desde Nostalgia el repertorio que presentará en el espectáculo ha evolucionado, “hemos interiorizado la interpretación, añadido nuevas canciones que no están en el álbum” y considera que es un proceso en constante evolución. En ese mismo sentido, y en su estrecha relación con el tango, presentará la canción de su autoría No hay una noche en que yo no te llore, co-creada por Bedoya y Parra. Esta pieza, que surge desde la última ruptura amorosa de Natalia, previa a su actual relación, ofrece una mirada contemporánea del tango que, a la vez, permanece fiel a sus raíces emocionales y culturales. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por 🎙NATALIA (@nataliabedoyaoficial) “Para mí el escenario es un estilo de vida, con el cual sigo comprometida” afirma la artista que además le contó a la HJCK que el siguiente nivel de este espectáculo será llevarlo a un musical. Después de la presentación de este 18 de abril, llevará su espectáculo al centro comercial Salitre Plaza y en octubre estrenará “El día que me quieras”, el musical con el que seguirá rindiendo un homenaje al tango a través de su interpretación. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La nueve veces ganadora de un Grammy publicó en sus redes sociales que está "nerviosa" y "emocionada" por el anuncio y compartió una fotografía de lo que será la portada de dicho material.En ella se ve a Eilish sumergida en agua, mientra una puerta blanca se abre frente a ella. "Es tan loco estar escribiendo esto ahora mismo estoy nerviosa y emocionada, no estoy haciendo sencillos, quiero dárselos todo de una vez", escribió en Instagram la cantautora nacida en Los Ángeles.Eilish también aseguró que tanto ella como su hermano, el productor y compositor Finneas O'Connell, no podían estar "más orgullosos" de su trabajo en este disco.Previamente a Hit Me Hard and Soft, Eilish había presentado Happier Than Ever en 2021. Gracias a su segundo disco obtuvo ocho nominaciones a los Grammy y un año más tarde obtuvo su primer Óscar por el tema No Time To Die, de la película homónima protagonizada por Daniel Craig.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No obstante, la cantante de 22 años ha seguido vigente desde entonces y en 2023 volvió a colocarse en la industria cinematográfica gracias al tema What Was I Made For? que compuso junto a su hermano para la cinta de Greta Gerwig Barbie. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por BILLIE EILISH (@billieeilish) El tema le valió su segundo Óscar, además de su segundo Globo de Oro, y la hizo merecedora del Grammy a canción del año y a mejor canción escrita para un formato audiovisual en la última edición de dichos premios.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa la revista Billboard, la cantante ha conseguido esta semana además su octavo número uno en las listas de ventas con este álbum que fue lanzado el pasado 29 de marzo bajo el título genérico de "Act II: Cowboy Carter", como continuación del anterior titulado 'Renaissance'.El disco ha debutado, según la revista especializada, en el número 1 tras lograr la venta de 407.000 unidades de álbumes en Estados Unidos en la semana que finalizó el 4 de abril.Se trata del octavo número uno de un álbum de la artista en el Billboard 200 y también ha supuesto un récord de ventas en lo que va de año, solo superado en noviembre de 1989 cuando Taylor Swift logró entrar directamente en el top de la lista tras vender 1,6 millones de unidades.Según la revista especializada, la intérprete de "Single Ladies" también cuenta con otro récord en el mundo de la música, al convertirse en la primera mujer afroamericana en encabezar la lista de mejores álbumes country, que se creó en 1964.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Y ha protagonizado la semana de mayor éxito para un álbum de música country por unidades vendidas desde julio pasado, cuando "Speak Now" (Taylor's Version) de Taylor Swift, abrió en el número 1 en la lista del 22 de julio de 2023 con 716.000 unidades.La lista Billboard 200 clasifica los álbumes más populares de la semana en los EE. UU. según el consumo medido en unidades de álbumes equivalentes y compilado por la empresa Luminate.En su cuenta de Instagram, Beyoncé explicó tras la publicación del nuevo trabajo que llevaba más de cinco años preparando este álbum, que nació de una experiencia en la que no se sintió "bienvenida" pero que provocó que se metiera más en la historia de la música country.La cantante de Texas, de 42 años, aseguró que las críticas que recibió le impulsaron a superar esas limitaciones, de tal forma que el disco es el resultado de un desafío a sí misma.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hacerlo con música autóctona puertorriqueña, eso es un gran logro, todo lo que se tocó ahí fue bomba fusionada, pero con todos los elementos, respetando todos los elementos tradicionales", revela Héctor Barez, conocido como Coco, quien fue percusionista del famoso grupo Calle 13.Coco ya había actuado con la banda musical Bio Ritmo y con el cantante colombiano Maluma en la plataforma, sin embargo, confiesa que "es bien loco" estar en Tiny Desk con sus propias composiciones y "creando comunidad".El género puertorriqueño de la bomba, que está en auge, nació entre los esclavos y surgió del sincretismo de la cultura taína, africana y española con más de 21 ritmos, entre ellos los más conocidos son sicá, seis corrido, holandé, cuembé y yubá.La bomba, presente en nuevas plataformasTiny Desk es una serie de conciertos organizados por el programa de radio All Songs Considered de NPR Music y, junto a Global Fest, ha lanzado esta semana una edición especial destacando a tres artistas que participaron en el festival.Este proyecto de Tiny Desk y Global Fest ha lanzado vídeos de la artista sudafricana Thandiswa Mazwai y las catalanas Tarta Relena, además del de El Laberinto del Coco.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Laberinto del Coco, un grupo de 14 músicos, publicó su primer álbum en 2017 compuesto de 13 temas, entre ellos 'Llegale', 'El Dilema' y 'Plere María'.En Tiny Desk, tocaron 'Se vuelve miel', 'El silencio', 'Todo va a estar bien', 'La Bambula' y un tema de Jerry Medina que se llama 'Canción de repertorio' y relata su trayectoria desde 'Batacumbele'."El estar en el Tiny Desk creo que nos va a abrir unas puertas que las vamos a tratar de aprovechar al máximo", asevera Coco."Ahora no podemos parar. Ahora empieza el verdadero trabajo", asegura el artista, que creó el grupo porque consideró que la bomba debía estar "en un espacio donde se aprecie mejor" y llegar a más público.El reto de ser 14 integrantesCoco cuenta que uno de los desafíos que tiene la agrupación es la cantidad de músicos que forman parte de ella. "No estás empleando a tres (personas), estás haciendo un cambio social, el que nos contrate está haciendo un cambio social", sostiene el percusionista, que pide que los promotores apuesten por el talento de grupos más grandes.Sus miembros son Efrain Martínez, Jorge Andrés Ferraras 'Patillaz', Manuel Kike Rodríguez , Jerry Medina, Soreimi Bezares, Héctor 'Coco' Barez, Kianí Medina, Chamir Bonano, el percusionista Ándres 'Kino' Cruz, Antoinette Rodríguez, el trombonista Jomar Santana, Daniel Ramírez, Luis Fra Colon y la saxofonista Janice Maisonet."Hay muchas propuestas, y entiendo que si nosotros ya estamos encaminados, lo que viene detrás es un tren", dice Coco, haciendo referencia al auge de la bomba puertorriqueña y de grupos como Bombava, Bomba Evolución, el Junte Loiceño, Belele, Afrikataal, Son del Batey y Bomba pal pueblo."Es una misión de que nuestra música autóctona de ascendencia africana, tiene que estar presente. Ese es el futuro, ir por ahí con el machete en mano abriendo camino para los que vienen y dejar ese camino por ahí plasmado", sentencia.El Laberinto del Coco se presentó en enero de 2024 en el Lincoln Center de Nueva York para la convención APAP, en Drom NYC, en el marco del Global Fest. Actualmente, se prepara para una gira por Estados Unidos, donde actuará en siete ciudades del país.En mayo estarán en Pittonkatonk Festival en Pensilvania, en junio en el Festival Internacional de Artes e Ideas de New Haven en Connecticut, en Big Sky y Butte en Montana, en Los Ángeles y Oakland en California y en agosto en Orlando, Florida.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cimarronaje moderno llega al Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en el centro de Bogotá, con la potencia musical de Rocca. Por primera vez en este escenario el rapero y productor franco-colombiano Sebastian Rocca, reconocido en el país por su etapa como integrante de la banda Tres Coronas, presentará su nuevo álbum Cimarrón.La elección de la Sala Delia Zapata para el estreno de esta producción discográfica no es casualidad. Para Rocca, actuar en este centro, que lleva el nombre de una maestra e investigadora de nuestras tradiciones, tiene una carga simbólica significativa.Acorde con el lugar, está la temática del álbum que surge de una profunda reflexión alrededor de las historias de los esclavizados africanos que escaparon para establecerse en palenques. Bajo la idea del cimarronaje, estas comunidades construyeron bastiones de resistencia contra el sistema colonial y territorios que fueron sinónimo de libertad.“Empecé a estudiar sobre el cimarronaje moderno. Me pareció gracioso ver que los medios nos identifican a nosotros (al movimiento hip hop) como una tribu urbana, pero luego pensé: ‘pues sí, soy de una tribu urbana’. Yo armo mi palenque, lo que quiere decir que estoy haciendo un acto de resistencia a la represión o a un sistema que no me conviene”, explica Rocca.“Me di cuenta que, ese acto de resistencia ancestral, uno lo puede equiparar a situaciones que estamos viviendo hoy día. Empecé a adaptar la palabra cimarrón a lo que yo estoy viviendo espiritual, social y musicalmente”, dice el artista.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El álbum comienza con una oración, con la cual el artista proclama su fe en la religión Yoruba. Luego suenan 16 canciones que exploran el cimarronaje moderno desde distintas perspectivas, mientras la percusión, elemento ancestral y primigenio, actúa como el hilo conductor del disco.La versión que interpretará en el Delia será en español, pues también existe la edición en francés. Para llegar a Cimarrón se grabó durante más de dos años entre París, Francia y Colombia. La producción y la mezcla de este trabajo fue análoga, una decisión que va en línea con la resistencia del artista frente a las dinámicas contemporáneas de la industria musical. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por ROCCA (@roccaeloriginal) Esta obra representa una fusión de dos mundos musicales, liderada por los productores Dj Duke y Rocca, una alquimia musical única que quedó plasmada en el disco pese a la trágica pérdida de Dj Duke durante la última etapa de mezcla. Al juntar el sonido del rap hardcore con las texturas modernas y los ritmos místicos de las percusiones colombianas y afrocubanas Yoruba, Cimarrón ofrece una experiencia sonora enriquecedora y diversa.El disco trasciende las fronteras del hip hop, aunque al mismo tiempo junta lo ancestral y el presente en un mensaje de resistencia que tiene como principio la independencia y la libertad. Su propuesta musical, única y atemporal, se destaca por su rechazo a las tendencias contemporáneas del mainstream, mientras celebra las profundas herencias que conforman la cultura latinoamericana.Rocca explica que el concierto de lanzamiento pudo ser en cualquier tarima, pero que hacerlo en la Sala Delia Zapata tiene un significado especial. "Me pareció perfecto para este tipo de música, donde estoy rindiendo homenaje a los pueblos en resistencia de América. Y, como suelo decir, Eleguá (dios Yoruba) es el que abre y cierra los caminos... y me está abriendo el camino con Delia Zapata", concluye.La cita es el próximo sábado, 20 de abril, a las 7:30 p. m. en el Delia Zapata, ubicado en la calle 11 #5 60 de Bogotá. El ingreso será con boletería disponible en Tu Boleta, para mayores de 10 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su primera entrevista sobre las causas de su repentina salida del cargo, Dudamel dice que "llegó un punto en el que no tenía tiempo material para digerir todo lo que sucedía a nivel profesional" y "a nivel personal"."No era feliz, y en el fondo creo que esa fue la razón esencial", añadió.Sus múltiples compromisos internacionales, y su deseo de pasar más tiempo con su familia son citados por el afamado director, de 43 años, actualmente a cargo de la Filarmónica de Nueva York.Pero Dudamel reconoce que hubo divergencias en el seno de la orquesta de la Ópera de París, con la que tenía previsto realizar una gira en abril de 2023.Los desacuerdos laborales entre la dirección y los miembros de la orquesta sobre esa gira fueron "quizás la gota de agua que hizo desbordar el vaso", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Hay mucha gente, con buenas intenciones" en la Ópera de París, una "casa enorme", explicó."Personalmente tuve la sensación de que no podría realizar mis ambiciones artísticas", explicó.A pesar del cierre de esa etapa artística, Dudamel elogió la calidad artística del proyecto parisino. "Siento un gran amor, una admiración por una (...) institución extraordinaria", asegura.Dudamel protagonizará con la Filarmónica de Nueva York dos conciertos en la Filarmonía de París el 30 y 31 de mayo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.