Cavani, de 90 años recién cumplidos, celebró esta "sorpresa bellísima" por parte de un certamen en el que ha participado en numerosas ocasiones, desde su documental "Philippe Pétan: processo a Vicchy" (1965) hasta las biografías de San Francisco de Asís (1966) o "Galileo" (1968).Por su parte, Tony Leung, de 60 años, también celebró el premio de una Mostra en la que trabajó para tres películas triunfadoras con el León de Oro: "Ciudad doliente" (1989) de Hou Hsiao-hsien, "Cyclo" (1995) de Tran Anh Hung y "Lust, caution" (2007) de Ang Lee."Me siento sorprendido y honrado ante la noticia de la Bienal de Venecia. Comparto idealmente este premio con todos los cineastas con los que he trabajado, porque también es un homenaje a todos ellos", afirmó el actor en un comunicado.El director de la Mostra, Alberto Barbera, justificó estos Leones de Oro a la Carrera por la importancia de los trabajos de ambos galardonados para el cine y para este certamen internacional, el más antiguo y uno de los más prestigiosos del planeta.Barbera dijo que Cavani fue "una de las protagonistas más emblemáticas del nuevo cine italiano de los Setenta" y una "artista polivalente capaz de frecuentar la televisión, el teatro o la música lírica con el mismo espíritu no convencional y la misma inquietud intelectual"."La suya siempre fue una visión anticonformista, libre de pretextos ideológicos y desvinculado de condiciones, movido por la urgencia de la búsqueda continua de una verdad escondida en las partes más escondidas y misteriosas del alma humana", escribió.Por otro lado, celebró al hongkonés, Mejor Actor en Cannes por "In the mood for love" (2000) de Wong Kar-wai, como "uno de los intérpretes más carismáticos del cine contemporáneo" cuya "excepcional carrera fue capaz de adaptarse paralelamente al desarrollo del cine a nivel internacional y global".La 80ª edición del Festival de Cine de Venecia tendrá lugar entre el 30 de agosto y el 9 de septiembre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El reciente festival de Málaga premió a Barbuy (37 años) con el galardón a la mejor película iberoamericana y a la mejor dirección. "Diógenes" concursa esta semana en el festival Cinelatino de Toulouse.Rodada en blanco y negro, la película narra la dura vida en aislamiento de un indígena quechua con sus dos hijos en plena sierra, cerca del pueblo de Sarhua. Diógenes, interpretado por un vecino de la localidad (Jorge Pomancachari), pinta imágenes en tablillas de madera que malvende en el pueblo.Parco en palabras, Diógenes solamente revelará su tragedia íntima a través de una vigas que ha pintado en su humilde choza. En esa pintura unos hombres encapuchados asaltan con rifles un pueblo."Si uno viaja a Sarhua puede encontrar realidades muy parecidas a las que hemos visto [en la película], y tradiciones que pueden tener cientos de años. Y las pinturas hacen parte de una tradición muy antigua que en quechua de alguna manera quiere decir 'el registro de la memoria'", explicó en Toulouse el director.La inspiración de Martín ChambiDe ritmo lento, de composición muy cuidada, la película es una colección de retablos fotográficos, de personajes y paisajes que hipnotizan al espectador."Diógenes" se inspira del trabajo de fotógrafos documentalistas como Martín Chambi (1891-1973), peruano de origen quechua que retrató durante cuatro décadas a los indígenas en su estudio. Inspirado por Rembrandt, Chambi es reconocido en la actualidad como uno de los nombres más importantes de la fotografía latinoamericana en el siglo XX.Tan importante era la imagen en "Diógenes", que Leonardo Barbuy decidió apelar a dos directores de fotografía: Musuk Notte, peruano, y Mateo Guzmán, colombiano.Un final abiertoLa sierra de Ayacucho fue escenario durante décadas de la violencia del grupo armado de inspiración maoísta Sendero Luminoso, que arrasó con las comunidades indígenas que se negaban a colaborar.El espectador intuye que el drama de Diógenes tiene algo que ver con esa situación, pero Barbuy lo deja todo en suspenso. "Es alguien afectado por ese periodo de violencia", explica sucintamente a la AFP.La película es enigmática, cargada de simbolismos que el espectador debe interpretar a su manera. "Para mi realmente es importante dejar esas respuestas abiertas, de modo que los espectadores puedan armar finalmente qué paso con la madre" de los niños, explica el director. "En un pueblo como Sarhua cuando una persona se aísla, especialmente si ese aislamiento está vinculado con un acto de violencia, el pueblo le coloca un estigma. Ese estigma es una maldición", explica.Sin luz, ni agua corriente, ni gas, Diógenes y sus chicos viven miserablemente. En la oscuridad de la noche se cuentan viejas leyendas prehispánicas. Fueron cinco años de viajar a Sarhu para convencer a los pobladores de participar en la película."Hacíamos talleres de actuación. Y ahí destacaron los niños", explica, en alusión a los dos hijos de Diógenes, Gisela Yupa y Cleiner Yupa, primos hermanos en la vida real.Barbuy quisiera ahora explicar su propia historia, la relación con su propio padre. "Soy de Lima. Cuando yo nací mi padre tenía 60 años. Nunca pude vivir con él. Siempre pensé que si hubiera vivido con él hubiera muerto. Era alguien que no ponía límites, ninguno. Yo estuve muy cerca de la muerte, muchas veces, jugando en las calles", explica.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Su ópera prima, "La hija de todas las rabias" se proyectó en el reciente Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos de Ginebra: es el primer largometraje de ficción dirigido por una mujer en el país. En la ciudad helvética, Baumeister manifestó su esperanza en que en la próxima década puedan producirse películas interesantes en Nicaragua, aunque reconoció que la actual situación sociopolítica del país complica el futuro de la industria.De hecho, “La hija de todas la rabias” aún no se ha podido ver en Nicaragua, donde “hay muchas iniciativas que no están encontrando un territorio fértil para crecer en el terreno cultural", indicó su directora, nacida en Managua en 1983 y actualmente residente en Ciudad de México.En opinión, esto tiene que ver con la existencia de "una agenda discursiva que está completamente manejada, que es bastante homogénea y que está teniendo un gran impacto en la cultura al acallar numerosas voces". Por ello, alude al carácter político de su film y afirma que, para alguien que hace películas, es importante poder decir lo que se piensa y lo que se defiende en ellas, para convertirlas así es "expositores" de algunas realidades que no son habitualmente mostradas.Una odisea en el mayor vertedero de Nicaragua En su película, Baumeister explora un territorio de pesadilla que la marcó durante su infancia y su adolescencia, el vertedero de La Chureca. Este enorme basurero de casi 42 hectáreas es uno de los más grandes de Centroamérica, y en él viven las dos protagonistas de esta ficción, Lilibeth y María, una madre y una hija que se dedican a la comercialización de desechos que recogen en el vertedero.Tras una serie de acontecimientos enmarcados en un escenario de protestas en el país, Lilibeth se ve obligada a abandonar a su hija en una factoría donde se somete a los niños a trabajos forzados. “La hija de todas las rabias’ centra su atención en una relación entre una madre y una hija y en cómo la segunda tiene que hacerle frente a la desaparición de su progenitora con su imaginación y su resiliencia”, explica la cineasta.Baumeister ve en esta odisea de la joven protagonista un reflejo de las distintas crisis globales que atraviesan Nicaragua y otros países del mundo, como la crisis climática o el trabajo infantil.Éxito sin fronteras ni edadesPrecisamente por esos enfoques, la película ha participado en un festival, el de Ginebra, que siempre combina cine y derechos humanos, aunque no es el primer certamen en el que ha estado presente el film.Antes ha pasado por casi una treintena de festivales en todo el mundo, algunos de ellos tan prestigiosos como Toronto o San Sebastián. “Siento que la película está teniendo una buena recepción entre la gente más mayor en Europa” afirma Baumeister, que liga el éxito del film en este tramo de edad al vínculo ideológico y sentimental del mismo con la Revolución Sandinista.Otro asunto generacional, en este caso el tema del medioambiente, acerca el mensaje de la película a los más jóvenes.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La adolescencia masculina sin la referencia de un padre, la delincuencia y la violencia son temas recurrentes en varias cintas colombianas contemporáneas, como es el caso de "Los reyes del mundo", de Laura Mora, "Un varón", ópera prima de Fabián Hernández, o "El Edén", Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes, rodada por Andrés Ramírez Pulido.Segunda cinta de la realizadora Laura Mora, premiada con la Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián, "Los reyes del mundo" narra ese tumultuoso paso a la edad adulta siguiendo los pasos de un grupo de chicos, como sucede con "El Edén". Mora cuenta el viaje de un grupo de jóvenes que siguen los pasos de un amigo, dispuesto a reivindicar un trozo de tierra de su abuela."El Edén" es la experiencia casi onírica de un grupo de menores delincuentes atrapados en la selva tropical, en un centro de reeducación experimental. "En los últimos veinte años hemos presenciado una producción muy bien estructurada, talentos bien acompañados, toda una política cinematográfica en Colombia", explicó a la AFP Eva Morsch Kihn, coordinadora de la programación de ficción del festival."Lo que nos indicó que había llegado el momento de hablar de ello es la presencia casi sistemática en los últimos tres o cuatro años de películas colombianas en grandes festivales, lo que es un barómetro a varios niveles de ese éxito", añadió.Peligrosa infancia en Medellín"Para nosotros es muy importante todos los espacios de visibilización de esta película, antes de ir al Festival de Cartagena" para su presentación nacional, explicó en entrevista telefónica Fabián Hernández, autor de "Un varón".La cinta narra los recuerdos personales de este cineasta que vivió una peligrosa infancia en las calles de Medellín. "La violencia yo la tuve muy cerca en ese momento de mi vida. Tuve un momento decisivo, ocurrió en una noche, y yo pude perfectamente haber sido un chico como Carlos [protagonista de "Un varón"], como uno de los tantos que estaban ahí, que han muerto o no", explicó.En total, el festival Cinelatino ofrecerá casi 130 películas, entre ellas 11 largometrajes de ficción y siete largometrajes documentales que competirán por distintos premios.El certamen también se fijará en la producción brasileña a través de la selección "Brasil, cine y política" y se acercará al trabajo de actrices y realizadoras, entre las que destaca la chilena Manuela Martelli, actriz, directora y guionista de éxito precoz.Cinelatino debe reunir este año a más de 80 cineastas y 150 profesionales, según la organización. Además de las proyecciones, el festival ofrece en paralelo actividades de animación dirigidas al gran público como cursos de tango o conciertos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Nido Acústico es el espacio del Festival Internacional de Cine de Cartagena (FICCI) diseñado para unir la música y la industria audiovisual con la participación de grandes artistas. Para esta edición, la artista colombo canadiense Lido Pimienta, quien estará presente en la quinta edición de La Convención de la Industria Audiovisual Colombiana gracias al apoyo de la Embajada de Canadá en Colombia."Lido nos guiará a través de un viaje íntimo, que comenzó en su natal Barranquilla y que unida a sus vivencias como inmigrante en Canadá desde 2012, al mudarse con su familia a Ontario, la transformó a tal punto que irrumpió la escena Indie con su álbum Color. Pimienta dejó ver ese espíritu guerrero de una latina y su manera inigualable de resistir a las normas impuestas por la sociedad. Esa originalidad, la llevó a que la discográfica estadounidense KUDETA publicara éste disco y de ahí en adelante, la compositora, curadora de arte y productora musical nos trajera mar adentro de la cultura afro colombiana y Wayuu que corren por sus venas" destaca el comunicado oficial del festival.En Toronto, ciudad donde reside actualmente, concibió su segunda producción Papessa (2016) producida por ella misma y con la que ganó en los Premios Polaris en 2017, uno de los galardones más importantes de la industria musical canadiense. “Una colección de historias que me han sucedido desde 2010. Es una historia de crecimiento. Una historia de separación del papá de mi bebé y mi mudanza a la gran ciudad con un niño pequeño. Sin conocer a nadie en Toronto, empezar de cero. Tenía un hijo de cuatro años de edad y tenía que ver cómo me mantenía en una ciudad muy cara. En cuanto nos habíamos ido de gira con Tribe, dije: “OK, vámonos al estudio. Ya lo vamos a hacer. ¡Estamos listos!” Y aquí está. ¡Necesitaba sacármelo de adentro, hermana!”, expresó Pimienta.El evento será un diálogo sobre las normas que se imponen en la sociedad y en especial a las mujeres racializadas en la escena musical e industrias creativas en una conversación junto a la periodista Simona Sánchez. Además "También podremos compartir las letras de su proyecto Miss Colombia (2020), en el que demostró la autenticidad en todo su esplendor. Los colores, sonidos vibrantes y confirmando que lo genuino es parte inherente en ella (...) a través de sus loops basados en los cantos indígenas, beats afrocolombianos y letras contestatarias desplazadas en su voz potente, con el fondo del artardecer y de la arquitectura colonial de Cartagena" destaca el FICCI.La edición número 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena se realizará del 22 al 27 marzo. Para conocer su programación puede consultar su página web. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La actriz caleña Juana Acosta recibirá el Premio Especial Trayectoria Internacional en la Industria Audiovisual en el marco de la edición número 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena (FICCI), en la ceremonia de los Premios India Catalina de la Industria Audiovisual en su versión 39."Enamorada del cine desde muy niña, su impulso actoral saltó rápido a moverse permanentemente entre los escenarios y las pantallas, encontrando en el lenguaje cinematográfico un vehículo de expresión, una ventana del mundo, un espejo del inconsciente colectivo y una forma de arte que nos permite descubrirnos y explorar la condición humana", asegura el comunicado oficial. "Para mí es un inmenso honor recibir este reconocimiento de uno de los Festivales más importantes de cine de Latinoamérica, ser homenajeada en mi tierra es un estímulo para seguir trabajando, un impulso para seguir creyendo que podemos cumplir nuestros sueños si avanzamos con amor y respeto", declaró la actriz.“Decidí estudiar Bellas Artes pero siempre tuve pasión por la interpretación, soñaba con hacer cine, con trabajar con grandes directores, con viajar por el mundo contando historias que ayudaran a remover consciencias.”, cuenta la actriz al explicar y recordar su atracción inicial por el mundo de la actuación y la danza.Su primer maestro fue Alfonso Ortiz en Bogotá, quien abrió un camino que años después pudo completar y profundizar en la escuela de Juan Carlos Corazza en Madrid, por él se mudó a España. Quería formarse y adquirir herramientas de trabajo, pero la vida la sorprendió porque como ella misma lo expresa: “Pasó fue que me enamoré profundamente de este oficio que me salvó la vida.”Comenzó a trabajar en televisión y cine en Mascarada (1996) y Kalibre 35 (2000), proyectos que la impulsaron hacia un camino en el arte que le ha permitido desarrollarse a muchos niveles en lo artístico y lo humano. Cada una de sus experiencias a nivel actoral están vinculadas a lo instintivo e intuitivo. Todo comenzó desde la curiosidad y "unas ganas de aprender que la empujaron hacia la lucidez para seguir profundizando, siempre desde el respeto por el trabajo y su aproximación a él con seriedad y hondura".El galardón que se le otorgará a la actriz por su carrera en la industria de más de veinte años el próximo 26 de marzo, será además la primera vez que el Festival entregue una distinción en los premios India Catalina. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tacho llegó al filme desde una asociación de vecinos en lucha contra una compañía minera que está destrozando sus tierras, explicó este martes el director en una rueda de prensa tras la proyección de la cinta en el Festival de Málaga (sur), donde compite.Nada más verle, Kaiser supo que ese septuagenario, su rostro surcado de arrugas, ennegrecido de vivir al aire libre entre sus ovejas y las plantaciones de maíz que apenas le dan para vivir, era "su" Tacho.Una prueba simple, al improvisar sobre la hija muerta del personaje, sobrecogió al equipo por su intensidad y sus lágrimas; Eustacio y su mujer también habían perdido una hija. Analfabeto, el proceso para recordar el papel pasaba por la intermediación de su esposa.La película, dijo el joven director mexicano, admirador de Pedro Almodóvar, habla "de la energía masculina y de cómo se debe usar (..), y de las terribles consecuencias de hacerlo de forma incorrecta".Aborda la violencia contra las mujeres, un tema tan complicado, reconoce el director (en México se notifican diez crímenes machistas al día), pero "desde una perspectiva que intentamos cuidar para que no fuese política, coyuntural o provocadora, sino más bien una experiencia más sensorial o emotiva. "Más desde el sentimiento y menos desde la cabeza", añade.La película tiene un componente profundamente social porque, como apuntó la productora Alba Sotorra, es imposible que no lo tenga una cinta mexicana. "Zapatos rojos" empieza con un "prólogo", dice Kaiser, donde un coche transporta a una mujer joven que lleva en el regazo unos tacones de fiesta de color rojo. Su mirada reposa en la ventanilla, ausente. El siguiente plano sigue a un anciano granjero que recolecta maíz muy despacio y lleva una vida sencilla y apartada.Un correo le dice que debe ir a la ciudad para hacerse cargo de los restos de su única hija, su esposa también hace poco que le dejó. Ese viaje a la urbe es un choque brutal para el anciano que, por casualidad, se topa con una chiquita, una superviviente con aparente mejor suerte de la que tuvo su hija.Esta película retrata la vida de estos lugares perdidos en el desierto, como el territorio de El Ejido donde vive Tacho, al que se llega tras dos horas de avión y siete de camino sin asfaltar y donde no hay ni señal de celular. También están ahí la burocracia, la inhóspita convivencia de la ciudad, el "no ponerse en el lugar del otro", abunda Kaiser, el miedo o la violencia -mucha, aunque apenas se ve, solo se sabe-.La productora, responsable de cintas como "El otro Tom", ganadora del último festival de cine iberoamericano de Huelva, denuncia que en México no hay cuota de exhibición "por lo que este cine nuestro no tiene hueco frente a 'Transformer 15'". Aún así, se compromete a "salir con 50 o 60 copias".Y como no hay cines, "lo llevaremos a los pueblos con Ecocinema, una furgoneta con una pantalla inflable y energía solar para mostrarla en los pueblos donde se rodó, al menos. Son proyecciones maravillosas en la plaza del pueblo con todos los habitantes implicados".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El BFI explicó hoy en un comunicado que Matheson ingresa en este organismo, después de su última etapa como responsable creativa del Festival Internacional de Cine de Edimburgo y, anteriormente, como directora de cine del museo australiano de la imagen (ACMI)."Los festivales ofrecen a los realizadores, artistas y audiencias un espacio de comunión conjunta a gran escala para experimentar ideas, plantear cuestiones y celebrar juntos", destacó Matheson en la nota.Subrayó que el Festival de Cine de Londres y el Flare representan "lo mejor de ese espíritu" al "explorar en profundidad el cine británico y global" y "cuidar de los nuevos talentos"."Me siento honrada y emocionada por unirme a este equipo, por trabajar codo con codo con colegas que son líderes en sus campos y por aportar pasión para conectar con las audiencias en toda la cultura de la pantalla", declaró Matheson.Según el BFI, la nueva directora de festivales tomará las riendas del Festival de Cine de Londres el próximo octubre y del Flare en la edición de 2024.Su director de programación y audiencias, Jason Wood, confesó estar "impresionado" por la "pasión y conocimiento de Kristy" por la cultura del cine y el papel que desempeña este "para conectar a la sociedad"."El Festival Internacional de Edimburgo de 2022 fue un éxito increíble y Kristy lo convirtió en un certamen amplio en perspectiva y muy inclusivo. Su visión sobre festivales más sostenibles concuerda completamente con la dirección estratégica del BFI", agregó Wood.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Muy conocido por su personaje en la serie televisiva "Everybody Loves Raymond", Romano, además de dirigir esta comedia, es el protagonista junto a Laurie Metcalf y escribió el guión con Mark Stegemann. Su presencia este viernes en la proyección con la que se levantará el telón del certamen está confirmada, según la universidad Miami Dade College, que es la impulsora y organizadora de esta iniciativa cultural.El programa de la 40ª edición incluye más de 140 largometrajes, documentales y cortometrajes de todos los géneros, procedentes de más de 30 países, entre los cuales hay una docena de estrenos mundiales y siete estrenos en Estados Unidos.Los premios en juego suman más de 100.000 dólares, pero además hay una larga lista de invitados estadounidenses y extranjeros, entre ellos los homenajeados con cuatro premios especiales: los actores Nicolas Cage, John Leguizamo y el mexicano Diego Luna y el compositor Nicholas Brittell.Una ausencia notable Lo único que ha empañado la celebración de los 40 años de este festival es que el icónico cine Tower de la calle Ocho de la Pequeña Habana, de estilo art decó e inaugurado en 1926, no es ya su sede oficial. Sin dar explicaciones, las autoridades municipales de Miami decidieron no renovar la concesión del Tower hecha hace dos décadas al Miami Dade College, que lo convirtió en un referente cultural no solo por ser sede del festival, sino por exhibir películas en idioma original con subtítulos durante todo el año.El Festival, que será clausurado oficialmente con "The Lost King", dirigida por el británico Stephen Frears y protagonizada por Sally Hawkins y Steve Coogan, el sábado 11 de marzo, un día antes de que se proyecte la última película, se celebrará principalmente en las salas Silverspot en el centro de la ciudad."Es una increíble programación de películas para celebrar nuestro histórico 40 aniversario. Esperamos conmemorarlo destacando una colección de talentos cinematográficos creativos nuevos y establecidos", subrayó Maryam Laguna Borrego, vicepresidenta de Asuntos Externos y jefa de Personal de MDC.Multitud de películas y premios La directora mexicana Lorena Padilla, que presentará mundialmente en el certamen su primer largometraje de ficción, "Martínez", dijo a EFE que "participar en la edición 40 del Festival de Cine de Miami es el maravilloso cierre de una serie de acontecimientos y coincidencias sin las cuales esta película no sería posible".La "comedia negra" de Padilla compite con otros 16 filmes por el premio Jordan Riesler para "óperas primas", entre ellas "Carbón" (Argentina/Brasil), dirigida por Carolina Markowicz, y "La hija de todas las rabias" (Nicaragua/México/Holanda/Alemania/ Francia/Noruega/España), dirigida por Laura Baumeister.En la categoría competitiva más importante, el Premio Knight Marimba, concursan, entre otras, la española "As Bestas", de Rodrigo Sorogoyen; la francesa "The Gravity", de Cédric Ido; la estadounidense "How to Blow Up a Pipeline", de Daniel Goldhaber, la iraní "Leila's Brothers", de Saeed Roustaee, y "Tori and Lokita" (Bélgica/Francia), de Jean-Pierre y Luc Dardenne.Así mismo buscan el Knight Marimba las coproducciones "Vicenta B.", del cubano Carlos Lechuga, y "The Happiest Man in the World", de la macedonia Teona Strugar Mitevska.Entre los documentales destacan varios de temática cubana: "Patria y vida: The Power of the Music", ópera prima de la cantante, compositora y actriz española Beatriz Luengo; "Bebo", dirigido por el cineasta cubano exiliado Ricardo Bacallao, y "El adiós de la esperanza", del actor y presentador cubano radicado en Miami Lieter Ledesma.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"El arte es importante que provoque porque el arte tiene la capacidad de modificar, cambiar o hacer ver nuevas realidad y de deconstruirte para construirte de nuevo y hacerte evolucionar, y para eso te tiene que provocar algo", dijo el cineasta en entrevista con EFE en San Juan. En opinión del director de los filmes "Pieles" (2017) y "La Piedad" (2022), "la provocación es un elemento y una capacidad que tiene el arte y debe mantenerlo".Luego está el cine de entretenimiento que, según Casanova, quien saltó a la fama con su papel de Fidel Martínez en la serie de televisión española "Aída", "está muy bien pero no es arte", aunque reconoce que le encanta. "De hecho, consumo bastante entretenimiento porque el arte a veces peca de pedante y el artista a veces peca de pedante y yo a veces me canso mucho de mí mismo", subrayó.Casanova, que ha dirigido también varios cortometrajes, presenta en Puerto Rico su última película, "La Piedad", un drama sobre la relación de dependencia madre-hijo y la separación. "Es un tema complicado: cómo hacer para amar a tu familia pero también para romper esos hábitos que te han enseñado o esas cosas que a lo mejor sientes que no te hacen bien. Yo creo que es importante aprender a separarse de la familia para poder estar cerca de ella de otra forma", comentó.Para el cineasta, la película "llega a todo el mundo porque habla de algo que todos hemos sufrido algún momento en nuestra vida que es una separación" y que es un tema que "nos interpela y nos atraviesa".Preguntado por su vocación como actor o director, Casanova no duda: "Desde que dirigí por primera vez a los 17 años mi mediometraje 'Ansiedad' siempre he tenido claro que lo mío era dirigir", aseguró. "Yo no me siento actor y de hecho cuando actúo ocasionalmente me siento bastante intruso. Yo siento que lo mío es dirigir y escribir y es en lo que pretendo quedarme", añadió.Respecto a la situación del séptimo arte, con el descenso de su consumo en las salas de cine, consideró que "vive un momento de transición donde se está moviendo de un sitio para otro". Además de adaptarse a los cambios en el sector, ve esencial que los países promocionen en el extranjero su cultura, al igual que lo hacen con la gastronomía o el deporte. "Es importante exportar la cultura porque creo que la cultura dice muchísimo sobre quién somos. Es una forma de mostrarnos al mundo, es marca España", aseveró.La quinta Semana de Cine Español regresa con siete películas de estreno del 2 al 8 de marzo a los cines de San Juan tras tres años de ausencia por la pandemia. Además de "La Piedad", se exhibirán la reciente ganadora de nueve premios Goya, incluido mejor película, "As bestas", de Rodrigo Sorogoyen, y "Cinco lobitos", de Alauda Ruiz de Azúa y premiada con tres Goya.Otras películas que serán proyectadas son "En los márgenes", dirigida por Juan Diego Botto y protagonizada por Penélope Cruz; "La voluntaria", de Nely Reguera; "La vida padre", de Joaquín Mazón, y "No mires a los ojos", de Félix Viscarret y con Paco León a la cabeza del reparto.La programadora y productora del evento, Cynthia Wiesner, destacó que "As bestas" está segura de que "va a encantar a todo el mundo" y que "Cinco lobitos" es "cine hecho por mujeres y protagonizado por mujeres". Según Wiesner, las películas seleccionadas son "cine auténtico español y, de lo último del cine español, lo mejor".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El Retiro convirtió sus zonas comunes en galerías de arte, con obras de 90 artistas el centro comercial estrena su segunda edición de esta muestra trayendo el arte al público de una manera única y dando a conocer el trabajo de artistas inugualables como Omar Rayo o Marcelo Wong. Los asistentes se encontrarán con distintas técnicas que identifican a cada uno de los artistas, por ejemplo, las obras del maestro Edgar Negret con dobleces, tuercas y tornillos; Hugo Zapata, Pez Barcelona, Tot Cat, Chicadania; artistas que han llevado su arte a festivales internacionales de Barcelona, Moscú, Bahamas y otros lugares del mundo. Por su parte MAMBO, El Museo de Arte Moderno de Bogotá, cumplió 60 años y para celebrarlo eligió al Retiro para exponer la colección Voz a Voz, un proyecto que nació de la pandemia donde artistas colombianos de diferentes generaciones crearon esta obra inédita que tiene como objetivo difundir reflexiones sobre el aislamiento, la soledad, la crisis social, entre otras temáticas contemporáneas.Algo a resaltar es lo maravilloso que es tener el arte cerca y poder disfrutarlo en otro contexto distinto al que ya se conoce, esta también es una oportunidad para descubrire artistas que no hayamos conocido antes.Aparte de exposiciones de arte contemporáneo y emergente, estará expuesta también la fotografía de moda de Santiago Quiceno que con su cámara plasma lo mejor del estilo, el color, el brillo, y las texturas que se convierten en tendencia.Por otro lado esta muestra también tendrá presentaciones de música clásica para todos los gustos y edades y un taller de pintura con el Maestro German Tessarolo que con su técnica invita a los asistentes a olvidarse de los procedimientos y combinaciones para dejar volar la imaginación plasmando con un pincel en el papel sus sentimientos y sueños.El evento estará disponible en los pasillos del centro comercial El Retiro en Bogotá hasta el 12 de abril, nosotros asistimos y le dejamos aquí como fue nuestra experiencia visitando la exposición. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El "retrato de Juan de Pareja", que Velázquez pintó en 1650 durante un viaje a Roma, fue adquirido por el MET por 5,5 millones de dólares en 1971 y es, desde entonces, una de las obras maestras del museo, pero nunca hasta ahora se había exhibido junto al contexto necesario de su época, ni junto a las obras que el propio De Pareja pintó con su firma (dos de ellas prestadas por el Museo del Prado).Ese retrato, que muestra a un hombre de mediana edad, de abundante cabello negro y barba, con una mano en el pecho, es exhibido aquí enfrente de otro retrato de Velázquez aún más famoso: el del papa Inocencio X, ya que se considera que ambas obras expresan lo mejor de Velázquez como retratista, con una capacidad sin par de captar la psicología del personaje.En medio de los dos, la muestra contiene un documento único llegado desde los Archivos de Roma (la ciudad donde se firmó): es la carta de manumisión en la que Velázquez da la libertad a su siervo ("captivus") así como "a sus hijos y descendientes", aunque precisa que esa liberación será efectiva cuatro años después.Las dos obras y el documento están datadas en 1650, cuando Velázquez estaba en el cénit de su fama y reconocimiento. Cuando el retrato de Juan de Pareja fue exhibido lo describieron así, tal y como recoge un testimonio de la época: "Era tan semejante, y con tanta viveza que, habiéndolo enviado con el mismo Pareja, á la censura de algunos amigos; se quedaban mirando el retrato pintado, y á el original con admiración y asombro".Una sociedad multiétnicaVanessa K. Valdés, co-comisaria de la exposición "Juan de Pareja, pintor hispanoafricano" -que se podrá visitar del 3 de abril al 16 de julio-, explica a EFE que no hay certezas sobre los orígenes del pintor liberto, aparte de que también su padre se llamaba así -"posiblemente un apellido común"-, y que se supone que su madre era de origen morisco.Nació en Antequera y creció en Sevilla, una ciudad multiétnica en la que la esclavitud no era extraña, dadas las constantes batallas con los turcos y otros emiratos norteafricanos en los que los prisioneros pasaban a ser esclavos que se vendían o se intercambiaban por otros.Valdés subraya que la idea de la esclavitud entonces no debe entenderse como en el siglo XIX -los siervos en una plantación de algodón-, ya que un esclavo podía desarrollar una carrera profesional, como fue el caso de Juan de Pareja, que pasó veinte años en el estudio de Velázquez, donde adquirió una cierta posición, hasta el punto de ser elegido para acompañar al maestro en aquel viaje a Italia.Por esa razón, la muestra recoge tanto pinturas de la época con otros personajes africanos -una obra de Murillo y otra de Zurbarán, contemporáneos de Velázquez-, y en otro apartado varias obras atribuidas a Velázquez que actualmente se considera fueron en gran medida obras colectivas de su taller, en la que la intervención de los ayudantes -Pareja entre otros- es probable, aunque no se pueda demostrar.Uno de los mitos que la muestra quiere desterrar es que Pareja desarrollase su pintura "a escondidas" -circulaba una anécdota de que pintaba a hurtadillas en el reverso de lienzos desechados por Velázquez-, y precisamente muestra cómo su técnica se pulió al lado del maestro.El pintor maduroAquel viaje a Roma fue para Pareja tan importante como para Velázquez: siendo Italia el epicentro del arte en el siglo XVII, Pareja tuvo, como ayudante de Velázquez, acceso a las mejores obras y los artistas más reconocidos de la época.A su regreso a Madrid, donde se encontraba la corte y donde medraban los pintores, Pareja desarrolló un arte de temática principalmente religiosa. No parece que tuviera ningún conflicto religioso como morisco, toda vez que -como recuerda Valdés- los descendientes de los moriscos hacían gala de una acendrada religiosidad católica para que nadie les recriminara por su impureza de sangre.De las cuatro obras firmadas por el propio Pareja, llama la atención la de "La vocación de San Mateo", fechada en 1661: el pintor se autorretrató en el extremo izquierdo del cuadro, de cuerpo entero, con un papel en la mano donde aún puede leerse "Juan de Pareja Fecit". Probablemente en imitación a su antiguo dueño y maestro, que cinco años antes se había autorretratado en "Las Meninas".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El ministro de Asuntos Exteriores de España, José Manuel Albares, destacó estos datos en la mesa sobre "La fuerza del español en Europa y en la escena internacional" del IX Congreso Internacional de la Lengua Española, inaugurado este lunes en Cádiz (España).Albares subrayó la "creciente relevancia" en el contexto internacional de la lengua española, uno de los idiomas oficiales en organismos internacionales como Naciones Unidas y la Unión Europea (UE).El ministro sostuvo que la presidencia española de la UE en el próximo semestre dará "un papel protagonista" a este idioma y será una oportunidad para impulsarlo.La UE es una de las áreas donde más creció el interés por aprender español, ya que, junto con Estados Unidos y Brasil, reúne al 81 por ciento de los cerca de 24 millones de estudiantes del idioma.Según un informe del Instituto Cervantes, uno de los organizadores del congreso, en Estados Unidos hay cerca de 8 millones de estudiantes de español, más de 5 millones en Brasil, algo más de 3 en Francia y más de 800.000 tanto en Reino Unido como en Alemania.La presidenta de la Asociación Internacional de Hispanistas, Ruth Fine, señaló por su parte que "la fuerza del español es indiscutible". Esta entidad, fundada en 1962 para promover el idioma, sigue creciendo con la incorporación de nuevas asociaciones de hispanistas, la última de ellas creada en Taiwan.Unos seiscientos congresistas de más de medio centenar de países está previsto que participen en julio próximo en el XXI congreso de la asociación en Neuchatel (Suiza).El español lo hablan como lengua materna o aprendida unos 595 millones de personas, el 7,5 por ciento de la población mundial, según el Instituto Cervantes, con México, Colombia, Argentina, España y Estados Unidos entre los países con mayor número de hispanohablantes.El congreso se desarrollará durante cuatro días, organizado por instituciones como el Instituto Cervantes, la Real Academia Española (RAE) y la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), que aglutina a 23 agrupaciones de América, España, Filipinas y Guinea Ecuatorial.Escuche lo mejor de la música clásica por medio de la señal en vivo de la HJCK.
Bajo el nombre "A few degrees more" (unos cuantos grados más), el museo vienés ha sacado varias obras maestras de su milimétrica horizontalidad, en un intento de usar el arte para llamar la atención sobre la crisis climática, que sea también alternativo a los ataques contra obras de arte protagonizados por activistas."Nos gustaría hacer nuestra contribución para sensibilizar a nuestros visitantes sobre el urgente problema de la crisis del clima", explica a EFE el director del Museo Leopold, Hans-Peter Wipplinger.Educación y no agresionesEl responsable del museo recuerda que hace cuatro meses dos activistas arrojaron un líquido negro contra "Muerte y vida", una de las obras más conocidas de Klimt, en una protesta para llamar la atención contra la emergencia climática en la que el cuadro no resultó dañado."Estamos completamente en desacuerdo con esas agresiones a las obras de arte. Somos solidarios con quienes protegen el clima, con los investigadores. Pero queríamos hacer una acción más inteligente, más constructiva y educativa y que no cause daños. Y esta es nuestra respuesta", afirma Wipplinger.En el proyecto colabora el Climate Change Centre Austria, una plataforma de científicos e investigadores que ha redactado textos que explican los efectos en el medioambiente en función de cuántos grados centígrados aumente la temperatura del planeta. Los cuadros, principalmente paisajes, cuelgan en diagonal en ángulos de entre 1,5, y 7 grados, y los científicos explican qué cambios causaría un calentamiento de ese mismo nivel, y también qué puede hacer cada persona para evitarlo.Así, una vista del monte Rax, pintada por Koloman Moser en 1907, cuelga en un ángulo de 1,5, el aumento en centígrados de las temperaturas a partir del cual la comunidad científica considera que los efectos serían irreversibles. Una subida de ese nivel tendría graves consecuencias en los Alpes, advierten los científicos, y pondría en peligro la diversidad vegetal, derretiría la mitad de los glaciares y amenazaría el suministro de agua potable en Austria.Colapso del lago de KlimtOtros cuadros alertan del riesgo de colapso de lagos como el Attersee, que Klimt pintó en numerosas ocasiones, si la temperatura sube dos grados, o de cómo un aumento de 3 afectaría a la producción agrícola en Europa Central. El Museo Leopold recurre a "Puesta de Sol", de Egon Schiele, para advertir de que un incremento de la temperatura de 4 grados hasta el año 2100 reduciría o eliminaría hábitats como los que muestra el cuadro, y causaría una subida del nivel del mar que obligaría a desplazarse a millones de personas.La escala llega hasta los 7 grados de ángulo con los que cuelga "Joven en el manantial", de Albin Egger-Lienz, en el que un joven bebe agua de una fuente natural como las que desaparecerían con el calentamiento. "Al colgarlos torcidos queremos mostrar que incluso cambios marginales, de dos o tres grados, tienen efectos increíbles. Que las cifras abstractas sean llamativas visualmente y llamen la atención", resume Wipplinger la intención de este proyecto."Más constructiva""Creo que es una buena forma para un museo de encontrar una posibilidad de que se vea el problema. Pero no sé si esto va a cambiar el mundo", dice a EFE Lisa, una escolar de 16 años que considera que esta acción es "más constructiva" que protestas como pegarse a un cuadro o arrojar líquidos.Con ella está de acuerdo Paul, de 17 años, que ve la iniciativa del modelo como una "buena solución" en contraste con protestas climáticas en las que se ha atacado, incluso sin causar daño, obras de arte. "Llaman la atención pero al final lo que hacen no aporta mucho. Lo considero un poco innecesario", opina.De momento, Wipplinger está satisfecho con el resultado de esta iniciativa, que se mantendrá hasta el 26 de junio. "Nos damos cuenta con las reacciones de que logramos una cierta atención y esperamos que provoque un cambio en la forma de pensar de los visitantes", confía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 4 de julio de 2022 el presidente electo Gustavo Petro anunciaba en su cuenta de Twitter el nombre de la ministra de cultura que lo acompañaría a partir del 7 de agosto cuando tomara posesión en su gobierno: La dramaturga y gestora cultural Patricia Ariza. La también poeta fue elegida para lo que se denominó "un estallido de cultura en toda Colombia para la Paz y la convivencia. Una cultura para la identidad para dinamizar la colombianidad diversa", según el anuncio. Recibido de gran forma, el nombre de Ariza planteaba una ruptura con los perfiles que habían sido cabeza de la cartera ministerial, con el que se esperaba un amplio dialogo entre sectores artísticos a nivel nacional y el gobierno. El primer gran anuncio de su ministerio vendría en el marco del 12 de octubre en el que radicó dos proyectos de ley con reformas simbólicas: la primera cambiar el nombre del Día de la Raza por el Día de la Diversidad Étnica y Cultural y el segundo, cambiar el nombre del Ministerio de la Cultura por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes” con el que el Ministerio pasó a denominarse MiCASa.Este último proyecto además busca un cambio frente al enfoque ministerial del gobierno de Iván Duque y la economía naranja, articulando lo que denominaron como "una nueva valoración" de las culturas, las artes y los saberes ancestrales, dividida en cuatro ejes que funcionarían como nuevo enfoque de la cartera: 1. Cultura de paz, 2. Colombia en el planeta y en el mundo, 3. Memoria Viva y 4. Arte, artistas y Educación para la vida. Tan solo algunos días después en su cuenta de Twitter, Ariza anunciaría el que quizá sea el logro más importante dentro de su administración: Para 2023, el presupuesto de inversión más alto de la entidad en su historia por $701.000 millones de pesos, 125% más que los recursos estimados por el gobierno anterior y un 25% más que el presupuesto de 2022, con lo cuál por ejemplo, en la apertura del Programa Nacional de Estímulos 2023 el pasado 23 de febrero y que estará disponible hasta el 3 de abril, el presupuesto aumentó en un 51% con el anterior programa, ofreciendo 1070 becas, 199 reconocimientos, 18 premios, 13 pasantías y 18 residencias. Para un total de 1318 convocatorias. No obstante es en este mismo programa de estímulos en donde varios artistas y gestores culturales han levantado quejas alrededor de una de las causales de rechazo de propuestas para aplicar a estas convocatorias: para este año se ha limitado a los interesados en participar a tener la posibilidad de solo presentar (1) propuesta dentro de todo el portafolio, contrario a como venía ocurriendo en años anteriores. Esto, en otras palabras traduce, a que se han reducido las posibilidades de todos aquellos interesados en participar de estos estímulos haciendo aún más difícil su vinculación laboral dentro del campo artístico, ya que es común, que se presenten a varias convocatorias en paralelo para poder ser beneficiario de alguna de ellas. Para noviembre del 2022 en la rendición de cuentas de los primeros 100 días de gobierno, el ministerio publicó en su página web, al igual que las demás carteras ministeriales sus logros. En este caso, además de los ya mencionados proyectos de ley y el incremento presupuestal, destacó la ejecución de "1.479 actividades en 258 municipios de Colombia, entre las que sobresalen 135 conciertos de la Fundación Batuta, con la participación de 18.600 niños, niñas y jóvenes; 53 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; 436 funciones de teatro en 218 salas concertadas; 92 funciones de teatro comunitario y de calle; y un piloto de formación artística en 100 instituciones públicas". Junto a ello la apertura de cuatro bibliotecas públicas con el apoyo de la Embajada de Japón de las que se estiman se beneficiarían 90 mil niños, niñas y jóvenes en los municipios de Rivera, Huila; San Agustín Huila; Totoró, Cauca y Pijiño del Carmen, Magdalena y los cambios y el incremento en la convocatoria del Programa Nacional de Concertación en el que se registraron 5.175 proyectos, desde 797 municipios de los 32 departamentos del país y la ciudad capital, lo que significó un aumento en 18.58% en la participación.También se destacó la expedición del decreto que reglamenta el artículo 64 de la Ley 397 de 1997 (Ley general de Cultura) en relación con la estructura, el desarrollo y funcionamiento del Sistema Nacional de Educación y Formación Artística y Cultural (SINEFAC) que busca en palabras del ministerio "garantizar que en todos los niveles y modalidades educativas haya currículos con componentes de formación artística y cultural". Para el mes de diciembre fue debatido y aprobado en primer debate por la Cámara de Representantes el Proyecto de Ley 189 de 2022 conocido como “Ley de la Música” que tras varias reuniones con el sector, propone construir una propuesta más incluyente en términos poblacionales, diferenciales, territoriales y de género para beneficio del sector colombiano de la música en términos de precariedad laboral, informalidad, mínimos de participación en eventos y desfinanciación en general del sector. Este proyecto sigue su curso de aprobación en cámara y siguen existiendo espacios de disertación para el proyecto. Además se le ha atribuyó que en la radicación de la reforma tributaria con el que el gobierno recaudará $19,7 billones en 2023 y un promedio de $20 billones en los siguientes tres años, presentada en diciembre de 2022, el sector cultural no haya sufrido modificaciones. Sin embargo, también existieron tensiones. Quizá el que más se destacó fue desde el sector de las artes visuales, donde a través de varios medios reclamaron un papel donde se reconociese la pluralidad de las artes y no solo encasillar las manifestaciones artísticas a ciertos temas y ciertas practicas como el muralismo. Sumado a estas tensiones a inicios de febrero del presente año, se sumó el sector musical con una carta firmada por 2.424 personas, poniendo sus preocupaciones con la iniciativa del Gobierno confirmada por el presidente tras la visita de la primera dama Verónica Alcocer a Venezuela, en el que uno de los puntos de reunión fue revisar la implementación del modelo orquestal venezolano en el país. Si bien en el último mes las comunicaciones frente al tema por parte de Ariza fueron ambiguas, en entrevista con La W, la dramaturga declaró que "Había malos entendidos, pero no diferencias esenciales. Pensé que eran cosas normales que suceden", y todo parece indicar, que las diferencias radicaban en este enfoque. El Ministerio de Cultura sigue sin cabeza oficial. Mientras tanto, Ignacio Zorro, ministro encargado ha salido a desmentir en medios como el diario El Tiempo la implementación del sistema orquestal en Colombia o en Blu Radio argumento que el enfoque sería distinto aunque el 20 de febrero en su cuenta de Twitter, Patricia Ariza haya publicado un comunicado en el que también aparece la firma de zorro, done expresa que: "El gobierno del Cambio busca fortalecer todas las músicas: estimular y promover la creación de nuevas orquestas y grupos musicales. Como lo señala el presidente Gustavo Petro, este año despegará el Sistema orquestal colombiano, ligado al Sistema Educativo, acogiendo y complementando la actual cobertura del PNMC (El Plan Nacional de Música para la Convivencia)" y su relación con los hijos del presidente Gustavo Petro.Sin embargo, los tres proyectos de ley presentados por Ariza hasta ahora siguen su curso en las cámaras, al igual que las convocatorias y programas de estímulos. Lo más urgente es conocer quién será ahora la nueva cabeza del estallido cultural y si mantendrá este enfoque ministerial de los últimos siete meses. Lo que sí habría que pedir, es que un espacio que necesita de la concertación de tantos sectores y manifestaciones culturales, abra aún más espacios de escucha para artistas y gestores culturales, de ahí quizá, de la gente que hace prácticas artísticas, esta la clave para el desarrollo del ministerio. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
