Estas producciones, tres de ellas con mujeres en la dirección, suponen una representativa muestra del panorama cinematográfico iberoamericano más actual, emergente e innovador, con un notable paso por festivales internacionales como Cannes o TriBeCa, según informó la organización.El realizador brasileño Marcelo Caetano presentará su última película, Baby, que ya se vio en la Semana de la Crítica de Cannes y que cuenta la historia de un joven liberado de un centro de detención juvenil que va a la deriva por las calles de Sao Paulo.El méxicano César Díaz competirá con México 86, en la que la oscarizada actriz franco-argentina Bérénice Bejo interpreta a una activista guatemalteca que huye a México tras luchar contra la dictadura militar de su país.La también mexicana No nos moverán, ópera prima de Pierre Saint Martín, desembarca con una historia en blanco y negro en la que una abogada se obsesiona con hallar al soldado que mató a su hermano durante la masacre estudiantil de 1968 en Tlatelolco.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El film Agarrame fuerte es la apuesta de las realizadoras uruguayas Ana Guevara y Leticia Jorge que compiten con una historia de hermandad centrada en una mujer que ha perdido a su mejor amiga.El dominicano Yoel Morales llega con La bachata de Biónico, un falso documental en el que un romántico adicto al crack debe tomar el control de su vida antes de que su prometida salga de un centro de rehabilitación.Chile estará presente con Sariri, de Laura Donoso, una historia de mujeres que viven bajos las estrictas reglas masculinas ambientada en un pueblo minero perdido en el desierto.Por último, la hispano-argentina Linda llega a Huelva tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Toronto. Está protagonizada por una empleada doméstica que revela secretos y fantasías eróticas de una familia, en cuyos miembros despierta una atracción tal que le llevará a ejercer poder sobre ellos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El premio lo ha recogido Pérez Biscayart, que ha hecho una encendida defensa del cine argentino. "Gracias a las películas que me hicieron actor las hice en Argentina y tuvieron apoyo del INCAA. Si pude ser actor es porque mi país cree en fantasía y se armaron estructuras para que esas fantasías puedan ser plasmadas, como la ley del cine", ha recalcado.Ha denunciado que el Gobierno de Javier Milei "está empecinado en un plan destrucción de la cultura nacional". "Se creen muy pillos, se creen militantes de la libertad, pero detrás del autoengaño y el odio que profesan no hay libertad, solo una profunda soledad, pero no nos van a destruir", ha afirmado."No vamos a borrar la memoria ni el futuro y todo el amor que nos produce juntarnos será siempre mucho más fuerte que todo desprecio", ha añadido el actor, que ha terminado su intervención con un "Viva Palestina libre".Tras su discurso, se ha recordado el paso de los filmes argentinos que han participado en esta edición y se ha proyectado un vídeo en el que distintas personalidades han mostrado su apoyo al cine de este país, al que el Zinemaldia dedicó también una jornada de solidaridad el pasado martes.'El jockey' ha sido premiado, entre otras razones, por su "convicción y libertad" y su asunción de "riesgos narrativos sorprendentes" y por "su búsqueda formal y estética cruza géneros con pasión y originalidad", ha considerado el jurado.El día de su presentación, Ortega dedicó el estreno de la película en la sección Horizontes Latinos al actor Daniel Fanego, uno de los intérpretes de la cinta, que falleció la pasada semana a los 69 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.'El jockey', que ha llegado al certamen español tras competir por el León de Oro en el Festival de Venecia, es una exploración surrealista de la identidad, la realidad y de "lo milagroso de la vida".Los delirios de un vagabundo de Buenos Aires inspiraron a Luis Ortega para rodar este filme, que cuenta la historia de un jinete legendario con un comportamiento autodestructivo que pone en peligro su vida y su relación con su novia Abril y que acaba siendo perseguido por un grupo peligroso en el que se encuentra Fanego.En esta 72 edición del certamen donostiarra, la película 'Sujo', de las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez, una coproducción entre México, Francia y España, que competía también en Horizontes Latinos, se ha alzado con el Premio de la Cooperación Española.Esta cinta relata las vivencias de un niño, hijo de un pistolero de un cártel, que intenta rehacer su vida lejos de la violencia de su pueblo natal, aunque el legado de su padre le llevará a enfrentarse con lo que parece ser su destino.Valadez -su compañera no ha podido acudir a la gala- ha dicho que su país suma más de 20 años de crisis humanitaria y de violencia, que han dejado cientos de miles de huérfanos."El cine no puede cambiar la realidad, pero sí tener una conversación. 'Sujo' es una conversación y también una carta de amor a esos niños", ha subrayado.En la sección Zabaltegi-Tabakalera, donde concursan las propuestas más arriesgadas, el filme argentino 'Monólogo colectivo', de Jessica Sarah Rinland, ha obtenido una mención especial por y por "estar hecha con rigor y afecto sobre los gestos que crean una convivencia entre los seres humanos".En la Sección Oficial, ha logrado la Concha de Plata a la mejor dirección 'El llanto', del español Pedro Martín Calero, en cuya producción participa también argentina. Ha sido un galardón compartido con la portuguesa Laura Carreira, directora de 'On Falling'.Además, el corto 'El reinado de Antoine', del dominicano José Luis Giménez Gómez, alumno de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba, ha ganado el Premio Nest al mejor cortometraje.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"He dudado de mí muchas veces y los demás también", confesó este viernes en rueda de prensa la que fue estrella de la serie 'Baywatch', orgullosa y feliz de dar este salto al cine independiente y de autor a sus 57 años, "cuando creía -dijo- que era imposible"."Nunca es demasiado tarde, estaba en mi jardín haciendo mermelada y pensando que nunca tendría una oportunidad así", aseguró la actriz, que reconoció haber vivido "algunas décadas perdidas". "Siento que pasé de 'Baywatch' a Broadway de golpe, no sé qué pasó entre medias".La película, que cierra hoy el desfile de aspirantes a la Concha de Oro en el festival, gira en torno a una veterana bailarina que ve cómo el espectáculo de Las Vegas en el que lleva trabajando treinta años baja el telón de forma abrupta.A la vez que se enfrenta a un incierto futuro profesional a sus 50 años, se esfuerza por reparar la tensa relación con su hija, que a menudo estuvo en un segundo plano.Anderson admitió que su situación tenía muchos paralelismos con el de Shelley, su personaje, que dependió en gran medida de su cuerpo y su belleza para trabajar."Gran parte de mi carrera ha dependido de mi físico y esa ha sido una de las razones para hacer este experimento conmigo misma", señaló, "quitarme capas, recordar quién soy, no dejarme definir por los demás o por lo que la gente espera de mi, no amargarme y mantener la alegría de trabajar en este negocio".La actriz llegó ayer jueves a la ciudad española de San Sebastián (norte) y pasó rauda por las escaleras del hotel María Cristina, donde tradicionalmente se hospedan las estrellas que asisten al festival, vestida con un sobrio pantalón y jersey negros y con el pelo recogido.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hoy compareció ante la prensa con un vestido rosa de gala, ya que acababa de pasar por la alfombra roja previa al estreno de su película.Para Gia Coppola (Los Ángeles, 1987), nieta de Francis Ford Coppola y sobrina de Sofía Coppola, este es su tercer largometraje después de 'Palo Alto' (2013) y 'Mainstream' (2020), que se presentaron en el festival de Venecia."Siempre quise hacer una película en Las Vegas", aseguró la directora.Coppola afirmó haber tenido en mente a Anderson desde un inicio pero cuando vio su documental 'Pamela, a Love Story' (2023), en el que narraba en primera persona su trayectoria, marcada por su conversión en icono erótico televisivo y su relación tortuosa con el músico Tommy Lee, pensó que nadie más podía hacerlo.Tras su paso por San Sebastián, Pamela Anderson recibirá el Premio Golden Eye del Festival de Zúrich (Suiza), que se celebrará del 3 al 13 de octubre, un premio que reconoce los logros de su carrera.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"He tenido la oportunidad de trabajar con algunos de los mejores actores y actrices y técnicos de este país y con ellos debo compartir este premio. Este Donostia es de El deseo (...) es también de Penélope (Cruz), de Carmen, que fue realmente quien me descubrió. Gracias, Carmen Maura", dijo el director.Almodóvar citó a numerosos actores y actrices y concluyó: "En fin, he tenido la suerte de trabajar con actores y actrices de enorme talento y les estoy inmensamente agradecido".Redondeó la lista con la británica Tilda Swinton, por darle la mano en su primera película en inglés, y concluyó con una petición de "perdón" a quien hubiera podido ofender: "No he podido ser de otro modo del que soy -reconozco".El actor Eneko Sagardoy ayudó al auditorio a repasar la carrera del prolífico director y productor, que "vio la luz" como cineasta en el Festival de San Sebastián en 1982, donde presentó 'Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón', acompañando sus palabras con imágenes de un jovencísimo Pedro Almodóvar declarando sin pudor que en su cine no había "voluntad de provocación ni de escándalo".Han sido 44 años carrera, con 23 largometrajes e infinidad de premios, entre ellos dos Óscar, cinco Goyas, siete premios del cine europeo y el último, el León de Oro que se llevó el pasado 7 de septiembre del Festival de Venecia.Después, Tilda Swinton, con un vaporoso vestido negro que adornó con un broche en el que se leía "SOS Gaza", dirigió una carta a su amigo en la que le agradecía su dedicación "hasta la última curva" del cine, así como su contribución a la cultura mundial: "Has plantado en nosotros un jardín de tesoros. Tú vivirás para siempre", le dijo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director, de traje azul claro y camisa sin corbata de color crudo, fue recibido con un largo aplauso del auditorio, sin una sola de sus 1.800 localidades vacías, entre ellas las ocupadas por el presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, y su esposa, Begoña Gomez."Mi vida no tiene sentido sin el cine -declaró-, la vida y el cine me han dado mucho más de lo que yo podía soñar, he tenido el privilegio de contar las historias que quería contar de imponer mi mentalidad desde los márgenes sin esperar a que nadie me diera permiso para hacerlo", dijo.Terminó su discurso con un consejo "descarado": "Hagamos lo posible por que las grandes tragedias, el dolor cotidiano, la incomprensión, la mentira, la falta de empatía, la injusticia social, el odio y todo lo negativo imaginable pertenezca a la ficción, y que la vida real transcurra en un mundo justo, en paz y entretenida por las ficciones que solo existirán en nuestras pantallas".Tras el acto se proyectó 'The Room Next Door' ('La habitación de al lado'), su primer largometraje en inglés, protagonizado por Tilda Swinton y Julianne Moore, que logró el León de Oro en el último Festival de cine de Venecia, la primera vez que la película se ve en España.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, estrenada en el Forum de la Berlinale, compite en la sección Horizontes Latinos del certamen donostiarra, donde en 2022 participó en su WIP Latam, una plataforma de apoyo a la postproducción de filmes latinoamericanos.Uribe (Medellín, 1988) escribió su historia a partir de una escena de la que fue testigo en un autobús de su ciudad, cuando una mujer subió al trasporte público y pidió al conductor que le avisara cuando llegaran a la parada en la que debía bajarse, a lo que él respondió invitándola a sentarse en el asiento situado a su lado.Tomó ese pequeño episodio como "un regalo de la vida cotidiana". "Empecé a ver una atracción entre ellos. Me pregunté si se volverían a ver y si sería para una noche de pasión o algo más. Esa sola situación contenía todo el universo de la película", remarca la cineasta en una entrevista con EFE."Lo que me interesaba era explorar el deseo femenino, que es uno de los temas que más invisibilizado está en la sociedad, del que no se habla y que en la historia del cine básicamente ha sido narrado por hombres", explica Uribe, que escribió el guion tras una exhaustiva investigación para conocer las experiencias de muchas otras mujeres y tras la observación de personas muy cercanas de su familia."Mujeres -dice- que son madres y se olvidan de sí mismas y no solamente del placer sexual. También del placer de los pequeños gestos de la vida cotidiana que muchas veces las mujeres anulamos porque tenemos que hacernos cargo de otro, porque tenemos que atender al otro", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta realizadora está trabajando también en una tesis doctoral sobre los personajes femeninos en el cine latinoamericano dirigido por mujeres entre 2010 y 2022."Esos personajes son mujeres complejas que están en una búsqueda de su identidad. En esas películas encontré, aunque el tema central no sea el deseo ni la sexualidad propiamente, que había una pregunta de la mujer por su sexualidad y por el erotismo de una u otra forma. Eso me reafirma en que definitivamente es un tema que nos atraviesa a todas. Y son personajes que contradicen o desafían esas miradas hegemónicas sobre lo que se supone que es una mujer", afirma.Cree que su película, estrenada en junio en Colombia, ha mostrado "cosas distintas" porque más de una persona le ha asegurado que "se nota que fue hecha por una mujer"."Me pregunto mucho en qué nota, porque para mí no hay otra forma de hacerla, porque es mi forma de estar en el mundo. Algo que me han dicho en varios contextos es que hay una sensibilidad distinta en la manera de mirar el personaje, en la manera de filmarlo, en los detalles que tiene la película. A mí me pasa lo mismo con los filmes que analicé en mi tesis", destaca.Yennifer Uribe ha acudido al festival acompañada por Alba Liliana Agudelo, la actriz que da vida a Sandra, la protagonista del filme, una intérprete que procede del teatro y que con esta película se estrena en la gran pantalla."Fue un reto grande, un regalo. Jamás imaginé pertenecer al universo del cine", afirma la actriz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es una situación extrema como nunca vivimos (...) pero no solo para el cine, es para la supervivencia de un montón de personas en la Argentina que están empujadas por este Gobierno a vivir por debajo del límite de la pobreza", señaló Arias."Ha sido muy brutal porque el Gobierno de Milei (...) fue destruyéndolo todo, destruyendo todas las políticas públicas en relación a las universidades públicas, desfinanciando los hospitales públicos y desfinanciando la cultura", prosiguió la realizadora.En un contexto de grave crisis económica, Milei asumió el cargo en diciembre con el objetivo de cortar drásticamente el gasto.Para el cine, el golpe vino para el instituto que lo fomenta, el INCAA, con un recorte que se tradujo en suspensión de programas de apoyo y despido de empleados, lo que virtualmente lo dejó paralizado.Una situación muy criticada por representantes de la industria cinematográfica, tanto dentro del país como en el exterior, como en el Festival de Cannes en mayo y en el de San Sebastián esta semana.Arias participó el martes en un acto de solidaridad con el cine argentino en el Kursaal, sede principal del certamen en la ciudad del norte de España, donde varios directores argentinos advirtieron del peligro de que caiga en picada el número de films que se hacen en Argentina.Es "una situación realmente inédita, que se destruya todo lo que puede producir una imagen del país, un futuro para un montón de artistas y también una industria, porque realmente el cine argentino le da trabajo a un montón de personas", subrayó Arias en la entrevista.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La música como resistenciaLa también dramaturga Arias presentó en San Sebastián su segundo largometraje, "Reas", que compite por el premio a la mejor película latinoamericana en la sección Horizontes.El proyecto tuvo su germen en un curso de cine y teatro que impartió en la cárcel de mujeres de Ezeiza en 2019, donde conoció a Yoseli Arias, quien terminaría siendo la protagonista.Vino la pandemia del covid y con ella la imposibilidad de visitar la prisión, por lo que Arias empezó "a dar talleres para personas que ya habían salido de la cárcel, y a lo largo de esos años se fue armando el grupo" de 14 mujeres que completaron el reparto de la película.La cinta, sobre la vida en una cárcel de mujeres, es una peculiar mezcla de drama con musical, y de ficción con documental, porque las historias que cuentan las exreas, que usan sus nombres, son reales.La idea de incluir partes musicales provino del hecho de que dos de las personas, "Estefy y Nacho, que es un chico trans, tenían una banda de rock en la cárcel que se llamaba Sin Control y hacían conciertos", explicó Arias."Empecé a ver a través de ellos y su banda que la música es una herramienta de resistencia dentro de la cárcel y que la música es de alguna manera lo que genera cohesión", apuntó.Sin perfección pero con glamurA diferencia de los musicales tradicionales que retratan los "mundos marginales de una manera romántica", aquí las antiguas reas "cuentan y reconstruyen su historia y bailan y cantan, quizás no con la perfección de un bailarín profesional, pero sí con mucho glamur y belleza", dijo.Para estar en la película las mujeres, que en muchos casos no conseguían trabajo ni tenían seguridad social, fueron contratadas, lo que les supuso "un cambio de vida muy grande", detalló.Ahora, las mujeres también participan en una obra de teatro de Arias, "Los días afuera", sobre su vida en libertad, que actualmente está de gira por Europa.Para Arias también fue muy especial que las mujeres vinieran a San Sebastián a presentar la película, una obra que "impactó en sus vidas y les dio una esperanza, una visión para el futuro".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Mi cine tiene que ver con una condición humana universal, es muy triste y muy divertido porque así es la vida, lo que me preocupa es que puedas relacionarte con lo que está sucediendo", dijo."La vida es una comedia, es ridícula, tú eres ridículo. Que levante la mano quien no se ha reído alguna vez en un funeral", espetó entre risas al periodista que le preguntó por la relación de su obra más emblemática, "Secrets & Lies" (1997) con la que hoy presentaba en el festival, protagonizada por la actriz Marianne Jean-Baptiste.La división en dos partes no fue deliberada: el comienzo de 'Hard Truths' tiene que ver con establecer el mundo de los personajes y la segunda parte es para entrar en profundidad en estas relaciones.La película cuenta la historia de Pansy, para la que la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, se relaciona con el mundo a puñetazos: discute con su familia, con su dentista, con la cajera del súper, argumenta barbaridades para justificar su decepción con la vida y no puede con el cansancio, sobre todo, de sí misma.Leigh afirmó que no quiere que el espectador se vaya de la película con respuestas, sino con "sus propias aspiraciones para Pansy". La película no tiene que ver con la incomunicación, o con la salud mental de sus personajes, dijo.El británico, siete veces nominado a los Óscar por cintas como la mencionada 'Secrets & Lies', o 'Vera Drake' (2005), es fascinante en su exploración del mundo contemporáneo, aquí con un estudio tragicómico de las "fortalezas y debilidades humanas", como el propio Leigh define 'Hard Truths'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director, barba blanca muy poblada y menudo y que rueda de manera cronológica, desveló cómo es su forma de trabajar: lo primero, usar actores y actrices apasionados, que no sean narcisistas y que sean capaces de empaparse de los detalles de la gente de la calle.Después, "crear una realidad orgánica, si se habla o hay silencios es una porque es la realidad, una realidad continua en la que no pensamos si hay o no silencios: es lo que acontece, si hay silencios, no son silencios autoconscientes".Y por último, el montaje, uno de los momentos "más placenteros" del proceso. "Rodamos un material muy orgánico y solido, no grandes cantidades de metraje, pero sí está muy destilado al final (...) El montaje depende más de los matices de la interpretación", apuntó.En resumidas cuentas, concluyó Leigh, "la película la hemos hecho para todos cuantos tienen 'Pansys' en sus vidas".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El cine no va a morir, está mas vivo que nunca. A lo largo de la historia el cine ha atravesado múltiples cambios en cuanto a modos de producción y tecnologías, pero siempre ha evolucionado", expresó el cineasta en una rueda de prensa en el Hotel du Palais en Biarritz, ciudad del suroeste de Francia.El director de 'Roma' y 'Gravedad' señaló que, aunque el cine ha cambiado en términos de tecnología y modos de producción desde sus inicios, "las preocupaciones actuales, a menudo, se centran en el lugar equivocado"."Creo que ahora lo que más debería preocuparnos es la labor de restauración y archivo. No solo de películas antiguas, sino de películas recientes que se están perdiendo debido a cambios de formato", puntualizó.Cuarón alertó sobre la desaparición de obras cinematográficas relativamente nuevas y explicó que "no se está hablando del cine de hace muchas décadas, se está hablando de cine de hace 15 o 20 años que, por cuestiones de formatos, está desapareciendo".Para él, la situación actual del cine es comparable a la 'Biblioteca de Alejandría', "un laberinto en el que nunca vas a encontrar lo que buscas". Por eso, insistió en que "la restauración y el archivo deben ser prioridades inminentes".Además, destacó el papel de las nuevas generaciones en dicha evolución: "Hay una generación vibrante. Los jóvenes mostrarán los nuevos caminos del cine y aquellos que dicen que el cine está muriendo no confían en las nuevas generaciones".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También reflexionó sobre su carrera, y confesó que su ambición inicial "no era llegar a Hollywood", algo que le vino "de refilón".En cuanto al cine latinoamericano y mexicano, Cuarón subrayó las dificultades que enfrentan estas industrias."El cine mexicano y latinoamericano está atrapado entre dos modelos: el de Europa, con sus apoyos gubernamentales, y el de Estados Unidos, impulsado por un capitalismo feroz", afirmó.A pesar de ello, destacó la riqueza cultural y social de América Latina: "Existe una realidad social inmediata en los países latinoamericanos que impulsa una expresión muy particular tanto en el cine como en la cultura".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En esta edición hay 26 películas argentinas, en la próxima probablemente haya cinco, dos o ninguna", dijo en nombre de los artistas la directora argentina Lola Arias, directora de Reas. "Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse y pensarse", añadió.El actor Leonardo Sbaraglia, los directores Diego Lerman (El hombre que amaba los platos voladores, de la sección oficial) e Iair Said (Los domingos mueren más personas, de Horizontes Latinos) o el elenco de la película Reas estaba entre el numeroso grupo de cineastas y artistas que se concentraron en las escaleras del cine Kursaal de San Sebastián (norte de España), sujetando una gran bandera argentina mientras entonaban La patria no se vende."El Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos", declaró en nombre de la dirección del Festival su director, José Luis Rebordinos.Tras recordar que esta situación de precariedad de la industria se vive en otros países, como Venezuela, Rebordinos remarcó que la paralización de proyectos, el vaciado de contenido del INCAA (su instituto de cine) y otras medidas del Ejecutivo del ultraliberal Milei "ponen en peligro el desarrollo, no solo de su cinematografía, sino también de otras manifestaciones de su cultura".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El festival dejó claro que este apoyo "no significa ninguna intromisión en la política de Argentina" y que durante años colaboró con un INCAA que ha tenido diferentes colores políticos y gobiernos conservadores, liberales o de tipo peronista."Con todos ellos la industria argentina ha conseguido desarrollarse con normalidad y ser una de los más importantes de América Latina, mostrando una imagen positiva del país y siendo un motor económico del mismo", continuó.Arias lamentó que en su país, "al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a nuestro país. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio".Por su parte, la actriz María Alché (Cuando las nubes esconden las sombras) criticó la "agenda de un Gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y de nuestra soberanía cultural"."Es tarea del Estado proporcionar las condiciones necesarias para la creación y la producción de bienes culturales. Por eso estamos alzando nuestra voz en defensa de nuestra identidad y nuestros derechos. La lucha por el cine argentino es una lucha por nuestro futuro", concluyó entre aplausos.En unas declaraciones previas, Sbaraglia lamentó la ausencia de diálogo por parte del Gobierno de Milei con un sector del que "debería sentirse orgulloso".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En rueda de prensa poco antes de recibir el premio honorífico del festival de San Sebastián de manos del mexicano Alfonso Cuarón, Blanchett se refirió así a una pregunta sobre el vestido con los colores de la bandera palestina que lució en el pasado Festival de Cannes."Hay muchos conflictos sobre los que nos sentimos impotentes", señaló. "El derecho a protesta es muy importante, es parte de vivir en democracia, escuchar todos los puntos de vista, pero hay muchas heridas que no pueden resolverse en una alfombra roja ni con una declaración que yo haga", dijo la actriz.La actriz australiana agradeció el reconocimiento de un festival como el de San Sebastián: "Los premios son maravillosos y cuando vienen de una cultura que no es la tuya adquieren un significado especial".Ganadora de dos Óscar, por Blue Jasmine (2013) de Woody Allen y The aviator (2004) de Martin Scorsese, Blanchett es una de las actrices más reconocidas y reclamadas de la industria cinematográfica y ha trabajado con directores como David Fincher, Anthony Minghella, Wes Anderson, los mexicanos Alejando G. Iñárritu y Guillermo del Toro, o Todd Haynes, entre otros.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A punto estuvo de sumar a Pedro Almodóvar a esa lista con un proyecto, la adaptación del libro de Lucía Berlín Manual de mujeres para la limpieza, que no salió adelante porque el director manchego se echó atrás, una retirada de la que la actriz habló hoy por primera vez.Dijo que Almodóvar es "un hombre con mucho gusto y discernimiento, que sabe lo que puede hacer y cómo" e insistió en que espera poder trabajar con él algún día: "Un artista sabe donde tiene que ir, él hace las cosas a su manera y yo lo respeto absolutamente".También habló de Jim Jarmusch, con quien volverá a trabajar en una película que tiene previsto su estreno el año que viene (Father, mother, sister, brother), más de dos décadas después de Coffee and cigarettes. La estrella australiana aseguró que el cine independiente vive horas bajas y es cada vez más difícil de producir y de encontrar su público."Para Jim levantar una película hoy es más difícil que hace 20 años", lamentó, "la posibilidad de que estas películas encuentren distribución es cada vez más complicado".Auténtica estrella contemporánea, Blanchett habló de algunos de los títulos más significativos de su carrera, como Tár (2022), de Todd Field, que le valió una nueva nominación al Óscar, de la que destacó la profundidad con la que aborda el proceso creativo y los "abusos de poder sistémicos".De Carol (2015) de Todd Haynes recordó lo difícil que fue producir esa película por la temática LGTBI. "Llevó diez años hacerla, nadie quería financiarla ni distribuirla", afirmó, "pero afortunadamente hoy el paisaje ha cambiado mucho y hay más diversidad en la representación de la identidad y orientación sexual en la pantalla".A la hora de elegir sus trabajos dijo guiarse por el instinto. "Siempre me siento agradecida a los directores que te ofrecen algo que te sorprende, que ven algo en ti que tú misma no has visto", aseguró, algo que le ocurrió por última vez precisamente en Tár.Sacó a relucir en varias ocasiones su formación teatral, que considera clave. "En el teatro aprendí a transformar el miedo en excitación, ojalá pudiera hacerse eso a nivel geopolítico", dijo.Y reivindicó la diversidad cultural en el cine y la televisión. "Es peligroso creer que es posible crear algo que guste a todo el mundo (...), cuanto más culturalmente específica sea una historia, más poderosa".Blanchett presenta en San Sebastián la película Rumours, una sátira política de Guy Maddin y Evan y Galen Johnson, que sigue a los líderes del G7 en una cumbre anual en la que se pierden en un bosque en el que acechan peligros de todo tipo mientras intentan redactar una declaración provisional acerca de una crisis global.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Cómo surge la idea de la feria de emprendimiento MODETEC?Hace nueve años nace de la necesidad de ver el crecimiento exponencial que ha tenido la población académica frente a lo que es la feria. Este evento se desarrolla semestralmente, la clave de esta feria han sido las fechas que tomamos estratégicamente como el día de la mujer y amor y amistad. Este espacio le permite a nuestra comunidad académica dar a conocer sus proyectos de emprendimiento y tener una oportunidad de negocio.¿Cuál es el balance de la última edición?En septiembre contamos con la participación de 51 emprendedores, las ventas están oscilando entre los 30 a 40 millones de pesos y tuvimos la oportunidad de un alto indicador de egresados del programa de diseño, el 24% fueron egresados, un 10% docentes y administrativos y el otro 66% estudiantes de todos los semestres de de nuestra carrera. Es una feria muy interesante porque se ven propuestas desde bisutería y ropa interior hasta prendas de ropa casual.También vimos nuevas técnicas de diseño como egresados con marcas desarrolladas que realizan accesorios para motos con un factores de innovación muy marcados como la impermeabilización. Por otro lado, tenemos varios emprendimientos de lencería que es uno de los fuertes del programa, en el proceso de formación se les enseñan a hacer ropa interior entonces hay quienes sacan sus marcas de este tipo de ropa, también contamos con emprendedores que desarrollan sus prendas y le agregan un proceso de personalización de acuerdo al gusto del cliente.¿Cuál es el proceso para quienes quieran hacer parte?La convocatoria se abre en las primeras semanas del semestre, luego a través del correo institucional hacen una presentación o un pitch de su emprendimiento, esto pasa por un comité de aprobación y después enviamos una respuesta. Luego los preparamos para la fecha posterior a eso, pues hacemos una reunión general donde hablamos de cómo se va a desarrollar la feria, no es sólo montar el stand, sino que además hacemos actividades de marketing, activaciones de marca y redes sociales, entonces ya se ha vuelto como un ejercicio muy completo de estrategia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La feria es autosostenible, pero realmente contamos con los recursos en la universidad, que es el espacio, las mesas, las sillas y demás. Los chicos hacen una inversión de $6.000 pesos y con eso compramos papelería y los materiales para las actividades de marketing. También tenemos el caso de estos chicos que ya están a punto de graduarse, que su proyecto de grado lo transforman en su empresa y su lanzamiento es acá en la feria. Este evento es netamente para la comunidad académica de la Universidad ECCI, pero hemos invitado a emprendedores externos a los que les ha ido muy bien. El reto es escalar la feria al público general cuando contemos con el espacio, pero por ahora es un ejercicio netamente académico.¿Cómo la feria es una oportunidad para que los estudiantes elaboren los peldaños de su camino profesional?Es una herramienta para que los estudiantes fortalezcan su camino profesional, nosotros pensamos en comunidad académica porque no somos pocos, somos alrededor de diez mil personas entonces es un día que estos chicos tienen la oportunidad de afrontar todo tipo de clientes y hacer su ejercicio de venta de emprendimiento, es una feria que tiene un crecimiento exponencial y que esperamos se siga manteniendo.La próxima edición de esta feria se llevará a cabo en el mes de marzo de 2025, sin embargo, habrá una versión más pequeña dentro del desfile que hará el programa de diseño de modas el próximo 1 de diciembre, este sí está abierto al público y se pueden adquirir las boletas en los canales de la Universidad ECCI.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Elgar durante mucho tiempo quiso componer un oratorio sobre los Apóstoles y finalmente propuso una trilogía sobre la fundación de la Iglesia cristiana. La primera sección debía cubrir el llamamiento de los Apóstoles y la segunda su obra y persecución; el tercero consideraría el Juicio Divino y la revelación del otro mundo. Los Apóstoles aparecieron en el Festival Trienal de Birmingham de 1903. El Reino, como se llama la segunda parte, fue compuesto para el siguiente festival de Birmingham, y Elgar dirigió el estreno el 3 de octubre de 1906.El Reino está escrito para una gran orquesta. Hay un doble coro y cuatro solistas que representan a La Santísima Virgen, María Magdalena, San Juan y San Pedro.Elgar compiló su propio texto para El Reino, tomando la descripción de los acontecimientos de los Hechos de los Apóstoles, y para permitir la expansión lírica insertó líneas de los Evangelios, el Antiguo Testamento y los Apócrifos. Es una obra reflexiva más que dramática, y la música, compuesta con un dominio magistral del efecto, tiene una calidez omnipresente y una belleza suave propia. Para la cohesión musical, Elgar utilizó el recurso del Leitmotiv, asignando a ideas o personajes particulares motivos que se repiten en momentos apropiados.La obra consta de cinco partes, y está precedida por un preludio.En Canto y Música Coral escucharemos la interpretación del oratorio The Kingdom (El Reino), Op. 5, de Edward Elgar, que nos ofrecen: Yvonne Kenny, en el papel de la Virgen María; Alfreda Hodgson, como María Magdalena; Christopher Gillet, interpreta al apóstol Juan y Benjamin Luxon, a Pedro; los acompañan el Coro Filarmónico de Londres dirigido por Richard Cooke y la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Leonard Slatkin.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la Parte I los Apóstoles y las Santas Mujeres se encuentran después de la ascensión de Cristo. Cuando Pedro recuerda la Última Cena, Elgar alude al motete de canto llano O Sacrum Convivium. Y Matías es elegido para ocupar el lugar de Judas.La breve parte II se desarrolla fuera del templo. María, la madre de Cristo, y María Magdalena conversan sobre un cojo y recuerdan cómo Jesús curó a ciegos y cojos.La Parte III describe y reflexiona sobre Pentecostés, cuando el Espíritu Santo descendió y dio a los Apóstoles el poder de hablar todos los idiomas. Mientras los Apóstoles esperan el acontecimiento profetizado, un coro místico confirma la profecía. De repente, un nuevo motivo recorre la orquesta y la contralto solista describe el viento y las lenguas de fuego. Sobre un tema majestuoso, los Apóstoles cantan "El que camina sobre las alas del viento", y la gente expresa asombro en un coro fugaz. Pedro les recuerda la promesa de Dios de derramar su espíritu, en "todo aquel que invoque el nombre del Señor será salvo". Pedro exhorta al pueblo a ser bautizado "en el nombre de Jesucristo", una frase melódica memorable que se mezcla con el motivo de fe en el ferviente coro final.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de octubre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK .
En 1932, la escultora Hedwig Maria Ley, una simpatizante nazi, creó la primera representación autorizada de Adolf Hitler. El partido nazi hizo que ese busto fuera el modelo para retratar al político. Sin embargo, después de la muerte de Hitler y la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial, Ley enterró el busto en su jardín. Veinte años después, un familiar de su jardinero lo desenterró y puso con orgullo sobre la chimenea de su sala de estar, donde permaneció hasta los 80.Esta continua admiración por el infame líder nazi contrastaba fuertemente con la visión de la gente más joven, que quería disociarse de las generaciones anteriores que a menudo habían abrazado el fascismo alemán. Este quiebre generacional es la base de una nueva exhibición, llamada Después de Hitler: el ajuste de cuentas de Alemania con su pasado nazi, que tiene lugar en el museo Casa de la Historia, en Bonn.La historia del busto es un elemento destacado de la exposición, que rastrea los cambios que ha sufrido la actitud de los alemanes hacia el nazismo en los últimos 80 años, y muestra cómo algunos alemanes aún adoran al tirano que impulsó los horrores del Holocausto.¿Solo seguían órdenes?Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos alemanes trataron de borrar los recuerdos del exdictador, incluso cambiando el nombre de las calles que referían a Hitler y otros elementos del nazismo. Además, quienes sobrevivieron a la guerra se vieron muy ocupados intentando reconstruir sus vidas y optaron por no referirse a sus propios roles en el Tercer Reich.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hubo quienes se mostraron reacios a rellenar los formularios de desnazificación y se exculparon atribuyendo toda la responsabilidad de lo sucedido a Hitler y sus cercanos, como Joseph Goebbels y Hermann Göring.Las películas que revelaban los campos de concentración y exterminio nazi se convirtieron en proyecciones obligatorias para los alemanes occidentales, pero en la República Democrática de Alemania, en el este, las cosas fueron distintas. Allí, el Partido Socialista Unificado de Alemania (SED) propagó el mito fundacional antifascista de que los exnazis solo existían en Occidente. Cualquiera que abrazara el socialismo estaba libre de culpa.Perspectivas sobre los perpetradoresLa exposición explora el contexto político y social de las cuatro generaciones de alemanes que han tratado de procesar el pasado nazi de distintas formas. Entre el material de archivo que se exhibe hay imágenes de un reportero de televisión que en 1962 pregunta a los transeúntes sobre los judíos. Algunos dicen abiertamente que no debería permitírseles trabajar en el gobierno, que "hay demasiados" o incluso que "fueron perseguidos con razón".Una sección de la exposición describe a la generación de niños que creció en la década de 1960 y cómo cuestionó a sus padres por su rol en el Tercer Reich. La búsqueda de la verdad también se convirtió en parte de la cultura popular con los años. En 1979, veinte millones de alemanes mayores de 14 años vieron la premiada miniserie estadounidense Holocausto. Decenas de miles llamaron al canal que la emitió, la mayoría para decir que la película les había abierto los ojos.Contar la historia de las víctimasLa exhibición también dedica un espacio significativo a quienes sufrieron bajo el nazismo. Entre los 500 objetos que se exponen, se encuentra la bicicleta de un niño judío, que se la dio a un amigo para que se la cuidara. No fue hasta 2007 que este amigo, ya anciano, regaló la bicicleta a un anticuario. Por décadas esperó en vano que regresara su amigo a recuperarla. Junto a la bicicleta hay una maleta llena de documentos y recuerdos, que es todo lo que queda de una familia judía enviada al campo de concentración de Regensburg, en Baviera.La idea, dice Hanno Sowade, curador de Después de Hitler, es acercarse al tema menos desde una mirada política y más a través de "objetos que cuentan historias personales".La ideología sigue vivaLos miembros de la cuarta generación nacieron después de la reunificación. Muchos son hijos de inmigrantes y no tienen vínculos familiares con el nacionalsocialismo. Sin embargo, los jóvenes entienden cada vez más "la historia del nazismo como una advertencia para el presente", dicen los organizadores de la exhibición.No obstante, muchos también se relacionan con la ideología nazi, especialmente a través de las redes sociales. En el verano de 2023, un radical de derecha incendió una cabina telefónica reformada que contenía literatura sobre el nacionalsocialismo, así como extractos del diario de Ana Frank y canciones hebreas.La cabina estaba ubicada cerca del memorial Andén 17, en el distrito de Grunewald, en el oeste berlinés, una plataforma de trenes desde donde miles de judíos fueron enviados a los campos de exterminio.Casi 80 años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, la exposición deja claro que la confrontación de los alemanes con su pasado sigue siendo vital, en medio del rápido ascenso de partidos de ultraderecha como AfD. Hitler ya no está, pero el legado fascista sigue vivo.La exposición Después de Hitler: el ajuste de cuentas de Alemania con su pasado nazi estará abierta en el museo de Bonn hasta el 26 de enero de 2025.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La colección titulada Mi cuerpo dice la verdad se inspira en los testimonios de las mujeres víctimas de violencia sexual y "se presenta no solo como un campo de batalla, sino también como un territorio de curación y resistencia", señaló la Embajada de Colombia en Italia, que organiza la muestra junto con el Instituto Cervantes.Los pechos de las mujeres son el eje conductor de esta colección y simbolizan "la vida, la lactancia, la nutrición y la fuerza", pero también el martirio."Se trata de senos mutilados que se exhiben como montañas aisladas o cadenas montañosas en hojas de fique, una planta nativa de Colombia, a menudo utilizada en tejidos artesanales y teñida con el 'Palo Brasil'", otra planta nativa que da un color rojo a los tejidos solo cuando el proceso se lleva a cabo por la noche y en estaciones específicas del año", explica en un comunicado.En las obras de Lizarazo también aparecen mujeres a las que la artista les ha recortado los pechos enmarcadas en escenarios donde "la vida se desarrolla entre soles, cielos, naturaleza, luto, amor y emociones".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro elemento esencial en la muestra es una cadena de bolas de fique revestidas de oro que recorren las obras y representan las cuentas de los rosarios, símbolo de "la sacralidad de la vida y la necesidad de contemplación y curación".La muestra alude a santa Ágata de Sicilia, venerada por las enfermeras, las mujeres víctimas de abusos sexuales y por aquellas con trastornos mamarios, ya que fue una mártir en el siglo III a quien le amputaron los senos antes de asesinarla.Lizarazo es conocida por su lenguaje visual "que desafía las formas de dominación ejercidas sobre el cuerpo y la voz de las mujeres" y en esta instalación "propone una reflexión profunda e incisiva sobre la violencia de género, sobre la indiferencia colectiva respecto a la extensión de la violencia sexual y de género, pero también sobre la resiliencia del cuerpo femenino".La artista colombiana creó está colección para la primera Bienal de Arte de Malta en 2023 y desde este viernes se podrá visitar en la sede del Instituto Cervantes de Palermo, gracias a la colaboración de la institución con la Embajada de Colombia. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Embajada de Colombia en Italia (@embajadacolombitalia)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ornamentos en esqueletos hallados en un cementerio de 11.000 años de antigüedad en el sureste de Turquía demuestran que los humanos han perforado sus cuerpos en prácticas tipo piercing desde tiempos prehistóricos y pensando en la propia imagen.Anteriormente se había desenterrado piedras pequeñas, delgadas y puntiagudas en varias excavaciones en partes de lo que hoy es Turquía e Irak, y que es donde estos humanos antiguos se asentaron para practicar el cultivo. Sin embargo, se desconocía el uso que se daba a esos utensilios.Piercing en orejas y labios"Ninguno de estos utensilios ha sido encontrado en excavaciones en los lugares de origen de estos pobladores", afirmó Emma Louise Baysal, profesora de arqueología en la Universidad de Ankara y coautora de un artículo sobre los adornos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero en el sitio de Boncuklu Tarla, tales perforaciones "aparecen en todos los esqueletos, muy cerca de los orificios de las orejas, de los labios", dijo, lo que permitió a los expertos concluir por primera vez que definitivamente se usarían como piercings.Coincidencias en la preocupación estéticaAlgo de desgaste en los dientes inferiores de los cráneos también mostró que los individuos habrían tenido perforaciones en el labio inferior cuando estaban vivos. Los hallazgos "demuestran que compartimos preocupaciones similares sobre nuestra apariencia y que estas personas también estaban pensando mucho en cómo se presentaban ante los demás", dijo.El asentamiento donde fueron hallados los ornamentos y esqueletos fue establecido hace unos 11.000 años por un grupo de cazadores-recolectores, que se fueron estableciendio ahí gradualmente. Las excavaciones continúan en Boncuklu Tarla, donde agricultores locales encontraron miles de cuentas y donde hasta la fecha se han desenterrado más de 100.000 artefactos.Sorprendentes similitudes con el NeolíticoLas excavaciones no sólo muestran cómo se formaron las sociedades primitivas, sino que también resaltan sorprendentes similitudes entre los humanos modernos y los pueblos del Neolítico, destacando vidas con las que podemos empatizar, dijo Baysal."Cuando te pones adornos, especialmente en la cara, no puedes verlos tú, pero otras personas sí. Y estás proyectando una imagen a otras personas. Esto demuestra que somos, en muchos aspectos, muy similares", finalizó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
