Iniciamos estos recomendados y sus detalles con el concierto de Paula Sanabria, pianista de doce años, se presenta con la Orquesta Filarmónica de Mujeres. La Orquesta Filarmónica de Mujeres acompaña la consolidación de una talentosa pianista de doce años. Se trata de Paula Sanabria Barbosa, quien ha recibido el respaldo de figuras como Svetlana Solodovnikova (Rusia), Rhami Bahrami (Irán) y Giovanni Bietti (Italia), y ahora está lista para interpretar el “Concierto para piano No. 1 en sol menor, Op. 25” de Felix Mendelssohn (1809 – 1847), este viernes 22 de septiembre a las 6:30 p.m. en el Auditorio Mario Laserna (Universidad de los Andes), con entrada libre con previa inscripción.La Orquesta Filarmónica de Bogotá junto al guitarrista suizo Christoph Denoth,en Auditorio Fabio Lozano, el sábado 23 de septiembre, a las 4:00 p.m, harán un recorrido musical por España, Francia y Rusia. El Teatro Libre del Centro inaugura este 22 de septiembre, su temporada 2023 con un clásico de Bertold Brecht, “La evitable ascensión de Arturo UI” bajo la dirección de Diego Barragán. Una obra sobre el ejercicio del poder que tiene como escenario a Estados Unidos de los años 30’s, pero que puede ser cualquier país del mundo. Se presentará de viernes a domingo en las instalaciones del teatro: Cl. 12b # 2-44. Viernes y Sábado: 8:00 p.m y domingos: 3:00 pm.La Cinemateca Distrital desarrollará este 23 de septiembre ESPECTRO. Una experiencia artística donde niño y niñas serán investigadores de la luz a partir de las viejas y nuevas tecnologías. Horario: 10:00 a.m. a 11:00 a.m., de 11:00 a.m. a 12:00 m y de 2:00 p.m. a 3:00 p.m. /Lugar: Sala Rayito /Cupo Máximo: 28 participantes. Entrada libre. En la programación cinematográfica desde el 19 de septiembre hasta el 4 de octubre, el Festival de Cine Francés. La Biblioteca Pública Carlos E. Restrepo junto al Parque Arqueológico y del Patrimonio Cultural de Usme realizarán el “Laboratorio de Arqueología Infantil” del 21 al 27 de septiembre. Inscripciones en la Sala Infantil de la Biblioteca.El Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) presentará hasta el 1 de Octubre la exposición: (Te busco en otro nombre). Bitácora guatemalteca 1987 -2023. Proyecto ganador de la segunda edición a las artistas latinoamericanas. https://www.mambogota.com/exposicion/te-busco-en-otro-nombre/No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
En 1970, en los Chircales, Marta Rodríguez junto a su compañero de vida Jorge Silva hicieron audiovisual el trabajo sociológico colombiano fundado por Camilo Torres en 1959, y que se trasladó a la periferia bogotana en el barrio Tunjuelito del sur de la ciudad. Desde ese momento hasta la actualidad, la propuesta de Marta Rodríguez fusionaría la antropología, la sociología y el cine. La Cinemateca de Bogotá y la Fundación de Cine Documental hace un viaje a través de la documentalista durante los últimos cinco décadas. La retrospectiva indaga sobre la mirada de la documentalista durante este tiempo, en sus formas de creación, y en su lugar en la historia política y artística de Latinoamérica. Tiene dos componentes, el primero es una serie de proyecciones en la Cinemateca de Bogotá y la Cinemateca de Bogotá El Tunal, acompañadas de discusiones alrededor de la producción, la historia, el impacto y la importancia de las películas de la directora. "Esta será la oportunidad de celebrar la vida y obra de la gran cineasta colombiana Marta Rodríguez, la mujer que ha sido pilar e inspiración para muchos. El compromiso social y político de Marta, su inagotable energía por narrar, por darle voz a los silenciados, a los excluidos, a quienes habitan las márgenes, a quienes se les han negado y desconocido sus derechos, la hacen inmortal en la memoria audiovisual de este país, de sus luchas sociales y reivindicaciones", señala Ricardo Cantor, gerente de Artes Audiovisuales del Idartes.La Retrospectiva Marta Rodríguez: cuenta con curaduría de María Paula Lorgia y está conformada por los siguientes títulos en largometrajes: Amor, mujeres y flores (Dir. Marta Rodríguez, Jorge Silva) Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz (Dir. Marta Rodríguez, Fernando Restrepo) Campesinos (Dir. Marta Rodríguez, Jorge Silva) Chircales (Dir. Marta Rodríguez, Jorge Silva) La sinfónica de los Andes (Dir. Marta Rodríguez), Nuestra voz de tierra, memoria y futuro (Dir. Marta Rodríguez, Jorge Silva) en su versión restaurada en 2K.Además, el programa Caminando el territorio que contiene: Nacer de nuevo y la La hoja sagrada, el programa La resistencia indígena exhibirá: Planas, testimonio de un etnocidio y Testigos de un etnocidio, memorias de resistencia y Testimonios de Urabá tiene a Nunca más y Una casa sola se vence, los dos dirigidos con Fernando Restrepo."La retrospectiva de Marta Rodríguez en este momento de la historia nos brinda la oportunidad de acercarnos a una directora que empezó haciendo cine en los años setenta convirtiéndose en la primera mujer colombiana en documentar las realidades de varias comunidades en el país, como lo son las comunidades campesinas e indígenas. Acercarnos a ella en su noventa aniversario nos brinda una mirada en retrospectiva sobre sus aportes al arte nacional, su valentía, y a su legado, el cual recalca tajantemente en la urgencia de crear una sociedad más igualitaria", afirma, María Paula Lorgia, curadora de la retrospectiva.La segunda es Filmando la resistencia, una exposición en la Sala E de la Cinemateca que incluye material inédito encontrado en su archivo personal, enfocada en las miradas de Marta Rodríguez alrededor del cine y la situación política de América Latina durante sus primeros años como realizadora. Esta exposición será del 28 de septiembre al 22 de octubre, y contará con visitas guiadas los días 4, 7, 11, 18, 21 y el 14 de octubre con interpretación en Lengua de Señas Colombiana.Por otra parte, el 21 de este mes, en Rutas de lectura un conversatorio titulado Marta Rodríguez: aventuras de una cámara (I) liderado por el escritor y crítico de cine, Hugo Chaparro. Y, la mediación el 13 de octubre, Carteliando la resistencia, en el marco de la retrospectiva, un encuentro y experiencia creativa en torno a los carteles de la resistencia.El 19 de septiembre a las 7:00 p.m., se dará la apertura oficial con entrada libre de la retrospectiva en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá, con la proyección de Nuestra voz de tierra, memoria y futuro en su versión restaurada en 2K. Seguido, se llevará a cabo una conversación entre la cineasta y Maria Paula Lorgia, curadora de la retrospectiva.Consulte la programación completa de películas y conversatorios en la página web de la Cinemateca de Bogotá y en sus redes sociales.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
"American Fiction", la ópera prima de Cord Jefferson y que cuenta con una aplaudida actuación por parte de Jeffrey Wright, se coronó este domingo como la gran sorpresa del certamen al recibir el Premio del Público de la muestra canadiense.El filme, una adaptación del libro de Percival Everett "Erasure" en el que también intervienen los actores Tracee Ellis Ross, John Ortiz y Erika Alexander, es una sátira sobre la integridad artística.El Premio del Público de TIFF se concede a través de la votación popular de los espectadores que acuden cada año a las proyecciones de la muestra canadiense, considerada una de las más importantes del mundo. Y aunque el premio no tiene ninguna recompensa económica es el galardón más apreciado de todos los que concede el festival de Toronto.En 14 ocasiones, el ganador del Premio del Público de Toronto ha conseguido estatuillas en los Óscar. Películas como "Carros de fuego" (1981), "La historia oficial" (1985), "American Beauty" (1999), "Slumdog Millionaire" (2008) o más recientemente "Jojo Rabbit" (2019) y "Nomadland" (2020). En muchas más ocasiones, los ganadores del Premio del Público han sido nominados para los Óscar.Es precisamente esa capacidad del público de Toronto de anticipar el gusto de los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood lo que hace que cada año TIFF sea la plataforma preferida de muchos estudios para lanzar las películas que quieren que lleguen a los Óscar. Y también es por eso que desde hace años, el festival de Toronto atrae cada edición a centenares de los principales actores, directores y guionistas del momento.No este año, ya que la huelga de actores y guionistas de Hollywood ha hecho que muchos de ellos no hayan podido viajar a la ciudad canadiense para acompañar la presentación de sus películas y desfilar por las tradicionales alfombras rojas.En el caso de "American Fiction", ni Jefferson, que también es el guionista del film, ni Wright ni el resto del elenco de la película ganadora del Premio del Público asistieron a su estreno mundial el pasado 14 de septiembre.Pero a pesar de la huelga de actores y guionistas, algunos conocidos nombres de Hollywood sí que han hecho presencia en la 48 edición de TIFF gracias a que presentaban películas como directores, cuyo sindicato, Directors Guild of America (DGA), llegó a un acuerdo laboral con las productoras a principios de verano.Ha sido el caso de Michael Keaton que ha dirigido "Knox Goes Away"; Viggo Mortensen con "The Dead Don’t Hurt"; Anna Kendrick con "Woman of the Hour"; Chris Pine con "Poolman" y Ethan Hawke con "Wildcat".La actriz mexicano-estadounidense Salma Hayek también ha acudido a TIFF, luciendo un vistosa camiseta de la huelga del sindicato de actores, como productora de "El sabor de la Navidad", estrenada en Toronto.Los actores y guionistas de Hollywood están en huelga conjunta, la primera en 60 años, exigiendo a los grandes estudios mejores condiciones laborales, transparencia y pagos justos de los derechos residuales, así como regulación en la inteligencia artificial. El paro no impidió que TIFF premiase este año al director español Pedro Almodóvar, por su trayectoria profesional y el impacto social que han tenido sus filmes en todo el mundo.Almodóvar, que también proyectó en TIFF su último film, "Strange Way of Life" ("Extraña forma de vida") con Pedro Pascal y Ethan Hawke, recibió uno de los Premios Tributo del festival junto con Spike Lee y Patricia Arquette.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película Retratos Fantasmas, que es una especie de oda a las grandes salas de cine que marcaron la vida en la ciudad brasileña de Recife en el siglo XX y que en su mayoría ya no existen, tuvo su estreno mundial este año en el Festival de Cannes y actualmente se exhibe en el Festival de Cine de Toronto y en las principales salas de Brasil.El protagonista de la historia, sin embargo, es el centro de la capital del estado de Pernambuco, cuyas salas de exhibición sirvieron como espacios de convivencia e hicieron parte fundamental de la rutina y las costumbres de la población de la época."Retratos Fantasmas" es la más reciente producción de Mendoça Filho, quien ya obtuvo con su película "Bacurau" el premio del jurado en el Festival de Cannes (2019) e igualmente recibió el premio a mejor filme en el Festival de Sidney con "Aquarius" en 2016.La película fue seleccionada por los 23 miembros de una comisión independiente creada por la Academia Brasileña de Cine como la que representará al país en la disputa por ser una de las cinco finalistas al premio Óscar en la categoría mejor película internacional, cuya 95 edición está prevista para marzo de 2023.El filme compitió con otros 28 títulos por el cupo brasileño a los Óscar y en su fase final clasificó junto con "Estranho Caminho", de Guto Parente; "Noites Alienígenas", de Sergio de Carvalho; "Nosso Sonho - A História de Claudinho e Buchecha", de Eduardo Albergaria; "Pedágio" (peaje), de Carolina Markowicz, y "Urubus" (buitres), de Claudio Borrelli.La última vez que una película brasileña fue escogida entre las cinco nominadas a los galardones de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood fue en 1999, con "Central do Brasil", cuando la intérprete Fernanda Montenegro fue igualmente candidata al premio a la mejor actriz.Las nominaciones al Óscar serán conocidas el 23 de enero y la ceremonia tendrá lugar el 10 de marzo.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El pelo como leona, fiel a su camino, con un traje sutil hermoso Margarita Rosa de Francisco sube al escenario del Festival de Venecia a recibir el León, el premio a Mejor actriz; con una sonrisa inmensa y sus ojos azul brillante agradece en italiano, saluda a su familia y agradece a su país que "le ha dado todo". Margarita Rosa de Francisco ha marcado los hogares colombianos con sus apariciones en televisión que la han convertido en una de las mujeres más importantes del país, así como el rostro de la pantalla chica. La primera película de De Francisco fue Tacones (1981), producida por Clara María Ochoa y dirigida por Pascual Guerrero. El filme fue galardonado con el Premio al Mejor Musical en el Festival de Cine de Tashken. En 1984, fue Virreina de Colombia y participó en el certamen mundial en Londres al año siguiente. "En 1986 la programadora Caracol TV a través del director Julio César Luna, le ofreció el papel de la Niña Mencha en la telenovela Gallito Ramírez, de David Sánchez Juliao y Martha Bossio, papel con el que fue ampliamente reconocida y con el que gana el premio Simón Bolívar como actriz revelación en 1986", dice su perfil en Proimágenes Colombia. Tras esto la carrera de Margarita Rosa de Francisco creció rápidamente actuando en producciones como Los pecados de Inés de Hinojosa con Amparo Grisales en 1988, de RTI TV y bajo la dirección de Jorge Alí Triana; Brigada central con la televisión española; Puerta grande con Kepa Amuchástegui.El papel por el que es más recordada es el de Gaviota en Café con aroma de mujer, personaje que será recordado por siempre y con el que octuvo otro Simón Bolívar en 1994. La icónica figura de Margarita Rosa como Gaviota ha sido reconocida al rededor del mundo y ya hace parte de la cultura fílmica nacional. Tras su carrera como actriz y presentadora, De Francisco decidió lanzar su libro primer libro El hombre del teléfono, una novela publicada en el 2016 y luego en 2023 publicó Margarita va sola, que consta de sus memorias, textos de sus diarios y reflexiones acerca de su vida. Un texto completamente personal y revelador para el lector.Uno de sus últimos papeles en televisión fue para Viaje al centro de la tierra de Disney Plus, una historia basada en las narraciones de Julio Verne, que fue estrenada el pasado abril en la plataforma de streaming. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director manchego, de 73 años, admite que le emociona el galardón que le ha concedido TIFF, uno de los premios Tributo de la muestra canadiense, que se inauguró el pasado jueves y se clausura el día 17."Es un reconocimiento realmente de palabras mayores porque lo que premian es la influencia de mi cine dentro de los medios de comunicación e incluso la buena influencia dentro de la sociedad en la que vivimos por el tipo de películas que he hecho, por la libertad de mis personajes", explica.En su cine, recuerda, "salían transexuales, bisexuales, todo tipo de orientaciones sexuales, y de un modo normal, no tratado como algo problemático", cuando todo eso no estaba de moda. Lo hizo porque eran las historias que quería contar, lo que le "pedía" el cuerpo."Me alegro mucho si eso además ha ayudado a que esta sociedad mejore mínimamente. Estoy encantado. Me siento muy, muy emocionado", añade el ganador de dos Óscar, uno a la Mejor Película Extranjera por "Todo sobre mi madre" en 1999 y otro por el Mejor Guión Original por "Hable con ella" en 2002.El Festival ha señalado de forma específica la importancia de la obra de Almodóvar a la hora de "empujar los límites del cine", algo que, apunta, no fue premeditado. "Yo no era consciente de estar empujando los límites, o al menos no de un modo consciente, pero ni incluso ahora soy consciente. Cada vez que empiezo una película creo que es la primera. No tengo la sensación, por ejemplo, de decir: 'Ah, bueno, ya he hecho 22 películas, esta sé hacerla'", asegura."La palabra que define el cine es la incertidumbre. Hacer una película es una enorme aventura que tiene también un carácter muy adictivo porque yo, ahora, no podría vivir sin hacer cine. Lo que trataba era de no repetirme", continúa.Almodóvar reconoce que recibir este tipo de premios le hace reflexionar sobre su trayectoria y trabajo, algo que, afirma, no hace normalmente. "Este tipo de premios te obligan a pensar en tu trayectoria y en cómo ha ido cambiando a lo largo de casi cuatro décadas. Todas las películas me pertenecen, pero cada película es diferente de la anterior, diferente también de la próxima. Todas ellas forman los eslabones que componen mi filmografía", sostiene.El director admite que "no tenía la confianza en absoluto" para hacer "Brokeback Mountain" cuando se lo propusieron hace dos décadas, por la barrera del idioma. Ahora es distinto, tras rodar dos cortos en inglés, incluido "Strange Way of Life" ("Extraña forma de vida") con Pedro Pascal y Ethan Hawke y que está siendo proyectado en TIFF.Almodóvar está trabajando en un proyecto de largometraje en inglés, situado en Nueva York. El director revela algunos de sus detalles, aunque recalca que no sabe si saldrá y que también tiene entre manos otro proyecto en español, "En el caso de que haga la próxima película en inglés, no es tanto sobre la sociedad americana. Es una película intimista acerca de dos mujeres que viven una situación extrema", explica.Añade que no puede hacer una versión de "Qué he hecho para merecer esto", por ejemplo, porque no maneja las claves culturales de una ama de casa estadounidense. "Pero sí sé acerca de dos seres humanos, en este caso dos mujeres, que viven una situación especial, y sobre lo que les ocurre en un terreno de intimidad. Porque además también es en lo que me he especializado: en películas de no muchos personajes y donde se habla mucho", afirma.A la pregunta de qué le diría el Pedro Almodóvar de 2023 al de 1983, al que cantaba "Voy a ser mamá" con Fabio McNamara, al Almodóvar de la movida madrileña, el director no duda en responder. "Enhorabuena por haberte atrevido", contesta con aplomo. "Yo me alegro mucho de haberme atrevido a hacer cosas como las canciones que hice con Fabio McNamara", concluye.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El segundo premio en importancia, el León de Plata Gran Premio del Jurado, ha sido para "Evil does not exist", un canto a la protección de la naturaleza dirigido por el japonés Ryusuke Hamaguchi, el director de la oscarizada "Drive my car" (2022).Lanthimos ha triunfado con una adaptación de una novela del escocés Alasdair Gray sobre una mujer que es devuelta a la vida por un extraño cirujano (Willem Dafoe) y al volver a empezar de cero puede afrontar su vida completamente libre, sin vergüenza ni prejuicios."Hasta ahora la industria no ha estado preparada para recibir una película como ésta", apuntó el realizador de "The Favourite (La favorita)", dado que en sus "pobres criaturas" no faltan las escenas explícitas de sexo y todo tipo de experimentaciones.Otro de los grandes triunfadores de la Mostra ha sido el italiano Matteo Garrone, que ha conmovido y sacudido conciencias con su relato sobre la inmigración subsahariana "Io capitano", por la que ha obtenido el León de Plata al mejor director.Además, su joven protagonista, el senegalés Seydou Sarr, ha sido premiado con el Marcello Mastroianni al mejor actor emergente por su retrato de la odisea a la que se enfrentan muchos de sus compatriotas, la agónica travesía por el desierto del Sahara, las torturas en Libia y los peligros del mar.Garrone ha dado la palabra al senegalés Mamadou Kouassi, cuyo testimonio ha inspirado la película, y éste ha dedicado el premio "a todas las personas que no han pedido llegar a Lampedusa" y ha pedido que se detenga el tráfico de seres humanos y corredores seguros para los solicitantes de asilo.Premio a dios cineastas hispanosEl chileno Pablo Larraín ha recogido el premio al mejor guion por "El conde", una sátira en la que retrata al dictador Augusto Pinochet como un vampiro sediento de sangre para denunciar la impunidad tras la dictadura chilena."No a la impunidad", reivindicó el director de películas como "Jackie" (2016) o "Spencer" (2021) al recoger el premio, pocos días antes de que su país, Chile, conmemore los 50 años del golpe de Estado.La Copa Volpi al mejor actor fue a parar al estadounidense Peter Sarsgaard por su papel en "Memory", el segundo largometraje en inglés del mexicano Michel Franco, que explora en él las posibilidades de un idilio entre una mujer atormentada por traumas de infancia y un hombre con demencia precoz.Sarsgaard también ha aprovechado su paso por el escenario para solidarizarse con la huelga de actores y guionistas de Hollywood y en particular ha apelado a los grandes estudios y plataformas para limitar el uso de la inteligencia artificial."Este trabajo se basa en la conexión humana (...) y toda la experiencia humana no puede ser entregada a las máquinas", ha advertido el intérprete. "Si perdemos esa batalla, nuestra industria será la primera de muchas en caer".Cailee Spaeny, Copa Volpi por sorpresa Más sorpresa ha causado la Copa Volpi a la mejor actriz, entregada a la joven estadounidense Cailee Spaeny, de 25 años, por su papel en "Priscilla", la película de Sofia Coppola sobre Priscilla Presley, a quien Spaeny ha dedicado su premio tras confesarse abrumada por la responsabilidad que este trabajo ha supuesto para ella.La inmigración es también el tema de "Green border", la película de Agnieszka Holland que ha obtenido el Premio Especial del Jurado y que retrata la situación de los solicitantes de asilo que llegan a la frontera de Bielorrusia y Polonia.Aunque el filme se centra en los sucesos de 2021, cuando el presidente bielorruso, Alexander Lukashenko, hizo un llamamiento que atrajo a miles de inmigrantes que acabaron atrapados en un ciclo de expulsiones sin fin de uno a otro lado de la frontera, la directora ha recordado que lo que retrata su película "sigue ocurriendo".En la sección Horizontes, la segunda en importancia dedicada a las vanguardias cinematográficas, las propuestas hispanas se fueron de vacío pero resultó premiada la actriz colombiana Margarita Rosa de Francisco por la película italiana "El paraíso".La Mostra cierra con este palmarés su edición número 80, marcada por la huelga de actores y guionistas de Hollywood y por propuestas de tinte político, desde la impunidad con la dictadura chilena hasta otros problemas más actuales como la inmigración en Europa.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"El Paraíso", que narra con mucha música y un final muy especial la odisea de una colombiana que trafica con cocaína en Roma, ganó el premio al mejor guión."Se lo agradezco a mi país, que me lo ha dado todo, profesional y personalmente", declaró la actriz y presentadora colombiana al recoger el galardón.Margarita Rosa de Francisco es una conocida intérprete de teleseries en su país y de películas con cásting internacional, como "Cartagena", con Sophie Marceau y Christophe Lambert, de 2009.Por su parte el documental chileno "Malqueridas", de Tana Gilbert, se llevó el premio a la mejor película y a la mejor contribución técnica de la Semana de la Crítica, una sección paralela de la Mostra de Venecia."Malqueridas" es una cinta editada a partir de las grabaciones clandestinas de mujeres que cumplen condenas de cárcel en Chile.El documental "reconstruye sus historias a través de las imágenes que ellas mismas tomaron con los teléfonos móviles prohibidos dentro de la prisión, recuperando la memoria colectiva de una comunidad olvidada", explica el texto de presentación del documental.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El corto surge por inspiración de mis papás. Toda mi familia es de Colombia y yo nací en Miami, pero viví un tiempo en mi país cuando era un bebé y vuelvo cada año varias veces a visitar a mi papá, que sigue en Bogotá", explica el realizador a EFE en la Mostra veneciana.Pedraza (Miami, 1990) es el único latinoamericano en la sección de cortos del prestigioso Festival de Venecia, aunque el español también se escucha en "Aitana", de la española Marina Alberti."Bogotá Story" recoge el conflicto entre una pareja de jóvenes padres en una Bogotá en la que resuenan las bombas del narco en 1992: ella, Pilar, recibe la oportunidad de trabajar en Estados Unidos pero su marido, Alejandro, no quiere dejar su ciudad natal.La madre tiene solo tres días para responder, lo que pondrá a la pareja al borde del precipicio mientras en su casa se asoman otros problemas de aquel entonces, como el desabastecimiento de luz y agua.La idea, apunta el realizador, era trasladar a la pantalla "un conflicto" entre los sueños y ambiciones personales de una mujer y el "deber a una familia, a su hija y a todo lo que tiene alrededor".Por eso decidió ambientar este "cuento" en aquella época conflictiva: "Era el momento perfecto para la historia porque mezcla el conflicto externo con el interior de los personajes", alega.Y para acentuar esa elección estética rodó en 16 milímetros, que oscurece las partes más apagadas y confiere a la cinta un tono más lúgubre y frío, aumentando su dramatismo.Pedraza confiesa que esta es una trama muy personal e inspirada por sus propios padres. De hecho, él nació en Miami después de que su madre decidiera dejar su país, aunque su padre se quedó. Por eso él es un colombiano que reside actualmente en Nashville, Tennessee.El amor de este joven director por el cine nació "un poquito tarde" cuando tenía 18 años, en el último curso de bachillerato, y entró en un curso de teatro.Pero ahora esa pasión, fraguada a la luz de maestros como Kubrick, Fellini o Scorsese, le ha llevado al Festival de Venecia (y a padecer en su estómago el efecto de los nervios, confiesa)."Es como estar en un cuento de hadas. Es surrealista y creo que cuando vuelva al mundo no acuático, me parecerá un sueño dentro de otro sueño", celebra."Estoy muy agradecido y es un honor poder representar a Colombia en Venecia y ser el único latinoamericano en los cortos", confiesa.Su paso por la Mostra a buen seguro le animará a seguir el camino del cine y, promete, ya tiene preparado el guión de su primer largometraje que de nuevo será personal y transcurrirá entre sus "dos mundos", aunque por el momento no puede decir nada más.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Soy muy afortunada y soy consciente de ello, esta profesión es maravillosa y por eso mismo a los actores a menudo nos hacen sentir que tenemos que estar callados para proteger futuras oportunidades laborales", ha dicho la ganadora de un Óscar por "Los ojos de Tammy Faye"."Creo que es precisamente ese ambiente el que ha permitido que durante décadas se perpetren abusos en el lugar de trabajo y también es el responsable de los contratos abusivos a miembros del sindicato", ha dicho la actriz en la rueda de prensa para presentar "Memory", una película de Michel Franco que compite por el León de Oro.Chastain, que llevaba una camiseta con el emblema del sindicato de actores de Hollywood SAG-AFTRA, ha recordado que éste ha dejado claro que los acuerdos interinos con productoras independientes, que no son miembros de la AMPTP (Alianza de Productores de Cine y Televisión), les permiten participar en eventos como este festival."Estoy aquí porque SAG-AFTRA ha sido claro en cuál es la manera de apoyar la huelga", ha dicho la protagonista de filmes como "Zero Dark Thirty" ("La noche más oscura", 2012), "Interstellar" (2014) o "The Help" ("Criadas y señoras", 2011)."Los productores independientes como los que están aquí hoy y que han firmado esos acuerdos están haciendo saber al mundo y a la AMPTP que los actores merecen compensaciones justas, protección frente la inteligencia artificial y compartir los ingresos por el 'streaming'", ha señalado."Espero que estar aquí hoy anime a otros productores independientes y actores a dar la cara y a apoyar al sindicato y espero que la huelga termine pronto", ha añadido Chastain, que ha concluido haciendo un revelador gesto de jugarse el cuello.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Septiembre es el mes de la prevención del suicidio, según la Organización Mundial de la Salud más de 700.000 personas en el mundo mueren por este motivo cada año, tan solo en Estados Unidos hay 14,4 suicidios por cada 100.000 personas.Sabemos que esta es una decisión personal e intima, pero queremos recordar que hablar de enfermedades mentales puede ayudar a encontrar un camino de tratamiento y solución. Sentirse a acompañado y escuchado puede ser un gran inicio y las historias que les contaremos hoy pueden servirles en los procesos que tú o alguien que conoces está afrontando. Traemos cinco libros acerca de depresión, ansiedad y diferentes enfermedades mentales que han sido representadas en la literatura.'La campana de cristal' de Sylvia PlathEste libro es la historia de Esther Greenwood, una joven escritora que se ve envuelta en su bipolaridad y su escritura. La novela que tienes tintes autobiográficos describe los sentimientos de la protagonista de manera cercana, así como su esfuerzo por encajar en la sociedad.'El peligro de estar cuerda' de Rosa Montero La escritora española hace un recuento basado en su investigación acerca de la creatividad y la inestabilidad mental. Es una mezcla entre ensayo y ficción donde el lector descubre lo que pasa en nuestro cerebro cuando juntamos las emociones y la habilidad de crear.'Las vírgenes suicidas' de Jeffrey EugenidesEl libro narra la historia de las hermanas Lisbon, quienes se suicidan en un lapso de año y medio. Veinte años después algunos hombres que vivían en el mismo barrio deciden investigar que sucedió y descubren el origen del misterio.'La madre de Frankenstein' de Almudena Grandes Es una de las novelas que hacen parte del ciclo de los “Episodios de una guerra interminable”, la escritora relata la historia de un joven psiquiatra que regresa a España tras la guerra y se encuentra con una joven que tiene un pasado que quiere olvidar, así como con los abusos del manicomio de mujeres en Ciempozuelos.'Yo maté a un perro en Rumania' de Claudia Ulloa Donoso Este libro narra la historia de una protagonista anónima que está sumida en una terrible depresión y uno de sus amigos decide llevarla a Rumania con temor de que algo le suceda mientras él no está. En este viaje se le revela la forma real de su amigo, un país completamente distinto y la inminencia de estar viva.Bonus: 'El tapiz amarillo' de Charlotte PerkinsEste relato es la historia de una mujer encerrada diagnosticada con “depresión nerviosa temporal”, obligada a estar en su habitación la protagonista se obsesiona por el papel tapiz de su cuarto y todo lo relata en su diario.Estos son solo algunos de los libros que han narrado las condiciones mentales, cuéntenos si conoce más. Si se encuentra en una situación complicada, no dude hablar con alguien o buscar ayuda y recuerde que los libros también pueden ser gran compañía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
La novela de Esquivel, publicada en 1989, está traducida a más de 30 idiomas y ya fue adaptada al cine en 1992, convirtiéndose en una de las películas latinoamericanas más exitosas, dirigida por el mexicano Alfonso Arau.La producción original de HBO comenzó ya a rodarse en México esta semana, según la fuente, bajo la dirección de Julián de Tavira y Ana Lorena Pérez Ríos y con las interpretaciones de Irene Azuela ("Quemar las naves"), Azul Guaita ("Mi marido tiene familia"), Ari Brickman ("Sr. Ávila" y "Asesino del olvido"), Ana Valeria Becerril ("Las Bravas"), Andrea Chaparro ("¿Encontró lo que buscaba?"), Andrés Baida ("Los elegidos"), Ángeles Cruz ("Capadocia") y Louis David Horné ("La negociadora").Este proyecto "reúne todos los elementos que como creadores de contenido aspiramos a tener en una historia: una trama potente que nos sumerja en un universo tan particular como el del realismo mágico latinoamericano, muy arraigado en nuestra cultura, realizada en conjunto con grandes creadores y talento local, con una enorme proyección para viajar globalmente y desarrollada con el sello de calidad que caracteriza a HBO", dijo Mariano César, de Warner Bros Discovery.Los protagonistas son Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, una pareja de enamorados que no pueden estar juntos debido a arraigadas costumbres familiares, lo que obligará a Tita a transitar entre el destino dictado por su familia y la lucha por su amor, mientras vive en su mayor refugio, la cocina.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Matilde Landeta, una figura icónica en la historia del cine mexicano, dejó una huella indeleble en la industria cinematográfica del país. Nacida el 20 de septiembre de 1913en Ciudad de México, Landeta se convirtió en una de las primeras directoras de cine en México y una defensora apasionada de los derechos de las mujeres en la industria cinematográfica.Su carrera en el cine comenzó en 1945 cuando se convirtió en asistente de dirección. Pese a que nunca asistió a una escuela, su trabajo con Emilio Fernández, Julio Bracho y Roberto Gavaldón, le mereció el reconocimiento de la industria. Sin embargo, a lendeta nunca le fue fácil conseguir apoyo para financiar sus películas. A finales de los años 40, hizo una hipoteca de su casa para crear su propia compañía productora TACMA S. A. de C. V.Sus primeros dos largometrajes fueron adaptaciones de novelas de Francisco Rojas González, Lola Casanova (1948) que tardó un año en estrenarse y tuvo mala distribución y difusión. Su segunda película La negra Angustias (1949), también sufrió un boicot similar, y Trotacalles (1951) su tercera película, le generó numerosos problemas sindicales que le imposibilitó volver a filmar hasta 40 años después.Landeta iba a dirigir Tribunal de menores, sin embargo, Eduardo Garduaño, miembro del Banco Nacional de Cinematografía, la convenció de vender su guion. Garduaño vendió la película al director Alfonso Corona Blake, quien le cambió el título a El camino de la vida. Trataron de excluir su nombre de los créditos, pero Landeta terminó demandándoles y logró mantener el reconocimiento para su guion. Sin embargo, debido a este incidente, le impidieron trabajar en la industria del cine mexicano, por lo que decidió trabajar en Estados Unidos. Durante los siguientes años escribió el guion de más de 100 cortometrajes de media hora para la televisión estadounidense. También impartió clases en la primera escuela de cine. Fue responsable de la supervisión de guiones en el Banco de Guiones de la Sociedad General de Escritores de México y ella misma continuó escribiendo. En 1957 recibió el premio Ariel en la categoría de mejor argumento por El camino de la vida.Fue dos veces Presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas entre 1983-1994 y entre 1985 a 1986. En 1991 a los 78 dirigió su último largometraje, Nocturno a Rosario. Se vio obligada a vender sus tres películas anteriores en España para costear con Imcine la producción de la misma.Murió el 26 de enero de 1999 en Ciudad de México.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La pieza es una composición musical escrita por el compositor francés Erik Satie en 1888. Esta obra es una de las piezas más conocidas y emblemáticas de Satie, y es apreciada por su belleza y simplicidad melódica.Las gimnopedias fueron danzas celebradas en julio-agosto en honor al dios Leto y sus hijos Apolo y Artemisa. En ellas, jóvenes espartanos bailaban desnudos haciendo posturas de batalla. Algunos historiadores y filósofos, las mencionaron en sus obras: en “la Hélenicas” de Jenofonte; en las “Leyes” de Platón y en el “Tratado de música” de Plutarco. Satie desde pequeño tuvo acercamiento al idioma griego, de allí, que nombre “Gymnopédies” a sus tres obras más famosas en piano.A pesar de que su nombre significa una fiesta, la Gymnopédia No. 1, por el contrario, es reconocida y representada en películas, series y programas de televisión y radio como una pieza de piano triste. Pero, ¿Qué la hace triste?, es muy sencillo: agregarle séptimas, menores a los acordes y emplear ña “cadencia rota”. Según el analista musical y youtuber Jaime Altozano, la obra inicia con las notas SOL(maj), Re(maj) que si bien no son tristes, Satie le introduce séptimas mayores a los acordes: Sol (maj7) – Re (maj7) y esto, cambia la sensación de la Gymnopédie No1. A media que la pieza avanza, pasa de acordes mayores a menores. La obra empieza triste y tiene un punto de quiebre en caída libre cuando agrega el acorde de séptima dominante Re7 y juega, de nuevo, con los acordes menores y mayores, crea una “cadencia rota”. La “cadencia rota” es un concepto musical que se utiliza para describir una progresión armónica que difiere de la estructura típica de la cadencia perfecta. En una cadencia rota, la resolución de los acordes no sigue el patrón de tensión y relajación esperado en una cadencia convencional. En lugar de resolver un acorde final de manera satisfactoria y conclusiva, la cadencia rota introduce una sorpresa o giro inesperado en la armonía.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
En el marco de la tercera edición del Festival Centroamérica Cuenta que se celebra en Madrid, la autora cuenta que el próximo año publicará un libro sobre la icónica novelista mexicana Elena Garro, a quien también asocia a este síndrome, pero de manera "ambivalente"."Por un lado, Garro demeritaba su obra, la trataba de quemar o la abandonaba, pero, por otro lado, sí buscaba el reconocimiento, sí sufría por no tenerlo y creo que eso nos pasa un poco a todas", explica Barrera, tras resaltar que los escritos de la dramaturga mexicana del siglo XX "han sobrevivido a la invisibilización por los muchos esfuerzos de recuperar su obra y memoria".Sobre el libro de la exponente del realismo mágico, autora, entre obras obras, de "Los recuerdos del porvenir", Barrera afirma que al principio tenía la idea de que fuera "un pequeño texto de 30 páginas". Sin embargo, comenta que después se convirtió "en un hoyo negro que la absorbió por dos años"."La vida de Elena Garro está llena de dolor, fue víctima de violencias (...), entonces fue bastante oscuro estar en ese mundo, pero también fue fascinante porque era inmensamente creativa", asegura Barrera en Casa de América, la sede oficial del festival literario fundado en Nicaragua por el escritor Sergio Ramírez.Crear en colectivoEntre su época como autora y la de Elena Garro, Barrera "ve un cambio radical", pues resalta que "se siente segura y acompañada por muchas mujeres escritoras". "Las nuevas generaciones estamos creando desde otro lugar, apoyándonos, compartiendo, creando en colectivo y eso ha hecho una gran diferencia", añade.Además, considera que ese trabajo "en colectivo" está "exigiendo de manera muy notable" a las editoriales y a las lectoras "leer historias de mujeres que estuvieron tanto tiempo silenciadas" y está haciendo un "boom" hacia los temas que antes "parecían intrascendentes", como "la maternidad, el acoso, los trabajos domésticos y la violencia".Sin tapujos, la literata advierte de que siempre existirán "contraataques y discursos" que quieran "someter a las mujeres", pero por eso se debe "seguir dando la lucha", y pone como ejemplo a los movimientos de denuncia del #MeToo en México, los cuales, asegura, "han cambiado la condiciones laborales de las escritoras en la industria de las letras".El primer borrador es "más libre"Respecto a la presencia del síndrome del impostor en el proceso de publicación, Barrera menciona que, a diferencia de los hombres, para que "una mujer se arriesgue a mandar un manuscrito a una editorial tiene que estar mucho más segura de lo que ha hecho".En ese sentido, considera que "el proceso de publicación es muy distinto al de la escritura" y que, en ese transcurso, sus "cajones" se han llenado de muchas cosas que escribe pero no publica y no sabe si algún día "verán la luz del día"."Cuando escribo trato de hacer un primer ejercicio de escritura sin pensar en nadie, disfrutando y aprendiendo del proceso, sin censurarme (...), pero una vez que termino el texto decido si se puede publicar o no", describe.Este "primer ejercicio de escritura" Jazmina Barrera también lo vincula con la "creación colectiva" entre mujeres, pues comenta que la escritora mexicana Verónica Murguía le enseñó que el primer borrador "tenía que ser mucho más libre y disfrutarse".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
