"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este evento contará con nueve salas que ofrecerán funciones por toda la ciudad que incluyen la Cinemateca de Bogotá, la Alianza Francesa o el Centro Cultural Gabriel García Márquez y estará organizado en distintos programas que incluirán charlas, seminarios y tallares impartidos por profesionales como la directora salvadoreña Tatiana Huezo o el productor alemán Heino Deckert.Organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas (ALADOS) la muestra otorgará tres premios a realizadores de documentales: el Premio Cultura Bogotá, a la mejor película nacional y a la mejor iberoamericana; el Quijote Federación Cineclubes y el Corte final.Algunos de los programas que incluirá el festival serán 'Espejos: crisis de antropoceno y cortometrajes por la vida y el territorio', ' Vestigios que arden', 'De la promesa a la fábula' o 'Bajo estas aguas hubo un pueblo', y esta edición se centrará en el documental francés con el programa 'Francia, crisol de realidades'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los espacios destacados del evento, según manifiesta la organización en un comunicado, es el 'Encuentro pensar lo real', para dialogar, reflexionar y debatir sobre este género del cine y "los abismos de la realidad humana, explorando las consecuencias destructivas de nuestras acciones, como los impactos ambientales, guerras y conflictos".Como novedad en esta edición parte de las proyecciones tendrán lugar en la plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata con una serie de documentales sobre figuras populares de la cultura colombiana y películas sobre la identidad y el territorio colombiano.Además, a lo largo de estas cinco jornadas de cine, habrá funciones en colaboración con comunidades afrodescendientes, indígenas o víctimas del conflicto armado para incluir a toda la población y todos los rincones de Colombia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Su nombre es inseparable del cine francés. Su obra, rica, variada y profundamente anclada en la realidad, es una llamada a la reflexión", explicó la organización en el comunicado en el que anunció el galardón, este martes.Nacido en Grecia en 1933 y exiliado en Francia, Konstantinos Gavras, conocido como Costa-Gavras, es un "maestro del 'thriller' político, que se ha distinguido por su audacia al abordar los temas candentes de nuestra sociedad", añadió el comunicado.La Academia de los César destacó también el reconocimiento logrado por sus obras con premios internacionales, como el Oscar a la mejor película en lengua extranjera que logró 'Z' en 1970, la Palma de Oro de Cannes y el Oscar al mejor guión en 1982 para 'Missing', el Oso de Oro de Berlín en 1990 para 'Music Box' o el César al mejor guión de 2003 para 'Amén'."A través de todas sus obras, Costa-Gavras ha transformado el cine en una potente herramienta de denuncia de las injusticias sociales y políticas, creando obras que atraviesan las épocas con una fuerza intemporal", insistió la Academia sobre el realizador de 27 películas y guionista o coguionista de 19 de ellas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Su última película, 'Le dernier soufle' ('El último suspiro'), se presentó justo el pasado 25 de septiembre en el Festival de San Sebastián (España), un filme que aborda el derecho a morir dignamente."Cada vez vivimos más años, tenemos que empezar a hablar de esto seriamente", apuntó el director, de 91 años, en la presentación. "Hay una muerte que es un viaje personal y eso se tiene que hacer en las mejores condiciones, es factible", recalcó.También recibirá un César de Honor la actriz estadounidense Julia Roberts, un galardón anunciado la pasada semana por la Academia que organiza los premios, que en su próxima edición se celebrarán de nuevo en el teatro Olympia de París.El año pasado, los César de Honor fueron para el director y guionista estadounidense Christopher Nolan y la actriz francesa Agnès Jaoui.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Estas producciones, tres de ellas con mujeres en la dirección, suponen una representativa muestra del panorama cinematográfico iberoamericano más actual, emergente e innovador, con un notable paso por festivales internacionales como Cannes o TriBeCa, según informó la organización.El realizador brasileño Marcelo Caetano presentará su última película, Baby, que ya se vio en la Semana de la Crítica de Cannes y que cuenta la historia de un joven liberado de un centro de detención juvenil que va a la deriva por las calles de Sao Paulo.El méxicano César Díaz competirá con México 86, en la que la oscarizada actriz franco-argentina Bérénice Bejo interpreta a una activista guatemalteca que huye a México tras luchar contra la dictadura militar de su país.La también mexicana No nos moverán, ópera prima de Pierre Saint Martín, desembarca con una historia en blanco y negro en la que una abogada se obsesiona con hallar al soldado que mató a su hermano durante la masacre estudiantil de 1968 en Tlatelolco.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El film Agarrame fuerte es la apuesta de las realizadoras uruguayas Ana Guevara y Leticia Jorge que compiten con una historia de hermandad centrada en una mujer que ha perdido a su mejor amiga.El dominicano Yoel Morales llega con La bachata de Biónico, un falso documental en el que un romántico adicto al crack debe tomar el control de su vida antes de que su prometida salga de un centro de rehabilitación.Chile estará presente con Sariri, de Laura Donoso, una historia de mujeres que viven bajos las estrictas reglas masculinas ambientada en un pueblo minero perdido en el desierto.Por último, la hispano-argentina Linda llega a Huelva tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Toronto. Está protagonizada por una empleada doméstica que revela secretos y fantasías eróticas de una familia, en cuyos miembros despierta una atracción tal que le llevará a ejercer poder sobre ellos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El premio lo ha recogido Pérez Biscayart, que ha hecho una encendida defensa del cine argentino. "Gracias a las películas que me hicieron actor las hice en Argentina y tuvieron apoyo del INCAA. Si pude ser actor es porque mi país cree en fantasía y se armaron estructuras para que esas fantasías puedan ser plasmadas, como la ley del cine", ha recalcado.Ha denunciado que el Gobierno de Javier Milei "está empecinado en un plan destrucción de la cultura nacional". "Se creen muy pillos, se creen militantes de la libertad, pero detrás del autoengaño y el odio que profesan no hay libertad, solo una profunda soledad, pero no nos van a destruir", ha afirmado."No vamos a borrar la memoria ni el futuro y todo el amor que nos produce juntarnos será siempre mucho más fuerte que todo desprecio", ha añadido el actor, que ha terminado su intervención con un "Viva Palestina libre".Tras su discurso, se ha recordado el paso de los filmes argentinos que han participado en esta edición y se ha proyectado un vídeo en el que distintas personalidades han mostrado su apoyo al cine de este país, al que el Zinemaldia dedicó también una jornada de solidaridad el pasado martes.'El jockey' ha sido premiado, entre otras razones, por su "convicción y libertad" y su asunción de "riesgos narrativos sorprendentes" y por "su búsqueda formal y estética cruza géneros con pasión y originalidad", ha considerado el jurado.El día de su presentación, Ortega dedicó el estreno de la película en la sección Horizontes Latinos al actor Daniel Fanego, uno de los intérpretes de la cinta, que falleció la pasada semana a los 69 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.'El jockey', que ha llegado al certamen español tras competir por el León de Oro en el Festival de Venecia, es una exploración surrealista de la identidad, la realidad y de "lo milagroso de la vida".Los delirios de un vagabundo de Buenos Aires inspiraron a Luis Ortega para rodar este filme, que cuenta la historia de un jinete legendario con un comportamiento autodestructivo que pone en peligro su vida y su relación con su novia Abril y que acaba siendo perseguido por un grupo peligroso en el que se encuentra Fanego.En esta 72 edición del certamen donostiarra, la película 'Sujo', de las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez, una coproducción entre México, Francia y España, que competía también en Horizontes Latinos, se ha alzado con el Premio de la Cooperación Española.Esta cinta relata las vivencias de un niño, hijo de un pistolero de un cártel, que intenta rehacer su vida lejos de la violencia de su pueblo natal, aunque el legado de su padre le llevará a enfrentarse con lo que parece ser su destino.Valadez -su compañera no ha podido acudir a la gala- ha dicho que su país suma más de 20 años de crisis humanitaria y de violencia, que han dejado cientos de miles de huérfanos."El cine no puede cambiar la realidad, pero sí tener una conversación. 'Sujo' es una conversación y también una carta de amor a esos niños", ha subrayado.En la sección Zabaltegi-Tabakalera, donde concursan las propuestas más arriesgadas, el filme argentino 'Monólogo colectivo', de Jessica Sarah Rinland, ha obtenido una mención especial por y por "estar hecha con rigor y afecto sobre los gestos que crean una convivencia entre los seres humanos".En la Sección Oficial, ha logrado la Concha de Plata a la mejor dirección 'El llanto', del español Pedro Martín Calero, en cuya producción participa también argentina. Ha sido un galardón compartido con la portuguesa Laura Carreira, directora de 'On Falling'.Además, el corto 'El reinado de Antoine', del dominicano José Luis Giménez Gómez, alumno de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba, ha ganado el Premio Nest al mejor cortometraje.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"He dudado de mí muchas veces y los demás también", confesó este viernes en rueda de prensa la que fue estrella de la serie 'Baywatch', orgullosa y feliz de dar este salto al cine independiente y de autor a sus 57 años, "cuando creía -dijo- que era imposible"."Nunca es demasiado tarde, estaba en mi jardín haciendo mermelada y pensando que nunca tendría una oportunidad así", aseguró la actriz, que reconoció haber vivido "algunas décadas perdidas". "Siento que pasé de 'Baywatch' a Broadway de golpe, no sé qué pasó entre medias".La película, que cierra hoy el desfile de aspirantes a la Concha de Oro en el festival, gira en torno a una veterana bailarina que ve cómo el espectáculo de Las Vegas en el que lleva trabajando treinta años baja el telón de forma abrupta.A la vez que se enfrenta a un incierto futuro profesional a sus 50 años, se esfuerza por reparar la tensa relación con su hija, que a menudo estuvo en un segundo plano.Anderson admitió que su situación tenía muchos paralelismos con el de Shelley, su personaje, que dependió en gran medida de su cuerpo y su belleza para trabajar."Gran parte de mi carrera ha dependido de mi físico y esa ha sido una de las razones para hacer este experimento conmigo misma", señaló, "quitarme capas, recordar quién soy, no dejarme definir por los demás o por lo que la gente espera de mi, no amargarme y mantener la alegría de trabajar en este negocio".La actriz llegó ayer jueves a la ciudad española de San Sebastián (norte) y pasó rauda por las escaleras del hotel María Cristina, donde tradicionalmente se hospedan las estrellas que asisten al festival, vestida con un sobrio pantalón y jersey negros y con el pelo recogido.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hoy compareció ante la prensa con un vestido rosa de gala, ya que acababa de pasar por la alfombra roja previa al estreno de su película.Para Gia Coppola (Los Ángeles, 1987), nieta de Francis Ford Coppola y sobrina de Sofía Coppola, este es su tercer largometraje después de 'Palo Alto' (2013) y 'Mainstream' (2020), que se presentaron en el festival de Venecia."Siempre quise hacer una película en Las Vegas", aseguró la directora.Coppola afirmó haber tenido en mente a Anderson desde un inicio pero cuando vio su documental 'Pamela, a Love Story' (2023), en el que narraba en primera persona su trayectoria, marcada por su conversión en icono erótico televisivo y su relación tortuosa con el músico Tommy Lee, pensó que nadie más podía hacerlo.Tras su paso por San Sebastián, Pamela Anderson recibirá el Premio Golden Eye del Festival de Zúrich (Suiza), que se celebrará del 3 al 13 de octubre, un premio que reconoce los logros de su carrera.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"He tenido la oportunidad de trabajar con algunos de los mejores actores y actrices y técnicos de este país y con ellos debo compartir este premio. Este Donostia es de El deseo (...) es también de Penélope (Cruz), de Carmen, que fue realmente quien me descubrió. Gracias, Carmen Maura", dijo el director.Almodóvar citó a numerosos actores y actrices y concluyó: "En fin, he tenido la suerte de trabajar con actores y actrices de enorme talento y les estoy inmensamente agradecido".Redondeó la lista con la británica Tilda Swinton, por darle la mano en su primera película en inglés, y concluyó con una petición de "perdón" a quien hubiera podido ofender: "No he podido ser de otro modo del que soy -reconozco".El actor Eneko Sagardoy ayudó al auditorio a repasar la carrera del prolífico director y productor, que "vio la luz" como cineasta en el Festival de San Sebastián en 1982, donde presentó 'Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón', acompañando sus palabras con imágenes de un jovencísimo Pedro Almodóvar declarando sin pudor que en su cine no había "voluntad de provocación ni de escándalo".Han sido 44 años carrera, con 23 largometrajes e infinidad de premios, entre ellos dos Óscar, cinco Goyas, siete premios del cine europeo y el último, el León de Oro que se llevó el pasado 7 de septiembre del Festival de Venecia.Después, Tilda Swinton, con un vaporoso vestido negro que adornó con un broche en el que se leía "SOS Gaza", dirigió una carta a su amigo en la que le agradecía su dedicación "hasta la última curva" del cine, así como su contribución a la cultura mundial: "Has plantado en nosotros un jardín de tesoros. Tú vivirás para siempre", le dijo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director, de traje azul claro y camisa sin corbata de color crudo, fue recibido con un largo aplauso del auditorio, sin una sola de sus 1.800 localidades vacías, entre ellas las ocupadas por el presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, y su esposa, Begoña Gomez."Mi vida no tiene sentido sin el cine -declaró-, la vida y el cine me han dado mucho más de lo que yo podía soñar, he tenido el privilegio de contar las historias que quería contar de imponer mi mentalidad desde los márgenes sin esperar a que nadie me diera permiso para hacerlo", dijo.Terminó su discurso con un consejo "descarado": "Hagamos lo posible por que las grandes tragedias, el dolor cotidiano, la incomprensión, la mentira, la falta de empatía, la injusticia social, el odio y todo lo negativo imaginable pertenezca a la ficción, y que la vida real transcurra en un mundo justo, en paz y entretenida por las ficciones que solo existirán en nuestras pantallas".Tras el acto se proyectó 'The Room Next Door' ('La habitación de al lado'), su primer largometraje en inglés, protagonizado por Tilda Swinton y Julianne Moore, que logró el León de Oro en el último Festival de cine de Venecia, la primera vez que la película se ve en España.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, estrenada en el Forum de la Berlinale, compite en la sección Horizontes Latinos del certamen donostiarra, donde en 2022 participó en su WIP Latam, una plataforma de apoyo a la postproducción de filmes latinoamericanos.Uribe (Medellín, 1988) escribió su historia a partir de una escena de la que fue testigo en un autobús de su ciudad, cuando una mujer subió al trasporte público y pidió al conductor que le avisara cuando llegaran a la parada en la que debía bajarse, a lo que él respondió invitándola a sentarse en el asiento situado a su lado.Tomó ese pequeño episodio como "un regalo de la vida cotidiana". "Empecé a ver una atracción entre ellos. Me pregunté si se volverían a ver y si sería para una noche de pasión o algo más. Esa sola situación contenía todo el universo de la película", remarca la cineasta en una entrevista con EFE."Lo que me interesaba era explorar el deseo femenino, que es uno de los temas que más invisibilizado está en la sociedad, del que no se habla y que en la historia del cine básicamente ha sido narrado por hombres", explica Uribe, que escribió el guion tras una exhaustiva investigación para conocer las experiencias de muchas otras mujeres y tras la observación de personas muy cercanas de su familia."Mujeres -dice- que son madres y se olvidan de sí mismas y no solamente del placer sexual. También del placer de los pequeños gestos de la vida cotidiana que muchas veces las mujeres anulamos porque tenemos que hacernos cargo de otro, porque tenemos que atender al otro", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta realizadora está trabajando también en una tesis doctoral sobre los personajes femeninos en el cine latinoamericano dirigido por mujeres entre 2010 y 2022."Esos personajes son mujeres complejas que están en una búsqueda de su identidad. En esas películas encontré, aunque el tema central no sea el deseo ni la sexualidad propiamente, que había una pregunta de la mujer por su sexualidad y por el erotismo de una u otra forma. Eso me reafirma en que definitivamente es un tema que nos atraviesa a todas. Y son personajes que contradicen o desafían esas miradas hegemónicas sobre lo que se supone que es una mujer", afirma.Cree que su película, estrenada en junio en Colombia, ha mostrado "cosas distintas" porque más de una persona le ha asegurado que "se nota que fue hecha por una mujer"."Me pregunto mucho en qué nota, porque para mí no hay otra forma de hacerla, porque es mi forma de estar en el mundo. Algo que me han dicho en varios contextos es que hay una sensibilidad distinta en la manera de mirar el personaje, en la manera de filmarlo, en los detalles que tiene la película. A mí me pasa lo mismo con los filmes que analicé en mi tesis", destaca.Yennifer Uribe ha acudido al festival acompañada por Alba Liliana Agudelo, la actriz que da vida a Sandra, la protagonista del filme, una intérprete que procede del teatro y que con esta película se estrena en la gran pantalla."Fue un reto grande, un regalo. Jamás imaginé pertenecer al universo del cine", afirma la actriz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es una situación extrema como nunca vivimos (...) pero no solo para el cine, es para la supervivencia de un montón de personas en la Argentina que están empujadas por este Gobierno a vivir por debajo del límite de la pobreza", señaló Arias."Ha sido muy brutal porque el Gobierno de Milei (...) fue destruyéndolo todo, destruyendo todas las políticas públicas en relación a las universidades públicas, desfinanciando los hospitales públicos y desfinanciando la cultura", prosiguió la realizadora.En un contexto de grave crisis económica, Milei asumió el cargo en diciembre con el objetivo de cortar drásticamente el gasto.Para el cine, el golpe vino para el instituto que lo fomenta, el INCAA, con un recorte que se tradujo en suspensión de programas de apoyo y despido de empleados, lo que virtualmente lo dejó paralizado.Una situación muy criticada por representantes de la industria cinematográfica, tanto dentro del país como en el exterior, como en el Festival de Cannes en mayo y en el de San Sebastián esta semana.Arias participó el martes en un acto de solidaridad con el cine argentino en el Kursaal, sede principal del certamen en la ciudad del norte de España, donde varios directores argentinos advirtieron del peligro de que caiga en picada el número de films que se hacen en Argentina.Es "una situación realmente inédita, que se destruya todo lo que puede producir una imagen del país, un futuro para un montón de artistas y también una industria, porque realmente el cine argentino le da trabajo a un montón de personas", subrayó Arias en la entrevista.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La música como resistenciaLa también dramaturga Arias presentó en San Sebastián su segundo largometraje, "Reas", que compite por el premio a la mejor película latinoamericana en la sección Horizontes.El proyecto tuvo su germen en un curso de cine y teatro que impartió en la cárcel de mujeres de Ezeiza en 2019, donde conoció a Yoseli Arias, quien terminaría siendo la protagonista.Vino la pandemia del covid y con ella la imposibilidad de visitar la prisión, por lo que Arias empezó "a dar talleres para personas que ya habían salido de la cárcel, y a lo largo de esos años se fue armando el grupo" de 14 mujeres que completaron el reparto de la película.La cinta, sobre la vida en una cárcel de mujeres, es una peculiar mezcla de drama con musical, y de ficción con documental, porque las historias que cuentan las exreas, que usan sus nombres, son reales.La idea de incluir partes musicales provino del hecho de que dos de las personas, "Estefy y Nacho, que es un chico trans, tenían una banda de rock en la cárcel que se llamaba Sin Control y hacían conciertos", explicó Arias."Empecé a ver a través de ellos y su banda que la música es una herramienta de resistencia dentro de la cárcel y que la música es de alguna manera lo que genera cohesión", apuntó.Sin perfección pero con glamurA diferencia de los musicales tradicionales que retratan los "mundos marginales de una manera romántica", aquí las antiguas reas "cuentan y reconstruyen su historia y bailan y cantan, quizás no con la perfección de un bailarín profesional, pero sí con mucho glamur y belleza", dijo.Para estar en la película las mujeres, que en muchos casos no conseguían trabajo ni tenían seguridad social, fueron contratadas, lo que les supuso "un cambio de vida muy grande", detalló.Ahora, las mujeres también participan en una obra de teatro de Arias, "Los días afuera", sobre su vida en libertad, que actualmente está de gira por Europa.Para Arias también fue muy especial que las mujeres vinieran a San Sebastián a presentar la película, una obra que "impactó en sus vidas y les dio una esperanza, una visión para el futuro".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Mi cine tiene que ver con una condición humana universal, es muy triste y muy divertido porque así es la vida, lo que me preocupa es que puedas relacionarte con lo que está sucediendo", dijo."La vida es una comedia, es ridícula, tú eres ridículo. Que levante la mano quien no se ha reído alguna vez en un funeral", espetó entre risas al periodista que le preguntó por la relación de su obra más emblemática, "Secrets & Lies" (1997) con la que hoy presentaba en el festival, protagonizada por la actriz Marianne Jean-Baptiste.La división en dos partes no fue deliberada: el comienzo de 'Hard Truths' tiene que ver con establecer el mundo de los personajes y la segunda parte es para entrar en profundidad en estas relaciones.La película cuenta la historia de Pansy, para la que la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, se relaciona con el mundo a puñetazos: discute con su familia, con su dentista, con la cajera del súper, argumenta barbaridades para justificar su decepción con la vida y no puede con el cansancio, sobre todo, de sí misma.Leigh afirmó que no quiere que el espectador se vaya de la película con respuestas, sino con "sus propias aspiraciones para Pansy". La película no tiene que ver con la incomunicación, o con la salud mental de sus personajes, dijo.El británico, siete veces nominado a los Óscar por cintas como la mencionada 'Secrets & Lies', o 'Vera Drake' (2005), es fascinante en su exploración del mundo contemporáneo, aquí con un estudio tragicómico de las "fortalezas y debilidades humanas", como el propio Leigh define 'Hard Truths'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director, barba blanca muy poblada y menudo y que rueda de manera cronológica, desveló cómo es su forma de trabajar: lo primero, usar actores y actrices apasionados, que no sean narcisistas y que sean capaces de empaparse de los detalles de la gente de la calle.Después, "crear una realidad orgánica, si se habla o hay silencios es una porque es la realidad, una realidad continua en la que no pensamos si hay o no silencios: es lo que acontece, si hay silencios, no son silencios autoconscientes".Y por último, el montaje, uno de los momentos "más placenteros" del proceso. "Rodamos un material muy orgánico y solido, no grandes cantidades de metraje, pero sí está muy destilado al final (...) El montaje depende más de los matices de la interpretación", apuntó.En resumidas cuentas, concluyó Leigh, "la película la hemos hecho para todos cuantos tienen 'Pansys' en sus vidas".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La serie será fruto de un acuerdo de Amazon con King y con el cineasta (también especializado en terror) Mike Flanagan, que ya han colaborado juntos en otros proyectos como Gerald's Game (2017) y Doctor Sueño (2019).Aunque las novelas de King se han llevado al cine en numerosas ocasiones y con gran éxito -baste recordar El Resplandor, Misery, It o Los chicos del maíz-, no han sido muchas las series basadas en novelas del reputado escritor, hoy declarado enemigo de Donald Trump.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El caso de Carrie es especial teniendo en cuenta que tanto la novela, de 1974, como la adaptación de tono 'gore' que hizo Brian de Palma en 1976, se convirtieron ambas en clásicos respectivos de la novela y del cine de terror, tanto que el filme de De Palma tuvo una secuela para el cine, un 'remake' para televisión y una nueva versión en 2013, con diferente fortuna.Carrie, escrita cuando King tenía 27 años, contiene todos los elementos del universo del escritor: una adolescente inadaptada hija de una madre fanática religiosa, que posee el don de la telequinesia (traslado de objetos con la mente) y que es víctima del 'bullying' en un instituto de una ciudad estadounidense donde los muchachos viven la explosión hormonal. Todo termina en una monumental tragedia llena de sangre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.