La Muestra Internacional Documental de Bogotá (MIDBO) regresa celebrando 25 años de pasión por el cine de lo real. Un evento que se ha consolidado como una plataforma esencial para la exhibición, la circulación, el diálogo y el pensamiento alrededor del cine documental en Colombia y América Latina. Organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas ALADOS, la edición MIDBO 2023 trasciende el formato documental tradicional, ofreciendo una variedad de perspectivas a través de sus tres secciones: Muestra Documental, Documental Expandido y el Encuentro Pensar lo Real, entre otras actividades, que el público podrá disfrutar del 1 al 6 de noviembre en 9 escenarios de la ciudad.Bajo el lema "Recrear lo Real", esta edición se centra en explorar la capacidad del documental para representar y recrear la realidad desde otras perspectivas. Busca resaltar las hibridaciones del cine de lo real, su relación con otras disciplinas y la capacidad del documental para acceder a mundos a veces ocultos o difíciles de retratar. Las películas que hacen parte de La Muestra se encuentran en la frontera entre el documental y la ficción, abordando temas como el trabajo con actores naturales, la construcción de relatos a través de archivos, entre otras temáticas y miradas. Serán más de 100 actividades entre proyecciones, talleres, encuentros, charlas y exposiciones.La sección de Cine Documental eje central de MIDBO, apuesta nuevamente por ser una muestra competitiva, por eso entregará para esta versión, el Premio del Público a mejor largometraje colombiano, el Premio del jurado a mejor largometraje internacional y el Premio Quijote al mejor cortometraje internacional otorgado por un jurado de la Federación Internacional de Cineclubes. Este año hacen parte de la programación 88 películas documentales colombianas y extranjeras, organizadas en seis líneas temáticas: Recrear lo real, Mujer(es) coraje, Espectros que asedian, Arquitectura documental, Cierto aire de familia y El silencio de los animales. Además, se mantiene el programa especial Espejos, centrado en la temática de la migración y el movimiento de personas en los territorios.En esta sección de cine documental, cabe resaltar títulos como: Retratos Fantasmas de Kleber Mendonca Filho (Brasil), película seleccionada para la inauguración de La Muestra que representa a Brasil en los Oscars; The mother of all lies (la madre de todas las mentiras) una historia familiar de la directora marroquí premiada al mejor documental en Cannes Asmae El Moudir. El estreno latinoamericano de Mighty Afrin (Poderosa Afrin) una docu-ficción de Angelo Rallis sobre el heroísmo de una niña en el entorno de las inundaciones en Bangladesh. Gracias a la presencia de Portugal, Brasil y España entre los países participantes, se hace posible la presentación de la clásica Os verdes anos de Paulo Rocha, Portugal (1963). También llega por primera vez un documental en 3D con A woman escapes, una producción de Canadá y Turquía. Por Colombia se destaca el estreno de la película Ana Rosa de Catalina Villar, un relato personal, crítica en clave de género a los fundamentos de la psiquiatría en Colombia. Y para la clausura tendrá lugar el estreno de la película La Bonga.El Encuentro Pensar lo Real es el espacio de pensamiento y reflexión alrededor del cine de lo real y otras prácticas audiovisuales contemporáneas, que reúne a directores/as, artistas, académicas/os, estudiantes y otros agentes del sector audiovisual en torno a actividades de formación y diálogo. Con el título de “Escenas de lo real” cuenta este año con invitados de prestigio internacional como Neús Ballús directora española de Seis días corrientes, la directora canadiense Miryam Charles de Cette Maison y Sylvain George, director francés que estrena en Colombia Nuit Obscure. También contará con invitados nacionales de honor como Catalina Villar y Víctor Gaviria quien abrirá el diálogo con Neus Ballús en el que ambos compartirán aspectos de sus métodos y reflexiones sobre su trabajo con actores naturales.En la sección de Documental Expandido, se presentan obras documentales que trascienden el formato tradicional de exhibición cinematográfica y experimentan con el espacio, ofreciendo al público nuevas relaciones con las obras. En esta oportunidad tendrá lugar un homenaje a Ricardo Restrepo con la exposición R377. Un archivo en dos actos en la Sala E de la Cinemateca de Bogotá y dos exposiciones en Calle Museo: Los planos del mundo, de realizadores jóvenes y Memoria Expandida, un recorrido por los 25 Años de la Gráfica MIDBO.Además, tendrán lugar eventos especiales como: El V Encuentro Nacional de Documentalistas, el lanzamiento del número 4 de La Pesadilla de Nanook, revista digital de la Corporación Colombiana de documentalistas ALADOS, El Taller de Circulación Documental y los laboratorios de escritura, montaje y corte final. También hacen parte de la programación un ciclo dedicado al Cine Dominicano, la celebración de CREA Diez años en la que se estrenarán los documentales dirigidos por jóvenes realizadores de los grupos de creación audiovisual de diversas localidades de Bogotá y se realizarán proyecciones para público adulto mayor de La Candelaria. A través de Especiales RTVC, se presentará la serie "Historias breves". Todo esto en la Cinemateca de Bogotá, Cinemateca El Tunal, Alianza Francesa, Cinemateca Sala Alterna, Viajero Hostel, Centro Gabriel García Márquez, Universidad Javeriana, Sala Fundadores y el Instituto Goethe. Además, por primera vez se realizará un prelanzamiento de la MIDBO fuera de Bogotá, será en el Colombo Americano de Medellín con la premiere de la película Aftersun del cineasta catalán Lluís Galter.Es así como con una rica tradición y un futuro prometedor por delante, la 25ª edición de MIDBO con la dirección artística de María Luna y la coordinación de públicos de Julio Lamaña, promete ser un evento memorable para todos los amantes del cine documental. Una oportunidad para sumergirse en el mundo del cine de lo real, y a apreciar la belleza, complejidad y la diversidad a través de narrativas poderosas, aprender de expertos del sector y ser parte de una celebración que marca un hito en el cine documental de América Latina.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En esta conversación, Camilo Falla, crítico de cine, hace un recorrido junto a Marta Rodríguez por su vida, su carrera y sus inspiraciones y referentes.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental Una mirada honesta narra la vida Eduardo Longoni, quien tuvo a la violencia como una marca indeleble desde sus inicios y sintetiza el compromiso de toda una generación de fotoperiodistas que resistieron en la calle durante los oscuros años de la dictadura cívico-militar y llega a las salas de cine del país, con funciones programadas durante el mes de agosto.Eduardo Longoni es un artista inquieto, que se reinventa y se lanza a buscar nuevos desafíos profesionales. Mientras prepara una retrospectiva por sus 40 años de trayectoria, resignifica sus fotos recurriendo a nuevas formas y lenguajes artísticos. Hoy, alejado de las calles, Eduardo vuelve la mirada hacia sus orígenes. Recorre los lugares de su infancia en la ciudad de Mar del Plata, y decide montar allí una proyección pública de fotos, imprimiendo sus imágenes sobre las olas embravecidas del mar.Las fotografías de Eduardo Longoni nos interrogan. ¿Son bellas o comprometidas? ¿Gritan una verdad o son una obra de arte? Sea cual fuere la respuesta, su mirada estuvo siempre atravesada por un mismo sentido: el de la honestidad.“Eduardo representa a toda una generación de fotoperiodistas argentinos que fueron imprescindibles para registrar momentos únicos de la historia nacional poniéndole el cuerpo a la dictadura cívico militar o registrando los momentos más gloriosos de Diego Maradona en el mundial de México 86. Eduardo es un claro ejemplo de compromiso y coherencia ideológica y desde ese lugar es que decidimos dar a conocer al hombre detrás de las fotos. Sus fotos son conocidas, e incluso memorables pero poco se sabe de quien las tomó. O se sabía… ahora es el momento que muchas personas conozcan un poco más de quién es ese hombre”, aseguran los directores del documental Roberto Persano y Santiago Nacif.Una mirada honesta es distribuida por La Alucinante Fábrica y tendrá funciones con presencia del director Roberto Persano, el productor argentino Gato Martínez Cantó y la productora colombiana Diana Ramos en la Cinemateca de Bogotá, en Cinemas Procinal las Américas y el Colombo Americano de Medellín, esta última estará acompañada de una exposición del fotoperiodista Eduardo Longoni. Asi mismo, durante el mes de agosto se confirmarán funciones en otras ciudades.Adicional al estreno en Colombia, La revista Rolling Stone en Español nominó a Una mirada Honesta a mejor Largometraje documental del Año por “la habilidad para presentar temas de relevancia social, histórica, política o cultural, de una manera cautivadora, realista, original y convincente, valorando además la forma y profundidad en que se presentan los hechos, y su capacidad para abrir espacios de diálogo”. La primera edición de los premios se llevará a cabo el 26 de octubre en Miami.
La publicación de la cinta más reciente de Pin Vilar –sus realizadores advierten de que no era la versión definitiva–, basada en una serie de entrevistas con el roquero argentino Fito Páez, no vino de la nada.En el programa que publicó el documental –en el que el músico tocó temas sensibles como la pena de muerte en la isla– los tertulianos de la televisión estatal criticaron las palabras del artista y aseguraron que está “mal informado” sobre el país. Meses antes, su proyección fue cancelada sin previo aviso en una sala habanera.En entrevista con EFE, Pin Vilar cargó contra las decisiones que tomaron las autoridades culturales –“han hecho un papelón”–, advirtió que esto incluso podría llevar al país a perder mucho dinero en los tribunales (la cinta aún no cuenta con los permisos de la disquera Sony) y lamentó la censura a la que se somete al sector.Según Pin Vilar, el viceministro de Cultura de Cuba, Fernando Rojas, lo “llamó una hora antes” para informarle de la emisión del programa, a pesar de que el director no le había dado permiso en una llamada telefónica previa junto con el entonces director del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), Ramón Samada –ya destituido–.“Yo le dije que tenía que consultarlo (...) mi productor, que está en Buenos Aires, y los distribuidores (también en la capital argentina) dijeron que no (...) (Les) expliqué que eso puede interrumpir la ruta (de la cinta) en festivales (...) No obstante, ellos en su cabeza de niños chiquitos y abusadores, dijeron: ‘Vamos a ponerlo de todas maneras”, censuró el cineasta.Reacción del sector Este episodio fue el germen que derivó en la creación de una asamblea independiente de cineastas, cuyo primer manifiesto contó con la firma de cientos de personas –entre ellos Fernando Pérez y Jorge Perugorría– y el apoyo tácito de figuras de la cultura históricamente vinculadas al Gobierno cubano, como Silvio Rodríguez.La asamblea ha buscado desde entonces dialogar con el Ministerio y ha empujado una agenda que tiene como objetivo terminar con la censura, dar una mayor libertad creativa a los realizadores y establecer una ley de cine.Sin embargo, esto no detuvo una andanada oficialista en contra de Páez –y de Pin Vilar– por haber sido crítico con los dirigentes de la isla y, entre otras cosas, asegurar en los medios que el Estado cubano no puede culpar de todos sus males al embargo económico estadounidense.“A mí lo que me tiene asombrado no es la censura, (sino) lo mentirosos que son (...) Empiezan a crear una narrativa tratando de mezclarme a mí con la contrarrevolución, diciendo que las ideas que yo manejo en el documental coinciden con una campaña contra Cuba”, cuenta con tono irónico.Pin Vilar no le quitaría ni una coma a las críticas del autor de canciones icónicas como El amor después del amor contra el Gobierno insular. “Yo soy de las personas, igual que Fito, que piensa que el bloqueo (embargo económico) es un daño que existe de verdad. Hay una persecución financiera contra Cuba… pero que no haya tomates (en los agromercados) o que tres idiotas tomen esa decisión (censurar el documental) no tiene nada que ver con el bloqueo”, remata.Tampoco entiende a quienes, desde las esferas oficialistas, justifican decisiones como la que se tomó con su cinta arguyendo que Cuba está en guerra con EEUU: “Es inaceptable para un joven con dos dedos de frente pensar que estamos en guerra”.Sin esperanza de cambioLo sucedido con La Habana de Fito, así como la reacción que ha provocado desde el Gobierno –en las últimas semanas se creó un grupo de trabajo para atender las demandas del gremio– no le genera mucha esperanza de cambio a Pin Vilar.“Las revoluciones se hacen para que haya libertades. Es por eso que triunfan (...) La que tú pongas. Da igual que la francesa, la mexicana, la cubana, cualquiera. Entonces, en la medida en que esas revoluciones se van convirtiendo en conservadoras, van derivando en Estados dictatoriales, porque no hay nada más dictador que lo conservador”, argumenta.El cineasta también se lamentó por la fuga de talentos que hay en Cuba, entre otras cosas, motivada por acciones como la que sufrió con su largometraje. “Lo más brillante de mi generación se fue, como lo más brillante de ésta. En vez de hacer un cine crítico y un cine que menciona la realidad, (se pretende hacer) un cine contemplativo, tonto, que no llega a ningún lugar”, dice.El director no tiene miedo de las posibles represalias por decir lo que dice sin pelos en la lengua. Aunque sí admite que tiene “preocupación” e “incertidumbre”.Lo que le deja más tranquilo y satisfecho es la avalancha de solidaridad que lo ha desbordado en las pasadas semanas, en especial de jóvenes que ni siquiera conoce. “Sí me emociona porque eso me dice que la solución a los problemas o que el cambio, como le llaman algunos, es posible y es probable desde Cuba. No desde agendas inducidas desde ningún lugar del mundo, sino desde Cuba”, concluye.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Copa 71", dirigido por Rachel Ramsay y James Erskine, recupera el mundial de fútbol que las selecciones femeninas de Inglaterra, Francia, Dinamarca, Argentina, Italia y México disputaron en la capital mexicana en agosto de 1971, 20 años antes que el primer torneo mundial femenino de la FIFA.Ese primer mundial femenino, que fue organizado por la Federación Independiente de Fútbol Femenino Europeo (FIFFE), ha quedado borrado de la historia y de hecho muchas de las futbolistas actuales desconocen su existencia, pese a que la final se jugó en el estadio Azteca ante 100.000 espectadores."Copa 71", que realizará su estreno mundial en Toronto, abrirá el programa de documentales de la 48 edición de TIFF, que se celebra este año del 7 al 17 de septiembre.Otros documentales que se estrenarán este año en TIFF son la cinta ucraniana "Defiant", "Flipside" (EE.UU.), "Mountain Queen: The Summits of Lhakpa Sherpa" (EE.UU.), "The Contestant" (Reino Unido), "The World is Family" (India) y "Walls" (Italia).el festival de Toronto ya anunció los títulos de unas 60 películas de ficción que se proyectarán en la edición de este año, entre ellas los estrenos mundiales de los nuevos largometrajes de Viggo Mortensen, "The Dead Don't Hurt"; Michael Keaton, "Knox Goes Away", y Ethan Hawk, "Wildcat". Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Phil Grabsky, ganador de un Premio BAFTA, conocido por su amplia trayectoria de más de 35 años en el mundo audiovisual con documentales en el mundo del arte como "Yo, Claude Monet" (2017) o "El joven Picasso" (2019), entre otros, junto a David Bickerstaff y Ali Ray son los directores de los cinco títulos que componen esta nueva temporada de arte que presentará Cineco Alternativo en los cines del país a partir del 7 de julio hasta el 10 de septiembre. Los protagonistas de este ciclo serán los pintores Edward Hopper (Nueva York, 1882 – Washington, 1967), Paul Cézanne (Aix en Provence, Francia, 1839-1906), Mary Cassatt (Algheni, 1844 – Le Mésnil-Théribus, 1926), Johannes Vermeer (Delf, 1632 – 1675), y la ciudad de Tokio, con un viaje a 400 años de historia vibrante de esta capital del mundo.Considerados como una experiencia inmersiva, los espectadores podrán conocer las obras más emblemáticas de estos maestros a través de visitas guiadas y documentadas que pasarán por el Rijksmuseum de Amsterdam, la Tate Gallery de Londres, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo d´Orsay en París y al Museo Ashmolean de Oxford, mediante el relato de historiadores, expertos y críticos de arte. “Cada documental se vive como una entretenida lección de arte, como si se tratara de un recorrido íntimo a estas exposiciones que marcan la agenda internacional y que permiten revelar aspectos desconocidos de estos maestros”, asegura Grabsky, quien es también el productor ejecutivo de las cintas.La temporada iniciará con la proyección el 7,8 y 9 de julio de "Hopper: una historia de amor estadounidense", en el que se profundiza en el arte, su vida, sus relaciones (en especial la vital importancia que jugó su esposa, la también artista Josephine Hopper en el desarrollo de su carrera) y su enigmática personalidad detrás del pincel; desde sus inicios hasta su éxito con la crítica y por supuesto el impacto comercial del que es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. La cinta contiene entrevistas con expertos y el material inédito componen esta reflexión de la vida norteamericana a través del arte de Edward Hopper.Después, el 28,29 y 30 de Julio, se presentará "Cézanne: retratos de una vida", en el que, la cinta, rodada en la Galería Nacional de Retratos de Londres, con entrevistas a expertos, curadores del MoMA de Nueva York, de la Galería Nacional de Arte de Washington y del Museo de Orsay en París, se recorren los lugares que acogieron a Cézanne y brinda nuevas luces sobre uno de los más importantes impresionistas. Este documental coincidió originalmente con su exposición de 2018 del Museo de Orsay, y fue relanzado a raíz de la exposición del Tate Modern de Londres en octubre de 2022.Para agosto el ciclo tendrá una mujer como protagonista con la cinta "Mary Cassatt: pintando a la mujer moderna". La artista forjó una carrera pintando las mujeres de su entorno. Sus imágenes radicales las mostraban como intelectuales, femeninas y reales, lo que supuso un gran cambio en la representación de las mujeres en el arte. Con la presentación de sus asombrosos grabados, pasteles y pinturas, este documental nos acerca a una impresionista ignorada en numerosas ocasiones, y cuya carrera estuvo tan llena de contradicciones como las mujeres que pintó. Sus obras son parte de una época marcada por la lucha de las mujeres por sus derechos para reescribir también el lenguaje del arte. El documental se presentará el 11,12 y 13 del mes. Por su parte, el 25,26 y 27 de agosto el turno será para "Vermeer: la mayor exposición", y es que, este año, el Rijksmuseum de Ámsterdam abre sus puertas a la más grande exposición de Vermeer en la historia. Con préstamos de distintos museos y colecciones, esta gran exhibición incluye sus obras más destacadas. Esta visita guiada a la exposición permite tener un encuentro íntimo con el artista, su obra y sus secretos. La orientación del curador y director del Rijksmuseum - Taco Dibbits- es una oportunidad única para entender las decisiones creativas de Vermeer y las motivaciones de sus composiciones.La temporada finalizará con "Historias de Tokio", los días 8,9 y 10 de septiembre, con una cinta que plantea un encuentro con una de las grandes capitales del mundo y su transformación durante los últimos 400 años, cuyo origen es la exposición del Museo Ashmolean de Oxford.Cuatro siglos de un arte dinámico y memorable cubren desde las delicadas xilografías de Hokusai e Hiroshige, hasta los carteles del Arte Pop y la fotografía contemporáneos, el Manga, el cine y las obras urbanas de sus calles. Esta exposición es un viaje al corazón de la vibrante Tokio, para explorar más a fondo su arte y sus artistas. Cabe destacar, que la duración de los documentales promedia los 90 minutos. Esta temporada se realizará en las salas Cine Colombia de Bogotá (Multiplex, Andino, Avenida Chile y Unicentro), Medellín (Multiplex Viva Envigado) y Cali (Multiplex Chipichape). Junto a las proyecciones, se realizarán 5 conversatorios del Club de Arte de Cineco Alternativo que se reunirá antes de cada función a través de Zoom, orientados por el curador del Museo Nacional, Jaime Cerón con el fin de indagar aún más sobre los artistas, su obra y su contexto. Las boletas ya están disponibles y se pueden adquirir en las taquillas de los teatros y el portal cinecolombia.com. Las funciones se llevarán a cabo a mediodía, en fechas exclusivas y los días viernes, sábado y domingo. Los documentales son estrenos cinematográficos en el país y se verán en su versión original en inglés, con subtítulos en español. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los creadores agrupados en la Asamblea de Cineastas Cubanos, incluidos el director Fernando Pérez y el actor Jorge Perugorría, sostuvieron un encuentro la víspera con dirigentes del Ministerio de Cultura y el Partido Comunista de Cuba (único legal) para tratar la polémica desatada a mediados de junio.La misma comenzó cuando un programa de la televisión estatal retransmitió el documental "La Habana de Fito", dirigido por Juan Pin Vilar sin contar con su permiso.Ante ese hecho, un grupo inicial de 58 creadores criticó a las autoridades culturales por violar "una y otra vez principios éticos". La lista se ha incrementado hasta los 600 firmantes del manifiesto.Ahora, la Asamblea comunicó que la respuesta de las autoridades "al nuevo acto de exclusión y censura con el documental" es que "existen bases legales para tomar ese tipo de acciones en situaciones excepcionales"."Como gremio, manifestamos y sostenemos nuestro total desacuerdo con esa respuesta y denunciamos ese y todos los hechos similares que, basados en cualquier legislación puedan suceder", divulgaron los cineastas en sus redes sociales.Según ellos, la viceprimera ministra cubana Inés María Chapman afirmó que "existe una disposición al diálogo y al trabajo en equipo para lograr tener resultados concretos ante todas las demandas allí expresadas".En tanto, una nota del Ministerio de Cultura apuntó que "los planteamientos de los artistas merecieron la mayor atención de los dirigentes de las instituciones"."Los artistas escucharon con atención los argumentos de los representantes de las instituciones y expresaron sus opiniones en total libertad", acorde con el texto.Los dirigentes cubanos describieron que el encuentro fue en un "clima franco, constructivo y de respeto mutuo, como caracteriza a la política cultural de la Revolución".Varios de los cineastas abogaron hace 10 años por una nueva ley para regular el sector en el país caribeño, una demanda que aún no se ha cumplido.Entre los firmantes aparecen Rebeca Chávez, Luis Alberto García e Iván Giroud, expresidente del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.No es la primera vez que hay una confrontación entre el sector artístico y el Gobierno cubano en los últimos años.El 27 de noviembre de 2020 cientos de personas protagonizaron una sentada afuera del Ministerio de Cultura en protesta por la detención de integrantes del Movimiento San Isidro, del artista -recientemente sentenciado a 6 años de prisión- Luis Manuel Otero Alcántara. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Patria y vida: el poder de la música" nació "el día en que la canción fue introducida como parte del libro del Congreso estadounidense junto a discursos míticos como el de Luther King, y el presidente de EEUU la leyó para que las futuras generaciones sepan que fue un himno de libertad", explica Luengo.En una entrevista con EFE junto a Yotuel Romero, uno de los compositores de la canción, Luengo desvela que, cuando regresaba en avión ese día a Miami (EEUU), decidió que esta historia debía ser un documental, una cinta que este martes se presenta en el festival español de cine de Málaga. Si no lo hacía ella, precisó, "alguien lo haría, pero dentro de veinte años, porque la importancia de los movimientos históricos en torno al arte se miran siempre a lo largo del tiempo".Empezó a trabajar el guion para que no fuera, comenta, "un corta y pega de imágenes", y buscó "un hilo conductor a través de la música y de la vida de Yotuel, que es impactante, para hacerle justicia a esta causa". Quería, además, "reivindicar la música" de verdad, ahora que todas las canciones tienen "el mismo acorde y la misma letra".De muerte a vidaYotuel explica cómo le dieron la vuelta al tradicional lema del régimen cubano, "Patria o muerte", para llegar a este "Patria y vida". "Es importante que ahora -según el cantante-, que el mundo va en el camino de la inclusividad, esto también se aplique a Cuba. Allí la dictadura es 'patria o muerte', o la patria como la conciben ellos o, si no, te mueres. Esa es la Cuba antigua, la Cuba nueva quiere patria y vida, tú y yo, mi diferencia y la tuya, ese modo inclusivo en que todos tengamos cabida en Cuba, por eso conectó mucho con el cubano".Sabía que el título contenía "un juego de palabras importante y fuerte a nivel de mensaje cuando naces en una sociedad en la que la propaganda más fuerte que hay en todos lados es 'patria o muerte'". Pero admite que no esperaban la "envergadura" de la reacción de los cubanos y cómo "les iba a dar valor y coraje para salir a la calle por primera vez en sesenta años".Lejos de la música comercialEl éxito de la canción no se quedó en la protesta social, porque además ganó dos Grammy Latinos, algo que para Yotuel demuestra que "la música también tiene que ver con decir cosas importantes y con transformar la sociedad". "Si una canción quiere hablar de reivindicaciones y de los problemas que tienes, dilo. 'Patria y vida' ha demostrado que puedes tener Grammy y ser relevante -añade-. Hay gente que cree que la relevancia solo está con el éxito del algoritmo, y hay que ser relevante desde la libertad de uno mismo".Después del impacto de la canción, Yotuel cree que el documental también "tiene esa fuerza" para "visualizar que el rapero Maykel Osorbo y el artista Luis Manuel Otero están presos (en Cuba) solo por decir 'patria y vida'". "Queremos que todo el mundo vea esta causa y sienta empatía con el pueblo cubano, y que el pueblo cubano sepa que el mundo entero está con ellos diciendo que es el momento de que Cuba sea libre", resalta.El mismo deseo comparte Beatriz Luengo, que recuerda que una musicóloga dijo que "muchas canciones han acompañado a movimientos sociales, pero por primera vez en la historia un movimiento social parte de una canción que le da nombre". Luengo citó a "los cubanos que se manifestaron, encontraron represión y golpes y están presos con condenas de cinco a veinticinco años solo por manifestarse"; y quiere que, con el documental, "vean todo lo que consiguieron y les genere la sensación de querer salir a la calle a manifestarse".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Desde los contaminados cielos de Delhi al mar de hielo derretido en Siberia, "All That Breathes" y "Haulout" abordan complejas historias locales para atraer atención global sobre la destrucción de la naturaleza por la acción humana.Los hermanos Maxim Arbugaev y Evgenia Arbugaeva son los primeros indígenas yakutos nominados a un Óscar. Compiten con su cortometraje "Haulout" sobre un científico en Siberia que registra el desastroso impacto del cambio climático en las poblaciones de morsas. "Haulout" comienza con impresionantes tomas de la costa ártica, desolada y azotada por el viento. El biólogo marino Maxim Chakilev espera pacientemente en su cabaña la llegada de las morsas en proceso de migración.De repente, unos 100.000 ejemplares de estos enormes mamíferos aparecen afuera de la cabaña, amontonados en la playa. Es un espectáculo hipnotizante que esconde un desastre natural: la aglomeración, resultado de la pérdida de hielo en el mar, es peligrosa y tiene consecuencias letales. "Nuestra esperanza es sumarnos al coro de científicos y artistas de todo el mundo, y contribuir al debate sobre el grave estado de nuestro planeta", dijo Arbugaeva.Los hermanos explicaron a la AFP que su nominación al Óscar fue motivo de una gran celebración en su remota tierra natal. Los autores del cortometraje están pensando en llevar al solitario biólogo marino a la glamurosa ceremonia en Los Ángeles del próximo domingo.Para ellos, atraer la atención del público hacia su región ancestral es vital para mostrarle al mundo cómo el cambio climático está acabando con la vida de humanos y animales de formas muy diferentes en todo el planeta. "Tenemos acceso a esta crucial área del ártico", dijo Arbugaeva. "Creo que es muy importante hablar de la tierra nativa". "Las historias que vemos no son superficiales. Requiere de años y años para llegar allí y entender la región"."Como si nada" Filmado en la capital de India, "All That Breathes", de Shaunak Sen, también aborda la forma en que el comportamiento de los animales ha cambiado por la acción humana. La película sigue a tres hombres que han dedicado sus vidas a sacar adelante un clínica autofinanciada en la que cuidan a algunos de los cientos de pájaros que caen a diario del contaminado cielo de Delhi.Todos los días, milanos heridos son transportados a su sótano. "Cientos de pájaros caen del cielo todos los días. Lo que me impresiona es que la gente sigue como si nada", le dice uno de los hombres a su esposa. Los pájaros resultan heridos, además, por las cuerdas de las cometas que la gente hace volar.Los hombres conversan sobre cómo las aves aprendieron a alimentarse de la basura, a colectar colas de cigarros para usar como repelente de parásitos, y, aparentemente, a cantar en un tono más alto para comunicarse en medio del ruidoso tráfico de la ciudad. Sen le dijo a AFP que eligió a estos personajes para impulsar al público a "considerar la enmarañada relación entre la vida humana y la no humana"."No es suficiente"Para Sen, la reciente producción de piezas basadas en el medio ambiente "no es suficiente". "Debería haber mucho más, considerando la atención que el estado del planeta requiere". Sen cree que los cineastas tienen que trabajar en "historias más sofisticadas que hagan pensar en el planeta" en vez de enfocarnos apenas en "pesimismo y desesperación".Su película comienza con una desoladora toma de montañas de residuos, y poco a poco revela la vida salvaje que ha aprendido a sobrevivir en el basurero. Un abordaje contrario al del inicio de "Haulout", en el que al principio se muestra la belleza de la naturaleza sin la intervención humana para reflejar gradualmente la destrucción que causa el hombre.Una de las escenas más duras del cortometraje muestra a una cría de morsa que se aferra al cuerpo de su madre muerta, antes de lanzarse a la orilla para intentar nadar océano adentro.Las trágicas escenas en la playa pasaron factura emocional y profesionalmente. "Mis manos temblaban porque yo estaba llorando, o me sentía tan emocionada que no podía mantener la cámara estable", recuerda Arbugaeva. "No se pudo usar parte del material, incluso momentos cruciales, pero es que era tan duro". "Cuando los locales cuentan historias sobre su tierra es un proceso muy personal", comentó Arbugaeva. "Estás hablando sobre tu propio corazón y el de tu comunidad que se está rompiendo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Le decía a la gente en Francia que yo era de Cuba, pero ellos tenían otra versión de la historia. Por eso hice esta película, para no tener que andar contando mi versión a la gente, y además para, de cierta manera, participar de la memoria de Cuba y su exilio", dice a EFE en una entrevista esta directora de 29 años."Ceiba. Memorias de una familia cubana" se presenta por primera vez en Miami este domingo tras su estreno en la Maison de l'Amérique Latine, en París hace un año. La cinta en una versión corta de 53 minutos llega a la cuna del exilio cubano luego de un recorrido por festivales como el internacional de cine documental de Thessaloniki, en Grecia, y el Le Festival du Film de Famille, de Francia, entre otros.En la versión corta del documental, aclara su directora, aparecen entrevistados sus padres, la reconocida escritora Zoé Valdés, y el cineasta Ricardo Vega. También aparece su abuelo, el editor de cine Justo Vega, que actualmente vive en Miami, y el prisionero político Ariel Semanat, fallecido en marzo de 2020."Nuestro encuentro fue de repente, en el Parque del Dominó (de Miami); nos contó su historia y en su entrevista había mucha emoción, por eso decidimos ponerla", cuenta Attys Luna sobre Semanat, un preso político cubano de los denominados "plantados".En la película, Zoe Valdés, autora de novelas como "Sangre azul", "La nada cotidiana", "Te di la vida entera" y "La mujer que llora", habla de su experiencia como exiliada y escritora. "Habla de 'La nada cotidiana'(1995), de lo que pasó cuando se publicó esa novela que tuvimos que quedarnos en el exilio, yo con un año y ocho meses. Por esa novela es que yo vivo en París", dice la directora, que usó imágenes que filmó su padre en Cuba antes de que ella naciera y cuando nació. El resto del documental fue rodado entre Francia, Miami y Barcelona.Attys Luna Vega, que presentará su documental este domingo en Miami junto al poeta Luis de la Paz, considera " una gran felicidad" el poder "crear vínculos aquí, poder hablar español y estar cerca de los cubanos".Estudiante de cine en Francia la joven ha rodado otro documental en Miami en el conocido Parque del Dominó, "Doble Cuba", para recoger el ambiente diario del Parque Máximo Gómez de la Pequeña Habana, donde "la manera de tirar las fichas y las cosas que dicen" los jugadores "son historia". "Doble Cuba" estará listo en junio de este año, adelantó.Una ventana para ver a Cuba desde París"Mis padres me transmitieron la cultura cubana a través del arte. Cuando salía de mi casa, todo era francés, y cuando volvía todo era cubano. Mi padre escuchaba rock americano, y mi madre música cubana. La pintura era cubana, las noticias hablaban siempre de Cuba, la comida era cubana". "Para mí eso fue una ventana que me permitió explorar, amar, conocer, bailar y disfrutar la cultura cubana. Bailo mucho con mi madre y también bailo sola, salsa aunque me gusta el reguetón", confiesa.Su abuelo, Justo Vega, es un importante editor de cine cubano que actualmente, dice la nieta, "trabaja cuidando los muertos de Miami". "Ahora pinta mientras cuida los muertos de Miami, con 83 años. Él está en el documental", explica sobre el trabajo de su abuelo en una funeraria."Sentía que mi familia estaba dispersa, rota. Quise reunirla en una película, era la forma de conservar mis raíces", desgrana la también productora de este documental, cuyo título, detalló, se debe en parte a un libro de la etnóloga cubana Lydia, fallecida en Miami en 1991, quien se refiere a la ceiba como árbol divino.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Cada vez falta menos para la decimoctava edición del Cartagena Festival de Música, que se realizará entre el 5 y el 13 de enero de 2024 y tendrá como temática central la ‘Sinfonía de la Naturaleza’.Los 24 conciertos de esta edición explorarán la relación entre la música y la naturaleza, que produjo obras fundamentales de compositores como Antonio Vivaldi, Edvard Grieg, Ludwig van Beethoven, Claude Debussy y Jean Sibelius, entre otros.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música tendrá en esta edición una orquesta residente, que protagonizará los conciertos sinfónicos que se llevarán a cabo en el Teatro Adolfo Mejía. En esta ocasión, la agrupación seleccionada es el Ensamble Allegria de Noruega, que nació 2007 y está conformado por las primeras cuerdas de las orquestas más importantes de su país.El ensamble, que en Cartagena tendrá como director al también noruego Ingar Bergby, protagonizará seis conciertos en los que interpretará reconocidas piezas como Las cuatro estaciones de Vivaldi, la Sinfonía no. 6 ‘Pastoral’ de Beethoven y Peer Gynt de Grieg.El festival convocará de nuevo a destacados solistas internacionales y nacionales, que son expertos en el repertorio seleccionado. Uno de ellos es el pianista finlandés Olli Mustonen, quien también es compositor y director de orquesta.Mustonen es un amplio conocedor de la música de los compositores del norte de Europa, especialmente Grieg, de quien en Cartagena interpretará el famoso Concierto para piano y orquesta.El grupo de pianistas internacionales se complementa con el ruso-lituano Lukas Geniušas, medalla de plata de los concursos Chopin y Tchaikovsky; el ruso Georgy Tchaidze y el sueco Peter Jablonski, que en su país recibió el reconocimiento Årets Svensk i Världen antes que la célebre agrupación de pop ABBA.Los violinistas invitados serán la noruega Eldbjörg Hemsing, quien se ha presentado en eventos tan importantes como la ceremonia de entrega del Premio Nobel de Paz en Oslo, y el ruso Nikita Boriso-Glebsky, que ha compartido escenario con prestigiosos directores como Valery Gergiev y Krzysztof Penderecki.En la ‘Sinfonía de la Naturaleza’ también participarán el Cuarteto de Cuerdas Nórdico, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland, nominada al premio Grammy en 2012, y los italianos Maurizio Leoni (barítono), Stefano Malferrari (piano), Antonello Farulli (viola), Guido Corti (corno) y Aurelio Zarelli (dirección).Además, como se ha vuelto costumbre en cada edición del Cartagena Festival de Música, el musicólogo y pianista italiano Giovanni Bietti protagonizará una serie de conversatorios-conciertos en los que introducirá los repertorios de cada jornada.Estos son los invitados nacionalesEn 2024, el Cartagena Festival de Música reunirá de nuevo a algunos de los más sobresalientes músicos colombianos, como el violonchelista bogotano Santiago Cañón-Valencia y la soprano Julieth Lozano, que ganó este año el premio del público en el concurso BBC Cardiff Singer of the World.A ellos se sumarán la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, dirigida por Manuel López-Gómez, y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, que bajo la batuta de Paola Ávila protagonizará el concierto de cierre.La nómina de artistas colombianos se complementará con el Bogotá Piano Cuarteto, el Cuarteto Q-Arte, la violinista Laura Hoyos y los pianistas Alejandro Roca y Andrés Roa.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El autor nacido en Barcelona dejó de lado los protocolos que reinan en esta feria para montarse en una mesa y conversar de tú a tú con los adolescentes que se acercaron al auditorio Juan Rulfo para escuchar su experiencia con los libros y la literatura.Serra i Fabra aconsejó al público asistente que el tiempo es un cheque en blanco que deben cuidar y “no perder en cosas aburridas”, sino que deben seguir su pasión y lo que les hace ilusionarse.Señaló que para dedicarse a las artes primero deben sentir amor por sí mismos para transmitir la pasión en una obra de arte o un texto.“No puedes transmitir amor si no lo sientes, ni transmitir pasión si no la sientes, un artista explota por dentro para que el que lo lea o vea sienta esa intensidad, tienes que ser capaz de comunicar el calor que llevas dentro”, explicó.El autor de ‘Campos de fresas’ dijo que la lectura lo ayudó a vivir su infancia en una casa con violencia y en una escuela con acoso escolar debido a su tartamudez; la escritura hizo que superara ese defecto del lenguaje porque se dio cuenta que ahí podía narrar a su ritmo y “vomitar” todas las ideas que se le ocurrían.“Leer me salvó la vida, pero escribir me dio un sentido, porque tengo ideas a reventar y porque me encanta hacerlo”, expresó.Aconsejó a los escritores nóveles a mantenerse atentos a todo lo que pasa a su alrededor como si fueran “antenas parabólicas con patas”, pues las historias llegan desde los detalles más mínimos de la vida cotidiana.A pregunta de un asistente, Serra i Fabra recordó su etapa en la música, un mundo que le ayudó a comenzar a escribir de manera profesional como crítico y luego como corresponsal de revistas.Reveló que la música lo acompaña todo el tiempo y que escucha diferentes géneros según el tipo de texto que está escribiendo, aunque confesó que no le gusta la música actual.“Hoy en día echo en falta la melodía en la música, hay patrones rítmicos básicos, gente rapeando con ritmo pero me falta la melodía, además no me gustan las letras de los reguetones contra las mujeres”, concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Estas obras constituyen títulos fundamentales para entender la literatura peruana en el contexto hispanoamericano y mundial del vanguardismo del siglo XX", afirmó la Biblioteca Nacional en un comunicado.Los ocho ejemplares son primeras ediciones, seis de ellas fueron publicadas en vida por el "poeta universal", como llaman en Perú a Vallejo, y dos son obras póstumas, publicadas a partir de manuscritos y borradores conservados por su viuda, Georgette Philippart.Las obras son 'Los heraldos negros' (Lima, 1918. Fondo Antiguo de la BNP); 'Trilce' (Lima, 1922. Fondo Antiguo de la BNP); 'Escalas' (Lima, 1923. Fondo Antiguo de la BNP), 'Fabla salvaje' (Lima, 1923. Colección Raúl Porras Barrenechea de la BNP), 'El Tungsteno' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP).También 'Rusia en 1931: reflexiones al pie del Kremlin' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP), 'Poemas Humanos: 1923-1938' (París, 1939. Fondo Intermedio de la BNP) y 'Rusia ante el segundo plan quinquenal' (Lima, 1965. Colección Ricardo Angulo Basombrio de la BNP).La BNP indicó que en términos materiales, estos ejemplares de Vallejo (1892-1938) "presentan singularidades que permiten conocer su historia y procedencia".El ingreso de los libros del peruano en dicho programa se decidió en el Comité Regional de América Latina y el Caribe del Programa Memoria del Mundo de la Unesco, realizada en Santiago de Chile, donde se analizaron 32 postulaciones presentadas por Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, la BNP añadió que el Tratado Preliminar de Paz, Amistad, Comercio y Navegación entre el Perú y el Japón, firmado en 1873 en la ciudad de Edo (actual Tokio), custodiado por el Ministerio de Relaciones Exteriores peruano, también ingresó a este archivo por ser el vínculo más antiguo que une América Latina y AsiaLa Unesco creó el Programa Memoria del Mundo en 1992 para promover la conservación y el acceso al patrimonio documental de la humanidad, ya que diversos factores como la falta de recursos, saqueos, guerras y el comercio ilegal hacen del patrimonio documental un material sensible de ser destruido o extraviado, por lo que radica la importancia de salvaguardarlo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vibración de la voz se eleva en un auditorio lleno de gente, los ojos expresivos acompañan la voz melodiosa de un ruiseñor vestido de rojo y adornado con diamantes, María Callas se alza en vuelo, rodea la Ópera de París en un canto que hipnotiza al mundo. Maria Callas, una de las sopranos más destacadas del siglo XX, nació el 2 de diciembre de 1923 en Nueva York y falleció el 16 de septiembre de 1977 en París. Su nombre completo era María Anna Sofia Cecilia Kalogeropoúlou y, a lo largo de su carrera, se ganó el apodo de "La Divina" por su excepcional talento vocal y dramático.Desde muy joven, Callas mostró un interés innato por la música y comenzó su formación musical en Atenas, su ciudad natal, antes de trasladarse a Estados Unidos para estudiar en el conservatorio de música de Nueva York. Su debut operístico tuvo lugar en Atenas en 1941, y desde entonces su carrera ascendió vertiginosamente.Callas se destacó por su capacidad para abordar una amplia variedad de roles, desde los bel canto de Bellini hasta las intensas óperas de Verdi y Puccini. Su voz única combinaba una agilidad asombrosa con una rica resonancia, permitiéndole navegar por pasajes técnicamente desafiantes con gracia y expresividad. Sin embargo, más allá de su destreza vocal, fue su habilidad para infundir cada interpretación con una profunda emotividad lo que la convirtió en una leyenda.A lo largo de su carrera, Callas trabajó con algunos de los directores más destacados de la época, incluyendo a Tullio Serafin y Herbert von Karajan. Su colaboración con el director de escena Franco Zeffirelli también fue fundamental para su éxito en la interpretación dramática de los personajes operísticos.Aunque su carrera estuvo salpicada de desafíos personales y controversias, incluyendo su famoso romance con Aristóteles Onassis, Callas sigue siendo una figura venerada en el mundo de la ópera. Su habilidad para dar vida a personajes complejos, su entrega apasionada en el escenario y su capacidad para reinventarse la han convertido en un ícono eterno.La influencia de Maria Callas en el mundo de la música clásica es innegable, y su legado perdura no solo en sus grabaciones aclamadas sino también en la inspiración que ha brindado a generaciones posteriores de cantantes líricos. Su vida y arte se entrelazan en una narrativa fascinante que sigue cautivando a amantes de la ópera en todo el mundo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El primer ministro ruso, Mijail Mishustin, "firmó la decisión sobre el nombramiento de Valeri Guerguiev al puesto de director general del Teatro Bolshói por una duración de cinco años", indicó el gobierno en Telegram.Numerosas orquestas occidentales boicotearon el año pasado al maestro de 70 años y tradicional partidario del presidente Putin, por no haber denunciado la ofensiva rusa contra Ucrania iniciada en febrero de 2022.Valeri Guerguiev, que también es director del teatro Mariinski de San Petersburgo desde 1996, ciudad donde Vladimir Putin comenzó en política a principios de los años 1990, dirigirá ahora los dos principales escenarios del país.Putin sugirió en marzo de 2022 fusionar la dirección de los dos prestigiosos teatros, como era habitual antes de la revolución de 1917.La cercanía de Guerguiev con el jefe del Kremlin, especialmente durante la anexión de Crimea en 2014, le ha acarreado varias polémicas.En marzo de 2022, la Orquesta Filarmónica de Múnich decidió despedirlo por no haber denunciado el ataque de Ucrania. Igualmente, varias orquestas y festivales en Europa y Estados Unidos anularon sus compromisos con el músico.Hasta ahora, el director de orquesta no ha hecho ninguna declaración sobre el conflicto. A principios de año realizó una gira por China, pero actualmente dirige por lo esencial en Rusia.Su nombramiento se produce en un momento en el que oenegés y medios denuncian una purga cultural en Rusia, con despidos o huidas de artistas que han sido críticos con el poder y que no han mostrado su apoyo públicamente.Valeri Guerguiev reemplaza en el Bolshói a Vladimir Urin, que firmó al inicio de la ofensiva en Ucrania una carta abierta de artistas y actores en la que se pedía "a todas las partes" cesar los combates.Urin, que dirigía el teatro moscovita desde 2013, tomó posición públicamente en favor del Kremlin en varias ocasiones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
