Luis Buñuel, el genio del cine surrealista, desafió las convenciones cinematográficas y sociales a lo largo de su prolífica carrera. Con su visión única y provocativa, Buñuel exploró las complejidades del subconsciente humano, desafiando las nociones tradicionales de narrativa y realidad. A través de su vasta filmografía, nos dejó un legado que sigue resonando en el mundo del cine hasta el día de hoy.Nacido en España en 1900, Buñuel encontró su pasión por el cine durante su estancia en París en la década de 1920, donde colaboró con Salvador Dalí en su obra maestra surrealista "Un perro andaluz" (1929). Desde entonces, Buñuel continuó desafiando las expectativas del público y de la crítica con su audaz y subversivo estilo cinematográfico.Aquí le recomendamos tres películas fundamentales de la filmografía de Luis Buñuel que todo amante del cine debería explorar:"Los Olvidados" (1950)Considerada una de las obras maestras del cine mexicano, "Los Olvidados" es un retrato crudo y conmovedor de la vida en los barrios marginales de Ciudad de México. Buñuel presenta una visión sin concesiones de la pobreza, la violencia y la desesperación a través de los ojos de un grupo de jóvenes delincuentes. La película es un poderoso comentario social que sigue siendo relevante en la actualidad, mostrando la lucha de los marginados por sobrevivir en un mundo que los ha olvidado. Con una narrativa impactante y una dirección magistral, "Los Olvidados" es una obra imprescindible en la filmografía de Buñuel."El Ángel Exterminador" (1962)En "El Ángel Exterminador", Buñuel lleva a cabo un audaz experimento cinematográfico al atrapar a un grupo de burgueses en una mansión y observar cómo se desintegran las normas sociales y el comportamiento civilizado. A medida que la situación se vuelve cada vez más absurda y claustrofóbica, Buñuel cuestiona las convenciones sociales y religiosas, revelando las hipocresías y contradicciones de la clase alta. La película es una sátira mordaz y surrealista que desafía al espectador a reflexionar sobre la naturaleza humana y la sociedad."El discreto encanto de la burguesía" (1972)Otra exploración ingeniosa de las convenciones sociales y la moralidad, "El discreto encanto de la burguesía" sigue las desventuras de un grupo de burgueses que intentan cenar juntos sin éxito. A través de una serie de situaciones absurdas y surrealistas, Buñuel pinta un retrato satírico de la clase alta, revelando sus prejuicios, vanidades y obsesiones ocultas. La película es un ejercicio magistral en el humor negro y la crítica social, consolidando el lugar de Buñuel como uno de los cineastas más importantes e influyentes del siglo XX.En resumen, las películas de Luis Buñuel trascienden las barreras del tiempo y el espacio, desafiando al espectador a cuestionar las convenciones sociales y explorar los rincones más oscuros de la psique humana. Su legado perdura como un testimonio de la capacidad del cine para desafiar, provocar y enriquecer nuestras vidas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En México, Buñuel se convirtió en un cineasta, dominando los aspectos técnicos del medio y aprendiendo a negociar las exigencias contradictorias de un medio popular", se puede leer en la descripción de la muestra, en la página web del museo.Más allá de las obras del director español, el ciclo incluirá la proyección del documental 'Buñuel, un cineasta surrealista', de Javier Espada, que fue parte de la sección de clásicos del Festival de Cannes en 2021."Hablar de Buñuel, recordar sus orígenes en el pueblo de Calanda, en el que también he nacido yo, aproximar la mirada al surrealismo, a su vinculación con el arte y plantear un recorrido que tiene en cuenta las particularidades de su obra dotó al documental de un elemento didáctico que es muy apreciado por los jóvenes, y en especial por los estudiantes de cine", dijo a EFE su director.Espada, que considera "histórica" esta retrospectiva centrada en la obra mexicana del cineasta, defendió las películas generalmente más denostadas de esta etapa del director español, ya que sin ellas "Buñuel no habría podido realizar sus películas de madurez".En México, el español se encontró con una industria ya muy asentada, en lo que se considera como la 'época de oro' del cine mexicano, entre las décadas de los treinta y los cincuenta del siglo pasado.Las películas se distribuían por toda América y representaban una alternativa al cine estadounidense, mientras que los directores tenían a su disposición "el sistema de estrellas más desarrollado fuera de Hollywood", según el MoMA.Gran parte de su producción mexicana se centró en géneros populares y con las audiencias locales en mente, aunque el director logró introducir algunas de sus obsesiones personales en cintas como 'Él', donde el galán mexicano por antonomasia de la época, Arturo de Córdova, se ve atormentado por extraños deseos sexuales.El museo ya ha organizado varias exposiciones y retrospectivas centradas en el cineasta aragonés (incluida una en 1976 para marcar el 76 cumpleaños del artista), y el propio Buñuel trabajó durante unos años montando documentales en el museo neoyorquino, al inicio de su exilio.En esta ocasión, muchas de las copias se proyectarán en 35 milímetros, gracias a la colaboración de los archivos de la Cineteca Nacional de México y de la Filmoteca UNAM.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Christian Bale ha sorprendido a Hollywood y al mundo con su capacidad impresionante de transformarse en personajes complejos, tanto física como emocionalmente. Aquí le traemos cinco de sus mejores películas.The Dark Knight Trilogy (2005-2012) Bale interpretó el papel icónico de Batman/Bruce Wayne en esta trilogía dirigida por Christopher Nolan, que incluye "Batman Begins" (2005), "The Dark Knight" (2008) y "The Dark Knight Rises" (2012).American Psycho (2000)Bale protagoniza esta adaptación de la novela homónima de Bret Easton Ellis. Interpreta a Patrick Bateman, un banquero de inversiones obsesionado con el materialismo y con un lado oscuro. La película es conocida por la interpretación intensa de Bale.The Prestige (2006)Dirigida nuevamente por Christopher Nolan, esta película sigue a dos magos (interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman) cuya rivalidad se vuelve cada vez más intensa. Es un thriller fascinante con giros inesperados.The Fighter (2010) Bale ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto por su papel en esta película biográfica. Interpreta a Dicky Eklund, el medio hermano del boxeador Micky Ward (interpretado por Mark Wahlberg), y ofrece una actuación convincente y emocional.El maquinista (2004)Es un thriller psicológico dirigido por Brad Anderson y protagonizado por Christian Bale. La historia sigue a Trevor Reznik (interpretado por Bale), un operario de maquinaria en una fábrica que, debido a su extrema delgadez y su insomnio, se ve envuelto en una espiral descendente hacia la paranoia y la obsesión.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El guion original de la primera película de la saga, "A New Hope", que usó Ford en 1976 sale a subasta por decisión de sus dueños, los propietarios de la casa de Notting Hill (oeste de Londres) donde se alojó el actor durante el rodaje.Se trata de una modesta joya, con un valor estimado relativamente bajo de entre 8.000 y 12.000 libras (9.400 y 14.000 euros), pero para los fanáticos de la odisea galáctica contiene pepitas de oro desde la primera página: "Las aventuras de Luke Starkiller, según se recogen en 'Diario de los Whills'", es el título de un texto que firma George Lucas.Por aquel entonces, el personaje que interpretó Mark Hamill ni siquiera llevaba su nombre definitivo de Luke Skywalker.Dicen los exégetas de la saga que Lucas realizó la modificación para evitar equívocos con el infame criminal Charles Manson ('Starkiller' significa 'el asesino de la estrella'), que aterrorizó a Hollywood por aquellos años.El propio Hamill lamentó en 2015 a través de sus redes sociales que cuando la película todavía se estaba filmando en Túnez y Londres, él aún se llamaba Luke Starkiller. "Qué triste", escribió en Twitter (ahora X).El guion que subastará la casa especializada Excalibur Auctions el próximo 17 de febrero es el cuarto borrador revisado sobre un total de cinco, con fecha de 15 de marzo de 1976.Pese a estar incompleto, incluye escenas y personajes que acabarían desapareciendo del montaje definitivo.Junto al texto, también se rematarán otros papeles que Ford dejó en la capital británica, como una carta de su agente Patricia McQueeney, llena de humor y guiños, en la que le reprocha no haber telefoneado a su entonces esposa, Mary Marquadt.Un verano en Notting HillMás allá de la puja, existe una historia personal que vincula a Ford con la familia que ahora pone a la venta sus enseres.En verano de 1976, Harrison Ford daba sus primeros pasos en el mundo del cine. Había tenido algunos pequeños papeles en 'American Grafitti", del propio Lucas, o en "La conversación", de Francis Ford Coppola, "pero nadie sabía en lo que 'Star Wars iba a convertirse', explica a EFE Jonathan Torode, experto de la casa Excalibur.Por eso, cuando alquiló los dos pisos superiores de una casa en la calle de Elgin Crescent de Notting Hill a un matrimonio que vivía en la planta baja, estos no tenían la mínima idea de quién era su insigne inquilino, dice Torode.La familia conectó de inmediato con el actor, y disfrutaron de algunas deliciosas veladas estivales hablando de cine. Sin embargo, una mujer que trabajaba como empleada doméstica y que era aún más aficionada a las películas se llevó un buen susto al reconocerlo en la casa.Los propietarios lo recuerdan como un arrendatario "excelente", muy ordenado y educado. Según Excalibur, el actor quiso contribuir aportando de su propio dinero para comprar nuevas plantas para el jardín donde celebraban sus cenas.Por esa casa, que se calcula que Ford debió de alquilar entre seis y ocho meses, pasaron también sus compañeros de reparto, como Hamill o Carrie Fisher, que dio vida a la princesa Leia.Ahora los dueños de las cosas que las estrellas dejaron a su paso, ajenas seguramente al impacto que causaría la película, las ponen a la venta con el objetivo, explica Torode, de ayudar económicamente a sus nietos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La obra, de 31 capítulos, transporta a la audiencia al Shanghái de las décadas de 1960 y 1990 para narrar el controvertido ascenso de un joven empresario a la par que el de una ciudad que se desarrollaría a un ritmo vertiginoso después de abrirse al mundo.Wong, que adapta una novela del galardonado Jin Yucheng, vuelve en realidad a su Shanghái natal: allí nació en 1958 antes de emigrar a los cinco años a la entonces británica Hong Kong, que se convertiría en el escenario más representativo de su cine y protagonista de títulos de culto como 'Chungking Express' o 'Deseando Amar'.Fiel a su libreto, su Shanghái es bullicioso, nostálgico e ilustra restaurantes, hombres de negocios, mujeres misteriosas, reuniones familiares y tiendas de exportación para hilar una historia que, según el propio director, "carece de una trama coherente".Con aires que recuerdan a las luchas de poder de 'Succession', la serie se emitió en China entre el 27 de diciembre y el 9 de enero, dos semanas en las que se situó como la producción audiovisual más reproducida de la jornada en las plataformas chinas.Lo nuevo de Wong, que no publicaba material nuevo desde hacía una década y ha tardado tres años en rodar, ha logrado en la plataforma local Douban, similar a IMDB, una puntuación media de 8,3 sobre 10, y su popularidad ha superado los 31.000 puntos, convirtiéndola en el primer gran éxito audiovisual de 2024 en el gigante asiático.Y la etiqueta #BlossomsShanghai acumula en la red social Weibo, equivalente a X, 330 millones de visualizaciones.Analizada al milímetroEl debut de Wong en televisión no hubiera sido posible sin el apoyo de Tencent Video, que apostó por una obra que, aunque ha cosechado elogios, también ha provocado indigestiones: hay internautas que la califican de "extremadamente lenta", de "confusa" o directamente de "infumable" por sus "diálogos interminables".Sí hay unanimidad a la hora de alabar su característico lenguaje visual, con el que Wong presenta una ciudad vibrante y tumultuosa pero enigmática, aún por hacer. "Quería invitar al público a sumergirse en una intriga dentro una época emocionante", explica el realizador en declaraciones recogidas por China Daily."En la superficie, la historia se centra en temas como la gastronomía, las relaciones, el honor, las traiciones, pero por debajo está cómo era esa ciudad", relata.Y es que aunque siempre se le relacionará con Hong Kong, Wong rememora que desde niño iba y venía constantemente a Shanghái, donde aún viven sus dos hermanos: "Tengo más de 20 primos que son básicamente de la misma generación que los personajes de 'Blossoms Shanghái'. Tenía mucha, mucha curiosidad por esa época".Otro detalle es que la serie ofrece dos versiones, una en mandarín y otra en dialecto shanghainés para transmitir la autenticidad y el encanto que aporta a la historia el lenguaje local, que en las últimas décadas se ha visto cada vez más relegado en favor del mandarín, la lengua nacional.Nostalgia noventeraEn Internet se han analizado minuciosamente la fotografía, el vestuario y, por su puesto, la música elegida: si en 'Chunking Express' recuperaba el 'California Dreamin'' de The Mamas & the Papas y en 'Happy Together' la canción homónima de The Turtles, en esta ocasión la apuesta es 'Stealing Heart', un clásico del cantante melódico hongkonés Jacky Cheung que ha liderado en el último mes las listas de las canciones más escuchadas en las plataformas chinas.Pero lo que más devoción ha despertado la serie son sus localizaciones, ya que el realizador reproduce algunos de los lugares más emblemáticos del Shanghái de los noventa, como la extravagante Huanghe Road, donde van los empresarios a almorzar o a picar algo a altas horas de la madrugada.La fiebre por la serie ha provocado que en las últimas semanas turistas y residentes acudieran en masa a la zona para hacerse selfis y comer en los restaurantes que aparecen -muchos de comida hongkonesa, que se popularizó en Shanghái en esa época- hasta el punto de que la Policía se vio obligada a despachar agentes a la zona para controlar las aglomeraciones.Y entre el 'boom' de estos tours, los hoteles, como el Fairmont Peace, que ha pasado de costar 80 dólares por pasar la noche en una de sus suites a los 2.300 y que ha colgado el cartel de "no hay billetes" para las vacaciones por el Año Nuevo Chino o el Día de San Valentín.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muerte de Johns, que había nacido en la ciudad sudafricana de Pretoria en octubre de 1923, fue confirmada por el agente de la actriz, Mitch Clem.Johns ganó en 1973 un premio Tony a la mejor actriz por su interpretación de Desiree Armfeldt en 'A Little Night Music', un musical de Broadway.La actriz también fue nominada a un Óscar a la Mejor Actriz Secundaria por 'The Sundowners' (1961) y a un Globo de Oro a la Mejor Actriz por 'The Chapman Report' (1963).Pero quizás su papel más conocido fue el de la matriarca y defensora del sufragio de la mujer en 'Mary Poppins', el musical de Walt Disney en el que compartió la pantalla con Julie Andrews y Dick Van Dyke.Su interpretación de la madre de Jane y Michael Banks, que contrata los servicios de una niñera mágica, Mary Poppins (Andrews), para cuidar a sus dos hijos, le valió un premio Laurel a la Mejor Actriz Secundaria.En un comunicado enviado a la revista Variety, Clem afirmó que con su muerte se acaba la edad dorada de Hollywood.Johns era la actriz de más edad de Disney Legend Awards, el salón de la fama de Disney que reconoce a aquellas personas que más han contribuido a la compañía.Con su fallecimiento su compañero de reparto en 'Mary Poppins', Dick Van Dyke, se convierte en el actor de más edad de Disney Legend Awards.Johns también era desde 2020, cuando murió Olivia de Havilland, la nominada a un Óscar de interpretación de más edad.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de prolongar durante años los derechos de autor de su emblemático personaje, a partir del 1 de enero de 2024, Disney dejará de ser dueño de las versiones de Mickey y Minnie Mouse que aparecen en los cortos 'Steamboat Willie' y 'Plane Crazy' de 1928.Eso significa que creativos, artistas, directores y el público en general tendrán la oportunidad de utilizar dicha creación para sus propias interpretaciones y versiones sin tener que pagar derechos de autor."Es difícil predecir (qué pasará), pero sabemos que cuando las obras pasan a ser de dominio público, esto puede generar tanto un interés renovado por la obra original, como una nueva ola creativa basada en esa obra", dijo a EFE Jennifer Jenkins, directora del Centro de Estudios del Dominio Público de la facultad de Derecho de Duke de Carolina del Norte (EE.UU.).A partir de ahora, las posibilidades creativas para Mickey Mouse serán infinitas. Ejemplos de ello son las nuevas versiones, radicalmente distintas a las originales, que han surgido desde que ingresaran en 2021 al dominio público 'The Great Gatsby' de F. Scott Fitzgerald o 'Winnie-the-Pooh” de A.A. Milne.En concreto, el glamuroso mundo de los años 20 presentado en el libro de Fitzgerald se transformó en una historia con zombies en la novela 'The Great Gatsby and the Zombies', escrita por Wayne Soini.Mientras tanto, el adorable oso amarillo y sus amigos adoptaron un giro oscuro al convertirse en vengativos asesinos en el filme de terror slasher 'Winnie-the-Pooh: Blood and Honey', dirigido por Rhys Frake-Waterfield.Pese a la liberación de esos personajes, y ahora de Mickey Mouse, durante casi dos décadas ningún trabajo creativo pudo acceder al dominio público gracias a la llamada ley de ampliación de los derechos de autor, aprobada por el Congreso de EE.UU. en 1998 y que extendía los derechos intelectuales de algunas obras por otros 20 años.La ley tenía entre sus principales impulsores a Disney y su influencia fue tan significativa que fue conocida popularmente como la ley de 'Protección a Mickey Mouse', un nombre que aunque Jenkins considera "exagerado", tuvo entre sus principales ejes de debate el uso público del simpático ratón.Una oportunidad para aportar a la creaciónLos esfuerzos de Disney por retener el control de los derechos de Mickey Mouse plantean una interesante contradicción para una empresa que ha fundamentado gran parte de su creación en el uso de historias de dominio público, como 'Pinocchio' de Carlo Collodi o 'Blancanieves' de los Hermanos Grimm, entre otras.En su artículo 'Mickey, Disney, and the Public Domain: a 95-year Love Triangle', Jenkins explica que incluso el propio Mickey Mouse se originó a partir de la inspiración de la creatividad ajena, al incorporar los rasgos expresivos de Charles Chaplin, según reveló el propio Walt Disney.Además, pese a la apertura, Disney seguirá conservando muchos beneficios vinculados al personaje. Habrá restricciones para el uso en el dominio público del ratón, que solo podrá ser representado en blanco y negro y no podrá transformarse en una marca comercial."Disney aún conserva muchas propiedades valiosas, por lo que es posible que esto no afecte a su cuenta de resultados. Además, esto permite a Disney aportar algo valioso al dominio público del que se ha nutrido tan brillantemente", consideró Jenkins.Junto con Mickey y Minnie, otro puñado de obras y creaciones se abrirán al dominio público el primer día de 2024.Entre ellas se encuentra la versión original de Erich Maria Remarque de 'All Quiet on the Western Front', cuya tercera adaptación cinematográfica recibió notable reconocimiento en la última entrega de los premios Óscar.También se suma el cuento 'House at Pooh Corner', que introduce por primera vez al simpático personaje infantil de Tigger, y el célebre tema de Cole Porter 'Let’s Do It (Let’s Fall in Love)', inmortalizado por destacadas voces como las de Ella Fitzgerald o Eartha Kitt.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
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El cine de terror no se toma vacaciones, y la temporada navideña no es la excepción. Mientras que muchos asocian esta época del año con la alegría, las luces brillantes y las canciones festivas, hay películas que se aventuran por un camino más oscuro y aterrador. A continuación, le presentamos algunas películas de terror navideñas que seguramente le harán pensar dos veces antes de abrir ese regalo bajo el árbol."Gremlins" (1984)Dirigida por Joe Dante, "Gremlins" es un clásico de los años 80 que mezcla el horror con elementos de comedia y fantasía. La película sigue a Billy Peltzer, quien recibe como regalo a Gizmo, una criatura tierna con reglas estrictas para su cuidado. Sin embargo, cuando esas reglas se rompen, se desatan caos y terror en la pequeña ciudad durante la víspera de Navidad. Los pequeños y traviesos Gremlins aseguran que este sea un festín de horror y humor negro."El Regalo Prometido" (1996)Esta película protagonizada por Arnold Schwarzenegger es una comedia que se desliza hacia el terror. La historia sigue a Howard Langston, un padre que se embarca en una odisea frenética para encontrar el juguete más codiciado de la temporada, el Turboman, en la víspera de Navidad. Lo que comienza como una cómica búsqueda se convierte en un juego mortal cuando Howard se enfrenta a otros padres desesperados y a un villano interpretado por Sinbad."Krampus: El Terror de la Navidad" (2015)Dirigida por Michael Dougherty, "Krampus" es una película de terror que se sumerge en la mitología europea. Después de que un niño desilusionado pierde la fe en la Navidad, invoca accidentalmente a Krampus, una antigua entidad demoníaca que castiga a aquellos que han perdido el espíritu navideño. Lo que sigue es una pesadilla invernal llena de criaturas tenebrosas que acechan a una familia disfuncional."Black Christmas" (1974)Esta película canadiense dirigida por Bob Clark es considerada una de las precursoras del slasher. Un grupo de mujeres en una casa de hermandad universitaria comienza a recibir llamadas amenazadoras durante las vacaciones de Navidad. A medida que las chicas desaparecen una por una, se revela un oscuro secreto que acecha en la casa. "Black Christmas" establece el tono para las películas de terror de Navidad que vendrían después."El extraño mundo de Jack" (1993)Dirigida por Henry Selick y producida por Tim Burton, esta película animada combina elementos de Halloween y Navidad en un cuento oscuro y encantador. Jack Skellington, el Rey de Halloween, descubre la Navidad y decide secuestrar a Santa Claus para poner su propio toque macabro en las festividades. Aunque no es una película de terror pura, su atmósfera única y su estética sombría la convierten en una elección perfecta para aquellos que buscan una experiencia navideña diferente."Última noche" (2021)La película aborda una cena de Navidad aparentemente convencional en la que un grupo de amigos se reúne. A medida que la noche avanza, se revelan secretos oscuros y tensiones acumuladas, llevando a los personajes a enfrentarse a dilemas morales mientras intentan sobrevivir en medio de una situación cada vez más intensa. Con un elenco destacado que incluye a Keira Knightley y Matthew Goode, "Silent Night" ofrece un enfoque perturbador sobre las relaciones humanas y los límites éticos en el contexto de la celebración navideña.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La actriz de 74 años pasó de 32 a 33 nominaciones acumuladas en su trayectoria tras ser una de las seleccionadas en el apartado de mejor actriz de reparto en televisión.Streep competirá con Elizabeth Debicki ('The Crown'), Abby Elliott ('The Bear'), Christina Ricci ('Yellowjackets'), J. Smith-Cameron ('Succession') y Hannah Waddingham ('Ted Lasso') en la 81 edición de los premios que se darán cita en Los Ángeles el 7 de enero.En la serie capitaneada por Steve Martin y Selena Gomez, Streep interpretó a Loretta Durkin, una actriz que protagonizó el musical de Oliver Putnam (Martin Short), con quien trabaja para encontrar a los asesinos de la tercera temporada.De las 33 veces que la actriz ha estado nominada, solo cuatro han sido por proyectos televisivos y en total ha ganado en ocho ocasiones.El primer Globo de Oro lo obtuvo en 1980 por su actuación en la cinta 'Kramer vs. Kramer', seguido de títulos como 'The French Lieutenant's Woman' (1981), 'Devil Wears Prada' (2006), 'The Iron Lady' (2011), entre otros.En 2017, la intérprete recibió el premio Cecil B. DeMille, un galardón otorgado por los Globos de Oro que honra la trayectoria cinematográfica de personajes destacados.Streep es también la actriz con mayor número de nominaciones a los premios Óscar otorgados por la Academia de Hollywood con 21 nominaciones, de las cuales ha ganado en tres ocasiones.Además, tiene dos BAFTA del cine británico, un Oso de Oro de Berlín y un premio a la mejor actriz en Cannes, por citar solo algunos de los reconocimientos que ha logrado a lo largo de su trayectoria.La ceremonia de los Globos de Oro, que este año cambiaron de dueños tras la polémica por la falta de diversidad de 2021, se llevará a cabo el 7 de enero en Bevery Hills (Los Ángeles) y será transmitida por la cadena de televisión CBS por primera vez en cuatro décadas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Vendetta. Katanazo al amor romántico (Planeta Cómic) es la nueva aventura de este personaje que en esta ocasión cuenta las consecuencias de ser maltratada a través del shock postraumático, cuya sintomatología es el aturdimiento mental, falta de memoria y lagunas mentales, dismorfia corporal, normalización de la situación para no sufrir más e incluso la justificación del maltrato para sobrevivir."Nos cuesta poco imaginarnos que un presidente como Putin tiene una personalidad así, pero luego no nos creemos que alguien de nuestro círculo cercano pueda tenerla", explica en una entrevista Riba Rossy con motivo de su participación en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo).Ha sido un libro "incómodo" y "difícil" de escribir porque Riba Rossy no sabía si iba a lograr "explicar bien un tema tan delicado que en un cómic no se había tratado nunca", aunque lo logró y ya tiene preparada la segunda parte en la que Lola, ya habiendo recuperado su katana, contará su proceso de recuperación.El shock"Necesité entender todo lo que le estaba pasando al cuerpo de Lola Vendetta, científicamente y psicológicamente, cómo son los patrones de conducta de una persona que ha sobrevivido a algo así", para lo que estuvo dos años investigando y hablando con profesionales para "evitar a toda costa la foto de contrastes de sombras súper 'heavy' con un moratón gigante en la cara".Esto porque "ya hemos entendido que si te pegan un golpe en la cara es maltrato", pero era importante resaltar que la división entre maltrato físico y psicológico "no es cierta", ya que "el maltrato acaba siendo siempre físico porque si te machacan el cerebro, el cuerpo se afecta"."Cuantísimas mujeres me han escrito durante estos últimos meses diciéndome: 'terminé en el hospital sin poder respirar y no me puso una mano encima, pero me pasé tres años bajo una situación de estrés tan elevada que mi cuerpo explotó'. Esa división de cuerpo-mente tan loca que hacemos tenemos que empezar a difuminarla", insiste la escritora.La historia de Lola, que está acompañada por una banda sonora escrita e interpretada por su escritora a la que se puede acceder a través de un código QR, es la de millones de mujeres que viven situaciones de maltrato.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Muchas veces este síndrome de la mujer maltratada también está asociado a adicciones para aturdir todavía más y no sentir esa sensación horrible y a trastornos de la conducta alimentaria", y también a ideas suicidas: "cuando llevas tantísimo tiempo sometida a una situación de presión, encierro y aislamiento de la que tienes la sensación de que no vas a salir, la sensación de indefensión aprendida es brutal", continúa la ilustradora.El objetivo principal de los maltratadores, prosigue, es el control, por eso "de repente te das cuenta que las vejaciones más bestias son antes de mi cumpleaños o de una reunión importante en el trabajo". Es decir, que lentamente va afectando todas las áreas de tu vida, una vez identifica tus vulnerabilidades.Lola y ColombiaEl éxito que ahora es Lola Vendetta en muchos países arrancó, curiosamente, en Colombia, cuenta Riba Rossy, donde desde 2016 su personaje conectó con las colombianas."Colombia fue el primer país donde Lola Vendetta fue acogida a lo bestia, y luego vino México y luego vino España", en palabras de la ilustradora.Precisamente, el personaje de Rosa, una de las amigas de Lola, es colombiana porque Riba Rossy recibió, muy al comienzo de las aventuras del personaje, un mensaje de una niña de 7 años del departamento del Chocó en el que le pedía crear un personaje que se pareciera a ella.Casi diez años después, Riba Rossy sigue escribiendo de y desde el feminismo porque lo tiene claro: "es una carrera de fondo, nunca fue un 'petardazo' en medio de la historia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Homero dio la primera pista, al mencionar en su Ilíada que la isla griega de Kasos aportó barcos para la guerra de Troya. Tirando de ese hilo, un equipo de arqueólogos ha localizado ocho barcos hundidos frente a sus costas en los últimos 5.000 años y demostrado la importancia que tuvo ese rincón del Egeo."Algunos de los hallazgos que tenemos en Kasos son únicos y se encuentran por primera vez en el mar Egeo", dice Xanthí Argiri, arqueóloga de la Fundación Nacional de Investigación (ΕΙΕ) de Grecia y responsable de la exploración que se llevó a cabo entre 2019 y 2023.Los pecios, de épocas muy diferentes, se localizaron a profundidades de entre 20 y 50 metros. El más antiguo data del 3000 a. C, mientras que los demás son del período clásico (460 a. C.), helenístico (100 a. C. a 100 d. C.), la época romana (200 a. C. – 300 d. C.) y el período bizantino (800 – 900 d. C.).Además de estos barcos, durante la investigación, en la que ha participado el Ministerio de Cultura griego, se encontraron los restos de un buque que se hundió a inicios del siglo XIX y otro de la primera mitad del siglo XX.En uno de los dos pecios de la época romana, los arqueólogos hallaron cerámica de tipo terra sigilata, originaria de África, y ánforas españolas del tipo Dressel 20 de la zona del río Guadalquivir, entre las que destaca una con un sello que ha sido fechada entre el 150 y el 170 a.C.Aunque se han encontrado "quizás millones" de estas ánforas de aceite en Europa y el Mediterráneo occidental, ya que eran unas de las más difundidas durante los tres primeros siglos d.C, "hasta ahora no se había encontrado un naufragio que confirmara su comercio marítimo en el Egeo", señala Olga Marinaki, también arqueóloga de EIE."La carga mixta confirma además que África, España y el Egeo estuvieron conectados por intensas relaciones comerciales en la época romana", añade.Los investigadores descubrieron en los pecios también tesoros únicos originarios de Italia y Asia Menor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante la exploración se hallaron cañones, anclas -una de ellas de piedra, del período arcaico- y centenares de vasijas y otros objetos cerámicos.Con la ayuda de HomeroLa búsqueda empezó con la segunda rapsodia de la Ilíada de Homero, cuenta Argiri.En ese pasaje, el poeta enumera todos los barcos que las diferentes ciudades griegas aportaron para la guerra contra Troya, entre las que cita también Kasos y a la contigua isla de Kárpatos.Partiendo de esta antigua referencia a la tradición marítima de Kasos, se empezó a indagar más sobre la isla, señala la arqueóloga.Los investigadores consultaron después otras fuentes históricas que mencionaban que Kasos ofreció barcos también para la guerra de la independencia griega contra el imperio otomano, que comenzó en 1821.Aunque entre estas dos referencias históricas había un vacío de varios siglos, el equipo de arqueólogos submarinos decidió iniciar la investigación.La amplia horquilla cronológica de los objetos encontrados, que datan desde la Prehistoria, pasando por los periodos clásico, helenístico, romano, bizantino y otomano, dio la razón a los investigadores.Argiri y Marinaki coinciden en que los hallazgos demuestran que Kasos fue un "enclave fundamental" en las rutas marítimas de la Antigüedad, especialmente las que unían el norte de África con el Egeo y, más concretamente, Egipto con Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino.A lo largo de este año el equipo seguirá la exploración en la contigua isla de Kárpatos, mientras se realiza un proyecto de conservación in situ de los hallazgos encontrados en Kasos.Financiación limitadaPese al importante papel que jugó el sureste del Mar Egeo, y sobre todo el archipiélago del Dodecaneso, en el comercio marítimo antiguo, este es el primer estudio sistemático del fondo marino en la zona.La larga distancia que separa estas islas de Atenas y la falta de infraestructura local para la investigación arqueológica subacuática, hace que los proyectos sean más costosos, ya que todo el equipo tiene que trasladarse desde la capital griega.Según Argiri, la mayoría de los casi treinta investigadores que trabajaron en el proyecto de Kasos lo hicieron de manera voluntaria, mientras que los demás gastos fueron pagados por patrocinadores privados."Es obvio que hay muchas cosas que no podemos hacer porque no tenemos los suficientes recursos", se lamenta la arqueóloga quien, sin embargo, mantiene la esperanza de que en un futuro se puedan construir en Kasos las infraestructuras necesarias para que la isla se convierta en un destino de turismo cultural submarino.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El festival anunció este lunes en un comunicado la composición del jurado que decidirá la atribución de la Palma de Oro a uno de los 22 filmes en competición, cuatro meses y medio después de haber informado de la elección de Gerwig.También integrarán el jurado de la 77 edición del Festival de Cannes la directora y fotógrafa turca Ebru Ceylan, la actriz estadounidense Lily Glandstone, la actriz francesa Eva Green, la directora libanesa Nadine Labaki, el actor italiano Pierfrancesco Favino, el cineasta japonés Kore-Eda Hirokazu y el actor y productor francés Omar Sy.Sobre Bayona, los organizadores destacaron que se ha impuesto como "uno de los cineastas españoles más aclamados" por el público y los críticos "del mundo entero".Recordaron que su primera película, El orfanato, fue presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2007, donde "fue ovacionado y que con Lo imposible en 2012 obtuvo cinco Goyas, incluido el de mejor director, además de la nominación de Naomi Watts para los Oscar y los Golden Globe en la categoría de mejor actriz.Igual que su última película, La sociedad de la nieve, que fue la gran ganadora en los Goya con doce estatuillas, "ha sido celebrada por su profundo humanismo y sus proezas técnicas".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los otros miembros del jurado hay figuras muy conocidas del séptimo arte como Omar Sy, que consiguió una gran proyección a partir del César que logró en su país como mejor actor en 2011 por Intouchables, de Éric Toledano y Olivier Nakache.También Lily Glandstone, que con su papel en Killers of the Flower Moon, de Martin Scorsese, además de ser nominada a los Oscar, recibió el Golden Globe de 2023, el Screen Actors Guild Award de 2024 y el título de mejor actriz del New York Film Critics Circle y del National Board of Review.El palmarés de la próxima edición del Festival de Cannes se hará público el 25 de mayo durante la jornada de clausura.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La composición de Todo tranquilo en el frente occidental se inició en 1989, pero solo se completó diez años más tarde. La compositora, Nancy Jean Van de Vate, adaptó el libreto de la famosa novela acerca de la Primera Guerra Mundial Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente) de Erich Maria Remarque, con alguna referencia al guion cinematográfico de 1929. Aunque la novela se ha utilizado tres veces como base de una película, nunca antes se le había puesto música.La composición de la ópera ya estaba en marcha cuando, a finales de 1990, la compositora, Nancy van de Vate, recibió el encargo de crear la música para la ópera romántica en cuatro actos, Nemo: Jenseits von Vulkania, con libreto de Allen Cortés. Años más tarde, regresó a la composición de Todo tranquilo en el frente occidental, en 1996, completando al fin la ópera en 1999.Estilística e ideológicamente, esta ópera pertenece a varias de las otras grandes obras de Van de Vate de finales de los años 1980 que también se basaban en temas sociales y políticos, en particular Chernobyl para orquesta y Katyn para orquesta y coro. Al igual que Todo tranquilo en el frente occidental, el ambiente de estas obras también es sombrío, y la disonancia extrema se alterna con un lirismo trágico.Aunque la ópera se desarrolla en medio de los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, particularmente la vida en las trincheras se centra en las relaciones humanas y las respuestas de sus personajes más que en actos de batalla o incidentes específicos de heroísmo.Hace 25 años la compositora Nancy van de Vate presentó esta, su ópera Todo tranquilo en el frente occidental, que adaptó de la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente.En la versión que transmitiremos en la señal en vivo de la HJCK podrá escuchar en el reparto a Michael Polscer, Josef Krenmair, Steven Scheschareg, Dominic Natoli, Marek Olbrzymek, Josef Krenmair, Linda Healy-Steck, Martha Jane Howe, Evelyn Petros, Linda Healy-Steck, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Moravia, dirigida por el estadounidense, nacido en Japón, Toshiyuki Shimada.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 28 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.