La adolescencia masculina sin la referencia de un padre, la delincuencia y la violencia son temas recurrentes en varias cintas colombianas contemporáneas, como es el caso de "Los reyes del mundo", de Laura Mora, "Un varón", ópera prima de Fabián Hernández, o "El Edén", Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes, rodada por Andrés Ramírez Pulido.Segunda cinta de la realizadora Laura Mora, premiada con la Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián, "Los reyes del mundo" narra ese tumultuoso paso a la edad adulta siguiendo los pasos de un grupo de chicos, como sucede con "El Edén". Mora cuenta el viaje de un grupo de jóvenes que siguen los pasos de un amigo, dispuesto a reivindicar un trozo de tierra de su abuela."El Edén" es la experiencia casi onírica de un grupo de menores delincuentes atrapados en la selva tropical, en un centro de reeducación experimental. "En los últimos veinte años hemos presenciado una producción muy bien estructurada, talentos bien acompañados, toda una política cinematográfica en Colombia", explicó a la AFP Eva Morsch Kihn, coordinadora de la programación de ficción del festival."Lo que nos indicó que había llegado el momento de hablar de ello es la presencia casi sistemática en los últimos tres o cuatro años de películas colombianas en grandes festivales, lo que es un barómetro a varios niveles de ese éxito", añadió.Peligrosa infancia en Medellín"Para nosotros es muy importante todos los espacios de visibilización de esta película, antes de ir al Festival de Cartagena" para su presentación nacional, explicó en entrevista telefónica Fabián Hernández, autor de "Un varón".La cinta narra los recuerdos personales de este cineasta que vivió una peligrosa infancia en las calles de Medellín. "La violencia yo la tuve muy cerca en ese momento de mi vida. Tuve un momento decisivo, ocurrió en una noche, y yo pude perfectamente haber sido un chico como Carlos [protagonista de "Un varón"], como uno de los tantos que estaban ahí, que han muerto o no", explicó.En total, el festival Cinelatino ofrecerá casi 130 películas, entre ellas 11 largometrajes de ficción y siete largometrajes documentales que competirán por distintos premios.El certamen también se fijará en la producción brasileña a través de la selección "Brasil, cine y política" y se acercará al trabajo de actrices y realizadoras, entre las que destaca la chilena Manuela Martelli, actriz, directora y guionista de éxito precoz.Cinelatino debe reunir este año a más de 80 cineastas y 150 profesionales, según la organización. Además de las proyecciones, el festival ofrece en paralelo actividades de animación dirigidas al gran público como cursos de tango o conciertos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Semana de Cine Portugués ha construido a lo largo de 7 años una relación con el público colombiano que convirtió a este evento en una de las citas imprescindibles del calendario cinéfilo de cada año en la Cinemateca de Bogotá.Las propuestas que atravesaron estas ediciones incluyeron estrenos, focos retrospectivos, conversatorios y rescates del cine clásico luso. Esta muestra tiene como objetivo exhibir y circular lo mejor del cine portugués y ampliar el espectro de esta especial cinematografía.“Es un honor y una alegría volver a encontrarnos para esta muestra anual de cine luso en la Cinemateca de Bogotá. Será una edición muy especial con la presencia de la directora Susana Nobre y un conjunto de películas firmadas por mujeres directoras. El interés por incorporar una perspectiva de género a la lectura del presente y el pasado del cine es una decisión política que, lejos de agotarse en la inclusión y la diversidad como objetivos necesarios, nace también de la necesidad de visibilizar un corpus de obras que se imponen por sus propios méritos cinematográficos, y sirven de vivo testimonio de la importancia central que estas autoras tienen para entender y pensar el cine portugués en su totalidad”, menciona María Joåo Machado, programadora de la muestra.Esta edición presentará una programación firmada en su totalidad por mujeres y contará con la presencia en Bogotá de la directora Susana Nobre, quien mostrará tres de sus películas: Tempo comum (2018), No taxi do Jack (2021) y Provas, exorcismos (2015) y participará en varias actividades especiales.Así mismo, la muestra tendrá una sección de Panorama que reúne 7 largometrajes: A metamorfose dos pássaros de Catarina Vasconcelos, Amor fati de Cláudia Varejão, O trio em mi bemol de Rita Azevedo Gomes, Corpo a corpo de Inês Gil, Mato seco em chamas de Joana Pimenta, Adirley Queirós, Suzanne Daveau de Luísa Homem y Viagem ao Sol de Susana de Sousa Dias, Ansgar Schäefer.La muestra está enfocada en autoras, reúne cuatro óperas primas, que comparten la incomprensión o las dificultades para exhibirse, que padecieron en su momento y que hoy, con justicia, son consideradas y jerarquizadas como obras fundamentales que hacen un recorrido por la historia del cine portugués del siglo XX. El segundo foco, dedicado al Poscolonialismo compila tres largometrajes.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Patria y vida: el poder de la música" nació "el día en que la canción fue introducida como parte del libro del Congreso estadounidense junto a discursos míticos como el de Luther King, y el presidente de EEUU la leyó para que las futuras generaciones sepan que fue un himno de libertad", explica Luengo.En una entrevista con EFE junto a Yotuel Romero, uno de los compositores de la canción, Luengo desvela que, cuando regresaba en avión ese día a Miami (EEUU), decidió que esta historia debía ser un documental, una cinta que este martes se presenta en el festival español de cine de Málaga. Si no lo hacía ella, precisó, "alguien lo haría, pero dentro de veinte años, porque la importancia de los movimientos históricos en torno al arte se miran siempre a lo largo del tiempo".Empezó a trabajar el guion para que no fuera, comenta, "un corta y pega de imágenes", y buscó "un hilo conductor a través de la música y de la vida de Yotuel, que es impactante, para hacerle justicia a esta causa". Quería, además, "reivindicar la música" de verdad, ahora que todas las canciones tienen "el mismo acorde y la misma letra".De muerte a vidaYotuel explica cómo le dieron la vuelta al tradicional lema del régimen cubano, "Patria o muerte", para llegar a este "Patria y vida". "Es importante que ahora -según el cantante-, que el mundo va en el camino de la inclusividad, esto también se aplique a Cuba. Allí la dictadura es 'patria o muerte', o la patria como la conciben ellos o, si no, te mueres. Esa es la Cuba antigua, la Cuba nueva quiere patria y vida, tú y yo, mi diferencia y la tuya, ese modo inclusivo en que todos tengamos cabida en Cuba, por eso conectó mucho con el cubano".Sabía que el título contenía "un juego de palabras importante y fuerte a nivel de mensaje cuando naces en una sociedad en la que la propaganda más fuerte que hay en todos lados es 'patria o muerte'". Pero admite que no esperaban la "envergadura" de la reacción de los cubanos y cómo "les iba a dar valor y coraje para salir a la calle por primera vez en sesenta años".Lejos de la música comercialEl éxito de la canción no se quedó en la protesta social, porque además ganó dos Grammy Latinos, algo que para Yotuel demuestra que "la música también tiene que ver con decir cosas importantes y con transformar la sociedad". "Si una canción quiere hablar de reivindicaciones y de los problemas que tienes, dilo. 'Patria y vida' ha demostrado que puedes tener Grammy y ser relevante -añade-. Hay gente que cree que la relevancia solo está con el éxito del algoritmo, y hay que ser relevante desde la libertad de uno mismo".Después del impacto de la canción, Yotuel cree que el documental también "tiene esa fuerza" para "visualizar que el rapero Maykel Osorbo y el artista Luis Manuel Otero están presos (en Cuba) solo por decir 'patria y vida'". "Queremos que todo el mundo vea esta causa y sienta empatía con el pueblo cubano, y que el pueblo cubano sepa que el mundo entero está con ellos diciendo que es el momento de que Cuba sea libre", resalta.El mismo deseo comparte Beatriz Luengo, que recuerda que una musicóloga dijo que "muchas canciones han acompañado a movimientos sociales, pero por primera vez en la historia un movimiento social parte de una canción que le da nombre". Luengo citó a "los cubanos que se manifestaron, encontraron represión y golpes y están presos con condenas de cinco a veinticinco años solo por manifestarse"; y quiere que, con el documental, "vean todo lo que consiguieron y les genere la sensación de querer salir a la calle a manifestarse".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Tacho llegó al filme desde una asociación de vecinos en lucha contra una compañía minera que está destrozando sus tierras, explicó este martes el director en una rueda de prensa tras la proyección de la cinta en el Festival de Málaga (sur), donde compite.Nada más verle, Kaiser supo que ese septuagenario, su rostro surcado de arrugas, ennegrecido de vivir al aire libre entre sus ovejas y las plantaciones de maíz que apenas le dan para vivir, era "su" Tacho.Una prueba simple, al improvisar sobre la hija muerta del personaje, sobrecogió al equipo por su intensidad y sus lágrimas; Eustacio y su mujer también habían perdido una hija. Analfabeto, el proceso para recordar el papel pasaba por la intermediación de su esposa.La película, dijo el joven director mexicano, admirador de Pedro Almodóvar, habla "de la energía masculina y de cómo se debe usar (..), y de las terribles consecuencias de hacerlo de forma incorrecta".Aborda la violencia contra las mujeres, un tema tan complicado, reconoce el director (en México se notifican diez crímenes machistas al día), pero "desde una perspectiva que intentamos cuidar para que no fuese política, coyuntural o provocadora, sino más bien una experiencia más sensorial o emotiva. "Más desde el sentimiento y menos desde la cabeza", añade.La película tiene un componente profundamente social porque, como apuntó la productora Alba Sotorra, es imposible que no lo tenga una cinta mexicana. "Zapatos rojos" empieza con un "prólogo", dice Kaiser, donde un coche transporta a una mujer joven que lleva en el regazo unos tacones de fiesta de color rojo. Su mirada reposa en la ventanilla, ausente. El siguiente plano sigue a un anciano granjero que recolecta maíz muy despacio y lleva una vida sencilla y apartada.Un correo le dice que debe ir a la ciudad para hacerse cargo de los restos de su única hija, su esposa también hace poco que le dejó. Ese viaje a la urbe es un choque brutal para el anciano que, por casualidad, se topa con una chiquita, una superviviente con aparente mejor suerte de la que tuvo su hija.Esta película retrata la vida de estos lugares perdidos en el desierto, como el territorio de El Ejido donde vive Tacho, al que se llega tras dos horas de avión y siete de camino sin asfaltar y donde no hay ni señal de celular. También están ahí la burocracia, la inhóspita convivencia de la ciudad, el "no ponerse en el lugar del otro", abunda Kaiser, el miedo o la violencia -mucha, aunque apenas se ve, solo se sabe-.La productora, responsable de cintas como "El otro Tom", ganadora del último festival de cine iberoamericano de Huelva, denuncia que en México no hay cuota de exhibición "por lo que este cine nuestro no tiene hueco frente a 'Transformer 15'". Aún así, se compromete a "salir con 50 o 60 copias".Y como no hay cines, "lo llevaremos a los pueblos con Ecocinema, una furgoneta con una pantalla inflable y energía solar para mostrarla en los pueblos donde se rodó, al menos. Son proyecciones maravillosas en la plaza del pueblo con todos los habitantes implicados".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una entrevista con EFE en Barcelona (España), la directora colombiana Laura Mora (Medellín, 1981) explica que la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, con la que se alzó el pasado septiembre, ha sido el detonante de "un diálogo muy apasionante", tanto en su país como en otros, porque la película "parte de Colombia" pero le habla al mundo."En Colombia no vemos mucho cine propio -señala-, pero el premio hizo que la gente se interesara y el debate se abrió en muchos terrenos, pero sobre todo en los que están ahora en el centro de la discusión política, como el de la restitución de tierras".Diferentes miradas Sin embargo, en los muchos festivales que ha visitado la película su directora ha podido apreciar que la mirada del espectador europeo es "muy distinta y, de alguna manera, más libre, porque aunque se pueden perder ciertas lecturas ligadas a la realidad colombiana, se deja llevar por el viaje y su carga simbólica". "Todos buscamos un lugar donde vivir seguros, aunque algunos tienen que atravesar por situaciones más difíciles que otros para conseguirlo", afirma."Los reyes del mundo" relata la historia de cinco chicos que viven en la calle en Medellín e inician un duro viaje hacia la localidad de la que es originario uno de ellos, porque le han sido restituidas las tierras que le quitaron por la fuerza a su familia.En el centro del debateCuando Laura Mora empezó a trabajar en esta película en 2016 no se podía imaginar que fuera a tener lugar la revuelta social posterior y que llegaría al poder en su país un gobierno progresista con la restitución de tierras en su programa.Este hecho ha puesto la película en el centro del debate político y ha sido recibida "de forma muy diferente por los diferentes sectores de Colombia, que es una sociedad muy polarizada", asegura. "Algunos se han molestado mucho, porque los protagonistas son lo que ellos llaman 'cinco vagos', pero también ha habido debates interesantes sobre los muchos temas que aborda la película, como el racismo, los desplazados, los excluidos, la limpieza social o la masculinidad", añade.Una lectura sobre el filme que ha gustado especialmente a la directora es la que se ha hecho desde la Universidad de Los Andes en su país, al calificar la película de "queer", "porque celebra la disidencia" y muestra "a cinco chicos que solemos ver sólo como hombres violentos desde otro registro, el de la ternura".Episodios dolorosos También ha habido episodios desagradables, como el de las amenazas que ha sufrido recientemente la directora de un grupo que la ha intimidado con el apoyo de uno de los actores no profesionales que protagonizan el largometraje. "Al ganar la Concha de Oro algunos pensaron que estábamos ganando mucha plata y ocurrieron cosas muy dolorosas", relata.A pesar de las muchas dificultades por las que ha pasado Mora y su equipo, con un rodaje muy duro en el Bajo Cauca en su país, la directora se siente orgullosa de "Los reyes del mundo" porque cree que está alcanzado su objetivo, que "no es solucionar problemas, sino plantearlos"."Es una película política, porque todo buen arte es político -sentencia-, pero no está hecha desde la militancia ni desde el manifiesto. Ojalá el arte nos pueda poner ante un entendimiento más profundo del mundo que habitamos".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"No me callo, no bajo los brazos y sigo pidiendo justicia", cuenta la hoy anciana en una charla con EFE. "Ojalá la película tenga suerte y siga demostrando en los colegios, universidades, en todos lados, lo que se vivió, que fue algo tremendamente terrible", relata la veterana activista, que a los 83 años explica con entereza su desgarradora historia de secuestros, torturas y cárcel, incluida la pérdida de su hijo, de 15 años, cuyo cadáver apareció en la costa uruguaya tras ser arrojado desde un 'vuelo de la muerte'.La película dirigida por Santiago Mitre recrea el juicio en el que, en 1985, se condenó a los comandantes del último régimen de facto argentino por el sistema represivo ilegal desplegado entre 1976 y 1983. El film, que este domingo podría alzarse con el galardón a Mejor Película Extranjera, incluye fragmentos de testimonios del juicio original. Es el caso de Iris, a la que se ve relatar, con 46 años, cómo, al ser liberada en 1978 tras dos años presa, salió "decidida" a encontrar a su hijo Floreal, el 'Negrito', que también había sido secuestrado. Y cómo una amiga le contó que fue asesinado.El secuestroEl 15 de abril de 1976, un grupo irrumpió en el domicilio de Pereyra, en la localidad bonaerense de Munro, y se llevó a ella y su hijo, mientras que el padre de familia, delegado sindical en una fábrica y militante del Partido Comunista, escapó por el techo. "La revancha fue llevarnos secuestrados a nosotros dos, al Negrito, que tenía 15 años, una criatura que no tenia maldad de ninguna clase, que se había afiliado a la Federación Juvenil Comunista", señala.De ahí, madre e hijo fueron trasladados a una comisaría donde fueron brutalmente torturados: "En un momento me lo traen al 'Negrito' y me dice: 'Mami, decí que papi se escapó', porque se ve que con la tortura lo tenían a mal traer para que dijera dónde estaba su papá. Y no le pudieron sacar nada". Iris no volvió a ver a su hijo."Me tenían atada en una canilla (grifo) en el baño en la comisaría cuando me hacen el careo con él. Me sacan en un coche y me llevan a Campo de Mayo, un centro clandestino donde hubo más de 7.000 desaparecidos. Ahí estuve 15 días secuestrada recibiendo hasta simulacros de fusilamiento", señala. De ese terrible lugar -adonde se supo que también había sido llevado su hijo-, señalada por comunista fue llevada a una cárcel, y a fines de 1977 a otra, hasta su liberación en julio de 1978.¿Dónde está el 'negrito'?Al quedar libre, Iris optó, por seguridad, por no juntarse inmediatamente con su esposo, que nunca fue detenido, y fue a casa de una amiga. No tardó en saber que el cuerpo del 'Negrito' había aparecido, en mayo de 1976 y según publicó la prensa, en la costa uruguaya con otros cadáveres de personas torturadas arrojadas desde el aire, uno de los procedimientos del terrorismo estatal."Un barco pesquero que se iba arrimando a la costa, cuando levantaba la ola levantaba bolsas negras, y por la orilla andaba un fotógrafo sueco con su hijo y sacó 330 fotos de los nueve cadáveres que habían aparecido", describe.Cuenta que solo dos fueron identificados, entre ellos Floreal -"atado de pies y manos" y asesinado por "empalamiento"-, gracias al tatuaje que tenía de un corazón y sus iniciales. Pero en tiempos de estrecha colaboración entre las dictaduras argentina y uruguaya, el cadáver volvió a desaparecer.En 1980, Iris y su marido, que además de Floreal tenían otra hija, engendraron un tercer bebé. Aún recuerda las secuelas que le produjeron las quemaduras que los torturadores le habían provocado en las glándulas mamarias. "Después de que salí en libertad, nos unimos mucho más (con su esposo) de lo que ya estábamos. Fuimos militantes, nos llevamos muy bien, pero perder un hijo como lo perdimos fue tremendo", indica.Ya en democracia, en 1985 iniciaron un peregrinar judicial en Uruguay por el caso del 'Negrito', sin suerte. Fue en 2009 cuando un tribunal argentino condenó a los responsables del asesinato. "Espero que se pudran en la cárcel", sentencia Pereyra, que enviudó en 2010 y hoy preside la Liga Argentina por los Derechos Humanos como una "militante de primera" que sigue y seguirá "pidiendo justicia".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Luis Moreno Ocampo tenía 32 años y ninguna experiencia litigando cuando se convirtió en uno de los fiscales del juicio a los comandantes militares de la última dictadura argentina, un momento histórico retratado en "Argentina, 1985", que busca llevarse un Óscar el domingo.El joven abogado tenía claro entonces que debía convencer no sólo a los jueces, sino también a la opinión pública de su país. Y asegura que el film dirigido por Santiago Mitre y protagonizado por Ricardo Darín, uno de los cinco nominados al Premio de la Academia a la mejor película internacional, también lo está haciendo. "Tienes que ganar tu caso en la corte. Pero luego viene una batalla por la memoria", dice a la AFP Moreno Ocampo, hoy de 70 años, en una entrevista en Malibú, California, donde vive actualmente. "Gané la batalla por el entendimiento en 1985. Pero ahora, Santiago Mitre y Ricardo Darín están ganando la batalla por la memoria en el 2023. Y eso es único", agrega.El film relata cómo el fiscal Julio Strassera (Darín), y de su adjunto Moreno Ocampo (Peter Lanzani), encabezan la acusación contra los nueve jerarcas militares en el poder entre 1976 y 1983, sólo dos años después del retorno a la democracia, en un ambiente de gran tensión tras la brutal dictadura. "Mi madre estaba en mi contra", cuenta Moreno Ocampo, de familia de tradición militar. "¡Mi madre iba a misa con el dictador Jorge Videla!"Pero tal como revela una de las escenas más dolorosas de la película, un desgarrador testimonio, el de una mujer obligada por sus captores a parir esposada en el asiento trasero de una patrulla, la hizo cambiar de opinión. "Al día siguiente mi madre me llamó (...) Me dijo sigo queriendo al general Videla, pero tienes razón, tiene que ir a la cárcel", recuerda Moreno Ocampo.Esto llenó de optimismo al entonces fiscal adjunto que, con Strassera y un equipo de jóvenes inexpertos armaron un caso que derivó en las condenas de seis de los militares, incluido Videla, un hito para una Latinoamérica marcada en esos años por atroces dictaduras.Rendir cuentas"Argentina, 1985" muestra cómo el régimen militar estableció campos de detención, tortura y exterminio, arrojó personas vivas al mar desde aviones, y detuvo indefinidamente a otras. Unos 30.000 argentinos desaparecieron, según organismos de derechos humanos, y cientos de bebés nacidos en cautiverio fueron entregados a otras familias, incluyendo las de militares. "En mi país, mi ejército trató a los ciudadanos argentinos como enemigos", afirma Moreno Ocampo. "Tú no puedes tratar a ciudadanos como enemigos".Ex primer fiscal de la Corte Penal Internacional (2003-2012), el jurista destaca la recepción positiva que la película ha tenido en países como España y Brasil, que también atravesaron dictaduras militares que no enfrentaron a los tribunales. "En su transición de la dictadura a la democracia, ellos no investigaron el pasado", señala el jurista. El juicio a la Junta en Argentina "transformó la perspectiva del país (...) Ese proceso faltó en Brasil, donde temían que los militares pudiesen involucrarse en un golpe en el futuro próximo".Según Moreno Ocampo, "los militares no son el problema, porque siguen órdenes. Son las élites, si tus élites apoyan un golpe de Estado, tienes un problema". "Eso es algo que en Brasil no entienden, pero incluso en Estados Unidos no entienden", añade, refiriéndose al asalto de 2021 al Capitolio estadounidense en los últimos días de la presidencia de Donald Trump."Para mí es impresionante cómo los miembros del Congreso (en Washington) aún hoy en día apoyan (lo ocurrido) el 6 de enero. Y ése es el riesgo, que la élite apoye este tipo de actividades antidemocráticas", subraya."El poder de la juventud"Argentina ya ganó dos Óscar a la mejor película internacional, ambos por películas que abordaron los años del terror militar: "La historia oficial" en 1986 y "El secreto de sus ojos" en 2010. Fanático del fútbol, Moreno Ocampo espera el país conquiste ahora su tercera estatuilla en Hollywood, igual que la albiceleste selló su triplete en la Copa del Mundo el año pasado.También confía en que el film de Mitre, que dedica buena parte a mostrar el trabajo de los jóvenes que ayudaron a los fiscales, haga que la historia llegue a las nuevas generaciones. "Mi hijo de 23 años no tenía idea de lo que había ocurrido. Y ahora está aprendiendo", dice Moreno Ocampo, padre de cuatro."Esta película es sobre el riesgo de [perder] la democracia. Pero también es sobre el poder de la juventud: cómo los jóvenes son los que cambian el mundo y cómo hay que continuar batallando por la justicia. La justicia es un trabajo sin fin", asegura.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El servicio global de streaming MUBI trae a Colombia estrenos y nuevas producciones a propósito de los eventos importantes en el mes de marzo, como la entrega de los premios Óscar y el Día Internacional de la Mujer. Este mes MUBI presenta HOLY SPIDER, dirigida por Ali Abbasi, ambientada en la ciudad santa de Mashhad. La historia sigue a la periodista Rahimi (Zar Amir Ebrahimi), que investiga los asesinatos de varias trabajadoras sexuales a manos del "asesino de la araña", que cree cumplir una misión divina para limpiar la ciudad de pecadores. La película se estrenó mundialmente en el Festival de Cannes de 2022, donde Zar Amir Ebrahimi ganó el premio a la mejor actriz.Por otro lado, MUBI celebra el Día internacional de la Mujer para ello presenta presenta un ciclo de películas y cortometrajes dirigidos por talentosas y grandes mujeres como: Sara Cwynar, quien dirige el cortometraje GLASS LIFE, que describe cómo vivimos bajo una vigilancia constante, sin intimidad y frente a un mundo de imágenes.También estará Haifaa al-Mansour, la primera mujer en realizar un largometraje de Arabia Saudita bajo el título WADJDA, donde narra la historia de una niña de 10 años que vive en un suburbio de Riad y sueña con tener una bicicleta, pero la ley se lo prohíbe. También se inaugura un ciclo de películas que ofrecen una visión general del cine feminista en Alemania.En la programación destacada llega THE CAT HAS NINE LIVES de Ula Stöckl, que explora el lugar de las mujeres como madres dentro de familias patriarcales, la independencia profesional de las mujeres, la liberación sexual y las luchas políticas, reflejando las preocupaciones del movimiento feminista de la época; y THE WOMAN IN THE FIFTH de Paweł Pawlikowski, un misterioso thriller romántico con toques surrealistas, protagonizada por Ethan Hawke y Kristin Scott Thomas.En los estrenos más esperados estará DE CIERTA MANERA de Sara Gómez, que ofrece una compleja crítica del machismo, la sociedad patriarcal y la violencia de clases en una Cuba post-revolucionaria, a través de una historia de amor en las afueras de La Habana; PLEASE BABY PLEASE de Amanda Kramer, protagonizada por Andrea Riseborough y con una actuación especial de Demi Moore, es una carta de amor a la excentricidad del cine que explora el deseo, las identidades de género y las sexualidades ocultas de sus personajes.Llega a la plataforma AVA de Léa Mysius, una seductora exploración de la sexualidad femenina y los miedos adolescentes, una contagiosa mezcla de colores deslumbrantes, humor y la melancolía ensoñadora del transformador verano de una joven que descubre que está condenada a perder gradualmente la vista; y ZERO FUCKS GIVEN de Emmanuel Marre y Julie Lecoustre, protagonizada por Adèle Exarchopoulos, narra la historia de Cassandra, una azafata de 26 años que vive al día y se va de fiesta sin importarle el mañana.También estará disponible THE MAN WHO FELL TO EARTH de Nicolas Roeg, donde nos presenta a David Bowie como un extraterrestre de apariencia humana, que viaja a la Tierra con el fin de conseguir agua y poder salvar la vida en su planeta; BLUE STEEL de Kathryn Bigelow, un clásico drama policial norteamericano con la historia de un psicópata que se enamora de la policía que lo persigue, protagonizada por Jamie Lee Curtis; y LOS ADIOSES de Natalia Beristain, protagonizada por Karina Gidi, Daniel Giménez Cacho, Tessa Ia y Pedro de Tavira, quienes dan vida a la escritora Rosario Castellanos y al filósofo Ricardo Guerra a través de distintas etapas de su vida y su relación.Por último este mes MUBI presenta una selección de películas ganadoras y nominadas a los Oscar, THE ELEPHANT MAN, la película con más nominaciones de David Lynch, MY WEEK WITH MARILYN de Simon Curtis, THE GRADUATE de Mike Nichols, y LA LA LAND, la cinta de Damien Chazelle nominada en 14 categorías incluída mejor película, protagonizada por Emma Stone y Ryan Gosling.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Pienso que el éxito de la película es porque la gente no está acostumbrada a ver seres humanos en quechua (...) que saben amar, sufrir, reír, que tienen toda la gama de sensibilidades que tiene el ser humano (porque) siempre se ha asociado al mundo quechua a la tristeza, a la guerrilla y a la miseria", opina el cineasta en una entrevista con EFE.A través del séptimo arte, Galindo trata de mostrar ese mundo andino peruano como "una cultura viva". "Que no hemos desaparecido, que no somos seres antropológicos, ni exóticos, ni folklóricos, que somos seres humanos como cualquier pueblo en el mundo", resalta el director nacido en una pequeña localidad del departamento de Ayacucho, en plena cordillera."Derecho a existir"Ambientada en la década de 1970, "Willaq Pirqa" narra la historia de Sistu, un niño entrañable de diez años que descubre, con asombro genuino, la magia del cine en una remota aldea de los Andes peruanos.Ese descubrimiento confronta a su comunidad con su cultura y, ante ello, el niño es elegido para ir todas las semanas al pueblo a ver una película y contarla a todos en la plaza, pero la pasión de Sistu por relatar historias lo lleva a crear su propio cine, con sus propios personajes, tramas y, sobre todo, idioma. "Tenemos derecho a existir con nuestra propia cultura, a escribirla con nuestras propias manos, a sentirla con nuestros propios corazones, hablarla en nuestro propio idioma. Tenemos derecho a contar nuestras historias", reflexiona el cineasta.Todo el filme, que tiene reminiscencias de drama y comedia, y hasta coquetea con los musicales, fue rodado en diversos lugares de la sureña región de Cuzco y en quechua, aunque Galindo filtró el castellano en algunas escenas muy puntuales, como una suerte de guiño crítico a la imposición.Lo usa, por ejemplo, cuando la comunidad entona el himno nacional peruano, en castellano, para "mostrar lo absurdo que es esa obligación" de cantar, a 4.000 metros de altura, en un idioma que no es el suyo y a un Estado que "no les ofrece nada". "¿Por qué en mi país vamos a obligar a un alto sector de la población a ser migrantes en su propio país?", se pregunta.Redord cinematográficoEl embrión de la cinta se remonta a 2006, cuando Galindo esbozó las primeras líneas de un guión que, 18 años después, batiría récords en la historia cinematográfica de su país. Hoy, "Willaq Pirqa" acumula más de 80.000 espectadores y espera permanecer 14 semanas en cartelera desde su estreno en la pantalla grande el 8 de diciembre pasado, justo un día después del fallido autogolpe que intentó perpetrar el expresidente Pedro Castillo.De hecho, la exhibición de la película en las salas de cine ha coincidido, en tiempo y espacio, con una inédita crispación política y social en Perú, sumido en una ola de protestas antigubernamentales que se ha cobrado la vida de 70 personas, según diversas fuentes.Galindo dice no haber "digerido" si este fenómeno influyó en el éxito del estreno de su cinta, pero sostiene que, quizá, la gente "encontró como refugio la película o de repente las clases sociales más altas como una manera de justificar la existencia de ese cine".En todo caso, el cineasta cree que, a pesar de que las protestas revelaron las enormes desigualdades de la sociedad peruana, "todos" los ciudadanos, indiferentemente de su clase social o procedencia, se reconocen, en "diferentes porcentajes", con su cultura ancestral.Y, al final, "Willaq Pirqa" logró conquistar a miles de peruanos y ser, como quería su artífice, una "objeto" para "discutir y reflexionar sobre la cultura y el pueblo" quechua, del que más de 5 millones de peruanos se sienten parte.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El programa Ibermedia que conmemora este año su aniversario número 25 en el marco de la edición 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI), anunció la presidencia conjunta de Colombia y Argentina en reemplazo de la directora del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales – ICAA de España, Beatriz Navas. Los elegidos fueron "dos autoridades de la comunidad. María Fernanda Céspedes, directora de la Dirección Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos – DACMI del Ministerio de Cultura, Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes – Mi CASa, y Nicolás Batlé, presidente en ejercicio del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales – INCAA de Argentina", según expresa el comunicado oficial. Ibermedia, es considerado el fondo de ayuda y cooperación para a la cinematografía iberoamericana más importante de la región, creado para el fortalecimiento del espacio audiovisual por medio de ayudas financieras y a través de convocatorias anuales que están abiertas a todos los productores audiovisuales de los países de la gran comunidad iberoamericana que comprende América Latina, España, Portugal e Italia. “Estoy muy contento y honrado de compartir con Colombia la Presidencia de Ibermedia; el Programa de cooperación audiovisual iberoamericano cuya excelencia se reafirma año tras año”, dijo Batlle, y agregó: “Desde Argentina, a través del INCAA, nos sentimos orgullosos de haber sido elegidos junto a Colombia; país con el que sentimos una gran afinidad y tenemos una larga tradición de trabajo audiovisual mancomunado. Quiero destacar la importancia que reviste esta experiencia de cara a la cual me pongo a disposición para aportar nuestra trayectoria, recursos y conocimientos para enfrentar los desafíos que los nuevos tiempos demandan. Doy por sentado que será una experiencia memorable en el fortalecimiento del espacio audiovisual iberoamericano”.Por su parte Céspedes, directora de la DACMI de Mi CASa, al referirse a la presidencia del programa indica: “Para Colombia es un honor estar por primera vez frente a la presidencia del Programa Ibermedia junto con Argentina. Nuestra misión para estos dos años de copresidencia será la de trabajar por la consolidación de un espacio audiovisual iberoamericano que fomente la integración de nuestra comunidad de 23 países”. Añadió: “Somos países diversos con un reto en común a presente y futuro, el generar acciones acordes con las nuevas necesidades de nuestros realizadores y realizadoras de la región, reforzando y fortaleciendo lo ya existente y explorando nuevos caminos que nos acerquen aún más a estas nuevas dinámicas de la industria no solo a nivel regional, sino también mundial”.Ibermedia apareció por primera vez en 1998, el fondo ha ayudado al desarrollo y la coproducción de al menos 2.000 largometrajes de ficción, documental y animación, así como a numerosas series de TV y a programas de formación a través de becas y apoyos gestionados por escuelas de cine y TV. Esta es la primera vez en la historia que dos países asumen este rol de manera compartida. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El expolicía Melchor Marín, protagonista de la serie, se ha convertido en una nueva estrella de la novela negra en España e incluso se prepara una serie televisiva sobre el primer volumen de sus aventuras, "Terra Alta", revela Cercas en entrevista vía Zoom con la AFP."El castillo de Barbazul" sale en francés el 5 de abril (Actes Sud), al mismo tiempo que una edición de libro de bolsillo de "Terra Alta", el primer volumen de la trilogía. "Inicialmente iban a ser cuatro libros, pero de momento se van a quedar en tres. Me encanta dejaros (a los lectores) en ascuas", dice Cercas con una sonrisa. "De hecho, gran parte de la cuarta parte está escrita" asegura, "pero de momento lo voy a dejar ahí".Mieles del éxito"Terra Alta" fue Premio Planeta en 2019 en España, y rápidamente fue seguida de "Independencia", otro éxito de ventas. Cercas descubrió las mieles del éxito con "Soldados de Salamina" (2001), adaptada luego a la gran pantalla por David Trueba, sobre la búsqueda de un soldado republicano décadas después de la Guerra Civil."Anatomía de un instante", un estudio sobre el golpe de Estado del 23 de febrero de 1981, también tuvo eco. "Terra Alta" fue "un intento de reinventarme. Nunca he querido repetirme" explica Cercas. "Aspiro a encontrar todos los escritores que soy. No somos uno, somos multitud", añade.Columnista en el diario El País, Cercas ha explorado últimamente otras facetas profesionales, como una entrevista filmada con el presidente francés Emmanuel Macron. Y una cena, que despertó algunas suspicacias, en el Elíseo junto al rey emérito Juan Carlos I y el escritor Mario Vargas Llosa con motivo de la entrada de éste último en la Academia Francesa, en febrero.La cena, que duró más de tres horas, "superó todas mis expectativas", explica Cercas. "Hablamos de política, de historia, de literatura, sin ninguna cortapisa. Fue una gran experiencia", añade, sin querer entrar en detalles."Mi parte maldita"País de aficionados a la novela negra, Francia ha acogido también con interés la trilogía de Melchor Marín, un inspector en tierras catalanas que se cruza con grupos de narcotraficantes y políticos locales corruptos. En "El castillo de Barbazul", Marín debe enfrentarse con un multimillonario, en un caso de abuso de menores que le afecta muy personalmente.Exconvicto y luego expolicía, Melchor Marín es un lector compulsivo de novelas del siglo XIX. Su libro de cabecera es "Los Miserables", de Victor Hugo. "En un momento determinado me pregunté qué libro podía cambiar la vida de un tipo como él: un auténtico salvaje, un chaval que ha nacido en el barrio más duro de Barcelona, cuya madre es prostituta", explica Cercas. "Si me apuras, estas novelas se pueden leer como una versión de 'Los Miserables'", añade.Pero una versión peculiar, en la que Melchor Marín es una mezcla de ambos protagonistas de la novela de Hugo: Jean Valjean y su implacable perseguidor, el inspector Javert. El personaje surge "de lo que yo llamaría mi parte maldita. Todos conocemos la furia, el dolor, los deseos de venganza", explica Cercas.¿Qué podría despertar esa parte siniestra de un escritor con gafas y aspecto de profesor inofensivo? "Contestaré muy claramente: estas novelas nunca se hubieran escrito sin lo que ocurrió en Cataluña en el otoño de 2017", revela Cercas.La aventura independentista de parte de la clase política catalana, que convocó un referéndum ilegal, desgarró a esa región y puso a prueba la democracia española. Cercas, que vive en Cataluña, se posicionó contra ese referéndum y cosechó duras críticas. "Para mi hay un antes y después. Mi vida cambió. A partir de ese momento, todo cobra un sentido distinto y me llena de dolor. Por fortuna pude meterlo todo en una novela", confiesa.Conéctese a la señal en vivo de la HJCK y escuche lo mejor de la música clásica.
El nombre se popularizó en los últimos años en las revistas del corazón. El actor y Angelina Jolie compraron en 2008 el dominio de 500 hectáreas, 50 de ellas de viñedos, que se convirtieron en objeto de disputa durante su ruidoso divorcio entre las dos estrellas.Pero los aficionados de la música saben también que este rincón rodeado de olivos, viñedos y cipreses albergaba los vestigios de unos estudios de grabación icónico, donde resonaron las voces y los instrumentos de Pink Floyd, AC/DC o The Cure antes de caer en el abandono durante casi dos décadas.A finales de 2021, una publicación en Instagram anunció la resurrección de los estudios para el verano boreal de 2022 con una imagen de Brad Pitt, con sudadera verde y gorro blanco, junto a Damien Quintard, un mago del sonido francés desconocido para el gran público. "Un día recibo un mensaje de Brad Pitt que quiere verme la próxima semana. Pensaba que era una broma", rememora Quintard en videoconferencia con la AFP."No sabía que era por los estudios Miraval. Fue una sorpresa total cuando Brad me entregó el dossier y me preguntó qué podría hacer", continúa el treintañero. La estrella de la gran pantalla escuchó hablar de este ingeniero de sonido y productor debido a la disposición sonora que preparó para la reapertura del MoMA (Museum of Modern Art) de Nueva York en 2019."Santuario""Siempre ha habido proyectos para restaurar el estudio, que tiene una gran historia y del que esperábamos poder hacer algo especial", dijo Pitt, guitarrista aficionado en su tiempo libre, al medio musical estadounidense Billboard.Y qué historias alberga... Por ejemplo, la grabación de una sesión del grupo Yes en los años 1980, contada por su líder Joan Anderson. "Terminamos en la torre cargados de micrófonos, que grababan los fuegos de artificio lanzados en dirección a la torre para obtener el efecto de un maravilloso final sinfónico... Es posible que hubiéramos bebido mucho vino esa noche", afirma.La anécdota está recogida en un libro dedicado a Patrice Quef, ingeniero de sonido del lugar, y recuperado por Manuel Jacquinet, autor de "Estudios de leyenda, secretos e historias de nuestros Abbey Road franceses".Para Quintard, el desafío era enorme: remodelar unos estudios míticos, "cambiar, conservando el alma, honrar el pasado y avanzar al futuro", como lo describe él. En su aventura conjunta con la estrella de Hollywood, trata de mantenerse fiel a la "vertiente santuario del lugar creado por Jacques Loussier (1977) a la que también está apegado Brad"."Un lugar mágico"Fue la cantante Sade, que en el pasado ya había grabado entre esas paredes, la encargada de estrenar la segunda vida de Miraval. "De un lado fue muy emotivo", dice Quintard. "Y como Brad dice, para los estudios, Sade, la primera artista recibida, es la 'Realeza'".French 79, figura de la música electrónica francesa, alabó recientemente en sus redes sociales "un lugar mágico", donde pudo trabajar su álbum "en las mismas máquinas que Pink Floyd, The Cure o AC/DC".Pero también hay tecnología punta, como una sala de control de diseño que recuerda a la nave de "2001: Odisea del espacio", bañada por la envolvente luz de los atardeceres en el sureste de Francia.¿Qué se siente al llevar las riendas de un lugar así? "No hay sensación de logro", comenta Quintard. "Mi objetivo es que salgan de aquí creaciones magníficas. Juzgar el resultado se hará con el tiempo, como con el vino".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Uno de los primeros latinos en triunfar en Estados Unidos, Feliciano "ha abierto corazones y construido puentes, superando obstáculos, nunca perdiendo la fe y enriqueciendo la bondad y la grandeza de la nación", se lee en la página web del Fondo Nacional de las Artes (NEA, por sus siglas en inglés). La carrera musical de Feliciano, quien nació ciego en Puerto Rico, ha sido inmortalizada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Acumula 600 canciones a lo largo de 60 años, entre ellas la célebre "Feliz Navidad".Bruce Springsteen, apodado The Boss (El jefe), se ha ganado este premio, el más alto otorgado a artistas y mecenas por el gobierno, porque "celebra nuestros triunfos, cura nuestras heridas y nos da esperanza, capturando el espíritu inquebrantable de lo que significa ser estadounidense", señala el NEA.Los ganadores de la Medalla Nacional de las Artes "han ayudado a definir y enriquecer el legado cultural de nuestra nación a través de su apasionado compromiso" y su trabajo "nos ayuda a ver el mundo de diferentes maneras", afirma Maria Rosario Jackson, presidenta del NEA en la página web.Entre los otros artistas distinguidos destacan la diseñadora Vera Wang, la actriz Julia Louis-Dreyfus y la cantante estadounidense Gladys Knight, conocida como "la emperatriz del Soul", cuyo talento inspiró a generaciones de artistas. Completan la lista Mindy Kaling, Judith Francisca Baca, Fred Eychaner, Antonio Martorell-Cardona, Joan Shigekawa, The Billie Holiday Theatre y The International Association of Blacks in Dance.Durante la ceremonia, a la que también asistirá la primera dama Jill Biden, se entregará asimismo la Medalla Nacional de Humanidades. Los ganadores "han enriquecido nuestro mundo a través de una escritura que nos conmueve e inspira, erudición que amplía nuestra comprensión del pasado y a través de su dedicación a educar, informar y dar voz a las comunidades y las historias que a menudo se pasan por alto", afirma la presidenta del Fondo Nacional para las Humanidades (NEH, por sus siglas en inglés), Shelly C. Lowe, en la página web de esta agencia.Uno de los que recibirá la medalla es Richard Blanco, hijo de inmigrantes cubanos conocido por el poema One Today (Un Hoy), que leyó en la segunda investidura como presidente de Barack Obama en 2013. Su narración "desafía los límites de la cultura, el género y la clase mientras celebra la promesa de los más altos ideales de nuestra nación", señala el NEH.Entre los demás laureados figuran historiadores, escritores, académicos y activistas: Johnnetta Betsch Cole, Walter Isaacson, Earl Lewis, Henrietta Mann, Ann Patchett, Bryan Stevenson, Amy Tan, Tara Westover, Colson Whitehead, el Native America Calling y el cantante Elton John, quien recibió la medalla en septiembre pasado. Se trata de premios de la edición de 2021 que no se pudieron entregar debido a la pandemia de covid-19.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La UE trabaja ya desde hace más de un año en un reglamento que ponga orden en el uso de la IA y que al mismo tiempo permita proteger a los usuarios, aunque ChatGPT ha transformado la forma en que esa tecnología es vista por quienes la utilizan.ChatGPT, creado por la empresa estadounidense OpenAI, surgió en noviembre y rápidamente pasó a ser usado por usuarios asombrados por su capacidad para responder preguntas con claridad, escribir sonetos y proporcionar información sobre temas complicados.Productos obtenidos con ChatGPT han incluso superado exámenes médicos y legales diseñados para estudiantes humanos, obteniendo altas calificaciones. Pero la tecnología también conlleva riesgos, una vez que su sistema de aprendizaje y modelos similares de la competencia ya se integran en las aplicaciones comerciales.Por ello, la UE ha tenido que volver al punto inicial en su esfuerzo de desarrollar un marco regulatorio, hasta hallar una forma para regular la IA en forma efectiva. La Comisión Europea, el brazo ejecutivo de la UE, anunció por primera vez en abril de 2021 un plan para un conjunto de reglas sobre IA, y el Parlamento Europeo espera finalizar un proyecto de ley sobre IA en este mes.El comisario europeo de Industria, Thierry Breton, adelantó que los Eurodiputados, la Comisión y los gobiernos del bloque trabajan para "aclarar más las reglas" sobre la tecnología de ChatGPT, conocida como IA de propósito general.Desafíos realesLos usuarios de las redes sociales se han divertido experimentando con la salida de ChatGPT a la escena, pero la tecnología utilizada no es un juego. Profesores y maestros temen que estudiantes la usen para hacer trampa, ya que ChatGPT puede 'escribir' ensayos enteros, al tiempo que legisladores temen que se use con fines de desinformación.Las preocupaciones sobre los riesgos han sido reconocidas por altos funcionarios de la UE. "Como lo demuestra ChatGPT, las soluciones de IA pueden ofrecer grandes oportunidades para las empresas y los ciudadanos, pero también pueden presentar riesgos. Es por eso que necesitamos un marco regulatorio sólido para garantizar una IA confiable basada en datos de alta calidad", dijo Breton.El plan es que la Comisión Europea, el Consejo Europeo -que representa a los estados miembros del bloque- y el Parlamento discutan a partir de abril una versión final de la ley sobre IA. Dragos Tudorache, el eurodiputado rumano que coordina el esfuerzo para aprobar la ley sobre IA en el Parlamento, dijo que ChatGPT es uno de los ejemplos más conocido de IA de propósito general, aunque existen derivados.Usando lo que se conoce como un "modelo de lenguaje extenso", ChatGPT es un ejemplo de IA generativa que, operando sin guía, puede crear contenido original mediante el análisis de datos previos. "De hecho, propondremos un conjunto de reglas para regir la IA de uso general y los modelos básicos en particular", dijo Tudorache.Diversos expertos, sin embargo, se quejan de que los riesgos de sistemas como ChatGPT siempre fueron claros y que las advertencias fueron compartidas con técnicos de la UE ya cuando se comenzó a trabajar en la regulación de la IA. "Nuestra recomendación en ese entonces era que también deberíamos regular los sistemas de IA que tienen una variedad de usos", dijo Kris Shrishak, experto en tecnologías en el Consejo Irlandés para las Libertades Civiles.Shrishak apuntó que la eficacia de la ley dependerá del borrador final, pero dijo que el texto elaborado "establece una buena base", y que "dispone de ciertos mecanismos para identificar nuevos riesgos". Un problema más apremiante sería la aplicación de la regulación, advirtió Shrishak, y por ello Parlamento Europeo se concentraba ahora en fortalecer este aspecto.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La música retumba en el pecho, la multitud se avecina para disfrutar de los shows, el calor y la aglomeración no se comparan con el sentimiento de realización por ver al artista favorito. La cultura de los festivales gira alrededor de la experiencia inmersiva de estar allí en frente de los artistas anhelados por tanto tiempo.La historia de los festivales musicales se remonta a la Edad Antigua, en los 4500 a.C. cuando los egipcios realizaban eventos masivos para adorar a sus dioses que iban acompañados de danzas y músicas, desde allí parte la idea de los eventos multitudinarios con un objetivo específico. Después de los egipcios siguieron los griegos y los romanos con las mismas tradiciones, por ejemplo, los Juegos Píticos en Delfos, unas competencias deportivas, musicales y poéticas en las que competían los ciudadanos para ganar una corona de laurel entregada en honor del dios Apolo. Estos juegos también eran considerados festivales ya que había presentaciones de danza y música para animar a los competidores.Y así continuaron evolucionando hasta llegar a la década de los 60 en donde explotó el boom de los festivales musicales en el mundo como el Reading Festival, inaugurado en el Festival Nacional de Jazz en Inglaterra; su primera edición fue en 1961 y fue un inicio para lo que sería la cultura de festivales. Luego llegaron eventos como el Monterey Pop Festival en California en el año 1967 y el famosísimo Festival de Woodstock en 1969, uno de los hitos más importantes para la contracultura y el movimiento hippie en Estados Unidos.En Colombia, los festivales de música también han sido fundamentales para la cultura del país, eventos como el Festival nacional de Jazz o el Festival de la Leyenda Vallenata han marcado momentos memorables para la música colombiana. Por ejemplo, el Rock Al Parque, uno de los festivales gratuitos más importantes de América Latina, fue creado en 1994 y a lo largo de los años ha traído a exponentes de todo el mundo a tocar en el Parque Simón Bolívar. Todo esto para llegar al protagonista del mes de marzo y para algunos el evento más importante en la escena de la música en Colombia, el Festival Estéreo Picnic.El FEP se creó en el 2010 a manos de distintos organizadores de eventos, ya es tradición que se realice en la sabana de Bogotá y que traiga a artistas de talla internacional, en su primera edición el festival se estrenó con Bomba Estéreo, Superlitio, Palenke Soul Tribe, entre otros artistas; así fue avanzando hasta ampliar su cartel a artistas que tienen millones de reproducciones en las plataformas de streaming.Una de sus ediciones más memorables fue en el 2019, a la que vinieron Artic Monkeys, Kendrick Lamar, Twenty One Pilots, Sam Smith, The 1975, Margarita siempre viva, Nicolás y los fumadores, etc. Tras dos años de pandemia, el festival regresó para su edición del 2022 con un cartel recargado de variedad de géneros, diversidad y amor profundo por la música; esta edición estuvo marcada por el lamentable fallecimiento del baterista de la banda Foo Fighters, Taylor Hawkins, el mismo día de su presentación. El campo de golf Briseño en Sopó (donde se realiza desde el 2018) se llenó de tristeza y profundo dolor por la perdida de un artista tan importante como Hawkins, se le realizaron homenajes y su música seguirá trascendiendo como lo hizo él en vida.Según el observatorio de turismo de Bogotá, a la versión del 2022 asistieron 110.000 personas y aumentó un 26,4% comparado a su edición del 2019. Con una cuota de 72 artistas, el FEP 2022 alcanzó una cifra inesperada en su regreso tras la pandemia. El Estéreo Picnic también abre una oportunidad de patrocinio y comercio ya que está organizado para que los asistentes tengan una experiencia inmersiva cultural, artística y gastronómica.Ahora bien, el festival también es una ventana para que los artistas nacionales que hacen parte de su cartel anual se den a conocer y compartan escenario con artistas de talla internacional, esto también demuestra que en Colombia hay bandas y artistas que están incursionando en distintos géneros musicales, además es una puerta para que se den a conocer fuera del país. La importancia de catapultar a los artistas nacionales es sumamente importante para la industria musical en Colombia y también es una oportunidad para que los asistentes al festival conozcan a aquellos que están naciendo en la cultura de la música nacional.En la edición que se realizará del 23 al 26 de marzo de 2023 el Estéreo Picnic continúa con el lema de “un mundo distinto” este año escalando a un nivel monumental con los artistas que visitarán Colombia en unos días, por ejemplo, Billie Eilish, Drake, Rosalía, Tame Impala, Blondie, Wu-Tang Clan, The Chemical Brothers y Twenty One Pilots quienes están remplazando a la banda de punk legendaria Blink 182.En la nueva versión del festival la variedad de artistas nacionales se refleja en las presentaciones que se esperan, desde las leyendas Alci Acosta y Nidia Góngora hasta quienes incursionan en la música como La Ramona, Mabiland, La banda del Bisonte y Flor de Jamaica.Lo que nos espera este año en el FEP es de nuevo entrar en aquel “mundo distinto” que nos aleja de la realidad y nos sumerge en la marea de los instrumentos, las almas se mueven al vaivén de las voces al unísono y de nuevo, la música nos salva y nos transporta por el universo como una nave de sueños que se van cumpliendo poco a poco.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
