Así lo anunció este lunes Martin Honzik, director-gerente del certamen que se celebra cada año en la ciudad austríaca de Linz, al presentar los cinco premios Nica de este año, seleccionados de entre 2.338 proyectos de 88 países.La entrega de los premios tendrá lugar en una gala durante la próxima edición del festival, del 7 al 11 de septiembre de 2022.El proyecto de Rivera y Jung, una plataforma abierta que facilita la conexión a redes alternativas, fue galardonado en la categoría "arte interactivo +", elegido entre 900 propuestas.Con "Bi0film.net: Resist like bacteria" (Resistir como bacterias), las jóvenes creadoras subrayan la importancia de la autonomía en materia de tecnologías de la comunicación, "especialmente allí donde regímenes autoritarios utilizan la censura de Internet", dijo Honzik.En declaraciones telefónicas a Efe desde Berlín, Rivera explicó que se trata de aprender de las bacterias, unos microorganismos que han desarrollado grandes técnicas de "comunicación y colaboración" de forma que pueden actuar al unísono sin líder.La gran inspiración fue el llamado "biofilm", un ecosistema o comunidad microbiana organizada, que permite a las bacterias "crecer ocultas, cubiertas", cuando aún no se ha formado un número suficiente de individuos del grupo, resalta Rivera.De forma similar, la plataforma creada por las dos artistas, sus paraguas y los dispositivos colocados en éstos, abiertas a diversas comunidades, permiten a los manifestantes "conectarse a una red autónoma interna", precisó la colombiana.Inspirada en esas habilidades de los microorganismos, la idea surgió durante la pandemia del coronavirus, cuando las restricciones y los confinamientos frenaban protestas y movimientos sociales en muchas partes del mundo, como en Colombia o Hong Kong.Rivera y Jung recurrieron al paraguas amarillo, icono del movimiento hongkonés, para adaptarlo de forma que, además de cubrir, ocultar y proteger la identidad de los manifestantes, sirva de antena parabólica WiFi para conectar a las personas de forma descentralizada y "sin internet".Según el director artístico de Ars Electronica, "la acción responsable con la tecnología y la intervención activa en el futuro", son el hilo conductor de los proyectos más destacados de este año.Así, el "Golden Nica" en la categoría "Animación por ordenador" fue para "Being", creado por el estadounidense Rashaad Newsome, un avatar virtual que denuncia la injusticia social y el racismo.En la categoría "Comunidades digitales", el ganador fue el "Avatar Robot Cafe", del japonés Ory Yoshifuji, un proyecto con camareros robots que, controlados por personas discapacitadas, sirven a los clientes de una cafetería, en un proyecto que busca luchar contra el aislamiento y la soledad.Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Pensado para estrenarse en 2020, el teatro Politeama se vio atrapado en el largo confinamiento por el covid que sufrió Argentina. Pero dos años después, Campanella aspira a que se inserte con más bríos en el circuito teatral que lo rodea en la famosa calle Corrientes."Me parece que luego de la pandemia, y de la cuarentena especialmente, la gente está necesitando volver a encontrarnos, volver a salir a actividades comunitarias en las que estemos con los demás. Yo lo necesito y creo que muchos también", dice a la AFP mientras los obreros dan los últimos toques al teatro.Junto a las butacas aún envueltas en plástico, Campanella señala que, a diferencia del cine, el teatro "se está recuperando en todo el mundo"."Quizás porque en el teatro no solamente te juntás con el público sino que también te juntás con los actores. Somos todos parte de esto y es como una celebración que se siente mucho más alegre, mucho más feliz porque el acto que venimos a ver también está en persona con nosotros", explica.Buenos Aires ofrece decenas de obras tanto en las grandes salas de la calle Corrientes como en las más pequeñas del teatro alternativo, que trabajan a pleno y es difícil conseguir entradas para el mismo día."Cine y teatro, como gas" De 62 años, Campanella obtuvo el Oscar en 2010 por "El secreto de sus ojos", que también le valió un premio Goya. En su filmografía destacan además "El hijo de la novia", "El cuento de las comadrejas" y la cinta de animación "Metegol". En televisión, ha dirigido la serie "Dr. House" y "La ley y el orden", entre otras. Pero considera que el teatro es inseparable de su ser."Es muy difícil decir cuál es el lugar del teatro en mi vida y cuál el del cine. Porque es como decir el lugar de mi madre y el lugar de mi hijo, o el de mi esposa y el de mi hermano. Cada uno de ellos ocupa el 100% del lugar. Son como gas, no como cuerpos, se mezclan y ocupan todo el espacio", asegura.Campanella se propone concretar esa unión en esta nueva sala Politeama, con capacidad para 705 espectadores y que servirá también para la proyección de películas."Esperamos que este teatro, además de ser el lugar al que se viene a ver determinada obra, se convierta la misma sala en un lugar al que querer ir", dice.El teatro, cuyo nombre original Politeama se ha mantenido, es de los más antiguos de la ciudad de Buenos Aires. Creado en 1879, fue demolido en 1958, pero su destrucción causó tal rechazo que se hizo entonces una ley que obliga a volver a levantar un teatro, y no otra cosa, en el lugar donde antes hubo uno, explica Campanella."Politeama es un tipo de teatro en el que había muchas disciplinas. Eran los teatros que podían cambiar de configuración. En este, n el original, se levantaban las butacas y era un salón de baile, se podía hacer circo... Todo eso era el poli, porque tenía muchas formas", dice."Nosotros también queremos hacer muchas disciplinas. No será distinto de forma, pero va a haber pantalla, va a haber cine, un poco el prefijo poli se sigue validando", añade.En las tablas, Campanella destacó por su adaptación y dirección de "Parque Lezama", una obra de Herb Gardner que además de presentar en Argentina llevó a España en 2019."El miedo más terrible" -Pero la emoción del nuevo teatro no le hace olvidar lo que llama su "miedo más terrible": que el cine y sus salas hayan quedado atrás."A veces, en mis miedos más terribles porque soy una persona de cine, a veces digo ¿qué pasa si el cine fue una cosa del siglo XX, que el adelanto tecnológico hizo que la gente prefiera verlo en sus casas?", se pregunta."Es un miedo que tengo. Espero que la gente vuelva, pero ya los sistemas de producción se están retroalimentando para que eso no suceda. Las películas que no son de gran acción o de superhéroes, supuestamente de gran espectáculo, tienen una ventana muy cortita. Ya están planeadas para que se estrenen en televisión simultáneamente con el cine. Entonces se la hacen difícil a la audiencia", lamenta Campanella.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
“Habla de esas ganas que tiene la gente de abrazarse, de poder solucionar sus cosas, de las ganas de tener una solución mucho más práctica que las que te da el Estado. Y después de la pandemia y en estos momentos en que estamos polarizados y divididos políticamente es cuando la gente tiene más ganas de abrazarse y sentir que tiene soluciones”, afirmó. Como parte de las proyecciones especiales del Festival que concluye este sábado en la mexicana ciudad de Guadalajara, Juan Carlos Rulfo presentó el documental en el que muestra cómo el personal de salud en un hospital público de Ciudad de México ayudó a disminuir el distanciamiento entre enfermos por la covid-19 y sus familiares a través de cartas.Las misivas eventualmente se convirtieron en mensajes en video o fotografías y en el pico de la pandemia dieron certezas a quienes sufrían por esta enfermedad. Para el director y también fotógrafo, el filme pone acento en cómo los pequeños detalles y lo que pudiera parecer insignificante para unos es un gran aporte para otras personas.“Con pequeñas cosas la gente se salva, con pequeños detalles la gente se manifiesta y eso hace grandes diferencias, la película propone que creamos en esas cosas, que sí podemos abrazarnos nosotros (mismos) y solucionar las cosas, no necesitamos grandes soluciones sino un pequeño detalle de amor y cercanía”, indicó.Los momentos más álgidosEl filme fue rodado por Rulfo y la periodista Melissa del Pozo entre abril y mayo de 2020 en los meses más álgidos de la crisis sanitaria en el país, con la ayuda de los médicos y enfermeras, quienes grabaron algunas escenas dentro de sus áreas de trabajo.La idea surgió cuando Del Pozo conoció a uno de los enfermeros del hospital que tomaba las cartas de los familiares para entregarlas a los pacientes y las ponía en una ventana cerca para que estos pudieran verlas. El documental capta la historia de varios pacientes internos en el área designada para enfermos de la covid-19 y sus familias.Algunos de ellos no volvieron a salir y otros más sobrevivieron y pudieron reunirse con sus seres queridos. Las imágenes revelan no solo el ambiente de dolor que se vivía entre los familiares y los pacientes, sino también la esperanza que lograban las cartas, una herramienta olvidada por muchos, pero que se volvió indispensable para ayudar a los enfermos.“Era un recurso superimportante que, a pesar de estar viviendo en una época en la que los medios son los reyes, estaban fallando, no aportaban nada a la salud pública, sino al miedo. Es una película sobre el amor que hubo en momentos de tragedia, construido por la gente con un remedio manual, que fue más saludable que cualquier medicina”, enfatizó el cineasta.Un homenaje al personal médicoRulfo afirmó que la película es también un homenaje al trabajo del personal médico porque derriba el mito de que son personas frías y duras, sino que también padecieron durante la pandemia y pueden ser amorosos con los pacientes en cualquier circunstancia.“Tiene que ver con que el público se anime a ver, a través de estos personajes, otras formas de ver lo que aparentemente es trágico, la vida tiene muchas facetas, pero también es curioso ver cómo podemos trascenderla con cierto valor, es un universo donde la vida sigue y es compleja”, expresó.El realizador adelantó que habrá proyecciones de esta película en otras ciudades del país para agradecer al personal médico de diversos hospitales antes de su estreno en salas en octubre de este año y de que llegue a plataformas de video en línea.El Festival Internacional de Cine en Guadalajara continúa hasta el 18 de junio con una amplia selección de 166 filmes tanto en su competencia oficial como en los programas paralelos.Casi un centenar de filmes forman parte de la selección oficial en competencia en las categorías de corto y largometrajes de ficción y documental tanto en la sección mexicana como iberoamericana, además del programa de películas de animación, de la diversidad sexual y una nueva sección de cine socioambiental.
El FECI es uno de los eventos de arte más relevantes de la escena local en Bogotá de cine independiente y en su séptima edición realizado con el apoyo de Pasajero.tv, Sala Oscura y Goethe-Institut Kolumbien que se desarrollará desde el 14 hasta el 25 de junio, tendrá una selección de 90 producciones en las que se incluyen cortos y largometrajes. Entre los eventos de la feria también se contará con la presencia de dos directores invitados y un seminario por los 40 años de la muerte del cineasta alemán Reiner Werner Fassbinder. Dentro de los títulos más destacados se encuentra 'No somos nada', del activista peruano Javier Corcuera (Premio Goya en 2008 con "Invisibles") que trae a la pantalla la gira final de la mítica banda de punk "La Polla Records" estrenado en 2021 en el Festival de San Sebastián o "Sisters with Transitors" de Lisa Rov-Ner que rinde un homenaje a las pioneras de la eléctrónica mundial, las leyendas Laurie Anderson, Delia Derbyshire y Dafne Oram.Vea el tráiler de "No somos Nada" (2021) aquíLas proyecciones se harán en cinco locaciones específicas de la ciudad. Estas son: la Cinemateca de Bogotá, el Teatro Acto Latino, el Teatro Charlot, Open House Bogotá y Asilo Bar. Puede consultar toda la programación oficial y más información en las redes sociales del festival.Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una de esas "mujeres anónimas" podría ser Carmen, la protagonista de la historia, de una familia acomodada. Mientras supervisa las obras de renovación de su residencia secundaria en la costa, conoce a un joven alojado en secreto en la parroquia del pueblo.Han pasado tres años desde el golpe de Estado de Augusto Pinochet, pero Carmen, enfrascada en sus quehaceres domésticos, con sus hijos y sus nietos, parece desconocer la situación real del país bajo la dictadura.Para su primer largometraje detrás de la cámara, Martelli, intérprete con más de una veintena de papeles a sus espaldas -entre ellos "Machuca" o "Navidad"-, quiso contar la historia de esos años "desde el punto de vista de una mujer anónima, de una mujer 'cualquiera'", afirma a la AFP.Pensando en su abuela materna, muy adelantada para su época, empezó a preguntarse sobre las "mujeres anónimas que no estaban en los libros de historia, que tampoco habían sido escuchadas" en aquella época.La película, presentada en la sección paralela de la Quincena de los Realizadores, hace "justicia con el lado que no tuvo voz, el lado que quedó en el interior de la casa", reitera la cineasta de 39 años.Carmen, siempre impecablemente vestida, se centra en su familia y en la renovación de su casa. También lleva a cabo actividades caritativas en la parroquia."La lucidez" Lleva una vida bastante rutinaria hasta que el cura del pueblo le pide que lo ayude con un joven malherido que necesita cuidados médicos. Con este chico, conocido como el "padre Elías", la protagonista empezará a ser consciente de las atrocidades de la dictadura y decidirá movilizarse para ayudarlo.Al principio de manera un poco irresponsable, pero luego ya a sabiendas del riesgo que corre, la mujer va aprendiendo los códigos para acercarse a los opositores sin ser detectada por los militares. "Carmen empieza a abrirse (...) a lo que está pasando a fuera", explica la directora. "Es el trayecto de ella de la ceguera a la lucidez".Para encarnar a esta mujer, poco habladora, la cineasta siempre pensó en la actriz Aline Küppenheim porque transmite "ese mundo interno, la complejidad y la sensibilidad del personaje".Martelli no ha dudado en estrenarse con una película que toca un tema tan crucial de la historia de Chile, pensando sobre todo en las nuevas generaciones. Precisamente el periodo de desarrollo del filme tuvo lugar durante la revuelta social en el país en 2019.Por un momento, la directora pensó que retratar un periodo tan negro de la historia de Chile en contraposición con un "periodo tan luminoso" podía quedar un poco "obsoleto". Pero finalmente, le pareció "relevante recordar los periodos más oscuros de nuestra historia para hacerlos presentes y no olvidarlos".Conéctese a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ramírez Pulido, de 32 años, también recibió el premio SACD al guión, por este filme sobre el círculo vicioso de la violencia en Colombia, a través de un grupo de jóvenes pandilleros en rehabilitación.La Semana de la Crítica también dio un premio especial Revelación a la actriz francesa Zelda Samson, que interpreta a una niña de 11 años víctima de incesto en la película "Dalva"."Dalva" es también la primera película de la directora francesa Emmanuelle Nicot, que necesitó cuatro años y medio para elaborar esa historia compleja, en la que la violencia sexual no aparece en ningún momento, y sí un doloroso proceso de reconstrucción emocional para Dalva (Zelda Samson).Samson reconoció en entrevista con AFP que se sintió "muy orgullosa" al interpretar ese papel, pero, aseguró que su intención no es convertirse en actriz."No tengo ganas de ser actriz. Sé que he estado en una película y que está muy bien. Quizás lo volveré a hacer, quizás no", aseguró.El premio French Touch del jurado de la Semana de la Crítica, que cumple 61 ediciones este año, fue para "Aftersun", de Charlotte Wells.El premio al mejor cortometraje, a "Ice Merchants", del portugués Joao González.Recuerde que puede conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La delegación colombiana para el Festival de Cannes 2022 conformada por Proimagénes y Procolombia aunque no se tenga película en la selección oficial, estará presente en las proyecciones paralelas de "La semana de la crítica" y en "La quincena de realizadores" con las producciones "La jauría" de Andrés Ramírez y "Un varón" de Fabián Hernández respectivamente. Estas selecciones paralelas fueron creadas por el festival con el fin de descubrir nuevos talentos a partir de la proyección de sus óperas primas o segundas películas. Para este año fueron elegidas producciones del Reino Unido, Bélgica, Irán, Finlandia, Colombia y Francia. El festival considerado una de las principales vitrinas del cine y uno de los mayores honores dentro del séptimo que ha recibido películas nacionales como "La vendedora de rosas", "El abrazo de la serpiente", "La tierra y la sombra" o "Memoria" recibirá en esta ocasión la historia de Carlos en "Un varón" dirigida por el bogotano Fabián Hernández y filmada en medio de los barrios populares de Bogotá, donde se narran las experiencias de un joven en su búsqueda por la identidad en el marco de una ciudad como Bogotá en medio de la vulnerabilidad. Por su lado "La jauría" la segunda película de Andrés Ramírez Pulido cuenta la historia de Eliú, un recluso que está encarcelado en un centro experimental en un medio de un bosque en el trópico donde hacen terapias de grupo para alejarse de un pasado que sin embargo volverá con la llegada de "El mono", un viejo amigo de Eliú al centro reclusorio. La delegación colombiana tendrá su propio stand dentro del festival con una selección de ocho cintas encabezadas por "Matar a Jesús" de Laura Mora y "Pájaros de Verano" de Cristina Gallego. Además, en el Marché du Film planean exponer los beneficios para producciones audiovisuales en el país a partir de la Ley 1556 del 2012. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Silveira, de 58 años, que dirigió clásicos como "Dos hijos de Francisco" (2005) y "Gonzaga" (2012), fue "uno de los más grandes cineastas" de Brasil, "un símbolo de la cultura y el arte" nacionales, dijo en un comunicado su productora, Conspiracao Filmes.Medios locales informaron que el director había sufrido un infarto masivo en el set de su último proyecto, "Doña Vitoria", protagonizada por la famosa actriz Fernanda Montenegro.Basada en la historia real de una anciana que comenzó a filmar a traficantes de drogas en la calle frente a su ventana y descubrió un gran esquema de corrupción, la película se estaba rodando en el estado nororiental de Pernambuco.Silveira estudió cine en la Ecole Louis Lumiere de París. Comenzó su carrera como director de fotografía, destacándose con películas como "Me You Them" (2000), que se proyectó en el festival internacional de Cannes en la categoría Un Certain Regard.Hizo su debut como director en 2005 con "Dos hijos de Francisco", que rompió récords de taquilla en Brasil, ganó cuatro premios en su país y le significó a Brasil postular al galardón de Mejor Película en Lengua Extranjera en los Oscar.Filmes de Silveira se proyectaron también en festivales de Toronto, La Habana y Montecarlo. El fallecido director también destacó por su trabajo en televisión. Le sobreviven su esposa y dos hijas, dijo su productora.Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Árbol de Matías es un documental emotivo y revelador que surge y se alimenta de la historia familiar de la directora y documentalista Pilar Perdomo, un recorrido que da cuenta de hechos dolorosos que han marcado nuestro país, pero con un mensaje de esperanza y reconciliación que solo es posible a partir de la reflexión sobre quiénes somos como familia e individuos. Una narración atravesada por la mirada inocente de un niño que pregunta por su pasado mientras camina hacia su futuro. Película, que llega en estreno nacional, con proyecciones en Bogotá, Cali y Medellín entre el 15 de mayo y el 30 de junio, gracias a la distribuidora Danta Cine y la productora Medusa Films.Además, este documental fue elegido como herramienta pedagógica para ser utilizado por todos los colombianos como parte del legado de la Comisión de la Verdad y hace parte del ciclo Que Haiga Paz. Verdad, resistencia y reconciliación, una muestra que explora el territorio de la memoria y la identidad audiovisual del país. A través de relatos cinematográficos que hablan de las heridas profundas de la guerra; y de cómo a partir de ellas, se van tejiendo iniciativas colectivas de resistencia, dignidad, resiliencia y solidaridad.Lea: Ya viene la tercera edición del ciclo de cine "Que Haiga Paz: verdad, resistencia y reconciliación"En El Árbol de Matías, Pilar Perdomo Munévar, directora de fotografía, cineasta y madre, encara el reto de hacer un documental para contar su propia historia, a partir de los hechos que vivió su padre, un ejemplo de resiliencia, esperanza y paz, que son el mensaje fundamental de la película y sus reflexiones. “La idea de hacer esta película nació cuando mi hijo Matías, en ese entonces de cinco años, me preguntó por mi abuelo paterno. En ese momento no supe si debía decirle la verdad, y en caso tal cómo debía hacerlo. Cómo decirle que a mi abuelo lo habían matado al inicio de una guerra que lleva varias décadas en nuestro país. Yo me cuestionaba si debía hablarle de estos temas, qué tanto podía entenderlo y si eso lo afectaría. Además, recientemente un familiar había sido reclutado, lo cual me impactó profundamente. El círculo vicioso de las armas y la guerra seguía tocando a los hombres de mi familia”, comenta la directora.Es así, como esta pieza audiovisual nace motivada por las inquietudes de un pequeño, un niño que hace preguntas, que en manos de su madre, se transforman en una herramienta de diálogo intergeneracional entre niños, niñas, jóvenes, sus padres, abuela/os o cuidadores, abordando las historias familiares y cómo éstas, irremediablemente se enlazan con las historias de Colombia y el conflicto armado que hemos vivido. Película que se desarrollan en seis capítulos que llevan por nombre las partes de un árbol: 1. la tierra, el abono; 2. la semilla, 3. la raíz, 4. el tronco, 5. las ramas y 6. las flores, los frutos; además la narración realista se apoya en animaciones que contrastan con los paisajes de Chaparral, Tolima, escenario central de los principales hechos de esta historia.Previo a su estreno en Colombia, El árbol de Matías, ha hecho parte de nueve festivales nacional e internacionales como: el 10th Philadelphia Latino Film Festival, la XXII MIDBO, 35 Festival de Cine Ibero-latinoamericano de Trieste, 12 Cine En femenino, 14 Festival Internacional de Cine de Cali, II Festival de Cine Instar y el 11 International Filmaker Festival of New York 2022, además fue ganador del estímulo de postproducción de largometraje documental por el Fondo de Desarrollo Cinematográfico de Colombia FDC 2019.Podrá asistir a las siguientes funciones: Bogotá: Cinemateca Distrital Cra. 3 #19-1017 de mayo, 7:00 p.m. - Sala Capital 18 de mayo, 6:00 p.m. - Sala Capital21 de mayo, 2:00 p.m. - Sala 3 24 de mayo, 2:00 p.m. - Sala 325 de mayo, 3:00 p.m. - Sala Capital26 de mayo, 4:00 p.m. - Sala 227 de mayo, 3:00 p.m. - Sala Capital28 de mayo, 4:00 p.m. - Sala 229 de mayo, 5:00 p.m. - Sala 330 de mayo, 2:00 p.m. - Sala 3Cali: Museo La Tertulia Cra 1 No 5-105Viernes 20 de mayo – 6:00 p.m.Domingo 22 de mayo – 4:00 p.m.Viernes 27 de mayo – 6:00 p.m.Lunes 30 de junio – 7:00 p.m.Medellín, Museo de Arte Moderno de MedellínDomingo 15 de mayo - Función en el marco del ciclo Que Haiga Paz.Jueves 9 de junio - Conversatorio
"El buen patrón", una comedia negra de Fernando León de Aranoa sobre un jefe inescrupuloso interpretado por Javier Bardem, consiguió cuatro estatuillas, incluida la otorgada a mejor película del año de España y América Latina."Es posible un cine artísticamente ambicioso, hecho no de espaldas al público, sino en complicidad con él (...) y que sepa emocionar", afirmó en la ceremonia en el recinto de congresos de la capital española, Ifema, León de Aranoa, que obtuvo los premios a mejor dirección y mejor guion.Después de "Los lunes al sol" (2002) y "Loving Pablo" (2017), esta fue la tercera colaboración de Léon de Aranoa con Javier Bardem, quien fue recompensado en la gala con el trofeo a mejor interpretación masculina."El buen patrón" venía de llevarse seis Premios Goya en febrero, incluido a la mejor cinta del año.También tuvo una buena noche "Madres paralelas", la última colaboración de Pedro Almodóvar con su musa Penélope Cruz, que se llevó tres premios: mejor interpretación femenina de reparto (Aitana Sánchez-Gijón), música original y dirección de arte.Una tercera película que había llegado como favorita a la gala de premios, "Maixabel", de Icíar Bollaín, terminó con un solo galardón, el de mejor actuación femenina, que le fue otorgado a la española Blanca Portillo, por su interpretación de la viuda de una víctima de la banda separatista vasca ETA.Una serie de actualidad políticaEn los apartados dedicados a la pantalla chica de esta IX edición de los Premios Platino, la argentina "El Reino" se impuso como la mejor serie del año.Los guionistas de esta teleserie sobre un candidato a vicepresidente que debe reemplazar a un aspirante a presidente asesinado durante la campaña, Claudia Piñeiro y Marcelo Piñeyro, fueron recompensados con el premio a mejor creación televisiva.El galardón "se lo queremos dar al público, que no solo se entretuvo con 'El Reino', sino que salió a debatir los temas que toca: ¿Quién nos manda, por qué los partidos ultraconservadores se unen con las iglesias para restringir derechos, sobre todo de las mujeres y las disidencias?", dijo Claudia Piñeiro."El Reino", que tendrá una segunda temporada que está siendo grabada en estos momentos, consiguió un tercer premio, a mejor interpretación masculina en teleserie, que recayó en el argentino Joaquín Furriel.Durante la gala, la reconocida actriz española Carmen Maura, de películas como "Mujeres al borde de un ataque de nervios", "¡Ay, Carmela!" o "La comunidad", fue reconocida con el Premio de Honor a su carrera."Quiero compartirlo con todos los actores y actrices con los que he trabajado en todos los países (de América Latina) que me han acogido, mimado, que me he sentido muy querida", dijo Maura, quien fue ovacionada por los asistentes.Al igual que el año pasado, la ceremonia fue presencial, en una España que desde finales de marzo implementó una estrategia para tratar al covid-19 como una enfermedad endémica, comparable a la gripe, gracias a la amplia tasa de vacunación de su población.En 2020, se anunciaron los galardones por YouTube desde México debido a la pandemia.Los Premios Platino son promovidos por la española Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA), la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA) y las Academias e Institutos de cine iberoamericanos.Desde que hiciera su debut en 2014 en Panamá, este certamen se realiza anualmente y de forma alternativa en España y en América Latina.Recuerde que puede conectarse con la programación de la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Compositor, violinista y director de orquesta, Rafael Kubelík es considerado como el más destacado músico checo de la época de postguerra y uno de los extraordinarios promotores de la música checa en el mundo, Después de concluir sus estudios en el Conservatorio de Praga, inició su carrera artística acompañando al piano a su famoso padre.A finales de los años 30 fue director del Teatro Municipal de Brno, desempeñándose posteriormente como director artístico de la Filarmónica Checa. Fue fundador del Festival Internacional de Música Primavera de Praga, cuya primera edición en 1946 inauguró y también concluyó con la Filarmónica Checa.Tras la llegada al poder de los comunistas en Checoslovaquia, en 1948, Rafael Kubelík decidió emigrar del país. "Abandoné mi patria para no tener que abandonar a la nación checa," respondía a todos los que le preguntaban cuáles habían sido las razones que le indujeron a partir del país. Tal como su compatriota Federico Smetana, Kubelik fue un nacionalista convencido.En 1989 al enterarse de la caída del régimen comunista en su país le hicieron renovar sus fuerzas de tal manera que muchos periódicos hablaron en aquel entonces del simbólico Ave Fénix que resurge de sus cenizas.En 1990 regresó, tras 42 años de ausencia, a la entonces Checoslovaquia para dirigir el ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria, en el concierto inaugural del Festival Internacional Primavera de Praga de ese año. Kubelík aceptó, además, el cargo de miembro de la presidencia honorífica del festival, y de director honorífico de la Filarmónica Checa.Durante su exilio, la labor de Rafael Kubelik alcanzó reconocimientos internacionales. Después del rotundo éxito de su interpretación de la ópera Katia Kabanova, de Leos Janácek, fue nombrado en 1955 director musical de la Ópera Covent Garden, de Londres, donde llevó a escena, entre otras, las óperas checas Jenufa, del mismo Janácek, y La novia vendida, de Smetana.Además, conquistó gran renombre en la Ópera Metropolitana de Nueva York, en la Ópera Estatal de Hamburgo, y en muchos otros escenarios musicales. Su estilo de dirección fue descrito por muchos críticos musicales como una especie de combinación de sentimiento y razón, de corazón y mente.Rafael Kubelík a mediados de los años 80 decidió finalizar su carrera artística por razones de salud, pasando mayor parte del tiempo en California, dedicándose a su actividad predilecta, la composición.En 1990 le fue otorgado el título de doctor honoris causa de la Universidad Carolina de Praga, y un año más tarde fue galardonado con la orden de Tomas Garrique Masaryk.Kubelik aplaudió la caída del sistema totalitario en el país. "Tenemos que creer que en el futuro todo será armónico, ético y moral," dijo en aquel entonces el artista.No obstante, su fe en el futuro se vio un tanto defraudada. Con gran dolor recibió la noticia sobre el desmantelamiento de la Federación Checoslovaca y con tristeza en el alma siguió los conflictos surgidos en aquel entonces en el seno de la Filarmónica Checa.Puede escuchar la obra de Rafael Kubelík en El músico de la semana, el lunes 27 de junio a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Para mediados de los años 80's del siglo XX la figura de Leonard Bernstein ya estaba más que constituida como leyenda de la música clásica estadounidense, al ser considerado el primer compositor, pianista y director de orquesta que adquirió fama a nivel mundial siendo de origen norteamericano a través de la dirección de la Orquesta Filarmónica de Nueva York desde 1944 y con numerosas obras que tuvieron relevancia en la cultura popular como On The Town (1944), Candide (1956) y West Side Store (1957) en una carrera con 16 obras de teatro y 31 composiciones entre música coral y orquestales. No obstante, en 1983 la crítica se vendría encima de la figura del compositor por su ópera "A Quiet Place" tras su primera representación en el Houston Grand Opera, en el que adjetivos como pretencioso y fracaso hicieron mella y marcarían los últimos años de Bernstein en constantes revisiones de la composición hasta su muerte en 1990. La premisa de la ópera a ojos actuales parece no ser compleja. La cabeza de la familia, es decir la madre Dinah, muere en un accidente de coche en lo que parece indicar es un suicidio. Sus hijos, se reencuentran con su padre en medio del funeral. Uno de ellos es abiertamente gay, y a medida que la ópera avanza y aparecen más familiares y vecinos, temas como el adulterio, las tensiones sexuales, la homofobia, el alcoholismo, la salud mental y el duelo se van mezclando entre sí. Sin embargo, estos temas que aún para la época eran tabú, junto a como describe David Yllanesen para el portal Codalario, una composición que tiende a lo atonal, configuraron esta mirada radical de la crítica. Esto también como consecuencia de las declaraciones que dio el compositor, comparando su ópera con las sinfonías de Mahler, de quién era gran admirador. "A Quiet Place" es una ópera en tres actos con un libreto caracterizado por ser extenso, escrito por Sthepen Wadsworth, que contiene, en el segundo acto, la adpatación de la ópera "Trouble in Tahiti" del mismo compositor, estrenada en 1952. Si bien, Bernstein retiró de inmediato la ópera tras su estreno y de forma obsesiva realizó en los años posteriores algunas variaciones que presentó en grandes escenarios como la Scala de Milán o la Ópera de Washington, no logró impresionar a la crítica lo suficiente como para variar su opinión. No obstante a partir del 2010 con la representación y adaptación que realizó Christopher Alden para la New York City Opera, en la que se redujo ciertas escenas y se adaptó a una musicalización mucho más pequeña logró tomar cierta relevancia luchando contra aquellos fantasmas que la encasillaron como pretenciosa; aunque, cabe aclarar, sigue sin ser representada en mayor volumen por las grandes orquestas y escenarios. Pese a todo esto, "A Quiet Place" también representa una pieza en las que admiradores de la obra de Bernstein y la ópera han encontrado cierto gusto, precisamente por sus mismas características. El próximo domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral podrá escuchar esta ópera interpretada por Chester Ludgin, Beverly Morgan, John Branstetter, Peter Kazaras, Jean Kraft, Theodor Uppman, Clarity James, John Kuether, Charles Waker, Wendy White y la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión Austriaca, bajo la dirección del propio compositor, Leonard Bernstein en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En cuanto Zoe me pasó el guión y me pidió que dirigiera el primer episodio dije que sí antes de leerlo, porque sé que todo lo que ella hace consigue levantar a nuestra comunidad", explica a Efe la propia Longoria sobre esta serie centrada en la emigración caribeña hacia Estados Unidos.Ligera, amable y colorida, "Gordita Chronicles" da la vuelta a la experiencia del inmigrante latino al centrarse en una familia acomodada que sale de la República Dominicana con una jugosa oferta de trabajo bajo el brazo y se muestra reticentes a cambiar adoptar un nuevo estilo de vida."No es como lo que se ve siempre en los medios y en las noticias. No están huyendo de la violencia o el caos, en verdad cuando llegan a EE.UU. están reduciendo su nivel de vida. Cada experiencia es distinta", señala la actriz y productora.Longoria ha sido la responsable de dirigir el episodio que presenta a la familia Castelli, encabezada por Victor (Juan Javier Cárdenas), un padre que se incorpora como director de publicidad en una importante aerolínea; y Adela (Diana María Riva), una madre con una gran resistencia a cambiar sus costumbres.Aunque son sus hijas las que roban la atención del espectador. Por un lado la popular Emilia (Savannah Nicole Ruiz), obsesionada con la cultura pop estadounidense; y por otro su hermana opuesta, apodada como Gordita (Olivia Goncalves) y reacia a su nuevo entorno.Es esta última la encargada de narrar la vida de su excéntrica familia a través de sus memorias."Creo que el sueño americano es algo por lo que luchar. Pero cuando llegan a EE.UU. los miembros de esta familia descubren que tienen una casa más pequeña, que pagan muchos impuestos... y dicen 'espera, ¿dónde está el sueño?' Me gustaba dar la vuelta a esa idea", apunta Longoria.A través de 10 episodios, que se estrenan simultáneamente este jueves, Gordita va relatando con una combinación de descaro e inocencia los obstáculos que cada miembro de los Castelli enfrenta, desde los problemas con el inglés a pequeños comentarios racistas o las presiones por encajar entre los adolescentes.Unas experiencia que Zoe Saldaña encuentra casi universal entre los suyos. "Según leíamos el primer episodio, cada personaje nos recordaba a un miembro de nuestra familia, o a nosotros mismos. Por eso ha sido un placer, un honor y un deber hacerlo realidad".Por otra parte, "Gordita Chronicles" funciona también como una bocanada de nostalgia ochentera: los cardados y la ropa vaquera impregnan el ambiente exuberante de Miami en una década en la que por sus calles sonaban desde Michael Jackson hasta una joven Gloria Estefan que comenzaba a izar la bandera latina en el mundo del espectáculo."Es raro, es raro que tantos latinos estemos en un proyecto grande, con una plataforma grande... Ojalá fuera más normal. Pero por ahora estamos muy orgullosos de esto", comenta Longoria.Escuche lo mejor de la música clásica por medio de la señal en vivo de la HJCK.
Esta decisión no convierte en ilegales las interrupciones del embarazo, sino que hace retroceder a Estados Unidos a la situación vigente antes de la sentencia "Roe v. Wade" de 1973, cuando cada estado era libre de autorizarlas o no.En un país muy dividido es probable que la mitad de los estados, especialmente en el sur y el centro más conservadores y religiosos, podrían prohibirlas en un plazo más o menos corto."La Constitución no hace ninguna referencia al aborto y ninguno de sus artículos protege implícitamente este derecho", escribió el juez Samuel Alito, en nombre de la mayoría. Roe v. Wade "debe ser anulado"."Es hora de devolver el tema del aborto a los representantes elegidos por el pueblo", a los parlamentos locales, escribió. Una formulación muy parecida al anteproyecto de sentencia que había sido filtrado a principios de mayo, provocando importantes manifestaciones en todo el país y una ola de indignación en la izquierda.Desde entonces la situación era tensa en las inmediaciones del alto tribunal, acordonado por las fuerzas de seguridad para mantener a distancia a los manifestantes.El 8 de junio incluso se detuvo a un hombre armado cerca del domicilio del magistrado Brett Kavanaugh y fue acusado de intento de asesinato.Una victoria para Trump La sentencia publicada el viernes "es una de las más importantes en la historia de la Corte Suprema desde su creación en 1790", afirma el profesor de derecho sanitario Lawrence Gostin."Ya ocurrió en el pasado que cambie la jurisprudencia pero para establecer o restituir un derecho, nunca para suprimirlo", dijo a la AFP.La decisión va en contra de la tendencia internacional de liberalizar el aborto, con avances en países donde la influencia de la iglesia católica sigue siendo fuerte, como Irlanda, Argentina, México y Colombia.Llega después de 50 años de lucha de la derecha religiosa, para la que representa una enorme victoria pero no el final de la batalla: seguirán movilizándose para intentar que la mayor cantidad de estados lo prohíban e incluso en busca de una prohibición federal.También encaja con la política del expresidente republicano Donald Trump quien, durante su mandato, remodeló profundamente la Corte Suprema incorporando a tres magistrados conservadores (Neil Gorsuch, Brett Kavanaugh y Amy Coney Barrett) que apoyan la sentencia.Su vicepresidente Mike Pence la aplaudió diciendo que el derecho al aborto queda enterrado "en el olvido" y se "ha corregido un error histórico".El expresidente demócrata Barack Obama lo calificó sin embargo de ataque a las "libertades fundamentales".Concretamente la sentencia se basa en una ley de Misisipi que se contentaba con reducir el límite de tiempo legal para abortar. Desde la vista judicial de diciembre, varios jueces habían insinuado que tenían la intención de aprovechar la oportunidad para revisar la jurisprudencia de la Corte.Los tres magistrados progresistas discreparon con la mayoría que, según ellos, "pone en peligran otros derechos a la privacidad, como la anticoncepción y los matrimonios entre homosexuales" y "socava la legitimidad de la Corte".Leyes "zombis" -Según el Instituto Guttmacher, un centro de investigación que hace campaña por el acceso a la anticoncepción y el aborto en todo el mundo, 13 estados tienen las llamadas leyes "zombis" que prohíben el aborto y han sido redactadas para entrar en vigor casi automáticamente si la Corte Suprema daba un giro."En los próximos días, semanas y meses veremos que cierran clínicas" en estos estados a veces muy poblados (Texas, Luisiana...), anticipa Lawrence Gostin. Se prevé que una decena de otros estados sigan sus pasos con prohibiciones totales o parciales.Por lo tanto, en una parte del país, las mujeres que deseen abortar se verán obligadas a continuar con su embarazo, arreglárselas clandestinamente, por ejemplo comprando píldoras abortivas en internet, o a viajar a otros estados, donde los abortos sigan siendo legales.En previsión de una afluencia, estos estados, en su mayoría demócratas, tomaron medidas para facilitar el acceso al aborto en su territorio y las clínicas comenzaron a aumentar su personal.Pero viajar es costoso y el fallo de la Corte Suprema penalizará aún más a las mujeres pobres o que crían solas a sus hijos, muchas de ellas de las minorías negra e hispana, subrayan los defensores del derecho al aborto.La principal organización de planificación familiar de Estados Unidos, Planned Parenthood, prometió que seguirá "luchando" por quienes lo necesitan.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Tres horas de concierto en el Teatro Mohamed V de la capital marroquí unieron casi hasta la medianoche el talento del trío de jazz del contrabajista israelí Avishai Cohen, miembro en los noventa del sexteto de Chick Corea, con uno de los iconos de la música gnawa, el maalem (maestro) Hamid el Kasri.Fue la penúltima de las actuaciones del Gnawa Festival Tour 2022, una cita que va por su 24 edición y este año cambió su formato para adaptarse a la pandemia. De celebrarse únicamente en la ciudad sureña de Esauira en grandes espacios, lo ha hecho a modo de gira por teatros de cuatro ciudades, antes de volver en 2023 a su formato habitual.Arrancó así el 3 de junio en Esauira para seguir luego su periplo por las ciudades de Marrakech, Casablanca y, finalmente, Rabat, donde concluye este viernes.Declarada por la Unesco Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en 2019, la gnawa vive momentos dulces en Marruecos, con un público joven entregado que hizo temblar el teatro rabatí coreando hasta la última melodía al bamboleo de sus ritmos, de pie en el patio de butacas.Bailaban siguiendo las notas de una música espiritual formada por una mezcla de melodías religiosas, percusión de sus características castañuelas de metal, los crótalos, y los acordes del guembri, un sencillo bajo de tres cuerdas de cuerpo rectangular que es el corazón de la gnawa.En la propuesta del festival en Rabat, la gnawa se fusionó con jazz, uno de los estilos, junto con el blues, que mejor se mezcla con sus letanías musicales.Fue de la mano de trío de Avishai Cohen, con Elchin Shirinov al piano y Roni Kaspi a la batería, que, tras protagonizar un concierto en solitario y ceder otra hora de actuación al maestro del gnawa, compartieron escenario con el maalem y sus seis coristas, encargados de los crótalos y bailarines al mismo tiempo.La guinda a la noche la pusieron la cantautora marroquí Nabyla Maan, que puso el toque femenino a la velada con su voz acompañando a El Kasri, y los jazzistas franceses Émile Parisien (saxofón soprano) y Vicent Peirani (acordeón), que levantaron de sus asientos a los que aún quedaban sentados.Tras pasar por cuatro ciudades, el Gnawa Festival Tour 2022 llega a su fin este viernes con un último concierto en Rabat protagonizado por los maestros del gnawa Abdelkader Amlil y Aziz Baqbou y la "blues band" de afro-gnawa de Majid Bekkas.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
