Enrique Grau fue uno de los artistas colombianos más influyentes del siglo XX, reconocido por su compromiso con la representación de la identidad y la cultura afrocolombiana a través de su arte. Nacido en Panamá, Grau creció inmerso en la rica diversidad cultural de la región caribeña de Colombia, lo que influyó profundamente en su obra posterior.Desde una edad temprana, Grau mostró un talento excepcional para el arte, y a los 16 años ya había comenzado a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Bogotá. Posteriormente, amplió su formación en Europa, donde se familiarizó con diversas corrientes artísticas, desde el impresionismo hasta el cubismo y el surrealismo. Esta experiencia lo llevó a desarrollar un estilo propio que fusionaba técnicas modernas con temas arraigados en la tradición y la historia colombianas.Una de las contribuciones más significativas de Grau al arte colombiano fue su representación de la comunidad afrocolombiana. En un momento en que esta comunidad era marginada y poco reconocida, Grau se dedicó a retratar su belleza y dignidad a través de sus obras. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sus pinturas, esculturas y dibujos capturan la vitalidad y la esencia espiritual de las personas afrodescendientes, resaltando su papel crucial en la construcción de la identidad colombiana.Grau también fue un defensor apasionado de los derechos humanos y la justicia social. Su compromiso con estas causas se refleja en muchas de sus obras, que abordan temas como la discriminación racial, la desigualdad económica y la lucha por la igualdad de oportunidades. A través de su arte, Grau buscaba generar conciencia sobre estas cuestiones y promover el cambio social.Una de las obras más conocidas de Grau es su serie de retratos de afrocolombianos, en la que captura la dignidad y la humanidad de sus sujetos con una sensibilidad excepcional. Estas pinturas destacan por su uso magistral del color y la luz, así como por la expresividad de los rostros representados. Además de sus retratos, Grau también creó una serie de esculturas monumentales que celebran la herencia africana de Colombia y rinden homenaje a figuras históricas y mitológicas.A lo largo de su carrera, Grau recibió numerosos premios y reconocimientos, incluyendo la Medalla de Oro en la Bienal de San Pablo en 1961 y el Premio Nacional de Pintura en Colombia en 1997. Su legado perdura en la obra de artistas contemporáneos que continúan explorando y celebrando la diversidad cultural de Colombia.Enrique Grau fue mucho más que un artista talentoso; fue un visionario que desafió las normas establecidas y amplió los límites del arte colombiano. Su compromiso con la representación de la identidad y la cultura afrocolombiana lo convierte en una figura emblemática en la historia del arte de Colombia y un ejemplo inspirador para las generaciones futuras. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo lunes, 1 de abril, se conmemoran 20 años del fallecimiento del artista colombiano Enrique Grau🎨. Reconocido por sus retratos de figuras amerindias y afrocolombianas y su punto de vista del volumen y los colores, Grau hizo parte de esa gran generación de pintores que a finales del siglo XX creó un ambiente de diálogo y creación en nuestro país. En la HJCK preparamos un especial para hablar de su obra y lo haremos con artistas y amigos como el pintor David Manzur y la escritora Fanny Buitrago. 🖼️💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una encuesta realizada por el medio para determinar qué está ocurriendo con los museos mostró que están volviendo a la normalidad y que durante 2023 muchos de los más grandes del mundo registraron números de visitantes similares a los de 2019, el año antes de que cerraran sus puertas.Incluso algunos recibieron exactamente la misma cantidad, entre ellos el Rijksmuseum en Amsterdam, que recibió tanto en 2019 como en 2023 unos 2,7 millones de visitantes, apoyado por la exhibición de las obras del holandés Johannes Vermeer, mientras que el Museo Nacional de Escocia tuvo la misma experiencia con 2,2 millones ambos años y el Getty Villa en Los Ángeles con 442.000 en prepandemia y 443.000, respectivamente.Destaca que en total los 100 principales museos recibieron en conjunto en 2023 175 millones de personas, comparado con los 141 millones del año anterior, pero aún distante de los 230 millones previo al cierre por la pandemia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No obstante, otros aún luchan por atraer la atención del público como los museos en Moscú afectados por la guerra contra Ucrania y el colapso del turismo extranjero mientras que los diez principales del Reino Unido también están en general un 13 % por debajo de los niveles que registraron antes de la pandemia, asegura el medio.De acuerdo con theartnewapaper, la lucha de los museos de Nueva York no parece ser distinta con el Museo de Arte Moderno (MoMa) registrando más de 2,8 millones de visitantes en 2023, un 2 % más que en 2018 cuando operó a toda capacidad previo a abrir sus puertas por solo seis meses en 2019 por remodelación. En contraste, el Whitney, recibió un 26% menos de visitantes (768.000) en 2023 al compararlo con el nivel prepandemia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Serra ha expuesto en los principales museos y ciudades del mundo con sus gigantescas estructuras de materiales industriales. El Museo Guggenheim de Nueva York, la Fundación Princesa de Asturias y artistas como el compositor Philip Glass han lamentado su fallecimiento hoy en la red social X.La Fundación Princesa de Asturias lo ha definido como un "artista auténtico" y "brillante", al que distinguió con su galardón en 2010 "por su audacia para vertebrar desde su perspectiva minimalista los espacios urbanos más significativos a escala internacional, a través de obras de gran potencia visual que invitan a la reflexión y al asombro".Serra nació en San Francisco el 2 de noviembre de 1938 de padres inmigrantes, -su padre era español y su madre rusa-. Su padre trabajaba en los astilleros de la ciudad y uno de sus primeros recuerdos de infancia fue la fascinación que le generó ver como las grúas movían las placas de acero de un lugar a otro.Unas placas muy similares y de grandes dimensiones son las que usó a lo largo de su carrera para hacer gigantescas estructuras que se sostenían por sí mismas y se podían transitar.Serra llegó a la escultura tras probar otras disciplinas artísticas como la pintura. Estudió en la Universidad de California, donde se graduó en Ciencias y en Literatura Inglesa en 1961 y en Arte por la Universidad de Yale en 1964.También estudió con una beca en las universidades de París y Florencia. En aquellos años viajaría por España, Turquía, Atenas y el Norte de África en una serie de viajes que marcarían su trayectoria artística.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue en Madrid, en el Museo del Prado, ante 'Las Meninas' de Velázquez, cuando se dio cuenta de que no podía ser pintor. "Pensé que no había posibilidad de acercarme a eso. Cézanne no me había detenido, De Kooning y Pollock no me habían detenido, pero Velázquez parecía algo más importante con lo que lidiar”, le dijo a un amigo.Tras aquella epifanía, durante una estancia en Roma, hizo su primera exposición individual con esculturas titulada "Animal Habitat", en la galería La Salita.En 1966, instalado en Nueva York, contactó con artistas de la New York School y conoció al influyente galerista Leo Catelli, quien le facilitó exponer en museos y galerías de la ciudad.Sus primeros trabajos consistían en montajes con neón y caucho. En su obra "Cinturones" (1966-1967), ubicada en el Museo Guggenheim de Nueva York, el resplandor de los tubos de neón contrasta con cinturones de cuero vulcanizado.Entre 1968 y 1969 creó cerca de 100 esculturas en plomo, entre las que destaca "Splashing", arrojando plomo derretido contra una pared y el suelo para que el metal se estrellara antes de solidificarse.En 1981 creó una de sus esculturas más espectaculares y controvertidas, titulada "Arco inclinado", que se ubicó en la plaza de Nueva York y que consistía en una plancha de acero enorme -3,5 metros de alto- ligeramente inclinada y con 36 metros de longitud.La escultura recibió numerosas críticas y finalmente fue retirada. Después realizó "Clara-Clara" (1983) para la Plaza de la Concordia de París y "Afangar" (1990), que instaló en Videy Island, Islandia.El Museo Guggenheim de Bilbao exhibió en 1999 una exposición monográfica de su obra, que es muy apreciada en España. Allí permanece expuesta de manera permanente "La Serpiente", una escultura formada por tres chapas curvadas de acero, de 170 toneladas de peso.Para ese mismo museo, entre 2004 y 2005, creó uno de los conjuntos escultóricos monumentales más importantes y novedosos: "La materia del tiempo", siete piezas de gran tamaño con figuras elípticas y espirales onduladas en acero de hasta 4 metros de altura.Otros espacios que acogen su monumental obra en España son el Macba en Barcelona, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Museo Helga de Alvear y el Palacio Miramar de San Sebastián.En 1986, Serra concibió la obra "Equal Parallel/Guernica-Bengasi" específicamente para el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid.La pieza se encuentra desaparecida desde 2005, a pesar de estar formada por dos grandes bloques de acero verticales de 38 toneladas de peso. La obra se compró en 1987, fue expuesta en 1990 y después almacenada. En 2005 cuando la iban a incluir en su colección permanente no la encontraron.Serra hizo una copia en 2009 y quedó expuesta de forma permanente en la antigua biblioteca del museo.El artista fue galardonado con la Orden de las Artes y las Letras de España en 2009, recibió el Príncipe de Asturias en 2010 y fue investido doctor "honoris causa" por la Universidad Pública de Navarra (2009).En aquel acto dijo ser un gran admirador del artista vasco Jorge Oteiza, al que calificó como su "alma gemela" por "la intensa soledad que manifiesta" su trabajo y que "conecta con un carácter existencial remoto” que reconoce en sí mismo.También posee el Anillo del Emperador de la ciudad alemana de Goslar y el prestigioso Praemium Imperiale de Escultura.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro, una manifestación artística arraigada en la devoción religiosa, ha sido una fuente inagotable de inspiración y contemplación a lo largo de la historia. Este género, intrínsecamente ligado a las prácticas y creencias religiosas, ha desempeñado un papel crucial en la expresión espiritual y cultural de diversas civilizaciones. Desde las majestuosas catedrales góticas de Europa hasta las pinturas murales en templos hindúes, el arte sacro ha abrazado una variedad de formas, estilos y tradiciones, sirviendo como un puente entre lo terrenal y lo divino.El arte sacro surge de la profunda necesidad de las comunidades religiosas de expresar su fe y reverencia hacia lo sagrado. Sus orígenes se remontan a las antiguas civilizaciones, donde los primeros humanos, imbuidos de un sentido de lo trascendente, creaban obras para honrar a sus deidades y dar forma a sus creencias espirituales. Estas manifestaciones artísticas no solo servían como objetos de culto, sino que también buscaban transmitir enseñanzas religiosas y narrativas sagradas a través de imágenes, esculturas y arquitectura.El arte sacro abarca una amplia gama de formas artísticas, desde la arquitectura religiosa hasta la pintura, la escultura, la música y la literatura. Las catedrales góticas medievales, con sus altos arcos y vitrales que filtran la luz celestial, son ejemplos impresionantes de la arquitectura sacra que busca elevar el espíritu humano hacia lo divino. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la pintura renacentista, artistas como Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio crearon obras maestras que representaban escenas bíblicas y retratos de santos, infundiendo a sus obras una profundidad espiritual y una belleza trascendental.La escultura sacra, desde las estatuas de los dioses griegos hasta las representaciones de Cristo en la cruz, ha capturado la imaginación de los creyentes durante siglos, ofreciendo una conexión tangible con lo sagrado. Además, la música sacra, con sus himnos, oratorios y misas, ha enriquecido las experiencias religiosas, proporcionando una vía para la adoración y la contemplación espiritual.Representaciones de arte sacroLa Capilla Sixtina: Situada en el Vaticano, esta obra maestra del arte renacentista, con los frescos de Miguel Ángel que representan escenas del Génesis y el Juicio Final, es un testimonio impresionante del poder del arte para elevar lo humano hacia lo divino.La Catedral de Notre-Dame: Ubicada en París, esta catedral gótica es un símbolo icónico del arte sacro, con sus imponentes torres, rosetones y esculturas que narran historias bíblicas y glorifican a Dios.El David de Miguel Ángel: Esta escultura de mármol representa al héroe bíblico David antes de enfrentarse a Goliat, encapsulando la belleza y la perfección del Renacimiento italiano.Las Cantatas de Bach: Compuestas por Johann Sebastian Bach, estas obras musicales sagradas son una expresión sublime de la devoción religiosa y la maestría musical.A pesar de los cambios en la sociedad y la disminución de la religiosidad en algunas regiones, el arte sacro sigue siendo relevante en el mundo contemporáneo. Su legado perdura en museos, galerías y espacios de culto en todo el mundo, inspirando a artistas y espectadores por igual. Además, el arte sacro continúa desempeñando un papel importante en la preservación de la herencia cultural y espiritual de la humanidad, sirviendo como un recordatorio de nuestra conexión con lo trascendente y lo eterno.El arte sacro, con su rica historia y su diversidad de formas, sigue siendo una fuente de inspiración y contemplación para millones de personas en todo el mundo. A través de sus obras, los artistas han buscado capturar la esencia de lo divino y transmitir la profundidad de la experiencia religiosa, dejando un legado perdurable que trasciende el tiempo y el espacio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo abre mañana martes una gran exposición sobre esa muestra, innovadora en muchas facetas, y la sitúa en su contexto histórico. Obras maestras de Renoir, Manet, Monet, Degas, Cézanne o Morisot figuran entre las 157 piezas que se presentan, llegadas de museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.La exposición de 1874 "se ha convertido en legendaria" y cambió "la historia del arte". Esta es "la primera vez" que se trata de forma específica, y se hace con otra exposición, explicó la conservadora de pintura Sylvie Patrie, una de las dos comisarias, durante la presentación de la exhibición.Fue un 15 de abril de 1874 cuando el estudio del fotógrafo de moda Nadar en París, un edificio de cuatro plantas a dos pasos de la Ópera, sirvió para presentar unos 215 cuadros (se desconoce el número exacto) de 31 pintores, muchos de los cuales no pasaron a la posteridad.La idea revolucionaria comenzó ya con su concepción, puesto que los pintores crearon una cooperativa para poder exponer juntos, y lo hicieron al margen del Salón, la exhibición oficial anual de arte, un evento mucho más académico y conservador.El contexto histórico era complicado. Francia acababa de salir de la dura derrota en la guerra contra Prusia (1870) y de la revolución de la Comuna de París y su sangrienta represión (1871).Apenas una cincuentena de las pinturas de esa primera exposición podrían ser consideradas 'impresionistas', un estilo que supuso una ruptura radical tanto con los temas plasmados como con la técnica pictórica.La revolución industrial y la creciente importancia de la burguesía generó temas nuevos, como el ferrocarril, los espectáculos o el turismo, ya que los impresionistas querían mostrar "la vida moderna" y "su visión de una ciudad en plena transformación", añadió Patry.Sobre todo, la forma de pintar "no tiene nada qué ver" con lo que se hacía antes, por el uso revolucionario de la pincelada y el color para plasmar la luz y recrear la impresión que deja en la retina, señaló por su parte la otra comisaria, Anne Robbins."La novedad es tanto la elección de los temas como la recuperación de la sensación, de la impresión", incidió Robbins, conservadora de pintura en el Orsay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Origen del término 'impresionismo'El nombre 'impresionismo' llegó de un comentario con voluntad despectiva del crítico de arte Louis Leroy a partir del ya inmortal cuadro Impresión, sol naciente, una brumosa interpretación del puerto de Le Havre por Claude Monet, que evidentemente no falta en este homenaje.El término 'impresionista' pasó a ser reivindicado por los artistas en sentido positivo.Otra cosa, precisó Patry, es el "mito" creado a comienzos del siglo XX y que pretende que "un grupo marginal de revolucionarios que pintaban de forma diferente organizaron una exposición de vanguardia", una idea falsa alimentada después por algunos de los artistas y que aún perdura.La nueva exposición, titulada París 1874: Inventar el impresionismo, incluye veinte pinturas de la muestra original en el estudio de Nadar. Muchas de las otras no tenían calidad y se desconoce su nombre.Entre las obras maestras presentes destacan La bailarina, El palco y La parisina (Renoir), Boulevar de los Capuchinos (Monet), Une moderne Olympia (Cézanne) o Ensayo de ballet sobre el escenario (Degas).También está Baile en el molino de la Galette, de Renoir, una de las obras cumbres del movimiento, pero que se presentó en la tercera exposición impresionista, en 1877.Tampoco faltan varias pinturas de la consagrada Berthe Morisot (parte de la exposición original) o de Eve Gonzalès, que luchaba para abrirse paso, a fin de resaltar la presencia femenina en la génesis del impresionismo.Las dos comisarias han dedicado toda una sala a cuadros del Salón de ese año, de factura y temáticas mucho más clásicas, para "reexaminar la radicalidad" estética que supuso la propuesta de los impresionistas.La exhibición del Orsay, que cerrará el 14 de julio, día de la Fiesta Nacional francesa, va acompañada de una experiencia inmersiva con gafas 3D, en el mismo museo, sobre un espacio de 650 metros cuadrados y que permite visitar esa primera jornada de la exposición original de 1874.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Más que una muestra en un museo, es una protesta en un museo exigiendo justicia y también para recordar a aquellas mujeres que ya no están", dijo Paco.La exposición "Mujer Peligro Mujer" que se exhibe en el Museo Nacional de Arte en La Paz muestra 22 obras de Paco y una instalación con la que pretende reflejar los riesgos que corre una mujer en las calles, en la vida diaria y también el "peligro" que representa una chica cuando interpela, estudia, cuestiona y transgrede.Paco comentó que las mujeres en muchas ocasiones están "al borde del peligro" de ser violadas, acosadas sexualmente e incluso que les quiten la vida y desde 2013, cuando entró en vigencia la ley para garantizar una vida libre de violencia en el país hasta la actualidad contabilizó 1.106 mujeres que murieron por la violencia machista.La artista boliviana recordó que ella fue víctima de violencia mediática cuando expuso una polémica obra de la Virgen del Socavón en 2018, la patrona del Carnaval de Oruro declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, lo cual desató amenazas de muerte en contra de ella y su familia, y provocó que fuera hostigada por varios grupos para que calle."Me convertí en un peligro para ellos y al ser un peligro tenían que desecharme, tenían que hacer algo para callarme", sostuvo Paco.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para la artista era "urgente" mostrar a través del arte lo que está pasando con las mujeres y así las personas se cuestionen sobre qué está pasando y qué podemos hacer para que no sucedan estas situaciones.Es así que decidió explorar con la inteligencia artificial para el "rescate de historias" y crear imágenes de mujeres, la mayoría indígenas, que se mezcla con el collage digital y el toque de color de las obras las da el bordado de palabras, flores o detalles de la vestimenta de las mujeres en cada pieza.Las obrasEntre las obras que destacan está "la despedida" que muestra a dos mujeres indígenas que velan en un cuarto a una persona que está tapada por una sábana, haciendo referencia a las madres que deben enterrar a sus hijas que murieron por la violencia machista.También muestra a una mujer embarazada que está envuelta en las cintas de "peligro" y flores denominada "esterilización forzosa" u otra en el que se ve a una chica migrante o a las reconocidas Frida Kahlo y Marilyn Monroe dándose un beso, quienes han sido "sexualizadas" por los hombres y que incluso han sido "consideradas peligrosas" por su forma de pensar y actuar, comentó Paco.Otra de las obras es la imagen que hace referencia a la obra "piedad" en la que se ve a la Virgen María rogando por justicia y atrás están las marchas de las mujeres con un cartel que dice "mamá, si un día soy yo, grita mi nombre por justicia".Paco junto a otra artista boliviana realizaron una instalación en medio del salón en el que colgaron varias prendas de vestir haciendo referencia a mujeres de distintas edades y clases sociales que llevan flores marchitas y fotografías de las mujeres que fueron víctimas de feminicidio en el país.Así mismo, se exhibe un video que narra algunos de los casos de feminicidio más emblemáticos en el país, como el caso de Hanalí Huaycho, una periodista que murió en manos de su esposo en 2013 o de la concejala Juana Quispe, quien fue asesinada en 2012 tras sufrir acoso y violencia política.A juicio de Paco todos los casos tienen una situación en común: exigen justicia o la encontraron después de muchos años de resistir los largos procesos para que haya una sentencia. por lo que es importante hacer esto para no olvidarlas.El último reporte de la Fiscalía General del Estado señala que en dos meses de este año se reportaron 12 casos de feminicidio en el país.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Designado por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), dependiente de la Unesco, el noruego Jon Fosse ha querido reflexionar sobre el arte, y no sobre la dramaturgia, porque "todo buen arte, en lo más profundo, gira en torno al mismo eje".Se trata, asegura, de "tomar lo completamente único, lo totalmente específico y hacerlo universal". "Uniendo lo particular con lo universal, expresándolo artísticamente: no eliminando su particularidad, sino enfatizando su particularidad, permitiendo que lo que es extraño y desconocido brille claramente", agrega el escritor (Hausgesund, 1959)."La guerra y el arte son opuestos, así como la guerra y la paz son opuestas, es así de simple. El arte es la paz", resume Fosse en un mensaje que celebra el Día Mundial del Teatro, que se instituyó en 1961.Según el autor de la trilogía La vigilia, Los sueños de Olav y El cansancio, "El arte, el buen arte, consigue a su manera y de forma fabulosa reunir lo absolutamente único con lo universal. Nos permite entender la diferencia entre lo extraño y lo universal"."Al hacerlo, el arte trasciende las fronteras de los lenguajes y los límites geográficos. Reúne, no solo las cualidades individuales, sino también, las características de un grupo de personas, por ejemplo, las naciones", señala el poeta, dramaturgo, novelista, ensayista y poeta, que obtuvo el Nobel "por sus innovadoras obras de teatro y su prosa que dan voz a lo inefable".Además, precisa Fosse, "todo buen arte contiene precisamente eso: algo extraño, algo que no podemos comprender completamente y que, sin embargo, entendemos de cierto modo. Contiene lo enigmático, algo que nos fascina y, por lo tanto, nos lleva más allá de nuestros límites y así crea la trascendencia que todo arte debe contener y a la cual conducirnos"."Articula en su expresión artística aquello único con lo universal: no eliminando lo singular, sino enfatizándolo; dejando que lo extraño y lo desconocido brille claramente", concluye Fosse, porque, para él, el teatro es "un gran acto de escucha" y el acto de escribir es "escuchar", cuando escribe no planea nada y procede escuchando.Es un mensaje con el que cada año una figura de talla mundial comparte sus reflexiones sobre el tema "Teatro y Cultura de Paz", y que se transmitió por primera vez en 1962, escritor nada menos que por Jean Cocteau.Desde entonces, lo han escrito nombres de la talla de Arthur Miller, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Richard Burton, Antonio Gala, Dario Fo, Isabelle Huppert o Helen Mirren.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.China acoge la celebración principalEste año, el evento principal de la celebración será en Langfang (China), organizado por el Centro Internacional de Artes de la Ruta de la Seda de Langfang, e incluirá desde una conferencia -'Un diálogo de profesionales del teatro global'- a talleres -sobre el teatro como puente de conexión entre los pueblos o como plataforma de diversidad cultural- o una Noche de Gala."Esperamos que todos los artistas, expertos y académicos del teatro puedan participar en intercambios significativos durante este evento, y contribuir con valiosas experiencias artísticas y pensamiento académico para el desarrollo del teatro mundial", señala Chen Yongquan, vicepresidente de la Asociación Teatral China.Pero no será el único. Entre los actos celebrados en todo el mundo para celebrar la vida del teatro destacan espectáculos benéficos, conferencias, presentaciones especiales, coloquios y mesas redondas, además de reuniones con directores de escena o festivales de teatro callejero.Así, por primera vez, Italia participa en las celebraciones del Día Mundial del Teatro, con eventos e iniciativas dirigidas especialmente a los jóvenes, mientras que en Cuernavaca (México) lo celebrarán con un coloristas y festivo pasacalles."El objetivo de la celebración es concienciar sobre el valor del teatro en todas sus formas y compartir su alegría con los demás", señala el ITI en su página web.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el mundo antiguo y medieval, Constantinopla fue una ciudad histórica de gran importancia política, económica y cultural. Su ubicación estratégica en el estrecho de Bósforo separaba Europa de Asia y conectaba el mar de Mármara con el mar Negro, dándole a ese impero gran control y ventajas importantes de defensa militar, haciéndola una ciudad difícil de conquistar.Haciendo las veces de puente entre oriente y occidente, Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio Bizantino, fundada en el año 330 d. C. por el emperador romano Constantino I, de quien recibió su nombre.Durante más de mil años, los emperadores bizantinos gobernaron desde esta capital y administraron un vasto territorio que se extendió por gran parte de Europa oriental, la península de Anatolia, el norte de África y partes de Oriente Medio.Como capital del Imperio Bizantino, Constantinopla fue una de las ciudades más importantes y prósperas del mundo antiguo y medieval. Fue un centro de comercio, cultura y poder político durante siglos. La ciudad estaba adornada con impresionantes obras de arquitectura, como la famosa Catedral de Santa Sofía, un claro ejemplo de la arquitectura bizantina.A la par que el Imperio bizantino aumentaba su poder político y económico, también crecía el legado histórico, artístico y principalmente arquitectónico que hoy en día sigue siendo materia de estudio.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El arte religioso de ConstantinoplaAntes de la conquista de los turcos otomanos de Constantinopla, en 1453, a manos del Mehmed II, el Imperio Bizantino estuvo adornado por importantes obras de arte, esculturas y textos, la mayoría con un enfoque religioso, que influyó en la estética del cristianismo y de la iglesia ortodoxa por siglos.La arquitectura bizantina se caracterizó por el uso de cúpulas, arcos de medio punto, mosaicos ornamentales y una abundancia de detalles decorativos. La Catedral de Santa Sofía, construida en el siglo VI, es el ejemplo cúspide del estilo de estas construcciones.Edificada en apenas seis años, la iglesia fue ideada por el matemático Antemio de Trales y el físico Isidoro de Mileto. Pese a que se encuentra en una zona de alta actividad sísmica, se ha conservado por más de 1.500 años. Su reestructuración más fuerte se dio en el año 557, cuando, afectada por terremotos, tuvo que ser reconstruida por Isidoro el joven, sobrino de MIleto. La Basílica de San Marcos en Florencia, Italia, construida en el siglo XI; la Catedral de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo, Rusia, construida en el siglo XVIII; la Mezquita Azul, de Estambul construida en el siglo XVII, y la Iglesia de San Salvador en Chora también en Estambul son algunos de los ejemplos de grandes centros religiosos que están inspirados en el estilo bizantino.Al interior de las iglesias, castillos e importantes edificaciones se encontraban los mosaicos, imágenes construidas con piedra, vidrio y esmalte que retrataban historias y momentos históricos.Traídos desde la tradición romana, durante el Imperio Bizantino, estas piezas se enfocaron en mostrar imágenes y momentos importantes para la religión y, en algunos casos, retratos de los emperadores. Este estilo influenció el desarrollo del arte en mosaico en otras culturas, incluyendo la islámica y la europea.La producción artística de esa época tuvo como común denominador, la inspiración religiosa, de este período abundan las imágenes sagradas utilizadas en la adoración cristiana.La Catedral de Santa Sofía contiene algunos de los mosaicos más impresionantes del arte bizantino que datan del siglo IX al XII, donde se representan escenas religiosas, figuras sagradas y emperadores. Otro ejemplo de la influencia religiosa es Teófanes el griego. Nacido en 1340 fue uno de los más importantes pintores de iconos del siglo XIV, conocido por su estilo distintivo y su influencia en el arte religioso ortodoxo oriental.La literatura durante la época de ConstantinoplaConstantinopla fue el epicentro cultural durante el Imperio Bizantino y la cuna de numerosas obras literarias. Al igual que en la arquitectura y el arte, la religiosidad fue el tema principal de la literatura y de la poesía que se produjo durante estos siglos.Focio, conocido como Focio el Grande, fue un importante líder religioso y político en la historia del Imperio Bizantino. Se destacó por haber sido el patriarca de Constantinopla en dos ocasiones, pero también por su obra como escritor. Myriobiblon (Biblioteca) es su texto más emblemático, una colección de resúmenes y extractos de obras clásicas griegas y romanas.Otro nombre destacado es el de Juan Tzetzes, un poeta y erudito bizantino del siglo XII, conocido por su extenso trabajo en diversas áreas como la poesía, la filosofía y la gramática; reconocido por su comentario sobre la obra de Homero.Además de la religión, los relatos de momentos históricos y sobre las guerras fue otro de los temas relevantes de la literatura bizantina. En este campo, encontramos a una mujer como autora destacada.Ana Comnena, hija del emperador bizantino Alejo I Comneno, fue una escritora del siglo XII conocida por su obra La Alexiada. Este relato es una crónica épica en la que detalla la vida y el reinado de su padre.Otra obra relevante de ese periodo sobre la guerra es Las Guerras de Justiniano escrita por el historiador bizantino del siglo VI Procopio de Cesarea. Esta obra cuenta las batallas libradas por el emperador Justiniano I, además, ofrece un contexto histórico de la vida militar y política de Constantinopla.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con tan solo 33 años, una educación autodidacta y un diploma de Biología de la Universidad Nacional de Colombia, se dedica a hacer arte a partir de la muerte de algunos de los miembros de la familia más amados, las mascotas, dándoles una "vida eterna" con sus seres queridos.Su trayectoria en la taxidermia comenzó hace más de diez años mientras terminaba sus estudios y descubría un gran interés por el arte detrás de la inmortalidad de los animales.La palabra taxidermia se deriva del griego taxis, que significa colocación, y derma, que alude a la piel. Y aunque su historia se remonta a la cultura de la cultura chinchorro de Chile entre el 7.000 y 1500 a.C., esta práctica de congelar en el tiempo los cuerpos de animales llegó a Colombia muchos años después, en la década de los 60 del siglo pasado.Lo que históricamente fue una práctica de mantener con vida a animales de gran tamaño como leones o toros y pequeños como colibríes o tortugas para su exposición en hogares y museos se enfrenta a una crisis por una población que cada vez se interesa menos por esto.Vargas explica en una entrevista con EFE que la mayoría de animales que se ven en su estudio son encargos de dueños de mascotas domésticas que "muchas veces se olvidan de recogerlos".Le tiemblan las manos por cansancio: "Yo trabajo como seis horas seguidas en el día, y donde hace años me llegaban alrededor de dos animales al año para disecar, ahora me llegan uno o dos al mes", y especifica que para que luzcan realistas, tiene que proceder en las 24 horas siguientes a la muerte.Mientras agarra el cuerpo abierto de un gato negro que ya está listo para tomar su forma final, lamenta ser el único de la capital colombiana que todavía se dedica a la taxidermia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De la taxidermia a los esqueletosA pesar de que Vargas empezó disecando animales que encontraba por la calle y luego se pasó a los encargos de una manera más profesional, en este momento de su carrera la técnica que más disfruta es la de organizar los huesos y montar los esqueletos completos de los animales."A mí me gustan más los huesitos", afirma y agrega que no solo es una práctica que disfruta más y le lleva menos tiempo, sino que además es la modalidad que más le suelen pedir.Mientras que un proceso de taxidermia se puede demorar más de 70 horas, en el de los esqueletos, que consiste en manejar más de 200 piezas que tiene que unir para formar la secuencia completa, puede tardar 40 horas.Vargas sujeta entre sus manos el esqueleto completo de una rata, pieza que podría parecer un dinosaurio de un museo arqueológico a ojos de cualquier persona, pero que monta él mismo con la ayuda de un alambre y por el que cobra a sus clientes entre 550.000 y 800.000 pesos (entre 130 y 190 euros; y 140 y 200 dólares).De hecho, explica con ilusión que está empezando a desarrollar un proyecto de museo con unos compañeros de la Universidad Nacional dedicados al avistamiento de aves: "No he visto en ninguna parte de Colombia un museo así".El rechazo socialLa taxidermia se podría asociar con la caza furtiva y prácticas ilegales, pero Vargas afirma que él lo hace por amor a los animales y por su función artística."Es un reto, superar las fobias no es fácil", afirma el biólogo mientras cuenta que en Bogotá él conocía a un señor mayor que este año decidió retirarse del oficio.El joven ofreció en varias ocasiones cursos gratuitos para personas que mostraron interés a través de su página web, pero lamenta que no salió adelante ninguno de ellos: "Hay personas jóvenes que parece que les interesa, pero cuando les digo que no tienen que pagar no se presentan".Justifica que en la actualidad el desconocimiento asociado a este arte "es muy grande" y genera mucho rechazo social, pero él espera que generaciones más jóvenes muestren disposición por aprender.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.