Cinco años después del incendio que devastó Notre Dame el 15 de abril de 2019, la reapertura de la catedral parisina sigue programada para el 8 de diciembre, según Philippe Jost, presidente del organismo público encargado de supervisar su reconstrucción.Alrededor de 250 empresas y cientos de artesanos, arquitectos y otros profesionales han trabajado en la reconstrucción de la catedral, obra maestra del gótico inscrita en el patrimonio mundial de la Unesco.La primera etapa incluyó la remoción de toneladas de escombros, y se prolongó a causa de las interrupciones provocadas por el covid, la necesidad de garantizar las medidas de seguridad en el sitio y a la descontaminación del edificio, particularmente el plomo del tejado, fundido durante el incendio.Esa etapa se completó a mediados de 2021, con un costo de 150 millones de euros (unos 155 millones de dólares).Las obras de restauración comenzaron poco después, tanto en la catedral como en los numerosos talleres de artesanos que participaron a distancia en la reparación o la recreación de vidrieras, piedras o en la reconstrucción idéntica de la estructura de madera de la nave y el coro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más de mil árboles taladosEsa compleja operación, que terminó en marzo, requirió el talado de más de mil árboles bicentenarios seleccionados en los bosques franceses.La aguja diseñada por el arquitecto del siglo XIX Viollet-le-Duc, que se derrumbó junto con parte del techo, volvió a ser visible en febrero.En el interior del templo los expertos aprovecharon para realizar la limpieza de paredes, vidrieras, bóvedas y decoraciones. Esa etapa está casi concluida y ha permitido devolver a la catedral una luminosidad desconocida en la memoria reciente."Es verdaderamente maravilloso, todos estos colores habían desaparecido completamente. Los estoy descubriendo ahora", dijo el vicerrector de Notre Dame, Guillaume Normand.El gran órgano, cubierto de polvo de plomo, fue limpiado y sus 8.000 tubos fueron ensamblados de nuevo, uno por uno. Se espera que su afinación dure seis meses.Para el verano (boreal), las obras de los techos de la nave, del coro y de la aguja deberían haber terminado, así como la restauración de los suelos a cuadros en blanco y negro y algunos trabajos en el mobiliario de arte interior. También se está instalando un importante sistema antiincendios.Los vitrales de época, entre los cuales destacan los tres enormes rosetones medievales, muestran ahora una luz tamizada.Se ha lanzado un concurso para la creación de vitrales contemporáneos, que no serán instalados antes de 2026.Se anticipa que el presupuesto total de esta fase de reconstrucción se mantendrá "por debajo" de los 550 millones de euros estimados (unos 585 millones de dólares), según Jost.El incendio de la catedral provocó un movimiento de solidaridad en todo el mundo, que se tradujo en 846 millones de euros de donaciones (901 millones de dólares), de los cuales aproximadamente 150 millones se destinarán a la restauración de partes exteriores erosionadas antes del incendio.A partir del otoño boreal, se despejarán y remodelarán la explanada y los accesos a la catedral, en colaboración con el Ayuntamiento de París, encargado de reestructurar los alrededores de Notre Dame para 2028.El rector de Notre Dame, monseñor Olivier Ribadeau-Dumas, estima que habrá "13 a 14 millones" de visitantes anuales en el futuro, en comparación con los 12 millones antes del incendio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Tengo una costumbre, casi una superstición. Cuando salgo de mi casa por un asunto importante sin falta toco los barrotes de la puerta", dice Irma, residente en el antiguo distrito Sololaki de Tiflis.Yago, un anciano que vive en la primera planta de una antigua casa se muestra orgulloso de su condición de tiflisense y, cómo no, de la reja que adorna la ventana de su vivienda. "Pasa tu mano por esta flor forjada, no seas tímido", invita el hombre, que esboza una sonrisa y añade: “He vivido aquí durante más de 60 años, pero admiro este adorno casi todos los días.Yago considera que Georgia es famosa por sus artistas, músicos, escritores y actores porque sabe cómo preservar las tradiciones y transmitirlas de generación en generación. "¡No puedes evitar escribir poesía cuando ves tanta belleza todos los días!", asegura.La modernización llega a TiflisPrecisamente, la segunda mitad del siglo XIX fue un punto de inflexión en la historia del desarrollo de Tiflis, pues "fue entonces cuando, en sus formas y contenidos, la cultura georgiana pasó a formar parte de la europea y adopta las tendencias más modernas", dice al EFE la experta en arte Tamta Shonvadze.Vivir en Tiflis daba prestigio y las familias pudientes competían en exhibir su riqueza, emulación que se manifestaba de manera más visible en la arquitectura.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Los portales y ventanas de la antigua Tiflis, ricamente decorados con rejas de hierro forjado, se convierten en las tarjetas de presentación de toda la ciudad y, cómo no, de los propietarios de los inmuebles”, añade Shonvadze.Estos ornamentos adquieren tal popularidad que proliferan las herrerías especializadas en la forja de rejas. Y es que la supresión en 1861 de la servidumbre en el Imperio ruso, del que Georgia formaba parte, estimuló el desplazamiento de la población rural a las ciudades y el desarrollo de la industria.“La nueva cara de la ciudad requería un nuevo estilo, nuevos detalles empezando por los portales, puertas y ventanas, en el que las rejas y la pintura decorativa de las entradas principales de los edificios eran un elemento clave”, sostiene la experta en arte.La historiadora Tamara Tavadze destaca que fueron años en los que los tiflisenses comenzaron a hacer suyas las tendencias de la moda europea que llegaban a ciudades ricas del Imperio.“El estilo occidental se impone y desplaza al oriental a un segundo plano, literalmente. La arquitectura oriental, con su balcones y escaleras, se repliega a los patios interiores, mientras que la occidental conquista las fachadas”, asegura Tavadze. La sovietización no puede con las tradicionesEsta deriva se interrumpió con la revolución bolchevique de 1917 que acabó con el Imperio ruso y en 1921 con la recién creada República Democrática de Georgia, invadida por el Ejército Rojo.El constructivismo, primero, y luego el realismo socialista llegaron a Tiflis. "Los lujos burgueses y sus adornos se tornaron no solo innecesarios, sino también peligrosos", añade la historiadora.Pese a 70 años de sovietización, en Tiflis no se precisa una máquina del tiempo para retroceder dos siglos; basta dar unos pasos desde la Plaza de la Libertad y adentrarse en la ciudad vieja para sumirse en el pasado.Allí, cual guardianes, las antigua rejas continúan protegiendo los patios de Tiflis y sus secretos. La experiencia es tan vívida que pareciera que en cualquier momento a la vuelta de la esquina saldrá un carruaje tirado por caballos con sus cascos repicando en el empedrado."La calidez de esta celosía, que probablemente preserva la memoria de mis bisabuelas y bisabuelos, ayuda. Todo lo misterioso se hace realidad", señala Irma.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El presidente de la Junta Constructora de este templo católico, Esteve Camps, afirmó este miércoles que tienen la "ilusión" de terminar la obra en diez años, pero todo dependerá de las negociaciones y permisos de la Administración."Tenemos la ilusión de que en diez años podremos acabar la parte constructiva, la verticalidad", explicó Camps en una rueda de prensa, dejando claro que la finalización de la ornamentación podría demorarse más tiempo."Como herederos" del arquitecto español Antoni Gaudí (1852-1926), considerado uno de los genios del modernismo, que proyectó el templo, su voluntad es seguir el proyecto "tal y como él lo dejó escrito", sin renunciar a elementos como una escalinata que podría implicar algunas expropiaciones que dependen de la Administración."Seguro que si nos sentamos a hablar y hay diálogo, habrá un acuerdo", apuntó Camps frente a un cartel con el lema en catalán "T'acabarem" (Te acabaremos).La Junta Constructora se compromete a que en 2025 habrán terminado los trabajos de la capilla de Asunta y de la Torre de Jesús, para su inauguración oficial en 2026, cuando se cumplirán cien años del fallecimiento del arquitecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Patronato de la Sagrada Familia ha remitido al alcalde de Barcelona, Jaume Collboni, una petición para que 2026 sea el año Antoni Gaudí.En 2023 hubo un incremento de visitantes del 24,5 % respecto a 2022, con casi un millón de visitantes más de un total de algo más de 4,7 millones que disfrutaron del templo.La nacionalidad que más visitó el templo fue la estadounidense (19,4 %), por delante de otras como la española (14,6 %).La basílica comenzó a erigirse en 1882 y su construcción se financia con donaciones. La parte que llegó a construir el propio Gaudí fue declarada en 2005 patrimonio de la humanidad por la Unesco.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando se construye un edifico, además de aquello que pida el cliente, hay que pensar en la gente ya establecida a su alrededor, por lo que intento no sólo no molestar, sino contribuir de forma positiva. Los arquitectos tienen esa responsabilidad", dijo Yamamoto tras ser reconocido el martes con el galardón.Nacido en Beijing en 1945 pero asentado en Yokohama (al sur de Tokio) desde el final de la II Guerra Mundial, Yamamoto fue premiado por "recordarnos que en arquitectura, como en democracia, los espacios deben ser creados por la voluntad del pueblo", según señaló el jurado."Me quedé muy sorprendido al recibir el premio porque este tipo de trabajo al que me dedico no suele estar valorado, pero estoy muy contento porque han visto todas mis obras y las han calificado positivamente", afirmó.Entorno público y privadoEn su trabajo, Yamamoto activa el umbral entre la vida pública y la privada, y construye abundantes lugares para los compromisos y los encuentros casuales. Además, ahonda en la transparencia para que quienes están dentro de sus espacios puedan experimentar el entorno que hay más allá, mientras que quienes pasan pueden sentir pertenencia.También trata de ofrecer una continuidad consistente del paisaje, usando los entornos naturales y construidos preexistentes para contextualizar la experiencia de cada edificio, además de generar espacios donde pueda crearse una comunidad."El problema no es que llegue mucha gente a las ciudades, sino la forma de vivir en las mismas. Creo que es necesario que los arquitectos piensen en ello y creen espacios donde realizar actividades económicas y participar en la comunidad", señaló.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más privacidad y más soledadYamamoto está preocupado por la tendencia creciente de viviendas "que sólo sirven para vivir y donde se forma una división entre personas", por lo que considera importante buscar un mecanismo a través de la arquitectura para crear comunidades y "evitar la soledad"."La gente hoy en día sólo busca facilidad en la vida diaria, por ejemplo, al tener un colegio o un hospital cerca, pero es importante encontrar un sitio donde la gente se pueda echar la mano. Con esta excesiva privacidad, tenemos casos de gente que muere sola", añadió.En busca de inspiración para su carrera, el japonés ha realizado varios viajes de investigación al área del Mediterráneo, incluyendo España y Francia, además de un viaje en coche de Los Ángeles (EE.UU.) a Lima, y también otro en India y Nepal, que luego ha trasladado a sus proyectos en Japón.El arquitecto también defiende la importancia de la belleza en la vivienda pública. "Quiero que aquellos que vivan en mis edificios se sientan orgullosos e inviten a otras personas de fuera, esto genere una comunidad y la gente pueda ayudarse mutuamente", explicó.El Premio Pritzker es el galardón más importante en el campo de la arquitectura y se otorga a un arquitecto vivo cuya obra construida haya "producido consistentes y significativas contribuciones a la humanidad a través del arte de la arquitectura", según explica la organización, que premia a personas y no a estudios.Yamamoto es el laureado número 53 por este premio, el noveno japonés, un país que ostenta el récord en el número de laureados, algo que el arquitecto achaca a la alta competitividad del país y la necesidad de devolver algo al pueblo japonés.El nipón acudirá esta primavera a Chicago (EE.UU.), donde se encuentra la Fundación Hyatt que concede el Pritzker, a recibir el premio, un galardón que recayó en el británico David Chipperfield el año pasado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta es una selección de algunas de sus obras:1. Casa Ishii (1978 Kawasaki, Japón)Construida para dos artistas, esta residencia cuenta con una sala tipo pabellón con una amplia escalera que sirve como escenario para albergar actuaciones. Un muro cortina atrae la naturaleza y a los vecinos, mientras que las viviendas permanecen incrustadas debajo, lo que da como resultado una casa arraigada en el ámbito público, donde todas las áreas visibles ofrecen un umbral de oportunidades para el vecindario.2. GAZEBO (1986 Yokohama, Japón)La propia casa de Yamamoto está diseñada para invocar la interacción con los vecinos desde terrazas y tejados. El arquitecto creó umbrales arriba, dando paso a intercambios con vecinos que cultivan y se retiran respectivamente, pero juntos, de una terraza o azotea a otra.3. Viviendas Hotakubo (1991 Kumamoto, Japón)El primer proyecto de vivienda social de Yamamoto abarca dieciséis grupos de viviendas que suman 110 unidades, dispuestas alrededor de una plaza central arbolada a la que sólo se puede acceder pasando por una residencia. Inspirándose en las viviendas tradicionales japonesas machiya y oikos griegas que fomentaron el colectivismo entre los vecinos, Yamamoto propicia un paso del espacio privado al semipúblico, lo que resulta en un umbral que crea una subsociedad, permitiendo el 'Área de la comunidad local' y respetando al mismo tiempo la privacidad de las familias individuales.4. Escuela secundaria de Iwadeyama (1996 Ōsaki, Japón)Situada en lo alto de una colina en una región de vientos del norte, el 'ala de viento' mitiga las inclemencias del tiempo y también refleja la luz hacia la escuela, lo que resulta útil durante los meses de invierno.En el interior, el generoso atrio es el centro de la escuela y apoya la comunidad de los estudiantes. Un gran salón de usos múltiples conocido como 'foro estudiantil' está ubicado en el centro del segundo piso y cuenta con casilleros.Se sustituye una sala de profesores convencional por una sala de investigación dedicada a las especialidades de los educadores. La entrada a la escuela se hace a través de un paseo transparente sobre una plaza diseñada para evolucionan a medida que la población de la escuela se expande y disminuye con el tiempo.5. Universidad de Saitama (1999 Koshigaya, Japón)Especializada en enfermería y ciencias de la salud, esta universidad está compuesta por nueve edificios conectados por terrazas que se convierten en pasillos a través de patios y espacios verdes inclinados. Cada volumen transparente permite vistas de un aula a otra, pero también de un edificio a otro, fomentando el aprendizaje y la interacción. Todos los laboratorios están ubicados en el primer piso, potenciando las cualidades relacionales entre cada especialidad.Las aulas, auditorio, biblioteca, gimnasio, cafetería y las salas de profesores están ubicados en todo el campus; sin embargo, distinguir dónde termina un edificio y comienza otro es intencionalmente borroso, lo que genera un lenguaje arquitectónico propio.💬Siga nuestro canal de WhatsApp aquí y entérese de todo el contenido cultural de la HJCK.6. Estación de bomberos de Hiroshima Nishi (2000 Hiroshima, Japón)La fachada, las paredes interiores y los pisos de este edificio están construidos en vidrio, dándole la apariencia de un volumen totalmente transparente. Hay un atrio en el centro del edificio, donde se imparte formación y se destaca la actividad de los bomberos, alentando a los transeúntes a ver e interactuar con quienes se dedican a proteger a la comunidad, resultando en un compromiso recíproco entre los servidores públicos y los ciudadanos a los que sirven.La prevención de incendios y la educación pública para todas las edades son parte integral del espacio, y el vestíbulo de exposiciones y el espacio de la terraza del cuarto piso están programados para uso público.7. THE CIRCLE (2020 Aeropuerto de Zurich, Suiza)Situado entre una carretera y un gran parque, THE CIRCLE es el umbral entre el aeropuerto y la ciudad local. Demostrando un dominio diverso de la escala, un lado del edificio presenta una fachada uniforme y expansiva, mientras que el otro abre su propia ciudad que evoca las ciudades medievales de Suiza imbuidas de nuevas tecnologías evolucionadas para los estilos de vida presentes y futuros.Los pasillos principales, inspirados en el término alemán "gasse", que se traduce como "callejón", conducen a un centro de convenciones, hoteles, restaurantes, centros de bienestar, escaparates minoristas y un espacio para eventos públicos.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La norma impulsada por el ministro de Cultura, Gennaro Sangiuliano, para combatir en particular las protestas de los activistas climáticos, recibió este jueves 138 votos a favor en la Cámara de Diputados, tras haber recibido ya el visto bueno del Senado en julio pasado."Hoy es un hermoso día para la cultura italiana y, en particular, para el patrimonio artístico y arquitectónico de la nación", dijo exultante el ministro tras la votación.Con la aprobación definitiva de la nueva ley, "se establece un principio fundamental: a partir de ahora, quien cause daños al patrimonio cultural y paisajístico se verá obligado a pagar de su propio bolsillo el coste de la restauración integral de las obras”, añadió.El Gobierno de la ultraderechista Giorgia Meloni había adoptado en abril pasado un proyecto de ley denominado "eco-vandalismo" con multas de entre 20.000 y 60.000 euros, además de sanciones penales, para quien "destruya, disperse, deteriore, desfigure, pintarrajee o use ilegalmente" de forma "total o parcial bienes culturales".La nueva ley también prevé sanciones administrativas de 10.000 a 40.000 euros para quien "desfigure o deteriore" estos bienes o los destine "a un uso perjudicial para su conservación" o "incompatible con su carácter histórico o artístico", según el texto divulgado por los medios locales."Vale la pena recordar, una vez más, que dañar el arte significa dañar también la naturaleza, porque debido a la antropización del paisaje, algunos lugares o monumentos se han convertido en parte integrante de nuestras ciudades" y la tarea del Estado "es preservar este recurso único y valioso que tenemos el deber de proteger y custodiar para las generaciones futuras”, dijo el ministro.Los fondos conseguidos con las multas para terminar con los actos de ecovandalismo se entregarán al ministerio italiano de Cultura para ser destinados a la "restauración del patrimonio".Por ejemplo, los 40.000 euros que costó, según la Superintendencia Especial de Roma, la restauración de la fachada del Senado tras ser embadurnada con pintura rosa ahora tendrán que ser abonados por los autores, ecologistas de 'Ultima Generazione' (Última Generación), que ha reivindicado numerosas protestas similares en otras ciudades italianas.Miembros de este grupo vertieron un tinte negro en la histórica fuente de la Barcaccia de la Plaza España de Roma, construida entre 1626 y 1629, y desplegaron una pancarta en la que exigían dejar de invertir en combustibles fósiles, y también arrojaron sopa a un cuadro de Van Gogh de una exposición temporal de Roma, entre otros actos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El monumento goza de buena salud, pero obviamente necesita una manutención continua, porque no debemos descuidarlo, aunque presenta buenas condiciones y una óptima situación de estabilidad", asegura a EFE la directora de este antiquísimo templo, Gabriella Musto.El Panteón es un lugar único, no solo por la geometría perfecta de su arquitectura, coronada con una cúpula todavía capaz de asombrar a los constructores modernos y con un "óculo" ideado como un inagotable "reloj solar", sino también porque ha logrado resistir a dos milenios de historia prácticamente igual a cómo lo veían los antiguos romanos.El edificio actual fue construido por el emperador Adriano entre los años 118 y 125 d.C, en el mismo emplazamiento donde siglos antes el cónsul Marco Vipsanio Agripa había levantado un templo consagrado a las siete divinidades planetarias por orden de Augusto.La erosión del turismo de masasDesde entonces, el Panteón ha sobrevivido al inexorable paso del tiempo, a guerras viejas y nuevas, a saqueos, reformas como los campanarios u "orejas de burro" que Bernini le puso en el siglo XVII y, en los últimos tiempos, al turismo de masas.Por ello, para asegurar su conservación, desde hace un año Musto dirige un programa de restauración que ya ha arreglado el gigantesco portón de bronce original de época "adriánea", asegurando algunas partes de las bisagras que corrían "el riesgo de romperse".Ahora, la atención se centra en su pavimento de mármol, que visto desde las alturas se extiende como un gigantesco mosaico formado por grandes cuadros y círculos de diferentes colores, las figuras que dominan todo el edificio.El mármol que los romanos usaron para su suelo es de altísima calidad, traído en barco desde Asia Menor o Egipto, como el pórfido rojo, el 'giallo antico', de tono amarillento, o el 'pavonazzetto', codiciado por los antiguos por sus vetas marrones y púrpuras.Pero, pese a la excelencia de este material, la directora sostiene que el trasiego de personas ha generado "corrosiones y rupturas" que deben ser arregladas. Primero para su conservación, pero también para evitar baches y tropiezos entre sus visitantes.En busca de imperfeccionesEl restaurador Emanuele Marconi pasa la mañana de rodillas buscando entre las grietas restos de suciedad, que retira pacientemente con un pequeño aspirador, mientras algunos turistas lo observan desde el otro lado del redil que le protege.Una vez limpias estas hendiduras de la piedra, las rellena con una resina o mortero pigmentado con un color similar pero no igual, para que los expertos del futuro puedan identificar las partes originales. Toda las intervenciones son reversibles, apunta Musto.Por otro lado, también se está restaurando un antiquísimo icono mariano de madera -'Odighitria' o 'Virgen que indica el camino'- que se cree que llegó al Panteón en el año 609 d.C, cuando el emperador bizantino Foca se lo regaló al papa Bonifacio IV, que convirtió el edificio en la actual iglesia de "Santa María ad Martyres".Además, pronto se emprenderá la adecuación de la parte trasera de templo, el 'lapidarium' y los restos de la antigua Basílica de Neptuno, para abrirse al público.Porque el Panteón está cambiando su forma de ofrecerse al turismo y el pasado julio dejó de ser gratis, cobrando 5 euros por entrada (excepto si se va a misa).La iniciativa, del ministro de Cultura Gennaro Sangiuliano, recaudó 5,3 millones de euros, gracias a los 1,4 millones de visitantes hasta noviembre, un monto que servirá para mantener el edificio a punto y para otros fines (se han destinado cientos de miles de euros a afrontar el aluvión de Emilia-Romagna).El Panteón, el "vestigio más bello de la Antigüedad romana", como lo ensalzó Stendhal, ejemplo sublime de proporción, es el testimonio más antiguo y mejor conservado de la gloria pretérita de la capital, que resuena desde las alturas de su extraordinaria cúpula.Por eso, todos los esfuerzos de su dirección están dirigidos a proteger este prodigio milenario de la arquitectura, para que siga siendo un testigo impertérrito de todos los avatares que la historia reserve a la Ciudad Eterna del futuro.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El monumento será inaugurado por el primer ministro griego, Kyriakos Mitsotakis, informó este jueves el Ministerio de Cultura en un comunicado.La construcción del Palacio de Egas, como se llamaba en la antigüedad Vergina, empezó a mediados del siglo IV a.C. y fue completada en 336 a.C., como parte de un plan de modernización de la metrópoli llevado a cabo por Filipo II de Macedonia.Con unos 15.000 metros cuadrados, el recinto palaciego es la construcción más amplia de la antigua Grecia.Su gran peristilo (patio rodeado de columnas), de 4.000 metros cuadrados y con capacidad para albergar al menos a 8.000 personas, cuenta con 16 columnas a cada lado y es el sitio donde Alejandro Magno fue proclamado rey de los macedonios, en 336 a.C, tras el asesinato de su padre ese mismo año.Los restos del enorme recinto palaciego fueron recuperados poco a poco por varias generaciones de arqueólogos en excavaciones llevadas a cabo entre 1865 y 1960.En 2007 se inició un amplio programa de mantenimiento y restauración del sitio que, con un presupuesto de 20,3 millones de euros, concluyó el año pasado.Los trabajos efectuados abarcan desde la excavación y registro sistemático de todos los hallazgos, entre ellos varias decenas de miles de "elementos arquitectónicos de piedra", hasta "la restauración estética de los mosaicos y de las incrustaciones de mármol", precisa la nota.También se recompusieron pisos, cimientos y columnatas, así como restos de un monumental propilón (especie de puerta), impresionantes arcadas de dos pisos, un santuario, varios patios y hasta una biblioteca en la que se guardaban archivos.El palacio se encuentra a pocos kilómetros del Museo de Vergina, donde yacen los restos Filipo en una tumba.En su reinado (382-336 a.C.), Macedonia se expandió hacia el sur de Grecia, pero fue su hijo, Alejandro (356-323 a.C.), quien logró convertir el reino en imperio, derrotando a egipcios y persas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Lo que tengo que decir es que la reunificación de las esculturas del Partenón es una reivindicación que se basa no sólo en la historia, no sólo en la justicia, sino que también es una reivindicación de valores culturales ecuménicos”, afirmó Gerapetritis ante la prensa a su llegada a una reunión de ministros de Exteriores de la OTAN en Bruselas.Gerapetritis, que mencionó un encuentro en los márgenes de la cita de la OTAN con el titular británico de Exteriores, David Cameron, incidió en que “debemos trabajar de forma bilateral con el Reino Unido”.“Vamos a servir a este propósito en el futuro para profundizar en esta larga historia que tenemos las dos naciones”, concluyó.Grecia ha considerado una falta de respeto que Sunak cancelara el martes una reunión prevista con Mitsotakis, que se encontraba de visita en Londres.Según un portavoz de Downing Street, Sunak consideró que no sería "productivo" celebrar el encuentro con Mitsotakis después de que éste utilizara una entrevista con la BBC para abogar por la devolución de los fragmentos del friso del Partenón que se encuentran en el Museo Británico.Mitsotakis había declarado el pasado domingo a un programa de la cadena pública BBC que los Mármoles del Partenón "pertenecen a Grecia" y "fueron esencialmente robados", para añadir que no se trata de "una cuestión de propiedad, sino un argumento para su reunificación" en Atenas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los dos textos fueron adoptados en apenas unos minutos y fueron discutidos conjuntamente pese a ser dos patrimonios diferentes, al ser "un asunto delicado", según dijo el país anfitrión, Arabia Saudí.La delegación de Rusia, miembro del comité de la Unesco, intervino y quiso distanciarse del informe aprobado, sobre todo por el lenguaje utilizado que "no se alinea con las guías de la convención" de la Unesco, y apoyó la decisión de inscribir los dos sitios en el listado de patrimonio en peligro.Por otro lado, la delegación ucraniana señaló que los dos patrimonios no están en las condiciones óptimas para "garantizar los valores universales de la propiedad" debido a los bombardeos rusos contra los sitios."Espero que algún día cada niño del país conozca los sitios culturales, pero la realidad es que ahora cada niño sabe los nombres de cada aeropuerto militar ruso, de cada misil y de cuánto tiempo tarda en alcanzar nuestras ciudades", dijo la delegación ucraniana en su intervención antes de cerrar el examen de los dos sitios.Amenaza de destrucción por la ofensiva rusaLa Unesco señaló que la inscripción de estos dos sitios se deben a "la amenaza de destrucción vinculada a la ofensiva rusa y el comité consideró que "ya no se reúnen las condiciones óptimas para garantizar plenamente la protección del Valor Universal Excepcional del bien y que está amenazado por un peligro potencial debido a la guerra".Frente al riesgo de ataque directo, estos sitios son también vulnerables a las ondas expansivas producidas por los bombardeos de las dos ciudades, recordó el comité, quien también tomó nota de las "numerosas medidas adoptadas por las autoridades ucranianas para proteger sus bienes culturales".Asimismo, aseveró que inclusión en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro es un recordatorio a los 195 Estados Partes en la Convención de que es su responsabilidad "garantizar y contribuir a la protección de estos sitios". Esta inclusión también les da derecho a recibir asistencia financiera y técnica adicional para aplicar nuevas medidas de emergencia en el sitio.Más de dos décadas como patrimonio mundial Ambos bienes forman parte de la lista del Patrimonio Mundial de la Unesco, en el caso de Santa Sofía desde 1990 y en el del centro de Leópolis desde 1998. El pasado 7 de septiembre, la Unesco acordó otorgar una "protección reforzada provisional" a una veintena de bienes culturales ucranianos, entre ellos estos dos.La Catedral de Santa Sofía de Kiev, situada en el casco antiguo de la capital de Ucrania, es considerada desde 2007 una de la Siete Maravillas de Ucrania y está rodeada de edificios monásticos de estilo barroco ucraniano de los siglos XVII y XVIII que a menudo acogen exposiciones y otros actos culturales.Fue construida a principios del siglo XI y recibió el nombre de Santa Sofía (sagrada sabiduría) se cree que a imagen de la catedral de la antigua Constantinopla, en la actualidad Estambul.De estilo bizantino y construida con grandes piedras naturales en granito y cuarcita rosa, Santa Sofía está presidida por el campanario de color azul suave que da entrada al complejo, coronado por trece cúpulas doradas. El interior del templo aloja 260 metros cuadrados de mosaicos y tres mil de frescos del siglo XI.Desde febrero de 2022 la catedral de Santa Sofía es testigo de la invasión rusa de Ucrania y poco después, Kiev pidió a Rusia, ante la Santa Sede, que no destruyera la catedral. Por otro lado, el conjunto histórico de Leópolis se extiende por la parte medieval de la ciudad y el área protegida abarca aproximadamente 3.000 hectáreas.Su centro alberga varias catedrales medievales y otros edificios con elementos góticos, renacentistas, barrocos y de la Secesión, preservados durante las guerras mundiales, y entre sus edificios más visitados destacan la catedral de San Jorge, el Teatro de la Ópera y Ballet o el cementerio de Lychakiv.El pasado julio, el centro histórico de Leópolis fue objetivo de un ataque ruso, el primero que se producía en una zona protegida por la Convención del Patrimonio Mundial desde el estallido de la guerra en febrero de 2022.De esta manera, Ucrania suma tres bienes en el listado en peligro de la Unesco, después de que el pasado enero se incluyera el centro histórico de Odesa por la guerra.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.