Cinco años después del incendio que devastó Notre Dame el 15 de abril de 2019, la reapertura de la catedral parisina sigue programada para el 8 de diciembre, según Philippe Jost, presidente del organismo público encargado de supervisar su reconstrucción.Alrededor de 250 empresas y cientos de artesanos, arquitectos y otros profesionales han trabajado en la reconstrucción de la catedral, obra maestra del gótico inscrita en el patrimonio mundial de la Unesco.La primera etapa incluyó la remoción de toneladas de escombros, y se prolongó a causa de las interrupciones provocadas por el covid, la necesidad de garantizar las medidas de seguridad en el sitio y a la descontaminación del edificio, particularmente el plomo del tejado, fundido durante el incendio.Esa etapa se completó a mediados de 2021, con un costo de 150 millones de euros (unos 155 millones de dólares).Las obras de restauración comenzaron poco después, tanto en la catedral como en los numerosos talleres de artesanos que participaron a distancia en la reparación o la recreación de vidrieras, piedras o en la reconstrucción idéntica de la estructura de madera de la nave y el coro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más de mil árboles taladosEsa compleja operación, que terminó en marzo, requirió el talado de más de mil árboles bicentenarios seleccionados en los bosques franceses.La aguja diseñada por el arquitecto del siglo XIX Viollet-le-Duc, que se derrumbó junto con parte del techo, volvió a ser visible en febrero.En el interior del templo los expertos aprovecharon para realizar la limpieza de paredes, vidrieras, bóvedas y decoraciones. Esa etapa está casi concluida y ha permitido devolver a la catedral una luminosidad desconocida en la memoria reciente."Es verdaderamente maravilloso, todos estos colores habían desaparecido completamente. Los estoy descubriendo ahora", dijo el vicerrector de Notre Dame, Guillaume Normand.El gran órgano, cubierto de polvo de plomo, fue limpiado y sus 8.000 tubos fueron ensamblados de nuevo, uno por uno. Se espera que su afinación dure seis meses.Para el verano (boreal), las obras de los techos de la nave, del coro y de la aguja deberían haber terminado, así como la restauración de los suelos a cuadros en blanco y negro y algunos trabajos en el mobiliario de arte interior. También se está instalando un importante sistema antiincendios.Los vitrales de época, entre los cuales destacan los tres enormes rosetones medievales, muestran ahora una luz tamizada.Se ha lanzado un concurso para la creación de vitrales contemporáneos, que no serán instalados antes de 2026.Se anticipa que el presupuesto total de esta fase de reconstrucción se mantendrá "por debajo" de los 550 millones de euros estimados (unos 585 millones de dólares), según Jost.El incendio de la catedral provocó un movimiento de solidaridad en todo el mundo, que se tradujo en 846 millones de euros de donaciones (901 millones de dólares), de los cuales aproximadamente 150 millones se destinarán a la restauración de partes exteriores erosionadas antes del incendio.A partir del otoño boreal, se despejarán y remodelarán la explanada y los accesos a la catedral, en colaboración con el Ayuntamiento de París, encargado de reestructurar los alrededores de Notre Dame para 2028.El rector de Notre Dame, monseñor Olivier Ribadeau-Dumas, estima que habrá "13 a 14 millones" de visitantes anuales en el futuro, en comparación con los 12 millones antes del incendio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Tengo una costumbre, casi una superstición. Cuando salgo de mi casa por un asunto importante sin falta toco los barrotes de la puerta", dice Irma, residente en el antiguo distrito Sololaki de Tiflis.Yago, un anciano que vive en la primera planta de una antigua casa se muestra orgulloso de su condición de tiflisense y, cómo no, de la reja que adorna la ventana de su vivienda. "Pasa tu mano por esta flor forjada, no seas tímido", invita el hombre, que esboza una sonrisa y añade: “He vivido aquí durante más de 60 años, pero admiro este adorno casi todos los días.Yago considera que Georgia es famosa por sus artistas, músicos, escritores y actores porque sabe cómo preservar las tradiciones y transmitirlas de generación en generación. "¡No puedes evitar escribir poesía cuando ves tanta belleza todos los días!", asegura.La modernización llega a TiflisPrecisamente, la segunda mitad del siglo XIX fue un punto de inflexión en la historia del desarrollo de Tiflis, pues "fue entonces cuando, en sus formas y contenidos, la cultura georgiana pasó a formar parte de la europea y adopta las tendencias más modernas", dice al EFE la experta en arte Tamta Shonvadze.Vivir en Tiflis daba prestigio y las familias pudientes competían en exhibir su riqueza, emulación que se manifestaba de manera más visible en la arquitectura.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Los portales y ventanas de la antigua Tiflis, ricamente decorados con rejas de hierro forjado, se convierten en las tarjetas de presentación de toda la ciudad y, cómo no, de los propietarios de los inmuebles”, añade Shonvadze.Estos ornamentos adquieren tal popularidad que proliferan las herrerías especializadas en la forja de rejas. Y es que la supresión en 1861 de la servidumbre en el Imperio ruso, del que Georgia formaba parte, estimuló el desplazamiento de la población rural a las ciudades y el desarrollo de la industria.“La nueva cara de la ciudad requería un nuevo estilo, nuevos detalles empezando por los portales, puertas y ventanas, en el que las rejas y la pintura decorativa de las entradas principales de los edificios eran un elemento clave”, sostiene la experta en arte.La historiadora Tamara Tavadze destaca que fueron años en los que los tiflisenses comenzaron a hacer suyas las tendencias de la moda europea que llegaban a ciudades ricas del Imperio.“El estilo occidental se impone y desplaza al oriental a un segundo plano, literalmente. La arquitectura oriental, con su balcones y escaleras, se repliega a los patios interiores, mientras que la occidental conquista las fachadas”, asegura Tavadze. La sovietización no puede con las tradicionesEsta deriva se interrumpió con la revolución bolchevique de 1917 que acabó con el Imperio ruso y en 1921 con la recién creada República Democrática de Georgia, invadida por el Ejército Rojo.El constructivismo, primero, y luego el realismo socialista llegaron a Tiflis. "Los lujos burgueses y sus adornos se tornaron no solo innecesarios, sino también peligrosos", añade la historiadora.Pese a 70 años de sovietización, en Tiflis no se precisa una máquina del tiempo para retroceder dos siglos; basta dar unos pasos desde la Plaza de la Libertad y adentrarse en la ciudad vieja para sumirse en el pasado.Allí, cual guardianes, las antigua rejas continúan protegiendo los patios de Tiflis y sus secretos. La experiencia es tan vívida que pareciera que en cualquier momento a la vuelta de la esquina saldrá un carruaje tirado por caballos con sus cascos repicando en el empedrado."La calidez de esta celosía, que probablemente preserva la memoria de mis bisabuelas y bisabuelos, ayuda. Todo lo misterioso se hace realidad", señala Irma.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El presidente de la Junta Constructora de este templo católico, Esteve Camps, afirmó este miércoles que tienen la "ilusión" de terminar la obra en diez años, pero todo dependerá de las negociaciones y permisos de la Administración."Tenemos la ilusión de que en diez años podremos acabar la parte constructiva, la verticalidad", explicó Camps en una rueda de prensa, dejando claro que la finalización de la ornamentación podría demorarse más tiempo."Como herederos" del arquitecto español Antoni Gaudí (1852-1926), considerado uno de los genios del modernismo, que proyectó el templo, su voluntad es seguir el proyecto "tal y como él lo dejó escrito", sin renunciar a elementos como una escalinata que podría implicar algunas expropiaciones que dependen de la Administración."Seguro que si nos sentamos a hablar y hay diálogo, habrá un acuerdo", apuntó Camps frente a un cartel con el lema en catalán "T'acabarem" (Te acabaremos).La Junta Constructora se compromete a que en 2025 habrán terminado los trabajos de la capilla de Asunta y de la Torre de Jesús, para su inauguración oficial en 2026, cuando se cumplirán cien años del fallecimiento del arquitecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Patronato de la Sagrada Familia ha remitido al alcalde de Barcelona, Jaume Collboni, una petición para que 2026 sea el año Antoni Gaudí.En 2023 hubo un incremento de visitantes del 24,5 % respecto a 2022, con casi un millón de visitantes más de un total de algo más de 4,7 millones que disfrutaron del templo.La nacionalidad que más visitó el templo fue la estadounidense (19,4 %), por delante de otras como la española (14,6 %).La basílica comenzó a erigirse en 1882 y su construcción se financia con donaciones. La parte que llegó a construir el propio Gaudí fue declarada en 2005 patrimonio de la humanidad por la Unesco.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando se construye un edifico, además de aquello que pida el cliente, hay que pensar en la gente ya establecida a su alrededor, por lo que intento no sólo no molestar, sino contribuir de forma positiva. Los arquitectos tienen esa responsabilidad", dijo Yamamoto tras ser reconocido el martes con el galardón.Nacido en Beijing en 1945 pero asentado en Yokohama (al sur de Tokio) desde el final de la II Guerra Mundial, Yamamoto fue premiado por "recordarnos que en arquitectura, como en democracia, los espacios deben ser creados por la voluntad del pueblo", según señaló el jurado."Me quedé muy sorprendido al recibir el premio porque este tipo de trabajo al que me dedico no suele estar valorado, pero estoy muy contento porque han visto todas mis obras y las han calificado positivamente", afirmó.Entorno público y privadoEn su trabajo, Yamamoto activa el umbral entre la vida pública y la privada, y construye abundantes lugares para los compromisos y los encuentros casuales. Además, ahonda en la transparencia para que quienes están dentro de sus espacios puedan experimentar el entorno que hay más allá, mientras que quienes pasan pueden sentir pertenencia.También trata de ofrecer una continuidad consistente del paisaje, usando los entornos naturales y construidos preexistentes para contextualizar la experiencia de cada edificio, además de generar espacios donde pueda crearse una comunidad."El problema no es que llegue mucha gente a las ciudades, sino la forma de vivir en las mismas. Creo que es necesario que los arquitectos piensen en ello y creen espacios donde realizar actividades económicas y participar en la comunidad", señaló.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más privacidad y más soledadYamamoto está preocupado por la tendencia creciente de viviendas "que sólo sirven para vivir y donde se forma una división entre personas", por lo que considera importante buscar un mecanismo a través de la arquitectura para crear comunidades y "evitar la soledad"."La gente hoy en día sólo busca facilidad en la vida diaria, por ejemplo, al tener un colegio o un hospital cerca, pero es importante encontrar un sitio donde la gente se pueda echar la mano. Con esta excesiva privacidad, tenemos casos de gente que muere sola", añadió.En busca de inspiración para su carrera, el japonés ha realizado varios viajes de investigación al área del Mediterráneo, incluyendo España y Francia, además de un viaje en coche de Los Ángeles (EE.UU.) a Lima, y también otro en India y Nepal, que luego ha trasladado a sus proyectos en Japón.El arquitecto también defiende la importancia de la belleza en la vivienda pública. "Quiero que aquellos que vivan en mis edificios se sientan orgullosos e inviten a otras personas de fuera, esto genere una comunidad y la gente pueda ayudarse mutuamente", explicó.El Premio Pritzker es el galardón más importante en el campo de la arquitectura y se otorga a un arquitecto vivo cuya obra construida haya "producido consistentes y significativas contribuciones a la humanidad a través del arte de la arquitectura", según explica la organización, que premia a personas y no a estudios.Yamamoto es el laureado número 53 por este premio, el noveno japonés, un país que ostenta el récord en el número de laureados, algo que el arquitecto achaca a la alta competitividad del país y la necesidad de devolver algo al pueblo japonés.El nipón acudirá esta primavera a Chicago (EE.UU.), donde se encuentra la Fundación Hyatt que concede el Pritzker, a recibir el premio, un galardón que recayó en el británico David Chipperfield el año pasado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta es una selección de algunas de sus obras:1. Casa Ishii (1978 Kawasaki, Japón)Construida para dos artistas, esta residencia cuenta con una sala tipo pabellón con una amplia escalera que sirve como escenario para albergar actuaciones. Un muro cortina atrae la naturaleza y a los vecinos, mientras que las viviendas permanecen incrustadas debajo, lo que da como resultado una casa arraigada en el ámbito público, donde todas las áreas visibles ofrecen un umbral de oportunidades para el vecindario.2. GAZEBO (1986 Yokohama, Japón)La propia casa de Yamamoto está diseñada para invocar la interacción con los vecinos desde terrazas y tejados. El arquitecto creó umbrales arriba, dando paso a intercambios con vecinos que cultivan y se retiran respectivamente, pero juntos, de una terraza o azotea a otra.3. Viviendas Hotakubo (1991 Kumamoto, Japón)El primer proyecto de vivienda social de Yamamoto abarca dieciséis grupos de viviendas que suman 110 unidades, dispuestas alrededor de una plaza central arbolada a la que sólo se puede acceder pasando por una residencia. Inspirándose en las viviendas tradicionales japonesas machiya y oikos griegas que fomentaron el colectivismo entre los vecinos, Yamamoto propicia un paso del espacio privado al semipúblico, lo que resulta en un umbral que crea una subsociedad, permitiendo el 'Área de la comunidad local' y respetando al mismo tiempo la privacidad de las familias individuales.4. Escuela secundaria de Iwadeyama (1996 Ōsaki, Japón)Situada en lo alto de una colina en una región de vientos del norte, el 'ala de viento' mitiga las inclemencias del tiempo y también refleja la luz hacia la escuela, lo que resulta útil durante los meses de invierno.En el interior, el generoso atrio es el centro de la escuela y apoya la comunidad de los estudiantes. Un gran salón de usos múltiples conocido como 'foro estudiantil' está ubicado en el centro del segundo piso y cuenta con casilleros.Se sustituye una sala de profesores convencional por una sala de investigación dedicada a las especialidades de los educadores. La entrada a la escuela se hace a través de un paseo transparente sobre una plaza diseñada para evolucionan a medida que la población de la escuela se expande y disminuye con el tiempo.5. Universidad de Saitama (1999 Koshigaya, Japón)Especializada en enfermería y ciencias de la salud, esta universidad está compuesta por nueve edificios conectados por terrazas que se convierten en pasillos a través de patios y espacios verdes inclinados. Cada volumen transparente permite vistas de un aula a otra, pero también de un edificio a otro, fomentando el aprendizaje y la interacción. Todos los laboratorios están ubicados en el primer piso, potenciando las cualidades relacionales entre cada especialidad.Las aulas, auditorio, biblioteca, gimnasio, cafetería y las salas de profesores están ubicados en todo el campus; sin embargo, distinguir dónde termina un edificio y comienza otro es intencionalmente borroso, lo que genera un lenguaje arquitectónico propio.💬Siga nuestro canal de WhatsApp aquí y entérese de todo el contenido cultural de la HJCK.6. Estación de bomberos de Hiroshima Nishi (2000 Hiroshima, Japón)La fachada, las paredes interiores y los pisos de este edificio están construidos en vidrio, dándole la apariencia de un volumen totalmente transparente. Hay un atrio en el centro del edificio, donde se imparte formación y se destaca la actividad de los bomberos, alentando a los transeúntes a ver e interactuar con quienes se dedican a proteger a la comunidad, resultando en un compromiso recíproco entre los servidores públicos y los ciudadanos a los que sirven.La prevención de incendios y la educación pública para todas las edades son parte integral del espacio, y el vestíbulo de exposiciones y el espacio de la terraza del cuarto piso están programados para uso público.7. THE CIRCLE (2020 Aeropuerto de Zurich, Suiza)Situado entre una carretera y un gran parque, THE CIRCLE es el umbral entre el aeropuerto y la ciudad local. Demostrando un dominio diverso de la escala, un lado del edificio presenta una fachada uniforme y expansiva, mientras que el otro abre su propia ciudad que evoca las ciudades medievales de Suiza imbuidas de nuevas tecnologías evolucionadas para los estilos de vida presentes y futuros.Los pasillos principales, inspirados en el término alemán "gasse", que se traduce como "callejón", conducen a un centro de convenciones, hoteles, restaurantes, centros de bienestar, escaparates minoristas y un espacio para eventos públicos.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La norma impulsada por el ministro de Cultura, Gennaro Sangiuliano, para combatir en particular las protestas de los activistas climáticos, recibió este jueves 138 votos a favor en la Cámara de Diputados, tras haber recibido ya el visto bueno del Senado en julio pasado."Hoy es un hermoso día para la cultura italiana y, en particular, para el patrimonio artístico y arquitectónico de la nación", dijo exultante el ministro tras la votación.Con la aprobación definitiva de la nueva ley, "se establece un principio fundamental: a partir de ahora, quien cause daños al patrimonio cultural y paisajístico se verá obligado a pagar de su propio bolsillo el coste de la restauración integral de las obras”, añadió.El Gobierno de la ultraderechista Giorgia Meloni había adoptado en abril pasado un proyecto de ley denominado "eco-vandalismo" con multas de entre 20.000 y 60.000 euros, además de sanciones penales, para quien "destruya, disperse, deteriore, desfigure, pintarrajee o use ilegalmente" de forma "total o parcial bienes culturales".La nueva ley también prevé sanciones administrativas de 10.000 a 40.000 euros para quien "desfigure o deteriore" estos bienes o los destine "a un uso perjudicial para su conservación" o "incompatible con su carácter histórico o artístico", según el texto divulgado por los medios locales."Vale la pena recordar, una vez más, que dañar el arte significa dañar también la naturaleza, porque debido a la antropización del paisaje, algunos lugares o monumentos se han convertido en parte integrante de nuestras ciudades" y la tarea del Estado "es preservar este recurso único y valioso que tenemos el deber de proteger y custodiar para las generaciones futuras”, dijo el ministro.Los fondos conseguidos con las multas para terminar con los actos de ecovandalismo se entregarán al ministerio italiano de Cultura para ser destinados a la "restauración del patrimonio".Por ejemplo, los 40.000 euros que costó, según la Superintendencia Especial de Roma, la restauración de la fachada del Senado tras ser embadurnada con pintura rosa ahora tendrán que ser abonados por los autores, ecologistas de 'Ultima Generazione' (Última Generación), que ha reivindicado numerosas protestas similares en otras ciudades italianas.Miembros de este grupo vertieron un tinte negro en la histórica fuente de la Barcaccia de la Plaza España de Roma, construida entre 1626 y 1629, y desplegaron una pancarta en la que exigían dejar de invertir en combustibles fósiles, y también arrojaron sopa a un cuadro de Van Gogh de una exposición temporal de Roma, entre otros actos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El monumento goza de buena salud, pero obviamente necesita una manutención continua, porque no debemos descuidarlo, aunque presenta buenas condiciones y una óptima situación de estabilidad", asegura a EFE la directora de este antiquísimo templo, Gabriella Musto.El Panteón es un lugar único, no solo por la geometría perfecta de su arquitectura, coronada con una cúpula todavía capaz de asombrar a los constructores modernos y con un "óculo" ideado como un inagotable "reloj solar", sino también porque ha logrado resistir a dos milenios de historia prácticamente igual a cómo lo veían los antiguos romanos.El edificio actual fue construido por el emperador Adriano entre los años 118 y 125 d.C, en el mismo emplazamiento donde siglos antes el cónsul Marco Vipsanio Agripa había levantado un templo consagrado a las siete divinidades planetarias por orden de Augusto.La erosión del turismo de masasDesde entonces, el Panteón ha sobrevivido al inexorable paso del tiempo, a guerras viejas y nuevas, a saqueos, reformas como los campanarios u "orejas de burro" que Bernini le puso en el siglo XVII y, en los últimos tiempos, al turismo de masas.Por ello, para asegurar su conservación, desde hace un año Musto dirige un programa de restauración que ya ha arreglado el gigantesco portón de bronce original de época "adriánea", asegurando algunas partes de las bisagras que corrían "el riesgo de romperse".Ahora, la atención se centra en su pavimento de mármol, que visto desde las alturas se extiende como un gigantesco mosaico formado por grandes cuadros y círculos de diferentes colores, las figuras que dominan todo el edificio.El mármol que los romanos usaron para su suelo es de altísima calidad, traído en barco desde Asia Menor o Egipto, como el pórfido rojo, el 'giallo antico', de tono amarillento, o el 'pavonazzetto', codiciado por los antiguos por sus vetas marrones y púrpuras.Pero, pese a la excelencia de este material, la directora sostiene que el trasiego de personas ha generado "corrosiones y rupturas" que deben ser arregladas. Primero para su conservación, pero también para evitar baches y tropiezos entre sus visitantes.En busca de imperfeccionesEl restaurador Emanuele Marconi pasa la mañana de rodillas buscando entre las grietas restos de suciedad, que retira pacientemente con un pequeño aspirador, mientras algunos turistas lo observan desde el otro lado del redil que le protege.Una vez limpias estas hendiduras de la piedra, las rellena con una resina o mortero pigmentado con un color similar pero no igual, para que los expertos del futuro puedan identificar las partes originales. Toda las intervenciones son reversibles, apunta Musto.Por otro lado, también se está restaurando un antiquísimo icono mariano de madera -'Odighitria' o 'Virgen que indica el camino'- que se cree que llegó al Panteón en el año 609 d.C, cuando el emperador bizantino Foca se lo regaló al papa Bonifacio IV, que convirtió el edificio en la actual iglesia de "Santa María ad Martyres".Además, pronto se emprenderá la adecuación de la parte trasera de templo, el 'lapidarium' y los restos de la antigua Basílica de Neptuno, para abrirse al público.Porque el Panteón está cambiando su forma de ofrecerse al turismo y el pasado julio dejó de ser gratis, cobrando 5 euros por entrada (excepto si se va a misa).La iniciativa, del ministro de Cultura Gennaro Sangiuliano, recaudó 5,3 millones de euros, gracias a los 1,4 millones de visitantes hasta noviembre, un monto que servirá para mantener el edificio a punto y para otros fines (se han destinado cientos de miles de euros a afrontar el aluvión de Emilia-Romagna).El Panteón, el "vestigio más bello de la Antigüedad romana", como lo ensalzó Stendhal, ejemplo sublime de proporción, es el testimonio más antiguo y mejor conservado de la gloria pretérita de la capital, que resuena desde las alturas de su extraordinaria cúpula.Por eso, todos los esfuerzos de su dirección están dirigidos a proteger este prodigio milenario de la arquitectura, para que siga siendo un testigo impertérrito de todos los avatares que la historia reserve a la Ciudad Eterna del futuro.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El monumento será inaugurado por el primer ministro griego, Kyriakos Mitsotakis, informó este jueves el Ministerio de Cultura en un comunicado.La construcción del Palacio de Egas, como se llamaba en la antigüedad Vergina, empezó a mediados del siglo IV a.C. y fue completada en 336 a.C., como parte de un plan de modernización de la metrópoli llevado a cabo por Filipo II de Macedonia.Con unos 15.000 metros cuadrados, el recinto palaciego es la construcción más amplia de la antigua Grecia.Su gran peristilo (patio rodeado de columnas), de 4.000 metros cuadrados y con capacidad para albergar al menos a 8.000 personas, cuenta con 16 columnas a cada lado y es el sitio donde Alejandro Magno fue proclamado rey de los macedonios, en 336 a.C, tras el asesinato de su padre ese mismo año.Los restos del enorme recinto palaciego fueron recuperados poco a poco por varias generaciones de arqueólogos en excavaciones llevadas a cabo entre 1865 y 1960.En 2007 se inició un amplio programa de mantenimiento y restauración del sitio que, con un presupuesto de 20,3 millones de euros, concluyó el año pasado.Los trabajos efectuados abarcan desde la excavación y registro sistemático de todos los hallazgos, entre ellos varias decenas de miles de "elementos arquitectónicos de piedra", hasta "la restauración estética de los mosaicos y de las incrustaciones de mármol", precisa la nota.También se recompusieron pisos, cimientos y columnatas, así como restos de un monumental propilón (especie de puerta), impresionantes arcadas de dos pisos, un santuario, varios patios y hasta una biblioteca en la que se guardaban archivos.El palacio se encuentra a pocos kilómetros del Museo de Vergina, donde yacen los restos Filipo en una tumba.En su reinado (382-336 a.C.), Macedonia se expandió hacia el sur de Grecia, pero fue su hijo, Alejandro (356-323 a.C.), quien logró convertir el reino en imperio, derrotando a egipcios y persas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Lo que tengo que decir es que la reunificación de las esculturas del Partenón es una reivindicación que se basa no sólo en la historia, no sólo en la justicia, sino que también es una reivindicación de valores culturales ecuménicos”, afirmó Gerapetritis ante la prensa a su llegada a una reunión de ministros de Exteriores de la OTAN en Bruselas.Gerapetritis, que mencionó un encuentro en los márgenes de la cita de la OTAN con el titular británico de Exteriores, David Cameron, incidió en que “debemos trabajar de forma bilateral con el Reino Unido”.“Vamos a servir a este propósito en el futuro para profundizar en esta larga historia que tenemos las dos naciones”, concluyó.Grecia ha considerado una falta de respeto que Sunak cancelara el martes una reunión prevista con Mitsotakis, que se encontraba de visita en Londres.Según un portavoz de Downing Street, Sunak consideró que no sería "productivo" celebrar el encuentro con Mitsotakis después de que éste utilizara una entrevista con la BBC para abogar por la devolución de los fragmentos del friso del Partenón que se encuentran en el Museo Británico.Mitsotakis había declarado el pasado domingo a un programa de la cadena pública BBC que los Mármoles del Partenón "pertenecen a Grecia" y "fueron esencialmente robados", para añadir que no se trata de "una cuestión de propiedad, sino un argumento para su reunificación" en Atenas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los dos textos fueron adoptados en apenas unos minutos y fueron discutidos conjuntamente pese a ser dos patrimonios diferentes, al ser "un asunto delicado", según dijo el país anfitrión, Arabia Saudí.La delegación de Rusia, miembro del comité de la Unesco, intervino y quiso distanciarse del informe aprobado, sobre todo por el lenguaje utilizado que "no se alinea con las guías de la convención" de la Unesco, y apoyó la decisión de inscribir los dos sitios en el listado de patrimonio en peligro.Por otro lado, la delegación ucraniana señaló que los dos patrimonios no están en las condiciones óptimas para "garantizar los valores universales de la propiedad" debido a los bombardeos rusos contra los sitios."Espero que algún día cada niño del país conozca los sitios culturales, pero la realidad es que ahora cada niño sabe los nombres de cada aeropuerto militar ruso, de cada misil y de cuánto tiempo tarda en alcanzar nuestras ciudades", dijo la delegación ucraniana en su intervención antes de cerrar el examen de los dos sitios.Amenaza de destrucción por la ofensiva rusaLa Unesco señaló que la inscripción de estos dos sitios se deben a "la amenaza de destrucción vinculada a la ofensiva rusa y el comité consideró que "ya no se reúnen las condiciones óptimas para garantizar plenamente la protección del Valor Universal Excepcional del bien y que está amenazado por un peligro potencial debido a la guerra".Frente al riesgo de ataque directo, estos sitios son también vulnerables a las ondas expansivas producidas por los bombardeos de las dos ciudades, recordó el comité, quien también tomó nota de las "numerosas medidas adoptadas por las autoridades ucranianas para proteger sus bienes culturales".Asimismo, aseveró que inclusión en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro es un recordatorio a los 195 Estados Partes en la Convención de que es su responsabilidad "garantizar y contribuir a la protección de estos sitios". Esta inclusión también les da derecho a recibir asistencia financiera y técnica adicional para aplicar nuevas medidas de emergencia en el sitio.Más de dos décadas como patrimonio mundial Ambos bienes forman parte de la lista del Patrimonio Mundial de la Unesco, en el caso de Santa Sofía desde 1990 y en el del centro de Leópolis desde 1998. El pasado 7 de septiembre, la Unesco acordó otorgar una "protección reforzada provisional" a una veintena de bienes culturales ucranianos, entre ellos estos dos.La Catedral de Santa Sofía de Kiev, situada en el casco antiguo de la capital de Ucrania, es considerada desde 2007 una de la Siete Maravillas de Ucrania y está rodeada de edificios monásticos de estilo barroco ucraniano de los siglos XVII y XVIII que a menudo acogen exposiciones y otros actos culturales.Fue construida a principios del siglo XI y recibió el nombre de Santa Sofía (sagrada sabiduría) se cree que a imagen de la catedral de la antigua Constantinopla, en la actualidad Estambul.De estilo bizantino y construida con grandes piedras naturales en granito y cuarcita rosa, Santa Sofía está presidida por el campanario de color azul suave que da entrada al complejo, coronado por trece cúpulas doradas. El interior del templo aloja 260 metros cuadrados de mosaicos y tres mil de frescos del siglo XI.Desde febrero de 2022 la catedral de Santa Sofía es testigo de la invasión rusa de Ucrania y poco después, Kiev pidió a Rusia, ante la Santa Sede, que no destruyera la catedral. Por otro lado, el conjunto histórico de Leópolis se extiende por la parte medieval de la ciudad y el área protegida abarca aproximadamente 3.000 hectáreas.Su centro alberga varias catedrales medievales y otros edificios con elementos góticos, renacentistas, barrocos y de la Secesión, preservados durante las guerras mundiales, y entre sus edificios más visitados destacan la catedral de San Jorge, el Teatro de la Ópera y Ballet o el cementerio de Lychakiv.El pasado julio, el centro histórico de Leópolis fue objetivo de un ataque ruso, el primero que se producía en una zona protegida por la Convención del Patrimonio Mundial desde el estallido de la guerra en febrero de 2022.De esta manera, Ucrania suma tres bienes en el listado en peligro de la Unesco, después de que el pasado enero se incluyera el centro histórico de Odesa por la guerra.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.