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10 grandes álbumes que cumplen 50 años

Era 1971 y el mundo sufría grandes cambios: muere Jim Morrison, quiebra Rolls Royce, condenan a Charles Manson, George Harrison celebró su Concierto para Bangladesh y se ponen de moda los famosos shorts. Aquí recordamos 10 grandes álbumes que cumplen 50 años.

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What's Going On - Marvin Gaye [Tamla Records]

¿Cómo convertir la tragedia en triunfo? ¿Cómo ser una estrella negra en un país racista y segregado? ¿Y cómo revolucionar la música soul al mismo tiempo? La respuesta es sencilla: siendo Marvin Gaye. Afectado por la muerte de la cantante Tammi Terrell, dominado por las drogas y ansioso por hacer evolucionar el estilo que le había hecho famoso, la salvación residía en su extraordinario talento. What's Going On? es un álbum que fluye entre las olas del góspel y el jazz, estallando en Mercy, Mercy Me (The Ecology) y concluye con una inquietante Inner City Blues (Make Me Wanna Holler).

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Salvo Smokey Robinson, que lo considera el mejor disco de todos los tiempos, la Motown, casa disquera a la que pertenecía Gaye, no comprendía cómo una suite musical repleta de una sobrecarga política podría convertirse en una serie de éxitos. Su sonido es innovador. Es una evolución natural de las letras edulcoradas de You're All I Nedd To Get By y del minimalismo sofisticado de I Heard It Through The Grapevine. Con tres sencillos en los 10 primeros puestos de las listas y tres décadas de ventas justificaron la amenaza de Gaye de no grabar nada más para Motown hasta que el disco fuera publicado. Hoy se constituye como una de las piedras angulares de la música contemporánea.

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Who's Next - The Who [Track Records]

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Con teclados dispersos, desarrollos de guitarra y letras poéticas, un álbum de The Who no parecía sonar muy prometedor para aquel entonces. Sin embargo, el disco es el más vendido de la banda hasta la fecha y según Pete Townshend, el mejor. Creyendo que iba a ser la continuación de Tommy, su éxito conceptual, la portada de este trabajo musical aspiraba a burlarse del famoso monolito de 2001: una odisea del espacio. Sin embargo, fue un álbum que incluyó canciones que no relataron ninguna historia.

El set de grabación que ya completa medio siglo de publicado por la disquera Track, incluye uno de los mejores himnos del rock de todos los tiempos: Baba O'Riley, una mezcla sublime de sintetizadores y de guitarras electrizantes con una descarga final con aires celtas. A él le siguen Behind Blue Eyes, un ejemplo de autenticidad y Won't Get Fooled Again, una pieza sencillamente enorme. Esta exitosa triada, que formó parte de la presentación de la banda en el Madison Square Garden el 20 de octubre de 2001 con motivo de los atentados del 11 de septiembre, fue recibida con ovaciones y aplausos, hecho que demostró que con el tiempo, el álbum han añejado suficientemente bien.

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Tapestry - Carole King [Ode Records]

Luego de entronarse en el panteón musical como una de las compositoras más prolíficas de su generación (al lado de Gerry Goffin, su esposo por aquel entonces), Carole King se reinventó de manera drástica como una estrella en solitario con esta obra fundamental en la historia del pop: Tapestry. Constituyó un álbum emotivo, con una portada prolija y casera, reflejada también en el estilo de la producción y los sobrios arreglos diseñados por el director artístico Roland Young y el productor Lou Adler.

Su voz aterciopelada, es a la vez camaleónica: pasa de sonar estridente e intensa en I Fell The Earth Move, a ser melancólica en So Far Away y Home Again. Otros cortes como Will You Still Love Me Tomorrow? y You Make Me Feel Like (A Natural Woman) -ambas coescritas con Goffin-, ya habían sido interpretadas y hechas un hit en las voces de las Shirelles y Aretha Franklin. La calidad del álbum no se hizo esperar: It's Too Late le proporcionó a King un No. 1 en los EE.UU. y se coronó durante 15 semanas consecutivas, vendiendo más de 15 millones de copias alrededor del mundo.

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Shaft - Isaac Hayes [Stax Records]

Aunque la cinta Cotton Comes To Harlem se estrenó primero, Shaft se convirtió indiscutiblemente en la precursora del cine blaxploitation a comienzos de la década de 1970. Sin embargo, su banda sonora sigue logrando que la cinta sea uno de los íconos más destacados de 1971. Para Isaac Hayes, compositor, productor y arreglista de la trama musical, Shaft significó el logro más reconocido de su carrera, a pesar de haber escrito más de 200 canciones exitosas junto a Dave Porter para Motown, la casa matriz.

Grabado en los estudios de Stax, con los Bar-Kays marcando el ritmo y The Memphis Strings and Horns interpretando una tórrida orquestación, la banda sonora de esta película, tan sofisticada, es una muestra sofisticada del conocimiento musical de Hayes y que configuró el sonido de Memphis. Un soul arrogante y sinfónico empalmado con platillos seseantes e hipnóticos corona este álbum. El resto del álbum supone el triunfo del lounge con exuberantes orquestaciones jazzísticas. Shaft se disparó rápidamente en lo más alto de las listas proporcionándole a Hayes su único No. 1 y concediéndole el Premio Oscar a la mejor banda sonora de ese año.

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Sticky Fingers - The Rolling Stones [Rolling Stones Records]

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Sticky Fingers fue el primer disco de larga duración que los Stones lanzaron en su propio sello musical, el primero en el que figuró el célebre logo de la lengua y los labios diseñado por John Pasche y el primero de su larga carrera musical en alcanzar el No. 1 en las listas estadounidenses y británicas al mismo tiempo. El álbum incluye Brown Sugar, Wild Horses y You Gotta Move, piezas suaves en una entremezcla de blues y country, al mejor estilo sureño grabadas en un set de 1969. Las demás sesiones tuvieron lugar en un estudio móvil que se desplazó hasta Stargroves, donde se ubicaba la casa campestre de Jagger.

El épico riff de guitarra de Brown Sugar se alza como un irresistible hit mundial que se entrelaza con el saxofón de Bobby Keyes y las trompetas de Jim Price (influídos por la música de Otis Redding y James Brown). La sección de vientos viene luego en I Got The Blues, donde además Billy Preston incluye un órgano inspirado en notas de góspel, como queriendo llevar a los oyentes al cielo, a pesar de tener demasiadas referencias explícitas a las drogas, como Sister Morphine. Entre otros temas que brillan en Sticky Fingers, se destaca con luz propia el solo de guitarra de Mick Taylor en Can't You Hear Me Knocking.

Por otro lado, el verdadero protagonista de la portada del álbum es Joe Dallesandro, un personaje completamente ajeno a los Stones que era un actor y modelo habitual de Andy Warhol, la mente creativa que estuvo en la dirección de arte del álbum que se convirtió en una auténtica pieza de verdadero ingenio y de provocación de masas.

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Imagine - John Lennon [Apple Records]

Producido por Phil Spector en el estudio que Lennon había construido en su mansión inglesa de Tittenhurst, Imagine se inmortalizó con una canción gracias a la cual el mundo recuerda un himno de confianza en la humanidad y la posibilidad de vivir en un mundo mejor frente a una realidad desesperada. Era el soplo de utopía que el ahora ex Beatle necesitaba. Un ápice de esperanza que se convertiría en un enorme éxito que llegó a los primeros lugares a ambos lados del Atlántico y que a su vez coincidió con su mudanza a Estados Unidos de la mano de su esposa Yoko.

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El álbum, además de ofrecer dos de las canciones románticas más memorables de la carrera de Lennon, Oh My Love y Jealous Guy, presenta una ración de rock and roll puro y crudo, como en Gimme Some Truth y en la diatriba contra McCartney, How Do You Sleep? La incidencia de Yoko así como la producción orquestal de Spector, hacen de Imagine el disco mejor logrado y equilibrado de su carrera en solitario que refleja a un hombre sensible pero a la vez agresivo, y que aunque introspectivo, es socialmente concienciado.

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American Pie - Don McLean [EMI Records]

El 03 de febrero de 1959, el día en que Buddy Holly murió en un accidente de aviación, Don McLean tenía apenas trece años y era repartidor de periódicos. Los titules que leyó mientras era voceador, plantaron la semilla de su canción más importante, una epopeya de ocho minutos que se encumbró como una elegía sesentera en las listas de Estados Unidos y que le valieron referencias con Bob Dylan, Mick Jagger e incluso, The Beatles.

Sin embargo, el tema ha eclipsado de manera injusta a otros temas que incluyen este trabajo, como Vincent, el segundo sencillo del álbum que alcanzó el primer lugar en el Reino Unido para 1972. Inspirada también en una figura legendaria, el pintor holandés Vincent van Gogh, cuya búsqueda de la perfección le llevaron a mutilarse una oreja. O tal es el caso de Crossroads, una canción tan notable que merecía una mayor atención de la crítica. No obstante, a pesar de que el éxito de este álbum haya sido inspirado por un gigante del rock and roll, los orígenes de su estilo se hayan en el folk, pues McLean ya había trabajado con Peter Seeger.

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Led Zeppelin IV - Led Zeppelin [Atlantic Records]

Con la responsabilidad a cuestas de dos generaciones de fans, Led Zeppelin IV es el álbum que mejor ha definido el Hard Rock y el Heavy Metal. La grabación, que se nutría de la música folk, el blues, el rock and roll e incluso de restos de la otrora era psicodélica, encerraba una mística que además de acrecentarse por su portada en la que no aparecía ni el título ni el nombre de la banda, IV era un álbum lleno de ampulosas pretensiones. De ahí a que el álbum recibiera varias denominaciones como Zoso, por las referencias rúnicas que tenía.

Aunque su predecesor, el eminentemente acústico III, era una obra modesta y sobria, IV revela un grupo indulgente y lleno de pompa que expondría el sonido del Heavy Metal al ridículo, tanto que en 1976, su estilo sería sustituido por la cultura punk. Temas como Black Dog y Rock And Roll se hallaban acompañadas por meditaciones más espirituales como Misty Mountain Hope y Going To California. Entretanto, Starway To Heaven reveló la creciente obsesión de la banda por el ocultismo, por la religión y la mitología inglesa. El álbum y los feroces solos de guitarra de Jimmy Page influirían a bandas venideras como Aerosmith, Metallica y Guns N' Roses.

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Hunky Dory - David Bowie [RCA Victor]

Publicado el 17 de diciembre de 1971, Hunky Dory constituyó el cuarto lanzamiento en la carrera musical de un entonces camaleónico David Bowie que había tocado las estrellas como el Major Tom a bordo en su primer trabajo, Space Oddity. Pero esta vez, según el mismo Bowie, sería el primer trabajo que le daría un gran reconocimiento proporcionándole a la vez una audiencia real y duradera. Y no es para menos, es quizás el álbum más humano de su copiosa producción artística, desprovisto de todo tipo de excentricidades acústicas y sin tributos a héroes surreales.

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Se cuenta que Bowie llegó a la sesión de fotografía de la portada abrazado a un álbum de fotos de Marlene Dietrich. De allí la idea original de una croma rosácea que reflejaba a través del arte del disco, una reina del cine en decadencia encarnada por el artista. De esta sesión se desprende Life On Mars?, que esconde una historia particular: para 1968, Bowie escribió la letra de la canción Even A Fool Learns To Love, a partir de la memorable Comme d'habitude, compuesta por Claude François y Jacques Revaux. Sin embargo, aunque la versión de Bowie nunca fue publicada, Paul Anka compró los derechos de la versión original en francés y la reescribió al inglés como My Way, un tema que se popularizó en la voz de Frank Sinatra y cuyo éxito, llevó a Bowie a parodiarla, dando así origen al tema más recordado de este trabajo artístico que cumple medio siglo.

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Maggot Brain - Funkadelic [Westbound Records]

Primero, en la portada, la cabeza de una mujer que se asoma de entre la tierra, mientras que en las notas del revestimiento interior del álbum figuran citas de la Iglesia del Proceso del Juicio Final. Luego, la música, valiente y atrevida que mezcla muy bien lo estremecedor de las letras con una partitura casi demencial y espeluznante. "La gente decía: no puedes hacer cosas así en un disco", explicó en una entrevista George Clinton. "Puedes apostar tu culo a que sí", les respondía.

Grabado en los estudios de Universal en Detroit entre diciembre de 1970 y febrero de 1971, es un polifacético álbum que se concibe en diferentes perspectivas: desde la influencia góspel en Can You Get To That, un vibrante sonido funk en Super Stupid, el mensaje antirracista en You And Your Folks, Me And My Folks y hasta las historias que reflejaron las traumáticas consecuencias de la guerra de Vietnam en War of Armageddon. Sin embargo, la fuerza contundente de este trabajo, reside en el corte que le da título al álbum. Se habla de un mito en el cual Clinton halló el cadáver de su hermano en estado de descomposición, con el cráneo roto. De ahí el gusano roto que nombra el título. Según cuenta el propio Clinton, le pidió al guitarrista Eddie Hazel que tocara "como si tu madre acabara de morir". Hazel, por supuesto, brindó un quejumbroso y espectral solo de nueve minutos que acabaría por eclipsar todo lo que hasta ahora la banda había logrado. Y lo que vendría.