Charles Gounod (1818 - 1893) fue uno de los compositores más respetados y aclamados del siglo XIX en Francia, y por supuesto, en el resto de Europa, principalmente por su adaptación de "Fausto" de Goethe, en un periodo donde la cultura alemana (especialmente la música académica donde jugó un papel primordial la figura de Wagner) influenciaría al continente. Esta ópera de cinco actos con libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, se estrenó en el Théâtre Lyrique en París el 19 de marzo de 1859, tras habérsele cerrado las puertas en el Teatro de la Ópera Nacional tras ser considerada demasiado intrascendente para el publico en general. Incluso, esta fecha de estreno estuvo condicionada por Léon Carvalho, gerente del teatro, quien puso como condición que su esposa Marie Miolan-Carvalho, interpretara el personaje principal de Marguerite, además de suprimir deliberadamente partes de la obra. La ópera se desarrolla en Alemania en el siglo XVI, siendo bastante fiel a la primera parte de Fausto. Incluso, debido a esto, y a que no fue valorada en Alemania, allí la ópera la llaman Marguerite, quien es la protagonista, justamente de la primera parte de la historia. En ella, la acción empieza cuando el diablo decide seducir al erudito Fausto, que por su perseverancia y largos estudios ha alcanzado casi el límite del saber humano. Fausto, cansado de la vida y convencido de la inutilidad de su gran saber, resuelve, después de haber consagrado su existencia entera a investigar la verdad y procurar el progreso y bienestar del hombre, poner fin a sus días.En el momento de beber el veneno, se detiene y vacila. Escucha los coros matutinos de las muchachas alegres y los cánticos joviales de los campesinos al dirigirse a los campos. Las alabanzas que dirigen a Dios sobrecogen su espíritu. Pero está decidido al suicidio. El diablo aparece inmediatamente, bajo la forma de Mefistófeles, un demonio elegante, cortés y burlón. Propone a Fausto que haga un pacto con él. A cambio de riqueza, gloria, poder, todo lo que apetezca, Fausto deberá simplemente renunciar a su alma.El viejo filósofo, despreciando el oro y el poder, escoge la juventud, ¡solamente la juventud!, exclama. Como Fausto vacila en firmar el pacto, el demonio hace aparecer la imagen de la hermosa Margarita. Al contemplar la bella visión, Fausto acerca la pluma al pergamino, en el cual queda estampada su firma con letras de fuego. Bebe de la copa que le entregó Mefistófeles, y queda transformado en joven y elegante caballero. Juntos desaparecen en busca de placeres mundanos. La historia desembocará según lo escrito por Johann Wolfgang von Goethe. La ópera no fue gratamente recibida. Sin embargo tras varias representaciones posteriores por varios países de Europa y finalmente de nuevo en Francia con cambios en su estructura como el cambio de los dialogos a piezas recitativas empezaría a adquirir fama. No obstante, no sería si no hasta 1869, con una nueva versión presentada por Gounod que llegaría a convertirse en uno de las obras más representadas de la historia, con distintas versiones en todo el mundo.Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Plácido Domingo, Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Thomas Allen, Michèle Command, Jocelyn Taillon, Marc Vento junto a los Coros del Teatro Nacional de la Opera de Paris dirigidos por Jean Laforge y la Orquesta del Teatro Nacional de la Opera de Paris dirigida por Georges Prêtre en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los interesados podrán acceder de forma gratuita a través del metaverso español Uttopion a la representación virtual, en la que les aguarda una réplica en tres dimensiones de la sala principal del teatro madrileño para interactuar por medio de sus avatares con el resto de asistentes como uno más en el patio de butacas, detalló en un comunicado.Como ventajas añadidas, se podrá acceder a diferentes contenidos multimedia, como vídeos, entrevistas con artistas o personal técnico, y a un chat en el que se comentarán fragmentos de la ópera en tiempo real y se dialogará con los "metaespectadores".Esta iniciativa se inscribe en la aproximación de este espacio a la conocida como Generación Z, nacidos en las décadas de 1990 y 2000, con una producción, "La nariz", que además "se ajusta al universo libre, onírico y fantástico del metaverso, con un ritmo cinematográfico y una música iconoclasta y visionaria", subrayó.El pasado lunes se estrenó en el Teatro Real esta ópera satírica en tres actos que juega con el absurdo y que cuenta con una puesta en escena a la medida del irreverente director australiano Barrie Kosky, que incluye pedos, escupitajos, orgías, bailarines travestidos de señoras rusas en lencería o soldados ebrios en ropa interior.Una producción del Teatro Real en colaboración con la Royal Opera House de Londres, la Komische Oper de Berlín y Opera Australia, lugares donde fue aclamada por público y crítica, mientras que en Madrid los asistentes se dividieron entre los "bravo" y las carcajadas, los tibios aplausos o, en algunos casos, las deserciones.El Teatro Real, inaugurado en 1850, está situado en un edificio histórico el centro de la capital de España, es gestionado por una fundación pública y está reconocido como uno de los principales centros operísticos en Europa. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué cosas se pueden hacer en la panza de una ballena?, pregunta el protagonista de la obra, el actor Daniel Villamizar, mientras se mueve con agilidad a través de la cubierta de su barco “Kairós”, una escenografía inmersiva, que permite que el público se sumerja en una narración cargada de recuerdos, preguntas e historias del mar.Con esta pieza escénica que se sale de los estándares del teatro convencional, La Barca (Dg. 42a # 20 - 45), un nuevo espacio independiente y alternativo, ubicado en el corazón de la localidad de Teusaquillo en Bogotá abrió su programación cultural 2023, con funciones permanentes de jueves a sábado a partir de este 9 de marzo.“En Kairós, la casa se transforma en un barco. Queremos que el espectador habite el espacio de La Barca y este barco que también es protagonista de la obra, que se deje conducir por el actor a través de su historia, lo invitamos a vivir un viaje. Además, durante esta temporada también tendremos obras que se toman diferentes espacios de la casa, algunas inician en la calle, o se pueden ver a través de las ventanas, transforman el espacio, y brindan una mirada cercana y diferente. Piezas que reflexionan sobre los nuevos formatos, sobre la relación con el público y el espacio, que están haciendo una apuesta distinta desde la danza, el teatro, el video y la música”, comenta la directora Sofía Monsalve.En La Barca, destacan de sus propuestas, que son concebidas para espacios no convencionales, donde prima el encuentro íntimo entre el actor y el espectador, aprovechando la casa como un espacio multifuncional para hacer vivir el teatro de una nueva manera. Junto a "Kairós" en la programación de mazo y abril estará la obra La Reina, con la dirección de Lina Sierra y René Arriaga; una pieza interdisciplinar inspirada en el Reinado Popular del Bambuco y el Sanjuanero Huilense, la cual reconfigura el formato tradicional de dicha danza folclórica por medio de la construcción de universos oníricos y atemporales, que estará en temporada del 23 al 25 de marzo. Del 30 de marzo al 2 de abril llega Falsa fachada, un trabajo experimental sobre la identidad, con la particular mirada del director y dramaturgo Felipe Vergara, esta pieza es una especie de encuentro con lo desconocido que solo es posible cuando se cruza las márgenes de lo conocido.Por otro lado, Jared Ricaurte, el 7 de abril realiza el estreno nacional de la serie Gris, la historia de Grey y Carla, dos hermanas Testigos de Jehová que pasan sus días predicando la palabra de Dios. Una de ellas se enamora, sentimiento que desencadena una serie de sucesos catastróficos para su familia. Del 13 al 15 de marzo la compañía Espacio Paralus presenta Cero Neta Mario o las mil caras del adiós, pieza situada en los intersticios entre la danza, el performance y el teatro. Cierra la programación de esta temporada Sofia Monsalve, bajo la dirección de Ana Woolf con Candy Land del 20 al 22 de abril; un espectáculo de teatro basado en una composición de dramaturgia escénica donde la línea dramática combina textos, acciones e imágenes, que van contando retazos de la historia de una (¿o muchas?) mujer que recuerda, una y otra vez, ese momento en que “perdió la inocencia”. El espacio cultural además cuenta con una amplia oferta de talleres, franjas de entrenamiento, encuentros y más. Puede adquirir boletería para las obras con un valor de $35.000, en el Whatsapp: 315 6808350. Para más información de la programación cultural de La Barca puede consultarla en la página web www.teatrodelamemoria.com. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Dentro de la obra del compositor italiano Giuseppe Verdi, "Simón Boccanegra" está catalogada como la ópera número 20 de las 28 atribuidas al músico. Esta, fue compuesta después de “Las vísperas sicilianas” (1855) y posteriormente de las que son consideradas sus obras principales: la trilogía popular integrada por “Rigoletto” (1851), “El trovador” (1852) y “La traviata” (1853).La carrera de Verdi estuvo marcada por varios altibajos, aunque siempre gozó de buena popularidad y reputación. Ejemplo de ello fue el fracaso de precisamente "La traviata" en el Teatro La Fenice de Venecia, en la que incluyeron burlas del público que le produjeron una gran vergüenza al compositor. Tanto fue el impacto de esta situación que según los registros de correspondencia que existen de Verdi, esto determinó su abandono de la música para 1856. Sin embargo, para ese mismo año acordaría nuevamente con la dirección del Teatro La Fenice componer una nueva ópera. La elegida fue una obra de un viejo conocido de Verdi, el español Antonio García Gutiérrez, del cual ya había adaptado una pieza teatral para "El trovador". En esta ocasión fue “Simon Boccanegra”, que narraba la historia de un personaje en su camino a ser Duque de Génova en el siglo XIV.La ópera sería estrenada finalmente el 12 de marzo de 1857, siendo un nuevo fracaso para el compositor italiano. "Pienso que hice todo correctamente bien. Pero al parecer estoy equivocado” se registra en una de sus cartas de la época. Verdi incluso considero el estreno como un mayor fracaso que el ocurrido con "La traviata" años antes. Sin embargo, lo asumió de forma distinta y siguió, por fortuna para la historia componiendo. El argumento de Simón Boccanegra, como registra La Biblioteca de Asturias en su blog perteneciente a su taller literario y cultural inicia ambientada en Génova, a mediados del siglo XIV, donde "Paolo Albiani, miembro del partido popular genovés, enemigo de los patricios, está conspirando para que el próximo duque sea el ex corsario Simón Boccanegra, que siempre ha estado por los intereses de la república.Simón acepta con la esperanza de que así podrá arrancar de su cautiverio a la hija de Fiesco, de la que está enamorado, y con quien tuvo una hija, a raíz de los cual Fiesco la encerró para apartarla de Simón. Lo que no sabe Simón es que la hija de Fiesco ha muerto.Simón y Fiesco se encuentran. Simón ruega a Fiesco el perdón por sus antiguas ofensas, pero éste contesta que sólo podrá perdonarle si le entrega a su nieta, sin decirle que María, la amada de Simón y madre de la niña, ha muerto. Simón responde que no puede entregarle a su nieta porque ha desaparecido y no sabe su paradero. Fiesco se va y Simón logra entrar furtivamente al palacio. Grande es su impresión al ver allí muerta a su amada. Al volver nuevamente a la plaza, Paolo ha organizado ya la revuelta y Simón es proclamado duque". La historia, le daría una segunda oportunidad a la ópera. Más de tres décadas después, en la última etapa de Verdi quién estaba componiendo la música para "Otelo", considerada su penúltima ópera publicada, el editor Giulio Ricordi de la aclamada Casa Musical Ricordilogró una revisión de “Simón Boccanegra”. Esta nueva versión de la ópera se estrenó en La Scala de Milán, el 24 de marzo de 1881, siendo un gran éxito. Esta versión es la que se hizo popular y se ha mantenido en las representaciones hasta nuestros días. Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Piero Cappuccilli, Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, José Carreras, José Van Dam, Giovanni Foiani, Antonio Savastano, el Coro y Orquesta del Teatro Alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Dirigido por Xavier Villaverde, "María Casares, la mujer que vivió mil vidas" repasa la trayectoria de la que fue una de las grandes actrices europeas del siglo XX, hija de Santiago Casares Quiroga, jefe de Gobierno de la Segunda República española, y exiliada en Francia desde el comienzo de la guerra civil en 1936 y donde vivió hasta su muerte en 1996.Llegó a ser primera actriz de la Comedie Française, aunque fue durante los seis años al frente del Teatro Nacional Popular de Jean Vilar cuando interpretó a algunos de los personajes más importantes de su carrera, desde Lady Macbeth a Marie Tudor y también desarrolló una fructífera colaboración con el argentino Jorge Lavelli."Siempre he vivido en estado de urgencia", dice Casares al comienzo de la película, realizada a partir de extractos de sus memorias ("Residente privilegiada", 1980) y de una entrevista en profundidad en la televisión regional gallega, su región de procedencia.Arriesgada, fogosa y camaleónica, para Casares el teatro era su verdadera pasión. En sus memorias cuenta que a menudo hizo películas solo por dinero porque lo que le importaba de verdad era poder elegir libremente sus trabajos sobre las tablas. Aún así, en su filmografía destacan títulos como "Los niños del paraíso" (1945) de Marcel Carné, "Las damas del bosque de Bolonia" (1945) de Robert Bresson, y "Orfeo" (1959) de Jean Cocteau.Albert Camus, un encuentro crucial Nacida en La Coruña (noroeste) en 1922 en el seno de una familia atea, rica y republicana, Casares fue educada en un ambiente liberal y culto; se relacionó con personajes como los escritores Ramón María del Valle Inclán, Federico García Lorca, Rafael Alberti o la actriz Margarita Xirgu. En París se codeaba con los escritores Simone de Beauvoir, Jean Paul Sartre, Jean Genet o Antonin Artaud, y el pintor español Pablo Picasso. Pero sobre todo fue crucial su encuentro con Albert Camus, en 1944, en un París aún ocupado por los nazis.Según el documental, el comienzo de su relación de amantes coincidió con el desembarco aliado en Normandía, y tuvo una primera fase interrumpida cuando acabó la guerra y Camus se reunió en París con su mujer, hasta entonces en Argelia. Cuatro años después se reencontraron por casualidad y ya nada pudo separarlos. Una relación profunda, cómplice y abierta por ambas partes, de la que dan testimonio las más de 800 cartas que se escribieron, hasta la muerte de Camus en accidente automovilístico en 1960.Tras la etapa en el TNP y la muerte de Camus, atravesó una crisis y se marchó a Buenos Aires, donde interpretó por primera vez dos obras en español, "Yerma", de García Lorca, dirigida por Margerita Xirgu y "Divinas palabras" de Valle-Inclán. Después de esa etapa en Argentina, el coreógrafo Maurice Béjart la llamó para que trabajara con él en diversos espectáculos.El trauma de la guerra y el exilioXavier Villaverde rodó un corto en 1985 en una casa coruñesa sin saber que se trataba del hogar de Santiago Casares Quiroga, que en su día albergó una biblioteca de más de 20.000 volúmenes, quemada tras el golpe de Estado de 1936. Ahí comenzó su curiosidad por la figura de María Casares y con aquellas imágenes que grabó arranca el documental.La primera parte está dedicada a sus primeros años, marcados por el estallido de la Guerra Civil (1936-1939), siendo su padre jefe del Gobierno. En sus memorias recuerda que la primera noche, tras el anuncio del alzamiento del general Francisco Franco, fue la peor de su vida. A los 13 años huyó, junto a su madre, a París. Su padre se reunió con ellas más tarde, pero en 1940, con la ocupación nazi de Francia, huyó a Inglaterra donde permaneció hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.María Casares no regresaría a España hasta 1976 para participar en un montaje de "El adefesio" de Alberti, pero aquel regreso le supuso, asegura, una sensación de "vacío", un "desajuste", por toda aquella algarabía de libertad que le resultaba ajena.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Giuseppe Verdi es una de las cumbres del romanticismo italiano. Dentro de su repertorio encontramos varias óperas consideradas dentro de las mejores de la historia, entre ellas, La Traviata que hace parte de su aclamada trilogía popular que completa Rigoletto y El Trovador. El estreno de la ópera fue el 6 de marzo de 1853, siendo considerado uno de los mayores y estrepitosos fracasos de la ópera, y por supuesto, el mayor de la carrera de Verdi. Tras su estreno, el compositor le escribiría en una famosa carta a un amigo “La Traviata fracasó anoche. ¿Fue culpa mía o de los cantantes? El tiempo dirá”. Sin embargo, el tiempo solo reveló algo que había sido evidente en otras ocasiones, la genialidad musical del italiano. Es posible rastrear los orígenes de la historia de La Traviata hasta la vida de una figura histórica: la cortesana Marie Duplessis, que murió de tisis en 1847. Poco antes de su muerte, Duplessis tuvo un breve amorío con Alejandro Dumas (hijo), quien transformó esa historia personal en una novela semiautobiográfica, La dama de las camelias, publicada en 1848. Junto al libretista Francesco Maria Piave, Verdi crearía uno de los dramas más realistas de su carrera.La ópera inicia como bien describe la Met Opera en su folleto informativo en la Casa de Violetta Valéry en París una cortesana de clase alta, que organiza una fiesta luego de recuperarse de una larga enfermedad. Los invitados llenan el salón y algunos de ellos se preguntan si la anfitriona está en condiciones de beber la champaña que ofrece. Cuando le presentan al joven Alfredo Germont, Violetta se sorprende al descubrir que Alfredo visitó su casa todos los días durante su convalecencia, un gesto de cortesía que no tuvo ni siquiera su benefactor, el barón Douphol. A pedido de Violetta, Alfredo guía a la multitud en una canción para beber.Violetta invita a los presentes al salón de baile, pero está muy débil para acompañarlos. Alfredo se queda con ella y le pregunta sobre su salud, y luego le declara su amor. La mujer trata de reaccionar con humor, pero Alfredo se mantiene firme y asegura que, si ella no habla de amor, él deberá irse. Intrigada, Violetta le entrega una camelia. Le dice que él deberá devolvérsela cuando se marchite. Alfredo se va, deleitado.Una vez sola, Violetta considera la posibilidad de hallar ese amor verdadero del que hablaba Alfredo. Luego, lo escucha cantar al pie de su ventana motivado por la pasión que siente, pero la joven concluye que es una locura: debe olvidarlo y seguir viviendo, día a día, solo para el placer. La historia desbordará los conceptos de amor y romance en todas sus dimensiones, teniendo la tragedia como punto central.Como cita Verónica Maynés en su artículo Historia de la Ópera XII. El papel crucial de Verdi (I), "la ópera no fue bien acogida en su primera representación; a una interpretación mediocre se unió el sentimiento de unos espectadores que se vieron retratados en una historia que criticaba los prejuicios de una sociedad hipócrita cuyos vicios no eran menores que los de la protagonista". No sería sino hasta varios años después, cerca de las últimas décadas de fin del siglo XIX que las representaciones se acogerían a los libretos, sin necesidad de ajustarse a la censura, sumado a la utilización de actores de talla para los personajes, que la ópera de Verdi ajustó su lugar en la historia, siendo en la actualidad una de las obras más recurrentes en ser representada.Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Joan Sutherland, Luciano Pavarotti, Matteo Manuguerra, Della Jones, Marjon Lambriks, Alexander Oliver, Jonathan Summers, John Tomlinson, Giorgio Tadeo, Ubaldo Gardini, William Elvin, David Wilson-Johnson, el Coro de la Opera de Londres dirigido por Terry Edward y la Orquesta Filarmónica Nacional bajo la dirección de Richard Bonynge en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su batalla se libra en el frente legislativo, pero también en manifestaciones, algunas veces violentas. En el centro de la protesta están las "Drag Queen Story Hour", lecturas para niños con un concepto bastante simple. El único rasgo original es que los narradores son artistas -a menudo de género masculino- que adoptan códigos exagerados de feminidad utilizando pelucas, vestidos brillantes, tacones de aguja y maquillaje.La idea dista mucho de ser incongruente en un país en el que esta práctica se ha generalizado, en parte gracias al éxito del concurso televisivo "RuPaul's Drag Race"."Drag Queen Story Hour", puesto en marcha en 2015 en San Francisco, es sin embargo la pesadilla de la derecha, que lo considera, en el mejor de los casos, activismo y, en el peor, un espectáculo de carácter sexual, peligroso para la "inocencia de los niños".Este desacuerdo está a punto de convertirse en ley. La semana pasada, los legisladores de Tennessee aprobaron un proyecto de ley muy controvertido que restringiría severamente las actuaciones drag en lugares públicos o delante de niños.El senador republicano local Jack Johnson, promotor del proyecto de ley, jura que su único propósito es "proteger" a los más jóvenes. "Algunos espectáculos, películas y lugares no están pensados para niños", declaró en un comunicado.Si la ley es firmada por el gobernador, será la primera de esta ofensiva republicana contra los espectáculos de drag que finalmente se apruebe. Pero probablemente no será la última. Texas, Kansas o Arizona... en más de una decena de estados, legisladores han propuesto textos similares."Fabuloso"Blaine Conzatti, quien participó en la redacción de una ley sobre drag queens presentada el lunes en Idaho, está convencido de que estos espectáculos son necesariamente "de naturaleza sexual".Entran en la misma categoría que los "clubes de striptease" o la "pornografía", aseguró a la AFP Conzatti, presidente del grupo cristiano Idaho Family Policy Center. Conzatti es consciente de que forma parte de un movimiento nacional, que en su opinión se debe a la popularización de estos eventos."Hace diez años, ningún padre habría imaginado ver un espectáculo drag en público con niños presentes", afirma. Jonathan Hamilt, director de "Drag Queen Story Hour", considera que aunque el drag "tiene sus orígenes en la vida nocturna queer", tiene "muchos niveles" para diferentes edades.Hamilt fue la primera drag queen que participó en lecturas en Nueva York. "Cuando voy de drag, me siento más extrovertida, más divertida, más valiente", lo que "mejora la historia", cuenta a la AFP. "Y a los niños les encanta lo fabuloso y exagerado".Insultos y amenazasLa oposición a los espectáculos de drags a veces toma un cariz violento. En 2022, la organización de derechos LGBT+ GLAAD registró 141 protestas o amenazas contra los espectáculos de drags.El grupo de extrema derecha "Proud Boys" ataca regularmente estos eventos, enviando incluso manifestantes armados para intimidar a los espectadores, como ocurrió en Ohio en diciembre.A mediados de febrero, miembros del grupo, encapuchados, gritaron insultos homófobos a los padres que entraban en una biblioteca de los suburbios de Washington, según los medios de comunicación.En Nueva York, San Francisco y Texas se repiten las mismas escenas. Y, en respuesta, las contramanifestaciones se están generalizando. El pasado fin de semana, en Washington, manifestantes con paraguas arcoíris se apostaron a la entrada de una biblioteca, formando una colorida fila para proteger a los participantes que habían acudido a escuchar a las drag queens.Equipados con altavoces, hicieron sonar éxitos de Disney de "El Rey León" y "Encanto". Era una forma de recordarles que, para ellos, estos actos deben seguir siendo, ante todo, cosa de niños. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo presentó la agenda de "¡Bogotá es Francia: la Belle Époque!", el VI Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá, considerado uno de los más importantes a nivel mundial que le rendirá tributo al movimiento cultural que tuvo lugar en la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX, y que refleja tanto la riqueza creativa de una época en la que se gestaron importantes vanguardias artísticas como el sentimiento de una sociedad que pasaba por cambios históricos cruciales.El festival que se realizará del del 5 al 8 de abril tendrá 44 funciones (41 conciertos y tres funciones de Ballet), con obras de más de 50 compositores y compositoras en los que se incluye Claude Debussy, Maurice Ravel, Erik Satie, Cécile Chaminade, Gabriel Faure y Lili Boulanger y nueve orquestas encabezada por la Orchestre des Champs Élysées de Francia, acompañada de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Medellín FILARMED, la Nueva Filarmonía, la Orquesta Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Filarmónica Joven de Colombia y la Sinfónica Javeriana.Además en los primeros diez años que cumplirá el festival, gestado tras la declaración de la UNESCO de Bogotá como Ciudad Creativa de la Música en 2012 siendo la primera ciudad latinoamericana en contar con ese título y realizando su primera edición ‘Bogotá es Beethoven’ en 2013 acercando la música clásica a nuevos públicos en Bogotá, tendrá para esta nueva edición ocho directores de orquesta invitados, en los que se incluye la británica Gabriella Teychenné, directora de la Orchestre des Champs Élysées; Joachim Gustafsson, de Suecia, director titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; Léo Warinsky, de Francia, director invitado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia; David Greilsammer, director de la Orquesta Filarmónica de Medellín FILARMED; Manuel López-Gómez, de Venezuela, director de la Orquesta Filarmónica Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; Adrián Chamorro, director de la Filarmónica Joven de Colombia; Ricardo Jaramillo, director de la Nueva Filarmonía y Luis Guillermo Vicaría, director de la Sinfónica Javeriana. También contará con la presencia de tres coros nacionales: El Coro de la Ópera de Colombia, la Sociedad Coral Santa Cecilia y la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá, diez agrupaciones de cámara, como el Cuarteto van Kuijk, estarán las agrupaciones colombianas Cuarteto Q-Arte, Dúo Rachmaninoff, el ensamble vocal 12 para las 8, Sinergia Ensamble de Percusión, Proyecto Modular, Cuarteto Peregrino, Trío Sin Fronteras, Dúo Valencia Vasco y Dúo Rojas Hernández y ocho cantantes como la alemana Ute Lemper, la soprano canadiense Karina Gauvin y el barítono estadounidense John Chest y los colombianos, Valeriano Lanchas, la soprano Betty Garcés, la mezzosoprano Andrea Niño, el tenor Juan Carlos Echeverry y el contratenor Asael Cuesta.El festival además tendrá 47 solitas en los que se destaca el pianista canadiense Marc-André Hamelin, el pianista alemán Daniel Heide, el pianista francés Alexandre Tharaud, la arpista austriaca Elisabeth Plank, la violinista española Leticia Moreno, la trompetista francesa Julia Boucaut, el violonchelista búlgaro Pavel Rusev, el pianista rusocolombiano Sergei Sichkov, la violinista estadounidense Mimi Jung, el violinista venezolano Douglas Isasis, el violonchelista estadounidense Frederick Hood, el violinista venezolano Eddie Cordero, la arpista francesa Aurélie Saraf y por Colombia, la maestra de piano Blanca Uribe, el violonchelista Santiago Cañón-Valencia y el pianista colomboaustriaco Sergio Posada.Programación gratuita del FestivalEl Festival que ha realizado 235 espectáculos, muchos de ellos gratuitos, en diferentes escenarios de Bogotá, buscando nuevas maneras de renovar el público para la música clásica sino que además propone una oferta asequible para el público gracias a una política de subsidio a los precios de toda la boletería para esta ocasión tendrá nueve conciertos gratuitos en siete escenarios de la ciudad. El Cuarteto Q-Arte, por ejemplo, presentará el 7 de abril a las 3:00 p.m. en la Biblioteca Pública El Tintal un concierto que conecta la música y la literatura de la Belle Époque, en el que varias obras de compositores como Ernest Chausson, Igor Stravinsky y Camille Saint-Säens acompañarán lecturas de obras de Víctor Hugo y Marcel Proust en la voz del actor Julián Díaz; la Filarmónica Joven de Colombia realizará el concierto ‘El espíritu de España’, con la violinista Leticia Moreno, en el Teatro El Ensueño, en Ciudad Bolívar, el 7 de abril a las 4:00 p.m., y el Cuarteto Van Kuijk, de Francia, ofrecerá un concierto el 8 de abril a las 3:00 p.m. en la Biblioteca Pública Virgilio Barco.Además de estos conciertos, la Schola Cantorum de la Catedral Primada de Bogotá se presentará en la Iglesia Inmaculada Concepción, de Suba, el 6 de abril a las 3:00 p.m.; el ensamble Proyecto Modular estará en el Teatro El Ensueño el 6 de abril a las 4:00 p.m., la arpista Martha Liliana Bonilla se presentará en el Auditorio Huitaca de la Alcaldía Mayor de Bogotá el 7 de abril a las a las 12:00 m.; el Trío Sin Fronteras estará el 8 de abril a las 11:00 a.m. en la Biblioteca Pública Julio Mario Santo Domingo; el Cuarteto Peregrino, el 8 de abril a las 3:00 p.m. en la Biblioteca Pública El Tunal, y el Dúo Valencia Vasco, el 8 de abril a las 4:00 p.m. en el Teatro El Ensueño.Otras actividades culturalesEn su compromiso por ofrecerle al público información de contexto que le permita disfrutar y comprender mejor las obras que se interpretarán, el Festival también organizará tres conversatorios con panelistas internacionales y un ciclo de conferencias previas que profundizarán en las obras y los compositores de la Belle Époque, así como en los aspectos históricos, sociales y culturales de este período.En cuanto a los conversatorios, el VI Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá contará con dos invitados destacados: el historiador y escritor alemán Philipp Blom, autor de libros como ‘Encyclopédie’ y ‘Años de vértigo’, y Jorge Chaminé, director del Centro Europeo de la Música. En el Teatro Estudio, Blom presentará el 6 de abril, a las 10:00 a.m., el conversatorio ‘Fin de siècle: años de vértigo’, junto a Yalilé Cardona, codirectora del Festival; y el 7 de abril, a las 10:00, el conversatorio ‘El retrato de un tiempo con cara de llano’, con el director general del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Ramiro Osorio. Además, Jorge Chaminé, presidente del Centro Europeo de la Música, conversará con Yalilé Cardona en el panel ‘La mujer artista en la Belle Époque en Francia’ el 8 de abril a las 10:00 a.m.El ciclo de conferencias comienza con ‘Del conservatorio al cabaret y de los grandes auditorios al café-concert: la explosiva escena artística de la Belle Époque’, un espacio digital disponible en www.festivalmusicaclasicadebogota.org en el que el musicólogo y profesor asociado de la Pontificia Universidad Javeriana, Luis Gabriel Mesa Martínez explicará cómo la música de la Belle Époque asumió desafíos estéticos que surgían tanto de la academia como de prácticas populares de la época.Luego, el 25 de marzo, en la Biblioteca Los Fundadores del Gimnasio Moderno, los periodistas culturales Luis Carlos Aljure y José Daniel Ramírez ofrecerán cuatroconferencias que exploran distintos enfoques de las obras de la Belle Époque. ‘El juego de España en la música francesa’, que explora la fascinación por la cultura tradicional de España que surgió en los círculos culturales franceses de finales del siglo XIX, y ‘Ravel: artesano del piano’, que profundiza en los dos conciertos para piano de Maurice Ravel, estarán a cargo de Luis Carlos Aljure, mientras que José Daniel Ramírez asumirá las conferencias ‘La mujer en la música en Francia’, sobre la obra de compositoras como Cécile Chaminade y Pauline García-Viardot y ‘La música para la escena en Francia’, un recorrido por la ópera francesa.El concierto inaugural del festival se realizará el 5 de abril a las 8:30 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, siendo una oportunidad para revivir la música de cabaret de la mano de una de las máximas exponentes de este género en el mundo: la cantante alemana Ute Lemper interpretará en su concierto ‘Días de París y noches de Berlín’ obras de Kurt Weill, Jacques Prévert y Georges Moustaki, algunas compuestas especialmente para Edith Piaf.En esta versión, además, el Festival se propuso destacar la obra de compositoras de la época como Lili Boulanger, Cécile Chaminade, Pauline Garcia-Viardot y Henriëtte Bosmans, mujeres que rompieron con el tabú de la época, que relegaba a las mujeres artistas a interpretar, y lograron crear importantes piezas musicales que estarán presentes en toda la programación distribuida en 16 escenarios de la ciudad. Para conocer toda la programación del festival y precios de boletería puede ingresar a la página web www.festivalmusicaclasicadebogota.org.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre putas... una voz es una creación escénica testimonial hecha de fragmentos de historias, confesiones personales, conversaciones y vivencias de tres mujeres que ejercen el trabajo sexual en distintas modalidades en la ciudad de Bogotá. Ellas narran partes de sus vidas y traen a escena las experiencias de otras mujeres; se toman el espacio para hablar desde sus presencias, gestos, cuerpos y voces. A la par, exponen sus posturas y reflexiones y abren el espacio de la interlocución con el público. Tras su éxito, regresan con nuevas historias en temporada a La Factoría Tino Fernández del 9 de marzo a al primero de abril.“Entre putas… una voz, reúne la voz sólida, cálida, denunciadora y sonora de tres mujeres a través de las experiencias vividas a lo largo de sus años plagados de esfuerzo, luchas, conflictos, dolores y risas de contento. Pero, sobre todo, que nunca se ven como víctimas. Más bien es un grito repetido por el reconocimiento y la libertad. Representan a miles de mujeres de nuestro país que, por razones de familia, machismo, brutalidad, humillaciones, ausencia de oportunidades son lanzadas a los campos y ciudades con una única maleta: jugársela cada día para sobrevivir y no perder la cordura, ni las ganas de superarse y siempre orgullosas de ser lo que son y lo que representan”, comentó sobre esta creación el crítico de teatro Gilberto Bello.Esta pieza escénica, está concebida en los límites entre lo performativo y lo teatral, para dar cabida a relatos testimoniales, a los lenguajes de la música y el video, y a espacios que evocan los lugares y los ambientes donde las tres mujeres intérpretes de sí mismas, ejercen la prostitución en Bogotá. No hay una única historia ni un argumento que se desarrolle, ya que la obra está en el límite entre el hecho artístico y la vida real. En Entre Putas... una voz, las protagonistas cuentan sus historias y abren una puerta para acercar al público a lo más elocuente, al testimonio de viva voz.La pieza surge de un encuentro personal, creativo y político. Donde los directores Adela Donadío y Leonardo Petro fueron invitados a esta creación por las trabajadoras sexuales Carolina Calle, nombre identitario de Emperatriz Oliveros, representante de Calle 7 Colombia, una organización de base comunitaria, promotora y defensora de derechos humanos bajo el enfoque diferencial; Jahira Quintero Rodríguez, persona con experiencia de vida transfemenina, licenciada en psicopedagogía con énfasis en asesoría educativa, coordinadora del área de pedagogía de la Fundación Grupo de Acción y Apoyo a Personas Trans GAAT; e Inés Durán. Ellos crean una dramaturgia escénica propia, después de muchas horas de conversaciones con ellas y de exploraciones teatrales, hasta llegar a este collage escénico compuesto por escenas callejeras, recuerdos, momentos dramáticos sobre la homofobia y la transfobia, relatos y conversaciones sobre los clientes, monólogos íntimos y un encuentro final con los espectadores.Puede adquirir su boletería para el evento en la página web de Lexplose con un precio de 38.000 pesos. Las funciones serán de jueves a sábado en el horario de las 7:30 p.m. en La Factoría Tino Fernández (Carrera 25 Nº 50 – 34). Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para su primera incursión en la dirección de una ópera, Sadat adapta el bestseller de su compatriota Khaled Hosseini, publicado en 2007, que describe el destino de dos mujeres cuyas vidas fueron marcadas por la represión de los talibanes en la década de 1990.Concebida inicialmente como una mirada a esta página oscura de la historia de Afganistán, esta ópera pasó a ser una obra realista cuando los fundamentalistas recuperaron el poder, en agosto de 2021. Su regreso transformó tanto el mundo de Sadat como el que ella quería evocar en el escenario.Los talibanes volvieron a controlar al detalle la vida de las mujeres, a pesar de haber prometido que esta vez gobernarían de manera diferente. "Cuando empecé me dije 'Tratemos de tener más elementos simbólicos y de alternar entre lo surrealista y lo real'", recuerda Sadat durante una entrevista con la AFP antes del estreno de la obra el 25 de febrero en Seattle, Washington (noroeste)."Para mí, el cambio no fue solo emocional. Afectó la forma en que veía la estructura de la ópera, y decidí que necesitaba recurrir a un mayor realismo y resaltar la realidad de la situación", desde los colores hasta el vestuario, pasando por el escenografía, señala.Sadat conoce muy de cerca esta situación por haber resistido a los talibanes cuando tomaron el poder por primera vez y las artes estaban severamente controladas. Cuando los fundamentalistas fueron derrocados, en 2001, ella se convirtió en una de las primeras cineastas afganas.En el corazón de sus películas, incluidas "Three dots" y "Letter to the President", están las mujeres y su perseverancia frente a la adversidad. Un tema que redescubrió en "Mil soles espléndidos" y que sigue explorando en la ópera del mismo nombre, que considera un relato de la resiliencia de las mujeres, "siempre las primeras en sufrir" los conflictos y la violencia política."Las mujeres son hoy las únicas que llevan a cabo una disidencia valiente en Afganistán", afirmó. "Aunque los talibanes las torturen, aunque las destierren, mantienen su voz". Con esta ópera, "llamamos a que se escuche esta voz", proclama.Una mezcla de tradiciones musicalesLa compositora Sheila Silver comenzó a trabajar en la obra hace casi quince años, tras haber encontrado en ella material para una ópera, con la profundidad de los personajes de Laila y Mariam y su vínculo forjado en medio de convulsiones políticas y familiares."La ópera es algo fuera de lo común, y ellas son fuera de lo común", dice. "Su resiliencia y amor mutuo las alimenta, y sobreviven gracias al poder de ese amor". Para su trabajo con el libretista Stephen Kitsakos, Sheila Silver ha combinado los usos occidentales de la ópera con los de la música de Afganistán.Estudió las tradiciones musicales indostaníes, "la música clásica de Afganistán", dice Silver, presente en el país desde el siglo XVI; e incorporó sus estructuras melódicas y armónicas. La ópera abre así con el violonchelo respondiendo al bansuri (una flauta de bambú), todo sobre fondo de un acorde prolongado que ubica al oyente, incluso sin recurrir al vestuario o la escenografía.En un espectáculo en el que las voces son todo, la consultora cultural afgana Humaira Ghilzai trabajó especialmente el lenguaje corporal, para no tener en el escenario "un montón de gente con vestidos afganos que hablan y caminan como occidentales", y ayudar a conducir al público a "un mundo diferente".Además de contribuir a varios eventos de la Ópera de Seattle que muestran la cultura y el arte afganos, ha buscado acercar a la comunidad afgana al escasamente conocido mundo de la ópera, algo que ella misma debió hacer, y alentar más "cruces de culturas".Ghilzai y Roya Sadat colaboraron para procurar que todo fuera más auténtico, dice, así como para llamar la atención sobre la situación "devastadora" que atraviesa el país del cual su familia huyó en 1979, durante otro capítulo violento de la historia nacional."Siento una gran responsabilidad con esta producción, porque el mundo ha desviado su atención de Afganistán", remarcó. Recuerde que puede conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Retiro convirtió sus zonas comunes en galerías de arte, con obras de 90 artistas el centro comercial estrena su segunda edición de esta muestra trayendo el arte al público de una manera única y dando a conocer el trabajo de artistas inugualables como Omar Rayo o Marcelo Wong. Los asistentes se encontrarán con distintas técnicas que identifican a cada uno de los artistas, por ejemplo, las obras del maestro Edgar Negret con dobleces, tuercas y tornillos; Hugo Zapata, Pez Barcelona, Tot Cat, Chicadania; artistas que han llevado su arte a festivales internacionales de Barcelona, Moscú, Bahamas y otros lugares del mundo. Por su parte MAMBO, El Museo de Arte Moderno de Bogotá, cumplió 60 años y para celebrarlo eligió al Retiro para exponer la colección Voz a Voz, un proyecto que nació de la pandemia donde artistas colombianos de diferentes generaciones crearon esta obra inédita que tiene como objetivo difundir reflexiones sobre el aislamiento, la soledad, la crisis social, entre otras temáticas contemporáneas.Algo a resaltar es lo maravilloso que es tener el arte cerca y poder disfrutarlo en otro contexto distinto al que ya se conoce, esta también es una oportunidad para descubrire artistas que no hayamos conocido antes.Aparte de exposiciones de arte contemporáneo y emergente, estará expuesta también la fotografía de moda de Santiago Quiceno que con su cámara plasma lo mejor del estilo, el color, el brillo, y las texturas que se convierten en tendencia.Por otro lado esta muestra también tendrá presentaciones de música clásica para todos los gustos y edades y un taller de pintura con el Maestro German Tessarolo que con su técnica invita a los asistentes a olvidarse de los procedimientos y combinaciones para dejar volar la imaginación plasmando con un pincel en el papel sus sentimientos y sueños.El evento estará disponible en los pasillos del centro comercial El Retiro en Bogotá hasta el 12 de abril, nosotros asistimos y le dejamos aquí como fue nuestra experiencia visitando la exposición. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El "retrato de Juan de Pareja", que Velázquez pintó en 1650 durante un viaje a Roma, fue adquirido por el MET por 5,5 millones de dólares en 1971 y es, desde entonces, una de las obras maestras del museo, pero nunca hasta ahora se había exhibido junto al contexto necesario de su época, ni junto a las obras que el propio De Pareja pintó con su firma (dos de ellas prestadas por el Museo del Prado).Ese retrato, que muestra a un hombre de mediana edad, de abundante cabello negro y barba, con una mano en el pecho, es exhibido aquí enfrente de otro retrato de Velázquez aún más famoso: el del papa Inocencio X, ya que se considera que ambas obras expresan lo mejor de Velázquez como retratista, con una capacidad sin par de captar la psicología del personaje.En medio de los dos, la muestra contiene un documento único llegado desde los Archivos de Roma (la ciudad donde se firmó): es la carta de manumisión en la que Velázquez da la libertad a su siervo ("captivus") así como "a sus hijos y descendientes", aunque precisa que esa liberación será efectiva cuatro años después.Las dos obras y el documento están datadas en 1650, cuando Velázquez estaba en el cénit de su fama y reconocimiento. Cuando el retrato de Juan de Pareja fue exhibido lo describieron así, tal y como recoge un testimonio de la época: "Era tan semejante, y con tanta viveza que, habiéndolo enviado con el mismo Pareja, á la censura de algunos amigos; se quedaban mirando el retrato pintado, y á el original con admiración y asombro".Una sociedad multiétnicaVanessa K. Valdés, co-comisaria de la exposición "Juan de Pareja, pintor hispanoafricano" -que se podrá visitar del 3 de abril al 16 de julio-, explica a EFE que no hay certezas sobre los orígenes del pintor liberto, aparte de que también su padre se llamaba así -"posiblemente un apellido común"-, y que se supone que su madre era de origen morisco.Nació en Antequera y creció en Sevilla, una ciudad multiétnica en la que la esclavitud no era extraña, dadas las constantes batallas con los turcos y otros emiratos norteafricanos en los que los prisioneros pasaban a ser esclavos que se vendían o se intercambiaban por otros.Valdés subraya que la idea de la esclavitud entonces no debe entenderse como en el siglo XIX -los siervos en una plantación de algodón-, ya que un esclavo podía desarrollar una carrera profesional, como fue el caso de Juan de Pareja, que pasó veinte años en el estudio de Velázquez, donde adquirió una cierta posición, hasta el punto de ser elegido para acompañar al maestro en aquel viaje a Italia.Por esa razón, la muestra recoge tanto pinturas de la época con otros personajes africanos -una obra de Murillo y otra de Zurbarán, contemporáneos de Velázquez-, y en otro apartado varias obras atribuidas a Velázquez que actualmente se considera fueron en gran medida obras colectivas de su taller, en la que la intervención de los ayudantes -Pareja entre otros- es probable, aunque no se pueda demostrar.Uno de los mitos que la muestra quiere desterrar es que Pareja desarrollase su pintura "a escondidas" -circulaba una anécdota de que pintaba a hurtadillas en el reverso de lienzos desechados por Velázquez-, y precisamente muestra cómo su técnica se pulió al lado del maestro.El pintor maduroAquel viaje a Roma fue para Pareja tan importante como para Velázquez: siendo Italia el epicentro del arte en el siglo XVII, Pareja tuvo, como ayudante de Velázquez, acceso a las mejores obras y los artistas más reconocidos de la época.A su regreso a Madrid, donde se encontraba la corte y donde medraban los pintores, Pareja desarrolló un arte de temática principalmente religiosa. No parece que tuviera ningún conflicto religioso como morisco, toda vez que -como recuerda Valdés- los descendientes de los moriscos hacían gala de una acendrada religiosidad católica para que nadie les recriminara por su impureza de sangre.De las cuatro obras firmadas por el propio Pareja, llama la atención la de "La vocación de San Mateo", fechada en 1661: el pintor se autorretrató en el extremo izquierdo del cuadro, de cuerpo entero, con un papel en la mano donde aún puede leerse "Juan de Pareja Fecit". Probablemente en imitación a su antiguo dueño y maestro, que cinco años antes se había autorretratado en "Las Meninas".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El ministro de Asuntos Exteriores de España, José Manuel Albares, destacó estos datos en la mesa sobre "La fuerza del español en Europa y en la escena internacional" del IX Congreso Internacional de la Lengua Española, inaugurado este lunes en Cádiz (España).Albares subrayó la "creciente relevancia" en el contexto internacional de la lengua española, uno de los idiomas oficiales en organismos internacionales como Naciones Unidas y la Unión Europea (UE).El ministro sostuvo que la presidencia española de la UE en el próximo semestre dará "un papel protagonista" a este idioma y será una oportunidad para impulsarlo.La UE es una de las áreas donde más creció el interés por aprender español, ya que, junto con Estados Unidos y Brasil, reúne al 81 por ciento de los cerca de 24 millones de estudiantes del idioma.Según un informe del Instituto Cervantes, uno de los organizadores del congreso, en Estados Unidos hay cerca de 8 millones de estudiantes de español, más de 5 millones en Brasil, algo más de 3 en Francia y más de 800.000 tanto en Reino Unido como en Alemania.La presidenta de la Asociación Internacional de Hispanistas, Ruth Fine, señaló por su parte que "la fuerza del español es indiscutible". Esta entidad, fundada en 1962 para promover el idioma, sigue creciendo con la incorporación de nuevas asociaciones de hispanistas, la última de ellas creada en Taiwan.Unos seiscientos congresistas de más de medio centenar de países está previsto que participen en julio próximo en el XXI congreso de la asociación en Neuchatel (Suiza).El español lo hablan como lengua materna o aprendida unos 595 millones de personas, el 7,5 por ciento de la población mundial, según el Instituto Cervantes, con México, Colombia, Argentina, España y Estados Unidos entre los países con mayor número de hispanohablantes.El congreso se desarrollará durante cuatro días, organizado por instituciones como el Instituto Cervantes, la Real Academia Española (RAE) y la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), que aglutina a 23 agrupaciones de América, España, Filipinas y Guinea Ecuatorial.Escuche lo mejor de la música clásica por medio de la señal en vivo de la HJCK.
Bajo el nombre "A few degrees more" (unos cuantos grados más), el museo vienés ha sacado varias obras maestras de su milimétrica horizontalidad, en un intento de usar el arte para llamar la atención sobre la crisis climática, que sea también alternativo a los ataques contra obras de arte protagonizados por activistas."Nos gustaría hacer nuestra contribución para sensibilizar a nuestros visitantes sobre el urgente problema de la crisis del clima", explica a EFE el director del Museo Leopold, Hans-Peter Wipplinger.Educación y no agresionesEl responsable del museo recuerda que hace cuatro meses dos activistas arrojaron un líquido negro contra "Muerte y vida", una de las obras más conocidas de Klimt, en una protesta para llamar la atención contra la emergencia climática en la que el cuadro no resultó dañado."Estamos completamente en desacuerdo con esas agresiones a las obras de arte. Somos solidarios con quienes protegen el clima, con los investigadores. Pero queríamos hacer una acción más inteligente, más constructiva y educativa y que no cause daños. Y esta es nuestra respuesta", afirma Wipplinger.En el proyecto colabora el Climate Change Centre Austria, una plataforma de científicos e investigadores que ha redactado textos que explican los efectos en el medioambiente en función de cuántos grados centígrados aumente la temperatura del planeta. Los cuadros, principalmente paisajes, cuelgan en diagonal en ángulos de entre 1,5, y 7 grados, y los científicos explican qué cambios causaría un calentamiento de ese mismo nivel, y también qué puede hacer cada persona para evitarlo.Así, una vista del monte Rax, pintada por Koloman Moser en 1907, cuelga en un ángulo de 1,5, el aumento en centígrados de las temperaturas a partir del cual la comunidad científica considera que los efectos serían irreversibles. Una subida de ese nivel tendría graves consecuencias en los Alpes, advierten los científicos, y pondría en peligro la diversidad vegetal, derretiría la mitad de los glaciares y amenazaría el suministro de agua potable en Austria.Colapso del lago de KlimtOtros cuadros alertan del riesgo de colapso de lagos como el Attersee, que Klimt pintó en numerosas ocasiones, si la temperatura sube dos grados, o de cómo un aumento de 3 afectaría a la producción agrícola en Europa Central. El Museo Leopold recurre a "Puesta de Sol", de Egon Schiele, para advertir de que un incremento de la temperatura de 4 grados hasta el año 2100 reduciría o eliminaría hábitats como los que muestra el cuadro, y causaría una subida del nivel del mar que obligaría a desplazarse a millones de personas.La escala llega hasta los 7 grados de ángulo con los que cuelga "Joven en el manantial", de Albin Egger-Lienz, en el que un joven bebe agua de una fuente natural como las que desaparecerían con el calentamiento. "Al colgarlos torcidos queremos mostrar que incluso cambios marginales, de dos o tres grados, tienen efectos increíbles. Que las cifras abstractas sean llamativas visualmente y llamen la atención", resume Wipplinger la intención de este proyecto."Más constructiva""Creo que es una buena forma para un museo de encontrar una posibilidad de que se vea el problema. Pero no sé si esto va a cambiar el mundo", dice a EFE Lisa, una escolar de 16 años que considera que esta acción es "más constructiva" que protestas como pegarse a un cuadro o arrojar líquidos.Con ella está de acuerdo Paul, de 17 años, que ve la iniciativa del modelo como una "buena solución" en contraste con protestas climáticas en las que se ha atacado, incluso sin causar daño, obras de arte. "Llaman la atención pero al final lo que hacen no aporta mucho. Lo considero un poco innecesario", opina.De momento, Wipplinger está satisfecho con el resultado de esta iniciativa, que se mantendrá hasta el 26 de junio. "Nos damos cuenta con las reacciones de que logramos una cierta atención y esperamos que provoque un cambio en la forma de pensar de los visitantes", confía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 4 de julio de 2022 el presidente electo Gustavo Petro anunciaba en su cuenta de Twitter el nombre de la ministra de cultura que lo acompañaría a partir del 7 de agosto cuando tomara posesión en su gobierno: La dramaturga y gestora cultural Patricia Ariza. La también poeta fue elegida para lo que se denominó "un estallido de cultura en toda Colombia para la Paz y la convivencia. Una cultura para la identidad para dinamizar la colombianidad diversa", según el anuncio. Recibido de gran forma, el nombre de Ariza planteaba una ruptura con los perfiles que habían sido cabeza de la cartera ministerial, con el que se esperaba un amplio dialogo entre sectores artísticos a nivel nacional y el gobierno. El primer gran anuncio de su ministerio vendría en el marco del 12 de octubre en el que radicó dos proyectos de ley con reformas simbólicas: la primera cambiar el nombre del Día de la Raza por el Día de la Diversidad Étnica y Cultural y el segundo, cambiar el nombre del Ministerio de la Cultura por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes” con el que el Ministerio pasó a denominarse MiCASa.Este último proyecto además busca un cambio frente al enfoque ministerial del gobierno de Iván Duque y la economía naranja, articulando lo que denominaron como "una nueva valoración" de las culturas, las artes y los saberes ancestrales, dividida en cuatro ejes que funcionarían como nuevo enfoque de la cartera: 1. Cultura de paz, 2. Colombia en el planeta y en el mundo, 3. Memoria Viva y 4. Arte, artistas y Educación para la vida. Tan solo algunos días después en su cuenta de Twitter, Ariza anunciaría el que quizá sea el logro más importante dentro de su administración: Para 2023, el presupuesto de inversión más alto de la entidad en su historia por $701.000 millones de pesos, 125% más que los recursos estimados por el gobierno anterior y un 25% más que el presupuesto de 2022, con lo cuál por ejemplo, en la apertura del Programa Nacional de Estímulos 2023 el pasado 23 de febrero y que estará disponible hasta el 3 de abril, el presupuesto aumentó en un 51% con el anterior programa, ofreciendo 1070 becas, 199 reconocimientos, 18 premios, 13 pasantías y 18 residencias. Para un total de 1318 convocatorias. No obstante es en este mismo programa de estímulos en donde varios artistas y gestores culturales han levantado quejas alrededor de una de las causales de rechazo de propuestas para aplicar a estas convocatorias: para este año se ha limitado a los interesados en participar a tener la posibilidad de solo presentar (1) propuesta dentro de todo el portafolio, contrario a como venía ocurriendo en años anteriores. Esto, en otras palabras traduce, a que se han reducido las posibilidades de todos aquellos interesados en participar de estos estímulos haciendo aún más difícil su vinculación laboral dentro del campo artístico, ya que es común, que se presenten a varias convocatorias en paralelo para poder ser beneficiario de alguna de ellas. Para noviembre del 2022 en la rendición de cuentas de los primeros 100 días de gobierno, el ministerio publicó en su página web, al igual que las demás carteras ministeriales sus logros. En este caso, además de los ya mencionados proyectos de ley y el incremento presupuestal, destacó la ejecución de "1.479 actividades en 258 municipios de Colombia, entre las que sobresalen 135 conciertos de la Fundación Batuta, con la participación de 18.600 niños, niñas y jóvenes; 53 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; 436 funciones de teatro en 218 salas concertadas; 92 funciones de teatro comunitario y de calle; y un piloto de formación artística en 100 instituciones públicas". Junto a ello la apertura de cuatro bibliotecas públicas con el apoyo de la Embajada de Japón de las que se estiman se beneficiarían 90 mil niños, niñas y jóvenes en los municipios de Rivera, Huila; San Agustín Huila; Totoró, Cauca y Pijiño del Carmen, Magdalena y los cambios y el incremento en la convocatoria del Programa Nacional de Concertación en el que se registraron 5.175 proyectos, desde 797 municipios de los 32 departamentos del país y la ciudad capital, lo que significó un aumento en 18.58% en la participación.También se destacó la expedición del decreto que reglamenta el artículo 64 de la Ley 397 de 1997 (Ley general de Cultura) en relación con la estructura, el desarrollo y funcionamiento del Sistema Nacional de Educación y Formación Artística y Cultural (SINEFAC) que busca en palabras del ministerio "garantizar que en todos los niveles y modalidades educativas haya currículos con componentes de formación artística y cultural". Para el mes de diciembre fue debatido y aprobado en primer debate por la Cámara de Representantes el Proyecto de Ley 189 de 2022 conocido como “Ley de la Música” que tras varias reuniones con el sector, propone construir una propuesta más incluyente en términos poblacionales, diferenciales, territoriales y de género para beneficio del sector colombiano de la música en términos de precariedad laboral, informalidad, mínimos de participación en eventos y desfinanciación en general del sector. Este proyecto sigue su curso de aprobación en cámara y siguen existiendo espacios de disertación para el proyecto. Además se le ha atribuyó que en la radicación de la reforma tributaria con el que el gobierno recaudará $19,7 billones en 2023 y un promedio de $20 billones en los siguientes tres años, presentada en diciembre de 2022, el sector cultural no haya sufrido modificaciones. Sin embargo, también existieron tensiones. Quizá el que más se destacó fue desde el sector de las artes visuales, donde a través de varios medios reclamaron un papel donde se reconociese la pluralidad de las artes y no solo encasillar las manifestaciones artísticas a ciertos temas y ciertas practicas como el muralismo. Sumado a estas tensiones a inicios de febrero del presente año, se sumó el sector musical con una carta firmada por 2.424 personas, poniendo sus preocupaciones con la iniciativa del Gobierno confirmada por el presidente tras la visita de la primera dama Verónica Alcocer a Venezuela, en el que uno de los puntos de reunión fue revisar la implementación del modelo orquestal venezolano en el país. Si bien en el último mes las comunicaciones frente al tema por parte de Ariza fueron ambiguas, en entrevista con La W, la dramaturga declaró que "Había malos entendidos, pero no diferencias esenciales. Pensé que eran cosas normales que suceden", y todo parece indicar, que las diferencias radicaban en este enfoque. El Ministerio de Cultura sigue sin cabeza oficial. Mientras tanto, Ignacio Zorro, ministro encargado ha salido a desmentir en medios como el diario El Tiempo la implementación del sistema orquestal en Colombia o en Blu Radio argumento que el enfoque sería distinto aunque el 20 de febrero en su cuenta de Twitter, Patricia Ariza haya publicado un comunicado en el que también aparece la firma de zorro, done expresa que: "El gobierno del Cambio busca fortalecer todas las músicas: estimular y promover la creación de nuevas orquestas y grupos musicales. Como lo señala el presidente Gustavo Petro, este año despegará el Sistema orquestal colombiano, ligado al Sistema Educativo, acogiendo y complementando la actual cobertura del PNMC (El Plan Nacional de Música para la Convivencia)" y su relación con los hijos del presidente Gustavo Petro.Sin embargo, los tres proyectos de ley presentados por Ariza hasta ahora siguen su curso en las cámaras, al igual que las convocatorias y programas de estímulos. Lo más urgente es conocer quién será ahora la nueva cabeza del estallido cultural y si mantendrá este enfoque ministerial de los últimos siete meses. Lo que sí habría que pedir, es que un espacio que necesita de la concertación de tantos sectores y manifestaciones culturales, abra aún más espacios de escucha para artistas y gestores culturales, de ahí quizá, de la gente que hace prácticas artísticas, esta la clave para el desarrollo del ministerio. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
