Hijo de burgueses que prefirió dedicarse al teatro, el autor francés Molière (1622-173) cumple este mes 400 años aún envuelto en el misterio, a pesar de ser el dramaturgo favorito del rey Luis XIV. Francia celebra el 400º aniversario del gran autor de comedias con representaciones teatrales, conferencias y actos que se extenderán también a otros países, como Gran Bretaña, Italia, Bélgica o Estados Unidos, aunque con perfil discreto, a causa de la pandemia.No existe ninguna traza manuscrita de Molière, ni diario, ni correspondencia, ni siquiera notas de sus producciones. La única superviviente de sus cuatro hijos, Esprit-Madeleine, perdió todos los escritos a mano de su padre, y la primera biografía del genial autor fue publicada en 1705, llena de inexactitudes que alimentaron la leyenda en torno a Jean-Baptiste Poquelin, el nombre real del escritor.Molière fue el autor de una treintena de comedias en verso y prosa, entre ellas "El Misántropo", "El Burgués Gentilhombre" o "El Avaro", que se han erigido en auténticos arquetipos humanos, como el Quijote de Cervantes o el Hamlet de William Shakespeare. Y como sucede con esos gigantes de la literatura mundial, Molière ha sido objeto también de maledicencias. Entre ellas, que no escribió sus obras, sino que fue otro gigante del teatro francés, Corneille. O que reflejó en sus comedias algunos de sus propios problemas personales, como su recurrente uso de los hombres cornudos. Lo que es indudable es que cuatro siglos después, como sucedió con Cervantes o Shakespeare, Molière y su obra sobrepasan ampliamente en popularidad a sus contemporáneos de esa época."En cierta manera es un actor que se convierte en autor a pesar suyo. Es un autor que piensa sus obras a partir de las imposiciones de la escena, de la aprobación del público, del efecto que tendrá en el público. Y además, porque debe alimentar a su 'troupe'", explica a la AFP Georges Forestier, autor de una reciente biografía de Molière (2018) y editor de su obra para la prestigiosa colección "La Pléiade".El misterio Molière se abre con su nacimiento. Su acta de bautismo fue hallada en 1820, por lo que se sabe que fue bautizado el 15 de enero de 1622 en la iglesia parisina de San Eustaquio. Según todos los usos de la época, explica Forestier, eso significaría que nació uno o dos días antes. Es el primogénito de un tapicero y camarero real, es decir, perteneciente a una familia de pequeños empresarios con contactos con la corte, que por esos años aún tiene como epicentros el Louvre y el Palacio Real. Huérfano de madre a los 10 años, Molière crece y aprende a observar la vida y a sus coetáneos entre las luces rutilantes de la corte y el populacho del centro de París. El bullicioso mercado de Les Halles está a dos pasos del domicilio paterno.Aprende el griego, el latín y nociones de teatro gracias a los jesuitas. Inteligente y voraz lector, el joven Jean-Baptiste lee a Plauto, Terencio, y pronto entra en contacto con el teatro italiano y el español. A los 21 años da un salto arriesgado, aunque todo indica que su padre lo aprobó: decide renunciar a su herencia para convertirse en actor. En esa época, los comediantes quedaban a priori excomulgados, a no ser que se arrepintieran -algo que Molière no pudo o no quiso hacer en su lecho de muerte.No se sabe a ciencia cierta por qué quiso ser actor, pero en todo caso, la muerte de su hermano menor en 1660 le permite recuperar el privilegio de ser tapicero real. El 30 de junio de 1643 crea ante notario "El Ilustre Teatro", su propia compañía, con otros diez actores, entre ellos Madeleine Béjart, una pelirroja con mucho carácter que ya era conocida en ambientes literarios. Madeleine había sido amante de un rico noble, y pasa a serlo de Molière, durante tres décadas. Otro misterio: el 23 de enero de 1662, el ya conocido autor se casa con Armande, la que era hija adúltera de Madeleine. Durante años, ambas estuvieron registradas como hermanas.La costumbre en Francia era que los actores tomaran un "nombre de guerra". Madeleine era conocida como "la Bejart", Jean-Baptiste Poquelin elige "Molière", una ubicación geográfica muy corriente en Francia. No se sabe el porqué. Molière tiene carisma, se convierte en jefe de su grupo de forma natural. Pero en París hay dos compañías ya establecidas y la competencia es despiadada. "El Ilustre Teatro" acumula deudas, y Molière acaba en la cárcel. Su padre salda las deudas. El actor, herido en su orgullo, abandona la capital con 23 años.Durante 13 años, Molière perfecciona su arte en provincias. Actúa para el público más popular, para los nobles locales, para la burguesía. Tiene éxito, los ingresos de la compañía crecen. En una época en la que el teatro es el único medio de diversión masivo (bajo estrecha vigilancia de la Iglesia), hay que producir de forma incesante para sobrevivir. Molière adapta obras españolas, italianas, pero pronto decide fiarse de su talento y escribe sus primeras piezas. "Las preciosas ridículas", de 1659, tiene un éxito fenomenal. Un año antes Molière ya había logrado un gran golpe: actuar ante el joven Luis XIV, un monarca que adora el teatro y el ballet, que llegará a bailar para su propia corte.Molière da un paso más y escribe "La Escuela de las mujeres" en 1662. Retrata la educación absurda que puede sufrir cualquier joven acomodada de la época. La reacción de la Iglesia no se hace esperar. Las dificultades crecen con "Tartufo", la venganza particular de Molière contra los beatos y su hipocresía. Tiene que reescribirla tres veces para evitar la censura. Sin amilanarse, se lanza a escribir su propia versión de un mito, el "Don Juan". Su propuesta de un libertino filósofo es un triunfo. Luego llega "El Misántropo" (1666), su comedia más cruel pero también la más humana.Con esas obras, Molière crea un género nuevo, la comedia moral: corregir los vicios de la sociedad, pero a través de la carcajada. Se suceden los éxitos, que él interpreta personalmente: "El Avaro" (1668), "El médico a palos" (1666), o las comedias ballet, como "El Amor Médico" (1665). Molière interpreta a Argan en "El enfermo imaginario" el 17 de febrero de 1673 cuando se siente indispuesto. La leyenda dice que murió en escena, pero en realidad tuvo tiempo de volver a su domicilio. Murió probablemente de una neumonía. Sin confesarse.
Con la participación de cerca de 200 personas inició en Bogotá La Madriguera Fest, una iniciativa que busca generar mayores espacios de circulación y articulación artística en Colombia; actividad que se realiza en el marco del Primer Encuentro de Artistas Emergentes e Independientes, que tiene dentro de su agenda diversas actividades culturales y de formación en la que pueden participar todos los capitalinos hasta el 13 de diciembre de 2021.La Madriguera Fest es el espacio un expresión cultural que ha permitido la integración de niños, jóvenes y adultos, a través de distintas actividades. Esta es la programación.Talleres gratuitos de ilustración, danza, danza aérea y clown en la que se puede participar con sólo ingresar los datos en este enlace.Charlas sobre producción audiovisual, producción escénica y actuación entre otras.Obras de teatro: con la participación de diferentes compañías teatrales independientes y de grupos universitarios se desarrollan interesantes propuestas teatrales. Las puedes ver en el Centro Comercial Los Ángeles Plaza (ubicado en la Carrera. 20 No. 8-53); y en el Teatro Sala C (ubicado en la Carrera. 1bis No. 12D-71) en Bogotá.Todo esto ha sido posible gracias al empeño y pasión por las artes de siete jóvenes del Colectivo La Ratonera conformado por estudiantes de Artes de la Escena del Politécnico Grancolombiano. Ellos son: Alejandra Guevara, Daniela Rocha, Sebastián Guasca (ex Poli), Hylein Valbuena, Juan Sebastián Garzón, Camila Cubillos y María José Pinto.¿Cómo fue posible el desarrollo del festival?Comenta Alejandra Guevara, miembro de La Ratonera y estudiante del Programa de Artes de la Escena y Medios Audiovisuales del Politécnico Grancolombiano, que luego de participar de la convocatoria Jóvenes en Movimiento del Ministerio de Cultura, ganaron el premio que consistió en “darnos un incentivo de 20 millones de pesos para llevar a cabo la propuesta presentada de desarrollar un festival artístico que integrará a la comunidad con la circulación y articulación hacia las artes”.¿Qué viene para el Colectivo La Ratonera?Luego de desarrollar el festival La Ratonera seguirá trabajando en la creación y producción de obras teatrales y en hacer una gira por varios municipios de Colombia con un proyecto de ciclos de monólogos que han estado trabajando; y en volver a realizar una segunda edición de La Madriguera Fest.
La tradicional velada inaugural de la Scala de Milán, que abre la temporada musical 2021-2022, estará a cargo de una audaz representación contemporánea de "Macbeth", la ópera de Giuseppe Verdi, sobre los tormentos frente a la búsqueda del poder. "Tenemos mucha suerte porque hemos podido estar abiertos. Es un milagro. Muchos teatros de Europa han tenido que permanecer cerrados" por la Covid, reconoció Dominique Meyer, director de La Scala. Tras seis meses de silencio, el teatro pudo reabrir sus puertas al público en mayo, con un reducido número de espectadores confinados en los balcones.Ansia de poderLa nueva versión de "Macbeth", inspirada en la tragedia homónima de William Shakespeare (1564-1616), una intriga de amor, odio y sed de poder, es una versión llena de efectos especiales gracias a la puesta en escena de Davide Livermore y la dirección musical de Riccardo Chailly. "Queríamos mostrar la modernidad de Macbeth, su frescura, su teatralidad, que a veces resulta alarmante", explicó el director. Lady Macbeth "empuja a su marido a cometer múltiples asesinatos para obtener la corona. La inescrupulosa heroína de Shakespeare está encarnada por la diva rusa Anna Netrebko, una habitual de La Scala. "Es una de las representaciones más complicadas que he conocido", admite la soprano. La narración transcurre entre pantallas, con ir y venir del decorado, que en ocasiones se eleva a alturas vertiginosas. En el papel de Macbeth, el barítono Luca Salsi, reconoce que cuenta "una historia contemporánea de poder y sangre", interpretada con "ropas de hoy en día", pero con "armas antiguas" como "la espada enorme" que blande en el escenario. Y el escenario es monumental, con rascacielos típicos de las grandes ciudades norteamericanas pero también con laberintos gigantescos, una metáfora de los tortuosos caminos por los que vagan las mentes de los protagonistas.Ilusión y realidadLas perspectivas son múltiples, las fronteras entre lo real y lo irreal se esfuman, como en la película "Inception" de Christopher Nolan, un thriller de ciencia ficción en el que Leonardo DiCaprio se sumerge en el subconsciente de sus víctimas para robar o implantar recuerdos. "Este drama universal" sobre una "tiranía bárbara" podría desarrollarse "en Nueva York, Singapur o Milán, porque frente a la dictadura, los seres humanos estamos todos en el mismo barco", explica David Livermore. La ópera será transmitida por la televisión pública italiana así como por emisoras, teatros y salas de cine.
Por primera vez, en esta edición del Festival (FITB) se recorrerán 10 ciudades resaltando las propuestas culturales de cada región, (Medellín, Barranquilla, Cali, Pasto, Bucaramanga, Villa de Leyva, Pereira, Mosquera, Rioacha, entre otras) así como también se tendrá un recorrido por las 20 localidades de Bogotá con las presentaciones del teatro de calle. Más de 36 obras nacionales e internacionales y más de 140 obras de teatro de calle, regresan para enamorar de nuevo a los asistentes y aficionados de las artes escénicas y del teatro.Los amantes del Festival pueden empezar a comprar sus históricos abonos en la tan esperada preventa. Encuentros Breves, de Argentina; Pinocchio, de Inglaterra; La Mentira Complaciente, de Colombia; Trilogía de mujer, de España; Origin of a Tale, del Líbano; Dots And lines, de Japón y Nomad de Bélgica, son algunas de las obras de talla mundial que harán parte de este maravilloso espacio. Adicional, el Festival contará con más de 30 obras de sala, 140 de teatro callejero y el programa de la Rueda de Negocios VIA y de la infaltable Escuela de Artes Escénicas.La programación del festival se sigue nutriendo con nuevas estrategias, en esta edición, trae un componente digital importante en el que la ciudadanía podrán disfrutar de nuevas producciones y obras de manera gratuita de compañías que se han sumado y algunas producidas en vivo en una plataforma de video on demand y de streaming.La innovación del Festival se complementa además con espacios de formación a través de charlas, talleres y seminarios, nunca vistos; ofreciendo más de 40 horas de aprendizaje para actores, directores, miembros del ecosistema de las artes escénicas; también para empresarios, emprendedores, líderes sociales, instituciones y estudiantes.“Este es un festival de la felicidad, de volver a vernos viendo cosas sublimes, de compartir afuera del teatro las impresiones que quedaron en el alma, de ver genialidades, palabras e imágenes que nos transformen en mejores seres humanos. Este es un festival de esperanza; la esperanza de ser mejores todos, como especie. Este es un festival inspirador”, señala Alejandra Borrero, actriz, directora de Casa Ensamble y una de las encargadas de la programación del Festival para su versión 2022.
A partir de este jueves 2 de diciembre, a las 8 p.m., la cultura del sur de España llega a Teatro Digital de la mano del bailaor David Morales, quien estará acompañado de la Compañía de Danza del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.A través de su espectáculo ‘Mirando al sur’ el andaluz reúne los momentos más emblemáticos de sus tres últimos espectáculos: ‘El indiano, bailes de ida y vuelta’, ‘Lorca, muerto de amor’ y ‘Amor en libertad’.En esta transmisión que hace parte de la franja Grandes Espectáculos, el bailaor flamenco presentará algunas de las coreografías más importantes de su carrera profesional y contará con el acompañamiento en la guitarra de Salvador Andrades, el cante de Antonio Carrasco y Juan Fariñas, el violín de Miguel Ángel Guevara y la percusión de Diego Cadavid, estos dos últimos artistas colombianos.Con esta producción Morales reafirma su defensa del espíritu mestizo del flamenco y recuerda el arte como el mayor punto de encuentro y hermanamiento entre los pueblos. Por eso es significativa su presentación junto a la Compañía de Danza del Teatro Mayor, agrupación dirigida por Sarah Storer que nació en 2019 después de cuatro años del desarrollo del programa Alma en Movimiento, un proyecto destinado a la profesionalización de jóvenes bailarines de Colombia.El bailaor David Morales nació en la provincia de Cádiz a principios de los setenta, a los tres años ya bailaba sevillanas y a los seis años ya pisaba los escenarios en festivales de Flamenco. Por eso se ganó el apodo de El Niño de los Pies de Oro y al interpretar apasionadas coreografías, ha logrado que el público llene escenarios como el Carnegie Hall, de Nueva York, donde más de 3.000 personas lo aplaudieron de pie durante cinco minutos tras la presentación de su espectáculo ‘Lorca, muerto de amor’.
Con orquestas sinfónicas, conjuntos de cámara, cuartetos de música antigua, cantantes, flamenco y teatro son algunos de los aspectos más destacados de 2022 en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con España como país invitado de honor durante esta temporada de intercambios culturales que se llevará a cabo con el apoyo de diversas instituciones españolas, como el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura, del Instituto de Cultura Vasca (Etxepare Euskal Institutua), la AECID y la embajada de España en Colombia.Entre los artistas confirmados incluidos en el programa se encuentra el bailaor de flamenco Eduardo Guerrero con su espectáculo "Sombra efímera II"; el coreógrafo afincado en Granada, Manuel Liñan, ganador del Premio Nacional de Danza 2017, que presenta su obra "Viva", un espectáculo masculino donde los bailarines desafían los roles de género en una exuberante viñeta flamenca.En música de cámara, el teatro da la bienvenida a los tres músicos de la premiada España Trío de acento, así como cuatro saxofones Proyecto sigma en el escaparate vasco. La temporada 2022 también se centra en Noruega, con la participación de Orquesta del Norte y el oratorio de Handel “El triunfo del tiempo y la decepción”. los Cuarteto Engegard interpretará obras de Mozart, Hayden y Schubert. El programa internacional cubre un vasto campo musical del tenor polaco Piotr Beczala, compañía japonesa de danza butoh Sankai Juku, Pianista georgiano Kculpable Buniatishvili y la de londres Academia Saint-Martin des Champs. La Academia de San Martín en los Campos estará dirigida por el violinista Joshua Bell. tenor mexicano Ramón Vargas, Soprano argentina Veronique Cangemi y mezzosoprano checa Magdalena Koena acompañar al Orquesta barroca de Venecia.Además, la cartelera tendrá una temporada de Música Antigua con la participación del viologambista catalán Jordi Savall, cofundador de Le Concert des Nations, una de las orquestas de interpretación histórica más reconocidas de Europa. La temporada de Grandes Conciertos contará con agrupaciones como la Academy of St. Martin in the Fields, dirigida por el violinista Joshua Bell; la Sinfonía Rotterdam, de Países Bajos, y la Orquesta de Cámara de la Sinfónica de Longueuil, de Canadá.En la cartelera de ópera destaca la puesta en escena de “Las bodas de Fígaro”, de Mozart, bajo la dirección musical del maestro austríaco Martin Haselböck y la dirección escénica de Pedro Salazar. En la temporada de teatro, la escritora, dramaturga y actriz argentina Camila Sosa Villada, ganadora del Premio Sor Juana Inés de la Cruz por su novela “Las malas”, presentará la obra “Carnes Tolendas, retrato escénico de una travesti”. También se estrenará “Amo y criado (donde hay agravios no hay celos)”, de Francisco de Rojas Zorrilla, un clásico del teatro español, que será dirigido por Eduardo Vasco, en una coproducción del Teatro Mayor, Teatro Libre y el Festival del Teatro Clásicos en Alcalá.
Stephen Sondheim, uno de los más grandes compositores de la historia de Broadway, cuya música y letras mantuvieron durante la última mitad del siglo XX el estándar artístico de los musicales, murió este viernes en su casa en Connecticut a los 91 años. Su muerte fue anunciada por su abogado y amigo, Richard Pappas, quien manifestó que sucedió de manera repentina y que el día anterior, Sondheim había celebrado el Día de Acción de Gracias con una cena con algunos amigos, dijo.El trabajo de Sondheim fusionó palabras y música. Desde sus primeros éxitos a finales de la década de 1950, cuando escribió la letra de "West Side Story" y "Gypsy", hasta la década de 1990, cuando escribió la música y la letra de dos musicales, "Assassins" y "Passion", representaron para Broadway una era. El primer espectáculo de Broadway que Sondheim escribió fue la comedia "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum", ganadora de un premio Tony al mejor musical en 1962.En las décadas de 1970 y 1980, su período más productivo, produjo una serie de obras originales y variadas, entre las que se incluyen “Company” (1970), “Follies” (1971), “A Little Night Music” (1973), “Pacific Overtures ”(1976),“ Sweeney Todd ”(1979),“ Merrily We Roll Along ”(1981),“ Sunday in the Park With George ”(1984) y“ Into the Woods ”(1987). Además, escribió algunas letras para compositores de la talla de Irving Berlin, Cole Porter, Frank Loesser, Jerry Herman y Noël Coward.Aunque Sondheim pasaba largos períodos de soledad, generalmente a altas horas de la noche, cuando estaba componiendo o escribiendo, a menudo hablaba con cariño de la naturaleza colaborativa del teatro. Trabajó con el productor y director Hal Prince , el orquestador Jonathan Tunick y más tarde el escritor y director James Lapine. En 1993, Sondheim recibió el Kennedy Center Honors por su trayectoria, y en 2015 el presidente Barack Obama le otorgó la Medalla Presidencial de la Libertad.
Con el avance del plan de vacunación en todo el territorio nacional, las medidas se han ido flexibilizando para contribuir a la reactivación de los distintos sectores. Si bien, ha sido una noticia esperada por toda la sociedad, para el sector cultural ha llegado como un último respiro al ser el campo más golpeado en medio de la contingencia sanitaria, los primeros en cerrar y los últimos en regresar. En el caso de Bogotá, la alcaldesa Claudia López anunció la apertura total, gradual y definitiva que se llevará a cabo entre el primero de noviembre y el primero de enero. Así, desde el pasado 16 de noviembre los aforos para eventos culturales y de entretenimiento serán del cien por ciento.Por su parte, la Alcaldía de Medellín presentó el Decreto 0885 de 2021 que "permite oficialmente el aforo del 100 por ciento para eventos públicos y privados en la ciudad como conciertos, certámenes deportivos, obras de teatro, congresos, ferias, exposiciones y actividades de baile en discotecas". Además, el Alcalde de la ciudad, Daniel Quintero, aseguró que la inmunidad de rebaño que alcanzó la ciudad sería la entrada a contemplar el retiro del tapabocas en los diferentes eventos: “Estamos avanzando muy bien en la vacunación, lo que permitiría que en tres semanas aproximadamente logremos una inmunidad de rebaño, que podría estar acompañada de buenas noticias como el no uso de tapabocas en el espacio público abierto cuando alcancemos ese punto”, dijo el mandatario en rueda de prensa.La presentación obligatoria del carné de vacunación es una exigencia compartida por ambas ciudades. Sin embargo, hace falta revisar de manera detenida la forma en la que está planeada la reactivación que parece ignorar las particularidades del sector, como los escenarios, procesos y necesidades de los artistas. Hablamos con Sergio Restrepo, Coordinador del Claustro Comfama, sobre la inequidad en la reapertura del sector Cultural en Medellín.¿Qué tanta participación han tenido los gestores culturales en los protocolos de regreso?La reapertura del sector cultural realmente ha sido injusta e inequitativa. Los centros culturales fueron los primeros que tuvieron que cerrar y aún siguen sin abrir completamente, pero las iglesias, los cultos, los aviones, los comercios, los bares, incluso los centros comerciales tuvieron un tratamiento absolutamente diferente a los teatros. Hoy, mientras los domingos de culto están completamente llenas, es un tránsito tranquila y libre, a nadie le han pedido el carnet de ingreso como están hoy solicitando en los teatros.Los aforos fueron controlados y su regreso fue muy retardado. El teatro, en algunas ciudades, tenía unos ahorros a través de un parafiscal que es la Ley de Espectáculos Públicos y para generar recursos para la pandemia, el Estado no puso dinero de otras áreas, sino que hizo uso de estos recursos que eran para la dotación, compra o construcción de los teatros. Retrasamos la posibilidad el crecimiento de la infraestructura cultural".¿Los apoyos y presupuestos han ido orientados a las mejoras de los centros culturales y los artistas?"Existen alguna leyes existen, unas conquistas del sector cultural, público y privado, la ley de espectáculos públicos, la Ley de Economía Naranja, la Ley del Cine que generan unas posibilidades importantes para el sector . Hoy vemos, más o menos, cómo se utilizaron esos recursos que recaudamos colectivamente para el mejoramiento de las salas cine, la promoción, el desarrollo de la industria cinematográfica, para la escritura para pantallas, para la producción, postproducción y distribución de las películas más lentamente, porque incluso el recaudo de las salas de cine va mal.Los recursos producto de esta ley de pago, un impuesto del 10% de las taquillas superiores a 2, se utilizó también en medio de la pandemia. En vez de poner más recursos, subir ese 0.16% del presupuesto nacional siquiera el 2%, de hacer una puesta en los territorios y subir ese presupuesto en los entes territoriales, hemos gastado esos ahorros que eran para el desarrollo de la industria del teatro y la cinematografía.¿Qué respuestas les han dado sobre los aforos completos?Hoy nos están planteando un aforo del 100% con un decreto que nos pone en la consideración de tener la posibilidad del ingreso total a las salas con un metro distancia entre espectador y espectador, ya de por sí reduciría ese aforo del 100%, y pidiendo el carnet de vacunación entonces. Sabemos que un porcentaje importante de la población no se ha vacunado y creemos que hay que estimular el proceso de vacunación qué, tal vez, es lo único que nos pueda llevar a superar esta pandemia, pero creo que está haciendo en equitativo. Los centros comerciales, los lugares de oración, no tiene las mismas condiciones que estamos poniendo en la sala de los teatros.Como parte del mundo del teatro, ¿la reactivación está siendo efectiva o no?Hay una realidad compleja. Yo tengo que decir que hemos recibido un público ansioso de volver a la salas, el Festival de Teatro Comfana San Ignacio, vendió sus boletas completas, estuvo más que al tope de lo que podíamos en ese momento y creo que estamos teniendo un regreso a las salas, pero no ocurre igual en todos los teatros. Lastimosamente la realidad es compleja y difícil, algunos teatros están en aforos muy muy bajos y el recurso que invirtió para poder paliar la realidad de la pandemia, sobre todo en temas médicos o de salud y de empleo, hizo que se pudiera haber reducido de manera importante los recursos para la gestión de los centros culturales. Adicional a eso no hay un rubro adicional del estado y si en cambio, un costo sostenido por más de un año de confinamiento.
Alejandro Marcovich, exguitarrista de Caifanes, argentino de nacimiento y mexicano por adopción, se ha labrado un nombre en la escena del rock hispanoamericano por su particular manera de interpretar la guitarra eléctrica. El artista le dio el toque de sonido hispanoamericano actual que alguna vez fue famoso en su momento por el guitarrista, también mexicano, Carlos Santana. Además, sus colaboraciones en las canciones insignes de Caifanes son más que sobresalientes y le dieron una autenticidad que las hace inconfundibles al oído del público. Marcovich es una de las piezas fundamentales en el espectáculo que presenta el teatro y rinde homenaje a los sonidos que marcaron para siempre la historia del rock en Hispanoamérica. La corporación El Artefacto se une a esta celebración que comprende dos shows. Les contamos de qué van.El 19 de noviembre, Soda Stéreo y Héroes del Silencio serán los protagonistas del espectáculo, que estará a cargo de las agrupaciones El Rito de Soda Stéreo e Infame, y desde México Alejandro Marcovich, podrán canción tras canción a prueba para confirmar que son himnos en el país.Por otro lado, el 20 de noviembre, será el turno para Cerati vs Bunbury, un concierto a cargo de las mismas bandas que harán un repaso por los éxitos de la carrera en solitario de estos dos músicos insignes del rock hispanoparlante. Una velada para revivir la música de las leyendas en vivo.“En la primera de dos noches especiales tendremos el primer homenaje a las dos bandas más representativas del rock en español, que nunca estuvieron juntas en un escenario y que por primera vez, en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán llevarán su música a este escenario. Será también la primera ocasión en la que estas dos agrupaciones de Bogotá se crucen en un escenario. Estamos seguros de que junto a la producción del Teatro Jorge Eliécer Gaitán, marcará la pauta como uno de los eventos de fin de año que sigue confiando en la reactivación de los conciertos y de la industria del entretenimiento en la ciudad”, explicó Lilian Ramírez, directora de la Corporación para el Desarrollo El Artefacto.
La Sala Gaitán del Idartes presentará los próximos 18, 19 y 20 de noviembre a las 7:00 p.m. "Yo no soy Chavela Vargas", un espectáculo de Teatro Modular en un novedoso formato teatral, documental, musical, que hace un tránsito por la vida de la gran cantante Chavela Vargas, resaltando momentos fundamentales de su vida, haciendo un homenaje a las mujeres valientes de la vida.El espectáculo es el resultado de un trabajo de investigación de 10 años, en los que la artista mexicana se desenvolvió en un contexto patriarcal y machista, siendo una mujer lesbiana. De ahí que "Yo no soy Chavela Vargas" sea la representación del tránsito por su vida y su alma, que se conecta desde la emoción con el público. La música también juega un rol fundamental en este show. El saxofón, la guitarra y la dirección musical se enfocan en la elegancia de cada canción. Los músicos están presentes en cada nota y en cada acción de la pieza; la narración, la actuación de las canciones y la música hacen de la obra una mezcla de elementos teatrales que logran conmover al público.“Yo no soy Chavela Vargas hace un recorrido por momentos de la vida de la cantante nacida en Costa Rica y mexicana de corazón. La narración oral, la música y elementos teatrales, derivan en un homenaje a las mujeres sin importar su color, su origen, su sexualidad y resaltando el tesón de las mujeres valientes”, aseveró Luz Stella Luengas del Teatro Modular de la Memoria.La invitación es para los próximos 18, 19 y 20 de noviembre. Este evento se suma a la celebración de los 10 años de Idartes y hace parte de los procesos de reactivación del ecosistema artístico de Bogotá. Las entradas están disponibles en Tuboleta. De acuerdo a las nuevas medidas adoptadas por la Alcaldía de Bogotá, antes de asistir al evento, usted deberá tener en cuenta:Personas mayores de 18 años deben presentar carné de vacunación o certificado digital a partir de este 16 de noviembre de 2021 y para mayores de 12 años desde el 30 de noviembre de 2021.Al ingreso al evento se exigirá la cédula de ciudadanía/tarjeta de identidad y carné de vacunación o certificado digital. Antes de comprar o reclamar la boleta asegúrese de tener a la mano el carné de vacunación o el certificado digital.El carné de vacunación debe evidencia como mínimo el inicia del esquema (primera dosis)
El mexicano Ramón Vargas es uno de los tenores más importantes de la escena internacional. ‘Opera Now’, de Inglaterra, lo consagró como Artista del Año, en el 2000 y la revista ‘Festspiele Magazin’ lo ha colocado en el primer lugar de los tenores, a nivel mundial, en los últimos cuatro años. En 2001 recibió el Premio Echo Klassik que otorga la Academia Fonográfica Alemana, como Mejor Cantante del Año.Además de su carrera operística, también es un consumado cantante de concierto, con un amplio repertorio que abarca desde canciones clásicas italianas, lieder románticos alemanes y melodías de compositores franceses, mexicanos y españoles de los siglos XIX y XX. Este recital de canto y piano lo hará acompañado en el piano por la pianista georgiana Mzia Bakhtouridze.En 1986, ganó el concurso Enrico Caruso para tenores en Milán, Italia, y se estableció en Austria, donde perfeccionó sus estudios musicales en el Estudio de la Ópera Estatal de Viena, bajo la guía del maestro Leo Müller. En 1990, Vargas se volvió un cantante independiente y empezó a presentarse en papeles cada vez más importantes, en teatros y festivales internacionales.En 1992 se presentó en el Teatro Metropolitano de Nueva York cantando el Edgardo de ‘Lucia de Lamermoor’, al lado de June Anderson, en sustitución de Luciano Pavarotti. Un año después debutó en la Scala de Milán, donde interpretó el papel de Fenton bajo la batuta de Riccardo Muti en la producción encargada a Giorgio Strehler con motivo del centenario de Falstaff. Su discografía comprende grabaciones de óperas de Rossini, Bellini, Verdi, Werther, Massenet y Granados. Adicionalmente interviene permanentemente en recitales de arias de ópera, cantos navideños, y diversos programas de canciones populares italianas y mexicanas.Entre los galardones obtenidos por Vargas se encuentran el premio Lauri-Volpi otorgado al mejor cantante de ópera de la temporada 1993 en Italia, y el Gino Tani, que le asignó por unanimidad la crítica italiana en 1995. Además, ‘Opera Now’, de Inglaterra, lo consagró como artista del año en el 2000 y la revista ‘Festspiele Magazin’ lo ha colocado en el primer lugar de los tenores, a nivel mundial, en los últimos cuatro años. En 2001 recibió el premio Echo Klassik que otorga la Academia Fonográfica Alemana al mejor cantante del año.
Bad Bunny comienza en el 2022 el World's Hottest Tour, un recorrido que confirmó fechas en 14 países latinoamericanos y que traerá al cantante de Callaíta a Colombia. Estas son algunas canciones que esperamos cante en un concierto que promete ser uno de los más importantes del género urbano en el país. También puede leer: Bad Bunny en Colombia: estos son los precios de las boletas para verlo en MedellínLa playlist está abierta para que agregue las canciones que nos faltaron y merecen ser tomadas en consideración por el conejo malo.
“Las aventuras de Pinocho”, escrito por Carlo Collodi en 1882, sino por las múltiples adaptaciones de su historia, desde películas animadas, libros ilustrados, series de televisión e incluso, la participación de Pinocho en diferentes cintas como Shrek. Como había sido anunciado en agosto del 2020, en el 2022 veremos, a través de Netflix, la versión de Pinocho bajo la dirección de Guillermo del Toro. Por fin, ha sido liberado el primer traser de la producción y el mítico Pepe Grillo es el encargado de abrir la ventana a esta historia. Ewan McGregor es el encargado de darle vida al insecto inseparable del muñeco de madera, no en vano, con toda honestidad les asegura a los espectadores que, aunque todos conocen a Pinocho, él ha vivido en su corazón y desde ese hoyo de madera es que está hablando. Pinocho tendrá la voz de Gregory Mann, Pepe Grillo por Ewan McGregor y David Bradley, como Gepetto. Por su lado, Tilda Swinton, Christoph Waltz, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson y Burn Gorman, participarán en la cinta, pero aún desconocemos sus roles. La historia se desarrolla en la década de 1930, en medio de auge del fascismo con Mussolini y navega la desobediencia del jovencito que trata de no deceptcionar a su padre, mientras encuentra un lugar cómodo en el mundo. Esta nueva versión musical del clásico cuento italiano llega a pantallas en formato de animación cuadro por cuadro. Estará disponible en la plataforma en diciembre de este año.
Los rumores se han desmentido. Bad Bunny, el conejo malo del reggaeton, saldrá de gira en el World's Hottest Tour, un recorrido que confirmó fechas en 14 países latinoamericanos y que traerá al cantante de "Callaíta" a Colombia. En la programación, que incluye países como República Dominicana, Chile, Argentina, Ecuador, Perú, Panamá, El Salvador y Costa Rica, se fijó la cita en Medellín el próximo viernes 18 de noviembre y el escenario será el estadio Atanasio Girardot.El escenario de Bad Bunny abrirá un espacio para Diplo y Alesso, los artistas invitados en cada uno de los conciertos de la gira. La preventa inicia el próximo 28 de enero de 2022, en horas de la mañana. Dentro de las distribución del escenario hay 8 grupos de palcos, cada uno de 10 personas y van desde 3'00.000 hasta 17'000.000 millones. Bad Bunny llega Latinoamérica, luego de una gira extendida por Estados Unidos que va hasta febrero y tendrá lugar en Denver, El Paso, Hidalgo, Houston, Dallas y San Diego. Además, Diomar García, productor de shows de Balvin, Karol G y el conejo malo, aseguró que hay una fecha por definir, se trata de una gira de Bad Bunny junto a J Balvin, como lo hicieron al lanzar "Oasis", su disco en conjunto que tendrá una segunda edicióm.De acuerdo con García, no se descarta una fecha de Bad Bunny en Bogotá, en el marco del World's Hottest Tour.
