The Beatles, Coldplay, Pentatonix, Jimi Hendrix, Johhny Cash, Elvis Presley, John Mayall, Eric Clapton, The Animals, Hugh Laurie y Willie Nelson son solo algunos de los músicos que han rendido tributo a las canciones del ‘Padre del Soul’. Estos son algunos de los mejores covers de exitosas canciones de Ray Charles:What'd I SayConsiderada la décima mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, el éxito de What'd I Say supuso para Charles ser apodado como el ‘Padre del Soul’.Este single, además, fue dividido en dos partes por el sello discográfico Atlantic Records ante la preocupación de los productores porque era demasiado extensa para sonar en radio, detalle que no impidió que se convirtiera en uno de los mayores éxitos del artista en toda su carrera.Hit the Road JackCon esta canción, escrita por Percy Mayfield, Ray Charles obtuvo el premio Grammy a la mejor grabación de R&B en 1971.Georgia On My MindAunque no fue compuesta por Charles, su interpretación en el álbum de 1960 The Genius Hits the Road popularizó en la radio estadounidense este tema de 1930, considerada la canción oficial del estado de Georgia, cuna del ‘Padre del Soul’.Hallelujah I Love Her SoCompuesta en 1956, esta canción de R&B fue incluida en su LP debut en 1957. Alcanzó el número cinco en la lista Billboard de R&B y en su grabación contó con Don Wilkerson en el saxofón.Mess AroundUna de las canciones más bailables de Ray Charles, fue escrita originalmente por el presidente y fundador del sello Atlantic Records, Ahmet Ertegün.You Don't Know MeAl lanzarla en su álbum Modern Sounds in Country and Western Music, Ray Charles alcanzó con este single el número 2 en la lista Billboard Hot 100, siendo la más vendida de las múltiples versiones de esta canción, escrita por Cindy Walker.
El programa se desarrollará durante todo octubre, coincidiendo con el mes de fundación de la compañía, informaron este martes en rueda de prensa sus responsables."(Será) un mes completo con actuaciones todos los fines de semanas y (con) programas diferentes", explicó Viengsay Valdés, directora general y bailarina del BNC.Las funciones se realizarán en el Salón Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, con la excepción del 28 de octubre, último día del jubileo por los 75 años, en el que se realizará una gran gala. De igual forma, sostuvo Valdés, se efectuarán distintas actividades de la compañía en lugares públicos, cines y escuelas con el fin de "despertar aún más esa sensibilidad por el arte de la danza".Las diferentes actuaciones contarán con la presencia de bailarines cubanos y extranjeros de otras compañías, según contaron sus organizadores. Y una de las figuras que estará en el centro será Alicia Alonso, su directora, principal fundadora y primera figura.El programa incluye Rara avis, La cenicienta, Coppelia, Don Quijote, Carmen, Giselle, Canto Vital, Séptima sinfonía, Trilogía Clásica (Coppelia, primer acto/El lago de los cisnes, segundo acto/Don Quijote, tercer acto), Alfonsina, Leda y el cisne, Rítmicas, Dionaea, Majísimo y Bodas de Sangre.El Ballet Nacional de Cuba es la compañía de danza clásica más importante de la isla, surgida en 1948 bajo el nombre de Alicia Alonso, destacada internacionalmente por el rigor artístico-técnico de sus bailarines y una línea con predominio de la tradición romántica y clásica.En 2018 fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación por ser "máxima expresión de la escuela cubana de ballet", condición extendida al repertorio de la compañía, su archivo de imágenes, los objetos y documentos relacionados con la institución.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La portada del disco "Abbey Road" es una de las imágenes más virales del siglo XX. El disco inicialmente se iba a llamar "Everest", lo que requería hacer una toma fotográfica en el monte del mismo nombre, sin embargo, el cuarteto propuso una solución más pragmática. Salir a la primera calle junto al lado del estudio donde grababan, tomarse una foto y llamar el disco con el nombre de la calle: "Abbey Road". Si bien eran un cuarteto irreverente, la verdadera razón para tal decisión fue optimizar el tiempo. Del primer disco al último, pasaron siete años, en ese tiempo cambiaron el pop y el rock para siempre.¿Qué hizo a The Beatles revolucionarios? El cuarteto de Liverpool inició con canciones de ritmos de los 50's, con muy pocos acordes, como "Love me do". A medida que su carrera avanzó, experimentaron introduciendo nuevos acordes e instrumentos, resultado de las búsquedas personales de los miembros, un ejemplo, George Harrison y su transitar espiritual en la India. Básicamente porque, "el instrumento con el que se compone, influye en cómo se compone". Pero su exploración no sólo se redujo a incluir instrumentos propios de otras culturas, también jugaron con ritmos y estructuras de la música clásica. The Beatles utilizaron el mellotron en álbumes como "Strawberry Fields Forever" y "Flying". El Mellotron es un instrumento musical electrónico que se destaca por su capacidad para reproducir sonidos pregrabados mediante cintas magnéticas. George Harrison se insertó en la cultura Vaishnava. Después del viaje que realizaron a la India, en los discos de The Beatles aparecieron dos instrumentos del país: el sitar y la tanpura. El sitar es un instrumento musical de cuerda originario del subcontinente indio. Es conocido por su distintiva apariencia y sonido, y ha sido fundamental en la música clásica india durante siglos. La tanpura es un instrumento musical tradicional de la India utilizado como acompañamiento para la música clásica hindú. Es un instrumento de cuerda que crea un zumbido constante y se utiliza para proporcionar una base tonal o una referencia tímbrica para otros instrumentos melódicos en la música india.La estructura de la música clásica, como los cuartetos de cuerdas, algunos apartes de la Marsellesa, entre otros; hicieron parte del viaje de siete años, desde 1963 hasta 1970. "Yesterday" emplea un cuarteto de cuerdas. "All you need is love", contiene a la "Marsellesa". "A day in the life" y "Because" están inspiradas en la música clásica en su estructura, cuerdas y vientos. Siete años. Sólo siete años fueron suficientes para que trazaran un hacer en la historia de la música. Si se mira en retrospectiva, muchas de sus acciones pueden parecer obvias, pero, para su contexto, no lo eran. Hibridez musical. Creación de video clips como historias. Fueron los primeros en hacer giras de forma sistemática y llenar estadios, lo que implicaba una transformación en el sonido de los grandes escenarios. Equilibrio y armonía son dos palabras que definen al cuarteto de Liverpool, pues hallaron el equilibrio y la armonía entre lo mainstream y lo conceptual. Y el Abbey Road...El famoso estudio "Abbey Road" es un templo de la música moderna. Artistas como David Bowie, Pink Floyd, Radiohead, Aretha Franklin, entre otros, grabaron en este paradigmático lugar. Allí, la música se materializó tal cual como la quisieron hacer sus creadores. El edificio fue comprado por la Gramophone Company en 1929 y en 1931 se utilizó por primera vez para hacer música. El "Abbey Road" (disco) fue resultado de las últimas sesiones en conjunto de The Beatles, expresa Carlos Arturo Flores. Harrison, Lennon y McCarthy están en equilibrio en la composición y la interpretación. El "Abbey Road" se materializa tras una gira de conciertos y la permanencia en un estudio como conjunto . En este disco se condensan las búsquedas como grupo. No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La flauta travesera es un instrumento musical que ha cautivado a oyentes y músicos durante siglos. Su historia es rica y fascinante, llena de innovación, adaptación y belleza musical. Desde sus humildes comienzos en la antigüedad hasta su prominencia en la música clásica y su versatilidad en géneros contemporáneos, la flauta travesera ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. En este artículo, exploraremos la historia de este instrumento querido.Orígenes AntiguosLa flauta travesera tiene sus raíces en la antigüedad, y los primeros ejemplos de flautas traversas se remontan a la Edad de Piedra, hace más de 35,000 años. Estos instrumentos primitivos estaban hechos de hueso y madera y eran utilizados por culturas de todo el mundo, desde los aborígenes australianos hasta los nativos americanos.Sin embargo, el antepasado directo de la flauta travesera moderna se desarrolló en Europa durante la Edad Media. Las flautas traversas medievales eran cilíndricas y generalmente estaban hechas de madera, con seis agujeros para los dedos. A medida que avanzaba el tiempo, se realizaron mejoras en el diseño y la técnica de fabricación, lo que llevó a la flauta travesera renacentista y, posteriormente, a la flauta barroca.La era Barroca y la transformación del diseñoLa flauta travesera barroca, que floreció en los siglos XVII y XVIII, experimentó una serie de cambios significativos en su diseño. Uno de los avances más notables fue la adición de llaves, que permitieron a los músicos tocar notas que de otra manera serían inaccesibles. Esto llevó a un mayor rango y una mayor facilidad de ejecución.Uno de los fabricantes de flautas más influyentes de la época fue Theobald Boehm, un alemán que vivió en el siglo XIX. Boehm diseñó una flauta travesera completamente nueva, con llaves y un sistema de agujeros cónicos que mejoró significativamente la afinación y la calidad del sonido. Su diseño, conocido como la "flauta Boehm", se convirtió en el estándar para la flauta travesera moderna y sigue siendo utilizado en la actualidad.La flauta travesera en la música clásicaLa flauta travesera desempeñó un papel importante en la música clásica durante los siglos XVIII y XIX. Compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Claude Debussy escribieron piezas destacadas para el instrumento, que se convirtieron en parte integral del repertorio clásico. La flauta travesera a menudo se asociaba con la belleza y la expresión lírica en la música de la época.Uno de los momentos más icónicos para la flauta travesera en la música clásica es el solo de flauta en la ópera "El Pájaro de Fuego" de Igor Stravinsky, una pieza que ha cautivado a audiencias de todo el mundo.El siglo XX y más alláA medida que avanzaba el siglo XX, la flauta travesera se diversificó aún más en términos de estilos y géneros musicales. Músicos de jazz, rock y música contemporánea comenzaron a incorporar la flauta travesera en sus composiciones, lo que amplió su versatilidad y la hizo aún más popular.Hoy en día, la flauta travesera es un instrumento versátil y apreciado en todo el mundo. Se utiliza en una variedad de géneros musicales, desde música clásica hasta jazz, música folclórica y música contemporánea. Su sonido claro y melodioso sigue siendo un elemento crucial en muchas composiciones y grabaciones.La historia de la flauta travesera es un testimonio de la capacidad humana para innovar y perfeccionar un instrumento a lo largo de los siglos. Desde sus inicios, la flauta travesera ha sido un instrumento querido y duradero. Su capacidad para evolucionar y adaptarse a lo largo del tiempo es un reflejo de su belleza y versatilidad musical, y su legado perdurará en la música durante generaciones venideras.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El colectivo "En defensa del cine peruano" aseguró, en un pronunciamiento enviado a EFE y firmado por 48 gremios y 785 directores y profesionales vinculados al cine y el trabajo audiovisual en Perú, que el proyecto de Tudela "no ha sido consultado con gremio cinematográfico alguno, por tanto, no tiene legitimidad".Entre los firmantes aparecen directores, guionistas, fotógrafos, críticos y periodistas especializados como Melina León, Rossana Díaz Costa, Héctor Galvez, Joel Calero, Fernando Villarán, Adrián Saba, Santiago Roncagliolo, Musuk Nolte, Juan José Beteta, Álvaro Mejía y Rodrigo Portales.Los firmantes aseguraron que la propuesta de Tudela "busca derogar la ley de cine vigente atentando contra la cultura, la diversidad y la libertad de expresión y creación" en Perú y que, además, "se opone directamente al cine en lenguas originarias".El pronunciamiento también cuestionó que se indique que "el monto asignado para el otorgamiento de estímulos no podrá superar el 50 % del coste de la producción cinematográfica o audiovisual", lo que "excluye inexplicablemente a la gran mayoría de las producciones nacionales que logran financiarse solo con los fondos del Estado".Alertó que también "se omiten puntos fundamentales" de la ley vigente, entre ellos el incentivo para la actividad cinematográfica regional y el estímulo a la promoción de exhibición alternativa.El colectivo enfatizó que defiende la vigencia de la actual ley peruana, porque "es el resultado de décadas de maduración (...) y a la vez impulsora de la actualidad y el futuro del sector"."En su elaboración participaron diversas asociaciones gremiales, lo cual le otorga legitimidad. La ley propone una visión integral que permite el desarrollo orgánico de múltiples áreas de la actividad cinematográfica", remarcó.Por este motivo, llamó "a la comunidad audiovisual y a la ciudadanía en general a estar alertas ante la amenaza del proyecto de ley Tudela" y a unirse "en defensa de la ley vigente y luchar por las demandas pendientes del sector"."Somos un grupo con múltiples puntos de vista, pero nos une la firme defensa de la cultura, la diversidad, la libertad de expresión y la democracia en nuestro país", concluyó.En otro pronunciamiento, emitido por la Unión de Cineastas Peruanos (UCP,) se alertó de que en el Congreso hay actualmente hasta cuatro proyectos de ley referidos al cine y el audiovisual, y cuestionó que sus autores hayan "ignorado el requisito democrático de escuchar a los trabajadores y productores del sector".Ante esto, los integrantes de la UCP expresaron su "unidad con los diversos gremios y organizaciones del cine y el audiovisual en todas las regiones" del país y anunció que se mantendrán "vigilantes ante el riesgo de que un esfuerzo de décadas que ha logrado el consenso de productores y organismos del estado, se pierda en medio de iniciativas que no tienen ese consenso"No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La Orquesta Filarmónica de Medellín y la cantante Paula Ríos de “Tú Rockcito”, ganadores del Grammy Latino 2021 por el álbum “Tú Rockcito Filarmónico”, se encuentran en el concierto de Halloween más divertido del universo, Cosmo: lo que cocinaron las estrellas. Con una historia escrita por Paula, con canciones para jugar y adivinanzas filarmónicas, chicos y grandes, le ayudarán a las estrellas a crear un niño.En Cosmo: lo que cocinaron las estrellas, un concierto de la Alianza Filarmed Comfama, todos podrán disfrazarse, cantar, ayudar con palabras mágicas, componer canciones, aprender sobre las familias e instrumentos de la orquesta y hasta jugar con la música de Filarmed y Tú Rockcito. Esta vez la Orquesta y Paula Ríos llevarán al público por un viaje desde las estrellas hasta el centro de la tierra: un niño. Será un concierto didáctico que combinará música, ciencia, astronomía, adivinanzas y mucha diversión para toda la familia. Ese día se interpretará una composición colectiva preparada con la pregunta ¿De qué está hecho un niño? Con ideas previas enviadas por niños y familias, se preparará la canción que finalizará la expedición universal, buscando los ingredientes de la vida. La Orquesta Filarmónica de Medellín habló con Paula Ríos acerca del concierto. Aquí traemos algunas de sus respuestas. ¿Qué ingredientes debemos tener en cuenta para crear un niño en el concierto?Un disfraz estelar, altas dosis de creatividad, una gran pizca de imaginación, el deseo de venir con toda la familia para acercarse a la música desde una escucha profunda, participar y dejarse llevar por la historia y la maravillosa música de Filarmed y Tú Rockcito.¿Es verdad que será un concierto de otro planeta?¡Sí, eso dicen hasta los astronautas! El concierto está hecho para hacer volar la imaginación porque reúne ciencia, astronomía, recetas químicas del universo, y todo eso se combinará con la magia de la música.¿Con qué música vamos a jugar?Nebulosas, meteoritos, cometas y niños jugarán al ritmo de Tchaikovsky “el increíble”, Mussorgsky “el lunático”, Wagner “el aventurero” y hasta Ravel “el soñador”, y además podremos disfrutar canciones de Tú Rockcito como Las olas del mar, Adivinanzas Filarmónicas y Canción de la ola y la cueva, entre otras.Para ti ¿Cómo se formó la vida?Mientras investigaba para escribir este guion, más me sorprendía de todo lo que tuvo que suceder en el cosmos para que se formara la vida en la tierra. Es emocionante saber que nuestros huesos están hechos del calcio de las estrellas, que gracias al sol y la mezcla de ingredientes producidos desde el Big Bang, podemos existir, ¡somos producto de las estrellas!Lo mejor de esta expedición buscando los ingredientes de la vida, es que contamos con el científico Carlos Guarnizo que acompañó el proceso de la escritura del guion y nos permitió crear una historia con detalles científicos reales, mezclados con poesía y música.El concierto será el próximo domingo 1 de octubre a las 11:00 a.m. en el Teatro Universidad de Medellín, puede conseguir sus entradas latiquetera.com, Premium Plaza, Plazoleta Central La Tiquetera Itagüí.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
