Venezuela recibió el récord Guinness a "la orquesta más grande del mundo" tras lograr poner en escena a miles de músicos que interpretaron la Marcha Eslava de Tchaikovsky. La marca fue alcanzada por el Sistema de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela, un programa estatal fundado en 1975 por el maestro José Antonio Abreu que dio acceso a educación musical a millares de niños de clases populares, al desplazar a Rusia que la había impuesto en 2019 con 8.097 músicos."Puedo confirmar que este intento ha sido exitoso, felicidades, Guinness World Récord como la orquesta más grande, ustedes son oficialmente asombrosos", dijo la oficial a cargo de dar el veredicto en una pantalla durante un acto en la sede de "El Sistema", como es normalmente conocido.Aunque el intento por el récord se hizo el pasado sábado en el patio de la Academia Militar de Venezuela, con unos 12.000 músicos venezolanos, los encargados de certificar la cifra reconocieron que la orquesta constó de 8.573 integrantes. "La orquesta más grande consiste de 8.573 músicos y fue lograda por el Sistema Nacional de Orquestas y coros juveniles e infantiles de Venezuela, en Caracas, el 13 de noviembre de 2021", indica el certificado de la organización Guinness.Músicos venezolanos, incluyendo niños de 12 años hasta adultos integrantes de la principal orquesta del país, la Simón Bolívar, interpretaron la Marcha Eslava dirigidos por el maestro Andrés Ascanio, de 34 años. "Es una hazaña, no solo del Sistema, sino del país", dijo entre aplausos Eduardo Méndez, director de este programa conformado por un millón de miembros en todo el país. Venezuela ya acumula varios otros Guinness, incluidas el Salto Ángel, la caída de agua más alta del mundo, o el llamado "Relámpago del Catatumbo", el sitio con mayor cantidad de tormentas eléctricas del planeta.También está el teleférico más alto del mundo, la mayor arepa y pan de jamón, comidas típicas venezolanas, y hasta las cinco coronas en el Miss Mundo son un récord en este país exportador de reinas de belleza. "El Sistema", que ha sido replicado por decenas de países, es cuna de emblemas como Gustavo Dudamel, el director musical de la Ópera de París y la Filarmónica de Los Ángeles, que envió un mensaje de felicitación a través de un video publicado en sus redes sociales.La obra de Tchaikovsky, compuesta en 1876 como himno para inspirar a los soldados rusos y serbios en la guerra con Turquía, fue tercera en el programa de ocho piezas en el concierto del 13 de noviembre. "El Sistema" ya había reunido a más de 10.000 músicos para rendir tributo al maestro Abreu cuando falleció. Presente en la ceremonia para celebrar el récord, el embajador ruso en Venezuela, Sergei Melik-Bagdasarov, felicitó al país por su "digna" victoria. "Sabemos todos que el récord anterior pertenecía a Rusia, ahora es su logro, pero compartimos con mucho gusto esta victoria", expresó el diplomático en el acto transmitido por la televisión estatal.
Chaikovski nació en Rusia, bien entrada la época de 1840. Su camino musical estuvo mediado por una ´época prolífica de creadores, siendo contemporáneo de artistas como Borodin, Mussorgsky o Rimski-Korsakov, el conocido Grupo de los cinco. Sin embargo, con un trabajo arduo el compositor logró desligarse de las formas de la época y construir un estrilo propio que lo convertiría en un referente obligado, al hablar de música. El nacionalismo imperante de la música del momento no fue nunca de su interés, por el contrario, Chaikovski se enfocó en profundizar sobre él mismo, anulando el contexto como una fuente de principal inspiración. Su corazón entonces se convirtió en el mapa y la ruta, en el medio para hablar de su compleja y atormentada personalidad hasta convertirla en sinfonía.Los primeros pasos de Tchaikovsky en el mundo de la música no revelaron un especial talento ni para la interpretación ni para la creación. Sus primeras obras, como el poema sinfónico Fatum o la Sinfonía núm. 1 "Sueños de invierno", mostraban una personalidad poco definida. De inspiración fácil, gustaba del lirismo efusivo y espontáneo, abierto a inflexiones idílicas, lo que explica el éxito posterior de sus obras tanto en su patria como en el extranjero.Quizás haya sido "El lago de los cisnes" de 1877 su primera obra de gran acogida y reconocimiento, a pesar de haber sido despreciada en el estreno. La romántica y mágica historia de amor entre Sigfrido y Odette, princesa transformada en cisne, es actualmente una de las piezas cimeras del repertorio, con números tan célebres como el Vals del acto primero, la Introducción del segundo o las danzas características del tercero.
Por más de dos siglos, músicos, historiadores y restauradores han estudiado detenidamente este misterio que hasta hoy, la ciencia no acaba de develar: el sonido del violín Stradivarius. Y no es necesario ser un experto en música para haber escuchado alguna vez que estos instrumentos son los mejores violines que jamás se hayan construido en la historia, pues su sonido es incomparable.En la actualidad, la ciencia aún no ha comprendido cómo estos instrumentos creados entre el siglo XVII y XVIII (hoy son muy escasos) son mucho mejores que los que se manufacturan en el mercado. Alrededor de esta hipótesis se han creado muchas teorías, algunas mucho más verosímiles que otras.Una de ellas es que se cree que la madera utilizada para crearlos proviene del abeto alpino que creció durante un periodo de clima inusualmente frío, lo que provocó que los anillos de crecimiento anuales estuvieran más juntos, haciendo que la madera fuera anormalmente más densa que la de los demás.Otra teoría que prevalece tiene que ver con el barniz que Antonio Stradivari utilizó, y que mezclaba un ingenioso cóctel de miel, clara de huevo y goma arábiga de árboles subsaharianos. Pero entre todas las teorías, hay una que tiene más aceptación entre la comunidad científica: el secreto está en los productos químicos utilizados para empapar la madera: bórax, zinc, cobre, alumbre y agua de cal.En 2017, un grupo de investigadores taiwaneses comparó el arce utilizado por Stradivarius con la madera de arce moderna de alta calidad. El resultado del análisis arrojó la evidencia de tratamientos químicos en forma de aluminio, calcio y cobre, entre otros elementos. Con el paso del tiempo, la descomposición de la hemicelulosa, un componente de la madera, los instrumentos de Stradivari y Guarneri utilizados en el estudio tenían un 25% menos de agua que los instrumentos modernos.El resultado de dicha investigación es contundente: entre menos humedad, más brillante es el sonido. Esta conclusión se pudo comprobar al analizar las trazas químicas conservadas en la madera de arce utilizada para fabricar las cajas de resonancia de los instrumentos de Stradivari y Guarneri. En la investigación se utilizó una rara colección de muestras de madera cremonense de abeto y arce. Ahí encontraron rastros de bórax y varios sulfatos metálicos con más de 300 años de antigüedad.
El director de orquesta levanta su batuta y la música empieza a sonar ante un público expectante, que intenta descubrir la huella de Beethoven en una melodía basada en unas cuantas notas suyas pero completada con la ayuda de la inteligencia artificial. La obra, interpretada en una sala de Lausana (Suiza) por la orquesta Nexus, está inspirada en un puñado de notas que el genial compositor alemán dejó, posiblemente fragmentos de su 10ª sinfonía y fue terminada gracias a la tecnología.En cuanto estuvo terminada, la orquesta ensayó esa pieza inédita durante un rato y, esa misma noche, la presentó en un concierto. La obra se llama BeethovANN 10.1 y fue creada gracias a un programa de inteligencia artificial. "ANN" se refiere al acrónimo (en inglés) de Red Neuronal Artificial, una de las formas de la inteligencia artificial. "No sabemos demasiado bien cómo resultará. Está esa parte un poco imprevista, pero hay que entender que no es el resultado lo que cuenta, si no el proceso", había explicado días antes a la AFP Guillaume Berney, el director de orquesta.Detrás de BeethovANN 10.1 está Florian Colombo, un violoncelista que ha dedicado largos años al proyecto de enseñarle a una máquina cómo componer siguiendo el estilo de uno de los más grandes músicos de la historia. El jueves, Florian Colombo abrió el fichero Symphonie 10.1 en una gran pantalla y, con un solo clic, generó la partitura final para la obra, que dura unos 5 minutos.Tras ello, Guillaume Berney efectuó algunos ajustes armónicos y la pieza fue presentada al público esa misma noche. Este viernes está previsto realizar una segunda representación. "Es bastante genial ver esto, es como estar en la unidad de maternidad, es un nacimiento", afirmó el director de orquesta, con las primeras hojas de la partitura en la mano. "En cuanto a lo que veo a nivel armónico, estamos más bien en la época de Beethoven, así que podemos decir que es un éxito".Durante el ensayo, Florian Colombo confesó su "emoción". "Hay un toque de Beethoven pero esto es verdaderamente BeethovANN, es algo por descubrir", apuntó. "Hay algunas cosas que están muy bien, otras que están fuera del estilo pero es agradable. Quizá le falta la chispa del genio", señaló.Colombo, investigador informático de la prestigiosa Escuela Politécnica Federal de Lausana, educó a las redes de neuronas artificiales con los 16 cuartetos de cuerda de Beethoven y sus acordes particulares, y luego le pidió que compusiera a partir de fragmentos lo que habría podido convertirse en la 10ª sinfonía. "La idea es poder apretar el botón y tener la partitura completa para la orquesta sinfónica entera, sin más intervenciones que mi trabajo previo", explicó el investigador.
En la sala, junto al piano, se ubican las violas. En la cocina, los violines. Más tarde, en un turno sucesivo, llegarán los teclados y el coro. Se trata del Principito Sinfónico, una pieza de teatro musical creada en medio del confinamiento por el covid 19, lanzada en disco el pasado 30 de julio y que desean presentar al público a partir de noviembre.El director de la orquesta, Enmanuel González, no puede esperar más. "El Principito es un proyecto hermosísimo. Fue el trabajo de la cuarentena y fue una vía de escape también, era lo único en que pensábamos. Me tiene con mucha expectativa y quiero presentarlo ya", dice impaciente.Inspirada en la novela de Antoine de Saint-Exupéry, El Principito Sinfónico es una composición original de los miembros de esta orquesta formada por más de 120 músicos profesionales venezolanos que llegaron a Argentina hace cuatro o cinco años, parte del enorme éxodo de su país. Muchos de ellos se ganaban la vida tocando en los pasillos del metro de Buenos Aires. Pero la llegada del covid 19 los sumió en "un periodo oscuro", del que ahora emergen con esta obra, refiere su director ejecutivo, Omar Zambrano. "La habíamos pensado antes de la pandemia, pero no la habíamos podido ejecutar porque requiere mucho tiempo para la composición y los arreglos. Es el resultado de muchas voluntades: los compositores, los arreglistas, los ejecutantes, el director. De a poquito se fue armando en pandemia, de a pedacitos, a medida que se flexibilizaba el confinamiento", relata Zambrano. Durante ese tiempo también crearon una escuela de música en línea, Latin Vox Academy, que permite a los músicos generar ingresos.Del trauma a la alegría"Difícilmente estaríamos haciendo lo que hacemos sin el trauma del desplazamiento y de la pandemia. El ejercicio de transformar lo malo en lo bueno es lo poderoso de lo que hacemos. Convertir el trauma en alegría es un arte", indica Zambrano. En los meses más difíciles recibieron asistencia del Alto Comisionado de la ONU para los Refugiados (Acnur) y de la Organización Internacional de las Migraciones (OIM). "La pandemia del covid 19 vino a exacerbar la vulnerabilidad de la población migrante y la refugiada. La mayoría de esas personas trabajaba en el sector informal y se vio abiertamente afectada por las medidas sanitarias", expresa Juan Carlos Murillo, representante de Acnur.Pero el proyecto Latin Vox Machine "permitió que pudieran continuar trabajando y relacionándose. Es una muestra fehaciente del valor, de la determinación y de la resiliencia de las personas refugiadas y migrantes", asevera Murillo. Venezuela es, detrás de Siria, el segundo país del mundo con mayor número de desplazados, unos 5,6 millones de personas desde 2015, según la estimación de Acnur. En Argentina residen unas 185.000.La cantante Isa Ramos y el coordinador de la orquesta, César Pérez, se encargaron durante el confinamiento de contactar a los músicos para saber qué necesitaban."Creamos una red. Con familias maravillosas hicimos una colecta inmensa. Pagamos alquileres de varios chicos por varios meses. Atendimos situaciones médicas, cirugías. Y en la Navidad los niños (de los músicos) también tuvieron esa ilusión de los regalos", recuerda satisfecha Ramos."Volver a escucharnos"La violinista María Andreyna Chávez considera que la orquesta ha sido en este tiempo una "bendición" y por nada en el mundo renunciaría a los domingos de ensayo. "Es la unión, volver a vernos. Después de tanto tiempo, volver a escucharnos. Hemos sido muy bendecidos con el Principito. Nos ha dado mucho: un objetivo, un continuar, un seguir", sostiene.Zambrano la secunda y asegura que "esa dinámica de ensayar, de perseguir un objetivo artístico es un privilegio que atesoramos y compartimos. Los ensayos son más valiosos que los propios conciertos, porque es el espacio en el que ocurre el reencuentro que teníamos en Venezuela y que de pronto perdimos". Aunque muchos de ellos no se conocían antes, la gran mayoría se formó en el aclamado Sistema de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela, donde comenzó su carrera Gustavo Dudamel, el nuevo director de la Ópera de París.
Después de una amplia y ecléctica carrera que alcanza las tres décadas, Moby se sitúa hoy en el gran salón de los pioneros de la música electrónica. Además de ser cantante y compositor, productor, activista y restaurador, ha decidido emprender una última aventura musical que se presenta bajo una luz completamente nueva. "Reprise" incluye sus pistas más conocidas en nuevos arreglos para instrumentos clásicos, con el propio Moby y una alineación estelar de colaboradores, arreglistas y expertos de todo el espectro musical.El álbum, que salió a la venta el pasado 28 de mayo, coincide con el estreno de Moby Doc (2021), un documental surrealista escrito y dirigido por Rob Bralver, narrado por el propio Moby, en el cual reflexiona sobre su vida personal y la iconicidad de su música. En el documental, Moby explora desde sus bases como guitarrista de una banda punk hasta convertirse en una super-estrella que definió por años al arquetipo de -productor de música electrónica-; de ser un hombre con problemas con las drogas a ser uno de los activistas veganos más reconocidos del mundo, su vida estará contenida en este material que contendrá entrevistas exclusivas con leyendas de la talla de David Lynch y David Bowie.Moby asumió el reto de explorar su música en clave sinfónica tras actuar, hace tres años, con Gustavo Dudamel en el Walt Disney Concert Hall, en la que fue su primera incursión en este formato. Ahora, con "Reprise", el músico neoyorkino de 55 años celebra su ingreso en el histórico sello berlinés de música clásica, el más prestigioso del mundo.Durante el anuncio, realizado en marzo de este año, compartió el primer adelanto del material, una nueva versión de su clásico ‘Porcelain’, segundo sencillo de su quinto álbum de estudio Play (1999) que lo llevó a ser un icono para la cultura pop. Contrario a las atmósferas electrónicas de la original, está tiene su base en una melodía a piano y unos violines. La voz la comparte con Jim James, líder de la agrupación My Morning Jacket.El álbum de 14 pistas incluye canciones clásicas de Moby como Porcelain, Why Does My Heart y Extreme Ways en versiones nuevas y absolutamente innovadoras instrumentadas en conjunto con la Budapest Art Orchestra, además de contar con colaboraciones llamativas que incluyen a Jim James, Víkingur Ólafsson, Gregory Porter y Kris Kristofferson.
En HJCK, hemos elegido a uno de los personajes más auténticos y representativos de la generación modernista de la cultura checa como nuestro Músico de la Semana: Leoš Janáček. Sus obras, muchas veces eran basadas en la música popular que provenía de las regiones de Moravia, particularmente de la Eslovaquia Morava y de Laquia.Nacido el 3 de julio de 1854 y siendo el noveno hijo de sus padres Jiří y Amálie Janáček,, se ganó la vida durante mucho tiempo como profesor de música. En 1919, un año después del surgimiento de la Checoslovaquia independiente, fundó el Conservatorio de Brno.Sus primeras dos óperas, Šárka y El comienzo de un romance, escritas a finales del siglo XIX, no cosecharon mucho éxito. El maestro se impuso hasta en 1904 con la ópera Jenůfa que le abrió las puertas al mundo de la música clásica mundial.Entre otras obras más destacadas de Leoš Janáček figuran las piezas orquestales, como la Sinfonietta, La Misa glagolítica y la rapsodia Taras Bulba, entre otras composiciones. Gracias a estas obras de madurez, Janáček está considerado como uno de los compositores checos más importantes, junto a Antonín Dvořák y Bedřich Smetana.Su última ópera la escribió en 1930 bajo el título "De la casa de los muertos" con libreto del compositor basado en la obra de Fiódor Dostoyevski. Janáček falleció a causa de una neumonía el 12 de agosto de 1928 en la ciudad de Ostrava.A continuación disfrute del gran especial de nuestro músico de la semana transmitido a través de hjck.com sobre la vida y obra del compositor.
El sonido de las cuerdas se eleva el viernes por la noche desde un pequeño triángulo verde en el centro del distrito de Brooklyn, viene de los instrumentos de los músicos de la orquesta filarmónica de Nueva York, lejos de su habitual sede en el Lincoln Center de Manhattan. Con la temporada de otoño cancelada y la sala cerrada debido al coronavirus, Quan Ge, Cong Wu y sus violines actúan frente a la furgoneta de la orquesta, que acertadamente se llama Bandwagon, un juego de palabras entre "tren en marcha" y "vehículo de la orquesta".La filarmónica eligió ese nuevo formato, que presenta tres veces al día los viernes, sábados y domingo, hasta mediados de octubre, para encontrarse con los neoyorquinos en las calles. Algunos pasan sin ver, pero otros se detienen a escuchar estas melodías que se mezclan con los ruidos de la ciudad, como la bocina de un camión cuyo tono coincide milagrosamente con la canción. En este momento, "es como si la ciudad fuera nuestra orquesta y que nosotros fuéramos los solistas", se maravilla Anthony Roth Costanzo, cantante de ópera y productor de esta serie de mini-conciertos "pop-up", que se apoderan de los cuatro rincones de la metrópoli sin anunciarse de antemano."En este periodo de pandemia, de cambio social, estamos explorando nuevas formas para entrar en contacto con la gente", explica el contratenor. "Tenemos que reinventar las formas de ir a los conciertos", expresa. "No se trata solo de que la gente venga a nuestra casa, a nuestro local, se trata de presentarnos al mundo y mostrar lo que la música puede hacer", añade. Además del lugar, la orquesta filarmónica más antigua de Estados Unidos (178 años) también ha ampliado su repertorio para atraer a los espectadores.En el pequeño jardín público de Brooklyn, a pocos metros de la Academia de Música de Brooklyn, los músicos, utilizando tapabocas y separados como mandan los protocolos sanitarios, terminan con la balada "Somewhere" del musical "West Side Story". Los miembros de la banda cambiaron su sobria indumentaria de la sala de conciertos por camisetas y gafas de sol y animan al público a acercarse e incluso a bailar.Anthony Roth Costanzo está a cargo de la animación entre canciones, con un micrófono en mano desde la parte trasera de la camioneta. Los conductores bajan las ventanillas para escuchar algunas notas de un arreglo de cuerdas del himno tributo de Nueva York "Empire State of Mind (Part II)" de la cantante pop Alicia Keys."Necesitamos un escenario""¡Te amo!" grita Lorri, una mujer con lágrimas en los ojos después de la seria interpretación de "Lachrimae Pavan". "Me conmovió", dice poco después, emocionada por este concierto que para ella es "un regalo del cielo". Desde el comienzo de la pandemia y el cierre de la mayoría de las salas de espectáculos en Estados Unidos, los conciertos virtuales se han multiplicado en un intento por llenar el vacío. Pero "no es lo mismo", según Cong Wu. "La música es la comunicación y necesitamos un escenario", precisa. La Filarmónica mantiene en secreto la ubicación de estas actuaciones al aire libre para evitar las multitudes y crear condiciones para una propagación de la covid-19.Pero incluso frente a unas pocas docenas de espectadores elegidos al azar, no todos ellos amantes de la música clásica, con la debida distancia "es agradable sentir la energía de la gente", se regocija el violinista. "Hubo un momento al final, cuando los violines se callaron, en el que hubo un silencio perfecto, del tipo que se escucha en una sala de conciertos", dice Anthony Roth Costanzo. "Podía sentir que la gente se ponía en contacto", afirma. "No sólo entre ellos y nosotros, sino también entre nosotros. Es tan importante en el mundo de hoy", subraya.
Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar del interés musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de trece años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los cincuenta y tres años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.A pesar de ser popular en todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento. De hecho, Chaikovski está considerado actualmente como el más destacado músico de Rusia y una de las figuras más importantes de la cultura de ese país a lo largo de su historia.AmorEl escritor Aleksandr Poznanski mostró a través de su investigación que Chaikovski tuvo sentimientos homosexuales y que algunas de las relaciones más cercanas que mantuvo fueron con personas del mismo sexo. El criado de Chaikovski, Alekséi Sofrónov y el sobrino del compositor, Vladímir "Bob" Davýdov, han sido citados como intereses románticos.28Más dudas plantea la conformidad que tenía Chaikovski de su propia naturaleza sexual. Tras leer toda la correspondencia de Chaikovski, incluyendo la no publicada, Poznanski concluye que el compositor «finalmente empezó a ver sus peculiaridades sexuales como algo inevitable e incluso como una parte natural de su personalidad... sin haber sufrido ningún daño psicológico grave». También han sido publicadas secciones importantes de la autobiografía de su hermano Modest, en las cuales se refiere a esta orientación sexual de su hermano, que comprendía por ser similar a la suya. Algunas cartas que fueron suprimidas por los censores soviéticos, en las cuales Chaikovski habla abiertamente sobre su homosexualidad, han sido publicadas en ruso, así como traducidas al inglés por Poznanski. Sin embargo, el biógrafo Anthony Holden afirma que la búsqueda del musicólogo y erudito británico Henry Zajaczkowski «mediante líneas psicoanalíticas» tiende en cambio a «una inhibición severa inconsciente por parte del compositor acerca de sus sentimientos sexuales»:El musicólogo e historiador Roland John Wiley sugiere una tercera alternativa, basada en las cartas de Chaikovski. Sugiere que a pesar de que Chaikovski no sufría «ningún sentimiento insoportable de culpabilidad» sobre su homosexualidad, permaneció temeroso de las consecuencias negativas de que eso saliera a la luz, especialmente en las ramas de su familia. Su decisión de casarse e intentar llevar una doble vida fue propiciada por varios factores: la posibilidad de que se revelara su situación, la voluntad de agradar a su padre, su propio deseo de una casa permanente y su amor por los niños y la familia. A pesar de que Chaikovski pudiera haber tenido una vida activa en cuanto a romances, las pruebas sobre emplear «argot sexual y tener encuentros apasionados» son limitadas. Buscó la compañía de homosexuales en su círculo durante largos periodos, «asociándose abiertamente y estableciendo conexiones profesionales con ellos». Wiley añade, «las críticas de inexpertos en la materia sobre lo contrario, que no justifican su asunción, salvo por el periodo de [corta vida matrimonial], afirman que la sexualidad de Chaikovski incluso afectó a su inspiración profundamente, o hizo de su música una confesión idiosincrática o incapaz de comunicar contenido filosófico». Lo cierto es que el último movimiento de la Sexta Sinfonía de Chaikovski, más conocida como la Patética, refleja la progresiva desesperación del autor ante la hostilidad de su entorno social y anuncia acaso su suicidio, camuflado bajo el manto de una enfermedad autoinducida, nueve días después de su estreno.
A pesar de que en su niñez aún no sabía bailar, Alicia Alonso recuerda que en sus primeros años de vida al escuchar música cerraba los ojos y movía su cuerpo, se dejaba llevar por los movimientos que la melodía le inspirara, improvisando los primeros pasos del arte que años después la convirtió en leyenda.Así recordaba sus inicios en el ballet y su amor por la música la célebre bailarina y coreógrafa cubana, quien murió el pasado jueves a la edad de 98 años dejando tras de sí un mito inigualable en la danza iberoamericana.“Desde muy pequeña yo oía la música y enseguida me ponía a bailar lo que yo pensaba, lo que yo sentía. Yo nunca había visto ballet, pero la música siempre me ha inspirado el movimiento, la danza en sí. Cogía cualquier cosa que encontrara, un chal o por lo general unas toallas, y me ponía a moverla como si fuera el pelo. Creo que imitaba un poquito a Isadora Duncan sin saberlo, porque nunca la había visto a ella ni sabía nada, pero era lo que yo necesitaba: bailar, moverme con el cuerpo, y eso era lo que me inspiraba la música”, contó Alonso en una breve entrevista rescatada del Archivo HJCK, concedida a Radio Francia Internacional en París, en 1998, donde tras 15 años de ausencia el Ballet Nacional de Cuba presentaba dos de sus mayores creaciones: El lago de los cisnes y Giselle.Alonso nació en La Habana, Cuba, en 1921 y desde muy joven comenzó a brillar en teatros del mundo entero con su interpretación de Giselle.La artista recordaba que jamás oyó música sin sentir el baile y que acostumbraba cerrar los ojos cuando asistía a un concierto para, inconscientemente, crear y coreografiar un ballet, “viendo toda la escena, los bailarines bailando, la entrada, la salida, lo empiezo a inventar en ese momento en la imaginación. Cuando se termina la sinfonía o lo que esté escuchando de música, el concierto en general, termino agotada porque lo he bailado todo”, dijo.Muchos la recuerdan bailando en Coppelia, El lago de los cisnes, Carmen, La viuda alegre y demás piezas clásicas que han hecho la fama de la compañía Ballet Nacional de Cuba, que ella misma fundó en 1948. Sus seguidores también evocan a la bailarina como una mujer de cuello de cisne, disciplinada y temperamental como pocas, que seducía al público con sus giros virtuosos, así como una coreógrafa exigente que hacía repetir incansablemente los movimientos en busca de la perfección.Por eso su partida la semana pasada, a raíz de una dolencia cardíaca, deja un vacío enorme. No solo se marcha la única latinoamericana en ostentar el título simbólico de ‘prima ballerina assoluta’ (otorgado a las bailarinas más excepcionales), sino también se va la gran dama cubana que se codeaba con reyes, poetas y políticos.Su despedida fue en el Gran Teatro de La Habana, el mismo recinto que llenó de gloria al ballet de Cuba y que este domingo recibió el cuerpo de Alonso, que en su último acto público estuvo arrullada por música clásica, antes de partir a la eternidad.En el vestíbulo del edificio de estilo neobarroco, al lado del Capitolio Nacional, se instaló la capilla ardiente de la leyenda cubana.Hubo lágrimas, pero también rosas y acordes de violines, como aquellos que acompañaron sus fuettés y relevés.Su féretro fue cubierto con una tela de encaje y rosas blancas, y lo ubicaron a los pies de una escalinata de mármol colmada de flores. Cuatro fotos gigantes de sus mejores épocas adornaban el lugar, a donde acudieron cientos de personas en agradecimiento por su inconmensurable legado a la cultura y el arte de la isla.
La composición de Todo tranquilo en el frente occidental se inició en 1989, pero solo se completó diez años más tarde. La compositora, Nancy Jean Van de Vate, adaptó el libreto de la famosa novela acerca de la Primera Guerra Mundial Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente) de Erich Maria Remarque, con alguna referencia al guion cinematográfico de 1929. Aunque la novela se ha utilizado tres veces como base de una película, nunca antes se le había puesto música.La composición de la ópera ya estaba en marcha cuando, a finales de 1990, la compositora, Nancy van de Vate, recibió el encargo de crear la música para la ópera romántica en cuatro actos, Nemo: Jenseits von Vulkania, con libreto de Allen Cortés. Años más tarde, regresó a la composición de Todo tranquilo en el frente occidental, en 1996, completando al fin la ópera en 1999.Estilística e ideológicamente, esta ópera pertenece a varias de las otras grandes obras de Van de Vate de finales de los años 1980 que también se basaban en temas sociales y políticos, en particular Chernobyl para orquesta y Katyn para orquesta y coro. Al igual que Todo tranquilo en el frente occidental, el ambiente de estas obras también es sombrío, y la disonancia extrema se alterna con un lirismo trágico.Aunque la ópera se desarrolla en medio de los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, particularmente la vida en las trincheras se centra en las relaciones humanas y las respuestas de sus personajes más que en actos de batalla o incidentes específicos de heroísmo.Hace 25 años la compositora Nancy van de Vate presentó esta, su ópera Todo tranquilo en el frente occidental, que adaptó de la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente.En la versión que transmitiremos en la señal en vivo de la HJCK podrá escuchar en el reparto a Michael Polscer, Josef Krenmair, Steven Scheschareg, Dominic Natoli, Marek Olbrzymek, Josef Krenmair, Linda Healy-Steck, Martha Jane Howe, Evelyn Petros, Linda Healy-Steck, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Moravia, dirigida por el estadounidense, nacido en Japón, Toshiyuki Shimada.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 28 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hasta el 2 de mayo Bogotá acogerá la Feria Internacional del Libro, que este año tiene a Brasil como país invitado. En su edición número 36, la temática central de la feria es “leer la naturaleza”, por lo que varios de los eventos destacados están relacionados con la conexión entre la naturaleza y el arte.Además de las jornadas de firmas de libros, la feria, que se lleva a cabo en Corferias, tiene una amplia oferta de eventos, presentaciones de libros, talleres y presentaciones artísticas para todas las edades. Estos son algunos de los eventos para este sábado 27 y domingo 28 de abril.Sábado 27 de abrilGuardianas y guardianes del aguaEn este taller, dirigido a niños y niñas desde los 7 años, se destacará la importancia de las fuentes de agua en Ciudad Bolívar, las luchas que los colectivos han tenido por su preservación y cuidado. Se promoverán guardianes y guardianas del agua a través del collage con las imágenes de archivo presentes en la Exposición Digital Marca de agua.🕒 10:00 a. m. - 11:00 a. m.📍 Pabellón Leo por naturalezaCarranga y naturalezaContinuamos con la oferta de actividades para toda la familia. El maestro Jorge Velosa cuenta en esta charla cómo la naturaleza ha inspirado algunas de sus canciones más queridas y escuchadas y sobre todo lo que le ha enseñado el armadillo, uno de sus animales más queridos.🕒 10:00 a. m. - 11:00 a. m.📍 Carpa CulturalUn animal separado: poesía y naturalezaHoracio Benavide, Andrea Cote y Ahmad Mohsen conversarán sobre la relación, o separación, entre el ser humano y la naturaleza. En esa conversación llena de poesía, los tres poetas hablan de su visión personal de la naturaleza y su presencia en sus obras.🕒 2:30 p. m. - 3:30 p. m.📍 Sala María Mercedes CarranzaLa gastronomía de Cómbita, Boyacá: comida de montañaAsista al show de cocina en vivo a cargo del cocinero Leonel Jaramillo, quien presenta la diversidad gastronómica del departamento de Boyacá y sus saberes.🕒 4:30 p. m. - 5:15 p. m.📍 Carpa Colombia a la mesaPresentación de la segunda película de “Los Iniciados”Después del éxito de "Los iniciados" llega la segunda parte de esta película basada en Frank Molina, personaje de los libros de Mario Mendoza.🕒 7:00 p. m. - 8:00 p. m.📍 Auditorio José Asunción SilvaPresentación del libro “Hijo de Pantera”El autor David Robledo Ardila conversa con el escritor y guionista Antonio García sobre su más reciente novela en la que se detiene en los instantes concluyentes para la vidas minúsculas de todos los implicados de la historia. Desenvuelve los detalles para entender cómo transita la sangre, su pulso en un momento determinado, y convierte ese temblor en un cuento que cualquier familia podría contar, como si fuera propio.🕒 7:00 p. m. - 8:00 p. m.📍 Talleres 3💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Domingo 28 de abrilTaller de ilustración Arribabajo: descubriendo la ruralidad colombianaEn este taller, para niños entre ocho y doce años, los menores explorarán cómo se hizo cada uno de los libros de la colección Arribabajo dirigida a familias que viven en el campo colombiano, y los invitarán a hacer su propio libro.🕒 10:00 a. m. - 11:00 a. m.📍 Talleres 4Chiribiquete según los indios y según los blancosCarlos Rodríguez, biólogo y director de la Fundación Tropenbos, ha trabajado durante 30 años con conocedores indígenas para entender mejor su manera de habitar y conocer la selva amazónica. En esta conversación se sentará junto a Uldarico Matapí, uno de los conocedores más importantes de la parte media del río Caquetá, para descifrar y explicar juntos la pictografía de Chiribiquete.🕒 11:30 a. m. - 12:30 p. m.📍 Sala FilBo LIJLa Sierra Nevada de Santa Marta: territorio ancestral y escenario literarioCarlos Rodríguez, biólogo y director de la Fundación Tropenbos, ha trabajado durante 30 años con conocedores indígenas para entender mejor su manera de habitar y conocer la selva amazónica. En esta conversación se sentará junto a Uldarico Matapí, uno de los conocedores más importantes de la parte media del río Caquetá, para descifrar y explicar juntos la pictografía de Chiribiquete.🕒 4:00 p. m. - 5:00 p. m.📍 Sala Jorge IsaacsPara los ‘swifties’ (y para quienes no entienden el fenómeno): la poesía en la música de Taylor SwiftEl fenómeno “Swiftie” es uno de los temas que ha generado más impacto en las nuevas generaciones y ha movilizado tendencias, opiniones y economías en muchos lugares del mundo. A través de un viaje musical y literario, la editora Cindy Roa y la periodista Daniela Cristancho conversarán con el poeta Federico Díaz Granados sobre las distintas conexiones entre la obra musical de Taylor Swift y la poesía, temas que han sido abordados por diferentes medios y programas académicos en varias universidades del mundo.🕒 5:30 p. m. - 6:30 p. m.📍 Gran Salón C🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Transmitzvah fue añadida a la selección oficial y podrá verse en el denominado Cine de la Playa, una pantalla gigante que se instala sobre la arena de la Croisette, a pocos metros de la alfombra roja que lleva al Palacio de Festivales, para ver algunas de las películas del certamen al aire libre.Burman, de 50 años, ya participó en el Festival de Cannes del año 2021 en calidad de miembro del jurado de la sección "Una cierta mirada", que premia obras y estilos cinematográficos originales y diferentes.El realizador argentino es conocido por proyectos como las series Iosi, el Espía Arrepentido o El rey del Once y por películas como El abrazo partido, que ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 2004.Para Transmitzvah ha contado con un elenco que incluye a la actriz española Penélope Guerrero y a los argentinos Juan Minujín y Alejandro Awada.Junto a la producción argentina, Cannes anunció otros tres títulos que se podrán ver en su Cine de la Playa: las películas francesas de animación Silex and the city (Jul) y Slocum et moi (Jean-François Laguionie) y el documental My way (Lisa Azuelos y Thierry Teston).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También avanzó los dos filmes que propondrá este año para el público infantil, las cintas de animación Sauvages (Claude Barras) y Angelo dans la forêt mystérieuse (Vincent Paronnaud and Alexis Ducord).El comunicado que anunció estas novedades a la selección oficial reveló también que la actriz y directora italiana Valeria Golino será otra de las invitadas de la edición número 77 del icónico festival, donde tendrá un encuentro con el público tras el estreno del primer episodio de su nueva serie L'arte della gioia, basada en el libro homónimo de Goliarda Sapienza.La edición número 77 del Festival de Cannes tendrá lugar del 14 al 25 de mayo y el jurado que decidirá la Palma de Oro estará presidido por la directora y actriz estadounidense Greta Gerwig.Por el máximo premio entregado en el Palacio de Festivales de Cannes, que el año pasado quedó en manos de la francesa Anatomía de una caída (Justine Triet), también competirán nombres como el estadounidense Francis Ford Coppola, el canadiense David Cronenberg, el italiano Paolo Sorrentino o el griego Yorgos Lanthimos.Fuera de competición también podrán verse otros títulos muy esperados, como la película Furiosa: A Mad Max Saga (George Miller) u Horizon, an American saga, la serie de Kevin Costner sobre el Oeste americano; y el cineasta George Lucas recibirá la Palma de Oro de Honor.Transmitzvah será la única presencia argentina en el festival oficial, pero, en las secciones paralelas, el país sudamericano estará en cartelera tanto en la Semana de la Crítica y la Quincena de Cineastas con títulos como Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, de Hernán Rosselli, y Simón de la montaña, ópera prima del argentino Federico Luis.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ha sido un proceso muy sano pasar de las canciones a los relatos cortos -en su debut literario, El despertar de las musas- y de ahí a una novela larga como es Hasta que se acaben las canciones, explica la artista, que se dio a conocer hace más de 20 años con la serie Un paso adelante (2002-2005).Desde entonces Beatriz Luengo (Madrid, 1982) se ganó el respeto del mundo de la música con sus discos y sus composiciones para otros artistas, como Ricky Martin, Enrique Iglesias, Alejandro Sanz, Jenniffer López o Christina Aguilera. Y participó en series, programas de televisión o teatro, antes de llegar a los libros.Tras el éxito de El despertar de las musas, Luengo cuenta cómo ha sido el proceso creativo de su último trabajo, que es su primera novela, Hasta que se acaben las canciones.Una historia en la que se entremezclan dos realidades sociales, la de una inmigrante colombiana y una familia de aristócratas, enfrentadas en una batalla por una herencia legada a una gata callejera.Para Luengo, El despertar de las musas era una "historia muy dura" que la dejó "muy triste" y en su nuevo libro necesitaba crear personajes "para que la lectura fuera más ligera y hacer un ejercicio de entretenimiento real".Compara la escritura con su trabajo en la música, a la que define como "una síntesis en sí misma" que le ha ayudado a "ir siempre al grano" y a desarrollar un estilo rápido y directo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La trama cuenta cómo Luciana, una inmigrante colombiana que trabaja como asistente de una aristócrata, se convierte en administradora de la herencia de la mujer, que lega todos sus bienes a su mascota, una gata callejera. Esto genera un conflicto con la familia que esperaba ese legado y desemboca en un romance entre la protagonista y el sobrino de la fallecida, Bastian."Es una historia de amor interracial" según la autora, que ha tratado de plasmar en su libro la "mezcla de muchas culturas" que cree que compone la sociedad española.Además, explica que el personaje de Bastian refleja la sociedad actual con "una juventud cada vez menos clasista", en una época en la que la gente "está abierta a relacionarse mucho más", y añade que con ello trata de enviar "un mensaje positivo".Un libro con el que le gustaría alcanzar el mismo éxito de su primer trabajo literario, aunque asegura que su objetivo no son las ventas y que siempre pone "el mismo rigor y las mismas ganas, más allá de las cifras".Lo que sí le interesa es "leer los comentarios y las opiniones de la gente" ya que los considera "un premio".La actriz no considera que su carrera se haya diversificado con su faceta de directora y escritora, ya que, comenta, "todo gira en torno a la música", ya sea su documental Patria y vida: The power of music (2023), o sus obras literarias.Porque al final, asegura: "Todo es vivencia, lo que siento, es el mensaje que quiero dejar a mis hijos".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el recinto ferial La Rural de la capital argentina se escucharon sonoras pitadas a todas las menciones al Gobierno de Milei, a quien los intervinientes en el acto acusaron de recortar la financiación a la cultura.El presidente de la Fundación El Libro, el escritor Alejandro Vaccaro, criticó duramente al mandatario, que tiene previsto presentar su ensayo, Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica, el próximo 12 de mayo en el marco de la feria."Su participación implica una serie de erogaciones que la Fundación El Libro no puede afrontar. Señor presidente, lo digo con la mano en el corazón: no hay plata", dijo Vaccaro, ironizando con una de las frases más utilizadas por el mandatario argentino para justificar sus políticas de ajuste económico.El presidente de la fundación organizadora de la Feria del Libro confirmó que los gastos asociados a la presentación del libro de Milei y a la seguridad del mandatario "correrá de su cuenta".Vaccaro destacó el carácter "plural" de la feria, pero advirtió de que su supervivencia está en riesgo después de casi medio siglo "por las medidas económicas que arrastran (al sector del libro) a un mundo muy lejano al paraíso que imaginaba (Jorge Luis) Borges".En el acto inaugural de la feria intervino también el alcalde de Buenos Aires, el centroderechista Jorge Macri -primo del expresidente Mauricio Macri (2015-2019)-, que recibió abucheos por parte de muchos de los asistentes que interrumpieron su discurso en varias ocasiones.Más allá del ámbito político, los autores estuvieron presentados por la novelista argentina Liliana Heker, que pronunció el discurso inaugural de la feria.Heker criticó con sorna al Ejecutivo y puso en valor la lectura y todas las formas de arte.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La autora de El fin de la historia o La trastienda de la escritura destacó el protagonismo de Buenos Aires como "capital mundial del libro". Esta frase alude a que la capital argentina es la ciudad del mundo con más librerías por habitante.En el acto también intervino el embajador de Portugal, José Ludovice, en representación de Lisboa, la ciudad invitada en esta edición.Las primeras palabras del diplomático portugués fueron para recordar la Revolución de los Claveles en su 50º aniversario."Si no hubiese ocurrido ese día, esa madrugada, hoy no estaría aquí con vosotros", aseguró emocionado Ludovice, que llevaba un clavel rojo enganchado en la solapa de su chaqueta.La capital portuguesa y sus escritores más célebres estarán muy presentes en una feria donde se homenajeará al nobel José Saramago o al poeta Fernando Pessoa, inmortalizado en una escultura que imita al turístico monumento del lisboeta Café A Brasileira, junto a un vagón de tranvía.Por los pabellones de la Feria del Libro, con presencia de editoriales argentinas e internacionales; puestos estatales y provinciales; y, sobre todo, librerías pasarán durante las próximas semanas grandes nombres de la literatura argentina como Eduardo Sacheri, Leila Guerriero, Claudia Piñeiro o Gabriel Rolón.Además, estarán presentes autores internacionales como el francés Davis Foenkinos, la ecuatoriana Mónica Ojeda o la española Elvira Sastre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.