"Yo le doy gracias a Dios porque me siento bien, con mucha energía. Dios tiene planes y cosas que hay que hacer", afirmó Ricardo Maldonado Morales, nombre de pila de este reconocido músico y miembro de un destacado dúo junto al cantante Bobby Cruz.Nacido el 15 de febrero de 1945 en Nueva York, de padres puertorriqueños, el pianista comentó que "siempre tiene 20 cosas en la cabeza" a pesar de la edad."Todos los días me sale algo nuevo en la música y quiero hacer esto, quiero hacer lo otro", abundó Ray en entrevista por videoconferencia desde su residencia en Estados Unidos, decorada con galardonados discos y hasta un cojín con la palabra salsa.Un maestro combinando patrones armónicosFue estudiando en el Conservatorio de Julliard en Nueva York donde Ray visualizó e ingenió combinar los patrones armónicos de géneros caribeños con la música clásica de Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Igor Stravinski y Frédéric Chopin.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Lo mío es salsa, jazz y Beethoven", enfatizó este genio musical, quien empezó a tocar el piano a sus 7 años tomando clases con un profesor italiano en el barrio neoyorquino de Brooklyn, para luego estudiar música popular, armonía y composición en la High School of Performing Arts de Nueva York.Según recordó Ray, la idea de mezclar el ritmo caribeño de la salsa con lo clásico surgió de joven, cuando uno de sus profesores le pidió a los estudiantes que escribieran "unas líneas de patrones rítmicos"."A mí me surgieron los de la salsa. Cuando me tocó mi turno, me di cuenta que los patrones apuntan con cualquier cosa, y me fascinó", relató el conocido como 'El embajador del piano' de aquel momento en que vislumbró que la combinación de salsa con lo clásico sería un éxito.'Sonido bestial'... El resto es historiaFue entonces que, al unirse con Cruz para formalizar en la década de 1960 uno de los dúos salseros más reconocidos, avanzó musicalmente al crear temas que mezclaron y sorprendieron con ambos ritmos como 'Sonido Bestial', 'Agúzate', 'Guaguancó Raro' o 'Fantasía Borinqueña'."Quisimos hacer un 'statement' (afirmación). No importa donde estemos, lo que va a hablar es la música, el producto", enfatizó Ray.Específicamente en 'Sonido Bestial', del disco 'El Bestial Sonido de Ricardo Ray y Bobby Cruz' (1971), Ray incluyó en su introducción unas tonadas "bien disonantes" de Stravinsky, según explicó, pero luego quiso agregar "algo fuera de este mundo, un estudio de piano" de Chopin."Lo probé y dije: esto funciona. Se convirtió en el éxito más grande que hemos tenido. Hasta recibimos correspondencia de diferentes países de Europa y estudiaron la composición por la combinación de culturas", contó."Uno quiere que a todo el mundo le guste lo que uno hace y tener éxito. Cuando lo hice, sabiendo que todo el mundo tiene su opinión, sabía que iba a hacer una monstruosidad de pieza", destacó Ray sobre el legendario tema."Un pacto con Dios"Ray y Cruz continuaron creando ambiciosos temas de rumba, guaracha, plena, bomba, mambo y son montuno como 'La Zafra', 'Comején', 'El mulato', entre otros, hasta que en el año 1974 ambos decidieron convertirse al cristianismo, alejándose de los escenarios.Ray fue el primero en convertirse y Cruz lo hizo seis meses después, "un pacto con Dios" del cual no se han desligado, afirmó el pianista, con más de 100 discos en su carrera musical."Después de nuestra conversión, Dios empezó a tocar a muchos artistas. El ser humano es emocional y la experiencia con Dios tiene su componente emocional, pero lo primordial es el mensaje de la palabra de Dios", filosofó.La Academia Latina de Artes y Ciencias les otorgó a Ray y Cruz en 2006 el codiciado Grammy a la excelencia musical y, en el 2007, los volvió a honrar con el Grammy por el Mejor Álbum Tropical.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una potente trayectoria en la industria musical bastante desconocida en España, pero no tanto en EE.UU. "Creo que es un caso de esos muy español de no ser profeta en tu tierra", opina en una entrevista su sobrina, Belén Carreño.La periodista publica con la editorial Debate 'Ayer tuve un sueño. Manolo Díaz: Sesenta años de música pop en español'.La carrera de la española Rosalía ha pillado a Díaz ya con más de 80 años de vida, después de ser protagonista de la creación, hundimiento y transformación del millonario sector de la grabación y promoción de grupos y cantantes, tanto en España como en América Latina.Y lo hizo desde la base de Miami, donde se jubiló, ya entrados los setenta, como director de la Fundación Cultural Latin Grammy.Antes fue alto ejecutivo en Sony Music, Polygram o Universal, durante unas décadas en las que el productor, compositor e intérprete quiso dar a los artistas el tiempo y los recursos suficientes para desarrollarse o mutar, si era necesario.Esto es algo muy complicado en la actualidad, pero que la cantante española más popular del mundo, Rosalía, ha logrado imponer con su talento y capacidad de comunicación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De 'Black is black', su primer éxito, a Julio IglesiasDíaz comenzó la carrera musical como guitarrista de Los Sónor, pero pronto se da cuenta de que le gusta más estar entre bambalinas.El primer éxito como productor lo consigue con Los Bravos, los intérpretes de 'Black is black', a pesar del errático comportamiento del cantante Mike Kogel (Mike Kennedy)."Me dicen que es cleptómano, coprófago, hipocondríaco y hedonista, pero ni por esas cambio de opinión", asegura Díaz sobre la creación de Los Bravos, con los que se quiso "plantar cara" a Los Brincos y recrear en España el duelo entre The Rolling Stones y The Beatles.Los recuerdos de Díaz, ganador de un Grammy en 2022 por toda su trayectoria, son apoyados en el libro con numerosas fuentes y las voces de sus contemporáneos, entre ellas la de su amigo Julio Iglesias.Sigue hablando con él prácticamente a diario por teléfono y reconoce: "Manolo Díaz fue imprescindible para lanzar mi carrera europea. Sin él, conquistar esos mercados hubiera sido imposible".Iglesias protagoniza una jugosa anécdota entre las numerosas que salpican las 255 páginas del ensayo: ambos amigos cenaban con Bianca Jagger en un pequeño restaurante brasileño de París cuando apareció de malos modos su marido, Mick Jagger, lo que dejó lívido al cantante el resto de la noche.Miguel Bosé, agradecido"Sabía que Manolo era una figura muy importante en el sector, pero cuando hago el libro me doy cuenta de lo queridísimo que es en una industria especialmente llena de egos y de puñaladas. Hablas con gente en diferentes puestos, países, compañías discográficas, y solo pueden decir que Manolo era generosísimo, que ha intentado siempre hacer 'fair play' sin ser un tonto", detalla Carreño.Un cariño que también manifiesta por él Miguel Bosé, a pesar de que lo "invitaran" a irse de CBS a principios de los 80 cuando quiso cambiar de estilo de cantante para niñas a émulo español de David Bowie en 'Bandido'. "Fue el único, el único en la discográfica que salió en mi defensa", relata el cantante español.Una de las claves del éxito profesional de Manolo Díaz y su empatía con los artistas es que él mismo tocó en grupos y tuvo una efímera carrera como cantautor, aunque algunos tachan sus discos de "decepcionantes"."Me recuerda un poco a lo que se cuenta de Zara (marca española de ropa), que obliga a los directivos a empezar yendo a la tienda. En este caso fue natural, pero creo que a Manolo le facilita muchísimo saber desde producir un vinilo hasta estar subido a una escenario y a una furgoneta", reflexiona Carreño sobre su tío.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yuri Buenaventura, nacido hace 57 años en la ciudad del mismo nombre en el Pacífico colombiano, creció y se formó con la música bailable de la zona. Así lo cuenta en una entrevista con EFE poco antes de presentarse, este domingo, en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional junto con los cubanos Issac Delgado, Haila María Mompié y Maikel Dinza en el cierre por todo lo alto del Festival Internacional Jazz Plaza.“Yo, desde niño, conozco esa música y, desde niño, la cuna mía se balanceaba al son de esta música. Es una gran bendición para mí estar aquí, para mi formación musical, para mi formación humana", cuenta el artista, conocido mundialmente por temas como ‘No estoy contigo’, ‘Ne me quitte pas’ o ‘No lo puedo recordar’.El icónico cantante ve como algo natural su vínculo afectivo por la música y los ritmos afrocubanos pese a la enorme distancia entre Buenaventura y Matanzas, ciudad en la que se originó la Sonora Matancera, grupo por el que pasaron gigantes como Celia Cruz o su compatriota Nelson Pinedo."Vengo de un territorio negro, un territorio donde se fugaron los esclavos, los negros cimarrones, y de un puerto, el más importante de Colombia en el occidente (...) y con mucha música. Lo que imperaba en las radios y en los vinilos era la música cubana", resalta.La conexión salseraY, de ahí, el enlace entre La Sonora Matancera, las orquestas cubanas, el son cubano y toda la fusión de géneros que dio lugar a la salsa entre las comunidades migrantes de Nueva York.Estas discusiones, en el universo musical latinoamericano, no son nuevas. En más de una ocasión, la propia Celia Cruz aseguró en entrevistas en Estados Unidos que el género, del cual fue bautizada como la reina, no le parecía distinto a lo que ya se hacía años antes en Matanzas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíBuenaventura va más allá. "La salsa es una música que se gesta en Nueva York, con un sonido y un encuentro de sonoridades con la exclusión del negro americano y se genera un sonido urbano pero, fundamentalmente, (...) el bongó, la tumbadora (conga) y el timbal… estás hablando de una raíz polirrítmica, de una raíz cultural que es cubana", sostiene.Pero matiza: “La vida de un latinoamericano excluido, donde hay segregación racial, supremacismo blanco, exclusión, miseria urbana, en Manhattan, en el cemento, genera otro sonido y otras expresiones y eso es lo que se llama salsa".Es por eso, y otras muchas razones, que para él la herencia que deja La Sonora Matancera es un patrimonio para la música latinoamericana bailable y, sobre todo, para su país."La Sonora Matancera nace en la ciudad de Matanzas, en la provincia de Matanzas, se expande por toda América Latina y la Sonora Matancera es un patrimonio colombiano, es un patrimonio intangible de Colombia porque la amamos, porque nos pertenece. Es un sentimiento que nos presta Matanzas para viajar por el mundo La Sonora Matancera es piedra angular en la música latinoamericana", concluye.Con eso en mente, se instaló en París en 1988. Desde entonces, el país galo se ha convertido en su lugar de residencia y en el que, tras años de tocar en el metro para ganarse la vida, despegó como un artista internacional capaz de deleitar al público europeo con esos mismos ritmos que mecían su cuna en Buenaventura.Buenaventura, junto a Delgado, Mompié y Dinza, van a ser los encargados de poner el broche final al Jazz Plaza, un festival clave en el calendario musical cubano que desde el pasado domingo ha ofrecido unas 200 actuaciones entre La Habana, Santa Clara y Santiago de Cuba.Entre los 400 artistas participantes, provenientes de una veintena de países, destacan figuras como el saxofonista Ted Nash, el trompetista Orbert Davis, la banda The Funky Taters y la arpista Patrice Fisher.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde sus orígenes en la costa caribeña colombiana, la cumbia ha sido un ritmo en constante transformación. Nacida del sincretismo entre la herencia africana, las melodías indígenas y la influencia hispana, el género ha evolucionado a lo largo de América Latina, adoptando rasgos culturales de cada contexto en el que se presenta. Con el auge de la radio y la industria discográfica en el siglo XX, la cumbia se expandió por todo el continente, adquiriendo variantes como la cumbia villera en Argentina, la chicha en Perú, la cumbia andina en Ecuador y la cumbia sonidera en México. Aunque en algunos círculos fue vista como marginal, su presencia en fiestas y mercados consolidó su lugar como la verdadera columna vertebral de la música bailable del continente. Así, en las últimas décadas, la cumbia ha alcanzado audiencias globales, con proyectos como Minyo Cumbiero en Japón y Colombia y Cumbiamuffin en Australia, y sellos como Analog Africa en Alemania o Vampi Soul en España, redescubriendo grabaciones históricas dentro del enorme espectro musical que la crítica e industria ha llamado tropical. Esta expansión ha generado debates sobre su apropiación cultural: ¿cualquiera puede tocar cumbia sin entender o hacer parte de su historia?, ¿es posible reinterpretarla sin depurarla de su carga cultural? Estas preguntas son fundamentales en una época en la que la música se mueve rápidamente a través de plataformas digitales y festivales internacionales. Dentro de este panorama, el proyecto Amantes del Futuro, de Ima Felini, se erige como un puente entre la tradición y la experimentación. Desde México, el productor ha construido una propuesta que recoge la diversidad de la cumbia, desde la crudeza del sonido sonidero hasta sus formas más vanguardistas en la electrónica, sin perder de vista la historia del género. “Yo no veo ningún resurgimiento de la cumbia”, explica Amantes del Futuro, quien se presentará el 25 de enero en la edición 2025 del Festival Centro, en Bogotá. “Tal vez para ustedes esto es algo nuevo, pero en México la época de oro de la cumbia se dio en los ochenta y, desde ahí, la cumbia no ha parado”, explica, conforme señala cómo los sonideros (una iteración de la cultura sound system jamaicana que funciona como una suerte de equivalencia a nuestros picós barranquilleros) han tenido una importancia central en este proceso. “Los sonideros se encuentran una canción colombiana perdida o venezolana o ecuatoriana o peruana y la ponen. Entonces, realmente, en nuestro país no hay ningún resurgimiento: nunca ha estado muerta. Puede haber un éxito de hace cuarenta años que vuelve a ser relevante”.Pasado y presente de Amantes del FuturoIma Felini es una figura central en la cumbia digital en México, una vertiente del género creada a partir del uso de software, sintetizadores, samplers y beats. Con más de 20 años de trayectoria en diversos proyectos como Afrodita, Agrupación Cariño, Los Wendys y su proyecto solista Amantes del Futuro. Desde principios de los 2000, Felini fue pionero al crear el colectivo Super Cumbia Futurista, anticipando una escena de cumbia electrónica en los circuitos alternativos mexicanos, mucho antes de que varios sellos latinoamericanos popularizaran este enfoque a nivel global. Aunque su sueño inicial era componer música para cine, fue la música electrónica la que lo atrapó. En los años noventa comenzó a experimentar con sonidos electrónicos, primero en forma de música ambiental y techno. Durante este periodo, también exploró la cumbia, creando su primer proyecto relacionado con el género, Cumbia de Lejos, junto a Diego Ibáñez, que consistía en un experimento minimalista de cumbia con elementos electrónicos.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.La clave de su transición hacia la cumbia electrónica llegó con la canción “El Paso del Gigante” del Grupo Soñador, una fusión dinámica entre cumbia y electrónica que se ha convertido en clásico contemporáneo, versionado recientemente por Kinky y Los Ángeles de México, y que lo inspiró a profundizar en esta dirección. De esta forma nació Amantes del Futuro, un proyecto que refleja su visión de una cumbia futurista, fusionando el ritmo tradicional con los sonidos electrónicos. Hoy, Amantes del Futuro se ha establecido como un referente dentro de la cumbia digital, consolidando su visión de una música electrónica mexicana con un enfoque vanguardista y profundamente influenciado por sus raíces. “A mí me han tocado varias olas de la cumbia. Amantes del Futuro es mi proyecto más viejo, pero he tenido otros grupos. Llevo más de 25 años empujando la cumbia que tú llamas digital. Llegamos a ser digitales porque no teníamos un grupo, pero es cumbia”, explica el mexicano.Cultura cumbiera y apropiaciónSi bien es cierto que la cumbia en México está viva desde que se popularizó el género en los ochenta, Felini se vio sorprendido cuando llegó por primera vez a Medellín hace varios años y se encontró con que, salvo el consumo estacional decembrino, la cumbia no era un ritmo popular. Por ello, junto a Pablo Marín, un amigo íntimo, Amantes del Futuro ha venido dando forma a Muchacumbia, una fiesta que celebra todas las vertientes de este ritmo a lo largo del globo. “Ha sido una de nuestras metas revivir su cultura cumbiambera. Veíamos como varios de nosotros sí conocíamos su gran legado, pero la gente normal no. Fuera de las decembrinas no se conoce tanto a Landero, a Gutiérrez, a un montón de grandes exponentes que tienen”, explica.En ese sentido, surge una pregunta sobre quién tiene potestad sobre la cumbia, quién puede atribuirse el derecho a transformarla, a jugar con ella. Para un colombiano no hay mayor misterio en las cumbias amazónicas de Los Mirlos, que luego versionaría Afrosound, en los acongojados lamentos electrónicos de Gerardo Morán o el sentimiento villero de Los Pibes Chorros. Sin embargo, ¿dónde se ubica Amantes del Futuro en el lado del debate con relación a proyectos como Cumbia Warszawa, un dúo de DJs polacos enamorados de la cumbia, o sobre las versiones que La Lom, desde Los Ángeles hace de Afrosound o Los Mirlos?“Yo creo que la música no tiene dueño. Las expresiones artísticas son libres. Es como como decirle a un japonés ‘No puedes rapear. El rap es gringo’. Son expresiones libres, si un africano quiere tocar una canción de mariachi, pues adelante”, explica el productor. “Los estilos simplemente son caminos o formas, métodos para expresar un sentimiento o unas notas o unas letras. Finalmente, la música viene primitivamente de África, la gran madre musical y todas las vertientes son válidas. Yo no creo que uno debe cerrarse a que algo está bien o está mal. “El arte es libre””, explica.“Por ejemplo, los corridos mexicanos han influenciado a Colombia. Es brutal que lo que resuena aquí es ese mismo sentimiento campesino, esas historias del campo de la vaca, del gallo, de las peleas, de la borrachera. Creo que eso lo compartimos por toda Latinoamérica y es muy fácil que se den esos cruces”, añade al evocar su experiencia en Medellín y su relación con Pablo Marín, quien suena en Muchacumbia desde las visiones más puras de la cumbia sabanera de Carmelo Torres hasta las fusiones tecnocumbieras de la peruana Rossy War. “Fui a Cuba y escuché en un pueblo totalmente afro, de cañas, a Vicente Fernández por todos lados. Me sorprendí cabrón: este sentimiento ranchero lo compartimos todos por ser latinoamericanos y supongo que con el country es lo mismo. Vas a Australia y también escuchan country porque es el mismo sentimiento ranchero, pero en su idioma”, reflexiona Felini.Lo local en la aldea digitalEn los años ochenta, cuando los primeros sonideros empezaron a venir a Colombia en busca de vinilos, la cultura cumbiera era distinta. Práctica análoga a la de los picoteros barranquilleros, los maestros de ceremonia que reproducían sus temas en los sonideros tapaban las galletas de sus discos para que nadie más pudiera acceder a esa información sonora. Ahora, pareciera que el paradigma ha cambiado y el compartir canciones y sonidos se ha hecho más natural a la luz de la aparición de internet. “Desde épocas de MySpace ha sucedido que cumbieros, o interesados en la cumbia, nos hemos escrito por años. A través del tiempo voy llegando a esas ciudades o ellos van viniendo y nos vamos conociendo personalmente, pero hicimos un vínculo y amistades a veces por años que primero fueron virtuales”, recuerda, para luego mencionar a Cumbia Cosmonauts, el proyecto musical de Moses Iten, candidato a doctorado en la Escuela de Medios y Comunicación de RMIT en Melbourne, Australia, quien ha fungido como investigador de la cumbia digital a través de trabajo de campo en Berlín, Buenos Aires, Bogotá, varias ciudades mexicanas y en línea. “Es de mis más viejos amigos de internet. Otro es Turbo Sonidero, con quien fundé el colectivo la Súper Cumbia Futurista, que tuvo sus cositas”.Durante la pandemia, Turbo Sonidero formó un colectivo llamado Kumbia Obscura, que eventualmente se transformó en Kumbia Net. Este proyecto reunió a diversos productores mexicanos y de otras partes del mundo con el propósito de difundir su música. “A mí me invitaron cuando ya estaban algo consolidados”, comenta Amantes del Futuro, a quien le dio mucho gusto formar parte del colectivo porque varios de sus integrantes eran de sus “cumbiamberos favoritos mexicanos y chicanos”. Con el tiempo, Kumbia Net ha evolucionado no sólo como colectivo, sino también como un sello que publica compilaciones en vinilo y en formato digital. Sobre la propuesta musical que manejan, Felini explica que es “una música que no hay en la cumbia”, ya que, si bien algunas piezas tienen un tono oscuro, otras exploran diferentes formas de experimentación como coqueteos con el minimal techno, samples de juegos de video y vocales distorsionados y ominosos.En cuanto a la escena actual de la cumbia, reflexiona sobre la diferencia de enfoques entre los nuevos cumbieros y los más tradicionales. “No todos, ¿eh? Hay unos bien celosos que no comparten los nombres de las canciones”, menciona. “Antes sí era casi imposible encontrarlas, pero ya el internet está ahí, ya está Shazam”, reconoce que, aunque sigue habiendo exclusividades, el acceso a la música ha cambiado. Sin embargo, en el circuito sonidero todavía existen dinámicas en las que un grupo cede una canción a un sonidero y este la mantiene en exclusiva durante meses. Frente a esto, Kumbia Net y su comunidad buscan una escena más abierta en la que se valore la difusión de la música sin egoísmos. “Nosotros no creemos en eso, más bien creemos que por qué le vas a negar que a cierto artista desconocido se le conozca. Eso es groserísimo”, concluye enfatizando la importancia de compartir y visibilizar la música en lugar de ocultarla.El contexto colombianoEn este cruce cumbiero continental, Amantes del Futuro ha podido conocer de primera mano el nuevo movimiento musical en nuestro país. Así, comenta emocionado sobre la escena colombiana y la necesidad de que la cumbia vuelva a prenderse con fuerza en nuestro contexto. “Me gustan mucho Romperayo, Los Pirañas, Frente Cumbiero, Meridian Brothers”, dice con admiración reconociendo que estos proyectos, que son casi contemporáneos suyos, han hecho un trabajo enorme desde Bogotá, llevando la cumbia y otros ritmos colombianos a nuevos terrenos. “Han abierto muchas puertas, han sacado discos, han hecho giras, han impulsado este nuevo sonido colombiano”, señala celebrando su aporte. También menciona a músicos emergentes como Iván Medellín, “que se me hace un acordeonista brutal”, y a Felipe Orjuela, quien le parece bueno, pero insiste en que aparezcan más jóvenes con ganas de involucrarse, ya sea desde un grupo, con una guitarra, un bajo o desde la computadora.Pareciera que, en Colombia, en contraste con lo que Felini percibe de México, la cumbia se quedó estancada. “Hay cumbias increíbles, pero todas son viejas", dice con nostalgia, recordando que el género pareció apagarse en algún momento entre los setenta y los ochenta. “Uno llega y siempre están sonando las mismas cumbias”, y, aunque le encantan, le gustaría que pasara algo nuevo. “Estaría bonito que se hicieran nuevas cumbias”, reflexiona, porque a diferencia de otros géneros como el vallenato, la champeta o la salsa, la cumbia no parece tener el mismo reconocimiento en su propio país. Aun así, no pierde la fe, porque cada vez más jóvenes están volviendo a ella. “Muchos ya se están volviendo DJs o selectores o incluso empezando sus propias producciones y eso se nos hace increíble”, dice con emoción, convencido de que algo está empezando a moverse. Recuerda a Sonido Florida, el proyecto de Alejandra Congote, que pasó de ser fan de las fiestas de Muchacumbia en Medellín a dar forma a sus propias. “Ya tiene como 12 canciones y están increíbles”, señaló emocionado, esperando que más chicas y chicos se animen a darle una nueva vuelta de tuerca a la cumbia colombiana.Amantes del Futuro regresa a Colombia para presentar el espíritu de Muchacumbia y mucha cumbia en el marco del Festival Centro 2025. El productor mexicano se estará presentando en el Cosmódromo (la Plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella) a las 10 de la noche el sábado 25 de enero en una jornada que incluye también a Cero39, Killabeatmaker, Anto <3 y Kizaba. Será una celebración para reunir a la diferencia y a la disidencia con un mensaje sencillo, el mismo que enuncia en “El cumbé”, una de sus producciones más reconocidas: en vez de la violencia, la crítica y el señalamiento, bailemos cumbia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Joseph Ocasio, director de Los Pleneros de la Cresta, que tiene tres discos, asegura que "es bien importante" que Bad Bunny le haya dado esta oportunidad de difusión a la plena, que para él "es un mecanismo de resistencia" y tiene "el mismo potencial que otros géneros".Los Pleneros de la Cresta colaboran con el artista urbano de fama y repercusión internacional en el tema Café con ron de su último álbum, que cuenta con otros artistas emergentes de Puerto Rico como Chuwi, Rainao y Omar Courtz y que ha copado con sus canciones el top 10 de la lista global de Spotify."Este tema nace para demostrarle al mundo entero las cualidades que nosotros tenemos como boricuas. Quisimos presentar una de las cosas que nosotros tenemos en Puerto Rico que es el chinchorreo (una ruta de negocios con comida y bebida típica)", explica Ocasio, nacido en el pueblo montañoso de Ciales.La plena es un género que tiene sus raíces en los esclavos, trabajadores de caña de azúcar y agricultores de la isla y que reivindica temas sociales y cuenta noticias y acontecimientos históricos al ritmo de los panderos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un álbum muy puertorriqueñoEn la época navideña, el retumbe característico de los panderos de la plena destaca en las parrandas, una tradición que Bad Bunny ha enaltecido con este álbum y que ha llevado incluso al programa de 'The Tonight Show' de Jimmy Fallon.Otro elemento clave cultural que sobresale en el álbum es el cuatro puertorriqueño, considerado como el instrumento de cuerda nacional, a través de un solo que realiza José Eduardo Santana en el tema Pitorro de coco, nombre que hace referencia a una bebida hecha con ron."Ver que el instrumento está cogiendo un foro más amplio y cada vez más personas en el mundo lo quieran escuchar y más niños lo quieran aprender, me parece algo muy lindo", afirma Santana, que lleva 21 años tocando el cuatro.El conocido como 'Conejo malo' decidió apoyar la carrera de artistas emergentes de Puerto Rico en su nuevo proyecto como a los alumnos de la Escuela Libre de Música de Puerto Rico, que compusieron Baile inolvidable, una salsa que se convirtió en el número 1 a nivel mundial.También ha puesto en la esfera internacional al grupo Chuwi, creado en 2020 y compuesto por la joven cantante de 23 años, Lorén Aldarondo y sus hermanos los músicos Wilfredo 'Willy' y Wester J. Aldarondo, oriundos de Isabela, junto al baterista Adrián López, con el tema 'Weltita'.Jóvenes con una misión similarLa voz principal de la agrupación, que cuenta con dos EP y que actualmente está creando un álbum, remarca que le encanta que Bad Bunny les permitiera componer su parte y hablar de sus raíces en Isabela: "Hemos dado un brinco demasiado de intenso", subraya Lorén.Por su parte, su hermano 'Willy' declara que en un futuro aspira a crear "un centro cultural y de música" en el oeste, algo en lo que coincide con Los Pleneros de la Cresta, que pretenden fomentar la música tradicional en los pueblos de la montaña de Puerto Rico con la asociación Acción Valerosa y el centro Yerba Bruja.Para el plenero Ocasio, "todos los colegas" que colaboran en el álbum coinciden "en valores y en la misión" de darle voz a la identidad puertorriqueña y la situación colonial de la isla, un Estado Libre Asociado a EE.UU."Se está fomentando el que tengamos que seguir defendiendo lo que es nuestro. Nuestra música, nuestras escuelas, nuestras playas, nuestros ríos y todos estos espacios que nos pertenecen como puertorriqueños", sentencia Ocasio, aludiendo a algunas de las reivindicaciones contra la colonización y la gentrificación que cita la canción 'Lo que le pasó a Hawaii'.Bad Bunny seguirá promocionando la cultura e identidad puertorriqueña, así como la lucha de su pueblo, con una histórica residencia de 30 conciertos en el Coliseo de Puerto Rico, que comenzará en julio bajo el título 'No me quiero ir de aquí' y de la que se vendieron el miércoles en pocas horas todas las entradas de las primeras funciones que se pusieron en venta.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La exposición, organizada en colaboración con Omer Pardillo Cid, albacea de Celia Cruz Estate, presentará una colección cuidadosamente seleccionada de fotografías, videos, carteles, pelucas y vestidos que pertenecieron a la icónica cantante, fallecida en 2003 a los 77 años."Es un homenaje a su trayectoria artística y a su incansable compromiso con su público, al que le encantaba hacer bailar hasta el amanecer", indica un comunicado de prensa.Este homenaje no solo celebra la trayectoria artística de la cantante, sino también su inquebrantable compromiso a lo largo de su vida con su público en general y con su gente de Cuba en particular, señala la nota.Igualmente, la coincidencia del centenario de Cruz con el de la ciudad de Hialeah y la Torre de la Libertad subraya la profunda conexión de la artista con la comunidad cubana de Miami.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nacida en La Habana en 1925, Celia Cruz se convirtió en la voz emblemática de La Sonora Matancera antes de huir del régimen comunista cubano en 1960.El lanzamiento de su carrera como solista, caracterizada por sus actuaciones audaces y emotivas, la catapultó a la fama internacional, actuando en escenarios de todo el mundo, pero manteniendo siempre un fuerte vínculo con sus raíces cubanas.Celia Caridad Cruz y Alfonso, más conocida como Celia Cruz, se convirtió el pasado 8 de agosto en la primera mujer afrolatina en aparecer en una moneda de Estados Unidos.La muestra se extenderá hasta el próximo 15 de febrero en la Galería de Arte del Recinto Hialeah del MDC. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museum of Art and Design @ MDC (@moadmdc)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después del estreno de Debí tirar más fotos, el más reciente álbum de Bad Bunny, Puerto Rico y su historia le han dado la vuelta al mundo, la primera colonización de la isla, el origen de su bandera y del himno son algunas de las historias que han protagonizado este álbum.Este disco además de presentar al mundo detalles hasta ahora desconocidos por muchos, como que el sapo concho es la única especie de ranas endémica de la isla y está en peligro de extinción, también mezcla ritmos latinos como el bolero, la salsa y los estándares musicales de ayer y de hoy de Puerto Rico: la plena y el reguetón.A finales del siglo XIX en la ciudad de Ponce, al sur de la isla, donde estaban las azucareras, los trabajadores encontraron en la música una forma de contar las historias que les ocurrían, las injusticias sociales que los rodeaban. A la plena se le conoció también como "el periódico cantado" porque tradicionalmente permitía comentar sobre eventos sociales, o criticar situaciones políticas, muchas veces de forma humorística o sarcástica a través de este ritmo.Con panderos, también llamados pleneras, güiros, cuatros y coros, los trabajadores y habitantes de los barrios marginados de Ponce hicieron de la plena una herramienta, que mezcla de tradiciones africanas, taínas y españolas, para expresar la voz del pueblo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El etnomusicólogo y coautor del libro Puerto Rico y su plena: nuevas fuentes para su estudio (2018), Emanuel Dufrasne González, dijo a un medio local que “la identidad nacional puertorriqueña se enriquece con otro aspecto de cultura que tiene su carácter propio, tiene sus formas de hacerse. Me refiero a que la plena recoge influencias de cosas que ya existían se añade a todo lo que ya existía y en ese sentido enriquece lo que había”.Además, en su libro, escrito junto al historiador boricua Nestor Murray Irizarry, explica que a diferencia de lo que se cree, la plena no surgió en el siglo XX, sino antes, pero fue sobre la década de 1920 que este ritmo se popularizó en toda la isla.Los cantos de la plena, sus bailes e historias coinciden con la necesidad de la gente de informarse y de manifestarse ante el cambio cultural que suponía la invasión de Estados Unidos a la isla cuando el 12 de mayo de 1898 ese país bombardeó San Juan, capital de Puerto Rico.En las décadas siguientes, en el siglo XX, la plena se consolidó como un ritmo boricua, que pese a fusionarse con el merengue, la salsa, el mambo y otros géneros tropicales de populares en los años sesenta y setenta, mantuvo su esencia y perdura hasta la actualidad, siendo referente de la cultura de la isla.El auge del reguetón desde finales de los noventa hizo de la isla de la bomba y la plena (ambos ritmos de Puerto Rico aunque con orígenes, instrumentos y propósitos diferentes) la isla del reguetón ante el mundo. Y aunque eso no es negativo, sí es un panorama que pone en riesgo el olvido de ritmos tradicionales, de ahí la importancia cultural que tiene incluir este ritmo en un álbum de consumo tan masivo como Debí tirar más fotos y su canción homónima, ejemplo de la mezcla de la plena con ritmos urbanos.Además de ser el ritmo oficial de las protestas en la isla, los puertorriqueños también han cuidado y resguardado la plena a través de fiestas y celebraciones. Antes del reguetón, en 1979, crearon el Festival Nacional de la Plena, uno de los eventos culturales más importantes de Puerto Rico, especialmente para Ponce, que este año se celebrará desde finales de febrero.Las voces y leyendas de la plenaDesde su origen, los principales exponentes de la plena han sido natales de Puerto Rico y han compuesto letras que impulsan el arraigo cultural del ritmo. Uno de los nombres más sonados al hablar de la plena es el de Manuel Jiménez, conocido como “el canario” y quien sería de los primeros en llevar esta música de las calles a los estudios de grabación. Una de sus canciones más sonadas es Santa María, donde relata la historia de un barco que naufragó en Ponce.En la década del cuarenta Mon Rivera fue conocido por modernizar la plena. Introdujo arreglos más elaborados y grandes bandas en la interpretación de este género. Su canción Askarakatiskis es un ejemplo clásico de cómo mezcló la plena con otros géneros tropicales.Años más tarde Rafael Cortijo y su Combo revolucionaron la plena al combinarla con otros géneros, como la salsa y el jazz. Junto a su cantante principal, Ismael Rivera, llevaron la plena a un público internacional, especialmente en los años 50 y 60. Canciones como El bombón de Elena y Juan José son clásicos que reflejan la esencia de la plena.Otro grupo que propagó el ritmo, esta vez por Estados Unidos, fue Los Pleneros de la 21, un grupo fundado en Nueva York en 1983, pero con fuertes raíces puertorriqueñas que desde entonces se dedican a preservar y promover la plena y la bomba, mezclándola con otras influencias contemporáneas.Si quiere escuchar lo más reciente de la plena también puede acercarse a la música de la banda boricua Plena libre, quienes se han encargado de llevar el ritmo por el mundo desde los años noventa.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El 11 de enero, su tema DtMF se convirtió en la canción más escuchada de la lista global de Spotify. De hecho, más de la mitad del top 10 de las canciones de la lista global de Spotify Daily Top Songs pertenecen a su nuevo álbum", celebró en un comunicado Spotify.'DeBÍ TiRAR MáS FOToS' ha logrado un éxito mundial inmediato fusionando reguetón con salsa y plena.Asimismo, Spotify indicó que Bad Bunny también ocupa el primer puesto en las listas 'Daily and Weekly Top Artist', y el álbum es el número 1 en la lista 'Weekly Top Albums' de Spotify.El artista urbano anunció este lunes una histórica serie de 21 conciertos en el Coliseo de Puerto Rico, que comenzará en julio bajo el título 'No me quiero ir de aquí'.Bad Bunny marca así un récord de conciertos consecutivos en la principal sala de espectáculos de Puerto Rico, superando las 14 funciones del dúo de reguetón Wisin y Yandel.Producidos por Noah Assad Presents / Move Concerts, los conciertos arrancan el 11 de julio y se llevarán a cabo todos los fines de semana, de viernes a domingo.En línea con el emotivo homenaje a su isla que supone el disco, las primeras nueve funciones serán exclusivamente para residentes de Puerto Rico.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCompuesto por 17 canciones, el sexto álbum de estudio de Bad Bunny cuenta con las colaboraciones de Rainao en el tema 'PERFuMITO NUEVO'; Chuwi en 'WELTiTA'; Dei V y Omar Courtz en 'VeLDÁ', y Pleneros de la Cresta en 'CAFé CON RON'.Otras de las canciones del disco son 'NUEVAYoL', 'VOY A LLeVARTE PA PR, 'BAILE INoLVIDABLE', 'EL CLúB', 'PIToRRO DE COCO' y 'LO QUE LE PASÓ A HAWAii'.Los temas hablan de problemas que sufre Puerto Rico como la migración a Estados Unidos y la gentrificación, y ponen en valor ritmos musicales típicos de la isla como la salsa y la plena.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El video, dirigido y escrito también por Arí Maniel Cruz, está protagonizado por el veterano cineasta y actor puertorriqueño Jacobo Morales, quien reflexiona sobre su vida y su isla natal.Acompañado de su fiel compañero, Concho (una rana), Morales recuerda con nostalgia un Puerto Rico pasado que en parte ya ha desaparecido."Fui a muchos países, a casi todas partes del mundo, pero ninguna como Puerto Rico, o como lo que era antes. Aquí había algo especial, no sé qué, pero una magia increíble. Y todavía la hay. Quisiera haber tirado más fotos para enseñarte", dice Morales.Durante el cortometraje, Morales se cruza con estadounidenses que residen o visitan la isla y acude a una panadería que se ha modernizado y en la que le hablan en inglés y no aceptan efectivo, entre otras situaciones.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn cuanto al listado de canciones, este revela que el álbum incluye colaboraciones con Rainao, Dei V, Chuwi y Pleneros de la Cresta.Entre los temas figuran 'Café con ron', 'Voy a llevarte pa' PR', 'Lo que le pasó a Hawai', 'La mudanza' y otros con pronunciación fonética puertorriqueña de palabras en inglés como 'Nuevayol' (Nueva York).Bad Bunny se ha mostrado en canciones previas muy crítico con la situación de la isla, destacando problemas como la gentrificación y los apagones.Vea el cortometraje aquí: 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Empezamos el 2025 y desde ya nos estamos agendando para los eventos musicales que habrá este año. Entre los más sonados para Colombia están System of a down, Marco Antonio Solis y la nueva edición del Festival Estéreo Picnic. Aquí le dejamos la lista de los conciertos que han sido anunciados hasta ahora para lo que será el 2025: Enero16 de enero: Twenty One Pilots, Coliseo MedPlus, Bogotá.23 al 26 de enero: Festival Centro, Bogotá.23 de enero: Patty Smith, Teatro Metropolitano José Gutiérrez Gómez, Medellín.25 de enero: Dj Tiesto, Movistar Arena, Bogotá.Febrero6 de febrero: Cypress Hill y Alcolirycoz, Movistar Arena, Bogotá.7 de febrero: Los Fabulosos Cadillacs, La Macarena, Medellín.9 de febrero: Los Fabulosos Cadillacs, Plaza de Toros Cañaveralejo, Cali.14 de febrero: Robi Draco Rosa, Movistar Arena, Bogotá.14 y 15 de febrero: Tomorrow Land Core, Parque Norte, Medellín.20 y 21 de Febrero: Shakira, Estadio Metropolitano Roberto Meléndez, Barranquilla.21 de Febrero: Andrea Bocelli, Estadio El Campín, Bogotá.23 de febrero: Shakira, Estadio Atanasio Girardot, Medellín.24 de febrero: The Black Dahlia Murder, Ace Of Spades, Bogotá.26 y 27 de febrero: Shakira, Estadio Nemesio Camacho El Campín, Bogotá.Marzo1 de marzo: Residente, Arena Cañaveralejo, Cali.2 de marzo: Sting, Movistar Arena, Bogotá.7 de marzo: Marco Antonio Solis, Movistar Arena, Bogotá.11 de marzo: Dayseeker, Ace Of Spades, Bogotá.12 de marzo: Garbage, Teatro Royal Center, Bogotá.12 de marzo: Joaquín Sabina, Movistar Arena, Bogotá.19 de marzo: Pentagram, Ace of Spades, Bogotá.23 de marzo: The Offspring, Movistar Arena, Bogotá.27, 28, 29 y 30 de marzo: Festival Estéreo Picnic, Parque Simón Bolívar, Bogotá.Abril4 de abril: Fonseca, Movistar Arena, Bogotá.24 de abril: Fonseca, Diamante de Béisbol, Medellín.24 de abril: System of a Down, Estadio El Campín, Bogotá.25 de abril: Fonseca, Arena Cañaveralejo, Cali.26 de abril: Fonseca, Puerta de Oro, Barranquilla.26 de abril: Maluma, Estadio Atanasio Girardot, Medellín.30 de abril: Monsters of Rock, Coliseo MedPlus, Bogotá.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMayo2 y 3 de mayo: La Solar, Parque Norte, Medellín.2 de mayo: Metallica & Guns N’ Roses Filarmónico, Movistar Arena, Bogotá.3 de Mayo: Maluma, Estadio El Campín, Bogotá.3 de Mayo: Chayanne, Coliseo MedPlus, Bogotá.11 de mayo: Reik, Movistar Arena, Bogotá.15 de mayo: José Madero, Movistar Arena, Bogotá.16 de mayo: Grupo Niche, Centro de Eventos La Macarena, Medellín.23 de mayo: Juliana, Movistar Arena, Bogotá.24 de mayo: Grupo Niche, Movistar Arena, Bogotá.Junio28 de junio: Enrique Bunbury, Movistar Arena, Bogotá.Julio5 de julio: Enrique Bunbury, La Macarena, Medellín.Agosto19 de agosto: Kylie Minogue, Movistar Arena, Bogotá.21 de agosto: Duki, Movistar Arena, Bogotá.Septiembre6 de septiembre: Grupo Niche, Puerta de Oro centro Ferial, Barranquilla.11 de septiembre: Rels B, Movistar Arena, Bogotá.25 de septiembre: Epica, Teatro Universidad de Medellín.Octubre26 de octubre: Linkin Park, Estadio El Campín, Bogotá.Noviembre13 de noviembre: Damiano David, Royal center, Bogotá.Diciembre5 de diciembre: Pierce the Veil, Royal Center Bogotá.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
