Salsa Al Parque vuelve al Simón Bolivar cargado de música y baile. Este evento que se realiza cada año traerá en su edición de 2023 a más de 80 artistas, entre estos 15 agrupaciones de danza. Esta versión del Festival busca rememorar la fiesta popular colombiana a través de la música, la danza y el disfrute, con invitados distritales, nacionales e internacionales, entre los que se encuentra El Gran Combo de Puerto Rico ‘La universidad de la salsa’, que al son de Julia, Timbalero, Un verano en Nueva York, y otros grandes clásicos de su repertorio harán cantar y bailar a los bogotanos.Mauricio Galeano, director del Idartes, comenta: “escuchamos a la gente y por eso, este año decidimos regresar al Parque Simón Bolívar para brindar a los salseros y en general a toda la ciudadanía, un espacio amplio y con todas las condiciones técnicas y logísticas para compartir y celebrar con lo mejor de la salsa y con otros ritmos caribeños que se harán presentes en esta versión del Festival. Hoy anunciamos la participación de El Gran Combo de Puerto Rico y durante los próximos días traeremos muchas más noticias que de seguro prenderán la fiesta”.Salsa al Parque 2023 tendrá invitados de Estados Unidos, Venezuela, España, Puerto Rico y República Dominicana, entre los que están Jimmy Bosch ‘El trombón criollo’, quien llega al Festival para celebrar sus 50 años de trayectoria, de salsa, latin jazz y música afroamericana; La Dimensión Latina ‘Los generales de la salsa’, una de las agrupaciones salseras de mayor renombre en la música caribeña; y Proyecto A ´El tren del sabor’, la orquesta que sigue creciendo dentro del género de la salsa y lo latino con éxitos como Mi credo, Renuncio, Quiéreme y Con la misma moneda, entre otros.Los artistas nacionales vienen de Cali, Medellín y seis agrupaciones distritales que fueron seleccionadas a través de la convocatoria pública del Festival: Kaona Orquesta, La Pambelé, Luna Llena Salsa Band, Orquesta Punto Baré, Sabor Yembé Orquesta y Son de Ají. Además, 11 parejas y cinco agrupaciones de danza se suman a la programación para contagiar a la ciudadanía con los diversos movimientos, coreografías y sabores de la salsa.“Colombia es un país de celebración, es un país que históricamente se reúne en torno a la música para compartir, para celebrar o simplemente para disfrutar en lo que conocemos popularmente como una fiesta. En esta ocasión el Festival se viste de anfitrión y además de los clásicos de la salsa, recibe a uno de los ritmos caribeños por excelencia, que ha acompañando la fiesta de los colombianos durante décadas, así que los invitamos a programarse para un fin de semana lleno de baile, de éxitos y alegría, porque queremos que Salsa al Parque se consolide como un referente de fiesta para los bogotanos”, afirma Michael Navarro, gerente de Música del Idartes.El Festival se llevará a cabo este fin de semana 3 y 4 de junio en el Parque Simón Bolívar, la apertura de puertas será a las 12:00 p.m. y la entrada es totalmente gratis. Si quiere consultar la programación puede hacerlo en este enlace. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Más 60 años después de su nacimiento en Nueva York de la mano de músicos predominantemente puertorriqueños y cubanos, los más agoreros hablaban de una pérdida de relevancia del género en una isla que es cuna del reguetón, pero los nuevos exponentes de la salsa demuestran lo contrario.A sus 34 años, el cantante, productor, compositor y arreglista de salsa Carlos García, oriundo de Carolina, en el norte de la isla caribeña, asegura a EFE que la salsa no ha perdido vigencia: "el género está súper bien".Los salseros puertorriqueños más conocidos internacionalmente son ya bien veteranos y, según García, muestran su apoyo a los más jóvenes para que también puedan vivir del género. "La salsa es el género con el que me identifico, el que amo, el que respiro, el que creo y en el que trabajo a día de hoy gracias a Dios", destaca García, que empezó a tocar el piano con nueve años y participó por primera vez en un grupo de salsa a los 15.Desde entonces, el artista ha despuntado en el género con colaboraciones con salseros boricuas de renombre como Charlie Aponte, Norberto Vélez y Pete Perignon, con el peruano Tony Succar y el dominicano David Kada."Se puede vivir de la salsa en Puerto Rico"García es el vivo ejemplo de que las nuevas generaciones pueden vivir de la salsa en Puerto Rico: realiza producciones y arreglos para otros artistas, compone sus temas, y actúa en directo como solista y junto a la agrupación "Grupo sin nombre" semanalmente en varios establecimientos de San Juan desde hace más de 13 años.El pianista, que lanzó recientemente su último sencillo "Loco enamorado", señala que la ventaja de los nuevos salseros son las plataformas digitales que favorecen la difusión y ayudan a que sus proyectos puedan ser consumidos en cualquier parte del mundo, pese a la distancia física con sus seguidores.Su amigo y compañero del género Carlos Nevárez, de 33 años, coincide en que su generación "está llena de mucho talento, con una educación musical brutal, muchos arreglistas, muchos compositores e instrumentistas que cantan".Nevárez es una de las nuevas voces de la salsa, estuvo nominado en 2018 a un Latin Grammy junto a Pete Perignon con el disco "La esquina del bailador", y ha realizado colaboraciones con Ronald Borjas, Manolito Rodríguez y Wiso Rivera, entre otros. El joven salsero se ha presentado en México, Colombia, Estados Unidos, en algunos países de África y próximamente va a subir a un escenario en Bari, Italia, donde presentará su último sencillo "Se está regando" y otros temas.Las mujeres rompen barrerasLas compañeras salseras también se abren hueco en este mundo que, como Nevárez subraya, antes era "muy macharrán" (machista), pero ahora artistas como Amor de Jesús, Zayra Pola, Tanisha Galarza o Michelle Brava "están rompiendo con esto".Otro ejemplo de ello es la joven de 26 años Merari Rivera, que se está dando a conocer dentro del género y, según relata a EFE, ha recibido el apoyo de reconocidos salseros como Víctor Manuelle. Se han mostrado "bien contentos, bien orgullosos con el papel" que está ejerciendo como figura femenina, afirma la joven.Rivera desde los nueve hasta los 17 años fue integrante del Coro de Niños de San Juan y a finales de marzo lanzó su tema "La carta", que surgió como balada y más tarde se convirtió en una salsa."Estoy bien, honrada de la exposición y del amor que le han dado a este primer tema y no se van a defraudar de todo lo que vengo a traer", asevera Rivera, quien fue descubierta en 2017 cuando el cantautor venezolano, Franco De Vita, escuchó su música en las redes sociales.Sus referentes son Eddie Santiago y Celia Cruz, entre otros, y afirma que su sueño es actuar en Colombia y ofrecer un concierto en el Coliseo de Puerto Rico "por lo que significa como puertorriqueña".Conéctese a la señal en vivo de la HJCK y escuche lo mejor de la música clásica.
Estas estrellas destacaron en entrevistas con EFE que hoy se cosechan los frutos de las semillas que ellos plantaron cuando las fusiones y las colaboraciones eran algo novedoso. “En mis inicios recibí muchas críticas porque le pusimos nuevos ritmos al vallenato”, recordó Vives, quien visitará los temas de sus inicios en la gira “El Tour de los 30”, que comienza en Nueva York el 19 de agosto.“Lo que la gente no terminó de entender es que todos los elementos que yo le ponía y le pongo a mi música salen de los ritmos ancestrales latinoamericanos, a los que le metemos un sonido más moderno. Pero todas estas fusiones están ancladas en quienes somos”, agregó el colombiano.Para él es “un gran placer” ver como “grandes” de la música urbana como Daddy Yankee y Wisin se acercaron a él para fusionar el reguetón con su música. También lo es escuchar canciones como “Dharma”, en la que Sebastián Yatra mezcló el flamenco con el vallenato en colaboración con Rosario Flores.Conectando con los jóvenesEste abril el cantautor neoyorquino Prince Royce recibió el premio Pionero de los Latin American Music Awards. La distinción le hizo recordar sus inicios, “cuando muchos decían que lo mío no era bachata, porque era muy pop”. Royce comenzó con una versión en bachata y bilingüe del clásico “Stand By Me” en 2010. “Yo quería llevar la bachata a los jóvenes, no solo latinos, sino los que hablaban inglés también. Era algo que no se hacía en esa época”, manifestó.“Ahora, lo normal es hacer música de muchos géneros y varios idiomas”, indicó el artista, cuya inspiración fue Juan Luis Guerra, quien fue el primero en hacer versiones sofisticadas de merengues y bachatas.“Lo mismo pasó con la salsa, que es la fusión del son cubano con los sonidos de Nueva York, o con el reguetón, que es la fusión del reggae jamaiquino con la percusión del Caribe latino y las influencias de la música urbana anglo”, señaló Ivy Queen, quien además le metió un toque femenino con una voz grave que no fue “precisamente bienvenida” en sus inicios.Elvis Crespo puso de moda el merengue a nivel mundial hace 25 años con “Suavemente”, y lo logró por una reinterpretación del género dominicano. “Le hicimos una introducción a capella seguida rápidamente por trompetas, saxofones, güira, congas y percusión y un ritmo intermedio”, recordó el artista.Considerando que la canción ha sonado en el espacio, en producciones de Hollywood, en boca de Dua Lipa y hasta en la casa de Anthony Hopkins, quien mientras meneaba las caderas al ritmo de “Suavemente” dijo “Soy colombiano”, resulta inaudito que Crespo haya tenido que luchar para que la canción fuera incluida en su primer disco.Resistencia hasta en casaAlejandro Fernández encontró esa resistencia en su propia casa. Su padre, el legendario cantante de rancheras Vicente Fernández, no tomó de buena manera que su “Potrillo” quisiera “modernizar” lo que para él ya estaba perfecto.“Mi papá se enojó muchísimo cuando yo empecé a llevar a mi música más hacia el pop”, relató Fernández, quien se siente “orgullosamente pionero del movimiento actual de la música mexicana”.Antes de que Christian Nodal saliera con su estilo “mariacheño” (mariachi y norteño), de que Danny Félix, Natanael Cano y ahora Peso Pluma hicieran corridos tumbados, o de que Calibre 50 lanzara fusiones con MC Davo, Santa Fe Klan y Beto Sierra, ya Alejandro Fernández había acercado la ranchera al pop. “Yo estaba convencido de que esa era la forma de que la música mexicana siguiera vigente, y no me equivoqué”, sostuvo.No todos los que abrieron camino con las fusiones enfrentaron críticas. Maná, por ejemplo, fue una banda aplaudida por su fusión de rock con pop y elementos del folclor mexicano. Shakira hizo lo mismo con un acento colombiano y hoy en día sus álbumes iniciales son venerados por los amantes del rock en español, aunque primero le costó ser respetada como mujer rockera. “La pluralidad de voces femeninas, fusiones y colaboraciones de hoy me emociona, porque recuerdo bien esa época”, dijo.La artista colombiana también fue una de las primeras en hacer colaboraciones con otros artistas. Su dueto “La tortura”, con Alejandro Sanz, data de 2005. Sanz, por su parte, fue pionero en la fusión de la música tradicional del sur de España con el pop y el rock. “Son mis dos pasiones”, afirmó el artista español al hablar de cómo nació la idea de mezclar estos ritmos. Su sonido abrió espacios para que hoy triunfen estrellas como Rosalía, C. Tangana, Omar Montes y muchos otros.Para Vives, “la música, como todo, es cíclica y lo que hoy se considera un clásico cuando arrancó era visto como un sacrilegio”. “Pero esa es la naturaleza del arte y los que hemos abierto los caminos para los jóvenes de hoy transitamos otros que habían hecho para nosotros”, puntualizó.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Según su director, el también colombiano José Luis Rugeles, "se podría disfrutar con los ojos cerrados" "Es la historia de un genio que tuvo tres grandes amores. El mayor era la música, después la droga y después su familia. Los tres amores se fueron revolviendo en la vida y cada vez se fue alejando más de la familia, acercándose más a la droga, y siempre estuvo con él al lado la música", explicó este domingo el cineasta.Esta coproducción de Colombia, Argentina y EEUU, presentada en la sección oficial del festival español de cine de Málaga (sur), nació de la admiración del director por Joe Arroyo, que es "parte de la banda sonora de los colombianos".Pero no quería hacer una película tropical "complaciente", explicó, "sino entendiendo que la vida del genio a veces es también incómoda, no solo llena de placeres, sino que crear y sentir es un dolor que lleva por dentro Joe". "Era un tipo maravilloso, lleno de anécdotas, y la película es una lucha contra las anécdotas, que nos perseguían", comentó el director.Así, "tomamos la decisión de entrar en las tinieblas fuertes de la vida de Joe. La gente está acostumbrada a ver la vida de estos artistas por las revistas de la farándula y, cuando encuentran el lado b, para la gente es un conflicto", constató.Reconoció el director que era "bien complejo y arriesgado" mostrar esta cara oscura de un ídolo en Colombia y "no contar lo que la gente quiere oír". Tenía Rugeles "mucho miedo" de enfrentarse a sus familiares y amigos; pero después de haber visto éstos la película, pero ha salido "bien librado".Destacó el trabajo del actor Jhon Narváez, que no solo interpretó a Arroyo, sino que "se convirtió" en él. "Joe fue una persona muy enferma, y Jhon empezó a enfermarse cuatro días antes de empezar el rodaje. Lo conecté con mi chamán, que empezó a trabajarle las energías", desveló el director.A lo largo del proceso de creación, la película tuvo varios títulos, pero finalmente decidió que "el más pertinente" era "Rebelión", como se llamó también uno de sus mayores éxitos musicales."Era un rebelde en su época -argumentó-, no estaba en el molde de los músicos normales y siempre se salía de todo. Si pones atención a las letras de sus canciones, entiendes muchas claves de su vida. En la música tropical estamos muy acostumbrados a bailar o a gozar, pero poco a escuchar las letras de las canciones".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes 10 de marzo el Grupo Niche lanzó una versión sinfónica de Hagamos lo que diga el corazón junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, trascendiendo el tiempo y la riqueza musical de las obras del inolvidable maestro Jairo Varela.Hagamos lo que diga el corazón, el gran éxito de 1991 del grupo salsero colombiano, que hizo parte del álbum ‘Llegando al 100 %’, se estrena ahora en versión sinfónica para la Edición Deluxe del Grupo Niche, en el que 101 músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, más el Grupo Niche, convirtieron éxitos salseros en nuevas creaciones artísticas para el deleite del oído de todas las generaciones.“Se puede sentir, desde los primeros compases, la majestuosidad de una perfecta fusión entre la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y el Grupo Niche, con su sección de cornos franceses, una sección de cuerdas maravillosas y el sonido del bombo sinfónico, imitando los latidos del corazón”, comenta José Aguirre, actual Director Musical del Grupo Niche en un comunicado.Este pre-estreno hace parte de esta anunciada producción sinfónica Niche Sinfónico, que incluirá 10 temas icónicos del legado de su creador. Hagamos lo que diga el corazón es uno de los temas más aclamados y cantados por toda clase de público que, en esta nueva oportunidad, se podrá disfrutar en su versión sinfónica con la orquesta de este género de mayor trayectoria en Colombia.Uno de los aspectos más importantes de este lanzamiento es la riqueza en la producción y masterización musical, en este proyecto también participan reconocidos talentos del país y de talla internacional. Ningún esfuerzo fue escatimado para este nuevo logro.El primer sencillo de esta producción ya está disponible en todas las plataformas digitales y es el comienzo para el gran lanzamiento de Niche Sinfónico. Encuentre más información en las redes sociales de la orquesta y del Grupo Niche. Escuche aquí "Hagamos lo que diga el corazón" versión sinfónica: No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La cadena de televisión estadounidense ABC News informó este miércoles que Cruz, nacida en La Habana en 1925 pero que emigró a EE.UU. en la edad adulta, ha sido seleccionada por la Casa de la Moneda de EE.UU. para su iniciativa "American Women Quarters Programa" (Programa de Cuartos de Dólar para Mujeres Estadounidenses).En virtud de ese programa, que se desarrolla entre 2022 y 2025, la Casa de la Moneda emite cada año piezas de 25 céntimos de dólar para homenajear a cinco mujeres "étnica, racial y geográficamente diversas".Las homenajeadas van desde figuras relevantes en el campo de los derechos civiles, la ciencia, el Gobierno, las artes o el espacio, entre otros.Las otras cuatro elegidas junto a Cruz para aparecer en la moneda son Patsy Takemoto Mink, la primera mujer no blanca en llegar al Congreso de EE.UU.; Mary Edwards, cirujana, activista proderechos civiles y abolicionista; la reverendo Pauli Murray, poeta, escritora y abogada, y Zitkala-Sa, conocida como Gertrude Simmons Bonnin, escritora, compositora y activista por los derechos de los nativos americanos.Los diseños para las monedas de un cuarto de dólar de 2024 serán dados a conocer a mediados de 2023.Cruz comenzó a cantar en su Cuba natal en una de las orquestas más populares de la época, Sonora Matancera. Después de la revolución en la isla entre 1953 y 1959, Cruz emigró a EE.UU. en 1961 y contribuyó a definir el sonido de la salsa como se entiende hoy en día.A lo largo de su carrera de más seis décadas, Cruz dejó su impronta personal en los escenarios con actuaciones llenas de energía, su voz poderosa y una presencia imponente.La "reina de la salsa" falleció en 2003 a los 77 años de edad. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El espectáculo titulado "The Last Dance" contará con la participación de la Royal Symphony Orchestra, que tendrá a más de 50 músicos en el escenario, y que acompañará a Ray y Cruz a interpretar algunos de sus éxitos, entre ellos, "Sonido Bestial", "Agúzate", "Señora", "Mi Bandera" y "La Zafra".Además de su aniversario, el lanzamiento de su película "Los Reyes de la Salsa" y de sus libros autobiográficos, el dúo arranca 2023 con un concierto único en la isla, donde presentarán todos sus éxitos y canciones que lanzaron su popularidad y fama a niveles internacionales.Reconocidos por sus fusiones de pegajosos ritmos en la salsa, la música clásica, el bolero y el rock desde la década de 1960, el dúo boricua no solo revolucionó el género de la música tropical, sino que marcó un sitial histórico para el género latino, dando a conocer la salsa en todos los rincones del mundo.Otros destacados temas con los que Ray y Cruz desplegaron a nivel mundial son "Amparo Arrebato", "Richie's Jala-Jala", "A Mi Manera", "Pancho Cristal", "Guaguancó Triste" y "El Mulato".Ray y Cruz empezaron su carrera como dúo componiendo temas inspirados por el cantante puertorriqueño Ramito y con la influencia de géneros que escuchaban de sus amigos latinoamericanos, como el guaguancó, el chachachá, el "boogaloo", el mambo y hasta la música clásica.Esa creación musical fue la que llevó a ambos artistas a componer algunas de las canciones más famosas en la historia de la salsa, como "Agúzate", "Juan en la ciudad", "Mi bandera", "Sonido bestial" y "La zafra".Discos como "Jala-Jala y Boogaloo" (1967), "Los durísimos" (1968), "Agúzate" (1969) y "Sonido bestial" (1970) fueron grandes éxitos de la primera época de Ray y Cruz, pero la fama comenzó a pasarles la factura en forma de adicciones y polémicas.En una pasada entrevista con EFE, Ray explicó que los problemas fueron aumentando hasta que en 1974 sintió que debía seguir el camino cristiano.La popularidad y las ventas de los salseros disminuyeron, pero la canción "Juan en la ciudad", versión salsera de la parábola bíblica del hijo pródigo incluida en el disco "Reconstrucción", de 1976, volvió a conquistar los corazones de sus seguidores.Sin embargo, el dúo, conocido como "Los durísimos", hizo una pausa en la música, que se prolongó por 20 años, y en la que se dedicaron en cuerpo y alma a la vida religiosa. La primera iglesia que fundaron fue en Miami (Florida, EE.UU.), seguida de otra en Irlanda y otra en Ciudad de México.Luego de su conversión, el dúo de Ray y Cruz continuó sacando producciones, entre ellas, "Richie Ray y Bobby Cruz Viven" (1977), "El sonido de la bestia" (1980), "De nuevo los durísimos" (1980) y "Cuando era niño" (1999). Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Resumir el éxito de Bad Bunny en los logros de este año no llega a describir el fenómeno en que se ha convertido el artista puertorriqueño, que cumplirá 29 años el próximo marzo, pero sirve para dar una idea de su magnitud.Spotify y Apple Music lo declararon artista del año y el más escuchado en sus plataformas; su gira "Un verano sin ti" fue la más exitosa en público y ganancias; The New York Times, Rolling Stone y Billboard incluyeron su más reciente disco entre los mejores de 2022 y Time Magazine lo destacó como una de las 100 personas más influyentes del mundo.Además, Marvel Studios anunció que será el protagonista de su primera película de un superhéroe latino -"El Muerto" se estrenará en 2024-, después de su debut en Hollywood con un personaje en "Bullet Train", protagonizada por Brad Pitt.Nada mal para un artista que hace menos de siete años era cajero en un pequeño supermercado de su natal Vega Baja, pueblo costero en el centro-norte de Puerto Rico.Un historiador musical"Bad Bunny es un genio, como lo han sido todos los que logran con su arte conectar con la gente mientras mantienen su autenticidad y consiguen transmitir mensajes importantes", indicó Venegas, una de las cantautoras más reconocidas de la música hispana y quien colaboró con el artista puertorriqueño en "Lo Siento BB:/".Después de superar "el pudor por las letras" de Bad Bunny, Venegas se metió a entender qué hacía al artista tan popular entre los jóvenes. "Él les habla de cosas que les interesan de una forma, muchas veces transgresora, que les permite explorar la rebeldía de la adolescencia", indicó.Para la reguetonera Ivy Queen, "es fácil criticar a Bad Bunny si sólo se conocen las canciones que se ponen de moda por usar lenguaje provocativo, pero los que nos tomamos el trabajo de conocer su música y descubrir quién es él, hemos encontrado a alguien muy respetuoso, conectado con su comunidad y que conoce mucho de la música latina, tropical, urbana, así como del pop el general"."Él está enamorado de la música. Jamás imaginé estar en un estudio de grabación hablando de rock con Bad Bunny, pero fue así, de rock, bossanova, en inglés, en español. Mucho de su trabajo viene de la historia de la música pop", dijo a su vez Torres, uno de los cantautores más famosos de Puerto Rico, cuyo disco más reciente, y uno de los más exitosos, fue producido por el artista.En sendas entrevistas con EFE, los tres declararon su admiración por Benito Antonio Martínez Ocasio, aquel niño que escogió su nombre artístico en honor a la rebelión que montó con su cara durante un Halloween cuando le pusieron un disfraz de conejo en el que se sentía incómodo. Entonces le dijeron que era un "bad bunny", un conejo malo, y le pareció "perfecto" para enseñarle su música al mundo.Para ellos, así como para Residente, el productor Tainy, J Balvin, Rosalía y muchos otros que han trabajado con él, las críticas a Benito, como lo llaman sus amigos y sus fans, son opiniones de "perezosos y prejuiciosos".Objeto de estudioAunque muchos padres lo siguen considerando mala influencia para sus hijos, Bad Bunny ha comenzado a intrigar a expertos. El profesor Nate Rodríguez, de la Universidad de California en San Diego (EE.UU.), anunció que ofrecerá una clase semestral de posgrado sobre el efecto de Bad Bunny desde las teorías sobre masculinidad, identidad de género y otras."Bad Bunny representa latinidad y activismo en temas de inclusión, diversidad y equidad", indicó el académico mexicano-estadounidense, quien citó como ejemplo la forma en que el artista ha usado su plataforma para denunciar los asesinatos de mujeres transgénero, la discriminación racial y contra la comunidad LGBTQIA, y los problemas en Puerto Rico, sin dejar de usar su lengua madre: el español."Bad Bunny: del reguetón a las lógicas del discurso contemporáneo" es la materia de la profesora Adriana Mora en la sede en Medellín de la Universidad Pontificia Bolivariana, una de las más reconocidas de Colombia.En el centro del fenómeno cultural más grande de Latinoamérica en los últimos años tenemos a un artista que lucha contra "la masculinidad tóxica, habla de identidad de género a través de su expresión visual y denuncia la vida de muchos jóvenes en el mundo", indicó Mora.El arte de Bad Bunny trascendió los confines del trap latino y el reguetón cuando se transformó en una mujer en el video de "Yo perreo sola", parte de su disco "YHLQMDLG" con el que denunció el asesinato en Puerto Rico de la mujer transgénero Alexa Negrón Luciano en 2020. La industria y los jóvenes entendieron entonces que su expresión iba más allá del clásico artista urbano que busca éxitos de discoteca.Después vinieron "El último tour del mundo" con sus virales "Dákiti" con Jhayco, y "La noche de anoche" con Rosalía. Ambos discos rompieron todo tipo de récords que en 2021 lo dejaron en el segundo lugar de transmisiones en directo, detrás de la banda surcoreana BTS. Y rompió todas las mediciones musicales con "Un verano sin ti", de 2022."Para mí, el secreto de Bad Bunny es que nunca ha dejado de cantarle a los chamaquitos de Vega Baja. De tan enfocado que está en ellos y en su realidad se ha hecho universal, porque en el fondo todos tenemos los mismos problemas", afirmó Residente.A eso se suma lo que Tommy Torres definió como "un talento casi sobrenatural para combinar sonidos y generales, creando puentes musicales y coros que se quedan en la cabeza de la gente". No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El proyecto, realizado por Seguros Sura, fue grabado entre las ciudades colombianas de Santa Marta, Cali, Barranquilla y Bogotá, y en Miami (EE.UU.), y fue producido por el maestro José Gaviria en compañía de Milton Salcedo para resaltar "la obra de Jairo Varela como compositor del Grupo Niche, referente de la salsa y de quien este año se conmemoró el décimo aniversario de su partida".Este álbum, décimo segundo de los proyectos tributo realizados por Sura de la mano de Gaviria desde 2010, en los que han sido convocados más de cien cantantes latinoamericanos, se podrá escuchar en todas las plataformas digitales y cuenta con seis canciones interpretadas por artistas latinos."Nosotros llevamos con Sura doce años haciendo proyectos musicales que amplían el legado cultural de lo que podamos hacer con la música colombiana y música de género de todas partes del mundo, entonces hemos hecho doce proyectos y esta vez lo hicimos centrándonos en las canciones de Jairo Varela, de Niche (...) y la idea es siempre invitar a artistas a que entreguen algo distinto de las versiones originales", dijo Gaviria a EFE.Para armar la alineación de esta selección de cantantes latinos que homenajean a Varela, Gaviria aseguró empieza a pensar en "las canciones potencialmente que podamos hacer" y también "armo una lista de artistas potenciales (...) y muchas veces cambiamos las canciones por sugerencia de ellos porque tienen en el 'mapa' una que no se me había ocurrido".Los temas del álbum son "La negra no quiere", interpretado por la cubana Aymée Nuviola, reciente ganadora del Latin Grammy; "Buenaventura y Caney", por Andrés Cepeda; "Gotas de lluvia", por Maía; "Se pareció tanto a ti", por Chabuco; "Cali Pachanguero", por la Puerto Rican Power y "Busca por dentro", por Son Pasión.De Cali para el mundoJohan, del dúo Son Pasión de Cali, conformado por él y su hermano Davincho, participan en la producción interpretando el tema de 1990 "Busca por dentro"."El maestro nos envió el arreglo (de Busca por dentro) y al escucharlo nos identificamos porque tiene ese plus juvenil que el maestro Milton (Salcedo) le plasmó y creo que es muy acertado con el color de nuestras voces, o sea, como escuchamos la canción nos identificamos inmediatamente y nosotros nos conocemos muy bien y fue muy fácil interpretar la canción", afirmó Johan.Un proyecto socialPara el presidente de Seguros Sura Colombia, Juan David Escobar, la compañía reconoce "el poder transformador que tiene la música, el arte y cualquier expresión artística para la sociedad", por lo que "este año y a propósito del décimo aniversario de la muerte del maestro Varela, quisimos conmemorar su trayectoria musical con el Grupo Niche y reconocer la importancia que tiene su música en la cultura popular de Colombia y la región".Así, la Fundación Sura anunció que por cada canción reproducida en las distintas plataformas digitales donará el mismo valor para apoyar a la Fundación Delirio de Cali.El 8 de agosto de 2012 Jairo Varela falleció en su casa de Cali a los 62 años, tras dejar una extensa estela de música que compuso para la que fue su mayor obra: El Grupo Niche. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Milanés, una de las voces más reconocidas de la música cubana, fue el fundador y artífice del sonido de la Nueva Trova junto a otros reconocidos artistas como Silvio Rodríguez y Noel Nicola.Autor de clásicos como "Yolanda", Milanés publicó más de 40 discos a lo largo de su carrera y obtuvo, entre otros, el Premio Nacional de Música de Cuba y el Grammy Latino a la Excelencia Musical.El cantautor cubano fue hospitalizado el 12 de noviembre en Madrid por "los efectos de una serie de infecciones recurrentes que en los últimos tres meses han venido afectando a su estado de salud", según un comunicado de entonces de su oficina artística.A partir de ese momento suspendió varias actuaciones que tenía previstas en Pamplona (España), Ciudad de México y Santo Domingo."Esta situación clínica -añadía la nota- es secundaria a una enfermedad oncohematológica que sufre desde hace varios años y que le exigió instalarse en Madrid" a finales de 2017 para recibir tratamiento.El comunicado explicaba que "de momento ha sido necesario cancelar los conciertos previstos en las próximas semanas y suspender toda su actividad artística mientras dure esta circunstancia".Pablo Milanés también tuvo que cancelar en septiembre un concierto. Una de sus últimas actuaciones en directo fue en junio pasado en La Habana.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Julio Cortázar, autor argentino conocido por sus obras innovadoras y experimentales, era un amante de los libros. Su biblioteca personal era extensa y diversa, con una amplia gama de géneros y autores. Cortázar veía su biblioteca como un espacio sagrado, un refugio donde podía sumergirse en diferentes mundos literarios y encontrar inspiración para su propia escritura. Para él, los libros eran mucho más que meros objetos, eran compañeros íntimos y fuentes de conocimiento. Cortázar solía decir: "La biblioteca es una extensión de uno mismo, una especie de tesoro personal que revela quién eres y quién quieres ser". Uno de sus libros favoritos era Ulises, de James Joyce. Cortázar se sentía fascinado por la complejidad narrativa de esta obra maestra, su estructura fragmentada y su exploración de la conciencia humana. Leía y releía cada página con avidez, maravillándose ante las múltiples capas de significado y las sutilezas lingüísticas que Joyce había tejido magistralmente. Cortázar era un apasionado de la poesía y tenía una predilección por los poemas de Arthur Rimbaud. Las imágenes vívidas y la musicalidad de sus versos lo transportaban a un mundo de sensaciones y emociones intensas. Rimbaud despertaba en Cortázar una fascinación por la rebeldía y la búsqueda de la belleza en todos sus aspectos. Este era un autor repetido en su biblioteca. En la primavera de 1993, Aurora Bernárdez, su primera esposa y albacea literaria, puso la biblioteca personal de Cortázar al cuidado de la Fundación Juan March, de Madrid. Desde entonces está allí a disposición de estudiosos y público general.Jorge Luis Borges tenía una relación única con su biblioteca personal. Después de volverse ciego, su biblioteca se convirtió en su mundo imaginario. Aunque no podía leer los libros físicamente, conocía cada uno de ellos en detalle. Borges solía afirmar que cada libro de su biblioteca era una puerta hacia otro universo, un laberinto infinito de ideas y conceptos. Para él, la biblioteca era un lugar de ensueño donde podía explorar las vastas dimensiones de la literatura sin restricciones. Borges expresó una vez: "Mi biblioteca personal es mi jardín secreto, un espacio donde el tiempo y el espacio se desvanecen, y solo existen las palabras eternas".Uno de los libros más queridos por Borges era Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra. Para Borges, la obra de Cervantes era un laberinto literario, una exploración profunda de la realidad y la ilusión, que trascendía las fronteras de la ficción. Él admiraba la figura del ingenioso hidalgo y su lucha contra los molinos de viento, símbolo de la quimera y la valentía en el enfrentamiento contra lo irreal. En su libro Lectores (1974) Borges escribió "Sé que hay algo inmortal y esencial que he sepultado en esa biblioteca del pasado en que leí la historia del hidalgo. Las lentas hojas vuelve un niño y grave sueña con vagas cosas que no sabe". Se sabe que también libros como La odisea, de Homero o Las elegías de Duino, de Rainer Maria Rilke eran libros imprescindibles en su biblioteca Gabriel García Márquez, el apremio Nobel de Literatura, también tenía una biblioteca personal notable. García Márquez valoraba enormemente la tradición literaria y la influencia de otros escritores en su trabajo. Su biblioteca estaba llena de obras clásicas de la literatura universal, pero también contenía textos relacionados con la historia, la política y la cultura latinoamericana. García Márquez creía que un buen escritor debía ser un ávido lector y consideraba su biblioteca como una fuente infinita de aprendizaje y crecimiento. Solía decir: "Un escritor sin una biblioteca es como un pájaro sin alas, carece de las herramientas necesarias para volar alto en la imaginación".El libro Veinte poemas de amor y una canción desesperada era una joya en su biblioteca. Los versos apasionados y melancólicos de Neruda resonaban en su corazón y le recordaban la belleza y la intensidad del amor y la vida. Además, García Márquez tenía una admiración especial por William Faulkner y su novela El ruido y la furia. Esta obra, que explora la decadencia de una familia sureña desde diferentes perspectivas, fascinaba a García Márquez por su estilo narrativo innovador y su exploración de la psicología humana. Faulkner inspiraba a García Márquez a desafiar las convenciones literarias y a buscar nuevas formas de contar historias.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
El festival fue creado por el actor Robert De Niro tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 para ayudar a revitalizar el sur de Manhattan, pero después dos décadas se ha convertido en un gran evento para creativos del cine -y, cada vez más, de otras disciplinas- con puntos de vista y proyectos tan diversos como la propia ciudad.Esta edición, que se celebra entre hoy y el 18 de junio, acogerá más de un centenar de películas, la mayoría estrenos mundiales, y llama la atención que muchas de ellas son largometrajes documentales que cuentan en primera persona los entresijos del mundo de la música de la mano de reconocidos cantantes y grupos.La cinta elegida para la gala de apertura es "Kiss the future": dirigida por Nenad Cicin-Sain y producida por Ben Affleck y Matt Damon, se centra en el concierto que dio U2 en Sarajevo en 1997 para celebrar la liberación de la capital bosnia y en la comunidad artística que trabajó por hacerlo posible. Aunque no está prevista una actuación de la banda irlandesa en Tribeca, su cantante Bono hizo acto de presencia en el estreno mundial en la Berlinale el pasado febrero, por lo que no habría que descartar sorpresas.Lo que sí es seguro, según la programación, es que subirán a un escenario unas cuantas figuras musicales para complementar las primeras emisiones de sus películas, poniendo una suerte de banda sonora que amenaza con eclipsar el interés en los aspectos más puramente cinematográficos.Larga lista de historias musicalesLa primera es Gloria Gaynor, protagonista de "Gloria Gaynor: I will survive" (9 junio), filme que habla de cómo la cantante ha sobrevivido a las cuatro décadas posteriores a su gran éxito musical entre problemas de salud, abusos de su ahora exmarido y mala gestión de su carrera, y se prepara para lanzar un nuevo álbum de góspel.Cyndi Lauper actuará tras el estreno de "Let the canary sing" (14 junio), en el que repasa sus orígenes humildes y ascenso profesional; y Carlos Santana saldrá al escenario tras la proyección de "Carlos" (17 junio), que cuenta su historia y recoge imágenes inéditas.En "Scream of my blood: a Gogol Bordello story" (13 junio), Eugene Hütz, líder de la banda de punk Gogol Bordello, explora la influencia de sus orígenes ucranianos y gitanos, y de acontecimientos desde la caída de la Unión Soviética hasta la invasión rusa de Ucrania.El rapero French Montana actuará tras estrenarse "For Khadija" (16 junio), que aplaude los "sacrificios de su madre soltera", y las Indigo Girls, el premiado dúo de folk rock, hablará tras la proyección de "It's only life after all" (14 junio), que ahonda en sus 35 años de amistad, arte y activismo.Los documentales musicales de Tribeca no se centran solo en nombres famosos: "Uncharted" (10 junio) entra en el campamento de composición musical creado por Alicia Keys para mujeres jóvenes negras, y cede los focos a sus protagonistas bajo la supervisión de la conocida cantante en un acto posterior.Y "Bad like Brooklyn dancehall" (8 junio) ahonda en la popularización de este género en la Nueva York de los 80 y los 90 gracias a los inmigrantes jamaicanos, con la actuación prevista de dos leyendas que colaboran en la cinta: Shaggy y Sean Paul.Frente a todos estos títulos, "Maestra" despunta con una exploración de las expectativas de género en música clásica, siguiendo a un grupo de mujeres que participan en una competición para ser directoras de orquesta.La lista sigue y sigue, con películas sobre la banda Milli Vanilli, el rapero Biz Markie, el cantante Marc Rebillet, la rapera Tierra Whack, la cantante y actriz Sara Bareilles, el artista polifacético Taylor Mac, e incluye una proyección de "Wild Styles" por el 50 aniversario del género hip-hop.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Los tres científicos fueron galardonados por los avances logrados para entender el papel esencial que juegan los microorganismos en la salud y el bienestar humano, y para encontrar aplicaciones a la hora de buscar nuevos tratamientos efectivos contra las bacterias resistentes a los antibióticos.Bassler (Chicago, 1962) dijo sentirse "muy emocionada" por el "gran honor" de ser reconocida con este premio, que agradeció tanto a los reyes de España y a la princesa Leonor como a la institución que concede los galardones."Espero con ilusión celebrar el hecho de descubrir, la creatividad y los logros junto con ustedes y la comunidad que han alentado", manifestó la galardonada, que, al igual que Greenberg, centró sus investigaciones en la forma que tienen las bacterias de comunicarse entre ellas mediante la emisión de ciertas sustancias.Greenberg (Nueva York, 1948) aseguró sentirse "sorprendido y encantado" con un galardón que considera un honor recibir junto a sus colegas Jeff Gordon y Bonnie Bassler y agradeció a la Fundación Princesa de Asturias que reconozca los logros de los grandes científicos que formaron parte de su equipo de investigación a lo largo de varias décadas."Estoy emocionado de unirme a los otros galardonados para celebrar la creatividad con ustedes el próximo octubre”, señaló, en alusión a la fecha de entrega de los ocho Premios Princesa de Asturias durante una ceremonia que se celebra en el Teatro Campoamor de Oviedo (norte de España).Por su parte, Gordon (Nueva Orleans, 1947) trasladó su agradecimiento por un "magnífico premio, que cuenta con un extraordinario elenco de galardonados"."Como tal, me siento profundamente honrado y extremadamente agradecido por su reconocimiento al trabajo en equipo de tantos estudiantes, personal y colegas talentosos con los que he tenido la suerte de haber compartido este viaje y de quienes he aprendido a lo largo de los años", agradeció Gordon, pionero en el descubrimiento y comprensión del microbioma humano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La programación de eventos entre julio y noviembre puso una vez más de manifiesto la extraordinaria colección del MET, tanto histórica como geográficamente, que le permite adentrarse en propuestas que a otros museos les costaría una enorme cantidad de recursos, y le permite además un fructífero intercambio de piezas con casi cualquier museo del mundo."No hay museo en el mundo con tal diversidad de programas", proclamó el director del MET, Max Hollein, en un desayuno para la prensa en el que presentó un calendario marcado por la "ambición curatorial", según dijo.Esta ambición se traduce en tres exposiciones sobre maestros de las vanguardias modernistas: una sobre los orígenes del fauvismo ("El vértigo del color", a partir de octubre), otra comparativa sobre Manet y Degas (a partir de septiembre), organizada en colaboración con el museo parisino de Orsay y una tercera sobre Picasso y Brooklyn (a partir de septiembre).Esta última exposición presentará un capítulo poco conocido del cubismo: el encargo del coleccionista de arte, pintor y crítico estadounidense, Hamilton Easter Field, a Picasso de un conjunto decorativo destinado a la biblioteca de su casa de Brooklyn.Pero junto a ellas caben otras muestras sobre arte coreano, cerámica Pueblo mexicana, arte e imaginería política estadounidense de los años treinta y la fotografía de Maxime Du Camps en sus viajes por Oriente Próximo, entre otras propuestas.Destacan por su riqueza y originalidad la muestra "África y Bizancio", que presenta cómo entre los siglos III y VII el arte procedente del norte de África, principalmente tardorromano pero también nubio, influyó en la configuración de la imaginería religiosa bizantina, y posteriormente fue Bizancio la que ejerció una influencia visible durante siglos en el arte etíope.La exhibición (que se inaugura en noviembre) constará de 200 piezas entre las que hay textiles egipcios, mosaicos tunecinos, iconos etíopes y abundante joyería bizantina o cofres ricamente adornados.Otra original exposición, que será inaugurada el 21 de julio, será la de "Árbol y serpiente", sobre los orígenes del arte budista en el sur de la India, con piezas procedentes de varios museos indios, algunas de ellas recién excavadas por arqueólogos y nunca antes exhibidas.Serán piezas que van desde el siglo II a.C. hasta seis siglos después, e incluirán algunos objetos romanos en diálogo con los indios que demostrarán que hubo una interinfluencia mayormente desconocida entre las estéticas de ambos mundos, como podrá verse en varias esculturas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Arranca nuestro equipo de RTVC y la Radio Nacional. Busco ligar la televisión pública a la juventud, la cultura y a la producción de cine y audiovisuales”, anunció en su cuenta de Twitter el presidente Gustavo Petro en una foto acompañado por Hollman Morris y Nórida Rodríguez, este martes 6 de junio.El nombre del periodista fue habitual en los nueve meses que duró el Sistema de Medios Públicos RTVC con dirigencia interina, hasta que el pasado mes de mayo, fue anunciada la actriz y abogada Nórida Rodríguez como gerente. Morris hará parte del equipo en el cargo de subdirector.Es importante destacar que la noticia de su nombramiento dentro de la entidad encargada de administrar los contenidos culturales y educativos de Señal Colombia, Canal Institucional, Radio Nacional de Colombia y Radiónica junto a la red de canales regionales del país fue anunciada el pasado 19 de mayo por Mauricio Lizcano, ministro de las TIC, institución bajo la cual está RTVC. Morris nació en Bogotá, el 17 de agosto de 1969. Es periodista de la Universidad Javeriana, productor, director de televisión, escritor y político, además de becario en la Universidad de Harvard y en la Fundación National Endowment for Democracy (NED), en Washington. También ha sido exconcejal de Bogotá y exgerente de Canal Capital, precisamente cuando Gustavo Petro fue Alcalde de la capital del país. El nombramiento ha provocado reacciones dentro de organizaciones de mujeres y activistas feministas debido a la vinculación de Morris en denuncias por violencia sexual, específicamente contra la periodista María Antonia García de la Torre, e intrafamiliar contra su exesposa Patricia Casas.Estas investigaciones fueron archivadas por la Fiscalía en marzo de este año. Con su nombramiento, también se descarta su participación a la alcaldía de Bogotá en las próximas elecciones locales de octubre. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
