En su decimoctava edición, que se realizará del 5 al 13 de enero, el Cartagena Festival de Música abordará la relación entre música y naturaleza y, en particular, cómo esta combinación fue fundamental en la historia de la música y la cultura del siglo XIX. El tema de esta nueva edición será ‘La sinfonía de la naturaleza’ y se centrará en creaciones icónicas que nacieron gracias a este fenómeno.“Es un tema muy apasionante en la historia de la música, casi todos los compositores han tratado la relación entre música y naturaleza, desde el barroco, con muchas arias de Georg Friedrich Händel y composiciones de Antonio Vivaldi, hasta autores como Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven”, explica Antonio Miscenà, director general del Cartagena Festival de Música.Los repertorios de los conciertos tendrán como protagonista a la música de compositores como Edvar Grieg (Noruega), Jean Sibelius (Finlandia) y Carl Nielsen (Dinamarca), quienes se inspiraron en las tradiciones folclóricas, los paisajes y la naturaleza de las zonas del norte de Europa.El programa se complementará con obras que tienen relación con la naturaleza y que fueron creadas por compositores canónicos de la historia de la música, entre los que sobresalen Antonio Vivaldi, Felix Mendelssohn, Ludwig van Beethoven y Robert Schumann, entre otros.Durante los nueve días de programación, los espectadores podrán disfrutar de célebres composiciones como el Concierto para piano en la menor y Peer Gynt de Edvard Grieg, Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, Escenas del bosque de Robert Schumann, el Concierto para violonchelo en do mayor de Joseph Haydn y la Sonata para violín y piano en sol menor de Claude Debussy.“Es fascinante la manera en que cada músico y cada época entró en relación con este fenómeno. Algunos trataron aspectos de la naturaleza en manera directa, mientras que otros como Debussy no la imitaron, sino que buscaron un mecanismo más complejo”, añade Miscenà.La orquesta residente de esta edición del festival será el Ensamble Allegria de Noruega, compuesto por 23 músicos y que en Cartagena será dirigido por el también noruego Ingar Bergby. El ensamble, considerado uno de los principales conjuntos musicales del país nórdico, es reconocido por combinar una gran calidad artística con espontaneidad y flexibilidad.En el grupo de solistas invitados sobresalen la violinista noruega Eldbjörg Hemsing, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland y los pianistas Olli Mustonen (Finlandia), Lukas Geniušas (Rusia/Lituania), Peter Jablonski (Suecia) y Georgy Tchaidze (Rusia) además del Cuarteto de Cuerdas Nórdico de Dinamarca.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música reservará dos jornadas para las composiciones de autores colombianos cuyas creaciones también se inspiraron en los paisajes y naturaleza nacionales. Los repertorios de los seis conciertos que se realizarán el 12 y el 13 de enero incluirán piezas de Guillermo Uribe Holguín, Antonio María Valencia, José Rozo Contreras y Gentil Montaña, entre otros.El 12 de enero, con el concierto Miniaturas poéticas del Cauca y del Caribe, se le rendirá un homenaje al compositor caleño Luis Carlos Figueroa, que el pasado 12 de octubre cumplió cien años. A lo anterior se suma el estreno mundial de la Suite de la naturaleza en cinco tiempos, obra comisionada por el festival al compositor Jorge Pinzón.Entre los invitados colombianos se destacan la soprano Julieth Lozano, el pianista y director Alejandro Roca, el violonchelista Santiago Cañón Valencia, el Cuarteto Q-Arte, el Bogotá Piano Cuarteto, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, entre otros.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se sabe que Vivaldi escribió cuatro oratorios: uno sobre temas del Papa Pío V en 1713, Moisés en 1714 en Juditha Triumphans en 1716 y La Adoración de los Magos en 1722. El segundo y el tercero con textos latinos y los otros dos con textos vernáculos. Aunque trabajaba en el Ospedale della Pietà (una de las cuatro instituciones residenciales venecianas en las que las niñas recibían instrucción musical experta) como profesor de violín desde 1703, con frecuencia sustituyó al maestro de coro Francesco Gasparini después de que este último se ausentara por enfermedad en 1713.Los libretos del oratorio -el de Juditha Trumpans es de un tal Giacomo Cassetti- vuelven a contar las historias bíblicas a su manera, eliminando y añadiendo detalles con algo de libertad.La historia de Judith de los apócrifos era un tema de oratorio popular, quizás porque los dos personajes centrales podían identificarse tan fácilmente con los tipos operísticos comunes: la propia Judith con la heroína virtuosa pero astuta, y Holofernes con el tirano fanfarrón domesticado por el poder del amor.En 1714 Venecia había entrado en su sexta guerra con los turcos. Al equiparar a Venecia con Judith y al poder turco con Holofernes, Cassetti convierte el oratorio en una oración por la victoria. La victoria, por desgracia, no iba a ser, porque, aunque el Tratado de Passarowitz de 1718 consolidó las posesiones venecianas en Dalmacia, reconoció la pérdida de prácticamente todo el Peloponeso, ganado a Turquía 19 años antes.Compuesto en Venecia por Antonio Vivaldi el año 1716 y presentado al público por primera vez en noviembre del mismo año, el oratorio Juditha Triumphans está estructurado en dos partes.En Canto y Música Coral se presentará la versión Juditha Triumphans de Antonio Vivaldi interpretada por: Birgit Finnila en el papel de Juditha que representa a la ciudad de Venecia, Ingeborg Springer en el rol de Abra que es la personificación de la fe cristiana, Julia Hamari como Holofernes la personificación del sultán turco, recién derrotado, Elly Ameling interpreta a Vagaus quien simboliza al comandante del ejército otomano, Annelies Burmeister en el papel de Ozias que es la encarnación del Papa.Los acompaña el Coro 'Asociación de Solistas de Radio Berlin', dirigidos por Dietrich Knothe y la Orquesta de Cámara de Berlín bajo la dirección de Vittorio Negri.La primera parte del oratorio presenta la acción durante el asedio asirio a la ciudad irreal de Betulia (una metáfora de la propia Iglesia).La viuda Juditha y su fiel Abra acuden al campamento asirio. Recibidas por Bagoas, el eunuco comandante, éste informa al general Holofernes de que una judía viene como mensajera de la paz. Holofernes se enamora de ella y el general ordena a Bagoas organizar un banquete en su tienda, al que asistirán él y Juditha.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y música Coral, el domingo 5 de noviembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Orquesta Sinfónica de Cartagena (OSC) culmina su temporada de exploración de los Sonidos de la naturaleza este 16 de octubre con el concierto ‘Sinfonía del aire’, última presentación de la tercera residencia de la agrupación en este 2023.El programa del concierto tiene como hilo conductor el tema del aire, entendido en un sentido amplio. El aire es un elemento al que se le han atribuido propiedades de espíritu y pureza. Su importancia, para numerosas tradiciones de pensamiento, consiste en permitir respirar y, por tanto, posibilitar la vida e infundir el alma.El aire también está asociado a la inmensidad del espacio, al viento, al fuego, y es el medio por el que viajan las mágicas partículas sonoras que nos permiten escuchar palabras y música.Luego de abordar repertorios inspirados en los sonidos de la Tierra (primer concierto del año, en mayo) y el Agua (segundo concierto, en julio), la Orquesta Sinfónica de Cartagena, bajo la batuta de su directora titular, Paola Ávila, interpretará piezas en las que el aire tiene un papel evocador determinante.En el Teatro Adolfo Mejía se escucharán composiciones para las que el aire y el espacio vacío no sólo fueron una fuente de inspiración, sino que fueron determinantes para generar sus atmósferas y entornos.El repertorio incluye piezas como ‘Los planetas’, la suite orquestal del compositor británico Gustav Holst, e ‘Interestelar’, compuesta por Hans Zimmer, Alex Gibson y Ryan Romeyn Rubin como parte de la banda sonora de la película de Christopher Nolan.La Orquesta Sinfónica de Cartagena también interpretará ‘Danza del ritual del fuego’, uno de los movimientos del célebre ballet ‘El amor brujo’ del español Manuel de Falla, y la ‘Conga del fuego nuevo’, del mexicano Arturo Márquez, inspirada en un baile de carnaval cubano, entre otras obras.¿Qué es la Orquesta Sinfónica de Cartagena?Es un proyecto de ciudad que busca entregar oportunidades de movilidad e integración social desde una experiencia sinfónica dirigida a jóvenes habitantes de Cartagena vinculados a un proceso de educación musical. Nació en 2016 como una iniciativa de la Fundación Salvi que busca que jóvenes instrumentistas sinfónicos complementen su educación musical, expandan sus horizontes profesionales y aporten a la transformación social de su comunidad, a través de una inmersión artística y formativa integral desde una experiencia orquestal.Actualmente cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, de la Alcaldía de Cartagena a través del Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena -IPCC, la Universidad de Cartagena, Cowork, Brigard & Urrutia, El Universal, Emisora Universitaria de la Universidad de Cartagena, Amigos de la OSC, y demás entidades, maestros, familiares y amigos que apoyan incondicionalmente el proyecto Orquesta Sinfónica de Cartagena.Recuerde que el concierto se llevará a cabo en el Teatro Adolfo Mejía el lunes 16 de octubre a las 6:30 p.m. con entrada libre hasta completar aforo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Glenn Gould no estuvo en este mundo sino 50 años, (nació en 1932), muchos para la gente a la que atormentó con sus caprichos, pocos para quienes admiraron su genio.Empezó a los tres años encaramado en un artefacto que lo izaba para llegar a las teclas del piano. Su sufrida madre le vigilaba y le enseñaba a la vez. Un día, a los seis años, escuchó un recital del famoso pianista polaco Joseph Hofmann y quedó en un estado de excitación del cual, aparentemente, nunca se liberó. Siempre recordó esa experiencia que, según sus propias palabras, “lo dejó hechizado.”Muchas cosas pueden decirse sobre la exasperante y sin igual personalidad de Glenn Gould tomando aquí y allá trozos de su vida y conceptos de sus biógrafos. Dentro de ellos, a nuestro juicio el más certero es Harold Charles Schonberg. En su libro “Los grandes pianistas” nos habla sobre el pianista canadiense.Los conceptos de Schonberg comienzan con las siguientes palabras:" quedó sólo un foco de resistencia importante: la respetada Rosalyn Tureck, artista admirable, una mujer que había dedicado su vida a Bach y a la práctica de la interpretación de Bach, una instrumentista con una mano izquierda independiente ideal para el pentagrama de Bach. Sin embargo, hasta a Tureck la miraron con cierta sospecha. Tocaba el piano.Y en 1955 apareció Glenn Gould. Su carrera fue una de las más extrañas en la historia del piano. Uno de los grandes excéntricos de la música, fue sin embargo un instrumentista excelentemente dotado, cuyas ideas cambiaron el enfoque de Bach que tenían los músicos. Su primera grabación, las legendarias Variaciones Goldberg, que apareció en 1955, fue una revelación para muchos. Exhibía una combinación de personalidad, finura, ideas nuevas, ritmo movido, tempos rápidos y seguridad técnica que significó un enfoque nuevo de la interpretación de Bach.Tenía autoridad. Quizá los musicólogos podrían desmenuzarlo. No importa. Lograba que los oyentes creyeran. Sobre todo, estaba la cualidad lineal de la ejecución. Glenn Gould tenía una habilidad extraordinaria para separar las líneas contrapuntísticas, pesarlas, contrastarlas entre sí y tocarlas en tándem”.Para muchos músicos de hoy, Glenn Gould es un símbolo, una especie de Bobby Fischer del piano. Como el excéntrico genio del ajedrez, fue un talento asombroso que se retiró pronto a una vida de reclusión. Como Bobby Fischer, Glenn Gould dictó sus propias leyes, siguió su camino, no le preocupó lo que el mundo pensara de él y terminó por hacer que el mundo aceptara su voluntad. No es de extrañar que representara algo a lo que todos los músicos jóvenes aspiraban.De Ludwig van Beethoven a Glenn Gould le gustaban las primeras obras y algunas de las últimas, en particular la Gran Fuga, que consideraba “no sólo la mayor obra que Beethoven escribió, sino quizá la composición más asombrosa de la literatura musical”. Por lo que concierne a las sinfonías, el Concierto para violín, la Sonata Waldstein, Gould “no podía explicarse” por qué eran tan populares.La música fue la vida de Glenn Gould, ni siquiera terminó la escuela secundaria. Cuando comenzó a dar conciertos, lo hizo como artista ya cabal y con programas muy poco usuales. Tocaba muy poca música romántica. Sus programas naturalmente incluían a Bach. Tocaba algo de Beethoven, en especial las tres últimas sonatas. También les echó una mirada a compositores que generalmente no se asociaban con recitales de piano: Sweelinck y Gibbons, por no mencionar más de dos. Luego daba un gran salto hasta Berg y Webern. Explicó que “tengo una laguna de un siglo delimitada más o menos por El arte de la fuga por un lado y Tristán e Isolda por el otro; todo lo que está en medio es en todo caso motivo de admiración más que de amor.”Además de intérprete, Glenn Gould escribió mucho, tanto como para llenar un grueso libro de 461 páginas que editó Tim Page. Las notas de programa para los discos estaban siempre escritas por él, y colaboró en muchas revistas. Sus escritos ilustran su propia paradoja. Sus observaciones sobre música y sobre la vida en general son una mezcla de profundidad, inteligencia, adolescencia, humor pesado que no divierte y verdaderas tonterías. A Glenn Gould le encantaba asombrar, lanzar ideas sin haberlas trabajado a fondo.A menudo se expresaba en paradojas. De vez en cuando se encuentra una humildad decorosa. En resumen, sus escritos son como el músico Gould: en el mejor de los casos brillan de manera irritante o irritan brillantemente.No es de extrañar que los músicos pusieran el grito en el cielo. ¿Quiso en realidad Gould decir todo lo que dijo? ¿O es que, como dice Lewis Carroll “sólo lo hace para fastidiar porque sabe que irrita”? En una ocasión Rudolf Serkin oyó a Gould hacer comentarios de esta clase en una transmisión de radio. “Dijo ridiculeces que me enfurecieron. Pero al final tocó y todo se arregló.”En la otra cara de la moneda estaban los músicos y críticos que idolatraban a Gould y todo lo que él representaba. Para ellos, era el único pianista joven con cerebro e individualidad verdaderos.Glenn Gould sólo durante nueve años fue pianista de concierto, pero esos nueve años le convirtieron en una superestrella. Solicitado en todas partes, tocó en Europa, Rusia e Israel además de Estados Unidos. Se retiró a los treinta y dos años. Algunos años antes había anunciado que dejaría de tocar en público cuando tuviera treinta, para dedicarse a grabar, y cumplió su palabra. El 28 de marzo de 1964 dio su último concierto, en Chicago. Murió trágicamente joven, en 1982, después de un ataque al corazón. Tenía sólo cincuenta años.Podrá escuchar una selección de obras de Glenn Gould en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 2 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Con libreto en francés de Simon-Joseph Pellegrin, basado en la tragedia de Fedra (princesa cretense, hija de Minos y de Pasífae), obra del dramaturgo francés Jean Racine que se publicó en 1677, es la primera ópera con música de Jean-Philippe Rameau, que se estrenó con gran controversia en la Académie Royale de Musique de París el 1 de octubre de 1733, hace 290 años.La acción de Hipólito y Aricia se desarrolla en la ciudad de Troczen y sus alrededores, en la costa del Peloponeso. Teseo se ha convertido en rey de Atenas al eliminar a toda la familia de su rival Palas excepto a Aricia, a quien obliga a hacer votos de castidad. Mientras tanto, su esposa Fedra ha desarrollado una pasión incestuosa por su hijastro Hipólito, hijo de Teseo de un matrimonio anterior.La versión que se presentará en Canto y Música Coral por cuenta con el siguiente reparto: Aricia por Véronique Gens, Hipólito por Jean Paul Fouchécourt, Fedra por Bernarda Fink, Teseo por Russell Smythe y Diana diosa de la caza por Thérése Feighan. Acompañados del Conjunto Vocal Sagittarius dirigido por Michel Laplénie y Los Músicos del Louvre bajo la dirección de Marc Minkowski.ACTO IUn templo dedicado a Diana, Aricia se prepara a regañadientes para tomar sus votos. Cuando Hipólito descubre sus intenciones trata de disuadirla. Los dos revelan su amor mutuo y rezan por la protección de Diana. Las sacerdotisas vienen a rendir homenaje a Diana. Su ceremonia es interrumpida por Fedra, quien sospecha que Aricia ha desobedecido a Teseo y ha renunciado a sus votos por amor a Hipólito. La reina, confirmadas sus sospechas, ordena a los guardias que asalten el templo.Las súplicas de las sacerdotisas a los dioses son respondidas por truenos y Diana desciende. Asegura a los enamorados su protección contra Fedra. A solas con Oenone, su confidente, las reflexiones de Fedra se ven interrumpidas por la noticia de que Teseo ha descendido al Hades y ahora debe ser considerado muerto. Oenone señala que la muerte de Teseo hace legítima la pasión de Fedra por su hijastro. Donde Aricia solo puede ofrecerle amor, la reina puede ofrecerle tanto corazón como corona. Fedra es persuadida a regañadientes, pero jura morir si no logra conquistar a Hipólito.Escuche la obra completa en la próxima edición de Canto y Música Coral, el domingo 1 de octubre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
“Todo lo que he escrito hasta hoy, y que ustedes desafortunadamente han publicado, puede ser destruido. Con Carmina Burana comienza mi obra”, aseguró el compositor alemán Carl Orff (1895 - 1982) después del estreno, el 8 de junio de 1937, de la que sería su creación cumbre. Una versión muy especial de esta enigmática cantata escénica será presentada por la Filarmónica de Bogotá, bajo la guía de su director titular, Joachim Gustafsson, y con la participación de la Compañía de Danza L'Explose y el talento vocal del Coro Filarmónico Infantil, el Coro Filarmónico Juvenil y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia. Esta función agotó ya todas sus entradas.El nombre Codex Buranus o Carmina Burana hace referencia al Monasterio de Beuren en Alemania, lugar donde Johann Christoph von Aretin encontró el manuscrito en 1803 por durante la secularización de Baviera. El documento recoge unos 250 poemas, en latín secular, provenzal y alemán medieval, en los que se consignan poemas satíricos, dramas litúrgicos, danzas y canciones, muchos de ellos con música en una notación especial. La autoría de estos poemas se atribuye a los goliardos, clérigos que abandonaron la iglesia y con el conocimiento del latín y de la teología, se dedicaron a criticar las instituciones, incluida la iglesia, y a burlarse de todo su entorno.Este fascinante manuscrito llamó la atención del alemán Carl Orff en 1934. En ese momento, era reconocido más como especialista en música antigua y pedagogo que como compositor. A partir del documento, Orff concibió la obra Carmina Burana - Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis, cuya traducción sería: ‘Cantos de Beuern: Canciones profanas para solistas y coros para ser cantadas con instrumentos e imágenes mágicas’. En pocas palabras, una cantata escénica.Carl Orff escogió 24 poemas del manuscrito, para los que creo las partituras (en ningún momento utilizó la música original) y los organizó en tres partes: La primera se titula Primo vere (Primavera), tiene que ver con la llegada de la estación y la exaltación de la naturaleza. La segunda, In Taberna (En la taberna) es una oda al vino; y la tercera, Cours d’amour (La corte de amor) canta las penas y placeres del amor.Para Carmina Burana, el autor alemán utilizó formas como sencillas canciones estróficas, otras que evocan el canto gregoriano o la forma de las letanías en una sonoridad orquestal con una presencia importante de la percusión, influencia por la obra de Ígor Stravinsky (1882 – 1971). “No es música sofisticada ni intelectual, y los temas son los que todo el mundo conoce”. explicó en su momento Carl Orff.Esta coproducción del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y la Filarmónica de Bogotá, tiene a nuestra agrupación principal guiada por su director titular Joachim Gustafsson, como eje central; y participan también la Compañía de Danza L’Explose, dirigida por Juliana Reyes; así como la figuración de la soprano Eliana Piedrahíta, el tenor Santiago Burgi y el bajo Juan David González. También intervienen el Coro Filarmónico Infantil, dirigido por Sandra Rodríguez; el Coro Filarmónico Juvenil, bajo la batuta Johanna Molano; y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK y escuchar lo mejor de la música clásica.
La flauta travesera es un instrumento musical que ha cautivado a oyentes y músicos durante siglos. Su historia es rica y fascinante, llena de innovación, adaptación y belleza musical. Desde sus humildes comienzos en la antigüedad hasta su prominencia en la música clásica y su versatilidad en géneros contemporáneos, la flauta travesera ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. En este artículo, exploraremos la historia de este instrumento querido.Orígenes AntiguosLa flauta travesera tiene sus raíces en la antigüedad, y los primeros ejemplos de flautas traversas se remontan a la Edad de Piedra, hace más de 35,000 años. Estos instrumentos primitivos estaban hechos de hueso y madera y eran utilizados por culturas de todo el mundo, desde los aborígenes australianos hasta los nativos americanos.Sin embargo, el antepasado directo de la flauta travesera moderna se desarrolló en Europa durante la Edad Media. Las flautas traversas medievales eran cilíndricas y generalmente estaban hechas de madera, con seis agujeros para los dedos. A medida que avanzaba el tiempo, se realizaron mejoras en el diseño y la técnica de fabricación, lo que llevó a la flauta travesera renacentista y, posteriormente, a la flauta barroca.La era Barroca y la transformación del diseñoLa flauta travesera barroca, que floreció en los siglos XVII y XVIII, experimentó una serie de cambios significativos en su diseño. Uno de los avances más notables fue la adición de llaves, que permitieron a los músicos tocar notas que de otra manera serían inaccesibles. Esto llevó a un mayor rango y una mayor facilidad de ejecución.Uno de los fabricantes de flautas más influyentes de la época fue Theobald Boehm, un alemán que vivió en el siglo XIX. Boehm diseñó una flauta travesera completamente nueva, con llaves y un sistema de agujeros cónicos que mejoró significativamente la afinación y la calidad del sonido. Su diseño, conocido como la "flauta Boehm", se convirtió en el estándar para la flauta travesera moderna y sigue siendo utilizado en la actualidad.La flauta travesera en la música clásicaLa flauta travesera desempeñó un papel importante en la música clásica durante los siglos XVIII y XIX. Compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Claude Debussy escribieron piezas destacadas para el instrumento, que se convirtieron en parte integral del repertorio clásico. La flauta travesera a menudo se asociaba con la belleza y la expresión lírica en la música de la época.Uno de los momentos más icónicos para la flauta travesera en la música clásica es el solo de flauta en la ópera "El Pájaro de Fuego" de Igor Stravinsky, una pieza que ha cautivado a audiencias de todo el mundo.El siglo XX y más alláA medida que avanzaba el siglo XX, la flauta travesera se diversificó aún más en términos de estilos y géneros musicales. Músicos de jazz, rock y música contemporánea comenzaron a incorporar la flauta travesera en sus composiciones, lo que amplió su versatilidad y la hizo aún más popular.Hoy en día, la flauta travesera es un instrumento versátil y apreciado en todo el mundo. Se utiliza en una variedad de géneros musicales, desde música clásica hasta jazz, música folclórica y música contemporánea. Su sonido claro y melodioso sigue siendo un elemento crucial en muchas composiciones y grabaciones.La historia de la flauta travesera es un testimonio de la capacidad humana para innovar y perfeccionar un instrumento a lo largo de los siglos. Desde sus inicios, la flauta travesera ha sido un instrumento querido y duradero. Su capacidad para evolucionar y adaptarse a lo largo del tiempo es un reflejo de su belleza y versatilidad musical, y su legado perdurará en la música durante generaciones venideras.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El año 1924 fue memorable para George Gershwin, pues comenzó su carrera como compositor e intérprete de música de concierto y escribió Blue Monday su primera comedia musical en Broadway con la colaboración de su hermano Ira. Esta obra impresionó gratamente al director de orquesta Paul Whitemann quien le propuso hacer un concierto dedicado a la música americana y de paso componer una obra de carácter serio para tal evento.Gershwin aceptó, pero poco versado en las formas musicales, optó por la forma libre de la rapsodia.Así, en febrero de 1924, el autor interpretó la parte solista de su Rhapsody in blue, para piano y jazz-band, hacia el final de un programa que incluía a Schöenberg y Elgar. El éxito fue enorme. Los críticos se dividieron, pero a partir de ese momento se impusieron los reproches que siempre se la harían a la música de Gershwin: trivial, ligera, ingenua, superficial. También sus merecidos elogios: gracia, espontaneidad, melodiosidad, sensualidad expresiva y cierto gancho en su producción, fuera comercial o seria.A comienzos de la década de los treinta George Gershwin y su hermano Ira marcharon hacia Hollywood, dejando Broadway detrás de ellos. De aquellos años datan, además de gran número canciones, La Segunda Rapsodia, estrenada en 1931 y la Obertura Cubana, compuesta en 1932 cuando Gershwin visitó La Habana. Durante su estancia frecuentó la estación radial CMCJ donde actuaba el Septeto Nacional del compositor Ignacio Piñeiro. Allí entablaron una gran amistad e intercambiaron anotaciones musicales. Fruto de estas anotaciones es Obertura Cubana, en la cual Gershwin utiliza temas del son-pregón Échale salsita.Desde principios de la década de 1920, George Gershwin había trabajado frecuentemente con el letrista Buddy DeSylva. Juntos crearon la ópera experimental de jazz en un acto Blue Monday, (ambientada en Harlem), la cual es considerada la precursora de la innovadora Porgy and Bess. La culminación de la carrera como compositor de Gershwin llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess. George Gershwin murió dos años después, el 11 de julio de 1937, con tan sólo38 años de vida, pero con su ópera Porgy and Bess nos dejó un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
A diferencia de sus contemporáneos (Schöenberg, Stravinski, o Prokofiev), Dmitri Shostakovich nunca, en sus setenta años de vida, se atrevió a hablar libremente sobre sus motivaciones estéticas. Tampoco salió nunca de Rusia, que entonces era la Unión Soviética, salvo en pequeños viajes siempre organizados por el Partido Comunista. Es decir, fue un caso totalmente diferente del de Prokofiev o Stravinski, que vivieron también una vida propia en Occidente.Su arraigo le llevó a recibir influencias como la del pueblo judío uno de los pueblos más numerosos de la zona. Es así como en sus obras encontramos muchos ritmos y modos tomados del pueblo judío, e incluso canciones concretas.Cuando Stalin ascendió al poder Dmitri Shostakovich estableció una férrea distinción entre los géneros considerados mayores (sinfonías, conciertos) y los géneros menores (música de cámara, obras para instrumento a solo, lieder).De este modo, las obras mayores, cuya representación estaba controlada por el poder soviético, siempre trataban de adherirse a las directrices del partido. En cambio, en las obras menores, Shostakovich podía permitirse un mayor grado de libertad.De esta forma su música de cámara es mucho más interesante y original que su música sinfónica, e incorpora elementos incluso de la vanguardia de los años sesenta. Por ejemplo, de todos los cuartetos de Shostakovich, el N° 8 Op. 110 ha llegado a ser el más difundido.El autor lo dedicó A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra. En julio de 1960 el compositor se encontraba en Dresden, dedicado a la composición de Mayo 5, música para una película producida juntamente por la Unión Soviética y la Alemania Oriental; la tremenda trama de esta película impresionó fuertemente a Shostakovich. Y entonces compuso en tres días el cuarteto Octavo, bajo la impresión de esta profunda experiencia. En esta obra por vez primera, Shostakovich aprovechó temas de obras suyas, de la ópera Katerina Ismailova, del Trío con piano, de la Décima sinfonía, del Concierto para violoncello y otras.A fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, Shostakovich estaba vinculado con el TRAM (la clase social de los asalariados, aquellos miembros de una sociedad cuya única posesión de valor significativo es su fuerza de trabajo, su capacidad de trabajo), que lo protegió del ataque ideológico. Gran parte de este período lo dedicó a escribir su ópera Lady Macbeth of Mtsensk, que se representó por primera vez en 1934. Inicialmente, tuvo un éxito inmediato, tanto a nivel popular como oficial. Fue descrita como el resultado del éxito general de la construcción socialista, de la política correcta del Partido y como una ópera que solo podría haber sido escrita por un compositor soviético educado en la mejor tradición de la cultura soviética.De las quince Sinfonías de Shostakovich, la N° 9 en mi bemol mayor, compuesta en un mes, agosto de 1945 y estrenada al mes siguiente bajo la dirección de Evgeni Mravinski, es la más corta, la más ligera, pero también la menos popular. Como la Octava está escrita en cinco movimientos: Allegro, Moderato, Presto, Largo, Allegretto. Los tres últimos se encadenan.Las partes más originales son el Moderato con su melodía un poco orientalizante con el clarinete, y el Largo, único momento dramático, con graves sonidos en los trombones y de bellos recitativos de fagot. Estrenada después de finalizar la guerra, ella provoca, según el propio compositor, la cólera de Stalin.Dmitri Shostakovich buscó inspiración en la música antigua, descubierta a través de su maestro Glazunov, verdadero especialista en Josquin y Lasso. Esta influencia se ve sobre todo a través de la importancia que da al empleo y resalte de las voces internas.Existe también una importante presencia tanto en los ballets y Canciones de Shostakovich como en sus sinfonías, de los poetas y escritores antiguos y contemporáneos: Chéjov, Yevtushenko, Ilf y Pétrov, Maiakovski o Blok. La mayoría de estos autores son cómicos, otros satíricos.Al compositor no le gustaba, en general, sentarse a reflexionar sobre inquietudes filosóficas. De hecho, cuando alguien intentaba explicarle que se sentía intelectualmente incapaz, traumatizado artísticamente o algún otro concepto enrevesado, solía contestar simplemente, bebe menos vodka.Podrá escuchar obras seleccionadas y más datos acerca del pianista Dmitri Shostakovich el próximo 25 de septiembre en nuestra nueva edición de El músico de la semana a las 3:00 p.m. por nuestra señal en vivo.
Valentino Liberace, un nombre que evoca imágenes de extravagancia, talento deslumbrante y un estilo único en el mundo del piano. Nacido el 16 de mayo de 1919 en West Allis, Wisconsin, este icónico pianista, cuyo nombre real era Władziu Valentino Liberace, dejó una marca indeleble en la historia de la música y el entretenimiento.Desde una edad temprana, Liberace mostró un prodigioso talento musical. Su madre, Frances Liberace, fue su primera maestra de piano y lo alentó a perfeccionar su habilidad innata. Su dedicación incansable y pasión por el piano lo llevaron a estudiar en el Instituto de Música de Wisconsin y más tarde en el Conservatorio de Música de Milwaukee.Valentino Liberace desarrolló un estilo de interpretación que iba más allá de la música: era un espectáculo en sí mismo. Sus actuaciones eran opulentas y extravagantes, con trajes de lentejuelas, abrigos de piel y joyas ostentosas que reflejaban su personalidad carismática. A menudo, su piano también estaba adornado con detalles brillantes. Estas características hicieron que su nombre se convirtiera en sinónimo de exceso y lujo en el mundo del entretenimiento.Su repertorio incluía una amplia variedad de música, desde clásica hasta pop, pasando por jazz y música de películas. Entre sus obras más destacadas se encuentran "Claire de Lune" de Claude Debussy, "Rhapsody in Blue" de George Gershwin, y su propia composición, "Concerto for the Birds". Liberace tenía la habilidad de hacer que cualquier pieza musical sonara única y emotiva a través de su técnica excepcional y su estilo personal.A lo largo de su carrera, Valentino Liberace cosechó una inmensa cantidad de seguidores y fans leales. Su programa de televisión, "The Liberace Show", se emitió desde 1952 hasta 1955, y más tarde en los años 60 y 70, lo que lo convirtió en uno de los artistas más queridos de la televisión estadounidense. Sus actuaciones en vivo, que a menudo se realizaban en escenarios enormes, atraían a multitudes igualmente grandes, y su carisma en el escenario lo convirtió en un fenómeno de la cultura pop.Además de su música, Valentino Liberace era conocido por su generosidad. Donó grandes sumas de dinero a organizaciones benéficas y causas filantrópicas a lo largo de su vida.Lamentablemente, su salud se deterioró en sus últimos años debido al VIH, que contrajo en una época en que la enfermedad todavía era mal comprendida. Valentino Liberace falleció el 4 de febrero de 1987, a la edad de 67 años. Su legado musical y su impacto en la cultura popular perduran hasta el día de hoy.Valentino Liberace fue mucho más que un pianista virtuoso; fue un maestro del entretenimiento, un ícono de la música y una figura emblemática que dejó su huella en la historia. Su destreza en el piano y su espectacular presencia en el escenario lo convierten en una leyenda que sigue inspirando a músicos y artistas de todo el mundo.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Satrapi (Rash, Irán, 1969) es autora de la novela gráfica Persépolis (2000), una obra autobiográfica que arranca a finales del régimen del Sha y da cuenta de las dificultades de vivir bajo un estado teocrático e islamista desde la perspectiva de una adolescente.La publicación, de cuatro volúmenes y considerada por muchos una de las mejores novelas gráficas jamás publicadas, llevó a Satrapi a la fama y fue adaptada por ella y Vincent Paronnaud al cine de animación en junio de 2007, un trabajo que fue merecedor del Gran Premio de la Crítica en el Festival de Cannes.Autora de otras obras relevantes como Bordados (2003) y Pollo con ciruelas (2004), también adaptada al cine en 2011, Satrapi coordinó en 2023 el libro Mujer, vida y libertad, sobre las revueltas acontecidas en Irán tras el asesinato de Mahsa Amini a manos de la llamada 'policía de la moral'.Entre otros trabajos, en 2020 estrenó Radiactive. Marie Curie, una nueva visión cinematográfica de la única científica dos veces ganadora del Nobel, a la que admira desde muy joven, y también protagonizó importantes exposiciones pictóricas en galerías francesasEl jurado del Premio ensalzó a Satrapi como "una voz esencial para la defensa de los derechos humanos y la libertad" y "un símbolo del compromiso cívico liderado por las mujeres".El acta leída este mediodía por el presidente del jurado, Víctor García de la Concha, destaca que la autora, por su "audacia y producción", está considerada "una de las personas más influyentes en el diálogo entre culturas y generaciones" .💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El jurado también quiso poner de relieve "el talento de Marjane Satrapi para reinventar las relaciones entre arte y comunicación", como en su novela gráfica Persépolis (2000), "en la que plasma ejemplarmente la búsqueda de un mundo más justo e integrador".La candidatura de Satrapi fue propuesta por María Sheila Cremaschi, directora para España del Hay Festival of Literature and Arts, entidad galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2020.Este premio, destinado a distinguir "la labor de cultivo y perfeccionamiento de las ciencias y disciplinas consideradas como actividades humanísticas y de lo relacionado con los medios de comunicación social en todas sus expresiones", recayó en otras ocasiones sobre los filósofos Nuccio Ordine y Emilio Lledó; los periodistas Adam Michnik y Alma Guillermoprieto; la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México); el Museo del Prado; el grupo argentino Les Luthiers; los fotógrafos James Nachtwey y Annie Leibovitz; el humorista gráfico Joaquín Salvador Lavado "Quino", o el diseñador de videojuegos Shigeru Miyamoto.El jurado, que en esta ocasión tenía que deliberar en torno a cuarenta y siete candidaturas de quince nacionalidades, estuvo formado, entre otros, por el presidente de EFE, Miguel Ángel Oliver; los expresidentes de la agencia Gabriela Cañas, Alex Grijelmo y Luis María Ansón; el director del Museo Nacional del Prado, Miguel Falomir; la directora general de Meta Iberia, Irene Cano, o la expresidenta del Diario ABC Catalina Luca de Tena.La Fundación Princesa de Asturias es una institución privada sin ánimo de lucro, cuyos objetivos son contribuir a la exaltación y promoción de cuantos valores científicos, culturales y humanísticos son patrimonio universal y consolidar los vínculos existentes entre el Principado de Asturias (norte de España) y el título que tradicionalmente ostentan los herederos de la Corona de España.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este lunes Disney presentó el primer tráiler de Mufasa, una precuela en live action que narrará la historia de origen del mítico personaje de El Rey León. Mufasa además de ser el padre de Simba, nos dio una de las escenas más tristes del cine hace ya treinta años, en 1994, y en 2019 fue recreada en la película, también de live action, dirigida por Jon Favreau.Entre historias de drama, acción, superhéroes y ciencia ficción, le contamos cuáles son los próximos estrenos en cine y televisión, los tráilers, curiosidades y fechas de estreno.‘Mufasa’“Un león que cambiaría nuestras vidas para siempre”, así Rafiki, el sabio babuino que acompañó a Simba en El Rey León, narra ahora los orígenes del rey Mufasa, a quien vemos como un cachorro en esta historia.La épica historia que será contada a Kiara, la hija de Simba, ya tiene fecha de estreno. El próximo 20 de diciembre veremos el origen de una historia que nació hace tres décadas, está vez, dirigida por el cineasta Barry Jenkins, quien se consagró con el Óscar a Mejor película en 2016 por Moonlight. Como si no fuera suficiente para acrecentar las expectativas por está producción, Lin-Manuel Miranda estará a cargo de la música que contará con la participación de Beyoncé y su hija Blue Ivy.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Blink Twice’ (‘Parpadea dos veces’)Zoë Kravitz debuta como directora con una inquietante película que, apenas en su tráiler, promete misterio, intriga, un elenco de alto nivel y un toque de comedia. Adria Arjona, Haley Joel Osment, Naomi Ackie y Simon Rex hacen parte de la historia que protagoniza Channing Tatum, quien encarna a Slater Kink, un excéntrico millonario, dueño de la isla donde cada evento desvela un misterio. Aunque no tiene fecha de estreno en Colombia, la cinta será lanzada en Estados Unidos el 23 de agosto.‘Deadpool & Wolverine’Acción, sangre e irreverencia, todo a lo que nos tiene acostumbrados la saga del antihéroe Deadpool vuelve, pero esta vez acompañado del icónico Wolverine encarnado por el australiano Hugh Jackman, quien le dio vida a este personaje de Marvel por primera vez hace 24 años, en la primera entrega de X-Men.Una de las películas más esperadas del año, llegará a los cines el 25 de julio, después de meses de grabación, especulaciones y filtraciones. En esta tercera entrega de Deadpool, dirigida por Shawn Levy, veremos a Logan, como también se conoce a Wolverine, hacer equipo con el curioso personaje interpretado por Ryan Reynolds, Vea el tráiler y encuentre simpáticas referencias a otras películas de ‘supers’ y incluso, un guiño al estilo Mad Max.‘Furiosa’En estrenos más cercanos, llegamos a Furiosa, la precuela de la distópica Mad Max, que se estrenará el 24 de mayo, pero que además es tendencia por estos días pues será exhibida durante el Festival de Cannes.La película, protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, estará dirigida por George Miller, quien también estuvo a cargo de las clásicas películas de Mad Max, con Mel Gibson, y de la última película donde Charlize Theron encarnó al personaje al que ahora Taylor-Joy le dará vida.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Vendetta. Katanazo al amor romántico (Planeta Cómic) es la nueva aventura de este personaje que en esta ocasión cuenta las consecuencias de ser maltratada a través del shock postraumático, cuya sintomatología es el aturdimiento mental, falta de memoria y lagunas mentales, dismorfia corporal, normalización de la situación para no sufrir más e incluso la justificación del maltrato para sobrevivir."Nos cuesta poco imaginarnos que un presidente como Putin tiene una personalidad así, pero luego no nos creemos que alguien de nuestro círculo cercano pueda tenerla", explica en una entrevista Riba Rossy con motivo de su participación en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo).Ha sido un libro "incómodo" y "difícil" de escribir porque Riba Rossy no sabía si iba a lograr "explicar bien un tema tan delicado que en un cómic no se había tratado nunca", aunque lo logró y ya tiene preparada la segunda parte en la que Lola, ya habiendo recuperado su katana, contará su proceso de recuperación.El shock"Necesité entender todo lo que le estaba pasando al cuerpo de Lola Vendetta, científicamente y psicológicamente, cómo son los patrones de conducta de una persona que ha sobrevivido a algo así", para lo que estuvo dos años investigando y hablando con profesionales para "evitar a toda costa la foto de contrastes de sombras súper 'heavy' con un moratón gigante en la cara".Esto porque "ya hemos entendido que si te pegan un golpe en la cara es maltrato", pero era importante resaltar que la división entre maltrato físico y psicológico "no es cierta", ya que "el maltrato acaba siendo siempre físico porque si te machacan el cerebro, el cuerpo se afecta"."Cuantísimas mujeres me han escrito durante estos últimos meses diciéndome: 'terminé en el hospital sin poder respirar y no me puso una mano encima, pero me pasé tres años bajo una situación de estrés tan elevada que mi cuerpo explotó'. Esa división de cuerpo-mente tan loca que hacemos tenemos que empezar a difuminarla", insiste la escritora.La historia de Lola, que está acompañada por una banda sonora escrita e interpretada por su escritora a la que se puede acceder a través de un código QR, es la de millones de mujeres que viven situaciones de maltrato.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Muchas veces este síndrome de la mujer maltratada también está asociado a adicciones para aturdir todavía más y no sentir esa sensación horrible y a trastornos de la conducta alimentaria", y también a ideas suicidas: "cuando llevas tantísimo tiempo sometida a una situación de presión, encierro y aislamiento de la que tienes la sensación de que no vas a salir, la sensación de indefensión aprendida es brutal", continúa la ilustradora.El objetivo principal de los maltratadores, prosigue, es el control, por eso "de repente te das cuenta que las vejaciones más bestias son antes de mi cumpleaños o de una reunión importante en el trabajo". Es decir, que lentamente va afectando todas las áreas de tu vida, una vez identifica tus vulnerabilidades.Lola y ColombiaEl éxito que ahora es Lola Vendetta en muchos países arrancó, curiosamente, en Colombia, cuenta Riba Rossy, donde desde 2016 su personaje conectó con las colombianas."Colombia fue el primer país donde Lola Vendetta fue acogida a lo bestia, y luego vino México y luego vino España", en palabras de la ilustradora.Precisamente, el personaje de Rosa, una de las amigas de Lola, es colombiana porque Riba Rossy recibió, muy al comienzo de las aventuras del personaje, un mensaje de una niña de 7 años del departamento del Chocó en el que le pedía crear un personaje que se pareciera a ella.Casi diez años después, Riba Rossy sigue escribiendo de y desde el feminismo porque lo tiene claro: "es una carrera de fondo, nunca fue un 'petardazo' en medio de la historia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Homero dio la primera pista, al mencionar en su Ilíada que la isla griega de Kasos aportó barcos para la guerra de Troya. Tirando de ese hilo, un equipo de arqueólogos ha localizado ocho barcos hundidos frente a sus costas en los últimos 5.000 años y demostrado la importancia que tuvo ese rincón del Egeo."Algunos de los hallazgos que tenemos en Kasos son únicos y se encuentran por primera vez en el mar Egeo", dice Xanthí Argiri, arqueóloga de la Fundación Nacional de Investigación (ΕΙΕ) de Grecia y responsable de la exploración que se llevó a cabo entre 2019 y 2023.Los pecios, de épocas muy diferentes, se localizaron a profundidades de entre 20 y 50 metros. El más antiguo data del 3000 a. C, mientras que los demás son del período clásico (460 a. C.), helenístico (100 a. C. a 100 d. C.), la época romana (200 a. C. – 300 d. C.) y el período bizantino (800 – 900 d. C.).Además de estos barcos, durante la investigación, en la que ha participado el Ministerio de Cultura griego, se encontraron los restos de un buque que se hundió a inicios del siglo XIX y otro de la primera mitad del siglo XX.En uno de los dos pecios de la época romana, los arqueólogos hallaron cerámica de tipo terra sigilata, originaria de África, y ánforas españolas del tipo Dressel 20 de la zona del río Guadalquivir, entre las que destaca una con un sello que ha sido fechada entre el 150 y el 170 a.C.Aunque se han encontrado "quizás millones" de estas ánforas de aceite en Europa y el Mediterráneo occidental, ya que eran unas de las más difundidas durante los tres primeros siglos d.C, "hasta ahora no se había encontrado un naufragio que confirmara su comercio marítimo en el Egeo", señala Olga Marinaki, también arqueóloga de EIE."La carga mixta confirma además que África, España y el Egeo estuvieron conectados por intensas relaciones comerciales en la época romana", añade.Los investigadores descubrieron en los pecios también tesoros únicos originarios de Italia y Asia Menor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante la exploración se hallaron cañones, anclas -una de ellas de piedra, del período arcaico- y centenares de vasijas y otros objetos cerámicos.Con la ayuda de HomeroLa búsqueda empezó con la segunda rapsodia de la Ilíada de Homero, cuenta Argiri.En ese pasaje, el poeta enumera todos los barcos que las diferentes ciudades griegas aportaron para la guerra contra Troya, entre las que cita también Kasos y a la contigua isla de Kárpatos.Partiendo de esta antigua referencia a la tradición marítima de Kasos, se empezó a indagar más sobre la isla, señala la arqueóloga.Los investigadores consultaron después otras fuentes históricas que mencionaban que Kasos ofreció barcos también para la guerra de la independencia griega contra el imperio otomano, que comenzó en 1821.Aunque entre estas dos referencias históricas había un vacío de varios siglos, el equipo de arqueólogos submarinos decidió iniciar la investigación.La amplia horquilla cronológica de los objetos encontrados, que datan desde la Prehistoria, pasando por los periodos clásico, helenístico, romano, bizantino y otomano, dio la razón a los investigadores.Argiri y Marinaki coinciden en que los hallazgos demuestran que Kasos fue un "enclave fundamental" en las rutas marítimas de la Antigüedad, especialmente las que unían el norte de África con el Egeo y, más concretamente, Egipto con Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino.A lo largo de este año el equipo seguirá la exploración en la contigua isla de Kárpatos, mientras se realiza un proyecto de conservación in situ de los hallazgos encontrados en Kasos.Financiación limitadaPese al importante papel que jugó el sureste del Mar Egeo, y sobre todo el archipiélago del Dodecaneso, en el comercio marítimo antiguo, este es el primer estudio sistemático del fondo marino en la zona.La larga distancia que separa estas islas de Atenas y la falta de infraestructura local para la investigación arqueológica subacuática, hace que los proyectos sean más costosos, ya que todo el equipo tiene que trasladarse desde la capital griega.Según Argiri, la mayoría de los casi treinta investigadores que trabajaron en el proyecto de Kasos lo hicieron de manera voluntaria, mientras que los demás gastos fueron pagados por patrocinadores privados."Es obvio que hay muchas cosas que no podemos hacer porque no tenemos los suficientes recursos", se lamenta la arqueóloga quien, sin embargo, mantiene la esperanza de que en un futuro se puedan construir en Kasos las infraestructuras necesarias para que la isla se convierta en un destino de turismo cultural submarino.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.