Desde los contaminados cielos de Delhi al mar de hielo derretido en Siberia, "All That Breathes" y "Haulout" abordan complejas historias locales para atraer atención global sobre la destrucción de la naturaleza por la acción humana.Los hermanos Maxim Arbugaev y Evgenia Arbugaeva son los primeros indígenas yakutos nominados a un Óscar. Compiten con su cortometraje "Haulout" sobre un científico en Siberia que registra el desastroso impacto del cambio climático en las poblaciones de morsas. "Haulout" comienza con impresionantes tomas de la costa ártica, desolada y azotada por el viento. El biólogo marino Maxim Chakilev espera pacientemente en su cabaña la llegada de las morsas en proceso de migración.De repente, unos 100.000 ejemplares de estos enormes mamíferos aparecen afuera de la cabaña, amontonados en la playa. Es un espectáculo hipnotizante que esconde un desastre natural: la aglomeración, resultado de la pérdida de hielo en el mar, es peligrosa y tiene consecuencias letales. "Nuestra esperanza es sumarnos al coro de científicos y artistas de todo el mundo, y contribuir al debate sobre el grave estado de nuestro planeta", dijo Arbugaeva.Los hermanos explicaron a la AFP que su nominación al Óscar fue motivo de una gran celebración en su remota tierra natal. Los autores del cortometraje están pensando en llevar al solitario biólogo marino a la glamurosa ceremonia en Los Ángeles del próximo domingo.Para ellos, atraer la atención del público hacia su región ancestral es vital para mostrarle al mundo cómo el cambio climático está acabando con la vida de humanos y animales de formas muy diferentes en todo el planeta. "Tenemos acceso a esta crucial área del ártico", dijo Arbugaeva. "Creo que es muy importante hablar de la tierra nativa". "Las historias que vemos no son superficiales. Requiere de años y años para llegar allí y entender la región"."Como si nada" Filmado en la capital de India, "All That Breathes", de Shaunak Sen, también aborda la forma en que el comportamiento de los animales ha cambiado por la acción humana. La película sigue a tres hombres que han dedicado sus vidas a sacar adelante un clínica autofinanciada en la que cuidan a algunos de los cientos de pájaros que caen a diario del contaminado cielo de Delhi.Todos los días, milanos heridos son transportados a su sótano. "Cientos de pájaros caen del cielo todos los días. Lo que me impresiona es que la gente sigue como si nada", le dice uno de los hombres a su esposa. Los pájaros resultan heridos, además, por las cuerdas de las cometas que la gente hace volar.Los hombres conversan sobre cómo las aves aprendieron a alimentarse de la basura, a colectar colas de cigarros para usar como repelente de parásitos, y, aparentemente, a cantar en un tono más alto para comunicarse en medio del ruidoso tráfico de la ciudad. Sen le dijo a AFP que eligió a estos personajes para impulsar al público a "considerar la enmarañada relación entre la vida humana y la no humana"."No es suficiente"Para Sen, la reciente producción de piezas basadas en el medio ambiente "no es suficiente". "Debería haber mucho más, considerando la atención que el estado del planeta requiere". Sen cree que los cineastas tienen que trabajar en "historias más sofisticadas que hagan pensar en el planeta" en vez de enfocarnos apenas en "pesimismo y desesperación".Su película comienza con una desoladora toma de montañas de residuos, y poco a poco revela la vida salvaje que ha aprendido a sobrevivir en el basurero. Un abordaje contrario al del inicio de "Haulout", en el que al principio se muestra la belleza de la naturaleza sin la intervención humana para reflejar gradualmente la destrucción que causa el hombre.Una de las escenas más duras del cortometraje muestra a una cría de morsa que se aferra al cuerpo de su madre muerta, antes de lanzarse a la orilla para intentar nadar océano adentro.Las trágicas escenas en la playa pasaron factura emocional y profesionalmente. "Mis manos temblaban porque yo estaba llorando, o me sentía tan emocionada que no podía mantener la cámara estable", recuerda Arbugaeva. "No se pudo usar parte del material, incluso momentos cruciales, pero es que era tan duro". "Cuando los locales cuentan historias sobre su tierra es un proceso muy personal", comentó Arbugaeva. "Estás hablando sobre tu propio corazón y el de tu comunidad que se está rompiendo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Le decía a la gente en Francia que yo era de Cuba, pero ellos tenían otra versión de la historia. Por eso hice esta película, para no tener que andar contando mi versión a la gente, y además para, de cierta manera, participar de la memoria de Cuba y su exilio", dice a EFE en una entrevista esta directora de 29 años."Ceiba. Memorias de una familia cubana" se presenta por primera vez en Miami este domingo tras su estreno en la Maison de l'Amérique Latine, en París hace un año. La cinta en una versión corta de 53 minutos llega a la cuna del exilio cubano luego de un recorrido por festivales como el internacional de cine documental de Thessaloniki, en Grecia, y el Le Festival du Film de Famille, de Francia, entre otros.En la versión corta del documental, aclara su directora, aparecen entrevistados sus padres, la reconocida escritora Zoé Valdés, y el cineasta Ricardo Vega. También aparece su abuelo, el editor de cine Justo Vega, que actualmente vive en Miami, y el prisionero político Ariel Semanat, fallecido en marzo de 2020."Nuestro encuentro fue de repente, en el Parque del Dominó (de Miami); nos contó su historia y en su entrevista había mucha emoción, por eso decidimos ponerla", cuenta Attys Luna sobre Semanat, un preso político cubano de los denominados "plantados".En la película, Zoe Valdés, autora de novelas como "Sangre azul", "La nada cotidiana", "Te di la vida entera" y "La mujer que llora", habla de su experiencia como exiliada y escritora. "Habla de 'La nada cotidiana'(1995), de lo que pasó cuando se publicó esa novela que tuvimos que quedarnos en el exilio, yo con un año y ocho meses. Por esa novela es que yo vivo en París", dice la directora, que usó imágenes que filmó su padre en Cuba antes de que ella naciera y cuando nació. El resto del documental fue rodado entre Francia, Miami y Barcelona.Attys Luna Vega, que presentará su documental este domingo en Miami junto al poeta Luis de la Paz, considera " una gran felicidad" el poder "crear vínculos aquí, poder hablar español y estar cerca de los cubanos".Estudiante de cine en Francia la joven ha rodado otro documental en Miami en el conocido Parque del Dominó, "Doble Cuba", para recoger el ambiente diario del Parque Máximo Gómez de la Pequeña Habana, donde "la manera de tirar las fichas y las cosas que dicen" los jugadores "son historia". "Doble Cuba" estará listo en junio de este año, adelantó.Una ventana para ver a Cuba desde París"Mis padres me transmitieron la cultura cubana a través del arte. Cuando salía de mi casa, todo era francés, y cuando volvía todo era cubano. Mi padre escuchaba rock americano, y mi madre música cubana. La pintura era cubana, las noticias hablaban siempre de Cuba, la comida era cubana". "Para mí eso fue una ventana que me permitió explorar, amar, conocer, bailar y disfrutar la cultura cubana. Bailo mucho con mi madre y también bailo sola, salsa aunque me gusta el reguetón", confiesa.Su abuelo, Justo Vega, es un importante editor de cine cubano que actualmente, dice la nieta, "trabaja cuidando los muertos de Miami". "Ahora pinta mientras cuida los muertos de Miami, con 83 años. Él está en el documental", explica sobre el trabajo de su abuelo en una funeraria."Sentía que mi familia estaba dispersa, rota. Quise reunirla en una película, era la forma de conservar mis raíces", desgrana la también productora de este documental, cuyo título, detalló, se debe en parte a un libro de la etnóloga cubana Lydia, fallecida en Miami en 1991, quien se refiere a la ceiba como árbol divino.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Cada señal decía 'para, ríndete, esto se acabó', y él tenía esta fe ciega de que, quizás, sólo quizás, si se aferraba a Lashkar Gah o a Helmand, podrían vencer a los talibanes", comentó Heineman. Sadat tuvo que huir, y el equipo de rodaje se concentró en las escenas desesperantes del aeropuerto de Kabul cuando los afganos luchaban por entrar en los últimos aviones estadounidenses para tratar de huir del país."Fue una de las cosas más difíciles que he atestiguado en mi carrera", dijo Heineman, quien fue nominado al Óscar en 2015 por "Tierra de cárteles". "Los debates sobre la guerra en política exterior son muchas veces desarrollados sin el elemento humano", agregó el director. "Una de las cosas que he tratado en mi carrera es tomar estos masivos temas y ponerles un rostro humano"."Traicionada"La excaldesa Ghafari sobrevivió varios intentos de asesinato y vio a su padre siendo abatido por los talibanes antes de abandonar Afganistán. "Aún no puedo dejar de llorar cuando hablo sobre eso. (...) Fue algo por lo que nunca quería haber pasado", dijo Ghafari, que atrajo la ira de los talibanes al defender la educación para las niñas luego de ser elegida como alcaldesa de Maidan Shahr a los 24 años. "Yo tenía varias responsabilidades personales, especialmente después del asesinato de mi padre, de mantener segura a mi familia".Los directores de "En sus manos: Una alcaldesa en Afganistán", que cuenta con Hillary Clinton entre sus productores ejecutivos, regresaron a Afganistán y filmaron al exchofer de Ghafari quien ahora está desempleado y viviendo bajo el régimen talibán. En escenas perturbadoras, se ve a Massoum entablando amistad con los mismos hombres que una vez atacaron el carro en el cual él llevaba a Ghafari. "La historia de Massoum representa la historia de todas las crisis de Afganistán. Por qué la gente se siente traicionada", dice Ghafari."Compartimos su dolor"A pesar de que los conflictos en Afganistán y Ucrania son muy diferentes, ambas producciones ofrecen una lección sobre lo que puede pasar una vez que occidente mira para otro lado. "Obviamente esto ha pasado antes y seguirá pasando. ¿Podemos entonces aprender de esta experiencia?", dijo Heineman."Lo que sea que pase y haya pasado en Ucrania, es lo mismo que nosotros hemos vivido en los últimos 60 años", comentó Ghafari. "La misma cosa una y otra vez, así que compartimos su dolor".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Según el medio especializado Variety, el documental "Unveiled: Surviving La Luz Del Mundo" cuenta con tres episodios y fue dirigido por la galardonada cineasta Jennifer Tiexiera.Tiexiera, que recibió ovación por su documental “P.S. Burn This Letter Please” en 2020, dijo a Variety que pretende que el público "se de cuenta de lo que está sucediendo" con La Luz del Mundo.La directora resaltó la trayectoria de la iglesia fundada en 1926 por Aarón Joaquín González, quien se proclamó asimismo como apóstol, y entregó las riendas a su hijo, y su nieto, Naasón Joaquín García, que hoy se encuentra en prisión pagando una condena de más de 16 años de cárcel en California."Me sorprende cuántas personas no han oído hablar de esta organización", recalcó Tiexiera.La serie cuenta con los testimonios de miembros y exmiembros de la iglesia que describen cómo los apóstoles "construyeron y mantuvieron un sistema para procurar y preparar a niños para el abuso", agregó."Estas personas fueron criadas para creer que la salvación eterna viene de los apóstoles. Aquí hay una estructura de poder que silencia a la gente", agregó Tiexiera.El documental cuenta con el testimonio de Sochil Martin, que se convirtió en la primera mujer en denunciar a Naasón Joaquín García en Estados Unidos por abuso sexual y alentar a que se le investigara, confirmó su esposo a EFE.La serie también incluye partes de las audiencias y sentencia de Joaquín García, que en junio pasado se declaró culpable de tres cargos de abusos a menores de edad.A pesar de que se encuentra purgando su condena, el reo sigue siendo el líder de La Luz del Mundo.Joaquín García fue detenido el 3 de junio de 2019 en el aeropuerto internacional de Los Ángeles con dos de sus asistentes por más de 30 cargos entre los que se encontraban abuso sexual a menores y violación, entre otros.La serie debutará el 6 de diciembre con las partes uno y dos. La tercera se transmitirá el 7 de diciembre en HBO.Los tres episodios de la serie también estarán disponibles en HBO MAX. La iglesia cristiana no trinitaria La Luz del Mundo, que tiene su sede internacional en Guadalajara (México), actualmente está presente en 60 países y dice contar con hasta 5 millones de seguidores.Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Después de estar años en el centro de la atención pública, Selena Gómez alcanzó un estrellato inimaginable. Pero justo cuando alcanzó un nuevo pico de fama, un giro inesperado la llevó a la oscuridad. Este documental excepcionalmente crudo e íntimo abarca su recorrido de seis años hacia una nueva luz", indicó Apple en un comunicado.A su vez, la cantante y actriz publicó en Instagram un "tráiler" del documental junto al cual escribió: "Mi Mente y Yo. Algunas veces no nos llevamos bien y se vuelve difícil respirar. Pero no cambiaría mi vida".La intérprete, de 30 años, ha sido abierta acerca de sus luchas contra la ansiedad y la depresión, y en 2020 reveló que le fue diagnosticado trastorno bipolar.Como artista discográfica, Gómez ha vendido más de 210 millones de sencillos en todo el mundo y acumulado más de 45.000 millones de reproducciones globales de su música, apuntó Apple."Este año recibió una nominación al Grammy por su primer EP totalmente en español y una nominación al Emmy por su papel en la serie aclamada por la crítica 'Only Murders in the Building', en la que actúa junto a Steve Martin y Martin Short", añadió.La película es dirigida y producida por Alek Keshishian, quien dirigió el documental más exitoso de su tiempo: el emblemático filme aplaudido por la crítica "Madonna: Truth or Dare", que todavía se considera una de las películas más vistas de su género.De acuerdo con el comunicado, la nueva película es el segundo proyecto de Apple con las productoras Lighthouse Management + Media e Interscope Films luego de su colaboración en el documental nominado al Emmy "Billie Eilish: The World's a Little Blurry".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Mastícala, no va a doler. Mastícala, una dos tres veces. Llévala a los molares, desintégrala con la losa de tus dientes, aunque no se pierda del todo: el khat nunca se va del todo. Agarra la hoja, desmenúzala, ¿parece otra cosa? No otra cosa, cualquier otro árbol, una hoja ordinaria del Cuerno de África o de las Américas, pero el khat no es alguna hoja, es la flor del paraíso: lo dicen los cantos antiguos. Así que mastícala, medita en ella, rompe el tiempo. Distrae tu estómago, no hay comida, el camino es largo. Somos hombres escapando del origen, estamos solos y al mismo tiempo nos posee la humanidad entera. ¿Dónde estamos ahora? En Etiopía. Habrá que seguir caminando para encontrar un destino, pero el destino no existe, solo su promesa, solo la fe y todo hombre necesita tener fe. Mastica el khat, te digo, que los días se estiran cuando las piernas no alcanzan. Mastícalo, que no hay lugar a donde llegar y, sin embargo.*La cineasta etíope-mexicana, Jessica Beshir recuerda un sueño. En él, un hombre que está invadido por el miedo, recibe un mensaje de dios que lo obliga a buscar el agua sagrada. En la batida, el tipo recorre el mundo y cuando cree que ha llegado al origen de la bebida, su peregrinación vuelve y comienza. Beshir se conmueve con la escena del hombre. Piensa que todos estamos buscando algo, y regresa a sí misma y su pesquisa. Se le cruzan las imágenes de su padre africano y un origen disperso en el tiempo. “Yo tenía esa necesidad, ese anhelo de reconectar con mis raíces. Regresar a Etiopía”.La única forma que encontró para recorrer el camino de vuelta fue haciendo una película que retratara lo que el movimiento significa para sus ancestros, pero, sobre todo, lo que el movimiento es hoy para los jóvenes etíopes. Hacer la cinta le llevaría más de diez años, la titularía Faya Dayi, y hoy podemos verla a través de Mubi.En la historia, un grupo de jóvenes que al inicio de del filme son apenas unos niños, se preguntan todo el tiempo cómo salir de Etiopía, cómo resbalarse entre las grietas de la represión estatal y escapar de una pobreza que los asfixia sin misericordia. Deciden emprender la huida caminando hacia la fronteras masticando sin cesar el Khat, un estimulante vegetal originario de las zonas tropicales de África oriental, usada desde hace siglos en Yemen, Yibuti, Etiopía, Somalia, kenya, Tanzania, como parte fundamental en sus ritos espirituales. El Khat es al cuerno de África lo que la hoja de coca es a los Andes latinoamericanos.El viaje lleva a Mohammed Arif, Ibrahim Mohammed y a Biniam Yonas por un recorrido geográfico a través de Harar, ubicada al este de Etiopía y capital de la Región de Harari. Ellos, que actúan de sí mismos y al mismo tiempo de todos los jóvenes migrantes del país, mientras que abandonan su patria repasan en su boca el Khat. "Las reflexiones que surgen en el ritual del Khat tienden a ser casi que metafísicas, yo vi a estos niños al principio, luego jóvenes, durante diez años y cuando comenzaron su travesía no era demente que lo hicieran también en el Khat. Qué dice más de nosotros que el movimiento, no lo sé. Yo siento que toda mi vida ha sido una búsqueda. Todos los hombres y mujeres estamos buscando algo parecido a la fe, ¿por qué?, me lo preguntas. Porque no podemos estar con el corazón vacío", dice Jessica Beshir, a través de una pantalla. El trabajo de Beshir en esta película es algo más que contemplativo, es una aproximación al migrante de forma íntima y compleja. Se da, sobre todo, porque es ella misma el espejo de esa migración. Una mujer que regresa a su tierra a escuchar en una lengua que pareciera que no le pertenece, las historias de viejos zapateros y viejos comerciantes sobre el padre suyo, ese padre de Etiopía al que ella conoció en México. ¿Cómo habitan en una persona dos lugares que parecen tan cercanamente distintos? Para qué sirve preguntarnos sobre nuestro origen si no nos atrevemos a ir y verlo de frente. Beshir en Faya Dayi intenta la valentía de ver esa herida y contarla como puede, logra entonces una cinta estrecha y al mismo tiempo enorme. Que cruza la grieta de la memora y crea una idea física, masticable y poderosa del amor y el encuentro.
"Hallelujah, las palabras de Leonard Cohen" fue presentado este fin de semana en el festival de Deauville (norte de Francia), dedicado al cine estadounidense.Leonard Cohen (1934-2016) se convirtió en uno de los poetas y cantautores más emblemáticos en lengua inglesa desde el arranque de su carrera, en la década de los años 1960.Autor de clásicos como "Suzanne" o "So long, Marianne", amante apasionado de la poesía del español Federico García Lorca, Cohen no fue tan conocido como estrellas como Bob Dylan, pero su influencia musical fue considerable en el mundo anglosajón.El dúo Daniel Geller y Dayna Goldfine, ganadores de varios galardones Emmy, apuestan por estudiar su figura sin caer en la biografía usual, a través de una canción cuya letra es una de las más bellas y enigmáticas de la larga producción de Cohen.El proyecto requirió ocho años, y contó con el beneplácito del cantante. "Para nosotros era importante contar con la bendición tácita de Leonard. Sin eso no nos hubiéramos atrevido a hacer la película", explicó a la AFP Daniel Geller.El documental está trufado de imágenes inéditas, prestadas por la familia del autor y compositor. Entre esos tesoros, un video que muestra un joven Leonard Cohen en plena lectura poética, protagonizando sus primeras entrevistas, o tomando "selfies" con su cámara Polaroid. Pero destacan ante todo los cuadernos personales del poeta y novelista."Tuvimos que esperar años para consultarlos", explica Dayna Geller. "Son la prueba de lo que Leonard siempre dijo: que necesitó años para escribir esa canción, a lo largo de cinco cuadernos", explica.Inicialmente su casa de discos, Columbia, rechazó "Hallelujah". Fue el propio Bob Dylan quien ayudó a popularizarla, y luego John Cale (1991) y Jeff Buckley (1994)."No era muy rock'n'roll"El documental también muestra a la cantante estadounidense Judy Collins ayudando a Cohen a superar el "miedo escénico" en plena interpretación.En 1967, Cohen estaba cantando "Suzanne" cuando le entró un momento de pánico. Collins lo tranquilizó y lo convenció para que acabara de cantarla."Era un intérprete bastante atípico, con una voz atípica. No era una personalidad muy 'rock'n'roll'... Y creo que ella lo ayudó a superar eso", explica la correalizadora.A partir de esa larga gestación de "Hallelujah", el espectador contempla también el ansia de espiritualidad de Cohen, su desasosiego, la depresión que sufrió en silencio durante años."Antes de empezar el proyecto, yo pensaba que Leonard Cohen era un dios. Pero después de haber pasado ocho años escrutando su vida, está claro que era un hombre (...). Un hombre que se cuestionaba realmente. Cada día" explica Goldfine. "Hallelujah" es "un viaje a través de la vida. Ese viaje que hacemos todos", completa Geller.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
La sala proyectará durante una semana el documental que hasta ahora solo se había podido ver en los festivales por los que ha pasado, que cuenta como productor ejecutivo con Rudy Pérez, con cinco distinciones del Grammy Latino, según señala un comunicado.Dirigido por Frank Licari y Helen Murphy, el documental celebra la vida de José Feliciano a través de un trabajo que parte de 2018.El equipo de filmación siguió a José Feliciano mientras viajaba al Caribe para un regreso histórico a su ciudad natal, Lares, y un concierto triunfal en la capital de la isla, San Juan.Continuaron la trayectoria de Feliciano por Washington, donde el artista puertorriqueño actuó en el Museo Nacional de Historia Americana.El documental le sigue en sus conciertos por la ciudad de Detroit, donde interpretó el himno nacional de Estados Unidos en el terreno del Tiger Stadium, un 7 de octubre de 1968, cuando se jugaba el quinto partido de la Serie Mundial entre los Tigres de Detroit y los Cardenales de San Luis.Aquella actuación supuso la primera vez en la historia que el himno de los Estados Unidos fue "musicalizado".Frank, Helen y su equipo de filmación viajaron luego a Los Ángeles a la casa del productor de la discográfica RCA José Rick Jarrard y a Miami para reunirse con Rudy Pérez, ambos con un papel destacado en la vida de Feliciano.Recorrieron el país entrevistando a familiares, amigos, celebridades y al mismo artista.Vea aquí el tráiler original de "José Feliciano: Behind This Guitar" Ganador del premio a la Mejor Película Latina en el Festival de Cine de Nashville en 2021, el documental destaca la figura del puertorriqueño, que desde los barrios pobres de la isla caribeña llegó hasta los escenarios de medio mundo. Recuerde conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El tesoro de Colombia es el agua que tiene. Es impresionante la cantidad de agua que nace en la cordillera de los Andes. Es como un santuario. Y la gente cada vez está siendo más consciente de que es algo que hay que proteger y cuidar porque es la riqueza de Colombia, más allá del petróleo o del oro, que ya está totalmente obsoleto", explica a Efe el músico y componente de la banda Simón Mejía.Bajo este proyecto, que se llama "Bomba Estéreo presenta", sacarán en los próximos años dos documentales, uno sobre el río Magdalena y otro sobre "lideresas ambientales" en Colombia, así como el cortometraje "El Duende", cinta que mediante la música y los relatos de una familia nativa, los Torres, cuenta la historia de la marimba, que se presenta este viernes en Nueva York.Mejía explica que este duende no es "ni bueno ni malo" y que es "simplemente un ser de la selva" que guía a los hombres que viven en la selva del Pacífico colombiano para construir y afinar sus marimbas."Son comunidades totalmente afro y uno encuentra similitud con el blues de Norteamérica, ya que hay un mito que es muy similar a este, el Cross Road, que cuenta que los guitarristas de blues se iban a una carretera y llegaban a una intersección donde se encontraban con el diablo y el diablo era el que les enseñaba realmente a tocar la guitarra", dice el también productor.Tras el estreno mundial en la Gran Manzana, este proyecto de unos 20 minutos estará disponible en el canal de YouTube de Bomba Estéreo.El objetivo de Mejía es que estos documentales relacionados con la historia y la tradición de Colombia se presenten en festivales - "El Duende" se presentó en el Festival Internacional de Cine de Cartagena (FICCI)- y luego se puedan acceder a ellos en plataformas de streaming."Verlo en una sala nunca va a ser igual que verlo en tu casa en Netflix. Sobre todo por el sonido al tratarse de películas musicales", anota Mejía, quien durante su visita a la ciudad del Empire State se reunirá con el festival neoyorquino de TriBeCa.Pese a estar preocupado por el futuro del ecosistema de su país, el músico dice tener esperanza por la agenda medioambiental del gobierno entrante de Gustavo Petro."El Gobierno que sube ahora tiene una agenda prioritaria del medioambiente, por lo menos frenar el tema de la deforestación en el Amazonas, que es lo más grave que pasa ahora en Colombia y en Brasil, pero en Brasil ya se salió de manos hace rato", comenta.Mejía, además, explica que esa zona del Amazonas es compleja en muchos niveles ya que está dominada por el mundo del narcotráfico -que utiliza los diversos territorios salvajes de las selvas para sacar la droga del país-, pero también por las mineras, tanto legales como ilegales, y la ganadería extensiva.Disfrute lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Lanzado en Estados Unidos la semana pasada, el documental está arrasando con buenas reseñas y apuestas tempranas de premios.La directora Sara Dosa se topó con "las imágenes espectaculares" de la pareja cuando realizaba pesquisas para un documental sobre volcanes islandeses, y entonces quedó cautivada por "el amor que irradiaban detrás de cámaras, algo sin comparación alguna".Durante 25 años, los Krafft recorrieron el mundo juntos en busca de volcanes activos. Escribieron unos 20 libros y lanzaron cinco películas, además de realizar incontables programas de televisión y charlas.Pero hoy en día puede que sean más recordados por haber muerto juntos envueltos en una fatal nube de gas y cenizas que arrojó el volcán Monte Unzen, en Japón, que entró en erupción en 1991 luego de dos siglos de calma."Fire of Love" comienza y termina con la tragedia, pero pasa la mayor parte del tiempo contando la historia de este "triángulo amoroso" entre la pareja y su obsesión por los volcanes."Después que supimos más de ellos como personas, y que estaban casados, y que estaban enamorados de los volcanes, pensamos 'ok, necesitamos hacer una película sobre ellos'", declaró Dosa a la AFP."Queríamos relatar esta especie de amor mítico que se contó a través del lenguaje de los volcanes", señaló."Es lo que los atrajo en primer lugar, y lo que los impulsaba, el combustible de su relación", remarcó.- "Amor imprudente" -Maurice era el más extrovertido de la pareja, y de a ratos parece ser el que tiene más apetito por aventuras extremas (planea andar en kayak en una corriente de lava y remar en un lago ácido), aunque Katia no se quedaba atrás cuando de coraje se trataba.Si bien su estilo les trajo algunas críticas de sus pares científicos, Dosa observa que "mucha gente dirá que era un amor imprudente, pero para nosotros, era su forma de vivir"."Ellos vivieron una vida con significado, y tuvieron una muerte con significado. Y mucho de eso fue esta búsqueda por amor", agregó.Después de presenciar la sorprendente erupción del monte St Helens en Estados Unidos en 1980, y el desastre del Nevado del Ruiz en Colombia -que mató a unas 25.000 personas- cinco años después, la pareja reorientó su trabajo a abogar ante los gobiernos para que trabajaran en desarrollar mejores planes de evacuación."Como ellos estaban entre los pocos que habían realmente capturado esas imágenes, eran los más adecuados para hacer ese trabajo. Y era en eso que trabajaban cuando murieron en las montañas en 1991", dijo Dosa.- Nueva ola -Además de contar la historia de esta pareja enamorada y de su trabajo a una audiencia más joven, Dosa espera que su documental pueda recordar a los espectadores que el planeta no es solo "un recurso a capitalizar"."Este tipo de historias sobre la vitalidad y la sensibilidad de la Tierra son aún más importantes para contrarrestar su explotación", precisó.Además, en la producción resalta la belleza de las imágenes, llenas de brillante lava roja y de paisajes volcánicos que asemejan a escenarios extraterrestres, todos capturados en un estilo distintivo con "las características de la Nouvelle Vague" (la "nueva ola" del cine francés, de mediados del siglo XX)."Por ejemplo había muchas tomas instantáneas que nos recordaban a las películas en Francia de los años 1960 y 1970", explicó Dosa.Sus libros, agregó la directora, "recordaban el estilo narrativo pícaro y bombástico de las películas de (François) Truffaut", director de célebres obras como "Jules et Jim" y "Fahrenheit 451" o "La Nuit américaine".Vea aquí el tráiler de "Fire of Love" (2022)Por ello, Dosa se decantó por el estilo. "Una de las grandes características de la Nouvelle Vague eran las historias de triángulos amorosos. Y a nosotros nos pareció apropiado. Katia y Maurice realmente parecían tener un tercero en su relación: los volcanes".Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.