La película del director Michael Lindsay-Hogg llegará a Disney+ el 8 de mayo y ha sido restaurada por Park Road Post Production, de Peter Jackson.Jackson estrenó en 2021 en la misma plataforma The Beatles: Get Back, que contaba con escenas descartadas de la película original de Lindsay-Hogg."Let It Be (...) lleva a los espectadores al estudio y a la azotea londinense de Apple Corps en enero de 1969, cuando los Beatles, acompañados por Billy Preston, componen y graban Let It Be, su álbum ganador del Grammy, y actúan en directo por última vez como grupo", dice la nota emitida por Disney+.Gracias a la canción Let It Be y a la película de Lindsay-Hogg, el grupo se alzó con un premio de la Academia de Hollywood en 1971 a la mejor canción original.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El reestreno llega tras el éxito que supuso para la plataforma la serie The Beatles: Get Back y con la intención de satisfacer a los millones de seguidores que tiene la banda conformada por Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison, disuelta en 1970.Al fin...Mira a The Beatles en la película de 1970, #LetItBe, completamente restaurada. El 8 de mayo en #DisneyPlus. pic.twitter.com/VrWeS0mbwE— Disney+ Latinoamérica (@disneyplusla) April 16, 2024 Con "el pleno apoyo de Lindsay-Hogg", Apple Corps, la corporación fundada en 1968 por The Beatles, pidió a Park Road Post Production que llevara a cabo "una meticulosa restauración" de la película a partir del negativo original de 16 mm, que incluía una cuidadosa remasterización del sonido que se aplicó a la docuserie Get Back.Let It Be se estrenó en los cines en 1970 y se lanzó en VHS a principios de la década de 1980, pero nunca se ha editado oficialmente en DVD, blu-ray.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La plataforma Prime Video lanzó este lunes el tráiler del documental Operación Esperanza: Los niños perdidos en el Amazonas, la historia de los cuatro niños que sobrevivieron durante 40 días en medio del Amazonas colombiano que se estrenará el 26 de abril."Un lugar donde pocos humanos se aventuran y donde se cree que existen poderosos espíritus de la selva", lee la voz de la cantante colombiana Gloria 'Goyo' Emilse Martínez, narradora del tráiler.Los cuatro menores, de entre 1 y 13 años, viajaban en una avioneta que se accidentó el 1 de mayo de 2023 en medio del Amazonas colombiano y no fue hasta el 9 de junio que las autoridades dieron con su paradero con vida.En total pasaron 40 días solos en la selva, y el documental muestra cómo se desarrolló la operación de rescate para la que colaboraron el Ejército e indígenas.El filme incluye los testimonios de aquellos que vivieron la búsqueda, como las palabras del director de la operación, el general Pedro Sánchez, y el líder indígena que encontró a los niños, Dairo Mucutuy, así como las historias que los propios niños le contaron a sus familias.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lesly Mucutuy, de 13 años; Soleiny Mucutuy, de 9 años; Tien Noriel Ranoque Mucutuy, que cumplió 5 años en la selva, y el bebé Cristin Neriman Ranoque Mucutuy, que también cumplió un año, viajaban en la avioneta acompañados por tres adultos que fallecieron en la caída, entre ellos su madre.Las operaciones de búsqueda estuvieron dirigidas por militares e involucraron a más de 100 soldados de las fuerzas especiales colombianas y más de 70 exploradores indígenas que revisaron el área, que se cree una de las zonas más remotas e inhóspitas de Colombia.La historia de los hermanos ya la recogió el periodista Daniel Coronell, en el libro Los niños del Amazonas, en el que exploró los misterios que rodearon la tragedia, en la que existían teorías que decían que a los menores los había atrapado un duende o que un indígena mayor -tras tomar yagé (ayahuasca)- luchara para que los liberara.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Un Viaje Infinito" se presentó este jueves en un visionado con 50 niños y niñas del programa Inspiring Girls, una iniciativa privada focalizada en aumentar la ambición profesional de las niñas, así como sus expectativas laborales.La cinta narra el viaje de 188 mujeres de 25 países a la Antártida con el objetivo de colaborar y aportar conocimiento para hacer frente a los retos más destacados de la emergencia climática.El documental fue presentado por Homeward Bound, un programa internacional de liderazgo femenino en el ámbito científico que hace frente a la crisis climática, y la empresa española Acciona, dedicada a energíoa renovable, que lo apoya.Este incluye entrevistas exclusivas con las participantes, donde comparten sus experiencias, desafíos y descubrimientos clave en áreas de gran relevancia en la actualidad, como las energías renovables, la inteligencia artificial, la problemática del agua y la conservación de los océanos, One Health y los nuevos modelos de liderazgo.La presentación contó con la participación de tres de sus protagonistas: la astrofísica Ana Ferré-Mateu, la doctora en ingeniería mecánica Hilde Pérez García, y la investigadora en biología marina Marga López Rivas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Tras meses de formación, las participantes pasaron 21 días de travesía por la Antártida; "hemos estado recibiendo formación durante muchos meses, cuando llegó la pandemia solo nos podíamos ver de manera online y cuando terminamos la formación en el barco y nos pusimos cara, se hizo la magia", dijo Hilde Pérez García, a lo que añadió: "La característica que nos une a todas nosotras es que queremos dar un paso al frente y hacer algo por el planeta".Las tres protagonistas cuentan que, siempre habían estudiado la Antártida desde una perspectiva muy científica, pero la expedición superó todas sus expectativas: "a mi me encanta el mar, estaba obsesionada con ver orcas, pasaban y pasaban los días y no veíamos ninguna, el día que dijeron por megafonía que había orcas corrimos todas fuera casi sin ponernos los abrigos y fue una experiencia alucinante", explicó Marga López Rivas.Inspiring Girls pone en contacto a niñas en edad escolar con mujeres profesionales de todos los sectores, que les sirvan de ejemplo y referente, ayudándolas a visibilizar la variedad de profesiones y trabajos que existen sin que el género suponga ninguna limitación.El objetivo de Homeward Bound es crear una red de 10.000 mujeres de las tecnologías STEAM (Ciencia, Tecnología, Ingeniería, Arte, Matemáticas) que unan su conocimiento en la lucha contra el planeta: "este viaje ha sido como un sueño, como científicas estamos un poco solas, somos una minoría y encontrar a tantas mujeres con las que puedes mantener conversaciones y reflexiones, es muy poderoso", recordó la bióloga marina Marga López Rivas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde su natal Alemania, hasta Viena, lugar donde murió en 1827, la historia de Ludwig van Beethoven estuvo marcada por la soledad, por enfermedades que lo afectaron a él y a su familia, pero también por un talento excepcional como músico.En su vida artística, tuvo un estilo musical que evolucionó a lo largo de su vida; sus obras son consideradas un puente entre el Clasicismo y el Romanticismo. Como compositor, director de orquesta y pianista se destacó por el dramatismo, pasión y contrastes emocionales y armónicos en sus obras.Su influencia en la música, la maestría de sus composiciones e incluso su vida personal han sido motivo de preguntas, investigaciones y recreaciones artísticas que buscan explorar el ser humano y el artista del alemán. Estas son las películas, cortometrajes y documentales que puede ver para conocer la vida y obra de Beethoven:Amadeus, 1984: Para entrar en el contexto en el que se desarrolla la vida de Beethoven, esta película dirigida por el checo-estadounidense relata la rivalidad entre Antonio Salieri, el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria y joven Wolfang Amadeus Mozart. Mientras Salieri pasa a un segundo plano en la corte, Mozart deslumbra con su talento y sus excentricidades. En esta película, ganadora de ocho premios Óscar, Beethoven no es el protagonista, pero su música y legado son parte de la trama. Está disponible en Prime Video y Apple TV por un costo adicional.Immortal Beloved (Amor inmortal), 1994: Con un testamento destinado a su “amada inmortal” y una única carta como pista para encontrarla, esta película dirigida por Bernard Rose explora la vida personal y romántica de Beethoven. Situada en 1827, con la muerte de Ludwig van Beethoven, interpretado por Gary Oldman, está película toma como referencia una carta que en la vida real fue escrita por el compositor alemán y que fue encontrada en su apartamento después de su muerte, en ella no detalla quién es la destinaria a quién se dirige como “mi amada inmortal”.Copying Beethoven (2006): Este drama biográfico, con recursos de ficción, se centra en los últimos años de la vida de Beethoven. Dirigida por la directora y guionista polaca Agnieszka Holland, esta película muestra rasgos de la vida del compositor alemán por medio de Anna Holtz, una joven que viaja a Viena, estudia en el conservatorio y consigue trabajar con Beethoven mientras él compone su famosa Novena Sinfonía.Beethoven Lives Upstairs (Beethoven vive en el piso de arriba), 1992: Este cortometraje musical y fantástico está dirigido a un público más joven, es una oportunidad para mostrarle a niños y niñas quién era Beethoven. El director David Devine, cuenta la historia de Christoph, un niño de diez años que recibe al compositor como huésped en el cuarto que alguna vez fue el estudio de su padre y aunque la presencia del músico y sus particularidades generan un conflicto en él, con el tiempo comprende la belleza de su música.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Eroica, 2003: El galés Simon Cellan-Jones cuenta en su película un momento preciso de la vida de Beethoven, el proceso de creación de la Tercera Sinfonía, también conocida como la Sinfonía Heroica. Esta producción de la BBC se sitúa en junio de 1804, cuando el compositor alemán ofrece la primera interpretación privada de su Tercera Sinfonía al Príncipe Franz Lobkowitz y sus invitados, incluido el hipercrítico Conde Dietrichstein, en Viena, generando un debate sobre Napoleón Bonaparte, para algunos un tirano y para otros, un libertador.The Genius of Beethoven (Beethoven), 2005: A modo de dramatizado, este documental se adentra en la vida y obra de Beethoven. Esta miniserie de tres capítulos, producida por la BBC cuenta detalladamente la vida del alemán, por medio de la narración del director de orquesta Charles Hazlewood y la interpretación del actor Paul Rhys como Beethoven. El documental relata sus relaciones afectivas dolorosas, con su padre, con sus parejas y las alterna con sus grandes composiciones y obras.In Search of Beethoven, 2009: El cineasta Phil Grabsky, reconocido por sus producciones biográficas sobre personajes como Mozart, Claude Monet o Picasso, presenta un análisis detallado de la vida y la música de Beethoven, acompañado de entrevistas con expertos, con músicos contemporáneos y alrededor de sesenta presentaciones musicales en vivo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este relato de resiliencia, memoria y unidad ya está disponible en Amazon Prime Video desde todos los países de América Latina y el Caribe y España."Cuando las aguas se juntan: una historia de mujeres y paz" recoge la lucha de 45 mujeres procedentes de regiones que van desde el Caribe colombiano hasta el piedemonte amazónico, pasando por el Pacífico.Son mujeres como Blanca Monroy, una de las madres a las que les dijeron que su hijo había muerto por "subversivo e integrante de la guerrilla del Ejército de Liberación Nacional (ELN)" y quien hoy hace parte de la asociación Madres de Falsos Positivos (Mafapo).Esta organización busca que se haga justicia en los miles de casos de jóvenes que fueron reclutados por miembros del Ejército con falsas promesas de trabajo y luego conducidos a otros lugares del país donde fueron asesinados para hacerlos pasar por guerrilleros muertos en combate, ejecuciones conocidas como "falsos positivos", para recibir recompensas y otros beneficios de sus superiores.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La directora del documental, Margarita Martínez, hace en la producción un retrato de las cicatrices que empujaron a sus protagonistas a empoderarse y luchar por sus derechos.La producción del largometraje de 85 minutos estuvo a cargo de ONU Mujeres, la Comisión de la Verdad y la Embajada de Suecia en Colombia.Estrenada el 8 de marzo del año pasado en cines, el documental ha sido proyectado en más de 20 países superando los 20.000 espectadores y participó en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI)."Cuando las aguas se juntan: una historia de mujeres y paz" nació con motivo del 20 aniversario de la resolución 1325 del Consejo de Seguridad de las Naciones con la que, en el año 2000, se reconoció la importancia de la inclusión de la perspectiva de género en las negociaciones, operaciones de mantenimiento y consolidación de la paz.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental de Maite Alberdi (Santiago de Chile, 1983), que ya fue nominada en 2021 en la misma categoría con El agente topo, cuenta la conmovedora historia de amor del periodista Augusto Góngora y la actriz Paulina Urrutia, un romance atravesado por la enfermedad de Alzheimer y la dictadura chilena.Alberdi ya hizo historia con La memoria infinita en la última edición de los Goya al convertirse en la primera directora chilena en ganar el premio al mejor filme iberoamericano.Su aplaudido documental, que también se alzó en 2023 con el premio del jurado del Festival de Sundance, se disputará el domingo la estatuilla con 20 Days in Mariupol, Bobi Wine: The People's President, Four Daughters y To Kill a Tiger.Las películas de Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976), el director chileno detrás de El Conde, tampoco son nuevas en los reputados premios de la Academia de Hollywood, donde debutó con No en 2013 en la categoría de mejor película extranjera.Sus películas Jackie (2017) y Spencer (2022) también recibieron sendas nominaciones en 2017 y 2022, respectivamente.La sátira sobre el exdictador Augusto Pinochet convertido en vampiro competirá esta vez por la mejor fotografía, una categoría donde el estadounidense Edward Lachman se medirá con Hoyte van Hoytema (Oppenheimer), Matthew Libatique (Maestro), Robbie Ryan (Poor Things) y Rodrigo Prieto (Killers of the Flower Moon).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. Dos premios ÓscarSi bien el cine chileno ha estado presente en las últimas ediciones de los Óscar, la primera nominación para un chileno llegó en 1973, cuando Herbert W.Spencer compitió en la categoría de mejor banda sonora por Scrooge.El músico fue nominado un año después en la misma categoría por Jesus Christ Superstar, pero tampoco se alzó con la estatuilla.En 1976, el director chileno Miguel Litín compitió con Actas de Marusia en nombre de México por el premio a la mejor película extranjera, mientras que en 1983 lo hizo en la misma categoría pero representando a Nicaragua con Alsino y el cóndor.También destacan las nominaciones del director de fotografía chileno Claudio Miranda por El curioso caso de Benjamin Button (2009) y La vida de Pi (2013), película con la que finalmente sí ganó el galardón.Gracias a No de Larraín, Chile recibió en 2013 su primera nominación en la categoría de mejor película extranjera, un premio que finalmente se llevó Amour de Michael Haneke.No fue hasta 2015 que el país consiguió su primera estatuilla con el cortometraje Historia de un oso, de Gabriel Osorio.En 2018, Una mujer fantástica, de Sebastián Leilo, hizo historia al convertirse en el primer largometraje chileno en ganar el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y consagró a la actriz transgénero Daniela Vega.El cortometraje Bestia (2021) de Hugo Covarrubias era, hasta ahora, la última vez que una película chilena o un chileno competía por el Óscar.Convertirse en industriaLa doble nominación a los Óscar es un hito para el cine chileno, que en 2023 vivió uno de los mejores años de su historia con más de un centenar de premios en todo el mundo.La presidenta de la Academia de Cine de Chile, María Elena Wood, explicó a EFE que son varias las razones que han hecho que el 2023 sea "tan excepcional", entre ellas "los incrementos de las coproducciones internacionales", "la transversalidad temática", "el surgimiento de nuevos talentos" o "la fuerte presencia femenina en la creación de nuevas obras"."Nuestras historias conectan con el mundo y eso se debe a la multiplicidad de voces que están haciendo cine con gran esfuerzo en este país", apuntó Wood.Sin embargo, la cineasta aseguró que Chile aun está lejos de Argentina o México, que han conseguido crear una verdadera industria cinematográfica, y lamentó que el país "no cuenta con incentivos regulares para atraer fondos ni producciones internacionales"."Mientras sigamos encasillando la producción audiovisual como una expresión artística y no como una industria, que crea trabajo, que genera impuestos y que además transmite una importante imagen país, no lograremos despegar", añadió.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Cuando viajé allí (por primera vez), sí, había un montón de artilugios de la guerra y construcciones militares, pero también mucha belleza natural. No es como lo imaginas o, al menos, como yo imaginaba que sería por las historias que había escuchado sobre ese lugar”, asegura el cineasta taiwanés en una entrevista con EFE.Esa “contradicción”, entre la sempiterna posibilidad de una guerra y la aparente normalidad de quienes viven bajo ella, fue la que inspiró ‘Island in Between’, una cinta que competirá el próximo domingo por el Óscar a mejor cortometraje documental y que observa las tensiones entre Taiwán, China y Estados Unidos desde un punto de vista taiwanés.“Desde las Kinmen, probablemente veas, escuches y sientas cosas que no puedes desde Taipéi. También las opiniones de quienes viven allí son muy interesantes; el modo que tienen de ver la relación (con China) es muy diferente al de la mayoría de los taiwaneses”, afirma Chiang, director del cortometraje, a pocos días de la ceremonia.Setenta y cinco años de tensionesDentro de la compleja relación entre Pekín y Taipéi, la cuestión de las Kinmen ocupa un capítulo aparte: su ubicación, tres kilómetros al este de la ciudad china de Xiamen y 180 kilómetros al oeste de la isla principal de Taiwán, ha convertido a este archipiélago en un foco constante de tensión a lo largo de los últimos setenta y cinco años.Como la mayoría de los taiwaneses, Chiang creció escuchando historias sobre las Kinmen, sobre los bombardeos comunistas de los años 50, sobre los jóvenes que, como su padre, tuvieron que dejar a sus familias para servir en la guarnición militar del archipiélago; pero no fue hasta 2020, en plena pandemia, que el cineasta pisó las islas por primera vez.“Mi primera impresión no fue nada de lo que había imaginado”, recuerda el documentalista, cuyo cortometraje está repleto de pequeñas escenas de la vida cotidiana en las Kinmen, protagonizadas por turistas y vecinos que conviven diariamente con la amenaza china.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sin embargo, muchos pobladores isleños viven su día a día con tranquilidad, firmes en su convicción de que mostrar una actitud amigable hacia China y apostar por una relación más estrecha con Pekín es la única forma de evitar un conflicto armado.“Algunas personas me dijeron que quizás sea el lugar más seguro de Taiwán, algo que me pareció raro al principio, pero que tiene cierta lógica”, reconoce Chiang acerca de unas islas que todavía conservan las huellas de guerras pasadas, con tanques abandonados en las playas y agujeros de proyectil en las paredes de los edificios.Identidades cruzadasChiang nació en Taiwán, pasó gran parte de su vida en Estados Unidos e hizo varios trabajos en China, un “trasfondo transnacional” que plasma en el documental a través de una metáfora: la de un niño envuelto en una disputa a tres bandas por su custodia, ignorado por unos “padres” que dicen saber qué es lo mejor para él, pero que no lo escuchan.“Siento que los gobiernos hacen sus acuerdos en nuestro nombre, diciendo qué es lo mejor para Taiwán, pero no creo que los taiwaneses sean consultados al respecto. Por supuesto, el Gobierno taiwanés representa mejor a la gente de Taiwán, pero su relación con Estados Unidos y China es totalmente disfuncional”, señala.Ese delicado equilibrio entre Taipéi, Washington y Pekín siempre parece estar a punto de romperse y, de hecho, ‘Island in Between’ concluye con una mirada algo pesimista sobre el futuro próximo: ¿Este ‘statu quo’ se prolongará indefinidamente? ¿O habrá una guerra más pronto que tarde?“No lo sé. No me siento pesimista del todo y, definitivamente, no lo veo de forma optimista. Estoy en algún punto medio de ese espectro”, manifiesta el realizador taiwanés, cuyo principal anhelo de cara a la ceremonia de los Óscar es que, gane o no la estatuilla, su cortometraje sirva para que la gente conozca las Kinmen y “se esfuerce por entender Taiwán”.“Si hay más entendimiento sobre la complejidad de esta zona, quizá el mundo pueda comprender la existencia taiwanesa y ser más activo en su apoyo a Taiwán. Creo que eso es lo que me gustaría que pasara, que la gente vea Taiwán, se conecte con ella y la apoye como pueda”, sentencia Chiang.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Por algo la llamamos Madre Naturaleza", sugiere la narradora en el primer episodio, en el que comparten protagonismo dos "reinas africanas": la leona y la hiena, depredadoras rivales en el paraíso terrenal de unos 25.000 animales que contiene la reserva natural del cráter de Ngorongoro, en Tanzania.En un viaje para prensa organizado por National Geographic a esta maravilla del continente para conocer los entresijos de la producción, el pasado diciembre, se presentan las dos hembras: una leona resoplante busca la sombra del todoterreno y una hiena asoma la cabeza sobre la hierba con su inquietante sonrisa.Existe la posibilidad de que sean las mismas que aparecen en la serie, puesto que hay unos 60 leones y unas 600 hienas en este entorno protegido que los guías comparan con un "resort vacacional" para la mayoría de hervíboros, desde cebras hasta gacelas, que pacen tranquilos pudiendo divisar sus amenazas a la legua.La vida allí es más dura para las fieras: en grabaciones nocturnas inéditas, con cámaras sensibles y bajo una luna llena, el equipo registró una guerra entre matriarcas leonas y hienas: la mera lucha por la supervivencia ya sirve para escribir un guion sobre la resiliencia y la sed de poder, en el que también caben crueles 'asesinatos'."Las relaciones son complejas, y en el mundo natural son tan complejas como las nuestras. No quería hacer una serie sobre 'girl power', sino algo próximo, desafiante y (que invite a) preguntarse qué es el liderazgo", explica durante el safari la "showrunner", o cerebro de la producción de la serie, Chloe Sarosh.También hay reinas detrás de las cámarasSarosh y Vanessa Berlowitz, que encabezan la firma Wildstar Films, plantearon ese episodio como un documental individual a la responsable de desarrollo y producción de National Geographic, Janet Han Vissering, pero su idea se convirtió en una bola de nieve cada vez mayor."Llevo haciendo esto durante un largo tiempo, más de 20 años, y me di cuenta de que realmente nunca hubo una serie basada en el liderazgo femenino ni desde el punto de vista femenino del mundo natural", apostilla Han Vissering, que vio potencial para hacer una serie entera y algo más que eso.La ejecutiva decidió "subir el listón" delante y detrás de las cámaras y logró un hito: un equipo dirigido íntegramente por mujeres, incluidas profesionales locales que trabajaron codo con codo con reconocidas figuras de los documentales de naturaleza, como la camarógrafa Sophie Darlington, directora de fotografía."Este sector es predominantemente de clase media, blanco, masculino y extractivo: vamos a África, contamos historias africanas y nos vamos", lamenta Sarosh, quien destaca que la keniana Faith Musembi, por ejemplo, ha sido la primera mujer negra en trabajar en la dirección y producción de un documental de este tipo.Darlington, discípula del cineasta y fotógrafo holandés Hugo van Lawick, colaboradora de David Attenborough, que vivió siete años en el Serengeti y ha recibido numerosos premios, asegura que hasta "Queens" no se había encontrado trabajando rodeada de mujeres: "Ha sido la mejor experiencia de mi vida"."Ya no era la única (mujer). Ahora era otra minoría, porque era la única mujer blanca: trabajamos con un equipo entero keniano por primera vez y fue mágico. Y los hombres han sido clave en esto, como aliados que nos han apoyado en el cambio", apostilla.La mirada femenina capta perspectivas 'pasadas por alto'Las tres creadoras coinciden en que la "mirada femenina" de esta serie sobre matriarcas capta perspectivas "pasadas por alto" en las historias de los animales, y las transmite con una manera de narrar diferente, en la que pesan la emoción y aspectos con los que las mujeres pueden "identificarse".Sarosh y Darlington, con amplia experiencia en el rodaje de documentales de vida salvaje, muestran un desarrollado sentido de la paciencia y se recuestan mientras los periodistas otean el horizonte en el vasto parque Serengueti, identificando antes que nadie detalles que escapan a los prismáticos.Entre 'casas' de termitas que asemejan esculturas de Dalí, troncos secos con formas de animales y traicioneras hierbas altas, un hallazgo inusual: la guarida de un clan de hienas, donde una madre amamanta a sus cachorros y vigila a otros que juegan a morderse con sus tiernos pero afilados dientes.Darlington apunta a la matriarca, que nutre a más retoños que los suyos, y revela curiosidades reproductivas: el macho necesita consentimiento para copular, lo que da poder a la hembra, protegida por una protuberancia que durante años se creyó que era un pene en lugar de un "clítoris incomprendido", se ríe.No son los únicos datos interesantes: en el Ngorongoro, por ejemplo, un grupo de leonas son capaces de unirse en "sororidad" para defender a sus cachorros de un macho forastero que quiere matarlos para imponer su ADN, e incluso lo engañan, sometiéndose a él aunque saben que no son fértiles.Por no hablar de la matriarca bonobo que pone a prueba a una pretendiente de su hijo o una madre osa primeriza que "sigue y sigue pese a los infortunios", adelanta la ejecutiva Han Vissering.La docuserie, narrada en inglés por la actriz Angela Bassett, consta de seis episodios en los que no falta el matriarcado animal por excelencia, el de los elefantes, más un episodio extra sobre las mujeres de todo el mundo que han trabajado en los contenidos, desde camarógrafas hasta conservacionistas."Queens" se estrena este lunes, 4 de marzo, en el canal National Geographic y al día siguiente estará disponible en 'streaming' en las plataformas Disney+ y Hulu.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo (MASP), uno de los principales de Brasil, acoge por primera vez una muestra de la artista argentina en su sala de video, donde pueden visualizarse grabaciones de sus 'performances' 'Ramita Seca, 'La colonialidad permanente' y 'Crudo', además de un documental que recorre su historia en el mundo del 'drag queen'.Mamani revela que la creación del personaje de 'Bartolina Xixa' surge de la necesidad de "contar lo que pasaba" en su territorio, desviándose de la estética de la feminidad occidental que normalmente adoptan las personas que hacen 'drag'.Para ello, se inspiró en la líder indígena Bartolina Sisa, reconocida por su lucha contra el colonialismo español en el siglo XVIII.Originaria de la región andina de Jujuy, donde se encuentran las colinas de la Quebrada de Huamahuaca, un área declarada patrimonio de la humanidad y convertida en una atracción turística por su impresionante colorido, es también el escenario de la 'performance' de 'Ramita Seca'.No obstante, esta obra muestra la otra realidad desoladora de lo que se ha convertido en una postal viral en redes sociales.'Bartolina Xixa' danza en medio de un vertedero, abrazada por el humo de los incendios provocados por el sol ardiente sobre un área de residuos sin ningún tipo de tratamiento.Mamani denuncia la contradicción entre el cuidado y atención que se brinda a los espacios turísticos, destinados a personas "con poder y capital", y los "márgenes con suciedad y contaminación" que quedan para el un pueblo originario que aún batalla por sus derechos territoriales.Según explica la artista, con esta obra que compartió en su Facebook sin esperar la repercusión que finalmente le ha acabado trayendo a los museos, quería también plantear la siguiente pregunta: "¿qué podríamos haber sido si no hubiese venido toda esta imposición colonial?".En su obra 'Crudo', la artista hace una crítica a la fetichización de los indígenas en los museos, donde los exponen "como si se tratase de carne fresca".En este video, 'Bartolina Xixa' aparece envuelta por un plástico y apenas hay movimiento."A diferencia del baile de 'Ramita Seca', 'Crudo' es un paro, los cuerpos están encerrados", señala Mamani, "frente a esta idea de que me quieren alegre y exótica, paramos. Decidimos no bailar e igualmente la gente y el morbo artístico lo compran".Matheus Andrade, comisario de esta exposición, explica que para el MASP fue relevante presentar los tres videos juntos para conseguir "mostrar el camino de la artista" y plantear también al visitante la cuestión del "riesgo de la exotización".Para Mamani, la única forma de poner fin a esta fetichización sería "demoler los museos" y aboga por que la protección de los pueblos indígenas pase necesariamente por "la restitución de territorios"."Hay que dejar de imaginar lo indígena como algo del pasado que hay que rescatar. Nosotros estamos viviendo en el presente y pensar en lo ancestral en el futuro nos permite imaginar nuevos mundos posibles", sostiene.Según Mamani, este nuevo mundo definitivamente implica "una redistribución mejor del territorio y que haya posibilidades más horizontales para todos los cuerpos y las identidades que existen".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, que llega el próximo viernes a los cines españoles, fue una de las quince preseleccionadas al Óscar al mejor documental, aunque finalmente no ha resultado una de las cinco nominadas a estos premios que se entregarán en Hollywood el 10 de marzo."La gente que ha estado analizando los orígenes del rock and roll y que puso a Elvis en el trono creo que simplemente no profundizaron lo suficiente, estaban cegados por su propia perspectiva y no tuvieron en cuenta los hechos históricos, la verdad", dijo a EFE la cineasta estadounidense de origen latino.Cortés analiza la influencia del cantante, compositor y pianista estadounidense en la música, pero también en la moda y la cultura popular como uno de los primeros ídolos adolescentes, a través de testimonios de John Waters, Tom Jones, Mick Jagger, Paul McCartney o Nile Rodgers, entre otros."Fue el primero en salir maquillado, arrancarse la camiseta y jugar con las normas de género", subraya.Para la directora, una de las productoras de la oscarizada 'Precious' (2009) y autora también del documental 'All in the fight for democracy' (2020), era importante contar con esos testimonios como prueba de lo "diferente, importante y revolucionario" que fue Little Richard."Mucha gente desconoce por ejemplo la relación que tuvieron los Rolling Stones en sus inicios con él", dice en referencia a la época en que la banda británica teloneó al autor de canciones como 'Tutti frutti' o 'Long Tall Sally'.En el documental, Jagger cuenta que aprendió de él a comportarse como una estrella en el escenario y a interactuar con el público; el cineasta y pionero del kitsch John Waters asegura que Little Richard le inspiró como artista rebelde y que el característico bigote fino que luce es un homenaje a él.Nacido en 1935 en Macon (Georgia, sur de Estados Unidos), el documental recorre los momentos más significativos de la vida de Little Richard, marcados por una firme educación religiosa que entraba en conflicto con sus tendencias sexuales -podía salir de una orgía para irse a leer la Biblia, según uno de los testimonios de su entorno- y por el rechazo paterno, un pastor adventista que le echó de casa cuando supo que era gay.Richard Wayne, ese era su verdadero nombre, se dedica durante años a liberar sus pasiones reprimidas y a cantar por la calle, hasta que un matrimonio que regentaba un club le acogió. Allí vio actuar a Sister Rosetta Tharpe, cantante de gospel y guitarrista, que lo sacó al escenario por primera vez.Cortés aprovecha esa influencia para reivindicar también a Tharpe como figura "fundacional" de la música popular estadounidense, tampoco suficientemente reivindicada.En sus comienzos, Little Richard actuaba travestido, con el nombre Princess Lavone, en locales de ambiente 'queer', tolerados aunque ilegales, en plena época de segregación racial, hasta que grabó su primer demo en 1955 y consiguió ser fichado por Specialty Records.Como herencia de esos inicios con letras más que subidas de tono, el propio músico cuenta que al principio la mítica 'Tutti frutti' era una canción que hablaba de sexo anal, pero la discográfica le pidió cambiar la letra y así nació uno de los estribillos más famosos del rock, "auamba buluba balambambú".Cortés sostiene que a los americanos blancos no les gustaba ver cómo sus hijos adolescentes -un concepto que nació entonces tal y como lo entendemos ahora- enloquecían con la música hecha por afroamericanos y de carácter sensual y sexual, por lo que se inventaron a figuras "aceptables" como Elvis o Pat Boone, quienes cantaron canciones de Little Richard."Mi música derribó los muros de la segregación", dice un Little Richard a quien le tocó entregar varios premios a otros colegas antes de lograr el reconocimiento para sí mismo. Pero no tenía problema en aprovechar ese altavoz para reivindicarse él mismo como "arquitecto" e "inventor" del rock and roll.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.