Un archivo con la historia de la persona desaparecida. Con fotos, relatos y objetos. Para contrarrestar en algo la vida silenciada. Y para ser entregado algún día a sus hijos e hijas. Cuando por fin los encuentren.Se trata del Archivo Biográfico Familiar, creado hace más de veinte años por las Abuelas de Plaza de Mayo, y que hoy, convertido en uno de los compendios orales más grandes de América Latina, abre su contenido por primera vez al público.Lo hace a través de una propuesta artística: "La Memoria Futura - Las Voces de las Abuelas", una pieza performática que propone al espectador acompañar diferentes itinerarios guiados por actrices -las Abuelas- que van reconstruyendo, de modo íntimo y cercano, esas vidas truncadas."Son cuatro recorridos que se suceden al mismo tiempo en un espacio al aire libre”, detalla Luciana Mastromauro, alma mater del proyecto, "durante los cuales las actrices van contando, en primera persona, una historia de vida”, indica."Son relatos muy vinculados a la vida de esas personas desaparecidas, como hijas, hijos, sus infancias, sus miedos, sus detalles más únicos y particulares, sus amores, de ellos y ellas y de las abuelas, de las mujeres que fueron sus madres y se forjaron Abuelas, sujetos políticos”, sostiene la dramaturga.Un homenaje y un conjuro"La obra encarna el concepto de que a los nietos y nietas apropiados se les roba su verdadera identidad, pero a sus padres desaparecidos, también se les niega su identidad y su historia: hasta que esos nietos y nietas aparecen, y ambas partes la recuperan con la restitución", destaca sobre la pieza la nieta restituida Claudia Poblete Hlaczik.De allí la trascendencia del Archivo Biográfico Familiar, material documental que da base a la propuesta artística. "El Archivo guarda la historia y la identidad de nuestros padres desaparecidos”, condensa Poblete Hlaczik, entrevistada por DW. "Y cuando nietas y nietos recuperan su verdadera identidad, este les permite conocer a sus padres, que ya no están, a partir del relato de familiares, amigos y amigas, compañeros de militancia y de cautiverio”, explica."Cada entrevista (que conforma el Archivo) nos abre la puerta a un universo familiar, personal e íntimo donde la ausencia cobra centralidad. Son, a la vez, pequeñas piezas de una historia mayor, la del terrorismo de Estado en Argentina y sus consecuencias", contextualizan desde la página oficial del organismo de derechos humanos.Como Poblete Hlaczik, varios cientos de niños fueron apropiados, su identidad cambiada y su verdadera historia silenciada durante la última dictadura que sufrió el país sudamericano. Y muchos de ellos aún no lo saben.Una obra, dos países"La Memoria Futura – Las Voces de las Abuelas", concebida de manera conjunta por las Abuelas de Plaza de Mayo y el Instituto Goethe de Buenos Aires, se presentará tanto en la capital argentina como en Berlín."Las tradiciones comunes de ambos países en relación con sus pasados recientes y sus políticas de memoria, sus puntos en común y sus diferencias nos aportaron nuevas miradas a nuestra propia historia”, revela Mastromauro sobre el trabajo con artistas alemanes.Y, asimismo: "Creo que hay algo en las historias que tienen un carácter universal”, analiza. "Son madres que perdieron a sus hijos e hijas embarazadas a manos de la violencia estatal”, describe."Es fácil -dicho entre comillas- empatizar con estas historias, con el dolor y sus modos de lucha, sorprenderse, fascinarse, conmoverse y entender", concluye convencida de la potencia del mensaje más allá de las fronteras nacionales.La pieza se presentará del 21 al 30 de setiembre en el Parque de la Memoria de la capital argentina, a orillas del Río de la Plata, y el 28 de octubre lo hará en Berlín (en alemán y en español) en el espacio dedicado al teatro independiente Ballhaus Ost.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante 4 días Bogotá vivirá el III Festival de Arte y Memoria por la Paz, Ciudad Deseo, organizado por el Instituto Distrital de las Artes - Idartes a través de la Línea Arte y Memoria sin Fronteras. Se realizarán encuentros, intercambios de experiencias, formación y circulación de procesos artísticos, que le han aportado a la construcción de memoria histórica, la reconciliación, la reparación simbólica y a promover una cultura de paz.El Festival contará con la presencia de reconocidos personajes, testigos de realidades y verdades que han marcado la cotidianidad y el alma de cada colombiano Jesús Abad Colorado, Edinson Quiñónez, Lissette Orozco, Héctor Aristizábal, Nadia Granados, Soraya Bayuelo Julio García Montes, Lucía González y Todo Copas serán parte de este encuentro que propone temas como la memoria colectiva a través de la fotografía, el cine, la música y la gestión cultural.Se tendrán actividades que invitan a trabajar en entrelazar saberes desde las memorias, la comunicación, la identidad y el territorio; se conversará acerca del legado de la Comisión de la Verdad desde las artes, la reparación simbólica del trauma colectivo y otros tópicos relacionados con la necesidad de reconstrucción como sociedad.El III Festival Arte y Memoria para la Paz, Ciudad Deseo dará inicio con el foro: El lugar del arte en la construcción de paz, que se llevará a cabo en el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional, el 23 de agosto de 2:30 p.m. a 6:30 p.m. Este contará con la participación de la invitada internacional Lissette Orozco Ortíz (Chile) y con los invitados nacionales Edison Quiñónez y Nadia Granados, quienes estarán bajo la moderación de Lucía González Duque, excomisionada de la Comisión de la Verdad. La entrada es libre hasta completar aforo.De esta manera, dentro de la programación del Festival se realizará la presentación del Performance: Colombianización Cabaret Político de Nadia Granados, la obra de teatro Donde se descomponen las colas de los burros de Umbral Teatro, con dramaturgia de Carolina Vivas y la dirección de Marco Ignacio Rodríguez; la reproducción de películas en la Cinemateca de Bogotá como El film justifica los medios (2021), de Jacobo del Castillo y El pacto de Adriana (2017) de Lissette Orozco en Sala Gaitán del Teatro Jorge Eliecer GaitánSe tendrán conversatorios como Relatos visuales contra el olvido con Jesús Abad Colorado y El daño transgeneracional en el cine de autor y coloquio, moderado por Diana Cortez, docente de la Facultad de Cine de la Universidad Central Así mismo, quienes estén interesados podrán hacer parte de los laboratorios creativos que darán Yohn Smith Sierra, Edinson Quiñónez y Ángel Salazar de Todo Copas. Habrá inscripción previa y cupos limitados.El Festival de Arte y Memoria por la Paz, Ciudad Deseo, busca agrupar la diversidad, a través de un recorrido de la memoria a la esperanza, un espacio para conocer, sanar y construir puentes de paz gracias a las artes.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonia Bogdanovich, hija del cineasta estadounidense, confirmó la noticia en The Hollywood Reporter. El guionista y director de cine Peter Bogdanovich falleció a los 82 años, rodeado de su familia en su residencia de Los Ángeles. Con varias nominaciones a los Premios Oscar, Bogdanovich se hizo un nombre en la historia del séptimo arte con cintas como "Luna de papel" (1973) y "La última película" (1971).El cineasta amplió su visión del mundo, a través de películas como "¡Qué me pasa doctor!", "Todos rieron o Esa cosa llamada amor", "Runnin' Down a Dream", "She's funny that way", "The Grat Buster","Paper Moon", "Saint Jack", "Mask" y "The Last Picture Show" entre muchas otras."Nos gustaría pedirle respeto por nuestra privacidad mientras lamentamos la muerte de nuestro ser querido, este hombre maravilloso", asegura el comunicado difundido por la familia Bogdanovich. Bogdanovich deja tras de sí un extraordinario legado como uno de los grandes representantes del llamado Nuevo Hollywood, una corriente cinematográfica de marcado carácter contracultural y con una nítida influencia europea, así como puerta de entrada a legendarios directores como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martin Scorsese o George Lucas.
A sus 81 años, el maestro Germán Castro Caycedo falleció luego de una ardua lucha contra un cáncer de páncreas que le aquejaba hace algún tiempo, informaron sus familiares. En homenaje a su obra, compartimos con ustedes una de sus entrevistas más recordadas y memorables: la que le hizo al escritor Gabriel García Márquez en televisión nacional. 🦋 Visite el especial "Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive" haciendo clic aquí y descubra textos inéditos, entrevistas, fragmentos de su obra en su propia voz y más detalles de la vida y obra de nuestro Nobel de Literatura.Era la primera vez que el escritor concedía un espacio extenso para ser entrevistado en televisión nacional en RTI. En ese diálogo que duró cerca de una hora, el Nobel describe explícitamente su vida personal, laboral, sus gustos, su motivación a escribir y por qué se le ve como orgullo nacional.
En nuestro archivo encontramos una entrevista que hizo Gloria Valencia de Castaño para el programa Carta de Colombia al escritor Germán Castro Caycedo acerca de su novela "Perdido en el amazonas", publicada en el año 1978.Castro Caycedo revela que para hacer este reportaje se inspiró en una columna en un periódico pequeño en la que contaba la historia de un Julián Gil, un marinero que estaba perdido en el Amazonas. Viajó primero a Leticia y luego a Pedrera. Aunque nunca lo encontró, sí obtuvo las crónicas y los relatos de todos quienes los conocían. El periodista tomó distintas fotografías para documentar esta particular historia.Además, en esta entrevista, el maestro Germán Castro Caycedo habla en el programa Carta de Colombia de la HJCK sobre el gran premio de la bienal de la televisión alemana que le fue entregado al programa colombiano "Enviado especial", del cual él era director.La selección del premio se hizo en un palmarés integrado por 300 espacios de canales de televisión de Asia, África y América Latina. Todo un acontecimiento para el periodismo nacional.
Quizás en la historia de la música popular no exista un riff tan incisivo y memorable como el que se desprende de las primeras notas de Johnny B. Goode, la más célebre referencia musical de una estrepitosa época que envuelta en nostalgias, hoy se niega a desaparecer: La era del rock and roll. Esta época que estuvo marcada por la protesta y el rechazo a la antiséptica música del Tim Pan Alley -música popular norteamericana que se escuchaba en las algodoneras del sur-, tenía la pasión y el ímpetu adolescente, pero no sería auténtica hasta que la figura de Chuck Berry apareciera para que esta adquiriera un lenguaje propio.Con el carácter arrollador que siempre le caracterizó, este músico nacido en Saint Louis en 1926, desarrolló todo un idioma excitante y fresco que bajo los sutiles arreglos y las vibrantes notas del rhythm and blues, concretó un estilo subterráneo que terminó por transformar la puritana sociedad estadounidense de la posguerra y, posteriormente, contagiar al resto del mundo. Eran los años cincuenta y el sonido que brotaba de las notas de su guitarra, parecía venir de otro planeta. Era enérgico, sexual y moderno.Si en el rock and roll, Elvis Presley es el rey y Bo Diddley su arquitecto, Chuck Berry fue su poeta. Pese a no tener el poder seductor de Little Richard, ni el endiablado ritmo de los dedos de Fats Domino en el piano, Chuck se alzó con todo el canon de esta época desde la guitarra eléctrica. Y es que a diferencia de muchos de sus coetáneos, Chuck componía y cantaba sus propias inspiraciones con una voz tan sutil y edulcorada que intentaba emular los colores de la de su ídolo de juventud, Nat King Cole.La definición del rock and roll tiene un antes y un después de Maybellene. Esta grabación hecha el 21 de Mayo de 1955, es considerada el mito fundacional de la revolución musical de Chuck Berry así como la piedra angular para entender toda su obra. Aunque originalmente Maybellene es una adaptación de Ida Red, una popular melodía country, Chuck la grabó para los estudios de Chess Records junto al piano de Johnnie Johnson, las maracas de Jerome Green, el bajo de Jasper Thomas y el bajo de Willie Dixon. Es aquí donde comienza su éxito como músico, como el paradójico artista que al no saber escribir ni leer correctamente una partitura, sin embargo, con su guitarra se comunicó como nadie.Sus composiciones, plagadas de chicas, autos y carreteras, se imprimieron en la música popular a finales de los años cincuenta como finas estampillas sociales llenas de ritmo que nutrieron su universo lírico. Estas letras, que hablaban desde la ruptura clasista en la música en Roll Over Beethoven (1956), hasta la rutina escolar en School Days (1957) y Rock And Roll Music (1957), desde el cuerpo que descubre la pubertad en Sweet Little Sixteen (1958) hasta del día de pago y de los devaneos juveniles en No Particular Place To Go (1964), establecieron rasgos de esa comedia humana que haría parte de esa mitología llamada rock and roll.La picardía propia y los dobles sentidos del Blues acabaron de cocinar junto con Chuck Berry una receta lírica irresistible que alimentaría al rock en su gestación y nacimiento futuro. Siempre acompañado de su célebre duckwalk, que usaría en Nueva York en 1956 para ocultar las arrugas de su pantalón, Chuck encendió la mecha para la fantástica explosión musical del medio siglo siguiente. Y es que seguramente sin Berry, la música hubiera sido menos fantasiosa, más tímida y menos segura de su poder transformador. Los grupos musicales de los sesentas, en América como en Europa, definieron su sonido a partir del riff de su guitarra.En las décadas siguientes y gracias a sus atrevidos y melodiosos riffs, alcanzó la admiración de otras grandes figuras de la música como Bob Dylan, John Lennon, y Bruce Springsteen, una importante referencia compositiva en las letras de George Harrison, AC/DC y Led Zeppelin así como también, la inspiración en las versiones de sus letras que grabarían The Beatles y Rolling Stones en sus inicios, además de decenas de artistas que, hasta nuestros días, aun cuando el mundo llora su triste partida, todavía intentan encontrar un himno tan irrepetible y lleno de futuro pese a que representa una época ya extinta, como Johnny B. Goode. Hoy homenajeemos al auténtico Padre del Rock, ese mismo hombre que vivía peligrosamente, que conoció la cárcel en más de una ocasión… ¡y sobrevivió!
"No es una gira, es una fiesta", así le aseguró Facundo Cabral a nuestra periodista Alejandra Buitrago el 04 de octubre de 1987, mientras se encontraba de paso por Colombia. En esta conversación, elogia los paisajes de Pereira y Manizales y que, según él, "habría sido el Edén en el que Adán andaba corriendo a Eva".En este registro habla además de la canción "Vuele Bajo", una composición que escribió a los 17 años cuando no pensaba que sería un cantante profesional. Nació por la conmoción que le provocó leer "El sermón de la montaña". Es una canción que habla de no comprar y que con nostalgia afirma, es una canción de cuna que le hubiera gustado cantarle a su hijo pero que se la canta a los hijos de los que se acercan a escucharlo cantar. "Vuela abajo porque abajo está la verdad", traduce en sus palabras, que la verdad no es el cine ni el arte, sino la vida misma, la asociación con la flora y la fauna, los miedos, los amores, etc."Somos una sociedad hipócrita, donde un político sabe que miente, pero que lo hace para poder ganar una elección", dice. "Un hombre puede ser dueño de lo que goza, porque, salvo que Dios sea tonto, nacemos con lo que necesitamos para vivir. Todo lo que está fuera de lo que trajimos al nacer, es exceso".Hablando sobre la filosofía de su vida, sobre su música y sobre las inspiraciones de su obra, reconoce que un hombre que sigue viviendo sin la esperanza de que el mundo va a ser mejor, es un "gusano masoquista", afirma. "Soy más conciso", reconoce cuando le preguntan por su lírica y su poesía. "Aunque sigo con la misma filosofía, ahora necesito un lenguaje rápido y ágil, que obvie la metáfora y que sea entendido de inmediato", reconoce.
El 19 de mayo de 1968, se presentó en el programa Carta de Colombia de la HJCK, una curiosa versión de la guabina "El Cuchipe", compuesta por Eduardo Gómez Bueno, y que ejecutan y cantan los peregrinos en sus romerías ante la Virgen de Chiquinquirá, patrona de Colombia. La pieza es interpretada por la reconocida actriz francesa Brigitte Bardot, ícono de la moda y símbolo sexual durante la década de los años 60 y 70. La popular guabina alcanzó gran notoriedad en su voz, que se editó en 1963 para el sello Phillips.La primera vez que la diva francesa presentó este aire colombiano lo hizo en enero de ese año en el set del programa A vos soutaits, mientras que dos músicos con pinta de latinos la acompañaban con instrumentos de cuerda. El escultural cuerpo de la que entonces era considerada un símbolo sexual y un ícono de la moda, quedó oculto bajo una fina blusa de hilo blanco y una falda larga con arandelas u con randas de colores sobre el terciopelo de la tela. Sobre su cabeza llevaba amarrado un pañolón verde y un sombrero de copa alta.La guabina alude a la fiesta que celebra el 09 de julio como el día de la Virgen de Chiquinquirá, declarada desde 1829 por el Papa Pío VII la patrona de Colombia, además de ser la patrona de Chiquinquirá, del estado Zulia en Venezuela y de Caraz, en Perú.
El largometraje, que fue dirigido por Óscar y Tito Catacora, fue seleccionado por un comité conformado por especialistas del sector cinematográfico nacional, propuestos por los gremios cinematográficos e instituciones educativas.En el caso de los premios Óscar, que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, la cinta peruana buscará alcanzar una nominación en la categoría de Mejor Largometraje Internacional.En ese sentido, el Ministerio de Cultura informó que la lista corta de películas en carrera por estos premios será anunciada el 17 de diciembre próximo.El largometraje peruano, que se estrenó en los cines nacionales, a nivel comercial, el 4 de abril de 2024 y se mantuvo seis semanas en cartelera, también competirá por ser uno de las nominados en la categoría de Mejor Película Iberoamericana de los Goya, una lista que se conocerá también en diciembre próximo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Ministerio de Cultura explicó que solo actúa como facilitador del proceso de selección de la cinta que representa al país, pero no cuenta con integrantes en el comité, por lo que no tiene voto en el proceso de selección.En el caso de Yana-Wara, el ministerio recordó que recibió uno de los premios de los Estímulos Económicos que otorga el Concurso nacional de proyectos de largometrajes de ficción en lenguas originarias de 2018. De forma adicional, recibió estímulos económicos para su distribución en 2023.Yana Wara, fue el segundo largometraje del director peruano Oscar Catacora, quien falleció mientras lo rodaba en una localidad remota de la región sureña de Puno, por lo que esta fue concluido por su tío Tito Catacora.Narra la historia trágica de una niña de 13 años que enfrenta la adversidad y la violencia de género en los Andes, en una aproximación a este mundo que rompe la barrera ente el mito y la realidad, muestra la distancia cultural y la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio peruano.En mayo pasado, Tito Catacora declaró que "en este país llamado Perú existen varias naciones" y que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
The Last of the Sea Women (Las últimas mujeres del mar) cuenta la historia de la comunidad matriarcal haenyeo, cuyos miembros se sostienen económicamente pescando en la isla surcoreana de Jeju, utilizando únicamente trajes de buzo, máscaras, aletas, cestas y anzuelos.La comunidad, declarada patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2016, existe desde hace siglos, pero está en peligro, ya que muchas de las mujeres tienen ahora 60, 70 o incluso 80 años."Buscaba historias de mujeres... Quería historias de su resiliencia. Y cuando oí hablar de este proyecto a (la directora) Sue, pensé: 'Esto es exactamente lo que estoy buscando'", dijo Yousafzai en una entrevista junto a la directora coreano-estadounidense Sue Kim."Cuando veo las historias de las haenyeo, me inspiran sobre las posibilidades y las capacidades que las mujeres tienen en sus cuerpos, en sus mentes", agregó la activista de 27 años, que es una de las productoras de la película.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mujeres impresionantesEn los años sesenta, 30.000 mujeres haenyeo extraían del mar desde caracoles hasta pulpos para mantener a sus familias. Hoy, ese número se ha reducido a 4.000.La película muestra a las mujeres hablando sobre su difícil trabajo, que implica aguantar la respiración bajo el agua hasta dos minutos, e incluye bellas imágenes submarinas de ellas en plena labor.Además explora cómo intentan revivir su cultura mediante la formación y la promoción de su trabajo en redes sociales, y cómo trabajan juntas para evitar la sobrepesca."Las conocí cuando era una niña y me impresionaron mucho, porque son muy seguras de sí mismas y audaces", explicó Kim, que debuta en la dirección de largometrajes."Son impresionantes. Son físicamente ágiles, hábiles y fuertes, y defienden el medio ambiente y se preocupan por la próxima generación", añadió.Cuando era adolescente, Yousafzai sobrevivió en 2012 a un intento de asesinato por parte de los talibanes por su campaña a favor de los derechos educativos de las niñas. En 2014, a los 17 años, fue galardonada con el Premio Nobel de la Paz.La activista firmó un acuerdo con Apple TV+ en 2021 para promover contenidos centrados en mujeres y niñas y ha creado su propia productora."Contar historias ha formado parte de mi activismo, y creo que necesitamos crear plataformas y oportunidades para que las niñas y las mujeres reflexionen sobre el mundo tal y como lo ven", dijo Yousafzai.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Colombia, como en el mundo, los nombres de grandes ciudades y pueblos están acompañados por un sobrenombre que les otorga cierta mística, las describe y nutre el sentido de pertenencia de sus habitantes. Varios de ellos aluden a la infraestructura o el clima del lugar, tenemos “la ciudad de la eterna primavera”, “la Atenas Sudamericana”, “la ciudad de los parques” y hasta “la sucursal del cielo”, por mencionar algunas, pero hay una que ha hecho del arte su sinónimo, Ibagué, “la capital musical de Colombia”.Con fiestas y eventos culturales, Ibagué celebra un legado musical que día a día reivindica los ritmos tradicionales del país y en especial de la cordillera central, este año, por ejemplo, celebró la edición 38° del Festival Nacional de la Música Colombiana y la número 50° del Festival Folclórico Colombiano. Y se sumó la quinta edición del Ibagué Festival, llevado a cabo entre el 5 y el 8 de septiembre, con alrededor de seis mil asistentes a los conciertos, talleres y actividades que celebraron a los artistas nacidos en esta región.“Se trata de resignificar y llenar de contenido actual la vida musical de la ciudad y del departamento. Es necesario implementar una política musical integral que fortalezca y estimule los procesos musicales de lo urbano y lo rural, de lo popular y lo académico, de lo tradicional y lo contemporáneo, de la industria y el mercado musical, así como de la formación, la investigación y la circulación, para consolidar y proyectar con claridad y fuerza hacia el mundo, la voz propia de la región y su singularidad sonora”, aseguró Alejandro Mantilla, director artístico del festival.Los cuatro días del Ibagué festival tuvieron como punto central el llamado a los músicos oriundos de esta tierra, a aquellos que llevan su talento por el mundo, por el país y a quienes hacen parte del talento local haciéndole honor al título que ostenta la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los artistas más destacados de la ciudad, reconocido por sus baladas de amor es el cantautor Santiago Cruz, encargado del concierto de apertura, que junto a la Orquesta sinfónica juvenil del Conservatorio de Ibagué y la Orquesta sinfónica del Conservatorio del Tolima, hicieron del Museo Panóptico de la ciudad un escenario para hablar de gratitud y reconciliación.“Es un sueño cumplido venir a tocar a mi ciudad con músicos del Conservatorio del Tolima, del Colegio Amina Melendro (Conservatorio de Ibagué), con profesores, en un lugar que es uno de los símbolos más hermosos y potentes de la transformación que tanto necesita este país, este panóptico que es motivo de orgullo para nosotros”, dijo Cruz antes de tocar frente a sus paisanos.En medio de las multitudes, tanto que quienes no lograron entrar al evento por un breve momento apelaron a los gritos y la fuerza, el artista dio un concierto sinfónico bajo la batuta del director Germán Gutiérrez, en el que no solo interpretó sus canciones más conocidas como Cuando regreses y Baja la guardia. También hubo un espacio para interpretar Te doy las gracias, que en esa ocasión dedicó a su tierra, e Hijos del calvario, dedicada a las víctimas del conflicto armado y que en 2022 Cruz, junto a la Comisión de la Verdad presentó en su ciudad antes víctimas del conflicto armado de la región.Tras la apertura, las jornadas del festival transcurrieron en medio de músicos de la diáspora que armonizaban la ciudad con un formato de música en las calles donde se presentaron artistas como Afro Fresh, Juliana Valdiri, Phonoclórica, el Cuarteto León Cardona y Tres Palos Ensamble.En simultáneo, músicos locales y de todo el país que visitaron la ciudad, asistieron a clases magistrales, talleres y conversatorios con artistas locales e invitados internacionales. El violinista Samuel Jiménez, por ejemplo, impartió una clase de técnicas y herramientas del violín y desde Francia, el Cuarteto Hermés brindó un taller a maestros sobre música de cámara.También, los escenarios musicales, la geografía de la ciudad y las vías de acceso fueron uno de los temas principales en un conversatorio dedicado a la diáspora musical del Tolima, en el que participaron Santiago Cruz, Jona Camacho, Ana Ospina, Germán Gutierréz, Samuel Jiménez y Juan Felipe Loaiza, todos músicos que han llevado su talento a otras ciudades del mundo.El festival tuvo como escenarios principales el panóptico, el Conservatorio del Tolima y el Teatro Tolima, lo que trae a colación la conservación y mantenimiento de los escenarios dispuestos para acoger las presentaciones musicales.La Concha Acústica dedicada al dueto de los maestros Darío Garzón y Eduardo Collazos, durante los últimos años ha sido la gran ausente de este tipo de eventos debido al deterioro y abandono en el que se encuentra. Sin embargo, se espera que la para la próxima edición del Festival Folclórico Colombiano esté en condiciones de recibir alrededor de cinco mil espectadores, según lo anunciado por la alcaldesa Johana Aranda el pasado 2 de julio en rueda de prensa.El jazz y la diversidad artística en IbaguéA los pasillos, bambucos y torbellinos que con su ritmo sacudieron los ocobos de flores rosadas y lilas se sumaron otros géneros que invitaron a públicos diversos a disfrutar de la música. Pasando por música clásica, rap, dancehall y un espacio especial para el jazz, el festival ofreció música para todos los gustos.“Uno de los rasgos diferenciales del Ibagué Festival es su apuesta por el encuentro entre las músicas y las demás expresiones artísticas. Es un diálogo intertextual entre lenguajes que articulan con autonomía sus estéticas, sus técnicas y sus formas expresivas”, aseguró Mantilla.Los hermanos Pimienta ambientaron el panóptico con La Etnnia que llenó el escenario de energía urbana y rap que, junto a las presentaciones de artistas locales como Afro Fresh y Phonoclórica, llevaron los ritmos locales a otros géneros y regiones.Por otro lado, el jazz estuvo presente a lo largo de los cuatro días, con la presentación del libro Kind of Blue, del periodista y melómano Juan Carlos Garay, y con la participación especial de la banda originaria de Nueva Orleans, Luisiana, los New Orleans Jazz Vipers. Con el ritmo de canciones de Fats Waller, Con Conrad, Duke Ellington, entre otros músicos aclamados en el jazz, acompañaron el inicio y el cierre del festival, además de liderar dos de los talleres para músicos en el Conservatorio del Tolima.César Augusto Zambrano, el maestro homenajeado en su natal IbaguéTras una presentación magistral del Cuarteto Hermès, visitantes desde Francia, el sábado fue, sin duda, el día más emotivo del evento, en el que se rindió homenaje al maestro César Augusto Zambrano, por parte de la Fundación Salvi, principal organizadora del festival.Al maestro, músicos, amigos y organizadores le agradecieron su compromiso indeclinable con el desarrollo cultural y educativo de su región. Pues, por destacar algunos hitos, Zambrano es el fundador del Concurso Internacional de Violín Frank Preuss, de la orquesta sinfónica, el coro y el doble cuarteto de la Universidad del Tolima, del coro de cámara de la ciudad de Ibagué, del sistema coral infantil y la dirección musical de la Fundación Musical de Colombia.Además, el homenaje contó con un concierto de sus obras en el que se destacó la presentación de la rapsodia Señora del paisaje, un homenaje a Leonorcita Buenaventura, conocida como la “novia de Ibagué”, artista amante de su ciudad a la que le dedicó su obra.“Esto es soñar con los ojos abiertos, nunca hice música para esperar estos reconocimientos tan calurosos y sinceros. Ha sido un camino de dedicar una vida a servir, a acercarse a la gente y siempre trabajar para que todo lo que sea importante para la música también sea importante para toda la gente”, agradeció Zambrano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el 25 de julio se está llevando a cabo la celebración de los 500 años de la fundación de la ciudad de Santa Marta, algunos sectores de la ciudad no estuvieron de acuerdo con las declaraciones del ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa, quien habló acerca de conquista y esclavitud."Para nosotros, por Santa Marta no entró la civilización, ni la religión fue un bien para el país, ni el idioma castellano fue un bien para el país", afirmó el ministro, quien agregó: "Para nosotros, lo que va a ocurrir no es una celebración (...) Hubo un enfrentamiento y una colonización, y eso nos hace pensar en las personas que estaban en el territorio antes de que esas otras llegaran".El alcalde de Santa Marta, Carlos Pinedo Cuello, contestó a sus palabras por la red social X, donde mencionó: “desde Santa Marta rechazamos con firmeza las desafortunadas declaraciones del Ministro de Cultura, Juan David Correa, quien ha mostrado una grave falta de respeto hacia nuestra ciudad, su historia y su gente. La celebración de los 500 años de Santa Marta no es solo un evento local; es un hito de importancia nacional e internacional. Menospreciar los aspectos históricos de nuestra fundación es una ofensa no solo para los samarios, sino para todos los colombianos”.La Academia de Historia del Magdalena también se pronunció al respecto: "esta Academia celebrará la hispanidad y seguirá destacando de la ciudad su historia, su papel importante como puerto principal para la exploración y conquista de los territorios internos y lo que históricamente representó para el Reino de España".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el 2020 se instauró la ley 2058 en la que se decreta a la Nación como partícipe de la celebración del Quinto Centenario de Fundación de la Ciudad de Santa Marta, “ La Nación hace un reconocimiento al Distrito Turístico e Histórico de Santa Marta, declarado patrimonio cultural de la Nación por ser la ciudad sobreviviente más antigua fundada por España en América del Sur y en razón a su riqueza biogeográfica y ecológica, a su diversidad cultural con presencia de los pueblos indígenas Kogui, Arhuaca, Arzaria, Chimila y Wayúu y de población afrocolombiana”, se lee en esta ley.Correa hizo alusión a esta ley y presentó una nueva carta en la que vuelve a mencionar la colonización y la participación de las comunidades en el quinto centenario: “entre otras cosas esa comisión no ha vuelto a sesionar porque uno de sus artículos fue demandado ante la Corte Constitucional (Sentencia C- 189 de 2022) por las comunidades negras, afrodescendientes, raizales y palenqueros por considerar que se había vulnerado sus derechos de participación. La corte tuteló sus derechos y determinó que ellos también integrarían la comisión, la cual se hizo extensiva a los pueblos indígenas, reconociendo de esta manera el lugar fundamental en esta historia.En esta carta el ministro resalta que no debe ser una celebración sino una conmemoración sin dejar de revisar el pasado y el comienzo de la fundación de la ciudad: “pensar en una conmemoración, 500 años después, es entonces un gesto de reconocimiento hacia pueblos indígenas y afrodescendientes que no sólo resistieron largos siglos de colonización, sino que también durante gran parte de la República han hecho esfuerzos para no ser condenados a habitar en los terrenos de la otredad”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No hay una estrategia, yo le llamo (a la política lingüista del Gobierno) un proceso confeti: hago aquí un concurso de poesía en náhuatl, aquí publico una novela en zapoteco (...) Pero no hay una estrategia integral", explica Aguilar, quien se muestra crítica con las políticas de protección de las lenguas indígenas por parte del presidente saliente, Andrés Manuel López Obrador (2018-2024).Para la lingüista es significativo que el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas "cuente con tres veces menos presupuesto que lo que contó en 2021 la oficina para promover el béisbol", lo que en su opinión deja a las claras la falta de voluntad política al respecto.En el gabinete que ha anunciado la presidenta electa, Claudia Sheinbaum, quien asumirá el próximo 1 de octubre, Aguilar sí ve algunos signos más positivos de cara al próximo sexenio. "Ahora con Claudia hay personas cerca que, creo, podrían influir para hacer una política lingüística necesaria", afirma la escritora.La pérdida de lenguas originarias en MéxicoSegún explica Aguilar, actualmente en México existen 68 lenguas distintas, que a su vez se subdividen en matices regionales creando hasta 365 sistemas lingüísticos diferentes, lo que muestra la riqueza lingüística del país, que no obstante se ha visto enormemente deteriorada, especialmente tras la independencia mexicana de España en 1821."Se calcula que para 1820 aproximadamente entre el 65 % y el 70 % de la población hablaba una lengua indígena y en la actualidad es el 6,1 %", asegura la escritora.Aguilar achaca esta enorme reducción a la construcción nacional de México, ya que parte del proceso de creación del Estado-nación es la disolución de las diferencias identitarias, principalmente las lenguas."En el caso de México la idea fue imponer la lengua de una minoría criolla que era la que hablaba castellano, como única lengua (...) básicamente para construir la idea de una identidad mestiza era importante que dejaran esas identidades y esas pertenencias a pueblos y naciones que no eran del Estado mexicano", explica.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La propia Yásnaya, cuyo idioma natal es el mixe (lengua originaria del occidental estado mexicano de Oaxaca), ha experimentado en primera persona la pérdida paulatina de su lengua."Siempre digo que es muy triste ver en primera fila cómo va muriendo tu lengua", expresa la escritora, al asegurar que el proceso de deterioro de estas lenguas es más notorio entre la población joven."Si ves la tasa de transmisión, claramente ves que la población infantil ya no está jugando entre ella en mixe", señala la lingüista, que ve una gran diferencia entre niños y adultos de la tercera edad, entre quienes todavía abunda la comunicación en mixe.En opinión de Aguilar, la protección y conservación de las lenguas prehispánicas pasa por una menor intervención del estado en la educación de las comunidades indígenas."Pasa por la autonomía, que los pueblos (originarios) puedan tener sus propios sistemas educativos", sostiene la escritora, que defiende el derecho de las comunidades indígenas a la autogestión en este y otros aspectos sociales y políticos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.