Lo "coquette" y la feminidad se han convertido en tendencia de nuevo y han traído nuevas maneras de explorar lo femenino desde diferentes áreas del arte, desde Maria Antonieta en el cine con su biopic dirigida por Sofia Coppola hasta la música de Lana del Rey. Esta tendencia también ha abierto la conversación acerca de como debe verse la feminidad o "lo femenino" ya que consiste en el color rosa, los moños y lo que se ha pintado acerca de "ser mujer"; hay quienes están en contra y otros a favor, sin embargo, también es válido apropiarse de lo femenino y expresarlo libremente. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Todo esta corriente, por decirlo de alguna manera, se ha identificado en diferentes formas de arte, como mencioné anteriormente, por eso en esta galería dejamos pinturas que entran perfecto en el "coquette", algo que hubieran amado los pintores de la tendencia rococó entre 1730 y 1760. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Son los mismos que ya crearon hace unos años la exposición inmersiva del pintor neerlandés Vincent van Gogh, que atrajo a más de cinco millones de visitantes en el conjunto de países que visitó, y ahora aspiran a repetir esta exitosa hazaña con la figura de René Magritte."Vamos a ir a España, Italia, Reino Unido, Japón, Estados Unidos... Esperamos llevarla por todo el mundo, el ADN de esta exhibición es que pueda dar vueltas por todo el planeta", afirma el director artístico de la muestra, David Zylberberg, en una entrevista durante una visita a la exposición.De momento, la aventura arranca en Bruselas, la ciudad donde Magritte vivió la mayor parte de su vida y que este 2024 está celebrando el centenario del nacimiento del surrealismo, un movimiento, cuyo manifiesto fundacional fue en 1924, caracterizado por su desafío constante a la razón y a la lógica artística que dominaba hasta la fecha, y que tuvo especial arraigo en Bélgica."Magritte formaba parte del grupo surrealista de Bruselas, que confrontaba con el grupo de París. Magritte estaba en contacto con lo real, con objetos reales. Y creo que eso fue lo que le hizo tan famoso, porque fue capaz de crear un puente entre el surrealismo y las cosas que la gente puede entender", asegura Zylberberg.Así es como los cuadros de Magritte se llenaron de objetos cotidianos que aparecían descontextualizados, como los icónicos sombreros de bombín, que él mismo vestía, los paraguas, las manzanas, el pan de baguette o la célebre pipa del lema 'esto no es una pipa', sin descuidar la constante presencia que tienen en su universo pictórico las gaviotas, las nubes y el cielo azul.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Todas estas referencias aparecen una y otra vez en la exposición virtual, que ha logrado digitalizar más de 300 obras del pintor belga para plasmarlas en diferentes soportes.El más llamativo es la proyección inmersiva en 360 grados de una multitud de imágenes de sus cuadros, que van conformando una suerte de película de animación con música incorporada, y que se plasma por todos los ángulos de una sala de 1.000 metros cuadrados, en un espacio enorme y de techos elevados, para que el visitante casi que no pueda escapar de lo que está viendo.En otra sala, unas gafas equipadas con la tecnología de realidad virtual hacen que, cuando se las ponga, el espectador tenga la sensación de que está, literalmente, dentro de un cuadro de Magritte."Nuestro objetivo es acercar la cultura a la gente, porque aún tenemos a muchas personas que no van a los museos y que viven la pintura y el arte con un poco de distancia. Nosotros hacemos lo contrario, usamos la tecnología y la fuerza del escenario para llegar al público, porque creamos exhibiciones que el público puede tocar", subraya el director artístico de la muestra.Según David Zylberberg, la obra de Magritte es una primera materia "increíble" para construir una exhibición inmersiva de estas características, porque el pintor surrealista siempre quería que el público "pensara en el mundo que le rodeaba, y que cambiase la percepción de las cosas que ya daba por sentadas"."Para Magritte, una manzana no es una manzana, un vaso no es un vaso. Magnificó objetos, los hizo cambiar de forma, transformó el material en el que estaban hechos... y esto puede ser representado por la tecnología. Cuando Magritte pinta un cuadro con una manzana enorme que llena toda una habitación, podemos mostrar con la tecnología el proceso mental de lo que pensaba Magritte", explica.Zylberberg cree que si Magritte pudiese ver esta exposición inmersiva sobre su propia obra acabaría la visita con una sonrisa de oreja a oreja, ya que, según contó el director artístico, el genio belga no era muy fanático de los museos convencionales."Magritte decía que a él no le gustaban los museos porque allí no podía pasear con su perro. Magritte rechazaba la sacralización del arte. Nosotros no somos Magritte, interpretamos y trabajamos en base a su arte, pero yo creo que le encantaría esta exposición porque encaja perfectamente con su forma de pensar", asevera Zylberberg.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lejos de los rascacielos de Dubái, Mariam al Kalbani enseña a una joven emiratí el arte del talli, un tipo de bordado tradicional inscrito en el patrimonio mundial de la Unesco en peligro de desaparición en los países del Golfo.Con las manos tatuadas de hena, la septuagenaria teje hilos coloridos, formando motivos que adornarán prendas o bolsas, bajo la mirada atenta de una aprendiz que vino a conocer los secretos de una práctica laboriosa, transmitida de generación en generación."Es la artesanía de nuestros abuelos y padres, y si no tomamos la iniciativa de enseñarles, desaparecerá", dice, en el marco de un festival dedicado a la artesanía local en la región de Al-Ain, en el emirato de Abu Dabi.Cubierto su rostro a mitad por la burqa típica del Golfo y un velo de tela dorada, la maestra subraya la complejidad de la obra, que puede implicar hasta cincuenta hilos diferentes. Para los motivos más simples, realizados con seis hilos, un metro de bordado requiere hasta tres horas de trabajo.En lo que respecta a la enseñanza, ésta "puede tomar uno o dos años (...) con un curso semanal", dice Mariam al-Kalbani, que teje el talli desde la adolescencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Patrimonio emiratíInscrito en la lista del patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2022, el talli es practicado en varios de los emiratos que conforman la federación, y su origen es difícil de determinar, señala Mohammed Hassan Abdelhafez del Instituto del patrimonio de Charjah.Los criterios de selección de la Unesco exigen sin embargo que la experiencia haya sido transmitida a través de varias generaciones, "al menos de los abuelos a los nietos", subraya.Mariam Al-Kalbani no logró comunicar su pasión a sus hijos. Solo a su nieta de tres años le gusta verla tejer, dice, así como sus aprendices que como Rim al-Ketbi, sigue con atención cada uno de sus gestos.Esta estudiante de 23 años reconoce que las mujeres de su edad no están "muy interesadas" por la artesanía tradicional, pero para ella la preservación "del patrimonio emiratí es un asunto de amor por el país".Antes desérticos, los Emiratos Árabes Unidos experimentaron una transformación social y económica de gran magnitud en los últimos cincuenta años, especialmente en Dubái, ciudad ultra-conectada que se volvió famosa por sus proyectos desmesurados.Pero el rico país petrolero, donde el 90% de sus 10 millones de habitantes son inmigrantes, siempre buscó preservar sus tradiciones y su modo de vida "inclusive después de la llegada de la modernidad y el descubrimiento del petróleo", subraya Mohammed Hassan Abdelhafez."Amenazado de desaparición"En el festival de artesanía de las industrias tradicionales de Al-Ain, el talli no es el único protagonista. En la plaza central, los hombres ejecutan una danza llamada Ayalah, en la que se esgrimen palos de bambú o fusiles descargados, al ritmo de las canciones folclóricas.Un poco más lejos, mujeres fabrican el sadu, un tejido tradicional utilizado para carpas, tapices y sillas de montar para camello, cuya experiencia figura en la lista del patrimonio inmaterial de la Unesco desde 2011. Otras mujeres más allá venden prendas y artículos diversos.Las autoridades de Abu Dabi registraron todas las artesanías para ayudarlos a hacerse conocer entre los jóvenes, indica una responsable del ministerio de la Cultura y Turismo del Emirato, Aisha al-Dhaheri.También proponen formaciones, especialmente para el talli, "pues se considera amenazado de desaparición", agregó.En su tienda, donde bolsas, pulseras, llaveros, e inclusive incensarios, están adornados con talli, Kaltum al-Mansuri lamenta que las jóvenes estén siempre ocupadas viendo "tabletas y teléfonos celulares" cuando deberían tomar el relevo, dice la octogenaria, pues "¿a nosotros, cuanto tiempo nos queda?".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con alrededor de 80 exposiciones individuales y más de 190 exposiciones colectivas, Enrique Grau Araujo, es uno de los artistas colombianos más destacados del siglo XX. Nacido en Panamá, Grau fue un pintor, escultor y dibujante, también director de cine, que se caracterizó por su representación de figuras amerindias y afrocolombianas, principalmente mujeres.Su trabajo inició de forma empírica y llegó a formarse en Estados Unidos e Italia en la Art Students League de Nueva York (1940) y en la Academia de San Marcos de Florencia (1955). Posteriormente estuvo a cargo de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional y en la Universidad de los Andes, así como del Departamento de Escenografía de la Televisora Nacional.En su obra, Grau aborda temas como la identidad, la diversidad cultural y la historia afrocolombiana; también retrata escenas cotidianas de la vida afrocolombiana, así como figuras mitológicas y folclóricas, acompañadas usualmente de imponentes sombreros, velos, rosas y otras flores. Estas son algunas de sus pinturas representativas:1. "Sombrero de rosas"Esta pintura realista, de 1963, muestra una figura de extraordinaria corporeidad. Se destaca por un hábil moldeado del color y estudio de la luminosidad. El libro Cartagena de Indias, la bella y su revuelto andaluz-afro-carbie, el capitán Jesús Enrique Caro Triana, cuenta que para sus cuadros femeninos, Grau tenía como modelo a una mujer humilde al servicio de su casa.2. "Mulata Cartagenera"En 1940, Grau presentó esta obra por primera vez en el I Salón Anual de Artistas Colombianos a sus veinte años. En esta pintura, obra temprana de Grau, se puede apreciar a una mujer afrodescendiente con un vestido blanco, un collar con perlas blancas y detalles rojos acompañada de flores frutas y un jarrón de barro.En la pintura “coexisten diversos elementos que revelan un interés por el dibujo académico de la figura humana y a la vez una búsqueda de motivos y del tratamiento del color que lo acercan a varias tendencias del arte moderno”, explica el Museo Nacional.3. "Juegos Nocturnos"Este óleo sobre lienzo pintado en 1957 tiene un tamaño de 88,2 por 115,8 centímetros y ha sido expuesto en ocho ciudades de Europa, Estados Unidos y Colombia. Muestra un dibujo menos académico de la figura humana, opta la geometría y, a la vez, la abstracción para retrata una figura humana con hilos en sus manos y un jarrón al lado, enmarcados en colores rojizos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.4. "La Cayetana"Esta obra de 1992 muestra a una mujer de hombros descubiertos, con una mano sobre un mentón y la otra sosteniendo una tela blanca que la cubre. El cabello negro y abundate de la mujer está adornado por una gran cinta roja en forma de flor. “Los volúmenes densos y agigantados, concebidos en la dimensión de la desmesura, junto al impulso decorativo, también tienen relación con su interés por lo kitsch presente en muchos artistas latinoamericanos”, se lee en el homenaje a Grau de Villegas Editores.5. "Mesa con frutas"De 1962, este óleo sobre lienzo es una obra bidimensional de 93 por 80 centímetros muestra una mesa de madera con un mantel a cuadros rojos y blancos con una pequeña copa y una botella de vidrio. Como elemento central de la pieza se puede apreciar una papaya y cáscaras de la misma sobre un plato y una sandía partida en tres trozos.6. "Las Dos Amigas"En Las Dos Amigas (1971), una de sus obras más reconocidas, Grau presenta a dos mujeres afrocolombianas que están estrechamente unidas por una relación de amistad o hermandad. Las mujeres están representadas con una serenidad y una dignidad palpables, y sus rostros reflejan una profunda conexión emocional.7. "El Espejo"Terminamos este recorrido por la obra de Grau con una litografía sobre papel. El Espejo, de 1990, vemos a una mujer de ojos grandes y rasgos fuertes que acomoda su cabello con una cinta amarilla igual a la de su vestido. “Si las figuras manifiestan cierto ánimo idealista en su obesidad y candidez, los detalles patentizan claras miras de realismo, particularmente en la interpretación de texturas y consistencias”, escribió Eduardo Serrano sobre la obra de Grau en el libro Cien años de Arte Colombiano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Enrique Grau fue uno de los artistas colombianos más influyentes del siglo XX, reconocido por su compromiso con la representación de la identidad y la cultura afrocolombiana a través de su arte. Nacido en Panamá, Grau creció inmerso en la rica diversidad cultural de la región caribeña de Colombia, lo que influyó profundamente en su obra posterior.Desde una edad temprana, Grau mostró un talento excepcional para el arte, y a los 16 años ya había comenzado a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Bogotá. Posteriormente, amplió su formación en Europa, donde se familiarizó con diversas corrientes artísticas, desde el impresionismo hasta el cubismo y el surrealismo. Esta experiencia lo llevó a desarrollar un estilo propio que fusionaba técnicas modernas con temas arraigados en la tradición y la historia colombianas.Una de las contribuciones más significativas de Grau al arte colombiano fue su representación de la comunidad afrocolombiana. En un momento en que esta comunidad era marginada y poco reconocida, Grau se dedicó a retratar su belleza y dignidad a través de sus obras. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sus pinturas, esculturas y dibujos capturan la vitalidad y la esencia espiritual de las personas afrodescendientes, resaltando su papel crucial en la construcción de la identidad colombiana.Grau también fue un defensor apasionado de los derechos humanos y la justicia social. Su compromiso con estas causas se refleja en muchas de sus obras, que abordan temas como la discriminación racial, la desigualdad económica y la lucha por la igualdad de oportunidades. A través de su arte, Grau buscaba generar conciencia sobre estas cuestiones y promover el cambio social.Una de las obras más conocidas de Grau es su serie de retratos de afrocolombianos, en la que captura la dignidad y la humanidad de sus sujetos con una sensibilidad excepcional. Estas pinturas destacan por su uso magistral del color y la luz, así como por la expresividad de los rostros representados. Además de sus retratos, Grau también creó una serie de esculturas monumentales que celebran la herencia africana de Colombia y rinden homenaje a figuras históricas y mitológicas.A lo largo de su carrera, Grau recibió numerosos premios y reconocimientos, incluyendo la Medalla de Oro en la Bienal de San Pablo en 1961 y el Premio Nacional de Pintura en Colombia en 1997. Su legado perdura en la obra de artistas contemporáneos que continúan explorando y celebrando la diversidad cultural de Colombia.Enrique Grau fue mucho más que un artista talentoso; fue un visionario que desafió las normas establecidas y amplió los límites del arte colombiano. Su compromiso con la representación de la identidad y la cultura afrocolombiana lo convierte en una figura emblemática en la historia del arte de Colombia y un ejemplo inspirador para las generaciones futuras. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo lunes, 1 de abril, se conmemoran 20 años del fallecimiento del artista colombiano Enrique Grau🎨. Reconocido por sus retratos de figuras amerindias y afrocolombianas y su punto de vista del volumen y los colores, Grau hizo parte de esa gran generación de pintores que a finales del siglo XX creó un ambiente de diálogo y creación en nuestro país. En la HJCK preparamos un especial para hablar de su obra y lo haremos con artistas y amigos como el pintor David Manzur y la escritora Fanny Buitrago. 🖼️💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una encuesta realizada por el medio para determinar qué está ocurriendo con los museos mostró que están volviendo a la normalidad y que durante 2023 muchos de los más grandes del mundo registraron números de visitantes similares a los de 2019, el año antes de que cerraran sus puertas.Incluso algunos recibieron exactamente la misma cantidad, entre ellos el Rijksmuseum en Amsterdam, que recibió tanto en 2019 como en 2023 unos 2,7 millones de visitantes, apoyado por la exhibición de las obras del holandés Johannes Vermeer, mientras que el Museo Nacional de Escocia tuvo la misma experiencia con 2,2 millones ambos años y el Getty Villa en Los Ángeles con 442.000 en prepandemia y 443.000, respectivamente.Destaca que en total los 100 principales museos recibieron en conjunto en 2023 175 millones de personas, comparado con los 141 millones del año anterior, pero aún distante de los 230 millones previo al cierre por la pandemia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No obstante, otros aún luchan por atraer la atención del público como los museos en Moscú afectados por la guerra contra Ucrania y el colapso del turismo extranjero mientras que los diez principales del Reino Unido también están en general un 13 % por debajo de los niveles que registraron antes de la pandemia, asegura el medio.De acuerdo con theartnewapaper, la lucha de los museos de Nueva York no parece ser distinta con el Museo de Arte Moderno (MoMa) registrando más de 2,8 millones de visitantes en 2023, un 2 % más que en 2018 cuando operó a toda capacidad previo a abrir sus puertas por solo seis meses en 2019 por remodelación. En contraste, el Whitney, recibió un 26% menos de visitantes (768.000) en 2023 al compararlo con el nivel prepandemia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Serra ha expuesto en los principales museos y ciudades del mundo con sus gigantescas estructuras de materiales industriales. El Museo Guggenheim de Nueva York, la Fundación Princesa de Asturias y artistas como el compositor Philip Glass han lamentado su fallecimiento hoy en la red social X.La Fundación Princesa de Asturias lo ha definido como un "artista auténtico" y "brillante", al que distinguió con su galardón en 2010 "por su audacia para vertebrar desde su perspectiva minimalista los espacios urbanos más significativos a escala internacional, a través de obras de gran potencia visual que invitan a la reflexión y al asombro".Serra nació en San Francisco el 2 de noviembre de 1938 de padres inmigrantes, -su padre era español y su madre rusa-. Su padre trabajaba en los astilleros de la ciudad y uno de sus primeros recuerdos de infancia fue la fascinación que le generó ver como las grúas movían las placas de acero de un lugar a otro.Unas placas muy similares y de grandes dimensiones son las que usó a lo largo de su carrera para hacer gigantescas estructuras que se sostenían por sí mismas y se podían transitar.Serra llegó a la escultura tras probar otras disciplinas artísticas como la pintura. Estudió en la Universidad de California, donde se graduó en Ciencias y en Literatura Inglesa en 1961 y en Arte por la Universidad de Yale en 1964.También estudió con una beca en las universidades de París y Florencia. En aquellos años viajaría por España, Turquía, Atenas y el Norte de África en una serie de viajes que marcarían su trayectoria artística.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue en Madrid, en el Museo del Prado, ante 'Las Meninas' de Velázquez, cuando se dio cuenta de que no podía ser pintor. "Pensé que no había posibilidad de acercarme a eso. Cézanne no me había detenido, De Kooning y Pollock no me habían detenido, pero Velázquez parecía algo más importante con lo que lidiar”, le dijo a un amigo.Tras aquella epifanía, durante una estancia en Roma, hizo su primera exposición individual con esculturas titulada "Animal Habitat", en la galería La Salita.En 1966, instalado en Nueva York, contactó con artistas de la New York School y conoció al influyente galerista Leo Catelli, quien le facilitó exponer en museos y galerías de la ciudad.Sus primeros trabajos consistían en montajes con neón y caucho. En su obra "Cinturones" (1966-1967), ubicada en el Museo Guggenheim de Nueva York, el resplandor de los tubos de neón contrasta con cinturones de cuero vulcanizado.Entre 1968 y 1969 creó cerca de 100 esculturas en plomo, entre las que destaca "Splashing", arrojando plomo derretido contra una pared y el suelo para que el metal se estrellara antes de solidificarse.En 1981 creó una de sus esculturas más espectaculares y controvertidas, titulada "Arco inclinado", que se ubicó en la plaza de Nueva York y que consistía en una plancha de acero enorme -3,5 metros de alto- ligeramente inclinada y con 36 metros de longitud.La escultura recibió numerosas críticas y finalmente fue retirada. Después realizó "Clara-Clara" (1983) para la Plaza de la Concordia de París y "Afangar" (1990), que instaló en Videy Island, Islandia.El Museo Guggenheim de Bilbao exhibió en 1999 una exposición monográfica de su obra, que es muy apreciada en España. Allí permanece expuesta de manera permanente "La Serpiente", una escultura formada por tres chapas curvadas de acero, de 170 toneladas de peso.Para ese mismo museo, entre 2004 y 2005, creó uno de los conjuntos escultóricos monumentales más importantes y novedosos: "La materia del tiempo", siete piezas de gran tamaño con figuras elípticas y espirales onduladas en acero de hasta 4 metros de altura.Otros espacios que acogen su monumental obra en España son el Macba en Barcelona, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Museo Helga de Alvear y el Palacio Miramar de San Sebastián.En 1986, Serra concibió la obra "Equal Parallel/Guernica-Bengasi" específicamente para el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid.La pieza se encuentra desaparecida desde 2005, a pesar de estar formada por dos grandes bloques de acero verticales de 38 toneladas de peso. La obra se compró en 1987, fue expuesta en 1990 y después almacenada. En 2005 cuando la iban a incluir en su colección permanente no la encontraron.Serra hizo una copia en 2009 y quedó expuesta de forma permanente en la antigua biblioteca del museo.El artista fue galardonado con la Orden de las Artes y las Letras de España en 2009, recibió el Príncipe de Asturias en 2010 y fue investido doctor "honoris causa" por la Universidad Pública de Navarra (2009).En aquel acto dijo ser un gran admirador del artista vasco Jorge Oteiza, al que calificó como su "alma gemela" por "la intensa soledad que manifiesta" su trabajo y que "conecta con un carácter existencial remoto” que reconoce en sí mismo.También posee el Anillo del Emperador de la ciudad alemana de Goslar y el prestigioso Praemium Imperiale de Escultura.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro, una manifestación artística arraigada en la devoción religiosa, ha sido una fuente inagotable de inspiración y contemplación a lo largo de la historia. Este género, intrínsecamente ligado a las prácticas y creencias religiosas, ha desempeñado un papel crucial en la expresión espiritual y cultural de diversas civilizaciones. Desde las majestuosas catedrales góticas de Europa hasta las pinturas murales en templos hindúes, el arte sacro ha abrazado una variedad de formas, estilos y tradiciones, sirviendo como un puente entre lo terrenal y lo divino.El arte sacro surge de la profunda necesidad de las comunidades religiosas de expresar su fe y reverencia hacia lo sagrado. Sus orígenes se remontan a las antiguas civilizaciones, donde los primeros humanos, imbuidos de un sentido de lo trascendente, creaban obras para honrar a sus deidades y dar forma a sus creencias espirituales. Estas manifestaciones artísticas no solo servían como objetos de culto, sino que también buscaban transmitir enseñanzas religiosas y narrativas sagradas a través de imágenes, esculturas y arquitectura.El arte sacro abarca una amplia gama de formas artísticas, desde la arquitectura religiosa hasta la pintura, la escultura, la música y la literatura. Las catedrales góticas medievales, con sus altos arcos y vitrales que filtran la luz celestial, son ejemplos impresionantes de la arquitectura sacra que busca elevar el espíritu humano hacia lo divino. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la pintura renacentista, artistas como Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio crearon obras maestras que representaban escenas bíblicas y retratos de santos, infundiendo a sus obras una profundidad espiritual y una belleza trascendental.La escultura sacra, desde las estatuas de los dioses griegos hasta las representaciones de Cristo en la cruz, ha capturado la imaginación de los creyentes durante siglos, ofreciendo una conexión tangible con lo sagrado. Además, la música sacra, con sus himnos, oratorios y misas, ha enriquecido las experiencias religiosas, proporcionando una vía para la adoración y la contemplación espiritual.Representaciones de arte sacroLa Capilla Sixtina: Situada en el Vaticano, esta obra maestra del arte renacentista, con los frescos de Miguel Ángel que representan escenas del Génesis y el Juicio Final, es un testimonio impresionante del poder del arte para elevar lo humano hacia lo divino.La Catedral de Notre-Dame: Ubicada en París, esta catedral gótica es un símbolo icónico del arte sacro, con sus imponentes torres, rosetones y esculturas que narran historias bíblicas y glorifican a Dios.El David de Miguel Ángel: Esta escultura de mármol representa al héroe bíblico David antes de enfrentarse a Goliat, encapsulando la belleza y la perfección del Renacimiento italiano.Las Cantatas de Bach: Compuestas por Johann Sebastian Bach, estas obras musicales sagradas son una expresión sublime de la devoción religiosa y la maestría musical.A pesar de los cambios en la sociedad y la disminución de la religiosidad en algunas regiones, el arte sacro sigue siendo relevante en el mundo contemporáneo. Su legado perdura en museos, galerías y espacios de culto en todo el mundo, inspirando a artistas y espectadores por igual. Además, el arte sacro continúa desempeñando un papel importante en la preservación de la herencia cultural y espiritual de la humanidad, sirviendo como un recordatorio de nuestra conexión con lo trascendente y lo eterno.El arte sacro, con su rica historia y su diversidad de formas, sigue siendo una fuente de inspiración y contemplación para millones de personas en todo el mundo. A través de sus obras, los artistas han buscado capturar la esencia de lo divino y transmitir la profundidad de la experiencia religiosa, dejando un legado perdurable que trasciende el tiempo y el espacio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo abre mañana martes una gran exposición sobre esa muestra, innovadora en muchas facetas, y la sitúa en su contexto histórico. Obras maestras de Renoir, Manet, Monet, Degas, Cézanne o Morisot figuran entre las 157 piezas que se presentan, llegadas de museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.La exposición de 1874 "se ha convertido en legendaria" y cambió "la historia del arte". Esta es "la primera vez" que se trata de forma específica, y se hace con otra exposición, explicó la conservadora de pintura Sylvie Patrie, una de las dos comisarias, durante la presentación de la exhibición.Fue un 15 de abril de 1874 cuando el estudio del fotógrafo de moda Nadar en París, un edificio de cuatro plantas a dos pasos de la Ópera, sirvió para presentar unos 215 cuadros (se desconoce el número exacto) de 31 pintores, muchos de los cuales no pasaron a la posteridad.La idea revolucionaria comenzó ya con su concepción, puesto que los pintores crearon una cooperativa para poder exponer juntos, y lo hicieron al margen del Salón, la exhibición oficial anual de arte, un evento mucho más académico y conservador.El contexto histórico era complicado. Francia acababa de salir de la dura derrota en la guerra contra Prusia (1870) y de la revolución de la Comuna de París y su sangrienta represión (1871).Apenas una cincuentena de las pinturas de esa primera exposición podrían ser consideradas 'impresionistas', un estilo que supuso una ruptura radical tanto con los temas plasmados como con la técnica pictórica.La revolución industrial y la creciente importancia de la burguesía generó temas nuevos, como el ferrocarril, los espectáculos o el turismo, ya que los impresionistas querían mostrar "la vida moderna" y "su visión de una ciudad en plena transformación", añadió Patry.Sobre todo, la forma de pintar "no tiene nada qué ver" con lo que se hacía antes, por el uso revolucionario de la pincelada y el color para plasmar la luz y recrear la impresión que deja en la retina, señaló por su parte la otra comisaria, Anne Robbins."La novedad es tanto la elección de los temas como la recuperación de la sensación, de la impresión", incidió Robbins, conservadora de pintura en el Orsay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Origen del término 'impresionismo'El nombre 'impresionismo' llegó de un comentario con voluntad despectiva del crítico de arte Louis Leroy a partir del ya inmortal cuadro Impresión, sol naciente, una brumosa interpretación del puerto de Le Havre por Claude Monet, que evidentemente no falta en este homenaje.El término 'impresionista' pasó a ser reivindicado por los artistas en sentido positivo.Otra cosa, precisó Patry, es el "mito" creado a comienzos del siglo XX y que pretende que "un grupo marginal de revolucionarios que pintaban de forma diferente organizaron una exposición de vanguardia", una idea falsa alimentada después por algunos de los artistas y que aún perdura.La nueva exposición, titulada París 1874: Inventar el impresionismo, incluye veinte pinturas de la muestra original en el estudio de Nadar. Muchas de las otras no tenían calidad y se desconoce su nombre.Entre las obras maestras presentes destacan La bailarina, El palco y La parisina (Renoir), Boulevar de los Capuchinos (Monet), Une moderne Olympia (Cézanne) o Ensayo de ballet sobre el escenario (Degas).También está Baile en el molino de la Galette, de Renoir, una de las obras cumbres del movimiento, pero que se presentó en la tercera exposición impresionista, en 1877.Tampoco faltan varias pinturas de la consagrada Berthe Morisot (parte de la exposición original) o de Eve Gonzalès, que luchaba para abrirse paso, a fin de resaltar la presencia femenina en la génesis del impresionismo.Las dos comisarias han dedicado toda una sala a cuadros del Salón de ese año, de factura y temáticas mucho más clásicas, para "reexaminar la radicalidad" estética que supuso la propuesta de los impresionistas.La exhibición del Orsay, que cerrará el 14 de julio, día de la Fiesta Nacional francesa, va acompañada de una experiencia inmersiva con gafas 3D, en el mismo museo, sobre un espacio de 650 metros cuadrados y que permite visitar esa primera jornada de la exposición original de 1874.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La actriz de origen malasio interpretará a un personaje llamado Olwen, un 'replicante', como se llaman en el mundo ficticio creado por Ridley Scott unos seres con aspecto humano creados con ingeniería genética, según adelantó el medio especializado.No se conocen aún detalles sobre la trama de 'Blade Runner 2099', encargada a Amazon en septiembre del año pasado, pero se sabe que es una secuela de película original de 1982 y de 'Blader Runner 2049', estrenada en 2017.Scott, el creador de la saga, adelantó el año pasado su intención de llevar el mundo de 'Blade Runner' a la pantalla chica.Yeoh saltó a la fama mundial tras ganar el premio Óscar a la mejor actriz en 2023 por su papel en el filme "Everything Everywhere All at Once".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la historia creada por Daniel Kwan y Daniel Scheinert, Yeoh interpreta a Evelyn Wang, una inmigrante en Estados Unidos sobrecargada de trabajo y tareas familiares que debe salvar el mundo dando saltos entre universos paralelos, al ritmo de patadas de kung fu.A sus 53 años y con más de cuatro décadas de prolífica carrera en su haber, Yeoh fue elegida en 2022 "icono" del año por la revista Time.La actriz malasia fue chica Bond en 'Tomorrow Never Dies' en 1997 y su papel más exitoso hasta la fecha fue el de coprotagonista de la oscarizada cinta de Ang Lee 'Crouching Tiger, Hidden Dragon' (2000).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La junta de estos galardones, perteneciente a la Universidad de Columbia (Nueva York), desveló este lunes el nombre de los finalistas en sus apartados periodísticos, así como en las categorías artísticas, y se refirió al trabajo de Ríos como una labor "inmersiva y ambiciosa del purgatorio migratorio" que se vive en el enclave selvático entre Colombia y Panamá.El también documentalista competía por el premio con la redacción de The Washington Post y su investigación sobre el Ejecutivo de Narendra Modi en la India, que desplegó su poder en redes sociales para "fomentar el odio y presionar a gigantes tecnológicos estadounidenses para que se plegasen a su Gobierno", según la Junta.Sin embargo, fue la otra cabecera finalista, The New York Times, la que se impuso en este apartado por su cobertura del ataque terrorista de Hamás el 7 de octubre y de la letal contraofensiva israelí en la Franja de Gaza.Ríos, fotoperiodista independiente, trabaja habitualmente en el tema migratorio junto a Turkewitz, encargada de la oficina andina de The New York Times, que cubre Colombia, Venezuela, Bolivia, Ecuador, Perú, Surinam y Guyana.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sus proyectos junto a Turkewitz nominados a la 108 edición del Pulitzer incluyen piezas tituladas en español como: ¿Un billete a Disney? Los políticos cobran millones por enviar inmigrantes a EE.UU; Estados Unidos los dejó atrás. Cruzaron una jungla para llegar aquí de todos modos; Ella hizo caso de la advertencia de Biden a los inmigrantes. ¿Se arrepentirá?, todos para The New York Times.Ríos, que ha documentado el flujo migratorio en la selva del Darién por mucho tiempo, tiene más de 10 años de experiencia como fotoperiodista y su trabajo -especializado en temas sociales de América Latina- se publica regularmente en medios y publicaciones internacionales.Entre su trabajo independiente se destaca, entre otros proyectos, que en 2012 logró acceso a las filas de la FARC, cámara en mano, logrando retratar los rostros desconocidos de los guerrilleros.El colombiano ha publicado dos libros con su material fotográfico: El camino del cóndor (2012) y Fiestas de San Pacho, Quibdó (2013). También ha ganado premios como el Visa Pour L'image y el POY Latam 2023.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con cuatro meses de anticipación, los organizadores del Festival Cordillera dieron a conocer el listado completo de los artistas que durante dos días harán vibrar a los asistentes al parque Simón Bolívar los próximos 14 y 15 de septiembre.En los últimos días se rumoraba la posibilidad de que el dominicano Juan Luis Guerra hiciera parte del cartel del festival, hoy es una realidad. Al intérprete de Burbujas de amor, se suman Fito Páez, Hombres G, Fonseca, Molotov y Vilma Palma E Vampiros como artistas centrales de los dos días del festival que celebra la música iberoamericana.“Desde las cascadas del Niágara hasta la Tierra del Fuego, una Cordillera de música y vida nos une. Este festival va por nuestros abuelos, por nuestra lengua y por la pasión que llevamos dentro”, celebró la organizadora Páramo junto al anuncio de la venta de la preventa de combos generales con los precios actualizados una vez se conoció el cartel.De la primera edición, celebrada en 2022, repiten su aparición la banda mexicana Molotov, Babasónicos, León Larregui y Duplat.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de estas agrupaciones y cantantes, también tienen un espacio en el cartel Rels B, Miranda, Maldita Vecindad, Trueno, Bacilos y José Madero. Una de las sorpresas será la presentación de la banda de rock argentina Bersuit Vergarabat, reconocidos por su canción futbolera Toco y voy y la clásica Sr. Cobranza.También hacen parte del cartel El mató a un policía motorizado, Bándalos chinos, Juliana, Airbag, Mala Rodríguez, Kinky, The Skatalites, Instituto mexicano del sonido, Omara portuondo, Systema Solar, Morodo, La vela puerca y la Derecha.No se pierda detalles del cartel completo: Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Festival Cordillera (@cordillerafestival) 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra, que este lunes se presentó a la prensa y abrirá al público el 10 de mayo, se titula ‘Bellas durmientes’, en referencia a aquellos vestidos antiguos tan frágiles que no pueden ni colocarse en maniquíes, y que lucen en vitrinas desde las que hay que observarlos como si se tratara de un microscopio.Este es el tema de la gala benéfica que se celebra este lunes por la tarde (Met Gala) y que financia la colección del Instituto de Moda del Met, dirigido por Anna Wintour, la editora de Vogue, que convoca a cientos de celebridades en este evento exclusivo con entradas a 75.000 dólares, según Time.El comisario del Instituto de Moda, Andrew Bolton, explicó que cuando una prenda entra en la colección del museo su estado cambia "irrevocablemente", pasando de ser parte de la experiencia vital de una persona a "una obra de arte inmóvil que ya no se puede llevar, oír, tocar u oler".A través de tecnologías como la Inteligencia Artificial (IA), rayos X, animaciones visuales o paisajes olfativos, se da "acceso sensorial" a estas prendas y se facilita disfrutarlos "como se pretendía originalmente: con vivacidad, dinamismo y, en última instancia, con vida", dijo Bolton.Un ejemplo de 'bella durmiente' es el vestido 'Mariposa' con cascadas de seda de chifón de Charles James, de 1955, del que el Met dispone dos: uno en condición impecable y otro muy dañado, y poniéndolos uno junto al otro explica cómo su uso y su diseño contribuyen a su deterioro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las galerías se distribuyen, además, en tres secciones que exploran temas naturales partiendo de la tierra, el aire y el agua: en una de ellas, decorada como un jardín lleno de sombreros florales, se pueden disfrutar diseños de maestros de la costura como Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy o Elsa Schiaparelli.Como curiosidad, en esa sala hay un abrigo de Loewe plantado en la tierra que "gradualmente morirá durante la exposición", según el Met.Otro de los alicientes es un vestido de Jeanne Hallée de en torno a 1913 con 'falda trabada', que dificultaba el paso de la mujer, y que vuelve a la 'vida' con una técnica tecnológica en la que se ve a una mujer llevándola y convirtiéndose poco a poco en un insecto.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La Fundación Augusto Roa Bastos expresa su pesar por la desaparición física de Jacobo Rauskin, uno de los mayores exponentes de la poesía paraguaya y Premio Nacional de Literatura 2007", publicó la organización local en su cuenta de X.El Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec) despidió al poeta, "figura insigne de las letras nacionales", con un mensaje de solidaridad para la familia del poeta."Su prolífica obra poética y su destacada labor como gestor cultural dejan un legado invaluable para el país", escribió el Fondec en la misma red social.El autor, referente de la poesía paraguaya en la segunda mitad del siglo XX, fue miembro de la Real Academia Española y de la Academia Paraguaya de la Lengua Española.Rauskin nació en Villarrica, departamento de Guairá (centro), en 1941 y escribió diversos libros de poesía como 'La noche del viaje', 'Alegría de un hombre que vuelve', 'Espantadiablos', 'Las manos vacías' y 'El refugiado'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su obra poética abarca dos tomos con más de cuarenta libros que vieron su primera edición entre 1963 y 2019", según la revista de Literatura Altazor.El poeta también fue galardonado en 2012 en Buenos Aires con el Premio 'Rosa de Cobre' a la trayectoria literaria, instituido por la Biblioteca Nacional Argentina.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.