En el marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer, el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella le apuesta a la resignificación de la “histeria”, terminó utilizado durante siglos como una manifestación de la fragilidad y la debilidad inherentemente femeninas, atribuyéndola a supuestas irregularidades en el útero o a la incapacidad de las mujeres para controlar sus emociones.“Se resignifica y reinterpreta la histeria como un síntoma de la represión contra las mujeres en sociedades patriarcales y como una forma de resistencia contra las normas hegemónicas del patriarcado”, explica el Delia. La Hysteria, que desde su etimología griega significa útero, es un acto de creación, placer y libertad en sí misma, por eso, presentan “Hysteria” un encuentro cultural que resignifica no solo la palabra sino que resalta el rol de las mujeres, su resistencia y sus luchas.Patricia Ariza, Juliana Reyes, Adriana Lizcano, LaTenaz, Vanessa Henríquez, Mariángela Urbina y Marcia Cabrera serán algunas de las artistas y representantes feministas que se reunirán en los escenarios del Delia para reivindicar y conmemorar, a través del arte, la lucha activa de las mujeres en torno al 8M.Por medio de la danza, la música, el teatro y el performance, serán las mujeres las encargadas de contar historias, cuestionar estereotipos y hablar de violencia de género en las artes. Entre el 7 y el 9 de marzo el cuerpo, la vida, la muerte, lo singular y el valor de lo colectivo serán algunos de los temas que se abordarán en esta nutrida agenda cultural que tendrá la mayoría de espacios abiertos al público sin costo. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (@eneldelia) Jueves 7 de marzoEl encuentro artístico inicia con la presentación de la obra Paz Haré La, dirigida por la artista activista y exministra de Cultura, Patricia Arizal. Este performance está protagonizado por mujeres de todas las edades, de todas las tallas, diversidades y procedencias. La puesta en escena mezcla las voces de artistas profesionales con las de mujeres que están viviendo en carne propia las dificultades de la migración, el trabajo sexual y las tareas domésticas.La obra tendrá dos funciones de entrada libre en la sala Delia Zapata, a las 3:00 p. m. y a las 7:30 p. m.Viernes 8 de marzoDe 10:00 a. m. a 12:00 p. m. Ángela Cristina Bello dirigirá un taller donde el objetivo principal es establecer conexiones entre mujeres de diversas edades, independientemente de su experiencia en danza, para explorar el poder de la 'escucha' como una herramienta dinámica en el trabajo corporal.Utilizarán estímulos físicos, conceptuales y sensoriales como punto de partida, valorando y respetando las particularidades y experiencias personales de cada participante. A partir de ahí, se embarcarán con los asistentes en la búsqueda coreográfica, fomentando la expresión individual y colectiva a través del movimientoA las 6:00 p.m., en la Plazoleta CNA, habrá un concierto expandido: música y performance, que busca resignificar las nociones de lo femenino y de la movilización con El grito de la Mujer Cabra, una obra que busca generar preguntas sobre cómo la construcción de un cuerpo colectivo puede partir de la enunciación de una singularidad. Reflexiona también sobre cómo en el encuentro con los demás se potencia la creación de un cuerpo más resistente y más alegre para la vida. Esta obra será con entrada libre.A su vez, a las 7:30 p.m. en la Sala Delia Zapata se presentará Estela, un homenaje, a través de la danza, a la vida y a la muerte como aquello que justifica la existencia. Vida y muerte dependen una de la otra y ocurren en un mismo lugar: el cuerpo. Estela, es un título que hace referencia no solo a un nombre femenino, sino a los múltiples significados que tiene esta palabra, como monumento conmemorativo o rastro y huella que deja algo al pasar. Estela tendrá dos funciones. La segunda será el viernes 9 de marzo a la misma hora. Entradas en TuBoleta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sábado 9 de marzoPatricia Ariza, directora de la obra, dramaturga y poeta, junto con Nohora González, artista y asistente de dirección de la Corporación Colombiana de Teatro dirigirán el el taller: “Proceso creativo de Paz Haré La”. El taller explorará los aspectos fundamentales de la obra teatral Paz Haré La. Durante la sesión, se examinarán los elementos clave del proceso creativo que dio origen a esta obra, así como su contexto de creación y los motivos que la impulsaron. Se explorará la diversa amalgama de voces y experiencias que conforman el elenco.De 2:00 p.m. a 4:30 p.m., se dictará la charla: Guía para ser mujer artista y sobrevivir en el intento moderada por Maríangela Urbina con las panelistas Adriana Lizcano, Ita María, Susana Palacios, Melissa Gonzales, Natalia Cortés y Lina Galindo, en la que se abordará el tema de las violencias de género en las artesA las 5:00 p.m. Latenaz dará un concierto con entrada libre en la Plazoleta CNA. Su voz poderosa llena de matices cantará historias dolorosas, amorosas, envolventes, muy reales y sinceras. Influenciada por el tango, vals, la ranchera, parranda montañera y en general de la música popular latinoamericana, Latenaz pone su esencia al servicio del rock y el blues, dando como resultado su propio género: Rockarrabal.Ese mismo día a las 6:00 p.m. se presentará en la Sala Delia Zapata la obra de danza Segundo grito, un grito compartido de Guaricha Proyecto. Será una puesta en escena de danza contemporánea, flamenco, música y teatro, que presenta la experiencia de dolor, fuerza y afirmación hacia la vida de ocho mujeres. Las bailarinas en escena reflexionarán sobre sus vivencias frente a los estereotipos de género: hilo conductor de la dramaturgia de la obra. Esta obra transporta a lo visceral como la rabia, al grito, a la voz y abre la pregunta “¿cómo se sienten las demandas que vivimos las mujeres por ser mujeres?”. Las entradas están disponibles en Tu Boleta.Para el cierre del evento, a las 7:30 p.m. se presentará la segunda función de Estela, dirigida por Juliana Reyes de la Compañía de danza L'explose. Esta función será con boletería.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con dos exposiciones que conmemoran los parajes del campo, el Claustro de San Agustín reabre sus puertas desde el próximo fin de semana. La primera de ellas, La montaña cuenta una historia, del maestro caldense Luis Hernando Giraldo, presenta 56 dibujos en pequeño formato, en técnicas que van del carboncillo al pastel, pasando por la sangre de cordero, la ceniza y el óleo. Un trabajo sobre la memoria y la naturaleza de su territorio sembrado de vida y de violencia. La segunda, titulada Canción de cuna, presenta una instalación de esculturas realizadas por la artista bogotana Juliana Góngora, quien retoma su trabajo con elementos orgánicos como la leche, la tierra, las hojas de maíz, la sal o los nidos de aves, para tejer una propuesta sobre el afecto, la dulzura, el conocimiento ancestral y el campo como espacio de cuidado y hogar. Con la curaduría de María Belén Sáez de Ibarra y la producción de la Dirección de Patrimonio Cultural UNAL, ambas exposiciones se inauguran el próximo sábado 9 de marzo, a las 11:00 a.m. en el Claustro de San Agustín UNAL. Entrada libre."La montaña cuenta una historia", de Luis Hernando GiraldoEn ‘La montaña cuenta una historia’ la protagonista es la montaña de San Antonio, en Pácora, Caldas, ubicada frente a la casa donde nació el maestro Luis Hernando Giraldo. Allí vivían sus abuelos y allí pasó él las vacaciones en distintos periodos de su vida. A esa montaña que vio desde recién nacido, la dibuja en toda su obra y le suma recuerdos, inquietudes y acontecimientos que no necesariamente sucedieron allí. “Es como una imagen o un leitmotiv que me permite tener un lugar donde poner las historias que pertenecen a mi vida, a la vida de la comarca o a la nacional. La montaña es el telón que está recibiendo las historias para contarlas”, explica GiraldoSu obra es un recorrido por su memoria y esta vez lo empieza desde su más temprana edad, pintando su primer encuentro con la naturaleza, cuando descubrió a la montaña y sus alrededores, desde el momento mismo de su nacimiento. Y desde la memoria remota, con trazos casi rupestres como de la Cueva de Lascaux, el artista introduce las ‘aguidillas’, las vacas, los caballos, las bandadas de pájaros, el arcoiris, la vida rural que luego también incluye el recuerdo cuando vio cómo unos hombres golpeban a su padre, el cielo que sangra y el cordero, los gallinazos y las cruces, que se repiten constantemente, porque así están sembrados los paisajes de nuestro país.💬 Lo invitamos a unirse a nuestro canal de Whatsapp.En esta nueva obra, Giraldo empieza con carboncillo, pasa a la sangre de cordero, luego al pastel y finaliza en óleos. La montaña se repite perfilada en sus horizontes, a veces dos veces, a veces muchas más. Un acto de repetición que también marca el tiempo: de la mañana a la noche, de la noche a la mañana. “Lo hago como si fuera un poema, con la repetición de una frase... Aquí se está diciendo, pero en lenguaje plástico, lo que la poesía dice con palabras. Si el artista no entiende lo que hace como poesía es como si no estuviera haciendo arte”, subraya Luis Hernando.Son 56 dibujos que por primera vez aborda en pequeño formato. A éste llegó después de ver unas obras en pastel de Odilon Redon, en el Museo de los Surrealistas en Paris, en 2013. Entonces decidió experimentar por primera vez con lápices de pastel. Y esta técnica se convirtió de pronto en su favorita por su fácil portabilidad, por los tonos olivas, rojos, ocres y por los ensayos de color que por lo general terminan haciendo parte de la creación final. “La montaña cuenta una historia” nos sorprende entonces con nuevas búsquedas de un autor que no deja de pintar ningún día y que trata siempre de darle a su obra un sentido universal con enganches a ciertos referentes como Giorgioni, Piero della Francesca o Paolo Uccello, entre otros.Esta exposición estará exhibida en la Sala 3 del Claustro de San Agustín."Canción de cuna", de Juliana GóngoraInteresada en el intercambio de conocimiento entre artesanos y comunidades indígenas de las Américas, además de los procesos y transformaciones de los elementos naturales, Juliana Góngora presenta en ‘Canción de cuna’ una instalación escultórica y sonora realizada a partir de su trabajo colaborativo con la comunidad indígena Ko ́revaju, de Florencia, Caquetá. En ella, columnas de ameros penden del techo, y en detalle, se encuentran pinturas casi rupestres realizadas con pigmento vegetal. ‘Nidos de pájaro mochilero’ penden del techo. Estos son realizados de tejido de la palma de cumare y mazorca miniatura llamada millo. Con estos elementos simples y cotidianos -la mazorca, la leche, cal, sal, etc.- se alude al tiempo de la tierra, que es el tiempo de la agricultura, que es el alimento y también cuidado. Y así llegamos a los cantos de abuelas cuidadoras, al tejido familiar, a la dulzura y sus voces se repiten en el aire.Esta exposición estará exhibida en la Sala 4 del Claustro de San Agustín.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para un artista, cuando trabajar con las manos no es una opción para sujetar la brocha, la pasión gana la batalla y se buscan los medios para seguir creando obras de arte con la misma maestría que artistas sin los mismos obstáculos físicos, incluso usando la boca y los pies.Es el caso de los cincuenta artistas plásticos colombianos que vieron en la Asociación de Pintores con la Boca y con el Pie una vía de escape a sus obstáculos y una motivación para seguir puliendo su talento y aprender nuevas técnicas.Román Luna Rojas, uno de esos artistas, se sitúa de pie frente al lienzo en blanco y esboza un dibujo de dos girasoles moviendo la cabeza para darle vida al lapicero, pero no tarda en cambiar de técnica y dar color a las flores intercambiando varios pinceles que deposita en un vaso con agua.Este artista explica a EFE que perdió sus dos brazos en un accidente, pero asegura que "cuando uno tiene las ganas y el deseo de superarse, siempre ve en aquello que muchas veces puede ser una pequeña desventaja, una ventaja".Gracias a la oportunidad que la asociación le brindó, pudo formarse en artes y actualmente cuenta orgulloso que es docente universitario y 'coach' motivacional: "Me encanta contar mi experiencia".La sede de la asociación en Bogotá huele a pintura y está enmarcada con decenas de impresionantes y coloridos lienzos de fincas cafeteras, estampas marinas del caribe, flores y animales, todos con una etiqueta que marca el importe que reciben íntegramente los artistas.Sobre una mesa, las personas que asisten a los pintores les ayudan a abrir los estuches con los pinceles y a mezclar los óleos sobre paletas y placas, que sitúan al alcance de la boca o los pies de los artistas para que puedan empezar a dar vida a los lienzos.💬 Síganos a la HJCK en nuestro canal de WhatsApp aquí y entérese de la actualidad cultural.Vivir del arteUnos eligen las pinturas en óleo y otros el acrílico, pero todos ellos, desde su silla de ruedas o un taburete, empuñan sus pinceles y destapan el arte detrás del lienzo en blanco con la seguridad de que, a pesar de que algunos tengan otros empleos, pueden sustentarse económicamente con el salario mensual que les da la asociación y los cuadros vendidos.La directora de la asociación para Colombia, Fabiola Navas, dice a EFE que se financian con los calendarios y postales que anualmente diseñan para las campañas de Navidad y primavera."Algunas familias y empresas llevan más de veinte años comprando los calendarios", dice Navas mientras celebra que las personas en Colombia colaboran mucho "porque es espectacular ver a un artista pintar con la boca o con el pie casi igual que a un artista que pinta con sus manitos, da respeto".Luz Angélica García es una de las más jóvenes de la asociación que con solo 22 años y su síndrome de Roberts pinta con los pies. Ella explica a EFE que cuando empezó a pintar no fue fácil, pero con dedicación y la ayuda de un profesor aprendió a cómo usar bien el pincel."Desde pequeña siempre he tenido esa habilidad (de utilizar los pies) y una compañera de mi colegio me fue enseñando y a pesar de que fue complejo, con el tiempo ya lo veo factible", recuerda Luz con una sonrisa.Es así como, sentada en un pequeño taburete, sujeta magistralmente los pinceles entre los dedos de los pies y combina colores par dibujar y pintar animales o flores en el lienzo apoyado sobre un pequeño caballete en el suelo.Implicación internacionalArtistas como Luz Angélica o Román se suman a los más de 800 con discapacidad becados que tiene esta asociación internacional, con sede en Suiza, distribuidos entre 75 países.Desde Suiza, un tribunal de esta organización admite a nuevos becarios. Para entrar a esta familia de pintores, los participantes tienen que enviar 15 obras y los documentos personales: "Los únicos requisitos son saber algo de pintura y tener ganas", aseguran.La directora para Colombia cuenta que por la pandemia y por falta de implicación de la gente en algunos países tuvieron que cerrar cuatro de las sedes internacionales de la Asociación; "la gente ya no aporta tanto como hace años", justifica Navas.Sin embargo, el personal del local de Bogotá, ubicado en el barrio de Teusaquillo, se enorgullece de no sólo poder mantener a los artistas que están ya en plantilla, sino de además tener a cuatro personas más esperando para ser admitidas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco del Día Internacional de la Mujer, conmemorado por la ONU cada 8 de marzo desde 1975, la Casa Museo Quinta de Bolívar y el Museo de la Independencia Casa del Florero ofrecen durante todo el mes de marzo, una variada programación educativa y cultural dirigida a la feminidad y multiculturalidad colombiana.Actividades en el Museo de la Independencia Casa del FloreroRecorridos 8M: Mujeres y luchas.En este recorrido haremos énfasis en algunas de las mujeres colombianas que han dejado huella en la historia del país, gracias a sus prácticas de independencia frente a contextos y situaciones difíciles en sus tiempos.Viernes, 8 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.¡Estampa tu cartel!A través de la técnica de serigrafía, estamparemos carteles enfocados en la reivindicación del Día Internacional de la Mujer. ¡Acompáñanos!Viernes, 8 de marzo. 2:00 p.m.Valor de entrada al museo.Relatos femeninos en el centro Histórico de Bogotá - Recorrido conjunto Casa Museo Quinta de Bolívar, Museo de la Independencia Casa del Florero y Museo Santa Clara.Las calles del Centro Histórico de Bogotá guardan muchas historias femeninas; la vida conventual en clausura, ser dueña de una chichería, ser una espía o una líder política. Conozca la ciudad a través de estos y más relatos femeninos.Sábado, 9 de marzo. 10:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Punto de encuentro: Museo Santa Clara. Carrera 8. No. 8-91.Charla: Las mujeres Rrom en ColombiaEn este espacio, Ana Dalila Gómez, líder de la comunidad Rrom en Colombia, nos hablará sobre el rol de las mujeres gitanas en la sociedad colombiana y la lucha por defender sus derechos.Miércoles, 13 de marzo. 3:00 p.m.Entrada libre.Ciclo de talleres “Gráficas de resistencias- Mujeres y Espiritualidad”En este ciclo abordaremos las perspectivas y vivencias de las mujeres desde la época colonial hasta la actualidad, conversaremos sobre los sincretismos religiosos entre las prácticas espirituales indígenas, afro, coloniales y mestizas. Iniciaremos con un recorrido por locales religiosos y esotéricos del centro de Bogotá, los cuales guardan historias y perspectivas religiosas que nos darán insumos para los 5 talleres de co-creación que se desarrollarán en el mes de marzo y abril alrededor de la técnica artística del grabado en punta seca y la narración especulativa. Al final de este ciclo, tendrás la oportunidad de exponer el resultado de tu aprendizaje en el Museo de la Independencia Casa del Florero.Proceso de 6 encuentros:Primera sesión: Recorrido tiendas centro histórico.Viernes 15 de marzo. 2:30 p.m.Sábados, 23 y 30 de marzo. 10:00 a.m.Sábados, 6, 13, 20 de abril. 10:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Recorrido Especializado: “Imágenes transfiguradas: Símbolos religiosos y nacionales en el Punk y el Metal Colombiano”.En este recorrido, exploraremos la representación de Colombia creada desde las comunidades urbanas del Punk y el Metal a través de la modificación de imágenes y símbolos religiosos y nacionales. Un espacio para vincular diversos elementos como la música, las letras de canciones, posters con la violencia, la religión, la libertad y la identidad en el país.Sábado, 16 de marzo. 11:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Recorrido Comentado: "Religión y muerte - Tres formas de despedir a los muertos en Colombia"Este recorrido, Abordaremos las formas de despedir a los muertos en Colombia, tanto en el pasado como en el presente, considerando los sincretismos entre conocimientos propios de las comunidades y las tradiciones del catolicismo.Miércoles, 27 de marzo. 3:00 p.m.Jueves, 28 de marzo. 3:00p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Estación de sellos- Las mujeres en la comisión corográficaA través de la estampación con sellos conoceremos más sobre las vidas de las mujeres en el siglo XIX representadas en las láminas de la comisión corográfica. Personalizaremos las postales con estos sellos para dedicárselas a nuestros seres queridos.Viernes, 29 de marzo. 11:00 a.m.Valor de entrada al museo.Actividades en la Casa Museo Quinta de BolívarRecorrido especializado por la exposición “Rompiendo el molde. Relatos sobre lo femenino”¿Qué significa para ti romper el molde? Para 20 mujeres habitantes de Bogotá, representó la posibilidad de expresar, reconocer y valorar sus luchas. ¡Acompáñanos a conocer sus obras textiles hechas en el proceso de creación textil Rompiendo el Molde!Miércoles, 6 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita.Recorridos 8m – Manuelita Sáenz: una lucha por encontrar su lugar en el mundoA Manuela Sáenz se le conoce por su relación con Simón Bolívar, pero ¿sabías que combatió en la batalla de Ayacucho y que era tan influyente que la visitaba Herman Melville? Este 8M, te invitamos a conocer más de su historia y de cómo rompió los esquemas de su época.Viernes, 8 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.Conversatorio- Mujeres creadoras: el quehacer artístico, la educación y el trabajo en comunidad¿Cómo es ser una mujer artista en Bogotá? En este espacio, tres creadoras que participaron en el proceso expositivo “Rompiendo el Molde” de la Casa Museo Quinta de Bolívar, nos contarán sobre su experiencia como artistas en la ciudad, la educación como uno de los medios de desarrollo profesional y el trabajo femenino en colectivo como una herramienta para la sororidad. Con: Adriana Camargo, Claudia Marcela Escobar y Alely Beltrán, artistas de la exposición temporal "Rompiendo el molde” de la Casa Museo Quinta de Bolívar.Miércoles, 13 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Mujeres próceres, el invisibilizado protagonismo de la mujer en la independenciaEn este espacio, recordaremos a algunas de las protagonistas y episodios en que la mujer lideró la marcha hacia la independencia.Miércoles, 20 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.Taller Mi ropa mi cuento-Un armario mágico.Dirigido a niños entre 5 y 11 añosUna aventura en la que podrás descubrir lo que tu ropa dice de ti. Exploraremos tus memorias, tus juguetes favoritos, tus sueños y todo lo que te hace feliz. ¡Te esperamos!Sábado, 23 de marzo. 10:00 a.m.Martes, 26 de marzo. 10:00 a.m.Cupos disponibles 15 niños.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Ashé: una experiencia de tradición, espiritualidad y feminidad afrocolombianaParticipe en una experiencia de armonización y espiritualidad de la mano y voz de la poeta, compositora y líder social afrocolombiana Alba Nelly Mina. En esta sesión, endulzaremos la palabra alrededor del saber ancestral y caminaremos la tradición de la fe afrocolombiana del Pacífico.Miércoles, 27 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Histeria Patria: Show de comedia con La Cata con BotasCatalina Guzmán es una de las exponentes femeninas del stand up comedy más destacadas del país. Ella, con su particular humor, nos contará un poco sobre el rol de la mujer en la independencia. Domingo, 31 de marzo. 12:00 p.m.Entrada libre. Cupo limitado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La exposición Códice Futuro estará abierta al público desde el próximo sábado 9 de marzo y hasta el 31 del mismo mes en la Sala E de la Cinemateca de Bogotá. Allí se expondrán las piezas que conforman la instalación ritual con ilustraciones en formato 360°, piezas gráficas con realidad aumentada, una experiencia inmersiva en realidad virtual y un aplicativo web titulado El Oráculo de todos los tiempos.“Este proyecto nace de una exploración a mi familia, a mis ancestros, que pertenecen a la comunidad indígena Nasa. Mi tío es un médico tradicional y desde pequeño participé en espacios de ritualidad y reflexión. A partir de estas vivencias y experiencias, y de los grandes saberes de esta comunidad, se origina Códice Futuro", explica Elder Manuel Tobar Panchoaga, creador de Códice Futuro y quién ha sido pionero en el uso de narrativas digitales multiplataforma con proyectos como 4 Ríos (2014); el cuál propuso una mirada a la memoria del conflicto armado en Colombia a través de elementos como el cómic web y maquetas con realidad aumentada.Tobar Panchoaga continúa diciendo: "siempre me han interesado las nuevas formas para contar historias y es desde allí que logré vincular esta mirada espiritual con la tecnología, creando relatos sobre el futuro, no solo con la comunidad Nasa sino con otras comunidades indígenas, que fuimos descubriendo en el proceso de investigación y que hoy están plasmadas en la exposición”. Al proyecto se sumaron artistas en diferentes áreas, los cuales aportaron en la construcción de una mirada mitológica, con un universo propio, inspirado en los resultados de laboratorios co-creativos en los que participaron miembros de diferentes comunidades indígenas. Frases, relatos y conceptos se integraron en las distintas piezas que conforman la exposición ritual, y gracias a las entrevistas con líderes y lideresas del Cabildo indígena de Kokonuko; el trabajo con estudiantes del Colegio: Quintín Lame en el Cabildo Tacueyó, en el departamento del Cauca; y conversaciones con el Círculo de la Palabra de Mujeres Indígenas, en la ciudad de Bogotá; esta exposición tiene como finalidad rendir homenaje a las culturas ancestrales indígenas, sin la pretensión de representar una comunidad específica.¿Qué hay dentro del "Códice Futuro"?La exposición cuenta con una instalación ritual, inspirada en la espiral del tiempo indígena, está dividida en 4 estaciones que contienen las diferentes miradas del futuro con proyecciones y sonido espacial para vivir una experiencia mágica, ilustraciones en formato 360° e Ilustraciones con Realidad Aumentada que transportarán a todos los asistentes a historias y lugares distantes en el tiempo, en el futuro, ventanas a otras realidades.La realidad virtual es una de las piezas centrales de la exposición y está inspirada en un canto sagrado hecho por Luis Eladio Panchoaga, tío del director del proyecto. Otro de los grandes atractivos es el Oráculo de todos los tiempos, un espacio pensado para que los visitantes puedan conocer las visiones del futuro de algunas de nuestras comunidades indígenas.Códice Futuro es una apuesta de Orgánica Digital, un grupo creativo que busca expandir las fronteras de la narración a partir de distintos medios y plataformas, liderado por Elder Manuel Tobar Panchoaga, que toma elementos ancestrales para proyectarlos en distintas direcciones temporales, creando visiones del pasado y el futuro que configuran nuevos universos e historias. Una exposición que mezcla la tecnología y la espiritualidad, lo ancestral y lo digital, el espacio cósmico con los caminos milenarios; para construir visiones y nuevos relatos a partir de las percepciones del tiempo y del futuro propias, globales, universales y más allá de lo que la ciencia ficción popular nos señala. Es también una propuesta para dejar de pensar el futuro de la sociedad desde una perspectiva únicamente fatalista o ideal, en donde todas y todos podemos propiciar cambios responsables en búsqueda de construir entornos más justos, diversos y equitativos.Códice Futuro ha obtenido diferentes reconocimientos como Crea Digital 2021 y 2022 (Ministerio de Cultura y Ministerio TIC), Colombia, la Beca de Circulación de exposiciones audiovisuales o sonoras en la Cinemateca de Bogotá, 2023, Colombia; y la beca XR Latam de distribución 2023 (Maix, Latinoamérica).Tambipen fue seleccionado en el New Latam Voices 2022 (New Images Festival, Garage Stories), Francia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde 2015, los Museos Colonial y Santa Clara han colaborado estrechamente con el Centro de Rehabilitación para Adultos Ciegos, CRAC, en un esfuerzo por garantizar el pleno cumplimiento de los derechos culturales de las personas con discapacidad visual. Esta colaboración se ha centrado en facilitar a esta comunidad el acceso a los espacios museales y al valioso patrimonio colonial.El proceso creativo se desarrolló en varias sesiones. Las primeras se llevaron a cabo en el Museo Colonial, donde los participantes tuvieron la oportunidad de percibir a través del tacto una selección de piezas de nuestro Pesebre quiteño, con el acompañamiento de profesionales en conservación y educación de los Museos. Esta experiencia inicial inspiró la labor con la arcilla, que tuvo lugar en las instalaciones del CRAC. Carmen Llamosa, ceramista y educadora, y Edna Castro, terapeuta, orientaron esta parte del proceso. Durante estas sesiones, los participantes moldearon y pintaron las figuras de las más de treinta piezas que conforman el Pesebre que hoy se exhibe en el Museo Colonial.Quienes visiten esta muestra podrán apreciar gallinas, vacas y otros animales y diversos personajes y figuras, típicos de un pesebre navideño. El material de estas piezas, la arcilla, se eligió no solo por sus propiedades terapéuticas, sino también por su capacidad para estimular el desarrollo sensoperceptual, pues permite distinguir grosores, texturas y formas. Además, trabajar con arcilla proporciona un contacto directo con la tierra y promueve la relajación en quienes participan en el proceso creativo.Con esta muestra, los Museos Colonial y Santa Clara reafirman su compromiso con la integración y buscan resaltar el potencial artístico de las personas con discapacidad visual y acompañarlos con actividades de la agenda educativa y cultural que estará disponible hasta marzo de 2024.El Pesebre, CRAC estará expuesto desde el martes 27 de febrero hasta el 18 de marzo de 2024, en los horarios habituales del Museo (martes a domingo de 9:00 a. m. a 4:30 p. m.).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gómez, que ha pasado dos semanas en la ciudad tailandesa de Chiang Mai retratando a exiliados birmanos, indicó este lunes a EFE que el objetivo de su trabajo es concienciar sobre la situación de Birmania dentro de un proyecto liderado por el colectivo artístico Micro Galleries y la ONG birmana A New Burma.Los retratos del artista colombiano se expusieron en un par de festivales organizados por Micro Galleries y A New Burma entre el 22 y 24 de febrero en Chiang Mai y dos de las fotografías continúan expuestas en dos lugares públicos de la localidad tailandesa, además de en las redes sociales.Uno de los retratos muestra a la estudiante birmana de Ciencias Sociales Phya, de 23 años, cuyo novio se encuentra en la cárcel en Birmania (Myanmar) y que tiene también un hermano exiliado en Alemania."(Phya) vino hace un par de años a Tailandia. No puede volver y no debe volver a su país. Está dedicada a sus estudios y también trabaja dando clases de inglés en Internet", dijo Gómez en conversación telefónica.El artista afirmó que la situación ha empeorado recientemente en Birmania, después de que la junta aprobara este mes el servicio militar obligatorio para los hombres y mujeres jóvenes en medio del recrudecimiento del conflicto en el país.Otros exiliados birmanos son artistas, profesores e incluso guerrilleros prodemocráticos que se encuentran en un limbo legal en Tailandia, ya que este país no es signatario de la convención de la ONU sobre los refugiados."Fue una gran sorpresa para mí porque desconocía la realidad de Myanmar por completo. Ha sido muy fuerte encontrarme con una comunidad grande de jóvenes emprendedores que no pueden regresar a su país", explicó Gómez, que describió la esperanza, preocupación y nostalgia de estos exiliados birmanos.Según el artista, muchos exiliados tienen carreras universitarias y hablan inglés, pero debido a que no entienden tailandés tienen dificultades para encontrar trabajo en Tailandia, donde además deben moverse con cuidado porque pueden ser deportados por carecer de permiso de residencia.Con todo, son privilegiados comparados con los que han huido del conflicto birmano, pero no hablan idiomas ni tienen estudios superiores.Hnin Yee, de A New Burma, explicó a la cadena birmana DVB que el festival 'Can’t Stop Won’t Stop’ celebrado en Chiang Mai busca concienciar sobre la situación de Birmania a través del arte, documentales, la música y la gastronomía, así como promover el talento birmano.El Ejército birmano tomó el poder en un golpe de Estado el 1 de febrero de 2021 y ha usado la fuerza para reprimir violentamente a sus opositores, con más de 4.500 muertos y 20.000 detenidos, según datos de la Asociación para la Asistencia de los Presos Políticos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la más reciente obra del Teatro Libre, "Matar al destino", Marcelo nos comparte las vicisitudes de lo que implica ser gordo en esta sociedad. Esta obra pretende ser una comedia de peso… ¿O pesada?Su protagonista es probablemente el único caso en el que la ciencia descubrió a un cigoto gordo. ¡Siempre ha sido pesado!Él ha librado, desde siempre, intensas luchas por quitarse su peso de encima. Ha asistido a T.A. (Tragones Anónimos), ha ido donde el Indio Amazónico, a donde nutricionistas, endocrinos, brujas, curanderas, sobanderos, pero todo ha sido en vano.En medio de su angustia y profunda soledad, ha descubierto que alguien le habla y ese ser misterioso le ha hecho pensar que puede deshacerse del problema si mata a su destino. ¿Será capaz de hacerlo? ¿Logrará por fin Marcelo quitarse ese peso de encima?Esa respuesta la encontrará en la temporada de estreno de "Matar al destino". La obra tendrá funciones los viernes y sábados a las 8:00 p.m. y domingo a las 4:00 p. m. ¿Quién es el director Jorge Mario Escobar?El actor, director y productor teatral, Jorge Mario Escobar, es comunicador social y periodista de la Universidad Los Libertadores. Magíster Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia.Su pregunta artística gira en torno al lenguaje de lo cómico a través de la técnica del clown. Ha participado como actor en distintos montajes para compañías como: Teatro Petra, La Libélula Dorada, Casa del Silencio, El Vulgar, Teatro Nacional, Ku Klux Klown, LaClowmpañía, entre otras.Ha realizado giras nacionales e internacionales por Argentina, Brasil, Chile, Ecuador, México, Alemania, España, Francia, Bosnia y Herzegovina, entre otras.En el campo audiovisual, fue actor titiritero y libretista del programa infantil CLUB 10 de Caracol TV. Libretista de la comedia La Familia Cheveroni de Caracol TV. Libretista Asistente de la telenovelaNuevo Rico, Nuevo Pobre de Caracol TV. De 2010 a 2020 fue lector de proyectos para el Canal RCN y de 2020 a 2023, fue actor-locutor de RTVC, programa Territorio Mágico.Actualmente, es codirector artístico de la Compañía Rueda Roja y profesor de planta de la Pontificia Universidad Javeriana, Facultad de Artes, programa de Artes Escénicas, sede Bogotá.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de una serie de celebraciones durante el año 2023 para conmemorar el aniversario 70 de la primera exhibición individual del artista David Manzur, la Universidad de Antioquia le entregará el reconocimiento como Doctor Honoris Causa en artes este 24 de febrero.“La institución hoy se enorgullece por este significativo título, que se le otorga a una trayectoria creativa reconocida especialmente por diversos pares académicos, quienes destacan en la obra del maestro Manzur un recorrido artístico mediado por la experimentación y dinamismo polifacético. Con este reconocimiento resaltamos esa integralidad del maestro desde la pintura, el grabado, la escultura y el dibujo que nos demuestran su trabajo genuino, prolijo y que enorgullece el panorama artístico colombiano”, dijo John Jairo Arboleda Céspedes, rector de la Universidad de Antioquia.Desde enero de 2023 iniciaron los homenajes a la vida y obra de Manzur con un concierto en Barichara, Santander, donde reside el maestro. Posteriormente se presentaron una serie de exposiciones en varias ciudades del país terminando en el Museo de Arte Moderno de Cartagena y la Casa Santiago Botero en la misma ciudad.Arboleda señaló que la Universidad de Antioquia custodia ocho obras del artista colombiano y que hoy hacen parte de la colección de artes visuales del museo universitario MUUA. La colección “le permite a la sociedad en general conocer y apreciar las características imperantes de su propuesta como lo son: esos elementos de la realidad combinada con la imaginación, el particular uso del color, y el abordaje e interpretación tan valiosa que ha hecho el arte de temas sociales colombianos y latinoamericanos”, agregó.En honor al artista, también se publicó un libro editado por la prestigiosa casa italiana Skira y escrito por el curador Eugenio Viola, cuyas ventas en Colombia fueron en beneficio del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO). Además, la diseñadora Lina Cantillo diseñó una colección completa inspirándose en la obra del Maestro.Otro de los homenajes con los que cerró el 2023 fue con el renombramiento de la calle principal de Neira, Caldas (su ciudad natal), un homenaje hecho por las autoridades departamentales y municipales.Para cerrar esta serie de reconocimientos al maestro David Manzur, Cine Colombia presentará en sus salas de cine, un corto sobre su vida a partir de marzo de este año.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este jueves 8 de febrero la FUGA inaugura la exposición “Banco de Proyectos”, una iniciativa del programa de Artes Plásticas y Visuales de la Fundación que busca la visibilización y promoción de proyectos de artistas emergentes, así como la circulación de artistas de mediana y larga trayectoria, brindando a la ciudadanía el acceso a sus salas de exposición de una manera transparente.En la presente edición, que estará disponible al público hasta el domingo 9 de marzo, ocho propuestas artísticas convergen en dos ciclos expositivos - el primero de ellos se inaugura hoy, en los que se ofrece una experiencia estética inmersiva que abarca múltiples formas, entre ellas: performance, instalación, video, dibujo, grabado y escultura. Cada proyecto no solo constituye un testimonio de la expresión artística propia de nuestros días, es también un viaje que revela la diversidad de lenguajes plásticos y visuales.A través de esta muestra, invitamos a los espectadores a explorar las particularidades de los procesos creativos de cada artista participante, sumergiéndose en una multiplicidad de perspectivas que expresan inquietudes muy actuales y que exploran nuevos horizontes artísticos.Es así como las salas de exposición de la FUGA se siguen posicionando como escenarios vivos destinados al desarrollo de procesos de investigación, creación, gestión, circulación, producción y exhibición de propuestas de alta calidad artística que surgen en la contemporaneidad y que nutren el campo de las artes plásticas y visuales del país; y a su vez, fungen como espacios donde convergen distintos públicos, agentes, comunidades académicas, barriales, locales, nacionales e internacionales que se incluyen e integran al medio de las artes a través de los procesos de mediación que se llevan a cabo desde la institución.En este primer ciclo de exposiciones serán cinco los artistas los protagonistas. Este es el detalle de cada muestra artística: SENTIdos COMUNesArtista: Fernando PertuzSENTIdos COMUNes es un espacio donde el arte colectivo, colaborativo y participativo invita a que los asistentes sean parte de la propuesta: “Buscamos descubrir el sentido común de pequeños, jóvenes y adultos sobre lo que es para cada uno la democracia participativa. En la democracia representativa nuestro voto es un medio por el cuál participamos escogiendo un ‘programa de gobierno’, mientras que, en la democracia participativa, nuestro voto no solo elige las propuestas y quién las realiza, sino también es quién propone las políticas públicas e igualmente controla el manejo de los recursos públicos; el voto no elige a una persona, ni a un partido, el voto elige el destino de la comunidad, por tal razón ¨Puesto de Participación¨ plantea diversos interrogantes, para que asistentes propongan salidas a sus necesidades básicas”. EN QUÉ TIEMPO VIVE EL RECUERDOArtista: Paola CorreaEn qué tiempo vive el recuerdo es una propuesta expositiva en la que se manifiesta y se da a conocer el mundo interior de Apolandra Crecero, incapaz de producir recuerdos a causa de la amnesia anterógrada que padece desde el día en que sufrió un golpe en la cabeza. A partir de allí y a través de sus experiencias corporales se instala la pregunta: ¿es posible habitar solo el presente? y de serlo, ¿dónde se ubican los recuerdos?Apolandra Crecero es protagonista y hacedora de estas búsquedas. Dentro de ese «no tiempo y no espacio» en el que vive, algo cercano a un eterno presente, busca caminos para acercarse a lo olvidado, sus rutas y reflexiones son observadas por una mirada omnisciente y acompañadas por sus pensamientos (la mirada entendida en un sentido foucaultiano para indagar el carácter múltiple de la identidad). En esa constante búsqueda Apolandra Crecero ha usurpado una voz, ha conocido que el tiempo es experiencia y ha visto como los destellos etéreos iluminan sus más profundos miedos. Cuando su cuerpo provee las coordenadas aparece y como un dialelo retorna a la fisura de su olvido a medida, mientras se transforma en un relato que se archiva con cada rumor sobre ella.NADIE QUE EN TI HAYA VIVIDO, PODRÁ RECUPERARSE POR COMPLETOArtista: Juan Camilo Pinto Beltrán“El impacto que me ocasionó la estancia en la cárcel, aún como un visitante, es uno de los momentos y recuerdos más trágicos y dramáticos que haya tenido que pasar en mi vida. El primer acercamiento con una prisión, que se extendió a lo largo de varios años, desde luego fue terrible y desconcertante, pero me hizo descubrir un mundo que hasta ese instante parecía irreal, conocer una realidad que a nadie le agrada o le interesa, un contexto olvidado, negado, abandonado e ignorado.Hay una carencia de memoria respecto a la vivencia carcelaria, nadie quiere hablar abiertamente de las personas privadas de la libertad y lo que sucede en una prisión; el arte y el quehacer artístico han sido esa manera de hacer memoria, de expresar todo lo que mi cuerpo ha sentido en una situación compleja. En esta oportunidad los asistentes podrán vivirlo a través del área de la gráfica expandida y la video instalación”.LÍNEASArtista: Vicenta GómezVicenta es una artista en formación y también desempeña un rol docente al apoyar a otros artistas en su desarrollo. Le gusta dibujar y compartir conocimientos y experiencias relacionadas con el acto de pensar el dibujo dibujando. De allí nacen las obras tituladas "Lecturas en voz baja," "La libreta," y "no es (una) plana," que conforman la exposición “Líneas." Estas obras surgieron a partir de la reflexión sobre la línea como una posibilidad infinita que da forma al pensamiento; la línea que puede elevarse del plano para ocupar el espacio, que puede ser una huella y una señal del tiempo.ANIMALArtista: Julián Aníbal HenaoEsta muestra articula un profundo cuestionamiento sobre nuestra relación cambiante con otras especies, la tecnología y nuestra propia naturaleza animal. A través de instalaciones, esculturas, videos y piezas interactivas, Henao sumerge al espectador en un espacio de confrontación fértil consigo mismo.Sus obras híbridas, entre organicidad y artificialidad, inocencia y sexualidad, humanidad y animalidad, siembran dudas que impulsan al espectador a reconsiderar fronteras que se dan por sentadas.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yo tenía ocho años. En aquel momento de mi vida, nada me importaba más que el béisbol. Mi equipo era el New York Giants, y seguía las actividades de aquellos hombres de gorra naranja y negra con la devoción de un verdadero creyente. Incluso ahora, al recordar ese equipo que ya no existe, que jugaba en un estadio que ya no existe, soy capaz de recitar los nombres de casi todos los jugadores. Alvin Dark, Whitey Lockman, Don Mueller, Johnny Antonelli, Monte Irvin, Hoyt Wilhelm. Pero ninguno era tan grande, tan perfecto ni tan digno de veneración como Willie Mays, el incandescente Say-Hey Kid.Aquella primavera me llevaron a mi primer partido de liga. Unos amigos de mi padre tenían asientos de tribuna en el Polo Grounds, y una noche de abril fui con mis padres y sus amigos a ver a los Giants contra los Milwaukee Braves. No sé quién ganó, no recuerdo un solo detalle del partido, pero sí recuerdo que, cuando acabó, mis padres y sus amigos se quedaron charlando en sus asientos hasta que todos los espectadores se hubieron marchado. Se nos hizo tan tarde que tuvimos que cruzar el campo y salir por una de las puertas centrales, que era la única que estaba abierta. Y dio la casualidad de que esa salida estaba justo debajo de los vestuarios de los jugadores.En el momento en que nos acercamos a la puerta, atisbé a Willie Mays. No había duda alguna de que era él. Se trataba de Willie Mays en persona, ya sin el uniforme del equipo, vestido con ropa de calle a menos de tres metros de mí. Conseguí que mis piernas me llevaran hacia él, y a continuación, haciendo acopio de todo mi valor, hice que las palabras me salieran de la boca:—Señor Mays —le dije—, ¿podría firmarme un autógrafo?Mays debía de tener unos veinticuatro años, pero fui incapaz de llamarle por su nombre de pila.Su respuesta a mi pregunta fue brusca pero amigable.—Claro, chaval —dijo—. ¿Tienes un lápiz?Recuerdo que estaba tan lleno de vida, hasta tal punto rebosaba juventud y energía, que no dejaba de dar saltitos mientras hablaba.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero yo no llevaba lápiz, de modo que le pedí a mi padre si podía prestarme el suyo. El tampoco llevaba. Ni mi madre. Y resultó que los demás adultos tampoco.El gran Willie Mays seguía allí, mirándome en silencio. Cuando quedó claro que no había nadie en el grupo que llevara nada con lo que escribir, se volvió hacia mí y se encogió de hombros.—Lo siento, chaval —dijo—. Si no tienes lápiz, no puedo firmarte un autógrafo.Y salió del estadio perdiéndose en la noche.No quería llorar, pero las lágrimas empezaron a caerme por las mejillas, y no pude hacer nada para impedirlo. Y lo peor fue que seguí llorando en el coche hasta que llegamos a casa. Sí, estaba abatido, decepcionado, pero también irritado conmigo mismo por no ser capaz de controlar las lágrimas. No era ningún crío. Tenía ocho años, y se suponía que un muchacho de esa edad no debía llorar por algo así. No sólo no tenia el autógrafo de Willie Mays, sino que tampoco tenía nada más. La vida me había puesto a prueba, y yo no había sabido dar la talla.Después de aquella noche, comencé a llevar un lápiz conmigo allí donde iba. Adquirí la costumbre de no salir de casa sin antes asegurarme de que llevaba un lápiz en el bolsillo. No es que planeara hacer nada con él, pero no quería que me cogieran otra vez desprevenido. En una ocasión ya me habían pillado con las manos vacías, y no iba a permitir que eso volviera a pasarme.Cuando menos, los años me han enseñado esto: si llevas un lápiz en el bolsillo, hay bastantes posibilidades de que algún día te sientas tentado a utilizarlo.Como me gusta decirles a mis hijos, así es como me hice escritor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paul Auster, nacido el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey, fue un autor estadounidense cuyo trabajo significó uno de los paradigmas de la literatura norteamericana contemporánea. A lo largo de su carrera, Auster fue aclamado por su habilidad para explorar temas complejos como la identidad, el azar y la soledad a través de una prosa distintiva y evocadora.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los aspectos más destacados de la obra de Paul Auster fue su famosa "Trilogía de Nueva York", compuesta por las novelas "Ciudad de cristal" (1985), "Fantasmas" (1986) y "La habitación cerrada" (1986). Esta trilogía, considerada una obra maestra del género posmodernista, fusionó elementos del thriller, la metaficción y la filosofía existencialista para crear una narrativa absorbente que desafió las convenciones literarias tradicionales.Auster fue conocido por su estilo de escritura conciso y reflexivo, así como por su uso magistral de la estructura narrativa fragmentada y la voz narrativa ambigua. Sus personajes a menudo se encontraban en mundos enigmáticos y laberínticos donde la realidad se entrelazaba con la fantasía, lo que invitaba al lector a reflexionar sobre cuestiones fundamentales de la vida y la experiencia humana.Además de su trilogía más famosa, Auster produjo una amplia gama de obras que abarcaban novelas, ensayos, poesía y memorias. Entre sus obras más destacadas se encontraban "El libro de las ilusiones" (2002), "Brooklyn Follies" (2005), "4 3 2 1" (2017) y "Diario de invierno" (2012). En cada una de estas obras, Auster demostró su maestría para tejer historias complejas y profundamente humanas que resonaban con los lectores a nivel emocional e intelectual.El trabajo de Auster fue destacable por su capacidad para capturar la esencia de la condición humana en todas sus complejidades y contradicciones. Su enfoque introspectivo y su exploración de temas universales como el destino, el azar y la búsqueda de significado consolidaron su lugar como uno de los escritores más influyentes de su generación.Auster falleció el martes 30 de abril a los 77 años después de padecer cáncer de pulmón. A lo largo de su carrera, fue galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El martes 30 de abril del 2024 será recordado por el día en el que murió Paul Auster, el renombrado escritor estadounidense conocido por sus obras literarias que cautivaron a lectores de todo el mundo. Auster, de 77 años, partió tras padecer cáncer de pulmón, según lo reportado por el diario The New York Times el martes.Nacido con un don para la narrativa, Auster dejó una huella indeleble en la literatura contemporánea con obras que exploran las complejidades de la existencia humana y la condición moderna. Su famosa "Trilogía de Nueva York", que incluye obras emblemáticas como "Ciudad de cristal", "Fantasmas" y "La habitación cerrada", se ha ganado un lugar destacado en el canon literario.Más allá de su genio creativo, Auster será recordado por su carácter afable y su profundo compromiso con la escritura. Amigo y mentor para muchos, su legado trasciende las páginas de sus libros, dejando una marca perdurable en la comunidad literaria.
No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La campaña “Donar un libro es un Hecho de Paz”, liderada por la Misión de Apoyo al Proceso de Paz en Colombia (MAPP/OEA), que cumple veinte años de presencia en Colombia y la Cámara Colombiana del Libro, llega a su quinta edición.Esta iniciativa, que desde 2019, ha entregado más de 17.500 libros en los territorios más afectados por el conflicto armado, la criminalidad y la inequidad, y en diferentes centros carcelarios del país, está pensada principalmente en niñas, niños y adolescentes para incentivar la lectura y su capacidad para transformar realidades sociales en pro de la construcción de paz en sus municipios y comunidades.“Este 2024, la MAPP/OEA cumple 20 años de trabajo ininterrumpido en Colombia acompañando a las comunidades y a las instituciones en los territorios, y con su despliegue territorial en más de 100 municipios de 18 departamentos, a través de 14 oficinas regionales permanentes, está a disposición del país para llevar la lectura como un hecho de paz a aquellos lugares que más lo necesitan”, señaló Roberto Menéndez, Jefe de la MAPP/OEA.Hasta ahora esta campaña ha entregado ejemplares en más de 80 iniciativas locales en todas las regiones del país, como escuelas, organizaciones sociales y de líderes, asociaciones de educadores, consejos comunitarios, colectivos juveniles, centros comunales y bibliotecas en zonas rurales y urbanas de departamentos como La Guajira, Antioquia, Arauca, Norte de Santander, Valle del Cauca, Caquetá, Cauca, Córdoba, Guaviare, Meta, Cesar, Putumayo y Nariño, entre otros.También han estado presentes en centros penitenciarios de Jamundí, Valle del Cauca; La Dorada, Caldas; Apartadó, Antioquia; y el Buen Pastor de Bogotá, como parte del programa “Cultura Para La Libertad” de los Ministerios de Justicia y de Cultura, que con apoyo del INPEC y la MAPP/OEA, impulsan una iniciativa de resocialización e integración para personas privadas de la libertad, a partir del fomento a la lectura, la escritura y la educación.“Como representantes del sector editorial colombiano, es fundamental continuar fortaleciendo los vínculos entre los libros y sus lectores, así como articular las distintas iniciativas que se gestan alrededor de la promoción de la lectura en el país. Esta campaña, que ya llega a su quinta edición, evidencia el interés genuino de los y las ciudadanas, para que las palabras lleguen a todos los rincones del país”, afirma Adriana Ángel Forero, directora de la FILBo, espacio en el que también los interesados podrán hacer donaciones de libros."Desde la Misión celebramos la participación de Brasil, país miembro de la Organización de los Estados Americanos, como invitado de honor a la Feria este año. También, agradecemos el apoyo de la Cámara Colombiana del Libro, Servientrega y las embajadas de países socios y amigos de la MAPP/OEA como Suecia, Países Bajos, España, Reino Unido e India; de entidades como el Centro Nacional de Memoria Histórica; y a miles de colombianas y colombianos que se han querido sumar a esta iniciativa a lo largo de sus distintas ediciones”, agregó Menéndez.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo donar libros? Quienes deseen contribuir a esta campaña deben tener en cuenta que los libros donados deben estar en perfecto estado y abordar temáticas como literatura infantil, juvenil y universal; derechos humanos; niñez, convivencia y diálogo; Paz, equidad y reconciliación; y medio ambiente.Durante los días de la FilBo, podrán entregar los libros en los stands de Servientrega en Corferias o en la oficina de la Cámara Colombiana del Libro, en el segundo piso del pabellón 23.También hay espacios distintos a Corferias para hacer las donaciones: pueden acercarse a la Biblioteca Fundadores Colegio Gimnasio Moderno, ubicada en la carrera 9 #74-99 en Bogotá, o revisar uno de los 65 puntos de recepción de libros dispuestos por Servientrega en todo el país aquí.En la edición 2023 de “Donar un Libro es un Hecho de Paz” se recogieron más de 2.800 libros en todo el país. Este año, con el apoyo de Servientrega, la MAPP/OEA y la FILBo se encargarán de entregar los libros recolectados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.