Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alberto Ginastera pertenece, culturalmente, al movimiento musical sudamericano moderno. Este hecho marcó toda su obra ya que se le considera el sucesor de Villa-Lobos a la cabeza de dicha corriente cultural.Alberto Ginastera parecía el arquetipo del intelectual latino, con sus cabellos tirados hacia atrás y sus gruesas gafas, y emprende desde su infancia en el Río de la Plata sus estudios musicales.En el año 1941 Alberto Ginastera compuso la música de Estancia, un ballet por encargo del American Ballet Caravan, una compañía estadounidense. Cuando el compositor puso manos a la obra, tenía en mente diversas escenas rústicas de las pampas, y en su momento, no había otro compositor más calificado para tal empresa.Ginastera terminó la obra puntualmente de acuerdo al encargo, pero el American Ballet Caravan se disolvió en 1942, de modo que el ballet tuvo que esperar para ser estrenado. El 12 de mayo de 1943, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se tocó la suite de Estancia, y el ballet completo fue estrenado hasta el 19 de agosto de 1952, en el mismo escenario de la capital argentina.Durante sus 67 años de vida y sus cuarenta y cinco años de composición, Alberto Ginastera construyó paciente, obstinada y meticulosamente una obra que no se parece a ninguna otra, aunque las influencias de su tiempo se reflejen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una obra que forma un bloque en constante mutación, desde las aparentes facilidades del folclor hasta las audacias controladas de la música contemporánea. Una obra que ha hecho del músico argentino el más conocido de los compositores latinoamericanos del siglo XX.Una beca de la Fundación Guggenheim lleva a Alberto Ginastera a los Estados Unidos, donde reside de 1945 a 1947 y trabaja con Aarón Copland. Cuando vuelve a su país, lo hace para componer y enseñar, como tal, es director de Conservatorios, fundador de un instituto de composición y forma toda una generación de creadores sudamericanos, como el argentino Luis María Serra o el brasileño Jorge Antunes.El estilo de composición de Alberto Ginastera se divide en tres periodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Muchas de las obras de Ginastera se inspiraron en la tradición gauchesca. Esta tradición sostiene que el gaucho, o jinete sin tierra nativo de los llanos, es un símbolo de Argentina.A diferencia de otros compositores nacionalistas, Alberto Ginastera, nuestro Músico de la Semana HJCK.com, quien nació el 11 de abril de 1916, no solo mostró una sensibilidad hacia los aspectos de su cultura local, sino que también se interesó por las corrientes compositivas internacionales del momento. La obra de Ginastera es el reflejo de un músico que se impregna de la historia, el folclore y la literatura de su país natal, al mismo tiempo que encuentra en las técnicas contemporáneas de composición, como el serialismo dodecafónico y la politonalidad, su medio de expresión.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Alberto Ginastera en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 8 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hace 300 años la ciudad de Leipzig en Alemania se vistió de gala para escuchar una de las obras que Johann Sebastian Bach, (quien por aquel entonces sólo llevaba nueve meses activo como cantor de la Iglesia de Santo Tomás) había compuesto para el servicio religioso del Viernes Santo de ese 1724.La Pasión según San Juan BWV 245 que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, se interpretó por primera vez en la iglesia de San Nicolás de Leipzig el Viernes Santo, 7 de abril de 1724 (aunque parte de la música puede datar de un período anterior).Según las notas del crítico musical Malcolm Boyd, "Bach había planeado estrenar la obra en la iglesia de Santo Tomás, donde había más espacio para acomodar a sus cantantes e intérpretes, pero al final tuvo que ceder. Por lo tanto, repitió la obra, en una versión revisada, en Santo Tomás al año siguiente, y hubo al menos dos representaciones más en Leipzig durante su vida. En cada caso Bach hizo modificaciones, en parte para adaptar la obra a las nuevas condiciones interpretativas, pero quizás también para hacerla más aceptable para las autoridades eclesiásticas.No existe, por tanto, una versión definitiva de la obra; el que normalmente se interpreta (y que escucharemos hoy 300 años después de su estreno) es la que se reúne a partir de la partitura en limpio (de las cuales las primeras 20 páginas están escritas a mano por Bach y datan aproximadamente de 1739, y un conjunto de partes que reflejan una interpretación de los últimos años de la vida de Bach. La secuencia real de movimientos es la misma que en la versión interpretada por Bach en 1724".Según el musicólogo alemán Martin Geck, "en La Pasión según San Juan de Bach no predomina ni la tradición ni lo nuevo, ni la pintura ni el elemento estructural, ni la teología ni la música. Bach pone a su disposición las ideas de su época de diversas formas, fundiéndolas rápidamente en una obra que se caracteriza por el color e incluso la contradicción. La unidad de esta obra no puede calcularse ni contarse como una cantidad abstracta; es la unidad de la vida en toda su diversidad, domesticada por un artista con gran pensamiento e imaginación".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bach siguió los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan en la Biblia de Lutero, y el Evangelista sigue exactamente las palabras de esa biblia. La estructura de la obra se divide en dos partes.La primera nos trae las escenas en el Valle de Cedrón (al noroeste de la ciudad de Jerusalén) y en el palacio del sumo sacerdote Kaifás. La segunda parte muestra tres escenas, una con Poncio Pilato, otra en el Gólgota y la tercera, finalmente, en el lugar del entierro. El coral del comienzo de la segunda parte recuerda al oyente en qué punto de la narración finalizó la primera: Jesús es apresado de noche como un ladrón, según las palabras tomadas del himno Christus, der uns selig macht, escrito en 1531 por el teólogo protestante Michael Weisse.En la nueva versión de Canto y Música Coral que celebra los 300 años del estreno de La Pasión según San Juan BWV 245 de Johann Sebastian Bach, escucharemos la versión que nos ofrecen Nico van der Meel como El Evangelista; Kristinn Sugmundsson, en el papel de Jesús; Jelle Draijer, quien interpreta a Poncio Pilato y David Barick, como Pedro.A estos personajes principales los acompañan Annegeer Stumphius, James Bowman, Christoph Prégardien, Peter Kooy, Michiel ten Houte de Lange, Adinda de Nijs, el Coro de Cámara Neerlandés y la Orquesta Siglo 18, bajo la dirección de Frans Brüggen.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 7 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Fanny Mendelssohn fue una compositora y pianista notable del siglo XIX. Nació el 14 de noviembre de 1805 en Hamburgo, Alemania y aunque a menudo eclipsada por la fama de su hermano, el renombrado compositor Felix Mendelssohn, su genio musical merece ser reconocido y celebrado por derecho propio.Mendelssohn nació en una familia profundamente arraigada en la música y la cultura. Su padre, Abraham Mendelssohn, era un destacado banquero, y su madre, Lea Salomon, era una talentosa pianista y cantante. Desde una edad temprana, Fanny y su hermano Felix fueron expuestos a la música, recibiendo una educación musical rigurosa.Esta compositora mostró un talento excepcional desde muy joven. Aprendió a tocar el piano con su madre y recibió lecciones de los mejores maestros de la época. Su hermano Felix también contribuyó a su educación musical, brindándole apoyo y aliento en su desarrollo como compositora.A pesar de su talento innegable, Fanny Mendelssohn enfrentó numerosos obstáculos en su búsqueda de reconocimiento como compositora. En la sociedad conservadora del siglo XIX, a las mujeres se les negaba frecuentemente la oportunidad de una carrera musical seria. Fanny experimentó estas limitaciones de primera mano, ya que se le desalentaba activamente a seguir una carrera pública como compositora.A pesar de estos desafíos, Fanny continuó componiendo incansablemente, creando un cuerpo significativo de obras que abarcaban una variedad de géneros, incluyendo música de cámara, canciones, música para piano y música coral. Sus composiciones exhiben una notable profundidad emocional y una maestría técnica, lo que refleja su profundo compromiso con el arte musical.La relación entre Fanny y su hermano Felix fue fundamental en su desarrollo como compositora. Felix apoyó y alentó activamente su talento, actuando como su mentor y defensor. Sin embargo, la sombra de su hermano mayor también resultó ser una carga, ya que a menudo se la comparaba desfavorablemente con él.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de su relación con su hermano, Fanny mantuvo una estrecha conexión con su familia a lo largo de su vida. Se casó con el pintor Wilhelm Hensel en 1829 y tuvo una hija, pero su pasión por la música nunca disminuyó. Continuó componiendo y realizando presentaciones íntimas en su hogar, donde su familia y amigos podían apreciar su talento.A pesar de las dificultades que enfrentó durante su vida, el legado musical de Fanny Mendelssohn perdura hasta el día de hoy. A medida que la sociedad ha evolucionado y ha reconocido cada vez más el talento de las mujeres en el campo de la música, el trabajo de Fanny ha comenzado a recibir la atención y el reconocimiento que merece.Sus composiciones han sido redescubiertas y grabadas por músicos de todo el mundo, y su influencia en el desarrollo de la música del siglo XIX sigue siendo evidente. Su música, imbuida de pasión y expresividad, continúa cautivando a oyentes y músicos por igual, sirviendo como un testimonio perdurable de su genio creativo.Fanny Mendelssohn Bartholdy fue una figura notable en la historia de la música clásica, cuyo talento y dedicación a su arte la distinguen como una de las grandes compositoras del siglo XIX. A pesar de las barreras sociales y culturales que enfrentó, su música trascendió las limitaciones de su tiempo y continúa inspirando a generaciones de músicos y oyentes.A medida que su legado continúa siendo explorado y celebrado, es importante reconocer y honrar el impacto duradero de su contribución a la música clásica. Fanny Mendelssohn, con su pasión, creatividad y determinación inquebrantable, sigue siendo una luz brillante en el firmamento del romanticismo musical.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director y cellista finlandés Klaus Mäkelä asumirá, con apenas 28 años, el cargo de director de la Orquesta Filarmónica de Chicago, una de las más importantes del mundo, lo que representa el punto máximo, al menos de momento, de una carrera en la que la que ha seguido las huellas de una familia de músicos.El padre del nuevo director de la Filarmónica de Chicago es el celista Sami Mäkelä, su madre la pianista Taru Myöhanen-Mäkelä y su abuelo Tapio Myöhanen es violinista.La hermana menor de Mäkelä, además, es bailarina del Ballet Nacional de Finlandia.Mäkelä estudió en la Academia Sibelius. Su profesor de dirección fue Jorma Pamula y sus profesores de cello Marko Ylönen, Timo Hanhinen y Hannu Kiiski.Desde los 12 años Mäkelä formó parte del coro de la Opera Nacional de Finlandia y ya entonces se empezó a interesar por la dirección. Según dijo en una entrevista publicada por la Filarmónica de Berlín, durante una representación de "Carmen" se sintió "completamente arrebatado por la fuerza de la música" y pensó en el trabajo del director en el foso de la orquesta."Quería ser capaz de hacer lo mismo. Durante cinco años soñé con ser director hasta que al fin fui admitido en la clase de Jorma Panula", dijo entonces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La gente puede decir que a los 12 años el cerebro musical no está todavía completamente desarrollado. Pero cuando empiezas pronto, dirigir se convierte en algo completamente natural", agregó.Panula, nacido en 1930, es una leyenda como formador de directores de orquesta y siempre se interesó mucho por jóvenes talentos.Una de las cosas clave que le enseñó fue que tenía que ser la misma persona, independientemente de si estaba dirigiendo o no."Si tratas de ser alguien distinto cuando tienes una batuta en la mano la cosas no funcionan", explicó.Mäkelä dirige ya la Orquesta Real del Concertgebouw de Ámsterdam y ha sido director jefe de la Filarmónica de Oslo y de la Filarmónica de París y ha dirigido como director invitado diversas orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Berlín o la Filarmónica de Londres.Cuando, en una entrevista con la emisora alemana BR, se le preguntó acerca de cómo afectaba su juventud su trabajo como director respondió en la música la edad no tiene papel ninguno."Desde el punto de vista musical la edad no existe. Piense en Herbert Bloomstedt que a los noventa y tanto años sigue abriendo cada partitura como si fuera la primera vez", dijo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada año la HJCK selecciona obras de grandes compositores que han escrito acerca de estos días santos basados en los textos de la Biblia, esta programación especial es una mezcla entre las melodías clásicas y el dolor de Jesús en su pasión.La emisora se ha caracterizado por presentar obras especiales creadas específicamente para estas fechas hace siglos, la HJCK vuelve a traer la música clásica en el contexto de la Semana Santa y presenta su nueva programación para este año.Aquí presentamos la programación de Semana Santa en la HJCK:Jueves santo, 28 de marzoMúsica para comenzar el Día (6:00 a.m.): Herr Jesu Christ, du höchstes Gut (Señor Jesucristo, oh bien supremo), BWV 113, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach.Sala de Conciertos (8:00 a.m.): Oratorio de la Pasión, de Johann David Heinichen y las Variaciones en Sol mayor sobre un tema de la ópera 'Moisés' de Rossini, de Niccoló Paganini.Aniversarios HJCK (11:00 a.m.): Pathodia sacra, de Constantijn Huygens.Concierto Barroco (2:00 p.m.): Lamentaciones para el jueves Santo (Primera lección), de Joseph Hector Fiocco, Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben (Señor, tus ojos buscan la fe), BWV 102, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach y las Lamentaciones del profeta Jeremías, para el jueves Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Misa de Réquiem, de Giuseppe Verdi.Carrusel musical (7:00 p.m.): Variaciones sobre la Sinfonía de la cantata ('Cristo yacía amortajado', BWV 4), Op. 64, de Anton van der Horst.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Membra Jesu Nostri, BuxWV 75 - Ciclo de siete cantatas (cada una de las siete partes en que se divide está dedicada a una parte del cuerpo crucificado de Jesucristo: pies, rodillas, manos, costado, pecho, corazón y cabeza), de Dietrich Buxtehude; Lamentaciones para el jueves Santo (Segunda lección), de Joseph Hector Fiocco y Recollectio Festorum Beate Marie Virginis (El recuerdo de las fiestas de la Virgen), de Guillaume Dufay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Viernes santo, 29 de marzoSala de Conciertos (8:00 a.m.): Lamentaciones del profeta Jeremías, para el viernes Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la mañana (9:00 a.m.): Missa in tempore belli, (Misa en tiempo de guerra) 'Paukenmesse' Hob. XXII / 9 en Do mayor, de Franz Joseph Haydn.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Lamentaciones para el viernes Santo (Tercera lección - La oración del profeta Jeremías), de Joseph Hector Fiocco; Passio per il Venerdi Santo (Pasión para el Viernes Santo), de Giuseppe Giordani y las Lamentaciones (Lección I para el Viernes Santo), de Estêvão de Brito.Música Selecta (6:00 p.m.): Via Crucis (obra para coro mixto a cuatro voces, solistas y piano, armonio u órgano), de Franz Liszt.Carrusel musical (7:00 p.m.): Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, de Franz Joseph Haydn y La Pasión de Nuestro Señor Jesucristo, según el evangelio de San Mateo, de Johann Theile.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach.Sábado santo, 30 de marzoMúsica a la carta (7:00 a.m.): Sinfonía N° 3, Op. 36 'Sinfonía de las lamentaciones', para soprano y orquesta, de Henryk Górecky y Lamentaciones para el Sábado Santo, de Carlo Gesualdo.Música Selecta (10:00 a.m.): Cantata 'Christ lag in Todesbaden' (Cristo estaba en lazos de muerte), BWV 4, de Johann Sebastian Bach y Sinfonía N° 44 en mi menor 'Fúnebre', de Franz Joseph Haydn.Música Concertante (12:30 p.m.): La Pequeña Misa Solemne, para cuatro voces solistas, coro, piano y armonio, de Gioachino Rossini.Concierto clásico (4:00 p.m.): Misa en Mi bemol mayor, D 950 para solistas, coro mixto y orquesta, de Franz Schubert.Domingo de resurrección, 31 de marzoMúsica para comenzar el día (6:00 a.m.): Oratorio para el día de la ascención 'Alaba a Dios en sus reinos', BWV 11, de Johann Sebastian Bach.Barrocos y clásicos (7:00 a.m.): Historia de la Resurrección, SWV 50, de Heinrich Schütz.Concierto Dominical de la Mañana (8:00 a.m.): La Ascención - Cuatro Meditaciones Sinfónicas para Orquesta, de Olivier Messiaen.Concierto Clásico (10:00 a.m.): Resurrection, Preludio Sinfónico, Op. 4, de Albert Roussel.Carrusel musical (12:00 p.m.): Sinfonía Nº 2 en do menor, 'Resurrección', de Gustav Mahler.Canto y Música coral (9:00 p.m.): La Resurrección y la Ascención de Jesús, de Carl Philipp Emanuel Bach.¿Qué es un oratorio?Un oratorio es una forma de música vocal similar a una ópera, pero que se presenta sin vestuario, escenografía o actuaciones dramáticas. Suele estar compuesto para coro, solistas y orquesta. Los oratorios a menudo se basan en temas religiosos o históricos, y pueden incluir elementos narrativos, como recitativos, arias y coros.A diferencia de la ópera, que se representa en un teatro con actores, disfraces y escenografía, los oratorios se interpretan en concierto, con los cantantes y músicos situados en el escenario o en un púlpito, enfocando la atención en la música y el texto.Uno de los oratorios más famosos es "El Mesías" de Georg Friedrich Händel, que narra la vida de Jesucristo y es una obra fundamental en el repertorio de música coral. Otros compositores famosos de oratorios incluyen a Johann Sebastian Bach, con obras como "La Pasión según San Mateo", y Franz Joseph Haydn, con su "Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz".Esta programación especial será transmitida por la señal en vivo de la HJCK desde el próximo 28 de marzo.
Piotr Ilich Tchaikovsky, uno de los compositores más célebres de la era romántica, dejó una marca indeleble en la historia de la música clásica. Nacido el 7 de mayo de 1840 en Vótkinsk, en el Imperio Ruso, su legado abarca una amplia gama de obras que van desde sinfonías grandiosas hasta obras maestras del ballet. Su música, impregnada de una intensidad emocional sin igual y una habilidad técnica magistral, ha cautivado a audiencias de todo el mundo durante más de un siglo.La vida de TchaikovskyTchaikovsky mostró un talento musical excepcional desde una edad temprana. Su educación musical comenzó en la escuela de jurisprudencia en San Petersburgo, donde estudió música y se graduó como abogado en 1859. Sin embargo, su verdadera pasión siempre fue la música, y en 1863 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo, donde estudió composición con Anton Rubinstein.A pesar de enfrentar numerosos desafíos personales y sociales debido a su orientación sexual, Tchaikovsky perseveró en su carrera musical. Su capacidad para expresar emociones complejas a través de la música lo convirtió en uno de los compositores más influyentes de su tiempo.Algunas obras destacadasSinfonía No. 6 en si menor, Op. 74, "Patética"Esta sinfonía, escrita en los últimos años de la vida de Tchaikovsky, es una obra profundamente emotiva que refleja sus luchas internas y sus sentimientos de melancolía y desesperación. La "Patética" es considerada una de las sinfonías más conmovedoras y poderosas jamás escritas.El CascanuecesEste ballet, compuesto en 1892, es una de las obras más populares y queridas de Tchaikovsky. Con su encantadora música y su cautivadora historia, El Cascanueces ha deleitado a audiencias de todas las edades desde su estreno.Concierto para Piano No. 1 en si bemol menor, Op. 23Este concierto para piano es una obra maestra de virtuosismo y expresión emocional. Con su dramatismo y su brillante escritura para piano, esta obra es una de las más destacadas del repertorio de conciertos para piano.La Bella DurmienteOtro ballet icónico de Tchaikovsky, La Bella Durmiente, es conocido por su música exquisita y su encantadora narrativa. Esta obra maestra del ballet clásico ha sido aclamada por su belleza atemporal y su elegancia.El legado de Tchaikovsky perdura hasta el día de hoy, con su música siendo interpretada en teatros de todo el mundo y su influencia palpable en generaciones posteriores de compositores. Su habilidad para capturar la complejidad de la experiencia humana y transmitirla a través de la música lo sitúa entre los grandes genios de la historia de la música.Piotr Ilich Tchaikovsky falleció el 6 de noviembre de 1893, pero su música sigue viva y continúa inspirando a oyentes y músicos por igual. A través de su obra, Tchaikovsky nos recuerda la capacidad transformadora de la música para conmovernos, inspirarnos y conectarnos con nuestra humanidad más profunda.
El violín, llamado "Il Cannone" (el cañón), era el favorito del célebre violinista y compositor Niccolò Paganini.El músico italiano, oriundo de Génova, lo tocó durante décadas antes de que se convirtiera en propiedad de su ciudad natal tras su muerte en 1840.Actualmente, este instrumento, fabricado por el lutier italiano Giuseppe Bartolomeo Guarneri del Gesù en 1743, solo se saca de vez en cuando para que lo toquen los más virtuosos del mundo.El Laboratorio Europeo de Radiación Sincrotrón (ESRF), centro de investigación que cuenta con un acelerador de partículas en Grenoble -en el sureste de Francia-, escaneó el instrumento hasta la estructura celular de su madera.La idea es crear un modelo 3D del violín, por dentro y por fuera, sobre el cual la gente pueda hacer zoom, hasta una micra, es decir una milésima parte de un milímetro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El objetivo principal es la conservación", explicó Paul Tafforeau, del ESRF. "Si alguna vez algún defecto necesita ser reparado, tendremos todos los detalles".Pero también esperan que el "análisis no destructivo" ayude a arrojar algo de luz sobre su bello sonido."Es un instrumento excepcional en términos de sus cualidades sonoras. (...) Con estos datos, esperamos comprender mejor por qué", añadió Tafforeau. El análisis detallado de los rayos X tomará varios meses.Luigi Paolasini, a cargo del proyecto en el ESRF, afirmó que se aseguró el violín por un valor de 30 millones de euros (32 millones de dólares) para viajar de Génova a Grenoble.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este lunes Disney presentó el primer tráiler de Mufasa, una precuela en live action que narrará la historia de origen del mítico personaje de El Rey León. Mufasa además de ser el padre de Simba, nos dio una de las escenas más tristes del cine hace ya treinta años, en 1994, y en 2019 fue recreada en la película, también de live action, dirigida por Jon Favreau.Entre historias de drama, acción, superhéroes y ciencia ficción, le contamos cuáles son los próximos estrenos en cine y televisión, los tráilers, curiosidades y fechas de estreno.‘Mufasa’“Un león que cambiaría nuestras vidas para siempre”, así Rafiki, el sabio babuino que acompañó a Simba en El Rey León, narra ahora los orígenes del rey Mufasa, a quien vemos como un cachorro en esta historia.La épica historia que será contada a Kiara, la hija de Simba, ya tiene fecha de estreno. El próximo 20 de diciembre veremos el origen de una historia que nació hace tres décadas, está vez, dirigida por el cineasta Barry Jenkins, quien se consagró con el Óscar a Mejor película en 2016 por Moonlight. Como si no fuera suficiente para acrecentar las expectativas por está producción, Lin-Manuel Miranda estará a cargo de la música que contará con la participación de Beyoncé y su hija Blue Ivy.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Blink Twice’ (‘Parpadea dos veces’)Zoë Kravitz debuta como directora con una inquietante película que, apenas en su tráiler, promete misterio, intriga, un elenco de alto nivel y un toque de comedia. Adria Arjona, Haley Joel Osment, Naomi Ackie y Simon Rex hacen parte de la historia que protagoniza Channing Tatum, quien encarna a Slater Kink, un excéntrico millonario, dueño de la isla donde cada evento desvela un misterio. Aunque no tiene fecha de estreno en Colombia, la cinta será lanzada en Estados Unidos el 23 de agosto.‘Deadpool & Wolverine’Acción, sangre e irreverencia, todo a lo que nos tiene acostumbrados la saga del antihéroe Deadpool vuelve, pero esta vez acompañado del icónico Wolverine encarnado por el australiano Hugh Jackman, quien le dio vida a este personaje de Marvel por primera vez hace 24 años, en la primera entrega de X-Men.Una de las películas más esperadas del año, llegará a los cines el 25 de julio, después de meses de grabación, especulaciones y filtraciones. En esta tercera entrega de Deadpool, dirigida por Shawn Levy, veremos a Logan, como también se conoce a Wolverine, hacer equipo con el curioso personaje interpretado por Ryan Reynolds, Vea el tráiler y encuentre simpáticas referencias a otras películas de ‘supers’ y incluso, un guiño al estilo Mad Max.‘Furiosa’En estrenos más cercanos, llegamos a Furiosa, la precuela de la distópica Mad Max, que se estrenará el 24 de mayo, pero que además es tendencia por estos días pues será exhibida durante el Festival de Cannes.La película, protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, estará dirigida por George Miller, quien también estuvo a cargo de las clásicas películas de Mad Max, con Mel Gibson, y de la última película donde Charlize Theron encarnó al personaje al que ahora Taylor-Joy le dará vida.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Vendetta. Katanazo al amor romántico (Planeta Cómic) es la nueva aventura de este personaje que en esta ocasión cuenta las consecuencias de ser maltratada a través del shock postraumático, cuya sintomatología es el aturdimiento mental, falta de memoria y lagunas mentales, dismorfia corporal, normalización de la situación para no sufrir más e incluso la justificación del maltrato para sobrevivir."Nos cuesta poco imaginarnos que un presidente como Putin tiene una personalidad así, pero luego no nos creemos que alguien de nuestro círculo cercano pueda tenerla", explica en una entrevista Riba Rossy con motivo de su participación en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo).Ha sido un libro "incómodo" y "difícil" de escribir porque Riba Rossy no sabía si iba a lograr "explicar bien un tema tan delicado que en un cómic no se había tratado nunca", aunque lo logró y ya tiene preparada la segunda parte en la que Lola, ya habiendo recuperado su katana, contará su proceso de recuperación.El shock"Necesité entender todo lo que le estaba pasando al cuerpo de Lola Vendetta, científicamente y psicológicamente, cómo son los patrones de conducta de una persona que ha sobrevivido a algo así", para lo que estuvo dos años investigando y hablando con profesionales para "evitar a toda costa la foto de contrastes de sombras súper 'heavy' con un moratón gigante en la cara".Esto porque "ya hemos entendido que si te pegan un golpe en la cara es maltrato", pero era importante resaltar que la división entre maltrato físico y psicológico "no es cierta", ya que "el maltrato acaba siendo siempre físico porque si te machacan el cerebro, el cuerpo se afecta"."Cuantísimas mujeres me han escrito durante estos últimos meses diciéndome: 'terminé en el hospital sin poder respirar y no me puso una mano encima, pero me pasé tres años bajo una situación de estrés tan elevada que mi cuerpo explotó'. Esa división de cuerpo-mente tan loca que hacemos tenemos que empezar a difuminarla", insiste la escritora.La historia de Lola, que está acompañada por una banda sonora escrita e interpretada por su escritora a la que se puede acceder a través de un código QR, es la de millones de mujeres que viven situaciones de maltrato.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Muchas veces este síndrome de la mujer maltratada también está asociado a adicciones para aturdir todavía más y no sentir esa sensación horrible y a trastornos de la conducta alimentaria", y también a ideas suicidas: "cuando llevas tantísimo tiempo sometida a una situación de presión, encierro y aislamiento de la que tienes la sensación de que no vas a salir, la sensación de indefensión aprendida es brutal", continúa la ilustradora.El objetivo principal de los maltratadores, prosigue, es el control, por eso "de repente te das cuenta que las vejaciones más bestias son antes de mi cumpleaños o de una reunión importante en el trabajo". Es decir, que lentamente va afectando todas las áreas de tu vida, una vez identifica tus vulnerabilidades.Lola y ColombiaEl éxito que ahora es Lola Vendetta en muchos países arrancó, curiosamente, en Colombia, cuenta Riba Rossy, donde desde 2016 su personaje conectó con las colombianas."Colombia fue el primer país donde Lola Vendetta fue acogida a lo bestia, y luego vino México y luego vino España", en palabras de la ilustradora.Precisamente, el personaje de Rosa, una de las amigas de Lola, es colombiana porque Riba Rossy recibió, muy al comienzo de las aventuras del personaje, un mensaje de una niña de 7 años del departamento del Chocó en el que le pedía crear un personaje que se pareciera a ella.Casi diez años después, Riba Rossy sigue escribiendo de y desde el feminismo porque lo tiene claro: "es una carrera de fondo, nunca fue un 'petardazo' en medio de la historia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Homero dio la primera pista, al mencionar en su Ilíada que la isla griega de Kasos aportó barcos para la guerra de Troya. Tirando de ese hilo, un equipo de arqueólogos ha localizado ocho barcos hundidos frente a sus costas en los últimos 5.000 años y demostrado la importancia que tuvo ese rincón del Egeo."Algunos de los hallazgos que tenemos en Kasos son únicos y se encuentran por primera vez en el mar Egeo", dice Xanthí Argiri, arqueóloga de la Fundación Nacional de Investigación (ΕΙΕ) de Grecia y responsable de la exploración que se llevó a cabo entre 2019 y 2023.Los pecios, de épocas muy diferentes, se localizaron a profundidades de entre 20 y 50 metros. El más antiguo data del 3000 a. C, mientras que los demás son del período clásico (460 a. C.), helenístico (100 a. C. a 100 d. C.), la época romana (200 a. C. – 300 d. C.) y el período bizantino (800 – 900 d. C.).Además de estos barcos, durante la investigación, en la que ha participado el Ministerio de Cultura griego, se encontraron los restos de un buque que se hundió a inicios del siglo XIX y otro de la primera mitad del siglo XX.En uno de los dos pecios de la época romana, los arqueólogos hallaron cerámica de tipo terra sigilata, originaria de África, y ánforas españolas del tipo Dressel 20 de la zona del río Guadalquivir, entre las que destaca una con un sello que ha sido fechada entre el 150 y el 170 a.C.Aunque se han encontrado "quizás millones" de estas ánforas de aceite en Europa y el Mediterráneo occidental, ya que eran unas de las más difundidas durante los tres primeros siglos d.C, "hasta ahora no se había encontrado un naufragio que confirmara su comercio marítimo en el Egeo", señala Olga Marinaki, también arqueóloga de EIE."La carga mixta confirma además que África, España y el Egeo estuvieron conectados por intensas relaciones comerciales en la época romana", añade.Los investigadores descubrieron en los pecios también tesoros únicos originarios de Italia y Asia Menor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante la exploración se hallaron cañones, anclas -una de ellas de piedra, del período arcaico- y centenares de vasijas y otros objetos cerámicos.Con la ayuda de HomeroLa búsqueda empezó con la segunda rapsodia de la Ilíada de Homero, cuenta Argiri.En ese pasaje, el poeta enumera todos los barcos que las diferentes ciudades griegas aportaron para la guerra contra Troya, entre las que cita también Kasos y a la contigua isla de Kárpatos.Partiendo de esta antigua referencia a la tradición marítima de Kasos, se empezó a indagar más sobre la isla, señala la arqueóloga.Los investigadores consultaron después otras fuentes históricas que mencionaban que Kasos ofreció barcos también para la guerra de la independencia griega contra el imperio otomano, que comenzó en 1821.Aunque entre estas dos referencias históricas había un vacío de varios siglos, el equipo de arqueólogos submarinos decidió iniciar la investigación.La amplia horquilla cronológica de los objetos encontrados, que datan desde la Prehistoria, pasando por los periodos clásico, helenístico, romano, bizantino y otomano, dio la razón a los investigadores.Argiri y Marinaki coinciden en que los hallazgos demuestran que Kasos fue un "enclave fundamental" en las rutas marítimas de la Antigüedad, especialmente las que unían el norte de África con el Egeo y, más concretamente, Egipto con Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino.A lo largo de este año el equipo seguirá la exploración en la contigua isla de Kárpatos, mientras se realiza un proyecto de conservación in situ de los hallazgos encontrados en Kasos.Financiación limitadaPese al importante papel que jugó el sureste del Mar Egeo, y sobre todo el archipiélago del Dodecaneso, en el comercio marítimo antiguo, este es el primer estudio sistemático del fondo marino en la zona.La larga distancia que separa estas islas de Atenas y la falta de infraestructura local para la investigación arqueológica subacuática, hace que los proyectos sean más costosos, ya que todo el equipo tiene que trasladarse desde la capital griega.Según Argiri, la mayoría de los casi treinta investigadores que trabajaron en el proyecto de Kasos lo hicieron de manera voluntaria, mientras que los demás gastos fueron pagados por patrocinadores privados."Es obvio que hay muchas cosas que no podemos hacer porque no tenemos los suficientes recursos", se lamenta la arqueóloga quien, sin embargo, mantiene la esperanza de que en un futuro se puedan construir en Kasos las infraestructuras necesarias para que la isla se convierta en un destino de turismo cultural submarino.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El festival anunció este lunes en un comunicado la composición del jurado que decidirá la atribución de la Palma de Oro a uno de los 22 filmes en competición, cuatro meses y medio después de haber informado de la elección de Gerwig.También integrarán el jurado de la 77 edición del Festival de Cannes la directora y fotógrafa turca Ebru Ceylan, la actriz estadounidense Lily Glandstone, la actriz francesa Eva Green, la directora libanesa Nadine Labaki, el actor italiano Pierfrancesco Favino, el cineasta japonés Kore-Eda Hirokazu y el actor y productor francés Omar Sy.Sobre Bayona, los organizadores destacaron que se ha impuesto como "uno de los cineastas españoles más aclamados" por el público y los críticos "del mundo entero".Recordaron que su primera película, El orfanato, fue presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2007, donde "fue ovacionado y que con Lo imposible en 2012 obtuvo cinco Goyas, incluido el de mejor director, además de la nominación de Naomi Watts para los Oscar y los Golden Globe en la categoría de mejor actriz.Igual que su última película, La sociedad de la nieve, que fue la gran ganadora en los Goya con doce estatuillas, "ha sido celebrada por su profundo humanismo y sus proezas técnicas".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los otros miembros del jurado hay figuras muy conocidas del séptimo arte como Omar Sy, que consiguió una gran proyección a partir del César que logró en su país como mejor actor en 2011 por Intouchables, de Éric Toledano y Olivier Nakache.También Lily Glandstone, que con su papel en Killers of the Flower Moon, de Martin Scorsese, además de ser nominada a los Oscar, recibió el Golden Globe de 2023, el Screen Actors Guild Award de 2024 y el título de mejor actriz del New York Film Critics Circle y del National Board of Review.El palmarés de la próxima edición del Festival de Cannes se hará público el 25 de mayo durante la jornada de clausura.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La composición de Todo tranquilo en el frente occidental se inició en 1989, pero solo se completó diez años más tarde. La compositora, Nancy Jean Van de Vate, adaptó el libreto de la famosa novela acerca de la Primera Guerra Mundial Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente) de Erich Maria Remarque, con alguna referencia al guion cinematográfico de 1929. Aunque la novela se ha utilizado tres veces como base de una película, nunca antes se le había puesto música.La composición de la ópera ya estaba en marcha cuando, a finales de 1990, la compositora, Nancy van de Vate, recibió el encargo de crear la música para la ópera romántica en cuatro actos, Nemo: Jenseits von Vulkania, con libreto de Allen Cortés. Años más tarde, regresó a la composición de Todo tranquilo en el frente occidental, en 1996, completando al fin la ópera en 1999.Estilística e ideológicamente, esta ópera pertenece a varias de las otras grandes obras de Van de Vate de finales de los años 1980 que también se basaban en temas sociales y políticos, en particular Chernobyl para orquesta y Katyn para orquesta y coro. Al igual que Todo tranquilo en el frente occidental, el ambiente de estas obras también es sombrío, y la disonancia extrema se alterna con un lirismo trágico.Aunque la ópera se desarrolla en medio de los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, particularmente la vida en las trincheras se centra en las relaciones humanas y las respuestas de sus personajes más que en actos de batalla o incidentes específicos de heroísmo.Hace 25 años la compositora Nancy van de Vate presentó esta, su ópera Todo tranquilo en el frente occidental, que adaptó de la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente.En la versión que transmitiremos en la señal en vivo de la HJCK podrá escuchar en el reparto a Michael Polscer, Josef Krenmair, Steven Scheschareg, Dominic Natoli, Marek Olbrzymek, Josef Krenmair, Linda Healy-Steck, Martha Jane Howe, Evelyn Petros, Linda Healy-Steck, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Moravia, dirigida por el estadounidense, nacido en Japón, Toshiyuki Shimada.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 28 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.