La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
"Toy" surge como proyecto a partir de las versiones de "Can't help thinking about me" (canción de 1966) que Bowie interpretó con su grupo a finales de los años 1990. Con ese grupo, entre los que destacan Mark Plati, Sterling Campbell o Earl Slick, Bowie había llegado a una de sus cimas artísticas, con un concierto en el festival de Glastonbury (Inglaterra) en 2000 que quedó grabado en las memorias.Como había sido anunciado, dos versiones inéditas de "Shadow Man" hacen parte del trackslist del disco. En palabras del productor "Mientras nos encontrábamos grabando las pistas básicas, Earl Slick sugirió que él y yo sobregrabáramos guitarras acústicas en todos los temas. Dijo que aquel era el truco de Keith Richards: a veces estas guitarras serían una parte destacada de la pista, y otras veces serían más subliminales. Más adelante, mientras mezclaba, David escuchó una de las canciones dividida en solo voces y guitarras acústicas; esto le dio la idea de que deberíamos hacer algunas mezclas reducidas como esa y que quizá algún día podrían ser útiles".Los fans de David Bowie tienen material inédito para escuchar, pues acaban de salir a la luz dos curiosas versiones de "Shadow Man". Una de esas pistas es el"Unplugged & Somewhat Slightly Electric Mix" que el aclamado artista grabó en el 2000. En su sitio web oficial, el tema es definido como "una mezcla simplificada de una regrabación" de esa composición.La otra versión inédita de "Shadow Man" es un demo de estudio grabado a fines de 1970. Vale recordar que esa canción formó parte de Toy, el famoso "disco perdido" del músico inglés conformado por versiones regrabadas de algunas de las primeras composiciones del Duque Blanco.El 7 de enero de 2022, la víspera del aniversario de Bowie, saldrá "Toy (Toy:Box)", otra versión del álbum perdido, esta vez con cortes alternativas y acústicos. Como curiosidad está el tema de la carátula del álbum inédito. Se trata de una foto de Bowie adulto sobre un rostro de niño de rasgos simiescos. Aquí pueden escucharlo.
El músico y productor Ben Gibbard se ha propuesto celebrar el cumpleaños número 89 de Yoko Ono con música. Gibbard ha sido la mente detrás de "Ocean Child: Songs of Yoko Ono", un álbum que reúne algunas de las mejores canciones de la carrera musical de Yoko Ono, en las voces de distintos artistas. Buena parte de la idea de Gibbard apela a la falta de reconocimiento de Ono como compositora, “Como defensor, el obstáculo más alto a superar siempre ha sido la ignorancia del público en cuanto a la amplitud del trabajo de Yoko”, escribió. “Para ponerlo en contexto: esta es un artista cuya producción ha abarcado desde la vanguardia hasta el pop en un solo álbum. Durante años, ha sido mi posición que su composición se ha pasado por alto criminalmente. Constantemente ha creado melodías tan memorables como las de los mejores escritores pop. Como letrista, siempre ha escrito con conmoción, sofisticación y profunda introspección", aseguró Gibbard en la presentación del proyecto.Buena parte de la fama de Yoko Ono se deriva de su relación con John Lennon. Sin embargo, su legado artístico ha quedado oculto por la culpa que le achacaron los mitos artísticos difundidos entre los fans del cuarteto de Liverpool que, no está demás recordar, el documental "Get Back" desmiente. Con el objetivo de dejar en el centro de la atención el talento de Ono, Death Cab for Cutie, David Byrne, Yo La Tengo, Japanese Breakfast, Sharon Van Etten y Flaming Lips se suman a las voces que la homenajean, reversionando algunas de sus canciones más reconocidas.Además de la música, el álbum contará con un contenido en audio exclusivo, un podcast en el que Gibbard y la reconocida periodista musical Jenny Eliscu conversan sobre el legado que Yoko Ono ha construido en su extensa carrera artística. Los invitados serán los artistas que intervienen en los diferentes tracks del disco. Una parte de las ganancias del álbum se donará a WhyHunger, una organización sin fines de lucro que Ono ha apoyado durante décadas en sus esfuerzos por transformar el sistema alimentario mundial mediante la construcción de la justicia social y atacando las causas fundamentales del hambre y la pobreza. Ono ha donado millones de dólares a causas benéficas y no violentas a lo largo de los años.Estas son las canciones de "Ocean Child: Songs of Yoko Ono"1. Sharon Van Etten – “Toyboat”2. David Byrne And Yo La Tengo – “Who Has Seen The Wind”3. Sudan Archives – “Dogtown”4. Death Cab For Cutie – “Waiting For The Sunrise”5. Thao – “Yellow Girl (Stand For Life)”6. US Girls – “Born In A Prison”7. Jay Som – “Growing Pain”8. Stephin Merritt (of Magnetic Fields) – “Listen, The Snow Is Falling”9. Deerhoof – “No No No”10. We Are KING – “Don’t Be Scared”11. The Flaming Lips – “Mrs Lennon”12. Japanese Breakfast – “No One Sees Me Like You Do”13. Yo La Tengo – “There Is No Goodbye Between Us”14. Amber Coffman – “Run Run Run”
El pianista, compositor y arreglista oriundo de Medellín y radicado hace siete años en Viena, Austria, lanzará su producción musical este 15 de diciembre en todas las plataformas digitales. Estas siete canciones reúnen la grandeza de ritmos colombianos como el bambuco, el pasillo y el vallenato con el jazz.La producción musical fue grabada en el mes de marzo en el estudio Redpmusic en Viena. Involucra a 15 músicos de diferentes nacionalidades y cuenta, entre otras cosas, con la participación especial del reconocido percusionista colombiano Juan “Cosito” Aguilar y la cantautora colombiana Andrea Gómez.La dirección ejecutiva y el management del álbum estuvo en manos de Laura Valbuena, exponente del folclor colombiano y latinoamericano en Viena. Para Laura y Juan siempre tendrá una gran importancia volver a casa a presentar los proyectos que realizan fuera de ella, es por esto que Colombia será el primer país en escuchar el álbum en vivo.“Para mí este álbum ha sido la oportunidad más increíble de recordar a través de la música. El año pasado estuvimos encerrados y lo único que pude hacer fue recordar cómo era mi pasado, mi niñez, cómo es que vivía antes de la pandemia. Y ahí es donde entra Pepe Riveros, un personaje muy importante en mi familia. Pepe fue un soñador, un hombre lleno de historias y de relatos que vive de generación en generación y que sigue siendo profundamente amado por toda la gente de su pueblo, Tabio, Cundinamarca. Lo interesante de personajes como él, en términos de mi álbum es que, conmigo, el artista que le está rindiendo tributo, no hay ningún tipo de conexión sentimental ni profunda pues murió cuando yo era muy niño. Todas las características de Pepe que me inspiraron a recalcar su vida con música las sé por medio de testimonios que se conectan con la familia de mi papá, luego, el disco, al rendirle tributo a Pepe Riveros le rinde, al mismo tiempo, tributo a las raíces de mi padre.”, asegura Juan Felipe.El artista ofrecerá dos conciertos gratuitos. El primer concierto tendrá lugar en Bogotá el sábado 18 de diciembre en el Auditorio de la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia a las 8:00 p.m.; y el segundo se realizará en Tabio, su lugar de inspiración, el domingo 19 de diciembre en el Parque Principal a las 3:00 p.m. La gira de conciertos continuará por varios países de Europa en la primera mitad del 2022 para luego regresar a Colombia y seguir recorriendo diferentes ciudades del país.Pianista, compositor y arreglista nacido el 12 de mayo de 1993 en Medellín, Colombia. Empezó su formación musical desde los siete años con la pedagoga y concertista Consuelo Mejía, con quien estudió piano hasta cumplir veinte años. Posteriormente, realizó estudios de piano y batería en la facultad de jazz de la Universidad EAFIT, bajo la docencia de Carlos García y Sam Farley. En el año 2015 se mudó a Viena, Austria para continuar con sus estudios, se graduó con honores de la carrera Composición y Arreglos Jazz de la Universidad Privada de Música y Artes de la ciudad de Viena (MUK) y actualmente hace un segundo pregrado Pedagogía en Piano con énfasis en jazz y música popular en la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena (MDW).
Deep Purple tiene su mundo al revés, rompiendo sus propias reglas musicales no escritas y, por primera vez en 50 años de historia de la banda, graba un álbum compuesto al 100% de música originalmente escrita y grabada por otros artistas. El nuevo álbum, lanzado por Deep Purple llega solo 15 meses después de su última producción de estudio "Whoosh!", un álbum premiado por prestigiosos logros en las listas y aclamado por la crítica que elogió la fuerza creativa de la banda.“Turning to Crime” es el primer álbum de estudio de Deep Purple compuesto íntegramente de canciones no escritas por la banda y grabadas previamente por otros artistas, y es el primero de este tipo en sus más de 50 años de trayectoria, e incluirá canciones de Bob Dylan, Fleetwood Mac, Ray Charles y varios artistas más. El productor y amigo de la banda, Bob Ezrin y quién trabajó con Deep Purple en la "trilogía del tiempo", ha sido una importante pieza en el desarrollo de este nuevo álbum.Para realizar este álbum, por primera vez los músicos de la banda han colaborado de forma remota debido a la emergencia sanitaria de la pandemia por coronavirus en el mundo. En su repertorio incluye "The Battle of New Orleans", un clásico de Johnny Horton de 1959; "Let the Good Times Roll", popularizado por B.B. King; “Watching the River Flow” de Bob Dylan, “Shapes of Things” de The Yardbirds; “Oh Well” de Fleetwood Mac y "White Room" de la legendaria superbanda Cream.
En 1991, Silvio Rodríguez estaba inmerso en una histórica gira por México con Diákara como banda de acompañamiento. La formación estaba liderada por el gran percusionista cubano Óscar Valdes Jr, que buscaba acercarse al sonido de bandas muy populares en la isla, como Irakere o Afrocuba.El periplo mexicano se coronó con una serie de grabaciones en los estudios del sello PolyGram en Coyoacán. Apenas tres o cuatro sesiones en las que alcanzaron a grabar los 10 temas que conforman el álbum y que reflejan un momento único en la carrera del trovador.A lo largo de estos tres capítulos, algunos de los miembros originales de Diákara como Emilio Vega (teclados) o Ramón Valle (percusión) y otros protagonistas de esta historia como Francisco Miranda (el ingeniero de sonido que grabó las canciones en Coyoacán en 1991) y Olimpia Calderón (técnico de sonido de los estudios Ojalá de La Habana) relatan los pormenores de este proyecto.El equipo de producción se trasladó a diferentes localizaciones (México DF, La Habana, Ámsterdam) para entrevistar a los participantes. Además, el documental incluye impresionantes imágenes de archivo de Silvio Rodríguez y Diákara en aquella gloriosa era.
En el marco de su franja Gaitán Polifónico, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán presenta el próximo 10 de diciembre a las 7:00 p.m. al artista argentino Kevin Johansen con su gira Vecino Tour. Ecléctico, bilingüe, sutil en sus composiciones y entregado a su música, esa es la fórmula que siempre ha manejado con éxito Johansen, convirtiéndose en uno de los cantautores más sobresalientes de Latinoamérica. El artista mezcla música popular argentina y pop norteamericano y conjuga todos los ritmos latinos; desde la cumbia al tango pasando por el folk del norte.Johansen deleitará al público del Gaitán con un formato de guitarra y voz, luego de haber experimentado conciertos por streaming en Buenos Aires y algunos conciertos con público, en Argentina, Estados Unidos, Uruguay y España. Tras 20 años en la escena argentina, el artista ha obtenido un gran reconocimiento internacional y ha colaborado con artistas tan diversos como Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, Fernando Cabrera, Paulinho Moska, Rozalén y Mon Laferte. “Encontrarme de esta manera con el público hace que el escenario sea mi casa” , señala.“2021 fue el año de la reactivación de las artes en Bogotá, y desde el Instituto Distrital de las Artes queremos cerrarlo con el primer gran concierto internacional del Teatro Jorge Eliécer Gaitán: Kevin Johansen, en un formato íntimo. Este artista argentino nos ofrecerá un concierto inolvidable en diciembre para despedir un año complejo pero esperanzador por la reactivación segura de la música en vivo”, cuenta Mauricio Galeano, Subdirector de Equipamientos Culturales del Idartes.
Pese a las tensiones y la separación que se avecinaba, los Beatles fueron capaces de crear y divertirse hasta el final: con su nueva serie documental, Peter Jackson disipa los mitos obstinados sobre los cuatro "fabulosos" de Liverpool y ofrece una mirada positiva a sus últimos momentos de intimidad."The Beatles: Get Back" sigue a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr en enero de 1969, preparándose para su primer concierto en más de dos años. Los Beatles entonces estaban embarcados en la escritura y grabación de 14 nuevas canciones para la ocasión, pero solo tenían tres semanas para hacerlo, un plazo que parecía imposible de cumplir.Esos momentos intensos y difíciles fueron inmortalizados en ese momento por el director británico Michael Lindsay-Hogg. Las imágenes dieron lugar a la película "Let It Be" en 1970, año en que los Beatles formalizaron su separación. Ese documental insistió en las tensiones entre los cuatro artistas, sus disputas y desacuerdos creativos, marcando de forma duradera la mente de los fanáticos.Admirador de los Beatles, el director ganador del Óscar Peter Jackson quería ir más allá de esta visión negativa de un grupo resentido y moribundo. "Lo mejor de nosotros de todas formas siempre ha sido, y siempre será, cuando estuvimos acorralados contra la pared", dice Paul McCartney en "The Beatles: Get back", que se emitirá a partir del 25 de noviembre en la plataforma Disney+.La trilogía también muestra por primera vez en su totalidad el concierto de 40 minutos ofrecido por los Beatles en la azotea del edificio de su compañía en Savile Row, Londres. Esa fue la última actuación pública del grupo. Para desenterrar estas perlas que harán las delicias de los seguidores y entusiastas, Jackson se sumergió en 60 horas de archivos de video que habían permanecido bajo llave durante este tiempo y firmó una serie documental que enfatiza la alegría de vivir de los Beatles."Siempre ha existido la idea errónea de que mi padre fue el responsable de la ruptura de The Beatles, pero no fue así y se puede ver claramente en estas imágenes", dice Stella McCartney, la hija de Paul. "Se le ve intentando desesperadamente que funcione, que su hermandad se mantuviera intacta", añade la diseñadora de moda, subrayando cómo Paul "estaba desconsolado" tras la separación."Movimiento cultural" mundialStella McCartney, quien lanzó una colección limitada de ropa inspirada en la estética de la banda durante ese momento de sus vidas, dice que vio la nueva trilogía documental como una hija de los Beatles pero también como una fan. "Lo miras y dices: 'Esta es la mejor banda del mundo, la mejor música, estas son las personas más cool' (...) Hay muy pocos momentos en la historia que se le puedan comparar", considera la diseñadora.Para ella, los Beatles simplemente han "encarnado un movimiento cultural por un cambio positivo que sigue influyendo en millones de personas en todo el mundo". "'Todo lo que necesitas es amor', 'Únanse' (ndlr, estrofas de canciones de los Beatles)... Es su música, son sus letras", explica. También enfatiza el impacto que los "Fab Four" han tenido en la moda a lo largo de sus carreras."Cuando veo a los Beatles, siempre me sorprende la cantidad de estilos que se las han arreglado para lucir en tan poco tiempo, con momentos icónicos. Si tomas al (álbum) 'Sargent Pepper's', sabes exactamente lo que llevaban puesto en ese momento", explica Stella. Muy comprometida con la protección del medio ambiente, la diseñadora, cuya marca atrae a amantes de la moda, modistas y celebridades, espera que la línea inspirada en "Get Back" siga siendo tan atemporal como los Beatles.
La navidad en Colombia no tendría la misma alegría de no ser por la música que suena una y otra vez cada diciembre. Como ya es costumbre, uno de los ingredientes estrella de esta temporada de fin de año, son aquellos clásicos que han bailado entre generaciones y que son la banda sonora que han acompañado los momentos más memorables de las familias colombianas. Uno de ellos es el tradicional recopilatorio de los 14 cañonazos que desde 1960 edita Discos Fuentes.En la edición No 61, el prestigioso sello disquero sorprendió a sus fanáticos con la portada y el diseño de presentación, que, ambientada en un estilo de los años cincuenta, presenta a dos chicas pin-up en todo su esplendor. Hace algunas semanas, la compañía discográfica con sede en Medellín publicó el álbum en el que incluye 14 grandes temas musicales que fueron éxito durante el 2021.“Para el 2021 este variado viene en forma de un afiche coleccionable (ediciones limitadas) con un estilo gráfico de los años 50, con las icónicas chicas pin-up”, escribió la empresa en su Instagram.El álbum ya se encuentra a la venta y puede disfrutarse comprando el disco en físico, con un valor de $35.600 pesos colombianos. El producto incluye una USB con los temas musicales, un póster coleccionable, fotos y videos. Además, para esta edición se estrenó una modalidad participativa. Esta presenta a los consumidores la posibilidad de interactuar con los hits de los "cañonazos" a través de una aplicación que puede descargar en su celular. Así mismo, a través de esta red social han compartido cuales son los artistas que se podrán encontrar en el álbum.La variedad de intérpretes y géneros como salsa, música popular, llanera, vallenato y guaracha fue calificada como “maravillosa” y “excelente” por parte de los seguidores y fieles coleccionistas de estos compilados. Los éxitos que están presentes en esta edición de los "14 cañonazos bailables" son:01. "Mala" - Los cumbia stars, Majida Issa02. "Tu propia muerte" - Jessi Uribe03. "Lo veo y no lo creo" - Willy García, Gilberto Santa Rosa04. "Hasta morir" - Jhon Onofre05. "Juan mecánico" - Los cumbia stars, La sonora dinamita06. "La paloma" - Sara Acosta07. "Bonita" - Lucas Bloom08. "Joselito cubano" - Los 50 de joselito09. "Me sabe a mango" - Los cumbia stars, Los corraleros de majagual10. "También se enoja por nada" - Luis Torres11. "Palabras" - Paola Jara12. "Hombre pobre" - Luis MIguel Fuente, Rolando Ochoa13. "Santo cachón" (guaracha) - Electropika, Marcela Reyes14. "Cañonazos / la esquina del movimiento" - Alquimia la sonora del XXI15. "La malgeniosa" - Los corraleros de majagual, Edwin Gómez16. "Afrocumbia" - Afrosound
La sensación del K-pop, BTS, y el reggaetonero puertorriqueño Bad Bunny triunfaron en los American Music Awards (AMA), que se entregaron el domingo de noche en California y reconocen a los artistas más populares a través del voto de los fans. BTS se convirtió además en el primer grupo asiático en ganar el premio al Artista del Año en los AMA. El septeto surcoreano también se hizo con los premios al Dúo o Grupo Pop Favorito y a la Canción Pop Favorita por su éxito "Butter".BTS actuó junto a los rockeros británicos Coldplay en el estreno mundial en televisión de "My Universe", durante el espectáculo en Los Ángeles. Doja Cat y Megan Thee Stallion se unieron a ellos con tres premios cada uno, mientras que Ed Sheeran ganó el de Artista Pop Masculino Favorito y Taylor Swift se llevó a casa los premios a la Artista Pop Femenina Favorita y al Álbum Pop Favorito.En las categorías de la música hispana, Bad Bunny se llevó los premios al Artista Latino Favorito y a Álbum Latino Favorito por "El último tour del mundo", mientras la reggaetonera de origen mexicano Becky G, célebre por su hit "Mayores", se alzó con el galardón de Artista Latina Favorita. La Banda MS de Sergio Lizárraga, un grupo sinaloense del género banda con 17 miembros, fue el Dúo o Grupo Favorito; en tanto Kali Uchis, cantante de R&B, ganó la Canción Latina Favorita por la bilingüe "telepatía". Los AMAs son los premios más grandes del mundo en ser elegidos por los fans.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
La cineasta Yang Yonghi solo tenía seis años cuando su hermano mayor se fue de Japón rumbo a Corea del Norte. Era uno de los estudiantes que las familias coreanas regalaban al régimen por el 60º cumpleaños del dirigente Kim Il Sung. Antes de que el barco zarpara de Niigata, bajo una lluvia de confeti y con el himno norcoreano sonando de fondo, su hermano le dio una nota: "Yonghi, escucha mucha música. Mira todas las películas que quieras".Corría el año 1972. Un año antes, sus padres, miembros de la comunidad coreana "Zainichi" de Japón, le habían reservado el mismo destino a otros dos de sus hijos. Lo hicieron encandilados por la promesa del régimen de un paraíso en el que la educación y la atención médica serían gratuitas; y el empleo, abundante.El trauma vinculado a esas dolorosas separaciones impregna todos los filmes rodados por Yang Yonghi. La directora, nacida en Osaka, menciona el sufrimiento padecido por varias generaciones de su familia, desde el fin de la colonización de Corea por parte de Japón a las décadas que siguieron a la división de la península. "Mis padres entregaron su vida a [...] un proyecto insensato que los obligó a sacrificar a sus propios hijos", cuenta, con dolor, Yang, de 57 años. A ella, el cine le ha permitido expulsar sus demonios y darle un sentido a la devoción de sus padres por un Estado aislado y represivo del que sus hermanos nunca han podido escapar.Su padre, activista pro Corea del Norte en Osaka, envió a sus hijos en el marco de un programa de repatriación organizado entre Pyongyang y Tokio. Entre 1950 y 1984, cerca de 93.000 coreanos radicados en Japón se mudaron a Corea del Norte a través de esa iniciativa. El hermano mayor de Yang Yonghi era uno de los 200 estudiantes elegidos para honrar a Kim Il Sung.Las promesas del régimen quedaron prácticamente en agua de borrajas pero los "zainichi" recién instalados se vieron obligados a permanecer en Corea del Norte, y los esfuerzos de sus familias en traerlos de vuelta fueron en vano. Los padres de Yang Yonghi "no tuvieron otra elección que mostrarse aún más comprometidos con el régimen, para que los hijos estuvieran seguros" en Corea del Norte, recuerda la directora. Pero, al contrario que sus padres, ella se rebeló."Yo quería ser libre", explica a la AFP. "Podría haberme hecho pasar por japonesa y no ser honesta sobre todo ese asunto de mi padre y mis hermanos, y hacer como si no viera ningún problema" en ello, señala. "Pero para liberarme realmente, tuve que enfrentarme a todos ellos". Después de dar clases en un liceo vinculado a Pyongyang durante tres años, Yang Yonghi se fue a Nueva York a estudiar cine documental.La dirección de filmes será su catarsis. Su primer documental, "Dear Pyongyang" ("Querido Pyongyang", 2005), fue muy aplaudido por la crítica, sobre todo en los festivales de Sundance y de Berlín. Con planos grabados durante sus visitas a sus hermanos, en Pyongyang, el filme ofrece una mirada independiente e inusual de Corea del Norte. Después de aquello, Yang Yonghi obtuvo la nacionalidad surcoreana por lo que ya no puede visitar a sus hermanos. "Es un precio enorme, pero no me arrepiento en absoluto. Al menos, me he mantenido fiel a mi deseo: hacer una película y contar una historia sobre mi propia familia", enfatiza.El último trabajo de la cineasta es el filme "Soup and Ideology" ("Sopa e ideología"), cuyo estreno está previsto este año. La cinta está dedicada a su madre, Kang Jung-hee, rescatada de la sangrienta represión orquestada por las fuerzas surcoreanas en la isla de Jeju de 1947 a 1954 para aplacar una insurrección y que desembocó en la muerte de al menos 30.000 personas, según los Archivos Nacionales de Corea. Entre ellos, se encontraba su prometido y varios familiares suyos."Mi madre quería desesperadamente una patria. Quería vivir en Jeju, pero la obligaron a irse. Ella no se veía quedándose en Japón", declara Yang. "Buscaba un gobierno en el que pudiera confiar, y creyó en Corea del Norte", cuenta. Durante 45 años, la madre de la directora envió comida, dinero y otros bienes a los hijos que tenía en Pyongyang. La cineasta tiene un recuerdo de su madre "anormalmente y excesivamente feliz" en público, diciéndole a la gente que a sus hijos les iba bien en Pyongyang "gracias a los dirigentes norcoreanos". "Pero en casa, lloraba a solas", dice.Uno de sus tres hermanos ha muerto y los otros dos siguen en Corea del Norte. Sin embargo, Yang no piensa callarse nada. "Desde joven, me han dicho constantemente: 'no digas esto, no digas aquello, di siempre esto', pero yo no quiero, sea cual sea el precio que tenga que pagar", sostiene.
