A primera oída, la cumbia parece una música feliz. Sin embargo, una inmersión profunda -o menos obvia- en su sonido, permite desminar las palabras y paisajes que durante años han descrito diferentes compositores. Tristezas, mitos fundacionales y episodios de violencia han quedado relegados por melodías y versos más alegres, pero nunca es tarde para llegar a esas historias porque la música es una brújula, es la memoria del pasado.El desconocimiento y la distancia que ha habido históricamente con estas músicas no es capricho. Se debe, en parte, a la ausencia de reconocimiento de la labor de los artistas que dignifique su trabajo y a la poca circulación de sus obras, a las que accede una parte muy pequeña de la sociedad, generalmente quienes se dedican a estudiar o hacer música.Así llegó Felipe Orjuela Ruíz a la Cumbia, rastreando discos, movido por la curiosidad del sonido que germinó en una inmensa pasión: compartir música. En esa ruta empezó como coleccionista y ha pasado al escenario como parte de diferentes agrupaciones, pero su camino en la música ha mutado en frecuencia y forma, atravesando por el bajo, el acordeón, e incluso, pinchando discos. “Empecé a descubrir cosas más allá de la cumbia, descubrí la charanga en acordeón y ese coleccionismo fue alimentando una necesidad muy bonita de compartir música, porque no se puede quedar en las colecciones. Algo que yo sí veía era que algunos coleccionistas eran muy celosos, también los piqueteros, que son mis héroes, eran muy celosos con su música. Rayaban los discos para que nadie supiera cómo se llamaban, le cambiaban los nombres y a mí eso no me gustó. Yo prefería como compartirla y una buena forma para hacerlo era la pista de baile”.Luego de hacer música en conjunto, Orjuela presenta Amargura Continental, su nuevo EP en el que a través de cuatro canciones, cargadas de cumbia y Hannah, reflexiona sobre la historia y la fuerza de la música como memoria del pasado. Hablamos con él sobre la nostalgia y el hacer música en función del goce, de los puentes entre las músicas latinoamericanas y el lenguaje.Sobre los formatos, nichos y gustoEl corazón de los coleccionistas tiene forma de vinilo. Ese fue el formato que le enseñó a Felipe a escuchar música y le presentó la cumbia, pero su intención fue hacerlos sonar fuera del circuito de siempre. En Amargura Continental hay un claro homenaje a quiene se hicieron cargo de prensar discos y hacerlos sonar en las fiestas, como bien explica Orjuela, “En el EP hay muchos sample picotero, los sonideros en México que son los piqueteros de allá y eso está porque, primero, samplear a los mensajeros que son personas que han dedicado toda su vida a divulgar música es muy chévere, y segundo, porque están usando el formato que a mí me enseñó a escuchar música que es el vinilo. Entonces mi idea con este EP era rescatar esas cosas del vinilo que me gustan, esos ritmos y cosas raras para meterlas en un formato que fuera accesible para todo el mundo”.Esa idea de traslado sonoro converge en la pista de baile, en el goce por el goce. La fuerza de la cumbia está allí, en disponer los cuerpos aunque no reconozcan la voz, aunque jamás hayan escuchado un disco completo de cumbia. Con esa idea, Orjuela se sentó a hacer música: “Este es un EP hecho para la pista de baile, que si bien tiene mensajes oscuros y fuertes, puede ser una primera aproximación a la cumbia para alguien. También quise hacer un homenaje al formato y a esa música, pero no quiero hablar de revivir porque no están muertos. Y desengáñense, yo no estoy rescatando nada, básicamente dándoles un poquito más de voz, eso sí es algo que estamos haciendo”.El formato de Amargura Continental también fue una apuesta de Orjuela, junto al Sello In-Correcto. A modo de homenaje -y como acto de un nostálgico confeso- el EP fue publicado en cassette y cuenta con un código de descarga, es decir, se encuentra en diferentes plataformas de streaming.El Hanan: el centro de la música electrónica en LatinoaméricaEsta producción puede entenderse como un puente sonoro entre la música latinoamericana y la música electrónica. Para eso, fue necesario volver en el tiempo y pensar en los artistas que durante años acompañaron a Felipe, pero “sentía que había una desconexión en las herramientas tecnológicas para hacer música electrónica porque eran completamente occidentales”. Esa vuelta atrás la define como “nostalgia burguesa”.La pieza que completaba el rompecabezas es el Hanan, el origen de la electrónica latinoamericana. Se trata de un instrumento-máquina rústica, artesanal, que hereda las formas sencillas de los primeros videojuegos y permite hacer cumbia electrónica. Asegura Orjuela que el Hannan nace de la misma pregunta que él se hacía: “¿cómo hacer una máquina que tenga el sonido Latinoamericano como único lenguaje?”Sin Hannan no hay Amargura Continental. El encuentro de Orjuela con esa máquina fue definitiva en el proceso creativo de las cuatro canciones que componen en EP: La Niebla, Cumbia del Hanan, El peñón de los Bailes y El Campeón de Soledad, Atlántico. “Yo creo como que cuando uno piensa música electrónica latinoamericana, uno piensa como un tipo con un bite house y encima una gaita o encima un acordeón con delay. Y ese no es mi interés, aunque yo toqué acordeón. Lo que quiero hacer es explorar esta nueva forman -súper guerrillera- de hacer música electrónica, que es una máquina de música electrónica latinoamericana, programada Latinoamérica. Esta máquina tiene el ADN de la cumbia”.Diálogos y ruidos: un tejido musicalEn este disco se sobreponen diálogos de películas, discursos y sonidos que configuran un solo tejido musical, un lenguaje propio que atraviesa la oscuridad y la distorsión, sin perder cadencia, ni dejar de lado las ganas de bailar. Felipe Orjuela concibe cada canción con una palabra:La Niebla: MemoriaEn medio de la distorsión, una voz se abre paso en medio de la primera canción del EP. Se trata de uno de los discursos que Marta Rodríguez y Jorge Silva, documentalistas colombianos, incluyeron en Campesinos, una de sus producciones más recordadas. Orjuela rescata de esta canción el concepto de Memoria porque “problematiza qué es la música, qué es hacer música en Latinoamérica y sobre todo, qué es lo que no está escrito, los libros no escritos de la música latinoamericana”. De nuevo, una inmersión en el pasado, en los archivos y las verdades que no han tenido la suficiente repercusión. “Y hay una historia diferente que no hemos entendido o que no hemos oído”.Cumbia de Hanan: MáquinaEsta canción es un monólogo de ruido. “Si bien no tiene diálogos, quien habla es esta máquina, es la que hace todo”. Como en todas las piezas de esta entrega el sonido es mixto, los sample cuidadosamente ubicados permiten identificar instrumentos sonidos, juega con la memoria sonora pero aterriza en una pregunta constante en todo el EP: ¿Qué es eso? Orjuela cuenta que ese fue su propósito: “Era la idea, meter todo, también un poco de reguetón ahí, porque tiene como un bit de perreo bueno. Tal como está ahí es la música latinoamericana, suena a Miami, pero no lo es. Pero sí lo es. No satanizar ningún ritmo”.El Peñón de los Bailes: Sonideros“Se llama así porque cuando Uno llega al DF, el barrio al que uno llega es el Peñón de los Bailes y a mí los sonideros me parecen los máximos reyes del mundo, junto a los piqueteros, porque son visionarios. Son gente con un oído muy avanzado. Ellos vienen a Colombia desde los 60 y 70’s a buscar cumbia para poner en sus fiestas, lo que nosotros despreciamos, lo que nosotros no contamos, ellos lo volvieron propio, al punto que en Monterrey la cumbia es más de ellos que nuestra”.El Campeón de Soledad, Atlántico: Picoteros“El Picotero siempre anda con el interés de mostrar música. Así no te diga el nombre, su profesión es rastrear los discos exclusivos para mostrarte, para contarte historias y por eso me gusta mucho el diálogo: “Yo no soy ningún campeón, pero estoy dispuesto a pelearme con el que sea”, porque esa es la idea, yo no tendré lo mejor, pero seguramente te lo voy a poner y te va a gustar, te lo juro”.
Tras varios meses de rumores, este lunes 13 de septiembre se confirmó una de las colaboraciones musicales más anticipadas e importantes del año: My Universe del grupo BTS junto a Coldplay que será lanzada al mercado el próximo 24 de septiembre. La canción será el segundo lanzamiento de sencillo que se haga del álbum "Music of the spheres" de la banda británica, producida por Max Martin y contará con tres versiones: una, cantada en inglés; otra, en coreano, y una instrumental.Como parte de una estrategia publicitaria, por cada compra del álbum a través de la página de Coldplay en cualquiera de los formatos disponibles (CD, vinilo o cassette), la banda propone plantar un árbol para ayudar a proteger el medio ambiente. El single también cuenta con una versión física en exclusiva para Corea del Sur cuya compra anticipada en Weverse abrió a las 10.00 p. m. en Seúl. Según reportes de ARMY, los ejemplares limitados se agotaron en tan solo 10 minutos.El acercamiento entre las dos bandas llegó luego de que BTS realizara un cover de Fix you para su performance en MTV Unplugged, a lo que la banda liderada por Chris Martin le dedicó elogios a su interpretación. No obstante, el pasado 9 de septiembre, Martin y los integrantes de BTS conversaron para YouTube Released por el lanzamiento de una versión especial de Permission to dance.
ABBA es el grupo de pop sueco más famoso de todos los tiempos. Durante la década de los años setenta, fueron un suceso masivo que vendió más de 500 millones de discos alrededor del mundo. Su nombre ABBA, es un anagrama a partir de las iniciales de sus integrantes. Desde 1981, el año en que se separaron, los integrantes han sufrido golpes a lo largo de los años. La madre de Agnetha se suicidó en 1994. Su ex esposo, Bjorn, otro de los miembros, se convirtió en adalid de los pagos electrónicos después de que uno de sus hijos sufriera un robo. Y Benny es un ex alcohólico. Sin embargo, la historia de Frida permaneció por mucho tiempo bajo secreto y lejos de sus fans.Lebensborn Eingetragener Verein fue la organización creada por el líder de las Schutzstaffel (SS), Heinrich Himmler, con el objetivo de expandir de manera biológica el ideario nazi, impulsando a los soldados para que tuvieran niños arios con mujeres “aptas racialmente” no solo en Alemania, sino también en los territorios ocupados. Entre estos estaba Bjørkåsen, el pueblo noruego donde nació la hija de Synni Lyngstad, el 15 de noviembre de 1945, a seis meses de acabar la II Guerra Mundial.El programa contaba con guarderías para atender a los hijos del producto y planes de compensación financiera para las mujeres de los países ocupados que accedieran a tener hijos con los ocupantes. Muchos niños eran cedidos por las madres que aceptaban los requerimientos del programa y otros eran directamente secuestrados. Además, el programa promovía la "producción" de hijos de oficiales nazis, quienes podían demostrar con cierta facilidad su "pureza racial", pero luego los organizadores del Lebensborn alentaron también a los soldados comunes del ejército a sumarse a este plan.Uno de esos soldados comunes fue el sargento Alfred Haase, de 24 años que se encontraba en Noruega, uno de los escenarios favoritos de los impulsores del Lebensborn. El sargento llegó en 1943 al pueblo de Ballangen, al norte de Noruega, donde ya existía una filial del programa. Aunque estimulado por los preceptos del programa de reproducción racial, el sargento conquistó a Synni Lyngstad, de 18 años y mantuvo una relación de meses con la joven noruega.Cuando el sargento Haase marchó de regreso a Alemania, en 1945, Synni estaba embarazada y ya nunca volvería a ver al hombre del que se enamoró. Frida, que iba a nacer el 15 de noviembre de ese año, fue concebida pocos meses antes de la derrota de los nazis, mientras los alemanes todavía tenían a Noruega como territorio de ocupación, y nació cuando el Lebensborn ya había sido desmantelado, Hitler se había suicidado y Berlín ya había caído en manos del ejército soviético y los Aliados.La pequeña Frida nació cuando el mundo comenzaba a conocer la barbaridades de los nazis y cuando ya no había organizaciones "arias puras" que pudieran hacerse cargo de los niños del experimento. Despreciada por sus vecinos, Synni escapó a Suecia junto con su madre y con Frida a cuestas. Sin embargo, ella moriría años después, dejando a la futura cantante de ABBA al cuidado de su abuela."No tenía muchos amigos, yo pensaba que todo acerca de mí estaba mal, que no había nada en mí que mereciera ser amado", contaría Frida muchos años después en las pocas entrevistas en las que habló sobre el tema. Su madre le había dicho que su padre era un soldado alemán que murió ahogado.Sin embargo, en 1977, cuando ABBA estaba en los rankings musicales del mundo, una joven en Alemania, fanática del grupo sueco, se enteró de que la cantante de cabello oscuro era la hija de un soldado alemán llamado Alfred Haase. El ex sargento vivía en ese entonces en Stuttgart, junto con su esposa y dos hijos. Entonces, gracias a la inquietud de la fan del grupo, Frida se enteró de que su padre estaba vivo. Se arregló un encuentro entre ambos y aunque quedaron en contacto por algún tiempo, no funcionó para Frida. "Es difícil, hubiera sido distinto de haber sido una niña", confesó.Se estima que por lo menos 7.500 niños nacieron bajo el Lebensborn en Alemania y otros 10.000 en Noruega. El programa tuvo también clínicas en Polonia, Francia, Luxemburgo, Bélgica y Holanda.
Tras su participación en el Festival de Cannes, el próximo 15 de octubre, la plataforma Apple TV+ estrenará el documental sobre la banda The Velvet Underground, dirigido por Tood Haynes.En el tráiler que ha compartido la plataforma digital, se observan distintas entrevistas con John Cale y Moe Tucker, así como material de archivo que revela los primeros años de la banda (creada en 1964) junto a Lou Reed y Andy Warhol, mánager del grupo durante la primera etapa de consolidación.Además, el mismo día en que se tiene previsto el lanzamiento, se estrenará su soundtrack. Sobre la banda sonora, se conoció que se incluirán algunos de los grandes éxitos del grupo además de otros registros inéditos. La selección musical del documental fue curada por Haynes y Randall Poster.No obstante, antes del estreno de este documental, también se tiene previsto el lanzamiento de "I'll Be You Mirror", un álbum tributo al emblemático álbum debut de la banda. Su lanzamiento al mercado se tiene previsto para el próximo 24 de septiembre y se incluirán éxitos como "Run, Run, Run", "I'm Waiting for the Man" y el tema homónimo, interpretado por Courtney Barnett.
Nació como Rainford Hugh Perry el 20 de marzo de 1936 en Kendal, Hanover Parish, en el noroeste de Jamaica. Su madre le puso el sobrenombre de Lee. Un estudiante indiferente al que no le gustaba el trabajo manual, dejó la escuela en su adolescencia. Su amor por el baile en el dancehall local desencadenó una fijación con la música y lo llevó a escapar de Kendal a Kingston en 1960.Lee "Scratch" Perry alcanzó reconocimiento a finales de la década de los años sesenta por haber producido a algunos de los artistas más vanguardistas del reggae. “Soy el mejor productor discográfico que ha visto Jamaica. ¡Muchos dicen que soy el mejor del mundo!" dijo en 1984. Su influencia en la música se vio marcada por la ampliación del vocabulario en el sonido de la grabación en estudio. Incluso, Keith Richards llegó a asegurarle en 2010 a Rolling Stone que Perry era "el Salvador Dalí de la música". "Es un misterio. El mundo es su instrumento. Es un chamán", agregó.Inició en el mundo de la música desde 1961 y estuvo vigente hasta el final de sus días. Desde entonces, fue conocido como "Scratch", un apelativo extraído de "Chicken Scratch" (el título de una de las primeras canciones del sello Studio One de Clement "Coxsone" Dodd). También se le conocía como "The Upsetter” (Del sencillo "I Am the Upsetter" de 1967, una bofetada a su ex jefe Dodd).Después de un largo aprendizaje trabajando para Dodd y el destacado productor Joe Gibbs, Perry se lanzó por su cuenta en 1968. Uno de los primeros lanzamientos de su incipiente sello fue "People Funny Boy". La canción sigue un ritmo lento y con un fuerte acento que era nueva para la música popular de la isla, pero que todavía estaba dominada por los sonidos acelerados del ska y rocksteady. Sin embargo, se convirtió en una sensación local que alcanzó las listas de éxitos en Inglaterra después de su lanzamiento por Trojan Records, considerada una de las primeras grabaciones de reggae.Irrumpió aún más en el mercado internacional con una serie de instrumentales de influencia ska lanzados bajo el nombre de Upsetters con títulos inspirados en spaghetti western. El más grande de ellos fue "The Return of Django", que escaló rápidamente en las listas británicas.La alianza creativa más productiva de Perry se produjo en 1970, cuando volvió a reunirse con un trío vocal con el que había trabajado en Studio One: The Wailers. En ls sesiones producidas para Upsetter, Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer endurecieron su sonido y se convirtieron en uno de los primeros grupos jamaicanos en defender abiertamente las creencias rastafari.Aunque la asociación duró sólo un par de años, las grabaciones de The Wailers para Perry demostró ser la base del repertorio del grupo; esas composiciones (algunas de ellas escritas con Perry o perfeccionadas por él) incluían "Small Axe", "Keep On Moving", "Trenchtown Rock", "Concrete Jungle", "400 Years" y "Kaya", todas las cuales serían regrabadas más tarde por Island Records.Marley y Perry mantuvieron una relación personal y profesional cercana pero muy volátil hasta la muerte de cáncer de la superestrella del reggae en 1981. La pareja colaboró en canciones posteriores como "Jah Live" (un tributo a Haile Selassie, icono del rastafarianismo) y "Punky Reggae Party".En 1974, Perry estableció su propio estudio en su casa en 5 Cardiff Crescent en el suburbio de clase media de Kingston en Washington Gardens. La placa de cuatro pistas del Black Ark, el retardo Echoplex y el combo eco / phaser de Roland crearon una gran cantidad de sonidos extravagantes.En 1976-77, Perry produjo algunos de los álbumes de reggae más originales jamás grabados: "War Ina Babylon" de Max Romeo, "Party Time" de los Heptones, "Police and Thieves" (cuyo tema principal de actualidad fue rápidamente cubierto por la banda de punk inglesa The Clash), "To Be a Lover" de George Faith y la combinación inclasificable de voz de Perry y doblaje “Super Ape”.El mundo comenzó a abrirse camino hacia su puerta: durante los años setenta, Paul y Linda McCartney, Robert Palmer y John Martyn grabaron en el Black Ark, y The Clash llevó a Perry a Londres para producir su sencillo "Complete Control". Sin embargo, en 1978 Perry mostraba signos de grave inestabilidad mental, en parte alimentada por el fuerte abuso de la potente marihuana y el ron. Relaciones importantes se disolvieron. Rompió bruscamente con Island después de que el jefe del sello Chris Blackwell se negara a publicar "Heart of the Congos" de Congos (ahora considerada la obra maestra del productor) y dos de los álbumes en solitario de Perry. En 1979, su esposa Pauline Morrison lo dejó por un miembro del grupo vocal The Meditations, que él había producido.A pesar de que realizó giras internacionales hasta los 80, dispersándose salvajemente, presentando una figura loca con trajes brillantes y a medida y, a menudo, luciendo una barba teñida de colores, Perry es mejor recordado por su voluminoso catálogo de grabaciones que llegó a casi 300 páginas de gran formato. Publicó más de 70 álbumes de estudio y en vivo con su propio nombre, y sus primeros trabajos se extrajeron en gran medida para reediciones de Trojan, Pressure Sounds, Heartbeat, Island, Blood & Fire y Doctor Bird. El mercado también se vio inundado de lanzamientos ilegítimos que llevaban el nombre de Upsetter. Apenas hasta el año 2019, lanzó seis nuevos álbumes de estudio.Entrando en el siglo XXI y en álbumes como “Techno Party”, el maestro del dub encontró una nueva forma de vocalizar sobre el trip-hop. Para cuando Perry llegó a "Must Be Free" de 2016, se veía a sí mismo tanto como un sanador como un artista. Perry fue un excéntrico hasta el final, y dijo en una de sus últimas entrevistas en 2020: “La música es perfecta. Estoy seguro de que la música es perfecta".
Con un retraso de varias semanas, "Donda", el último trabajo del músico Kanye West, fue lanzado en la mañana del domingo. El álbum, de dos horas de duración y 27 pistas, incluye una larga lista de invitados especiales, entre ellos Jay-Z, The Weeknd, Travis Scott y Lil Baby.También destaca la presencia, más controvertida, de Marilyn Manson, quien está acusado de violación y abuso sexual y psicológico de varias mujeres, y de DaBaby, que recientemente formuló comentarios homofóbicos durante una actuación. También Chris Brown, quien se declaró culpable de abusar de Rihanna en 2009, figura como compositor y letrista de la canción "New Again".El disco que aborda temas religiosos y la agitada vida personal de West, cambió dramáticamente el mes pasado durante las sesiones de escucha celebradas en Atlanta, Las Vegas y Chicago. El artista enfureció a algunos fanáticos después de que DaBaby y Manson aparecieran en su sesión de escucha en el porche de una vivienda improvisada que debía parecerse a la casa de la infancia de West.En la sesión también se hizo presente Kim Kardashian, quien solicitó el divorcio de West este año, poniendo fin a una unión de casi una década. En Chicago, Kardashian alimentó las especulaciones de que volverían a estar juntos después de aparecer con un vestido blanco y un velo, aunque, según varios informes, se trataba de un espectáculo puramente metafórico.
Después de 40 años de silencio discográfico, ABBA, una de las bandas de música pop más influyentes de todos los tiempos, confirmó que este 2021 volverán al ruedo con nuevo material de estudio. Así lo aseguró Björn Ulvaeus, uno de sus compositores y fundadores quien en diálogo con el periódico australiano The Herald Sun se refirió a los planes de la banda para los próximos meses. El popular cuarteto lleva sin publicar un nuevo contenido musical desde "The Visitors", publicado en 1981. Desde entonces, solo han lanzado discos recopilatorios con sus más grandes éxitos. Ahora, cuatro décadas después, la agrupación ha revelado que serán cinco las canciones nuevas que lanzarán al mercado el próximo jueves 02 de septiembre y con las que se espera que vuelvan al escenario.Los cuatro miembros de la banda que alcanzó la fama tras ganar el Festival de Eurovisión en 1974 hoy superan los 70 años: Anni-Frid Synni Lyngstad cuenta con 75, Björn Kristian Ulvæus tiene 76, Benny Andersson cumplió 74 años y Agnetha Åse Fältskog, es la más joven del grupo con 71 años.Además, ABBA estrenará un espectáculo de hologramas llamado "Abba Voyage", en el que presentará a sus 'Abba-tars' más jóvenes en el escenario interpretando grandes clásicos como "Mamma mia", "Fernando", "Gimme! Gimme! Gimme!", "Waterloo", "Dancing Queen" o "Chiquitita".
The Beatles celebrará el 50 aniversario de su álbum Let It Be con la publicación de una edición especial, que incluirá grabaciones inéditas que saldrá a la venta el próximo 15 de octubre.A través de un comunicado, la legendaria banda británica confirmó la noticia que llegó acompañada de un adelanto del álbum con tres canciones que están disponibles en todas las plataformas digitales: la versión de 2021 de "Let It Be"; el mix de Glyn Johns de "For You Blue" (1969) y la primera actuación del clásico concierto de "Don´t Let Me Down" desde una azotea.Esta edición especial del álbum seguirá la saga de las anteriores ediciones ampliadas de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" en 2017, "The Beatles: White Album" en 2018 y "Abbey Road" en 2019. Como estas, también se incluirá la remezcla del álbum en estéreo extraída de la sesión original, además de 8 grabaciones en azotea, y 27 grabaciones de sesión nunca antes publicadas.El 02 de enero de 1969, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr comenzaron a grabar el álbum -que se llamaba provisionalmente "Get Back" en los estudios de Twickenham, al suroeste de Londres. Allí, las semanas de ensayos fueron documentadas por las cámaras.Se trata de las únicas sesiones de The Beatles que han sido filmadas y conservadas. Aunque parte de ellas se ven en los 80 minutos de la cinta "Let It Be" de 1970, cientos de fotografías y más de 60 horas de película inéditas y 150 horas de grabaciones todavía no han visto la luz. Aún queda mucho por ver.
"Espiral" es el nuevo sencillo del cantante argentino Marcelo Ezquiaga y el primer adelanto de lo que será su noveno álbum de estudio. Luego de haber editado 3 trabajos discográficos como Mi Tortuga Montreux y 5 álbumes más como solista, el cantautor marca un nuevo rumbo musical en su carrera.Ezquiaga se conoció con Kramer en el año 2000, cuando ambos lideraban las bandas Mi Tortuga Montreux y Jaime Sin Tierra respectivamente y la colaboración se concreta finalmente este año. "Espiral" es una canción que habla de rupturas, comienzos y finales, de romper el hielo, de nuevos momentos, como si hubiera sido compuesta en medio de una guerra (o una pandemia). Es una canción que emerge con fuerza y marca un antes y un después en el camino de estos dos artistas. Marcelo inició su camino como solista en 2009 con el álbum “Un Buen pescador”. Durante su carrera, ha pasado por diversos escenarios como el Personal Fest, el Ciclo Nuevo, Estudio Abierto de Buenos Aires, BAFICI, así como en algunos de los grandes escenarios de Latinoamérica y Europa.En 2016 graba un Homenaje a Carlos Gardel cantando a dúo con artistas de todo Latinoamérica entre los que participaron Julieta Venegas, Kevin Johansen y Rubén Albarrán de Cafe Tacvba.
¿Quién no ha cantado a viva voz la letra de “What’s Up”, o gozado en la pista de baile con “Funkytown”, “The Rhythm Of The Night” o “Pump Up The Jam”, e incluso, intentado tararear parte de la letra de “Who Let The Dogs Out?” o “La Macarena”? Estos y otros éxitos con los que muchos crecimos tienen algo en común: son One Hit Wonders. Tuvieron uno y eso fue todo.Esta expresión anglosajona surge para referirse a los artistas que hicieron historia con una sola canción y que se quedaron a la espera de una segunda oportunidad en los listados de Billboard. Incluso, hablar de música sin el impacto que dejaron en la cultura musical sería muy aburrido.Como si fuera poco, los One-Hit Wonders gozan una mala reputación. Mientras que para algunos son un golpe de suerte, para otros, estas leyendas son la prueba suficiente de que hay bandas que a veces hacen algo que vive para siempre, aunque eso no signifique que sea realmente sea bueno.¿Pero cómo determinar un auténtico One-Hit Wonder? El criterio bajo el cual se pueden catalogar son los charts de Billboard, es decir, son artistas que aunque llegaron al No. 1 en los listados de sus distintas categorías con un éxito, no volvieron nunca más. Por ejemplo, hay artistas como Ben E. King que aunque cosechó una amplia carrera, sólo es reconocido internacionalmente por "Stand By Me".Es el caso de Rick Astley con "Never Gonna Give You Up", A-ha con "Take On Me", Soft Cell con "Tainted Love" y The Human League con "Don't You Want Me". Todos corrieron con la misma suerte. Sus carreras intentaron supervivir con más trabajos musicales, pero ninguno superó su único hit.Esta semana, el mundo celebra una fecha especial para recordar aquellos éxitos que marcaron una generación y que aunque probaron de las mieles del éxito, no les alcanzó. Por eso, hicimos una recopilación con los 100 mejores éxitos que se quedaron para siempre en nuestro ADN musical.
Con esta edición de INTENSIVO, Espacio Odeón reunirá colectivos y agentes que privilegian el arte y el símbolo como medios que incomodan, resignifican, convocan y transforman. Son cuerpos en emergencia, es un estallido social que creció y se visibilizó durante las manifestaciones en Colombia. INTENSIVO abre un espacio para fortalecer y ampliar una red de proyectos artísticos, comunitarios y de resistencia que se vienen construyendo desde hace años, que cada vez se apropian más del espacio público; son manifestaciones culturales cargadas de una necesidad colectiva de cambio.A lo largo de tres semanas, los espectadores encontrarán en INTENSIVO un performance sobre el fusilamiento de José Padilla (1828), otro alrededor del fenómeno de la minería, una pintura hecha en vivo que se pregunta sobre la figura de Quintín Lame, entre otras manifestaciones. También habrá espacio para el baile a través de laboratorios de danza (abierta al público y gratuita) y muestras de Voguing, una expresión activista de resistencia contra la marginación de grupos minoritarios que nació en la década de los ochenta en Estados Unidos.Además, INTENSIVO será la oportunidad para construir memoria sobre la protesta social en Colombia. Por ejemplo, tendremos archivos y proyecciones de diferentes movimientos estudiantiles y barriales que han sido fundamentales en el estallido social, ofreceremos una cocina colectiva alrededor de la cual queremos reflexionar sobre el territorio, sus luchas, las huertas urbanas o el compostaje en las ciudades, y construiremos un mapa colectivo y colaborativo del paro y su geografía. En total serán más de 15 invitados y cerca de 20 acciones que se desarrollarán en el Espacio Odeón, pero también en otros lugares de Bogotá y Cali.La programación será una oportunidad para expresarse, reclamar, refugiarse, crear y explorar sobre la urgencia y la necesidad de articular un proceso de reconocimiento y de análisis colectivo. Mucho más, teniendo en cuenta este momento de hartazgo, de afectación y de transformación social. Será un lugar para compartir saberes, experiencias y gestos que nos atraviesan históricamente y se manifiestan con cada vez más fuerza en el espacio público y el cuerpo colectivo.
Como parte de las apuestas y estrategias para difundir el legado vivo que la Comisión de la Verdad le dejará a la sociedad colombiana y al mundo al final de su mandato, del 16 de septiembre al 7 de octubre, los martes y jueves a las 6:00 p.m., en la página de Facebook de Artes Visuales MinCultura, la Comisión de la Verdad y el Ministerio de Cultura llevarán a cabo una serie corta de conversaciones interdisciplinarias entre distintos miembros de la Comisión de la Verdad y siete artistas que están exponiendo una de sus piezas en los 17 Salones Regionales de Artistas. Las charlas también se replicarán en la cuenta de Facebook de la Comisión de la Verdad.Los artista y moderadores de la Comisión de la Verdad pertenecen a cada una de las siete regiones en las que están estructurados los Salones Regionales, y su obra reflexiona sobre la relación entre el arte y el territorio desde distintos temas de especial interés para el trabajo de la Comisión de la Verdad.En términos generales, los Salones Regionales de Artistas son uno de los programas nacionales más importantes para los artistas emergentes en Colombia, y resulta interesante articularlo con el trabajo de la Comisión de la Verdad no solo porque ambos comparten un enfoque territorial, sino porque algunos de los artistas jóvenes que están exponiendo este año reflexionan sobre problemáticas relacionadas con la misión de la Comisión de la Verdad, como la violencia, el patriarcado, el racismo, la estigmatización, las afectaciones al medioambiente por cuenta del conflicto armando interno, la resistencia, el arraigo y la defensa del territorio, los procesos de memoria y la construcción de paz.El objetivo de estas charlas es entonces promover un diálogo interdisciplinario con un enfoque territorial entre algunos artistas que participan en los Salones y los coordinadores de las macroterritoriales de la Comisión de la Verdad. Hablar desde el arte de estos temas le permite a la Comisión de la Verdad reflexionar desde otros lenguajes sobre las problemáticas sociales, políticas, económicas y culturales propias de cada territorio, y que han aparecido en su ejercicio de investigación, reconocimiento y escucha profunda a lo largo de su mandato.El cronograma acordado para este ciclo de conversaciones es el siguiente: Jueves 16 de septiembre / 6:00 p.m.Región Orinoco-AmazoniaObra: El indio dormido, de Pablo Andrés González RojasConversa con: Heriberto Tarazona, coordinador de la territorial Guaviare de la Comisión de la VerdadPablo González Rojas nació en Mesetas, Meta, Colombia (1988). Inició su trayectoria artística en el año 2015 cuando ingresó al pregrado de Artes Plásticas en la Fundación Universitaria de Bellas Artes. Indaga sobre el trauma individual y colectivo a causa de la violencia política en Colombia y su consecuencia sobre el territorio, la memoria y la identidad. Fue uno de los ganadores del programa de Estímulos por parte del Ministerio de Cultura en la categoría de reconocimientos nacionales en el 2020 y participante del III encuentro de Investigación en la Fundación Universitaria Bellas Artes en el 2018. Actualmente, continúa su carrera como artista en la Universidad de Antioquia.Descripción breve de la obra: El indio dormido aborda la relación del territorio y los conflictos sociales. Utiliza el machete como parte de la construcción simbólica que constituye la violencia en Colombia, sobre todo en los Llanos Orientales.Martes 21 de septiembre / 6PMRegión OrienteObra: Intervalo, de Paula TorradoConversa con: Lorena Corvera, coordinadora territorial de Norte de Santander de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Artista visual y magíster en Museología y Gestión del Patrimonio de la Universidad Nacional de Colombia. Su trabajo artístico explora las intersecciones de la memoria cultural, la cultura visual y el entorno construido en espacios fronterizos con identidades inciertas. Sus intereses en el campo de la museología se enfocan en las prácticas decoloniales en las instituciones culturales y en los procesos de construcción de memoria histórica a través del arte.Descripción breve de la obra: Intervalo es un ensayo visual sobre un tránsito a través de la frontera colombo-venezolana, y sobre el margen en constante mutación que contiene las historias en territorios marcados por la migración.Jueves 23 de septiembre / 6:00 p.m.Región Centro-OccidenteObra: Hijos de hilos, deshilándose, de Laura Vallejo VelásquezConversa con: Óscar Martínez, coordinador territorial Pereira de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Laura Vallejo Velásquez nació en Medellín. Es artista plástica de la Universidad Nacional de Colombia y comunicadora gráfica publicitaria de la Universidad de Medellín. Trabaja en el equipo de educación del Museo de Antioquía desde 2019. Fue ganadora de la convocatoria de estímulos “Arte con alma” del Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquía, con la obra Al amparo de los días. Ha participado en exposiciones colectivas y ha sido finalista de diferentes convocatorias artísticas en Medellín. Los temas de su obra son la familia, el cuerpo, las emociones y las herencias.Descripción breve de la obra: La obra plástica está conformada por una trilogía de videos cuyo hilo es un narrador que reflexiona sobre la ausencia, el duelo, el peso emocional, físico y psicológico de la pérdida.Martes 28 de septiembre / 6:00 p.m.Región CaribeObra: Encuentros 1, de Ramón Eduardo LinerosConversa con: Ángela Rodríguez, coordinadora de la territorial Córdoba de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Ramón Lineros Picón nació en Ocaña, Norte de Santander, Colombia, en 1994. Es artista y gestor cultural, vive y trabaja en Aguachica, departamento del Cesar. Es egresado de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es director de “PaEntro” Espacio, una institución dedicada a la creación y difusión de prácticas artísticas en el sur del Cesar, Magdalena Medio y Catatumbo, propiciando laboratorios, residencias, exhibiciones, encuentros, viajes, podcasts y movilizaciones con comunidades rurales y urbanas.Descripción breve de la obra: Encuentros 1 es una serie de encuentros con comunidades de Aguachica, Gamarra y Loma de Corredor, Cesar, que reactiva manifestaciones musicales tradicionales del río Magdalena, y reflexiona sobre el territorio, la historia y la memoria.Jueves 30 de septiembre / 6:00 p.m.Región PacíficoObra: Marimba expandida, de Daniel Escobar VásquezConversa con: Gerardo Peña, coordinador de la territorial Cauca de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Daniel es comunicador social de la Universidad del Valle con estudios de Ingeniería Electrónica, y Magíster en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero de Argentina. Nació en Cali y le interesa el diálogo entre tecnologías y medios digitales, y prácticas culturales tradicionales. Descripción breve de la obra: Marimba expandida es una instalación interactiva que utiliza como interfaz una marimba de chonta, combinando proyecciones de video sobre arena y una proyección de videomapping sobre la misma marimba. La instalación invita al público, sea músico o no, a que toque la marimba. Este trabajo explora el intercambio entre los saberes ancestrales de la construcción y ejecución de instrumentos musicales artesanales, y los saberes de la creación visual y electrónica.Martes 05 de octubre / 6:00 p.m.Región SurObra: Abuelo, de Carlos ZúñigaConversa con: Diana Trujillo, coordinadora de la territorial Tolima de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Carlos es Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad del Tolima. Nació en el municipio de Rioblanco al sur del departamento del Tolima. Es artista con estudios en Modelado y Texturizado 3D. Obtuvo una tesis meritoria por su trabajo de grado Narrativas de río, donde aborda de la normalización de la violencia en su natal Rioblanco.Descripción breve de la obra: El abuelo es una obra que reflexiona sobre el río como testigo de la violencia en Colombia. En su municipio natal, al río lo conocen como el abuelo, y en la década de los noventa el grupo paramilitar AUC amenazaba a la población con mandarlos a hablar con él.Jueves 07 de octubre /6:00 p.m.Región CentroObra: El reloj de arena, de Pedro Gustavo JiménezConversa: con Darío Sendoya, coordinador de la territorial Bogotá de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Pedro Gustavo es artista plástico y educador. Es maestro en artes plásticas y visuales, con estudios en Literatura, promoción de lectura y escritura, ymediación cultural. Le interesa el trabajo comunitario y el reconocimiento de saberes y memorias locales y territoriales. Participó en un programa de promoción de lectura y escritura en espacios no convencionales de Fundalectura dirigido a niños y niñas, adolescentes y jóvenes, y en la exposición Voces para transformar a Colombia del Museo de Memoria de Colombia.Descripción breve de la obra: El reloj de arena es una obra que se compone de un archivo de relatos e imágenes de la historia de sus abuelos paternos, atravesada a su vez por la historia de las migraciones del campo a la ciudad y el proceso de expansión urbana de Bogotá.
Como aporte a la reactivación económica de la ciudad y con el fin de resaltar la importancia del conocimiento y uso de las plantas en la alimentación humana, este fin de semana el Instituto para la Economía Social - IPES y el Jardín Botánico de Bogotá se unen para realizar el primer Festival Gastronómico "Sabores del Jardín".Coincidente con las actividades que la Administración Distrital viene programando para celebrar el Día del Amor y la Amistad, este 18 y 19 de septiembre las dos entidades se lanzan en una apuesta de sabores, aromas, conocimientos, secretos de las abuelas, saberes ancestrales y otras experiencias en torno a la cocina tradicional de plazas de mercado como La Concordia, La Perseverancia, Trinidad Galán, 7 de Agosto y Las Ferias, que en esta ocasión se desplazan desde sus lugares de origen hasta la plazoleta exterior del Jardín Botánico para el deleite de visitantes nacionales y extranjeros.Tras la reapertura gradual y controlada de varios sectores de la economía, desde junio de este año el IPES y el Jardín Botánico han comenzado a desplegar estrategias encaminadas a apoyar a los comerciantes de las plazas de mercado así como a las y los agricultores urbanos, generando canales de venta de excedentes de sus productos en las jornadas que se han denominado “Bogotá es mi huerta : mercados campesinos agroecológicos”, que también cuentan con el respaldo de la Secretaría Distrital de Desarrollo Económico.Así las cosas, se dispuso la realización de un primer encuentro de sabores de la plaza, esta vez en el Jardín, con un enfoque que reivindica la importancia de las plantas aromáticas, condimentarias, medicinales y frutos de las huertas domésticas, comunitarias e institucionales para la seguridad alimentaria de la población.Desde la línea de investigación científica y de la mano con los profesionales de educación ambiental del Jardín Botánico, semanalmente se desarrollan espacios orientados a exaltar los usos y aplicaciones de las plantas a través de jornadas virtuales y presenciales enfocadas al conocimiento de la gastrobotánica y a la divulgación de recetas únicas y especiales en el espacio Botánica a la mesa.Antójese, aprenda y disfruteEl Festival Gastronómico "Sabores del Jardín" pone a disposición de los visitantes el mejor ajiaco santafereño de 2020, platos típicos del altiplano cundiboyacence con representantes de alta calidad, chocolates del pacífico colombiano, sándwiches artesanales, postres, ensaladas de frutas y jugos serán, entre otros, los protagonistas de este evento.El festival incluye además productos en su estado natural como frutas, verduras, especies y frutos secos; productos ciento por ciento orgánicos y otros procesados que entrarán a formar parte de la oferta alimenticia de esta primera versión.“No solo estamos aportando a la reactivación económica de nuestros productores agroecológicos sino, además, a la alimentación sana, divertida y con valor agregado para la ciudadanía que entiende que lo que está consumiendo hace parte de la enorme riqueza botánica de nuestra ciudad –región y que la naturaleza de manera generosa nos brinda salud y bienestar”, destacó Martha Liliana Perdomo, directora del Jardín Botánico de Bogotá.Por su parte, el director del IPES, Libardo Asprilla Lara, subrayó que este trabajo colaborativo “permite resignificar la labor de cientos de personas que viven de la preparación de platos tradicionales en un momento de transición y rescate de nuestras costumbres para enfrentar con alegría la nueva normalidad que dejará la pandemia”.
En septiembre, Film&Arts presenta “Victoria” en Colombia, la serie protagonizada por Jenna Coleman que retrata la vida de la reina Victoria. Con tan solo 18 años, Victoria asume el trono y con ello una historia llena de logros, compromiso, amoríos y lucha continúa. “Victoria” llega a la pantalla los jueves a partir del 30 de septiembre a las 10:00 pm.La vida de la joven Victoria, se transforma completamente cuando se convierte en reina. Ya no está escondida en el palacio Kensington y aunque su madre, la duquesa de Kent, confabulada con su consejero Conroy intentan reinar a través de ella, Victoria está determinada a ser independiente, aunque su inexperiencia la llevará a cometer errores e incluso le desatará algún escándalo.Hija del príncipe Eduardo IV hijo del rey Jorge III, Victoria fue criada bajo la supervisión de su madre. A pesar de vivir en constante debate interno entre la inmadurez de su propia edad, Victoria no actúa solo con ímpetu sino que tiene sus ideas sobre la vida monárquica, por lo que no pasará mucho tiempo para intentar influir en las decisiones políticas, convirtiéndose así en un ícono nacional con grandes valores férreos reflejo de la época en la que transcurre la historia.El guion de Victoria es el primer trabajo como escritora de Daisy Goodwin, novelista y antigua productora de televisión, quien declaró en un prólogo sobre la serie: “Nunca había escrito un guion antes, pero había vivido con la voz de Victoria durante tanto tiempo que casi parecía que ella misma lo estaba escribiendo. Tampoco faltaba material para la trama: ahora miramos hacia atrás y pensamos en su reinado como una época de magnificencia osificada, pero cuando llegó al trono había muchas personas cercanas a ella, además de la nación en general que pensaban que con apenas metro y medio de estatura y un nombre que sonaba peculiar, esa joven no sería capaz de ser la soberana del país que se estaba convirtiendo rápidamente en la nación más poderosa del mundo”.Victoria fue desarrollada por Rebecca Eaton y Damien Timmer, del equipo que produjo el drama de época Poldark. Además del protagónico de Jenna Louise Coleman (Doctor Who), el reparto de Victoria cuenta con Rufus Sewell (El ilusionista, Judy) como Lord Melbourne, Tom Hughes (Cruce de destinos) como el príncipe Alberto, David Oakes (Los Borgia) como Ernesto, y la actriz alemana Daniela Holtz (Phoenix) quien se encarga de dar vida a la baronesa Louise Lehzen, entre otros.El canal Film&Arts está disponible en Colombia por Claro (1621), Directv (746), Movistar (607).Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. Con una imagen moderna y vanguardista que subraya “el arte del entretenimiento”, el canal brinda a su audiencia una amplia gama de contenidos de alto nivel entre los que destacan grandes espectáculos de Broadway, eventos en vivo y algunas de las series de época más aclamadas de la actualidad, así como programas de entrevistas, documentales y destacadas películas orientadas a las artes. Disponible en HD las 24 horas del día, Film&Arts es contenido de alto valor estético para una audiencia exigente.
Luego de ser presentada la incompleta delegación de autores colombianos invitados a la edición 80 de la Feria de Madrid, evento en el que Colombia es el país invitado de honor, una oleada de críticas cuestionaron el modelo de selección de autores y el peligro de la neutralidad en los discursos oficiales.Algunas librerías españolas se pronunciaron en defensa de la libertad de los escritores. "Las listas negras de autores y autoras, no olvidemos, son solo la punta del iceberg de un país donde decenas de chicos y chicas que estaban en las protestas han sido desaparecidos, torturadas, violadas, perseguidos, estigmatizadas o directamente asesinados", aseguraron algunos de los miembros de las compañía editoriales.Tras algunos días álgidos y luego de las declaraciones del embajador en España, Luis Guillermo Plata, el Presidente Iván Duque ha cancelado el foro literario en el que presentaría su nuevo libro, el segundo volumen sobre Economía Naranja, en compañía del ex ministro Felipe Buitrago, durante el 16 y 17 de septiembre.Al momento de la publicación de esta noticia, no se ha pronunciado la Cancillería ni el presidente sobre la cancelación del evento.
