Stranieri Ovunque - Extranjeros en todas partes es el título de la 60 Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia que se podrá visitar hasta el 24 de noviembre y que, comisionada por primera vez por un representante de América del Sur, el brasileño Adriano Pedrosa, cuenta con 88 pabellones nacionales en esta cita.Panamá y Senegal se estrenan con pabellón propio en esta 60 edición que será presentada a partir de mañana a los medios de comunicación antes de su apertura al público el próximo sábado, y a la que cuatro países acudirán por primera vez: Benin, Etiopía, Tanzania y Timor Oriental.IsraelEl que no abrirá es el pabellón israelí ya que la artista Ruth Patir y sus comisarios han anunciado este martes que no lo inaugurarán "hasta que se alcance un acuerdo de alto el fuego y liberación de rehenes" en Gaza.La artista y los comisarios, que han querido así "adoptar una postura de solidaridad con las familias de los rehenes y la amplia comunidad de Israel que reclama un cambio", han anunciado su decisión en un cartel en el exterior de su pabellón, titulado (M)otherland.En febrero, miles de artistas, instituciones y organismos culturales pidieron a la Bienal de Venecia la exclusión de Israel por considerar "inaceptable acoger a un Estado comprometido en las atrocidades que continúan contra los palestinos en Gaza", lo que fue rechazado por los organizadores.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo extranjeroEl título de esta edición surge del colectivo Claire Fontaine de Palermo, cuyas obras son esculturas de neón de colores con las palabras Extranjeros en todas partes en numerosos idiomas.Adriano Pedrosa explica los varios significados de la expresión: "En primer lugar, que vayas donde vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros. Ellos/nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, que no importa dónde te encuentres, siempre eres verdaderamente, y en el fondo, un extranjero".La cita artística se centra también en el artista 'queer', como el que se mueve dentro diferentes sexualidades y géneros, a menudo perseguidos o prohibidos; el artista 'outsider', que está situado en los márgenes del mundo del arte, o el indígena, frecuentemente tratado como un extranjero en su propia tierra.Así, los artistas indígenas tendrán una presencia emblemática en la Bienal, donde el colectivo Mahku de Brasil pintará un mural monumental que recibirá a los visitante en la fachada principal del Pabellón Central. O como el colectivo Maataho de Aotearoa/Nueva Zelanda, que presentará una instalación de gran tamaño.España y la descolonizaciónSandra Gamarra Heshiki es la primera artista no nacida en España elegida para el pabellón español en la Bienal Venecia que en el proyecto artístico Pinacoteca Migrante, comisariado por Agustín Pérez Rubio, rastrea el pasado colonial español tomando como punto de partida cuadros y objetos de los museos nacionales.La descolonización de los museos se ha convertido en uno de los temas más actuales del panorama artístico internacional y Gamarra (Lima, 1972) ha creado su particular museo a partir de obras ya existentes en las colecciones de las pinacotecas españolas y que ha copiado o modificado o las ha usado para elaborar 'collages', que tratan de crear conciencia sobre la mirada colonial europea.Latinoamérica, más de cien artistasLa importante presencia latinoamericana en esta prestigiosa cita internacional se traduce en más de un centenar de artistas invitados, un tercio del total, y una decena de pabellones nacionales: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, Puerto Rico contará por primera vez con representación con la organización afropuertorriqueña Consolato REM Brega!!!, que mostrará su exposición Desde San Juan Bautista... dentro de los Eventos Colaterales seleccionados por Pedroso para la 60 edición del festival.En estos Eventos Colaterales estará también el proyecto audiovisual Bestiari, del artista y cineasta Carlos Casas, con el que Cataluña acude a la Bienal.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La curadora de la muestra, Alesha Mercado Besserer, dijo que Cauduro, fallecido en 2022 y considerado uno de los muralistas contemporáneos más destacados del país, fue un luchador social con un compromiso con la justicia y con temas relacionados con la desigualdad.“Más allá de su estética, más allá de su técnica increíble, que la gente sepa que Rafael Cauduro fue un gran luchador social, una manera muy distinta de pensar, una manera como muy fuera de la caja de asimilar las cosas y, desde la caricatura, ves esta fuerte crítica social”, explicó en una entrevista.Los migrantes, los personajes cotidianos, los políticos y las mujeres son personajes que viven en la obra de Cauduro, quien tuvo su culmen con el mural Los siete crímenes mayores, que colocó en la Suprema Corte de Justicia de la Nación en 2009 y en donde plasma parte de las injusticias que viven los habitantes de México.La retrospectiva está compuesta por 131 piezas, entre dibujo, escultura y pintura, muchas de ellas conservadas por el pintor y otras de coleccionistas que colaboraron con la exposición, que muestra por primera vez cinco piezas en gran formato, incluyendo el 'Ángel de la enunciación'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La muestra abre con un espacio que simula el estudio de Cauduro, artista autodidacta, para luego mostrar piezas creadas en sus inicios como dibujante y obras en gran formato que revelan la evolución del pintor en la técnica y materiales, así como en los temas que abordaba, afirmó Mercado Besserer.La intención de la retrospectiva es hacer un homenaje a Cauduro, pero también las nuevas generaciones conozcan su obra, pues tuvo pocas exposiciones en vida porque prefería trabajar en su taller, explicó Liliana Pérez Cano, directora de la Casa Estudio Rafael Cauduro.“Era para volver a que los jóvenes conocieran más de su obra, porque Rafael dejó de exponer mucho tiempo y de esta manera era atraer a las nuevas generaciones que conozcan sobre él”, expresó.Entre sus obras figuran murales en tela en espacios subterráneos de Londres, París y Ciudad de México, el mural sobre tela Historia en el Cabús, en el edificio de la Secretaría de Comunicaciones y Transportes, y Vivir en el Arte, en la fachada del Edificio Cauduro en Ciudad de México.La muestra permanecerá en Guadalajara hasta junio de 2024 y en 2025 viajará al Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes y a la ciudad de Colima en lugar por definir.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El hallazgo de los códices de San Andrés Tetepilco, por el nombre de la localidad del sureste de Ciudad de México de donde son originarios, es una noticia "sin precedentes", dijo este miércoles Baltazar Brito, director de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, que los integrará a su acervo.Es un compendio realizado bajo la escritura tradicional indígena que "hasta el día de hoy se había mantenido oculto a la visión pública", destacó el historiador al presentar a la prensa fotos y videos de los documentos.Los vestigios pictográficos "de autenticidad comprobada" fueron manufacturados hacia finales del siglo XVI y principios del XVII por "tlacuilos", término que designa a los pintores e ilustradores que cumplían función de escribanos en el México prehispánico y siguieron activos durante la colonia, añadió Brito.Dos de los códices abordan la fundación del pueblo originario de Tetepilco y el inventario de los bienes de la iglesia local, mientras el tercero resulta el más "espectacular", según los especialistas, por sus dimensiones y contenido."Aquí la historia fue plasmada con pictografías sumamente coloridas que (...) narran la historia de Tenochtitlan (antigua Ciudad de México) a través de cuatro temas principales", explicó Brito sobre la pieza identificada como "la tira de Tetepilco".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dichos temas son la fundación de la capital azteca en el siglo XIV, el registro de los tlatoque o señores que la gobernaron; la llegada de los conquistadores en 1519 y, finalmente, el período virreinal, con el arribo del virrey Juan de Mendoza y Luna, en 1603, último evento registrado en el pictograma.La tira destaca por su colorido, donde predominan el amarillo, el rojo, el negro y el azul, y la "gran maestría técnica" del tlacuilo, quien exhibe gran dominio de la pintura prehispánica y europea para representar a cada personaje, indicó María Castañeda, académica de la Universidad Nacional Autónoma de México."Esto es como si en Europa apareciera hoy en día un Rembrandt, un Murillo o un Velázquez, es lo mismo, es impresionante", añadió la investigadora, la primera que hace 15 años pudo ver fotografías de los códices, pues sus propietarios querían confirmar si eran auténticos."Me emociono de recordar ese momento", dijo conmovida Castañeda, de nacionalidad española.La familia que conservaba las piezas y que pidió mantener su identidad en reserva recibió un pago de 9,5 millones de pesos (569.000 dólares), aportados por el patronato del Instituto Nacional de Antropología e Historia, informó su presidenta, Altagracia Gómez Sierra.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El novelista gráfico Edgardo Miranda vuelve a trasladarse a Puerto Rico para centrarse en esta ocasión en Luz La Luminosa, en una historia en que la heroína desconoce qué es la endometriosis y que el fuerte dolor que siente se debe a esta enfermedad, de la que el cómic busca concienciar durante el mes dedicado a la mujer."Esta será una sola edición (del cómic). Este personaje siempre ha existido, pero recientemente adquirió sus poderes y se convirtió en Luz La Luminosa. Antes era solo era la mejor amiga de La Borinqueña" de ascendencia puertorriqueña, que nació en 2016, dijo Miranda, que escribió estas historia tras la experiencia de su esposa y socia Kyung-Jeon-Miranda, quien le sugirió el tema."Siempre se escriben cómics donde los superhéroes son invencibles y lo que escribo en este libro es que aunque ella tiene superpoderes, en un momento en que está en una lucha contra los villanos se agarra del dolor (el vientre), no puede hacer nada y cae. Sus superpoderes no le pueden dar la cura para esta enfermedad", destaca.Miranda lamentó que hay muchas mujeres que no se quejan porque creen que eso es parte de ser mujer. "Lo que estamos tratando de decir es que no, eso no es normal", afirmó.De acuerdo con los Centros para el Control y Prevención de Enfermedades (CDC) de EE.UU., la endometriosis ocurre cuando el tipo de tejido que normalmente recubre el útero crece en otra parte: en los ovarios, detrás del útero, en los intestinos o en la vejiga. En raras ocasiones crece en otras partes del cuerpo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ese tejido "mal colocado" puede causar dolor, infertilidad y períodos muy abundantes. El dolor suele aparecer en el abdomen, la zona lumbar o la zona pélvica.Miranda recordó que su esposa ha vivido muchos años con dolor, sometiéndose a procesos para eliminar ese tejido porque no hay cura, pero sí opciones de tratamiento para el dolor y la infertilidad relacionados."No hay ningún estudio para saber si tienes endometriosis, sólo 'abrirte' (cirugía)", indicó, y recordó además que tras publicar sobre la endometriosis en redes sociales, su amiga, la actriz Rosario Dawson escribió que "ella era una de esas 10 mujeres", tras lo cual fue una de las productoras -entre ellas Hillary Clinton- del documental "Below the Belt" (Bajo el cinturón) sobre este tema."Luz La Luminosa es la primera superheroína con endometriosis, afección caracterizada por dismenorrea (menstruación dolorosa), dispareunia (dolor durante las relaciones sexuales) y dolor pélvico crónico no relacionado con la menstruación".Miranda destacó que quieren usar este libro como herramienta de educación para escuelas y otras instituciones.Su prólogo fue escrito por la doctora Idhaliz Flores, profesora de la Universidad de Ciencias de la Salud en Puerto Rico y fundadora de Fundación Puertorriqueña de Pacientes con Endometriosis, que ha abogado ante el Congreso por fondos para concienciar e investigar sobre la enfermedad.Este libro (disponible en www.la-borinquena.com), ilustrado por Elkys Nova Díaz, será presentado en el Puerto Rico Comic Con, del 29 al 31 de marzo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El aporte de mujeres como la poetisa Adela Zamudio a las artes y al pensamiento social en Bolivia, sobre el que muy poco se ha investigado, fue plasmado en siete ensayos incluidos en el catálogo Creadoras. Mujeres artistas en Bolivia, que busca "revelar" la invisibilizada producción artística femenina en el país.El catálogo, que corresponde a la muestra artística con el mismo nombre, fue presentado en La Paz como un "documento histórico" que será la base para "estimular nuevas investigaciones y seguir ahondando en el aporte que da la mujer artista al país", dijo a EFE la directora del Museo Nacional de Arte (MNA), Jackeline Rojas."Es importante visibilizar ese aporte porque siempre hemos estado desde todas las áreas, en lo artístico, histórico y social, invisibilizadas", sostuvo.Las protagonistas de la publicación son las más de cien artistas cuyas obras se lucen en la exposición, inaugurada en octubre pasado en el MNA, pero además las "grandes investigadoras" encargadas de los ensayos, explicó.Una de ellas es la historiadora Margarita Vila, quien hace un recorrido por la creación artística de las mujeres en Bolivia desde fines del siglo XIX hasta la actualidad.Vila recuerda en su texto que las mujeres han participado en la creación del arte "desde los albores de la historia humana", pero hubo que esperar al desarrollo del movimiento feminista en la década de 1970 para que su público "se haga consciente de ello".En el caso de Bolivia, esa historia tiene una pionera, Elisa Rocha de Ballivián (Cochabamba, 1865), quien estudió en una academia de bellas artes en Chile cuando el acceso de las mujeres a la formación académica aún era limitado, señala Vila y agrega que antes de cumplir 30 años ya "era una reconocida retratista".Precisamente el cuadro más antiguo de la muestra 'Creadoras' es el 'Retrato de la Señora Esslinder', pintado por Rocha en 1893.Las "maestras del siglo XX" como Marina Núñez del Prado, Inés Córdova o María Esther Ballivián, junto a otras destacadas en los últimos 50 años, como Cecilia Lampo, Ejti Stih, Guiomar Mesa, y otras más nóveles como Mónica Rina Mamani o Rosmery Mamani, también se mencionan en la investigación.Adela, Josefina y GloriaLa investigadora Montserrat Fernández resalta en su ensayo el aporte pedagógico y literario de la célebre poetisa Adela Zamudio, considerada una de las precursoras del feminismo en Bolivia.La investigación va acompañada con las imágenes de un par de cuadros pintados por Zamudio, revelando así su faceta de pintora, de la que poco se sabe.La antropóloga Gabriela Behoteguy ofrece una semblanza de Josefina 'Fifina' Reynolds, pintora, ceramista e investigadora costumbrista que interpeló el "orden de género establecido" en una sociedad conservadora, pero que no tuvo el reconocimiento que se merece.La investigadora Daniela Franco escribe sobre María Rosenda Caballero, conocida más por su seudónimo, Gloria Serrano, una escritora que fue "precursora del arte y de la escritura indigenista" y cuyo aporte tampoco ha sido valorado.Zamudio, Reynolds y Serrano son homenajeadas en una sala inmersiva en la muestra donde se destaca su aporte a la historia del pensamiento social en Bolivia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Tejidos y arte urbanoEl catálogo también incluye un ensayo de la socióloga Verónica Auza sobre la importancia de la iconografía textil indígena "como fuente de inspiración para otras creaciones", mencionó Rojas.La antropóloga María Soledad Fernández ofrece un acercamiento al arte urbano con una perspectiva feminista, realizado a partir de las experiencias de diez artistas, entre grafiteras, muralistas y fotógrafas.El documento base escrito por Rojas para diseñar el guion museológico de la exposición también es parte del catálogo, con un acercamiento al arte en Bolivia y una explicación detallada de los objetivos y líneas de Creadoras, una muestra cuya importancia radica en "revelar esa producción" artística femenina."Las mujeres siempre hemos estado en todo el proceso histórico de construcción de este país y de construcción también de la historia de la humanidad, pero muy pocas veces se reconoce el trabajo artístico de una mujer", indicó.El MNA y el Centro de la Cultura Plurinacional en Santa Cruz convocaron recientemente a artistas de esa región oriental y de las amazónicas Beni y Pando a postular para replicar en abril próximo la muestra 'Creadoras' en el lado este del país.Las obras participantes serán creaciones actuales en distintas técnicas, obras que narran la lucha de las mujeres por el ejercicio de sus derechos y otras donde se perciba la influencia de las naciones indígenas.🔴No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando llevas" una galería de "arte contemporáneo a una favela, creas un acceso (popular) a lo que antes era el arte de la burguesía, algo exclusivo", afirma Maxwell Alexandre, que abrió su espacio Pavilhão 2 en la agitada Via Ápia de Rocinha, la segunda favela más grande de Brasil.Alexandre, de 33 años, expone desde el año pasado en su barrio natal su obra, con algunas piezas que formaron parte de la muestra "Entrega: one planet. one health", inaugurada en París.Su mensaje está ligado a la vida de este barrio popular: así, tres cuadros con niños vestidos con uniforme de la escuela pública llevan mochilas de una empresa de entrega de comida, una forma de denunciar el trabajo antes de acabar la escolaridad.Pero la iniciativa de Alexandre, que también ha expuesto en España y Estados Unidos, va más allá de exponer en Rocinha. También quiere tener un impacto en el mercado del arte, al vender -exitosamente- láminas originales a precios más asequibles (1.000 reales, USD 200)."Quiero que otros coleccionistas que viven en la favela tengan acceso a mi obra, no solo de forma contemplativa (...), sino dentro de su casa", resalta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Necesidades vs arteMientras Alexandre conversa con la AFP, la profesora Mariana Furloni, de 45 años, ingresa curiosa en la galería. Ya conocía el trabajo de Alexandre y apoya su causa: "Es genial, porque el arte es generalmente muy elitista" y en Rio suele encontrase solo en los barrios de la Zona Sur, la parte rica, explica.Pero los desafíos persisten para Alexandre, puesto que reconoce que muchos visitantes todavía vienen de fuera de la favela, cuyos habitantes tienen otras prioridades, esto es, cubrir sus necesidades básicas.La idea de que las galerías son "un lugar de gozo estético, sin finalidad práctica, todavía está muy establecida", dijo el artista el año pasado en una entrevista a la revista Forbes. A pesar de los consejos de quedarse en ciudades como Berlín o Nueva York, el brasileño considera que Río es el mejor lugar para crear, debido a la urgencia creada a partir de factores como la violencia y la pobreza.Nuevo sentido a las armasA unos 30 kilómetros del Pavilhão 2, en la Zona Norte de Río, la Galería 5 Bocas fue inaugurada en 2020 por el artista Allan Weber, conocido por sus obras de fotografía y escultura, como las exhibidas recientemente en la feria "Art Basel", de Miami.Weber, de 31 años, dedica ese espacio ubicado en su favela 5 Bocas a presentar a artistas que admira. La galería es "un lugar de intercambio con la comunidad y con los de fuera", dice.La suya surgió de la falta de acceso de sus amigos del barrio a museos de la Zona Sur, pero también para acercar a los amigos de otros lugares reticentes a visitar la favela, escenario habitual de operaciones policiales contra el narcotráfico."Me pasé toda la infancia mirando armas y, gracias al arte, pude darles un nuevo significado a través del objetivo", dice Weber, que creó por ejemplo un "fusil de asalto" a partir de piezas de una cámara fotográfica."Casi nada como esto"Desde septiembre de 2023, Weber expone la muestra "Tô de Pé" (Estoy en pie), del artista Cassio Luis Brito da Silva, de 22 años, conocido como Malvo. La galería exhibe fotos de bailes "funk" - estilo musical nacido en las favelas cariocas - y esculturas de cigarrillos.Brito dice que el espacio es esencial para su carrera y que le "dio una buena sensación" que otros artistas como él "expusieran en el mismo sitio". La galería es también un proyecto social, con el que Weber busca acercar el arte a los jóvenes. Patrocina al equipo de fútbol local y organiza actividades artísticas.La manicurista Cintia Santos de Lima, de 35 años, afirma que se ha beneficiado de los proyectos: "Tengo un hijo autista que antes ni siquiera salía a la calle. Es muy bueno para nosotros, porque en la comunidad no hay casi nada como esto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ante las preguntas de la prensa, Llinás aseguró que “el presidente de la república parece haber declarado la guerra contra la cultura de su país”, a la vez que “está llevando adelante un discurso para culpabilizar a la cultura de todos los males”.Según relató, tiene “intención de generar en la población la idea de que parte de la miseria en la que se encuentra nuestro país tiene que ver con cierto derroche de quienes nos dedicamos al arte, la ciencia, la investigación…”, una idea que considera “abominable” por “querer distanciar a un pueblo de su cultura, de enemistar unos contra otros”.Por su parte, Yaela Gottlieb, peruana de origen pero afincada en Buenos Aires desde hace más de una década, reconoció que el motivo de su decisión de emigrar fue la cultura viva que “en Perú no existe”.“No hay fondos públicos y no hay forma de producir”, afirmó, y “veo lo que pasa en Argentina como lo que pasó en Perú en los 90”, en la época de Fujimori.“Me rompe el alma atravesar por lo mismo después de haber migrado. Pensé que en Argentina nunca sucedería”, lamentó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sin embargo, “el gobierno no ataca solo a la cultura, sino a muchos frentes, por lo que a veces nos solemos despistar un poco”. “No solo el cine, sino muchísimos derechos que se conquistaron en Argentina”, subrayó.“Esto no se ha visto en nuestro país desde la última dictadura”, añadió Llinás. Precisamente, la cinta que Gottlieb presenta en 'Punto de Vista', ‘¿Dónde está Marie Anne?’, trata sobre una militante desaparecida durante la dictadura militar argentina.“Fue un encargo del Museo del Cine de Buenos Aires, por voluntad de los trabajadores para dinamizar el archivo”, explicó la cineasta.“Convocaron a distintos cineastas para trabajar con esos archivos y me entregaron una hora de material para hacer lo que quisiera”, detalló.En cambio, Llinás presentó ‘Retrato de un Mondongo’, “un retrato por encargo de un grupo de artistas argentinos" de los que fue amigo durante 20 años, "pero después del retrato la amistad llegó a su fin”, apuntó.“Por eso es una película dolorosa en cierto modo”, dijo, a la vez que “una situación extraña en la que nunca había estado”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La "Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos" fue aprobada por la ministra nicaragüense del Interior, María Amelia Coronel Kinloch, y publicada en el Diario Oficial La Gaceta, en Managua.Esa cartera explicó que es facultad del Ministerio del Interior implementar, mantener y ejecutar las medidas necesarias para garantizar la seguridad ciudadana y humana, así como el orden interno en el territorio nacional,"La Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos, es el marco regulatorio aplicable a las personas naturales o jurídicas nacionales o de otra nacionalidad que se dediquen a la realización de actividades, eventos o espectáculos artísticos públicos en territorio nacional", indicó.Por tanto, agregó, esa cartera aprobó esa normativa "a fin de garantizar la seguridad ciudadana, del Estado y el orden interno en el territorio nacional" y la misma entró en vigencia a partir de hoy.Por su lado, la Policía Nacional mantiene prohibidas las manifestaciones en las calles desde septiembre de 2018 con el argumento de evitar disturbios, incluyendo las que se realizan en ocasión del Día Internacional de la Mujer o para conmemorar el Día Internacional de los Derechos Humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Gobierno de Nicaragua, a través de la Policía Nacional, también ha prohibido a la Iglesia católica sacar a los santos a las calles desde hace más de un año, cuando no les autorizó celebrar las procesiones de viacrucis durante la Cuaresma de 2023 ni después en Semana Santa.La orden policial fue adoptada después de que el presidente de Nicaragua, Daniel Ortega, en el poder desde 2007, tildara de "mafia" a sacerdotes, obispos, cardenales y al papa Francisco.Nicaragua atraviesa una crisis política y social desde abril de 2018, que se ha acentuado tras las controvertidas elecciones generales del 7 de noviembre de 2021, en las que Ortega fue reelegido para un quinto mandato y cuarto consecutivo, con sus principales contendientes en prisión o en el exilio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se trata de Niño y Niña sentada con rebozo, ambos de 1929, que formaron parte de la exposición de 1931 que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó al modernista mexicano y también se incluyeron en su gran retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, en 1949.En los cuadros, Rivera atrae la atención hacia el gesto triste de los niños de ojos grandes y piel oscura que posan en entornos rústicos: el primero, sobre una sábana y con turbante rosa, se lleva la mano a la boca, y la segunda, sobre una alfombra, mira fijamente con las comisuras de los labios hacia abajo.Según explicó a EFE la directora de la galería, Alana Ricca, las obras fueron adquiridas a principios de la década de 1930 por los galeristas Erhart Weyhe y Carl Zigrosser, que llevaban la prominente galería Weyhe de Nueva York, dado el "gran interés" que había en la época por el modernismo mexicano.El experto en arte James Oles, autor del texto de la exposición en la Schoelkopf, señala que los niños son de familias obreras e indígenas y que "representan a los futuros beneficiarios de la Revolución" con una "solemnidad que quizás subraya la dificultad de la vida trabajadora en la que han nacido"."Para Rivera, estos niños vinculaban el pasado distante de México con su futuro proletario", señala, recordando que el muralista realizó en total unos 70 cuadros de niños mexicanos, solos, en pares, con sus madres o con familiares ancianas, y que tuvieron "gran demanda" en el mercado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Manuel Rodríguez Lozano, el "artista melancólico"También se pueden ver dos cuadros de un pintor menos conocido, Manuel Rodríguez Lozano, de temática similar: Maternidad, el que una mujer amamanta a su bebé, de 1927, y ‘El corrido’, en el que un grupo de personas cantan, de 1926, una de sus obras más complejas entre las pocas que se conocen.El artista, que guardó distancias con Rivera en la vida y en el arte, y a quien se atribuye un estilo melancólico más que político, aborda en esa obra "temas clave posrevolucionarios" con referencias a la historia, antropología y cultura popular, de las que hace una "abstracción elegante y modernista", comenta Oles.Rodríguez Lozano (1896-1971), que no recibió formación académica artística, produjo menos de 40 obras -la mayoría en paradero desconocido- pero eso no impidió que cautivara al galerista Zigrosser, que visitó su estudio, compró varias y dejó escrito que estaban "entre las más interesantes de México".Para Ricca, el "redescubrimiento" de estos tesoros del modernismo mexicano se produce en el momento justo: "Ciertamente, muchos de los temas que trataban estos artistas tienen repercusión hoy, especialmente la feminidad, la maternidad o la comunidad, y los problemas sociales también son relevantes"."Decimos que (estas obras) han sido redescubiertas porque han estado con los descendientes de la familia compradora desde entonces", señaló la directora de la Schoelkopf, quien agregó que "es la primera vez que el público puede ver" los dos cuadros de Rodríguez Lozano.Los cuadros, desgranó, varían en precio desde unos 225.000 dólares hasta 1 millón de dólares.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante una conferencia en la Feria Internacional de la Música (FIM) de Guadalajara, el cantautor señaló que la inteligencia artificial puede ser una eminencia en el manejo de la palabra, pero carece de las experiencias y emocionalidad que caracterizan la vida humana.“No tiene una biografía atrás, no hay una parte de la realidad, de la vivencia personal de esa entidad atrás que te haga sentir que estás hablando con alguien que pasa por cosas como las que estás pasando tú”, opinó.Drexler ofreció una charla para estudiantes y profesionales reunidos en el último día de actividades de la FIM en la que mostró su convicción de que la música evoque la emocionalidad y en la que el proceso de composición tiene un rol fundamental.“Es como un ejercicio ecológico, debe ser volcado en la canción, como en un concepto de reciclado, no dejar sus cosas sueltas por ahí porque acaban pesando y volviéndose en nuestra contra”, dijo.En la charla, el ganador de siete Latin Grammy por su reciente álbum ‘Tinta y tiempo’ (2022) habló de su proceso creativo y de las colaboraciones que ha hecho con artistas como el rapero español C Tangana y su interés por conocer los ritmos urbanos como el reguetón.“Me gusta entender el espíritu de la época porque es en la que me está tocando vivir, lo peor que puedo sentir en mi vida es que lo bueno ya pasó”, declaró.Contó que el esquema de rimas y la forma de componer que le dio el dueto con C Tangana en la canción ’Tocarte’, que ganó un Latin Grammy en 2022, le abrió un mundo de posibilidades.“Cuando grabé eso fue una liberación tan grande, un esquema de rimas que pensaba que no era para mí y yo pensaba: ‘Esto va a sonar super raro, soy un señor cantando esto’, cuando vi que lo podía cantar y que me abría puertas nuevas, fue como enamorarte de nuevo, un mundo entero se me abría de vuelta”, exclamó.Drexler encabeza el elenco del festival Portamérica Latitudes, una réplica del que se realiza desde hace una década en Galicia, España y que tendrá su segunda edición en Guadalajara este 2 de marzo en el Centro Cultural Universitario.La FIM reunió a cientos de expertos de la industria musical de Iberoamérica, Estados Unidos y Canadá en Guadalajara con 30 conferencias y talleres, showcases con 30 artistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su primera entrevista sobre las causas de su repentina salida del cargo, Dudamel dice que "llegó un punto en el que no tenía tiempo material para digerir todo lo que sucedía a nivel profesional" y "a nivel personal"."No era feliz, y en el fondo creo que esa fue la razón esencial", añadió.Sus múltiples compromisos internacionales, y su deseo de pasar más tiempo con su familia son citados por el afamado director, de 43 años, actualmente a cargo de la Filarmónica de Nueva York.Pero Dudamel reconoce que hubo divergencias en el seno de la orquesta de la Ópera de París, con la que tenía previsto realizar una gira en abril de 2023.Los desacuerdos laborales entre la dirección y los miembros de la orquesta sobre esa gira fueron "quizás la gota de agua que hizo desbordar el vaso", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Hay mucha gente, con buenas intenciones" en la Ópera de París, una "casa enorme", explicó."Personalmente tuve la sensación de que no podría realizar mis ambiciones artísticas", explicó.A pesar del cierre de esa etapa artística, Dudamel elogió la calidad artística del proyecto parisino. "Siento un gran amor, una admiración por una (...) institución extraordinaria", asegura.Dudamel protagonizará con la Filarmónica de Nueva York dos conciertos en la Filarmonía de París el 30 y 31 de mayo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lo que vamos a lograr hacer con este proyecto es mostrar 13 rostros y 13 historias de migrantes que han sufrido la deportación o han buscado asilo en Estados Unidos", explica Lizbeth de la Cruz, gestora del mural y profesora del Departamento de Estudios Negros y Latinos del Baruch College de la Universidad de Nueva York.Los rostros fueron pintados sobre lonas por alumnos de De la Cruz y colocados por activistas, familiares y hasta por los mismos retratados en la parte baja del puente fronterizo Paso del Norte-Santa Fe, que conecta a Ciudad Juárez y El Paso, en Texas.Antes de pegar las imágenes, los muros del puente fueron pintados con vivos colores y el dibujo de un sol para "iluminar" las caras, además de códigos QR que enlazan con un sitio web para conocer en detalle la historia de cada uno, detalló De la Cruz.Para la académica es necesario que el estado mexicano reconozca a estas personas, que muchas veces fueron llevadas desde su infancia a Estados Unidos, y que al ser forzadas a regresar deben adaptarse a un idioma que no dominan, sin contar con documentos o posibilidades de trabajar."Vemos la deportación continua de veteranos [de guerra], de madres con hijos ciudadanos y creo que es muy importante recordar en un año de elecciones en Estados Unidos", agregó De la Cruz.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los rostros plasmados en el puente sobre el río Bravo, que marca la frontera binacional, es el de Mizz Peaches, un "drag queen" nacido en Nayarit, pero que cruzó hacia Estados Unidos en brazos de su madre siendo bebé."Soy 100% mexicano. Desde una edad muy temprana mi familia migró a Estados Unidos en busca de un mejor estilo de vida", relata el joven de 29 años a la AFP.Aunque regresó a México a los 12 años, Mizz Peaches cree necesario seguir "alzando la voz" por aquellas familias separadas por las deportaciones.El montaje del mural ocurre la misma semana en que México y Estados Unidos acordaron medidas más estrictas contra la migración irregular, como restringir el uso de los medios de transporte y aumentar las expulsiones de migrantes.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La cinta C'è ancora domani (Siempre nos quedará mañana) acapara 16 candidaturas a los premios David de Donatello, entre estas a mejor película, mejor debut en la dirección y mejor actriz protagonista, para Paola Cortellesi, mejor actor para Valerio Mastandrea, y mejores intérpretes no protagonistas, Emanuela Fanelli y Giorgio Colangeli.El resto de candidaturas son mejor guión original, productor, fotografía, banda sonora, escenografía, vestuario, maquillaje, peluquería, montaje, sonido, además de los ya asignados David Jóvenes y el premio del espectador.C'è ancora domani, debut tras las cámaras de Cortellesi, se estrenó el pasado 26 de octubre y enseguida se convirtió en todo un fenómeno de masas, recaudando casi 33 millones de euros y sacando a Barbie del primer puesto (32,1 millones), según los datos Cinetel.La película aborda un tema dramático, el de la violencia machista, pero también sirve de homenaje al camino de emancipación femenina, con puntuales toques cómicos y sarcásticos, música contemporánea y referencias al mejor y más tierno neorrealismo.Delia (Cortellesi) es una abnegada y servil esposa en la Roma de la posguerra cuya existencia se limita a cuidar de su familia, de sus tres hijos y su suegro, y a sobrevivir a las palizas de su colérico marido Ivano (Valerio Mastandrea).La familia vive en un destartalado apartamento del barrio de Testaccio, padeciendo la carestía y las amenazas del patriarca, hasta que una mañana la esposa recibe una carta que le hará cuestionar su situación y soñar un futuro mejor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La academia del cine de Italia celebra esta noche la 69ª edición de sus premios en los estudios romanos de Cinecittà y esta mañana, antes de la ceremonia, todos los candidatos fueron recibidos en el Palacio del Quirinale por el jefe del Estado, Sergio Mattarella.El resto de candidatos a la principal estatuilla, la de Mejor Película, están Il sol dell'avvenire de Nanni Moretti, Io capitano de Matteo Garrone, La Chimera de Alice Rohrwacher y Rapito de Marco Bellocchio.En un primer momento se había colado una película española entre las propuestas, As bestas de Rodrigo Sorogoyen, en la lista de Mejor Película Internacional, pero finalmente se lo ha llevado Anatomie d'une chute (Anatomía de una caída) de Justine Triet.Io capitano, apuesta italiana a los Óscar de este año y que muestra el periplo de los inmigrantes africanos, es otra de las favoritas de la noche: además de las menciones candidaturas, opta al premio a mejor dirección, guión original, productor, fotografía, banda sonora, composición, escenografía, maquillaje, vestuario, peluquería, montaje y efectos especiales.También promete alegrías La chimera de Rohrwacher, presente en 13 candidaturas, entre estas la de mejor actor protagonista para Josh O'Connor, y una doble a mejor actriz secundaria, para Isabella Rossellini y Alba Rohrwacher, hermana de la realizadora.La entrega de premios, retransmitida en el primer canal de la televisión pública RAI, comenzará a las 20:35 horas locales (18:35 GMT) y la gala se prolongará hasta pasada la medianoche.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.