Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La composición de Todo tranquilo en el frente occidental se inició en 1989, pero solo se completó diez años más tarde. La compositora, Nancy Jean Van de Vate, adaptó el libreto de la famosa novela acerca de la Primera Guerra Mundial Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente) de Erich Maria Remarque, con alguna referencia al guion cinematográfico de 1929. Aunque la novela se ha utilizado tres veces como base de una película, nunca antes se le había puesto música.La composición de la ópera ya estaba en marcha cuando, a finales de 1990, la compositora, Nancy van de Vate, recibió el encargo de crear la música para la ópera romántica en cuatro actos, Nemo: Jenseits von Vulkania, con libreto de Allen Cortés. Años más tarde, regresó a la composición de Todo tranquilo en el frente occidental, en 1996, completando al fin la ópera en 1999.Estilística e ideológicamente, esta ópera pertenece a varias de las otras grandes obras de Van de Vate de finales de los años 1980 que también se basaban en temas sociales y políticos, en particular Chernobyl para orquesta y Katyn para orquesta y coro. Al igual que Todo tranquilo en el frente occidental, el ambiente de estas obras también es sombrío, y la disonancia extrema se alterna con un lirismo trágico.Aunque la ópera se desarrolla en medio de los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, particularmente la vida en las trincheras se centra en las relaciones humanas y las respuestas de sus personajes más que en actos de batalla o incidentes específicos de heroísmo.Hace 25 años la compositora Nancy van de Vate presentó esta, su ópera Todo tranquilo en el frente occidental, que adaptó de la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente.En la versión que transmitiremos en la señal en vivo de la HJCK podrá escuchar en el reparto a Michael Polscer, Josef Krenmair, Steven Scheschareg, Dominic Natoli, Marek Olbrzymek, Josef Krenmair, Linda Healy-Steck, Martha Jane Howe, Evelyn Petros, Linda Healy-Steck, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Moravia, dirigida por el estadounidense, nacido en Japón, Toshiyuki Shimada.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 28 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Dudamel llevó al escenario al rapero Common, al guitarrista y exjugador de los Yankees Bernie Williams y a varios estudiantes de música como parte de la celebración de la orquesta.La gala fue un anticipo de la próxima dirección del maestro venezolano en la orquesta más antigua de Estados Unidos, que empezará en la temporada 2026-27, cuando ponga fin a su puesto al frente de la Filarmónica de Los Ángeles tras 17 temporadas."Estoy totalmente convencido de que el futuro de la sociedad comienza con la educación de los jóvenes", dijo Dudamel a los asistentes."Estoy muy emocionado por nuestro futuro juntos", agregó, en referencia a su aterrizaje en Nueva York.Aunque aún no está al frente de la orquesta de la Gran Manzana, ya ha comenzado a trabajar en la configuración de su programación.La incorporación de Dudamel, de 43 años, fue un golpe de efecto para la filarmónica neoyorquina, fundada en 1842 e resuelta en los últimos años a modernizar su imagen.La dirección de la entidad invirtió 550 millones de dólares en la renovación de la sala David Geffen, su sede en el Lincoln Center de Manhattan.Dudamel calificó la música de "derecho humano fundamental" e hizo hincapié en el rol "trascendental" que "puede desempeñar en la vida de los jóvenes". El director invitó a varios estudiantes de música para que tocaran junto a los artistas de la compañía.También subió al escenario la estrella del hip-hop Common, que rindió homenaje a las raíces del género en Nueva York antes de interpretar con la orquesta canciones como Glory, tema que ganó un Oscar con la película Selma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bernie Williams, quien jugó 16 temporadas en el equipo de béisbol de los Yankees de Nueva York además de ser un consumado guitarrista, interpretó una composición de jazz.Como muchas instituciones de música clásica, la Filarmónica de Nueva York lleva años intentando renovar su imagen, que algunos críticos han tachado de demasiado elitista.Durante su estancia en Los Ángeles, Dudamel estrechó lazos con Hollywood al tiempo que se catapultaba su fama, acercando la música clásica a oídos quizá poco familiarizados con el género, incluso intimidados por todo lo que lo envuelve.Nacido el 26 de enero de 1981 en Barquisimeto (Venezuela), hijo de un trombonista y una profesora de canto, Dudamel cultivó su talento gracias al programa de educación musical venezolano El Sistema.Cuando se mudó a Estados Unidos, quiso llevar todo ese conocimiento a los más pequeños, y creó la Orquesta Juvenil de Los Ángeles, conocida como YOLA, siguiendo el modelo de El Sistema."Tenemos que educar a la gente, pero de la mejor manera, no poniendo el arte en un pedestal inaccesible", dijo a los periodistas el año pasado en una rueda de prensa en la que se presentó como próximo director musical y artístico de la Filarmónica de Nueva York."Cuando le das un instrumento a un niño, le estás dando belleza, le estás dando la oportunidad de crear su propio mundo", afirmó.Su actuación del miércoles fue una confirmación de esa visión de futuro, con los jóvenes músicos como máxima prioridad.Es una apuesta por crear un "futuro en el que todos nos sintamos seguros, en el que todos nos sintamos escuchados", dijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Filarmónica de Viena anunció este miércoles que el director alemán Christian Thielemann ha sido reconocido como "miembro de honor" por su vinculación con la orquesta desde hace 24 años.Thielemann ha dirigido el prestigioso concierto de Año Nuevo en dos ocasiones, 2019 y 2024, y ha sido una presencia constante en los últimos años tanto en los conciertos de los filarmónicos en el Musikverein como en el Festival de Salzburgo, además de liderar giras por Japón, China, Europa y Estados Unidos."Christian Thielemann nos ha acompañado durante muchos años en una profunda colaboración artística, especialmente destacada en el repertorio sinfónico", señaló Daniel Froschauer, presidente de la Filarmónica, en un comunicado."Es uno de los directores que más se identifica con nuestra orquesta", agregó Froschauer.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con Thielemann, la orquesta grabó varias sinfonías de Beethoven y, durante la pandemia, inició el trabajo en estudio para un ciclo de sinfonías del compositor austríaco Anton Bruckner.En 2024, coincidiendo con el 200 aniversario de Anton Bruckner, se lanzó por primera vez en la historia de la orquesta el ciclo completo de 11 sinfonías del compositor.Thielemann es uno de los directores de orquesta más importantes de la actualidad. Desde 2012 ha sido director musical de la Staatskapelle de Dresden, cargo que también tuvo en el Festival de Bayreuth de 2015 a 2020.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Davis era especialmente conocido en el Reino Unido tras una larga trayectoria al frente de la Orquesta Sinfónica de la BBC, que dirigió en muchas ocasiones durante la popular serie de conciertos conocidos como Proms, que se celebran cada verano en el Royal Albert Hall.Sir Andrew se distinguía además por su sentido del humor, que desplegaba con frecuencia en sus discursos al público de los conciertos.Davis tuvo el infrecuente honor de conjugar al mismo tiempo, al final del siglo XX, la dirección de la orquesta de la BBC y del festival de ópera de Glyndebourne, el más reputado de su estilo en el Reino Unido.El músico llevaba dos años luchando contra la enfermedad, que se recrudeció poco después de su 80 cumpleaños, el pasado 2 de febrero.La Royal Opera House de Londres mostró su pesar a través de un mensaje en la red social X y recordó que "durante cinco décadas estuvo al frente de varias de las instituciones sinfónicas y operísticas del mundo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Davis realizó su debut con la sinfónica de la BBC en 1970 y fue el directo de la Orquesta Sinfónica de Toronto entre 1975 y 1988, de la de la BBC de 1989 a 200 y de Glyndebourne de 1988 a 2000.También fue el director principal de la Ópera Lírica de Chicago de 2000 a 2021 y de la sinfónica de Melbourne de 2013 a 2019.Nacido en 1944 en Hertfordshire, al norte de Londres, tocó el órgano en el coro parroquial de Watford y posteriormente comenzó a dirigir.Fue nombrado caballero en 1999 y su última aparición pública tuvo lugar el pasado diciembre, cuando dirigió el Mesías de Handel con la Orquesta Sinfónica de Chicago.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lalo estudió desde temprana edad violín y violoncello en el Conservatorio de Lille y cuando su padre se opuso a que siguiera la carrera musical seriamente, Édouard dejó su hogar a los 16 años y se trasladó a París. Por un tiempo estudió en el Conservatorio y privadamente, mientras ganaba dinero como violinista y profesor. Entabló amistad con Delacroix y tocó en algunos conciertos de Berlioz. También compuso dos sinfonías, (que al parecer destruyó) y publicó algunos romances.En contra de la moda, Edouard Lalo se interesaba por la música de cámara. Hacia 1853 ya había compuesto dos tríos con piano, un medio rechazado en la Francia de la época, y en gran parte fue gracias a él, que la música de cámara resurgió dentro de los salones parisinos. Lalo fue cofundador del Cuarteto Armingaud e interpretó los cuartetos de Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn y Schumann, primero en la viola y luego en el segundo violín. Su propio cuarteto data de 1859.Tras un periodo de poca productividad, Édouard Lalo comenzó en 1866 la composición de una ópera llamada Fiesque, la que nunca fue presentada. No obstante, empleó mucho material de ella para posteriores obras, como la Sinfonía en sol menor y el Divertissement.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La fama como compositor de Édouard Lalo se extendió durante la década de 1870 con la presentación de varias partituras instrumentales. La formación de la Sociedad Nacional y el apoyo de Pasdeloup, Lamoreux, Colonne, Sarasate y otros, le dieron la oportunidad de desarrollar sus ambiciones como compositor de música orquestal dentro de una tradición esencialmente germana.Sarasate estrenó el concierto para violín en fa mayor en 1874 y la Sinfonía Española en 1875. El concierto para cello se presentó en 1877, la Fantasía Noruega en 1878 y el Concierto Ruso para violín en 1879. A pesar de este exitoso trabajo dentro del ámbito orquestal, Lalo siguió buscando sucesos en la ópera. En 1875 comenzó a escribir Le Roid’Ys, en 1881 ya estaba casi lista y extractos orquestales se presentaban en distintos escenarios, pero ningún teatro se interesó y la Opera de París, quizá como consuelo, le encargó un ballet.En 1888 por fin Édouard Lalo pudo estrenar El Rey de Ys, con enorme éxito en la Opera Cómica. Su estilo eminentemente francés, la claridad, el color y la fuerza de la orquestación hicieron de Lalo el primero de la escuela sinfónica francesa en la segunda mitad del siglo XIX.Pero algunos años antes, en 1873 compuso una de sus más populares obras: La Sinfonía Española. Esta es una de las obras más apreciadas por los violinistas y dedicada a Pablo de Sarasate que la estrenó en 1875.Esta obra que en verdad no es ni una sinfonía, ni un concierto, se puede definir como una suite en la que se integran el solista y la orquesta a lo largo de cinco movimientos.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Édouard Lalo en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 22 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Agamenón, Clitemnestra, Ifigenia y Aquiles nos acompañan en una nueva edición de Canto y Música Coral por la señal en vivo de la HJCK. Este domingo a partir de las nueve de la noche, escucharemos Ifigenia en Aulide, la primera ópera sobre un argumento en francés, que el compositor alemán Christoph Willibald Gluck presentó en París, hace 250 años, el 19 de abril de 1774.Willibald es conocido principalmente por sus contribuciones al desarrollo de la ópera, particularmente por su influencia en la reforma de la ópera seria. Una de sus obras más famosas es Orfeo ed Euridice (Orfeo y Eurídice), estrenada en 1762. Esta ópera marca un hito en la historia de la ópera, ya que representa un cambio significativo en el enfoque hacia una mayor expresividad emocional y simplicidad dramática.Gluck también colaboró con libretistas influyentes como Ranieri de' Calzabigi, quien compartía su visión de una ópera más natural y emocional. Juntos, crearon obras como "Alceste" y la obra que hoy presentará la HJCK, Iphigénie en Aulide, en las que continuaron promoviendo sus ideales de reforma operística.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta última fue la primera obra que Gluck escribió sobre un texto en francés y, además, para un público francés. El compositor no perdonó a su público al considerar que sus cantantes no estaban preparados y pospuso el ensayo general al que debía asistir la Corte, con la presencia del Rey y la Reina.Esta fue su manera de afirmar el rango que ostentaba el arte sobre la etiqueta. Ni el público ni los miembros del tribunal estaban acostumbrados a ser tratados con tanta severidad. A pesar de todo esto, Ifigenia, como sabemos, disfrutó de un gran éxito, pues cumplía el deseo expresado por Diderot de que algún día la Clitemnestra de Racine y su hija Ifigenia fueran musicalizadas de una manera que coincidiera con la nobleza melodiosa y la melancolía excepcional que el poeta les había conferido.Es cierto que el personaje proviene de la mitología, pero está dotado de la elocuencia y la noble familiaridad del ser humano. Con Ifigenia en Aulide, Gluck simplemente regreso a Racine, a su pasión y noble sencillez, un regreso a la tragedia clásica como modelo de ópera, despojada de los adornos en los que se encontraba.La versión de Ifigenia en Aulide con música de Christoph Willibald Gluck cuenta en su reparto con artistas como José van Dam, Anne Sofie von Otter, Lynne Dawson, John Aler, Bernard Deletré, Gilles Cachemaille, René Schirrer, Guillemette Laurens, Isabelle Eschenbrenner y Anne Monovios. A ellos los acompañan el Coro Monteverdi y la Orquesta de la Ópera de Lyon, bajo la dirección de John Eliot Gardiner.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 21 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Neville Marriner inició su formación musical en el Royal College of Music, la escuela musical situada en Kensington, Londres y los continuó en el Conservatorio de París. Neville Marriner llegó a ser profesor titular en la Royal Academy of Music a partir de 1949, alternando dicha labor con su desempeño en el Martin String Quartet como primer violinista.En 1956 se convirtió en principal de los segundos violines en la Orquesta Sinfónica de Londres, en la que permaneció hasta 1968, y tocó bajo los principales directores del momento: Furtwängler, Stokowski, Krips, Cantelli o Monteux, que sería también su maestro.No podemos hablar de Neville Marriner sin referirnos a la Academy of Saint Martin in the Fields, la orquesta de cámara británica con sede en Londres que Marriner fundó y de la cual fue su presidente hasta 1994 cuando John Heley asumió el cargo. El nombre del grupo proviene de la iglesia St Martin-in-the-Fields, de Trafalgar Square, donde la orquesta dio su primer concierto el 13 de noviembre de 1959.Las actuaciones iniciales, como orquesta de cuerda en la Iglesia St. Martin-in-the-Fields, jugaron un papel clave en la reactivación de las actuaciones barrocas en Inglaterra. La orquesta se ha ampliado para incluir instrumentos de viento. Se mantiene flexible en el tamaño, cambiando su composición para adaptarse a su repertorio, que abarca desde el barroco hasta las obras contemporáneas.En 1999 dentro de la serie Figuras del pentagrama de RFI, el colombiano Juan Carlos Jaramillo realizó una semblanza musical de la orquesta de cámara de Academy of St. Martin-in-the-Fields de Londres y una entrevista con su fundador, Sir Neville Marriner quien habló de los orígenes de la orquesta y su importancia en la difusión de música barroca, de la vida musical en distintas partes del mundo y del proceso de selección de los integrantes de la agrupación, entre otros temas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Neville Marriner fundó la Academy of St Martin in the Fields, con el propósito, revolucionario en su época, de recuperar los repertorios, muy poco explorados por entonces, del clasicismo y el barroco a partir de criterios que pretendían aproximarse a las músicas de aquellos periodos desde el rigor musicológico e interpretativo.Marriner fue honrado dos veces por sus servicios a la música; en 1979 se le concedió el título de Comendador de la Orden del Imperio Británico y en 1985 se le concedió el título honorífico de Caballero.Su técnica de dirección sobre el podio tendía a la economía de gestos y a los matices puramente expresivos. Uno de los aspectos más destacados de su modo de dirección es la maravillosa claridad que sabía obtener de los distintos planos orquestales, permitiendo que el oyente escuche todas y cada una de las notas escritas en la partitura.Sir Neville Marriner continuó dirigiendo hasta los noventa años, convirtiéndose en el director de orquesta de mayor edad de un concierto de Proms en 2014, a los 90 años.Podrá escuchar obras maravillosas del director Neville Marriner en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 15 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Johann Strauss compuso con El murciélago su obra maestra. Cada número musical se convirtió en un gran éxito. La única duda que podría plantearse es el género al que pertenece esta obra. Ante todo, a la ópera cómica, que se aproxima en muchos puntos a la opereta, la zarzuela española y la comedia. Cualquiera que sea el género en que se sitúe El murciélago, es la culminación de la opereta: Rebosa humor e ingenio, energía y alegría de vivir.Aquí el argumento y acción de esta opereta cómica que trascurre en Viena, en el siglo XIX.La obertura es una brillante fantasía orquestal sobre algunas de las mejores ocurrencias de la partitura. Adelanta la atmósfera de baile, pero también algunos motivos líricos y grotescos.El primer acto transcurre en la casa del señor de Eisenstein. Adele, la criada, ha obtenido de su hermana Ida, que es bailarina de ballet, una invitación a un baile en el palacio del príncipe ruso Orlowsky. Por lo tanto, no sólo tiene que inventar ante Rosalinde la excusa de que debe cuidar por la noche a una tía enferma, sino que debe sustraerle un hermoso vestido a su ama. Sorprendentemente, Rosalinde concede la autorización solicitada, con más prontitud que de costumbre.Su esposo, el señor von Eisenstein, debe presentarse esa noche en la prisión para cumplir una leve condena por ofensas a la autoridad. En la calle se oye la victoriosa voz de tenor del cantante de ópera Alfred, su antiguo admirador, que le canta una serenata. Eisenstein está furioso porque un descuido de su abogado, el doctor Blind, lo obliga a cumplir el castigo, pero su humor mejora visiblemente cuando el notario, el doctor Falke, su amigo y compañero de numerosas aventuras, va a invitarlo a la fiesta de Orlowsky.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Eisenstein se viste de gala, lo que no deja de sorprender a Rosalinde. ¿De frac a la prisión? Eisenstein se despide con ternura, aunque muy distraído, de su esposa, que a causa del canto de Alfred en la calle tampoco está demasiado atenta.Sospechosamente alegre, Eisenstein se dirige a la prisión. Aunque sin imaginar que será la víctima, pues Falke, a quien una vez, después de un baile de máscaras, hizo volver a casa disfrazado de murciélago en pleno día, ha trazado un plan para vengarse. Apenas se ha ido el señor de la casa, entra Alfred. El cantante, que desde hace años corteja a Rosalinde, aunque con escaso éxito, comienza a ponerse cómodo en la casa de Eisenstein, a pesar de las protestas, no muy enérgicas, de la mujer.Beben tranquilamente mientras entonan la canción que tanto por el texto como por la melodía se ha vuelto casi proverbial: “Dichoso quien olvida lo que no se puede cambiar...”.El idilio es interrumpido por Frank, el director de la prisión, para poner personalmente entre rejas a su ilustre huésped, el señor von Eisenstein. Al ver al varón acariciando a su esposa, Frank asume que tiene que ser el hombre a quien viene a arrestar, pues ¿quién otro podría a tales horas estar en casa y en esa situación?Alfred vacila un instante, pero no puede comprometer a Rosalinde. Se deja llevar a la prisión, no sin despedirse con afectuosos besos de su esposa.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 15 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El Cristo Mutilado, símbolo de resistencia, encabezó la peregrinación por el río Atrato con la que comenzó el acto de conmemoración, reparación y no repetición que la comunidad de Bellavista, casco urbano del municipio de Bojayá, recordó a las más de 100 víctimas de la masacre del 2 de mayo de 2002.El acto, que la comunidad del municipio realiza cada año, también incluyó un ritual de sanación y presentaciones de agrupaciones locales como las Cantadoras de Pogue. “Las víctimas de Bojayá no paramos de cantar, para mitigar el dolor y que nos dejen en paz. La paz, la paz, la paz queremos”, cantaron las integrantes de la agrupación.La peregrinación partió de la iglesia del nuevo Bellavista, siguió por el Atrato y llegó a la iglesia del viejo Bellavista, epicentro de la masacre en la que cayó un cilindro bomba lanzado por guerrilleros de las FARC.Este sitio se resignificó a través de una ceremonia religiosa y de las presentaciones musicales, con protagonismo de los alabaos, que recordaron a las víctimas, demostraron la capacidad de resiliencia y reconciliación de este municipio y, además, exigieron garantías para la no repetición.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Queremos un municipio de colores, donde se respete la vida, prevalezca la educación, la cultura y el medioambiente; donde los campesinos y campesinas, los líderes, lideresas y defensores de derechos humanos puedan caminar libremente sin temor alguno”, aseguró en su intervención Yúber Palacios Córdoba, representante del comité de víctimas.El Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y el Ministerio de Educación acompañaron el acto a través del programa Sonidos para la Construcción de Paz, que apoya a instituciones educativas locales que adelantan procesos de formación musical para generar una Cultura de Paz a través de la música y de las expresiones artísticas."Mil gracias una vez más por haber sido y por ser muestra de que la única posibilidad de resistencia en el territorio, aún hoy en medio de la guerra, es la cultura, es la relación profunda con la memoria, con el territorio y con la sensibilidad", aseguró en su intervención el ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa.El Minculturas agregó que se adelantará el plan especial de salvaguardia de Bojayá para declararlo como Bien de Interés Cultural del Ámbito Nacional y, después, como un lugar de memoria ante la UNESCO.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué haría Harry Potter? Esa fue la pregunta que se hicieron el comediante Andrew Slack y la banda de wizard rock Harry and the Potters cuando se juntaron en 2005 para crear la Harry Potter Alliance (HPA), una organización sin ánimo de lucro que convocó a varios grupos de fans de Harry y a otras bandas de wizard rock inspiradas en los personajes de los libros para llamar la atención sobre la violación de derechos humanos en el conflicto étnico y militar de Darfur, Sudán.Durante esa primera campaña, cuyo lema era “¿Qué haría Harry Potter?”, recaudaron 14.000 euros que fueron destinados a las víctimas del genocidio.Este texto aparece también en la guía del BIME 2024. Sobre estos temas y más de la industria se habla en el BIME: acá encuentran toda la información.La organización cambió su nombre por “Fandom Forward” en 2021 aduciendo que el “movimiento es para cualquiera que crea en el poder de las historias y las comunidades que las aman para cambiar el mundo”, pero no ha parado desde entonces.Fandom Forward ejecuta acciones recurrentes asociadas a causas como la equidad de género, la igualdad de los derechos de las personas LGBTIQ+, la justicia económica y el cuidado ambiental.La obra de J.K Rowling los impulsó indirectamente, no solo a crear bandas de música y blogs en los que analizan problemas sociales a través de la ficción, sino a formar comunidad e involucrarse en la vida social y política.Idols y swiftiesLa existencia y la misión del Fandom Forward (“creer en el poder de las historias para cambiar el mundo”) es solo uno de muchos ejemplos en los que las obras de la cultura pop crean nuevas comunidades de consumo que se involucran con lo que les interesa en un nivel más profundo. Y este mismo fenómeno, ahora, se puede identificar más fácilmente en la música.En especial, si nos fijamos en dos casos: los seguidores de los idols del K Pop y las swifties (seguidoras de Taylor Swift). Estamos en la era de los fandoms.¿Qué es un fandom?La palabra fandom es la contracción de fan y kingdom [reino]. Como vimos, fue utilizada en principio para designar a los consumidores de historias de ficción (plasmadas en series, libros o cómics) que organizaron comunidades propias para estudiar, reinventar y reapropiarse de esas historias. Pero desde que los artistas entraron en el juego de mercadear su personalidad en redes sociales como una especie de telerrealidad, el término se extendió al campo de la música. La proliferación de los fandoms nos habla de un cambio crucial en la forma en que los consumidores se implican con la música y con los artistas que aman. Ese cambio supone una superación de las acusaciones patologizantes de la idea de “fan” que lo asocian, por lo general, al exceso o a una supuesta religiosidad irreflexiva.Una de las características de los fandoms es que hacen uso de lo que el investigador Henry Jenkins llamó la imaginación cívica: es decir, llevan los valores de una obra (película, álbum, libro) a su vida como ciudadano. El espacio libre para la especulación, la imaginación o la acción en “la vida real” es el que separa al miembro del fandom del fanático “religioso” que no cuestiona su creencia.En el campo de la música, el giro apunta a que, en el reino de los fans, la vida entera del artista se consume como una obra, una historia de fantasía que debe ser apropiada y reinterpretada en el contexto propio.En 2023, Paula Ricciulli entrevistó para Shock a una de las líderes swifties que intentaron frenar la campaña del hoy presidente Javier Milei en Argentina. Esto dijo del modo en el que utilizaron las canciones de Taylor para hablar de su contexto:De esto también hablamos en este capítulo de Nuestro podcast de música para Canal CapitalEl vínculo entre gusto e ideología que menciona la swiftie entrevistada en ese momento es el núcleo del fandom. La novedad de estas comunidades versus la idea del fan “pasivo” o “extremista” es la relación que se establece entre el consumidor y la obra, entendida como una extensión de la vida de su autor: un paquete completo que incluye tanto las canciones como las declaraciones de valores propios. Va incluso más allá de la relación parasocial del fan con el artista a través de las redes sociales.Como señala el investigador Mark Duffett, esa relación entre fan y artista involucra una negociación identitaria más compleja en la que se analiza la compatibilidad en valores. Los artistas son, para el fandom, una guía ética, un modelo de virtud equiparable al que proveen los superhéroes en los cómics.La obra de una artista como Taylor Swift puede ser utilizada en el contexto de una mujer joven en Argentina, antes de las elecciones presidenciales, pero también en la vida diaria y las relaciones amorosas. Los artistas entraron en el inevitable juego de mercadear su personalidad y sus valores individuales. Su obra es, en cierta forma, un subproducto de eso. Y, por extensión, el mismo principio funciona para la audiencia de modo inverso.Sabemos que se ha fandomizado el consumo de la música cuando se puede desplazar hacia los artistas la pregunta que se hacía la Harry Potter Alliance cuando quiso tomar partido en el conflicto en Sudán: ¿Qué haría Harry Potter? Hoy, las swifties se preguntan: ¿Qué haría Taylor?***Recomendaciones:Quizá el personaje más reconocido en la teoría de los fandoms es Henry Jenkins, autor del libro célebre Cultura de la convergencia. Hoy, Jenkins está retirado de la academia, pero tiene un podcast recomendadísimo en el que también habla de estos temas: How do you like it so far. Además de Jenkins, Mark Duffett ha estudiado más detalladamente a los fans en la música y ha compilado muchos de los ensayos escritos al respecto por otros investigadores. Recomendado leer su libro Understanding Fandom. ***Este artículo hace parte la serie Estudios de caso, la sección de artículos de análisis de industria industria cultural en Shock.
“Mi hermana (Karina Milei, secretaria general de Presidencia) está llevando a cabo esa negociación y hay un nivel de hostilidad hacia mi persona y nuestra gente. Nos hace sospechar de que hay intención de sabotear la presentación, al estilo kirchnerista”, dijo Milei en declaraciones a la radio El Observador.El mandatario ultraliberal tenía previsto hablar de “Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica”, una recopilación de artículos que habría escrito durante sus giras como jefe de Estado, para el 12 de mayo, último día de la feria, en la pista central del predio con capacidad para 6.000 personas.Sin embargo, Milei indicó que si se presentaba “amenazaron hacer cosas, son tipos de comportamientos no propios de la cultura, no podemos exponernos a que nos hagan un bloqueo”.También apuntó contra las autoridades del evento al afirmar que “tomaron acciones propias de alguien que quiere sabotear la presentación”.Durante la inauguración de la feria, el presidente de la Fundación El Libro -a cargo del evento-, Alejandro Vaccaro, ironizó sobre la participación del mandatario para criticar la falta de recursos que el Estado argentino destinó a la cultura local.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Su participación implica una serie de erogaciones que la Fundación no puede afrontar. Señor presidente, lo digo con la mano en el corazón: no hay plata”, dijo Vaccaro, usando la frase de cabecera de Milei para justificar sus políticas de ajuste económico.Vaccaro, también había afirmado que los gastos asociados a la presentación y seguridad de Milei correrán por cuenta del mandatario y aprovechó para advertir que la supervivencia de la feria está en riesgo “por las medidas económicas que arrastran (al sector del libro) a un mundo muy lejano al paraíso que imaginaba (Jorge Luis) Borges”.En este sentido, Milei le respondió al presidente de la Fundación por sus palabras durante la apertura, las cuales consideró como “un discurso violento” y remarcó que Vaccaro se manifestó de esa forma “sus claras preferencia kirchneristas”.El jefe de Estado mantiene intenciones de presentar su libro, pero todavía no hay una fecha o lugar para llevar a cabo la presentación, aunque confirmó que lo hará junto al diputado José Luis Espert, que en las últimas semanas pasó de la centroderecha Juntos Por el Cambio a integrar las filas de La Libertad Avanza.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de 16 días de feria, de actividades, libros y de “leer la naturaleza”, Corferias se despide de otra edición de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, FilBo, con un balance de la participación y asistencia a este evento cultural. Además, en el último día de feria también se presentó a España como el país invitado de honor para el 2025.En 1992, durante la quinta edición de la FilBo, España fue el país invitado de honor a la feria por primera vez bajo el lema del “encuentro de dos culturas”. Treinta y cuatro años después, el país europeo que comparte con Colombia la lengua y una amplia historia regresará con la construcción de cultura de la paz y la lengua en común como temas centrales.“Sabemos que tenemos mucho que aprender, pero también que es una relación de ida y vuelta.En los últimos años hemos fortalecido nuestras relaciones editoriales con España, para lograr que los autores colombianos sean leídos en ese país, y que aquí se lean también a los escritores y escritoras españoles”, explicó Adriana Ángel, directora de la FilBo.Además, aclaró que aunque en esta edición de la feria, en la que Brasil fue el país invitado de honor, hubo una contundente presencia de escritores españoles, como Sergio del Molino, e Irene Vallejo quien dio el discurso inaugural el pasado 17 de abril, todavía hay mucho de la literatura por explorar.Por su parte, el secretario de Estado de Cultura de España, Jordi Marti Grau, en representación del país europeo mostró interés porque las actividades de la próxima feria que incluyen la participación de España no se limiten al pabellón, sino que la cultura española y los temas en común de ambas culturas sean transversales a la agenda de la feria.“Se trata de lanzar un mensaje, me gustaría que fuera un conjunto de actos y actividades conjuntas, me gustaría que autores colombianos que residen en España puedan acompañarnos en la feria”, puntualizó sobre los planes que desde ya preparan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año tuvimos una participación contundente de autores españoles, pero el próximo año también le vamos a apostar a una presencia muy fuerte de libreros, editores, ilustradores y todos los actores de la cadena del libro en la feria y en la ciudad”, aclaró Ángel haciendo referencia a las novedades que se esperan el próximo año.Con su participación en la Feria del libro de Colombia, España culminará una gira por latinoamérica donde también será el país invitado a las ferias del libro de Panamá, en agosto, y de Guadalajara, el próximo diciembre.Además de este anunció, la FilBo también celebró la asistencia a Corferias el primero de mayo, cuando registraron 103 mil visitantes. En los 16 días de feria estiman que asistieron alrededor de 600 mil personas, de acuerdo con Mario Cajiao, vicepresidente de planeación y asuntos corporativos de Corferias.Por parte de los 548 expositores, Corferias registró 1.150 compradores y una expectativa de negocio por alrededor de 6 millones de dólares, “lo que representa un crecimiento del 32 % en relación con el año anterior”, sentenció Cajiao.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Treinta y cinco años después de ganar el premio a la mejor actriz por 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988), su única aparición en el Festival de Cannes hasta la fecha, hará su esperado regreso a la Croisette", celebró el certamen francés en el mensaje.Meryl Streep se declaró "extremadamente honrada" de recibir la Palma de Honor, un homenaje que en esta edición también se concederá al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli."Para la comunidad internacional de artistas ganar un premio en Cannes siempre ha representado la máxima distinción en el arte cinematográfico. Estar a la sombra de los que ya han ganado es a la vez humilde y emocionante. Estoy impaciente por ir a Francia este mayo para dar las gracias a todos en persona", dijo Streep, según el comunicado.La protagonista de títulos como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') o 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie') fue elegida por su presencia en "innumerables obras maestras" a lo largo de cinco décadas de cine, en palabras de Iris Knobloch y Thierry Frémaux, la presidenta y el director artístico del Festival, y por formar parte "del imaginario colectivo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con tres premios Oscar y una cifra récord de 21 nominaciones, Streep "utiliza su intuición y su trabajo duro para reinventarse con cada aparición" en pantalla, destacó también el Festival al hacer un repaso de su extenso currículum, que incluye igualmente películas como 'Mamma Mia!', 'Kramer vs. Kramer' ('Kramer contra Kramer') o 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada').Además, "a lo largo de toda su carrera", Meryl Streep "no ha temido denunciar públicamente la precariedad de las mujeres en la industria del cine" y ha sido consciente de los desafíos que rodean a la "representación de las mujeres en el cine", añadieron las fuentes.Es por eso que ella ha encarnado, "deseosa" de retratar a las mujeres en "toda su complejidad y fragilidad", papeles en todo tipo de registros y géneros cinematográficos, desde el drama al musical o la comedia.Recientemente lo hizo en la vertiente más familiar y de época en la adaptación de 'Little Women' ('Mujercitas', 2019) dirigida por Greta Gerwig, quien será precisamente la presidenta del jurado de la competición oficial de Cannes, donde este año se medirán figuras como Francis Ford Coppola, Yórgos Lánthimos, Paolo Sorrentino o David Cronenberg."Dos mujeres, dos generaciones, dos exigencias y una misma pasión por el Séptimo Arte reunidas en el escenario del Gran Teatro Lumière", indicó el Festival en referencia a la gran gala de apertura del 14 de mayo, en la que también se estrenará la película 'Le deuxième acte' ('El segundo acto'), del director francés Quentin Dupieux.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.