"'La Libertad guiando al pueblo' (1830) rencuentra hoy el brillo, la frescura y la maravillosa armonía de color tan característica de Delacroix. Me alegra que nuestros visitantes puedan descubrir o redescubrir esta inmensa obra de la pintura del XIX", dijo en un comunicado la directora del Louvre, Laurence des Cars.Con unas dimensiones de 2,60 metros por 3,25 metros, el cuadro es "un icono universal, símbolo de nuestro país y embajador de su cultura e historia", añadió Des Cars.La restauración, realizada por Bénédicte Trémolières y Laurence Mugniot, ha servido, por ejemplo, para descubrir que el color original de la túnica de la emblemática mujer que representa a la libertad y que empuña la bandera tricolor de Francia era gris y no amarillo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La última restauración, que databa de 1949, había intentado armonizar el color de la túnica", señaló el Louvre, en detrimento del gris y dando más relevancia al amarillo, que, originalmente, era secundario.Las restauradoras también lograron reducir las capas de barniz que sirvieron para que los contrastes entre los colores -uno de los puntos fuertes de Delacroix- resurgiesen "con fuerza", imprimiendo mayor relevancia a personajes considerados secundarios.'La Libertad guiando al pueblo' simboliza la revolución de julio de 1830, en la que hubo un levantamiento contra el rey Carlos X de Francia por las medidas opresivas que había aprobado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su comisario, José Lebrero, consideró este lunes, en la presentación de la muestra, que "es difícil rebatir" que Blanchard es "la mejor artista mujer en la historia del cubismo" y además de ser cubista "estuvo en otras batallas y se preocupó por otras cuestiones, y eso históricamente le pasó factura".El sistema del arte fue en su momento "condescendiente y piadoso" con Blanchard y "desconsideró su obra", por lo que esta exposición "cubre de modo ejemplar distintos momentos de la trayectoria" de la artista española y es un acto de "justicia museística", aseguró.Blanchard nació, como Pablo Picasso, en 1881, "pero su trayectoria artística no va más allá de veinte años", por lo que es "relativamente corta" comparada con otros artistas, ya que murió en 1932, añadió.La retrospectiva forma parte de una investigación más amplia sobre esta creadora "con lecturas acerca de su obra que tienen más que ver con el siglo XXI que con algunas canónicas" del XX.Se divide en tres partes, una primera de los años de aprendizaje, la segunda sobre la fase cubista y una última sobre la etapa postcubista y la vuelta a la figuración.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sobre el vínculo con Picasso, el comisario apuntó que cuando Blanchard viaja a París en 1909, uno de los primeros artistas a los que conoce es a él, "pero hay poco documentado sobre lo que pudo ser esa relación".La artista había decidido abandonar España "por una recepción bastante negativa de su obra, sobre todo la moderna, cuando empieza a no hacer lo que sus profesores, que eran hijos del arte del siglo XIX"."En París cambia su nombre, como Picasso, y lo convierte con su apellido materno. Se integra en la ciudad, pero en el círculo de artistas cubistas todos eran hombres y ella no sería ni modelo, ni musa, ni amante ni esposa de ellos", señaló.Uno de los testimonios más certeros de la relación Picasso-Blanchard lo dio el poeta chileno Vicente Huidobro en una carta escrita a su madre pocos días después de asistir al entierro en París de la pintora.En esa misiva, encontrada recientemente, Huidobro relataba que en el entierro estaba "todo lo mejor de París" y, a su lado, Picasso se lamentaba por cómo iba "disminuyendo" su grupo "batallador y heroico" de artistas."Cuán pocos quedamos y en tan pocos años tantos muertos", le dijo el pintor, que "reconocía así la obra de Blanchard", resaltó Lebrero.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trata de un cuadro con el que puede haber sorpresas, siempre que han aparecido cuadros de Klimt en subastas, se han conseguido muy buenas subidas. Lo que podemos decir es que el precio de estimación está fijado moderadamente", explica a Claudia Mörth-Gasser, de im Kinsky, la casa de subastas vienesa que organiza la venta.El retrato de la señorita Lieser es una de las piezas en las que Klimt estaba trabajando cuando murió, en febrero de 1918, a los 55 años.Se sabe que el pintor recibió 10.000 coronas como adelanto y se estima que habría recibido otras tantas al entregar la pieza terminada. Hoy día, esas cantidades equivalen a unos 120.000 euros.Perseguidos por los nazisEl cuadro fue encargado por los Lieser, una familia de empresarios judíos que sufrieron el expolio y la persecución de los nazis cuando Austria se unió al Reich alemán en 1938.A la obra se le pierde la pista en 1925, año del que es una foto en blanco y negro tomada para los preparativos de una retrospectiva de Klimt celebrada al año siguiente, y en la que ni se sabe si llegó a exponerse.Ahora se sabe que en un momento indeterminado fue vendido y que desde la década de 1960 estuvo en una mansión a las afueras de Viena.Varios miembros de la familia tuvieron que huir de Austria durante el nazismo y Lilly Lieser, una conocida mecenas, fue asesinada en el campo de exterminio de Auschwitz.Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se menciona en esa petición.Hace 18 meses, Ernst Ploil, uno de los gerentes de im Kinsky y perito experto en arte, recibió la llamada de alguien que contó haber heredado el cuadro y pidió ayuda para subastarlo.La casa de subastas inició una profunda investigación que ha concluido que no hay pruebas de si la obra fue expoliada o no entre 1938 y 1945, durante la dictadura nazi en Austria.Por eso, cuenta Ploil, la casa planteó al actual propietario la condición de llegar a un acuerdo con los herederos de los Lieser.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Repartir lo recaudado"El acuerdo es que subastan juntos y distribuyen lo recaudado", resume Ploil, quien afirma que de esa forma se supera cualquier posible injusticia y da seguridad jurídica.Este abogado describe este trato como un ejemplo de buenas prácticas, en un país que hasta hace relativamente poco tiempo puso muy difícil a los descendientes de víctimas del nazismo recuperar lo robado.Mörth-Gasser adelanta que la subasta ha despertado interés internacional y que es difícil saber cómo será la dinámica mañana, pero confía en el que el hecho de que el valor estimado sea tan "moderado" puede contribuir a que suban las pujas.Algo que añade interés al retrato es que no se sabe quién es la modelo, pero se cree que puede ser la sobrina de Lilly Lieser o, más probablemente, una de sus hijas.Sea quien sea, dice Mörth-Gasser, "tiene una presencia increíblemente cautivadora, un atractivo y una belleza juvenil sencillamente encantadores".Mörth-Gasser destaca cómo Klimt captura en los ojos, en el brillo de las pupilas, la esencia de la modelo, y cómo es capaz de transmitir que es alguien que "tiene aún el mundo por delante" y una mirada abierta sobre la vida. Además, el valor artístico de la obra es enorme.Un salto estilísticoSe considera que es un cuadro inconcluso, aún sin firmar y con un fondo en rojo sobre el que se estima que el pintor iba aún a trabajar.Pero es justo eso lo que, según esta experta, eleva la modernidad y la expresividad de la pieza, y adelanta una nueva etapa creativa."Me da la sensación de que si hubiera vivido otros cinco años se habría convertido en pintor abstracto y se habría orientado hacia Picasso", coincide Ploil.Klimt sigue siendo uno de los artistas más cotizados. En junio de 2023 su Dama con Abanico se subastó por 99,2 millones de euros (107,5 millones de dólares), y se convirtió en la obra de arte más cara vendida nunca en Europa.Serpientes de agua II llegó a los 187 millones de dólares en una venta privada en 2013, y sigue estando entre los diez cuadros más caros de la historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre los mencionados trabajos figuran obras firmadas por grandes maestros de la historia del arte, como Goya, Velázquez, El Greco, Sofonisba Anguissola, Rubens, Murillo, Zurbarán, Tiziano, Clara Peeters, Fortuny o Sorolla.Concretamente, se trata de 69 obras cedidas por el Prado, pinacoteca que reveló este mes que viajarían a China tres Grecos, cuatro Velázquez, seis Rubens y ocho Goyas.El recinto elegido es el Museo de Arte de Pudong (MAP), una moderna galería abierta a mediados de 2021 en pleno corazón de Shanghái, a orillas del río Huangpu -que divide a la megalópolis- y bajo el impactante ‘skyline’ que define a la considerada como capital económica de China.Si bien la inauguración oficial tuvo lugar hoy, los visitantes podrán admirar las pinturas durante más de cuatro meses a partir de este martes y hasta el próximo 1 de septiembre, algo que la organización califica de “oportunidad sin precedentes” para el público chino.“Disfrutar y aprender sobre España al mismo tiempo"Al evento celebrado este lunes asistieron el director del Museo del Prado, Miguel Falomir; el cónsul general de España en Shanghái, Luis Calvo, y el exministro y actual presidente del Real Patronato del Museo del Prado, Javier Solana.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Lo que se pretende es una doble experiencia: por un lado, mostrar obras magníficas, obras muy bellas, algunas de las mejores del Prado; al mismo tiempo, a través de ellas, contar algo de la historia de España, de tal forma que disfruten y al mismo tiempo aprendan algo de nuestro país”, indicó Falomir en declaraciones.En su opinión, la exposición servirá también para que el público chino “sitúe a España entre lo grandes gigante culturales europeos, algo que responde a la realidad y que, a veces, es necesario contar”.‘Eras de Esplendor. Una historia de España en el Museo del Prado’ está distribuida en once salas que articulan “diferentes relatos y discursos complementarios” y sirven para dar a conocer al visitante la evolución social y política del país ibérico durante más de cuatrocientos años, desde el reinado de Carlos V hasta los inicios del siglo XX.A este respecto, la exposición aporta contexto adicional en forma de recursos didácticos como líneas temporales o árboles genealógicos.Se han reservado salas específicas para géneros como la mitología, el bodegón, la pintura religiosa o el desnudo, en el caso de esta última con un espacio que “evoca la Sala Reservada que existió en el Prado durante sus primeras décadas de andadura”, según los organizadores.Otra de las estrellas de la exhibición es el préstamo de la ‘Mona Lisa’ de la colección del Prado, la copia más temprana de la ‘Gioconda’ original del Louvre parisino (pintada entre 1507 y 1516 en el taller de Leonardo da Vinci y restaurada en 2011), que se ubicará en una sección especial denominada ‘In Focus'.Shanghái ya conoció el PradoLa muestra está producida por Shanghai Lujiazui Development Group y coorganizada por el Museo del Prado y el MAP, con el apoyo de la Embajada de España en China y la Biblioteca Miguel de Cervantes de Shanghái y Turespaña.Esta última institución contribuyó a la promoción del evento con acciones como la emisión de publicidad exterior en la pantalla LED de la fachada del MAP, de más de 16 metros de largo, para que el casi millón de personas que acude cada anochecer al espectáculo de luces sobre el Huangpu en el popular Bund shanghainés descubra "imágenes espectaculares" de Madrid y el Museo del Prado.El Prado también busca mostrar la “excelencia y singularidad” de sus colecciones sin dejar de considerar aquellas obras que demuestran el interés del arte europeo por las diferentes culturas asiáticas, en especial la de China, desde el siglo XVI hasta el XIX.Y es que la pinacoteca madrileña no es ninguna desconocida para el público shanghainés, ya que a finales de 2021 se inauguró una original iniciativa que llevó reproducciones de una treintena de obras a los pasillos de una concurrida parada de metro de la ciudad.Aquella exposición, titulada ‘Encuentro con el Prado’, permitió a los usuarios del sistema de metro más extenso del mundo -con más de 13 millones de pasajeros al día- tener un inesperado contacto con trabajos de Goya, Velázquez, El Greco, Jan Brueghel el Viejo, Rubens o, precisamente, con la mencionada copia de la ‘Mona Lisa’.La misma estación, Middle Longhua Road -intersección de las líneas 7 y 12 de la ciudad, cerca de algunos importantes museos y con unos 100.000 pasajeros diarios-, ha alojado también exposiciones similares con obras de Antonio López y los realistas españoles o de Salvador Dalí.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tomando como inspiración la célebre frase del historiador de arte Ernst Gombrich, "No existe realmente el arte. Solo hay artistas”, Vurko Art extiende una invitación especial al público bogotano para explorar “Trending!!! Pop Art Colombiano". Del 25 al 30 de abril en la Casa Museo Grau, esta exposición celebra la creatividad individual y las perspectivas de cada uno de los artistas participantes, que van más allá de las definiciones convencionales al transformar elementos cotidianos en expresiones artísticas únicas, significativas y críticas.La muestra presenta una selección de más de 35 obras de los principales exponentes del Pop Art en Colombia, incluyendo a Segundo Miguel Tirado, Andrés Moreno, Camilo Pinto, Mac Salom (Mactivo), Nicolás Uribe, Omar Mendoza, Rubén Trespalacios, Harold Rubio, Fidel Álvarez (topensao), Gonzalo León, quien además estuvo a cargo de la curaduría y Georg Vurkovitsky director de Vurko Art. Esta exposición no solo rinde homenaje a la tradición del Pop Art, sino que también la revitaliza y adapta al contexto contemporáneo local, invitando a los visitantes a una experiencia artística inolvidable. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, la exposición contará con piezas icónicas de los maestros Enrique Grau y Ritcielt Vurkovitsky y un homenaje al maestro Álvaro Barrios a partir de una creación colectiva.El pop art, es conocido por su vibrante enfoque estético y su íntima relación con la cultura de masas, cuestionando las divisiones entre el mal llamado 'arte elevado' y los elementos de la cultura popular. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, y Richard Hamilton, lograron subvertir las tradiciones artísticas. “Trending!!! Pop Art Colombiano" toma esa tradición y la revitaliza, introduciendo elementos familiares de la vida cotidiana colombiana, desde marcas locales hasta iconografía publicitaria, y los fusiona con enfoques innovadores y diversas técnicas artísticas que van desde la pintura al óleo y acrílico hasta la escultura, pasando por el hilorama, la plastilina, la resina y el bronce.No se desconecte de la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este jueves 18 de abril, desde las 3:00 p. m. se inaugura la exposición temporal Folios y cubiertas: el oficio de la encuadernación, en el Museo de la Independencia Casa del Florero, en el centro de Bogotá.La muestra, que estará abierta hasta el próximo 2 de agosto, le permite a los asistentes acercarse a la encuadernación como un saber histórico con diferentes elementos técnicos y estéticos y como un oficio de memoria viva del centro de Bogotá.“Para el Museo de la Independencia Casa del Florero, estas propuestas expositivas son una forma de darle vida a esta práctica, ya que es necesario conocerla para apreciar nuestra cultura escrita y material, así como las formas tradicionales de transmitir y preservar el conocimiento”, explica Elvira Pinzón Méndez, directora del Museo de la Independencia Casa del Florero y de la Casa Museo Quinta de Bolívar.El oficio de la encuadernación, que se remonta al siglo III y que cambió la forma de percibir los textos, comprendía tres procedimientos básicos: la composición de los pliegos, la unión de los folios con una costura y la realización de una cubierta. Estos pasos dieron lugar a lo que conocemos actualmente como libro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Mantener la memoria viva de este tipo de saberes y dar valor a sus orígenes permite a las generaciones actuales relacionarlas con los avances tecnológicos del presente”, agrega Pinzón sobre la muestra que expone este oficio y sus transformaciones a través del tiempo.El valor de la encuadernación está representado en el museo a través de tres apartados: crear el libro, embellecer la materia y proteger la materia. En la primera parte se hace una reflexión sobre el valor del libro, además de por su contenido. Es una invitación a pensar cómo la encuadernación hace parte de la integridad simbólica y semántica del libro; y el encuadernador, de la memoria de su creación.En la siguiente fase, los visitantes podrán apreciar la utilización de materiales como el oro en los papeles, de ornamentos palaciegos en los lomos, y de cuero animal en las cubiertas (de cabra, becerro y cordero), hicieron posible la creación de algunas encuadernaciones de lujo que, desde Europa, llegaron a América, y a la Nueva Granada. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museo de la Independencia Casa del Florero (@museodelaindependencia) La parte final de la exposición se enfoca en la segunda mitad del siglo XX, cuando se empezaron a crear algunos talleres de encuadernación en el barrio La Candelaria. En este sector de la ciudad se articulaban fácilmente con dinámicas culturales, como bibliotecas y universidades, entre otras.“Los espacios de los museos contribuyen a que el público conozca diferentes prácticas culturales, en esta ocasión, a partir del conocimiento de los contextos sociales de producción de diferentes épocas de la encuadernación, los visitantes pueden establecer relaciones con el mundo de la edición, con la historia del arte o con el patrimonio bibliográfico”, puntualiza Pinzón Méndez.La exposición temporal estará abierta, con entrada libre, durante la inauguración. Posteriormente estará disponible de martes a domingo por el costo de ingreso al Museo de la Independencia Casa del Florero, ubicado en la carrera 7 # 11-82 en el centro de Bogotá de 9:00 a. m. a 5:00 p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Stranieri Ovunque - Extranjeros en todas partes es el título de la 60 Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia que se podrá visitar hasta el 24 de noviembre y que, comisionada por primera vez por un representante de América del Sur, el brasileño Adriano Pedrosa, cuenta con 88 pabellones nacionales en esta cita.Panamá y Senegal se estrenan con pabellón propio en esta 60 edición que será presentada a partir de mañana a los medios de comunicación antes de su apertura al público el próximo sábado, y a la que cuatro países acudirán por primera vez: Benin, Etiopía, Tanzania y Timor Oriental.IsraelEl que no abrirá es el pabellón israelí ya que la artista Ruth Patir y sus comisarios han anunciado este martes que no lo inaugurarán "hasta que se alcance un acuerdo de alto el fuego y liberación de rehenes" en Gaza.La artista y los comisarios, que han querido así "adoptar una postura de solidaridad con las familias de los rehenes y la amplia comunidad de Israel que reclama un cambio", han anunciado su decisión en un cartel en el exterior de su pabellón, titulado (M)otherland.En febrero, miles de artistas, instituciones y organismos culturales pidieron a la Bienal de Venecia la exclusión de Israel por considerar "inaceptable acoger a un Estado comprometido en las atrocidades que continúan contra los palestinos en Gaza", lo que fue rechazado por los organizadores.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo extranjeroEl título de esta edición surge del colectivo Claire Fontaine de Palermo, cuyas obras son esculturas de neón de colores con las palabras Extranjeros en todas partes en numerosos idiomas.Adriano Pedrosa explica los varios significados de la expresión: "En primer lugar, que vayas donde vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros. Ellos/nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, que no importa dónde te encuentres, siempre eres verdaderamente, y en el fondo, un extranjero".La cita artística se centra también en el artista 'queer', como el que se mueve dentro diferentes sexualidades y géneros, a menudo perseguidos o prohibidos; el artista 'outsider', que está situado en los márgenes del mundo del arte, o el indígena, frecuentemente tratado como un extranjero en su propia tierra.Así, los artistas indígenas tendrán una presencia emblemática en la Bienal, donde el colectivo Mahku de Brasil pintará un mural monumental que recibirá a los visitante en la fachada principal del Pabellón Central. O como el colectivo Maataho de Aotearoa/Nueva Zelanda, que presentará una instalación de gran tamaño.España y la descolonizaciónSandra Gamarra Heshiki es la primera artista no nacida en España elegida para el pabellón español en la Bienal Venecia que en el proyecto artístico Pinacoteca Migrante, comisariado por Agustín Pérez Rubio, rastrea el pasado colonial español tomando como punto de partida cuadros y objetos de los museos nacionales.La descolonización de los museos se ha convertido en uno de los temas más actuales del panorama artístico internacional y Gamarra (Lima, 1972) ha creado su particular museo a partir de obras ya existentes en las colecciones de las pinacotecas españolas y que ha copiado o modificado o las ha usado para elaborar 'collages', que tratan de crear conciencia sobre la mirada colonial europea.Latinoamérica, más de cien artistasLa importante presencia latinoamericana en esta prestigiosa cita internacional se traduce en más de un centenar de artistas invitados, un tercio del total, y una decena de pabellones nacionales: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, Puerto Rico contará por primera vez con representación con la organización afropuertorriqueña Consolato REM Brega!!!, que mostrará su exposición Desde San Juan Bautista... dentro de los Eventos Colaterales seleccionados por Pedroso para la 60 edición del festival.En estos Eventos Colaterales estará también el proyecto audiovisual Bestiari, del artista y cineasta Carlos Casas, con el que Cataluña acude a la Bienal.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lucrecia Díaz, nacida en Búfalo, aunque pasó su niñez en Colombia, reflexiona en una entrevista sobre el trabajo profesional de un fotógrafo: "No está todavía bien valorado y, por ello, invito a la ciudadanía a consumir arte porque es lo que le da sentido a un país".La fotógrafa resalta que la irrupción de la inteligencia artificial "cambiará por completo el panorama", lo cual abrirá un nuevo debate dentro del arte y, como artistas, quizás tengan "que recurrir a realizar fotos analógicas para que nadie las pueda manipular".Lo ideal sería que esta labor "se pagara mejor y, sobre todo, para reconocer la valía, porque en Estados Unidos, hace quince años, ya te contrataban para hacer sesiones para Facebook y ahora están comenzando a contratar fotógrafos para determinadas redes, por lo que invito a todos a hacerse un buen retrato o una buena foto de familia".Retrato y fotos artísticasDíaz centra su larga trayectoria profesional en el retrato y fotos artísticas de danza o baile. "Además de mis dos grandes temas, me gusta mostrar de cerca a las personas, más allá de sus oficios", comenta.Se inició en la profesión tras fotografiar a bomberos y policías de su barrio, lo que dio como resultado "Sirviendo a la comunidad", una exposición en España."El arte nace con uno, estudié Relaciones Internacionales pero las fotos siempre han sido mi hobby, de ahí que una vez que empecé a viajar se convirtió en mi profesión después de estudiar en Chile un diplomado de fotografía, lo que hizo que en cada viaje buscara un tema distinto", explica.Entiende que es "difícil" vivir de la fotografía porque a la gente le cuesta "pagar por una buena foto". Y concreta: "hoy en día, con las redes sociales, la gente piensa que tiene que verse mejor, es decir, todo el mundo se tiene que vender en los perfiles sociales y contar con un buen fotógrafo es muy importante".No obstante, apunta que la aparición de las redes sociales "hace que todo el mundo esté en la calle haciéndose selfies o fotos con los móviles y, de hecho, los teléfonos tienen unas capacidades maravillosas que pueden hacer mejores fotos en la oscuridad que con una cámara profesional".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Detrás del uniformeDíaz, que desde 1996 reside en España y que tiene un estudio en Madrid, se encuentra estos días en Ceuta, ciudad española en el norte de África, con motivo de su exposición Detrás del uniforme, que permanecerá abierta hasta finales de este mes y en la que se aproxima a los hombres y mujeres que sirven en las Fuerzas Armadas, desde la "intimidad y la cercanía física".La fotógrafa, que ha residido también en Alemania, Chile y Australia, subraya que su idea es "aproximarme a la persona, sacarla de su entorno, meterla en un estudio y descubrir al que está detrás del uniforme, que es alguien como tú o yo". Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Lucrecia Diaz (@lucrephoto) Con esta muestra, la autora quiere celebrar la "heterogeneidad y darles protagonismo a todos aquellos cuya profesión y finalidad son el servicio y el trabajo por los demás".El proyecto nació tras visitar Ceuta el pasado septiembre con motivo del aniversario de la fundación de La Legión española.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este año, el programa de artes de la Cámara de Comercio de Bogotá, ARTBO, celebra veinte años de existencia y ocho de su edición ARTBO Fin de Semana que se lleva a cabo desde este viernes, hasta el próximo domingo 14 de abril. A través de 71 espacios entre galerías, espacios autogestionados, museos, instituciones y espacios de diseño, los ciudadanos podrán acercarse al sector artístico y cultural.“ARTBO ha evolucionado como un programa integral de atención a las artes plásticas desde nuestra entidad que busca propiciar la creación a través de los artistas, de los gestores. Buscamos generar procesos de circulación, de visibilidad y acceso amplio ciudadano y espacios de mercado para que los artistas e involucrados en el sector puedan vivir del arte”, explica María Paz Gaviria, directora de ARTBODurante tres días los asistentes podrán recorrer cada uno de los seis circuitos artísticos que incluyen Centro Histórico, Macarena, San Felipe, Chapinero Norte, Chapinero Central y Teusaquillo. En ellos podrán participar de actividades y exposiciones especiales como visitas guiadas, conversatorios, talleres y encuentros editoriales.Esta iniciativa, surgida en 2017 con el objetivo de promover la difusión, circulación y comercialización del arte en la ciudad, este año contará con una nueva ruta enfocada en el diseño. La Ruta Diseño busca destacar y promover la diversidad y creatividad que caracteriza al sector del diseño de autor en Bogotá y contará con una programación especial distribuida por los 6 circuitos artísticos de la ciudad.“Queremos integrar el diseño de autor, su conexión con las artes plásticas, a través de estas rutas que se plantean para que los visitantes puedan aproximarse mediante el arte y reconocer el diseño como un campo que está relacionado con el sector”, señala Gaviria.Entre las actividades que se destacan en esta edición de ARTBO Fin de Semana se encuentran las charlas sobre coleccionismo, curaduría y sobre el rol de la institucionalidad actualmente coordinadas por Ademar Britto, curador e investigador de arte. También, el encuentro editorial con la curaduría de Caín Press, proyecto editorial de Andrés y Francisco Toquica, y el diseño del estudio de diseño Toquica, que presentan para esta edición diferentes editoriales independientes y actividades entre lanzamientos, talleres y charlas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Por su parte, Ovidio Claros Polanco, presidente ejecutivo de la CCB invitó a los bogotanos y visitantes a participar de estos recorridos. “El Programa ARTBO es un orgullo para la institución y un referente internacional. Invitamos a todos los ciudadanos a que participen de las actividades y exposiciones, todas son gratuitas y abiertas al público, y de esta manera sigamos posicionando a Bogotá como un referente para la cultura y los negocios”. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Programa ARTBO (@programaartbo) ¿Qué lugares visitar durante ARTBO Fin de Semana?Con una programación con horarios extendidos, son 71 los espacios que acogerán a los visitantes de ARTBO. El viernes 12 y sábado 13 de abril las rutas estarán disponibles desde las 11:00 a. m. hasta las 8:00 p. m., mientras que el domingo el horario de cierre será a las 7:00 p. m.Tenga en cuenta que para asistir nos debe cancelar ningún pago de ingreso y si desea visitar varios circuitos, hay disponibles buses gratuitos en los recorridos que facilitarán el acceso y el traslado entre los espacios a lo largo de la ciudad. Estas son las rutas de los buses:Los espacios que hacen parte de los seis circuitos son:Centro HistóricoCinemateca de Bogotá – Galería, Claustro de San Agustín – UNAL, Espacio Odeón, Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria, Fundación Gilberto Alzate Avendaño – FUGA, Galería Santa Fe – Idartes, Museo Colonial, Museo de Arte Miguel Urrutia – MAMU, Museo Santa Clara y la Sala de Exposiciones Colpatria, Centro Cívico de la Universidad de los Andes.MacarenaAlonso Garcés Galería, Espacio El Dorado, LT Projects (León Tovar Gallery), Museo de Arte Moderno de Bogotá – MAMBO, Museo de Artes Visuales – UTADEO, Museo Nacional de Colombia, NC ARTE, Sala de Arte Bancolombia y SN Macarena.San FelipeAdrián Ibáñez Galería, Casa Plástica, Espacio KB, Estudio [74], Galería Doce Cero Cero -12:00-, Galería Elvira Moreno, Instituto de Visión, La Zineteca – Espacio 101, LGM Galería, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAC, Plural, Policroma, PROCESO Art Gallery, Proyecto Binario, SGR Galería y SKETCH.Chapinero NorteFoiles, Del Portillo, Dessvan, Ochoinfinito, Octubre Arquitectura, Moblar, Alta Estudio, Ultramodernas, Villa Hechizo, OCtBeatriz Esguerra Arte, Casa Zirio, Galería El Museo, Espacio Alterno – Uniandinos, Espacio Continuo, Galería Baobab, La Cometa, LA Galería Arte Contemporáneo y Montenegro Art Projects – MAP.TeusaquilloCasatinta, mor charpentier, Salón Comunal, Taller Trez y Tranquilandia. Tienda y Laboratorio de arte. Para ver y ser vistos.Chapinero CentralARTBO | Salas –, Sede Chapinero, Biblioteca Museo Casa Lleras – UTADEO, Casa Hoffmann, Casas Riegner, Galería Christopher Paschall s. XXI, Galería Sextante | Arte Dos Gráfico, La Balsa Arte, Lamazone, Mmaison Galería, Nueveochenta, Ocre Galería y Otros 360°.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El retrato del rey Fernando VII que encargó el Ayuntamiento de Talavera de la Reina (Toledo, centro de España) para sus dependencias hace 216 años al pintor Francisco de Goya y que desapareció durante la Guerra de la Independencia española (1808-1814) ha aparecido a unos 120 kilómetros, en la Comunidad de Madrid.La persona que ha dado con su paradero es el abogado y tasador de arte Javier Gallego, quien dijo que el valor del cuadro -de 69 por 60,5 centímetros- se sitúa entre los 15 y los 20 millones de euros.Todo comenzó en verano del año 1808, cuando el Ayuntamiento talaverano encargó a Goya un retrato de medio cuerpo de Fernando VII a sus 23 años, uniformado y ataviado con las mayores insignias de la corona, algo común en la época por parte de los consistorios como muestra de lealtad.La Sociedad Galarza y Goicoechea, empresa conformada por los consuegros de Goya, trasladó a finales de verano de 1808 el retrato desde Madrid hasta Talavera en mula; sin embargo, según la teoría de Javier Gallego, durante la Guerra de la Independencia contra las fuerzas napoleónicas el cuadro desapareció ya que "había orden expresa de saquear".Para sustituirlo, el ayuntamiento pidió al pintor Vicente López Portaña que hiciera una réplica, que actualmente se encuentra en los espacios de Alcaldía del Consistorio de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Regalo a InglaterraTras la derrota de los franceses, en 1813, España recuperó algunos cuadros incautados por el ejército de Napoleón, entre ellos este retrato de Fernando VIII, y lo regaló al duque de Wellington, con lo quedaron en propiedad de Inglaterra y sacados a subasta años después.En la década de 1990 el Centro Superior de Investigaciones Científicas (CSIF) publicó que había constancia del pago del Ayuntamiento de Talavera al pintor por el retrato y ahí comenzó la curiosidad de Gallego por este asunto.Giro reciente de la historiaEl pasado mes de marzo, Gallego recibió "una enigmática llamada de un abogado" que le dijo que uno de sus clientes era el actual propietario de la obra, que la había comprado años antes, legítimamente, en una subasta pública y comunicado al Ministerio de Cultura español.Según Gallego, las pruebas hasta ahora realizadas confirmaron que se trata de aquel retrato desaparecido: la firma de Goya en el bastidor del lienzo, el sello de Galarza y Goicoechea, los estudios de pigmento, las inscripciones en el anverso del duque de Wellington, el recibo de pago del ayuntamiento, el recibo de entrega y las dimensiones.Otro detalle a tener en cuenta son las radiografías que han revelado un segundo retrato de Fernando VII detrás del lienzo, que se va a intentar recuperar con inteligencia artificial."En ese momento de guerra, los puertos europeos estaban bloqueados por la armada inglesa, lo que provocaba escasez material y Goya tenía que reutilizar cuadros", contextualizó.El cuadro volverá a Talavera, porque según contó Gallego, el actual dueño de la pintura pretende exponerlo en depósito en la ciudad durante al menos tres años para que se pueda visitar, algo que ya ha planteado al ayuntamiento, con quien "hay plena sintonía para que se lleve a cabo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yo tenía ocho años. En aquel momento de mi vida, nada me importaba más que el béisbol. Mi equipo era el New York Giants, y seguía las actividades de aquellos hombres de gorra naranja y negra con la devoción de un verdadero creyente. Incluso ahora, al recordar ese equipo que ya no existe, que jugaba en un estadio que ya no existe, soy capaz de recitar los nombres de casi todos los jugadores. Alvin Dark, Whitey Lockman, Don Mueller, Johnny Antonelli, Monte Irvin, Hoyt Wilhelm. Pero ninguno era tan grande, tan perfecto ni tan digno de veneración como Willie Mays, el incandescente Say-Hey Kid.Aquella primavera me llevaron a mi primer partido de liga. Unos amigos de mi padre tenían asientos de tribuna en el Polo Grounds, y una noche de abril fui con mis padres y sus amigos a ver a los Giants contra los Milwaukee Braves. No sé quién ganó, no recuerdo un solo detalle del partido, pero sí recuerdo que, cuando acabó, mis padres y sus amigos se quedaron charlando en sus asientos hasta que todos los espectadores se hubieron marchado. Se nos hizo tan tarde que tuvimos que cruzar el campo y salir por una de las puertas centrales, que era la única que estaba abierta. Y dio la casualidad de que esa salida estaba justo debajo de los vestuarios de los jugadores.En el momento en que nos acercamos a la puerta, atisbé a Willie Mays. No había duda alguna de que era él. Se trataba de Willie Mays en persona, ya sin el uniforme del equipo, vestido con ropa de calle a menos de tres metros de mí. Conseguí que mis piernas me llevaran hacia él, y a continuación, haciendo acopio de todo mi valor, hice que las palabras me salieran de la boca:—Señor Mays —le dije—, ¿podría firmarme un autógrafo?Mays debía de tener unos veinticuatro años, pero fui incapaz de llamarle por su nombre de pila.Su respuesta a mi pregunta fue brusca pero amigable.—Claro, chaval —dijo—. ¿Tienes un lápiz?Recuerdo que estaba tan lleno de vida, hasta tal punto rebosaba juventud y energía, que no dejaba de dar saltitos mientras hablaba.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero yo no llevaba lápiz, de modo que le pedí a mi padre si podía prestarme el suyo. El tampoco llevaba. Ni mi madre. Y resultó que los demás adultos tampoco.El gran Willie Mays seguía allí, mirándome en silencio. Cuando quedó claro que no había nadie en el grupo que llevara nada con lo que escribir, se volvió hacia mí y se encogió de hombros.—Lo siento, chaval —dijo—. Si no tienes lápiz, no puedo firmarte un autógrafo.Y salió del estadio perdiéndose en la noche.No quería llorar, pero las lágrimas empezaron a caerme por las mejillas, y no pude hacer nada para impedirlo. Y lo peor fue que seguí llorando en el coche hasta que llegamos a casa. Sí, estaba abatido, decepcionado, pero también irritado conmigo mismo por no ser capaz de controlar las lágrimas. No era ningún crío. Tenía ocho años, y se suponía que un muchacho de esa edad no debía llorar por algo así. No sólo no tenia el autógrafo de Willie Mays, sino que tampoco tenía nada más. La vida me había puesto a prueba, y yo no había sabido dar la talla.Después de aquella noche, comencé a llevar un lápiz conmigo allí donde iba. Adquirí la costumbre de no salir de casa sin antes asegurarme de que llevaba un lápiz en el bolsillo. No es que planeara hacer nada con él, pero no quería que me cogieran otra vez desprevenido. En una ocasión ya me habían pillado con las manos vacías, y no iba a permitir que eso volviera a pasarme.Cuando menos, los años me han enseñado esto: si llevas un lápiz en el bolsillo, hay bastantes posibilidades de que algún día te sientas tentado a utilizarlo.Como me gusta decirles a mis hijos, así es como me hice escritor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paul Auster, nacido el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey, fue un autor estadounidense cuyo trabajo significó uno de los paradigmas de la literatura norteamericana contemporánea. A lo largo de su carrera, Auster fue aclamado por su habilidad para explorar temas complejos como la identidad, el azar y la soledad a través de una prosa distintiva y evocadora.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los aspectos más destacados de la obra de Paul Auster fue su famosa "Trilogía de Nueva York", compuesta por las novelas "Ciudad de cristal" (1985), "Fantasmas" (1986) y "La habitación cerrada" (1986). Esta trilogía, considerada una obra maestra del género posmodernista, fusionó elementos del thriller, la metaficción y la filosofía existencialista para crear una narrativa absorbente que desafió las convenciones literarias tradicionales.Auster fue conocido por su estilo de escritura conciso y reflexivo, así como por su uso magistral de la estructura narrativa fragmentada y la voz narrativa ambigua. Sus personajes a menudo se encontraban en mundos enigmáticos y laberínticos donde la realidad se entrelazaba con la fantasía, lo que invitaba al lector a reflexionar sobre cuestiones fundamentales de la vida y la experiencia humana.Además de su trilogía más famosa, Auster produjo una amplia gama de obras que abarcaban novelas, ensayos, poesía y memorias. Entre sus obras más destacadas se encontraban "El libro de las ilusiones" (2002), "Brooklyn Follies" (2005), "4 3 2 1" (2017) y "Diario de invierno" (2012). En cada una de estas obras, Auster demostró su maestría para tejer historias complejas y profundamente humanas que resonaban con los lectores a nivel emocional e intelectual.El trabajo de Auster fue destacable por su capacidad para capturar la esencia de la condición humana en todas sus complejidades y contradicciones. Su enfoque introspectivo y su exploración de temas universales como el destino, el azar y la búsqueda de significado consolidaron su lugar como uno de los escritores más influyentes de su generación.Auster falleció el martes 30 de abril a los 77 años después de padecer cáncer de pulmón. A lo largo de su carrera, fue galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El martes 30 de abril del 2024 será recordado por el día en el que murió Paul Auster, el renombrado escritor estadounidense conocido por sus obras literarias que cautivaron a lectores de todo el mundo. Auster, de 77 años, partió tras padecer cáncer de pulmón, según lo reportado por el diario The New York Times el martes.Nacido con un don para la narrativa, Auster dejó una huella indeleble en la literatura contemporánea con obras que exploran las complejidades de la existencia humana y la condición moderna. Su famosa "Trilogía de Nueva York", que incluye obras emblemáticas como "Ciudad de cristal", "Fantasmas" y "La habitación cerrada", se ha ganado un lugar destacado en el canon literario.Más allá de su genio creativo, Auster será recordado por su carácter afable y su profundo compromiso con la escritura. Amigo y mentor para muchos, su legado trasciende las páginas de sus libros, dejando una marca perdurable en la comunidad literaria.
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La campaña “Donar un libro es un Hecho de Paz”, liderada por la Misión de Apoyo al Proceso de Paz en Colombia (MAPP/OEA), que cumple veinte años de presencia en Colombia y la Cámara Colombiana del Libro, llega a su quinta edición.Esta iniciativa, que desde 2019, ha entregado más de 17.500 libros en los territorios más afectados por el conflicto armado, la criminalidad y la inequidad, y en diferentes centros carcelarios del país, está pensada principalmente en niñas, niños y adolescentes para incentivar la lectura y su capacidad para transformar realidades sociales en pro de la construcción de paz en sus municipios y comunidades.“Este 2024, la MAPP/OEA cumple 20 años de trabajo ininterrumpido en Colombia acompañando a las comunidades y a las instituciones en los territorios, y con su despliegue territorial en más de 100 municipios de 18 departamentos, a través de 14 oficinas regionales permanentes, está a disposición del país para llevar la lectura como un hecho de paz a aquellos lugares que más lo necesitan”, señaló Roberto Menéndez, Jefe de la MAPP/OEA.Hasta ahora esta campaña ha entregado ejemplares en más de 80 iniciativas locales en todas las regiones del país, como escuelas, organizaciones sociales y de líderes, asociaciones de educadores, consejos comunitarios, colectivos juveniles, centros comunales y bibliotecas en zonas rurales y urbanas de departamentos como La Guajira, Antioquia, Arauca, Norte de Santander, Valle del Cauca, Caquetá, Cauca, Córdoba, Guaviare, Meta, Cesar, Putumayo y Nariño, entre otros.También han estado presentes en centros penitenciarios de Jamundí, Valle del Cauca; La Dorada, Caldas; Apartadó, Antioquia; y el Buen Pastor de Bogotá, como parte del programa “Cultura Para La Libertad” de los Ministerios de Justicia y de Cultura, que con apoyo del INPEC y la MAPP/OEA, impulsan una iniciativa de resocialización e integración para personas privadas de la libertad, a partir del fomento a la lectura, la escritura y la educación.“Como representantes del sector editorial colombiano, es fundamental continuar fortaleciendo los vínculos entre los libros y sus lectores, así como articular las distintas iniciativas que se gestan alrededor de la promoción de la lectura en el país. Esta campaña, que ya llega a su quinta edición, evidencia el interés genuino de los y las ciudadanas, para que las palabras lleguen a todos los rincones del país”, afirma Adriana Ángel Forero, directora de la FILBo, espacio en el que también los interesados podrán hacer donaciones de libros."Desde la Misión celebramos la participación de Brasil, país miembro de la Organización de los Estados Americanos, como invitado de honor a la Feria este año. También, agradecemos el apoyo de la Cámara Colombiana del Libro, Servientrega y las embajadas de países socios y amigos de la MAPP/OEA como Suecia, Países Bajos, España, Reino Unido e India; de entidades como el Centro Nacional de Memoria Histórica; y a miles de colombianas y colombianos que se han querido sumar a esta iniciativa a lo largo de sus distintas ediciones”, agregó Menéndez.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo donar libros? Quienes deseen contribuir a esta campaña deben tener en cuenta que los libros donados deben estar en perfecto estado y abordar temáticas como literatura infantil, juvenil y universal; derechos humanos; niñez, convivencia y diálogo; Paz, equidad y reconciliación; y medio ambiente.Durante los días de la FilBo, podrán entregar los libros en los stands de Servientrega en Corferias o en la oficina de la Cámara Colombiana del Libro, en el segundo piso del pabellón 23.También hay espacios distintos a Corferias para hacer las donaciones: pueden acercarse a la Biblioteca Fundadores Colegio Gimnasio Moderno, ubicada en la carrera 9 #74-99 en Bogotá, o revisar uno de los 65 puntos de recepción de libros dispuestos por Servientrega en todo el país aquí.En la edición 2023 de “Donar un Libro es un Hecho de Paz” se recogieron más de 2.800 libros en todo el país. Este año, con el apoyo de Servientrega, la MAPP/OEA y la FILBo se encargarán de entregar los libros recolectados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.