Admirado por su prodigioso virtuosismo, por la amplitud de su repertorio y por la originalidad de sus interpretaciones, con su muerte desparece "uno de los grandes músicos de nuestro tiempo y una referencia fundamental en la vida artística del teatro durante más de cincuenta años", escribió la Scala en su web."El superintendente Dominique Meyer, el director musical Riccardo Chailly, los profesores de la orquesta y los trabajadores de la Scala están al lado de su esposa Marilisa, su hijo Daniele y toda la familia", añadió.La capilla ardiente del maestro nacido en Milán en 1942, "protagonista absoluto de la escena concertista internacional desde su victoria a los dieciocho años en el concurso Chopin de Varsovia en 1960", se abrirá en las próximas horas en el la Scala, como ya sucedió cuando falleció la célebre bailarina clásica italiana Carla Fracci.Pollini fue un intérprete capaz de revolucionar la percepción de autores como Chopin, Debussy y el propio Beethoven y promover con incansable dedicación la escucha de las vanguardias históricas, sobre todo de Schönberg, y de la música actual, según recuerda la que fuera su casa durante cinco décadas.Junto a su grandeza como pianista, "sigue siendo fundamental su testimonio sobre el papel mismo de la música, entendida como componente esencial de la cultura y de la vida cívica y como instrumento de transformación de la sociedad", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Desde su debut el 11 de octubre de 1958 hasta su último recital el 13 de febrero de 2023, Pollini ha tocado en la Scala 168 veces", explica el teatro sobre su larga trayectoria, en la que colaboró con grandes artistas de su época como Claudio Abbado, Paolo Grassi, Riccardo Muti, Daniel Barenboim y Riccardo Chailly,sin olvidar sus las conciertos con Carlo Maria Giulini, Pierre Boulez y Zubin Mehta.Además de con los músicos de la Scala, Pollini interpretó su música con grandes orquestas como la Wiener Philharmoniker (con Abbado) y la Gewandhausorchester de Leipzig (con Chailly) y numerosas compañías dedicadas a la música de hoy, como el Ensemble Intercontemporain, el Klangforum Wien, la Musikfabrik K El estudio experimental SWR.Pollini también destacó en la música de cámara, pero en el centro de su larga carrera "se encuentran sobre todo los recitales: desde el histórico ciclo con las 32 sonatas de Beethoven en 1995 hasta el esperado concierto anual en el que recurrían las estrellas fijas de su universo musical: además Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Debussy, Schönberg y Noveno"."Lo esperábamos de nuevo el próximo 20 de octubre", revela la Scala.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paisaje infinitoDebajo de aquella columna de humo remotodoblándose como un árbol bajo el peso oscuro del vientotengo derecho a suponer el chisporroteo de un fogón encendidoY detrás del fogón ha de haber una mujer que cantaO callaCon un cucharón de madera en la mano derecharevolviendo un cocido de papas y trozos de gallina y pizcas de cilantroY quizás lleva un delantal a cuadros azulesY detrás de la mujer debe haber un niñosentado en el suelo de tierra pensando en nadaY detrás del niño ha de estar papáCon su vozarrón callado y sus grandes zapatos quietosY su bigote de corsarioO como de manubrio de bicicletaque le da un aspecto fieroY cómico a la vezY tiernoY detrás de papá habrá un perro blancoY detrás del perro un gato colorado mordisqueándole la colaY detrás del gato una puerta abiertaY un camino y una colinaY una casa y una columna de humoY alguien que como yoo tal vez mi contrariocontempla el paisaje circular a estas horasse dice:debajo de aquella columna de humo remotodoblándose como un árbol bajo el peso oscuro del vientohe de suponer un fogón encendido y una mujer que cantao que callaEl fin del mundoHoy soy feliz:el sol se está apagando sobre el mundoTodo va a terminarLa muerte es amarilla sobre el ríoEl universo será un puñado de sal para el marLa luz se transformará en jabón para la caraLos automóviles dormirán en las esquinasy esperarán convertirse en garzasYo,esperaré la invasión de las garzasque vendrán a fabricar sus nidosen el corazón de los semáforosLa ciudad de cemento será una caja de cartón,Sola y empolvadainmóvilterminando en todas las callesAdquiriendo la hediondez que se acumula en misBolsillosPero yo soy felizirremediablemente,mientras la luz es vieja.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El tango de los hamponesMuchas veces quise ser buenoPero siempre me convencieron de la movidade la bolsa o la vidaque es la moda del siglo que correPor eso me preocupode mantener mi billetera gordaa cualquier preciosin pararme en pelillosY del bien sacrosanto de mi panzaDesoigo los consejos de los pobres y los buenosHay que trampear si queremos sobrevivirTretas y artimañas convienenY es ventajoso mantener alguna carta ocultaLos discursos morales conducen a la ruinaHay que ir armando también por el buen caminoEl mundo se pone cada vez más difícilPregúntale a mi pistolaEntre el justo y el pecadorla diferencia está en el muertoY aunque no hay muerto maloes preferible vivir y seguir en lo que estamosmientras nos dejenNo hay que dejarse adelantarEl vencedor impone la moralLas víctimas no cuentanSe cuentanY se olvidanMuchas veces quise ser buenoPero quién alimentaría a mi familiaEs mejor prevenir que lamentarY menos peligroso golpear primeroPor hacer el bien sin mirar a quiénmuchos de cuyos nombres me olvidéhallaron un mal finEs bueno y loable intentar ser honradoPero resulta un sinsentidoen este mundo corrompidoLa virtud es hermosa no cabe dudapero las virtudes del rico son evidentesY están bien respaldadas por los bancosEl que cuenta sus morlacosdispone bien las partes del antiguo problemasé lo bueno y lo maloHay que alejarse de la horrible pobrezaHay que ser duros antes que demasiado purosGolpea fuerte, y no lamentes tu suerteSi no existieran el bien y el malLa vida sería como pan con panÚnete a mi banda No te irá mal si eres lealY sobre todote cuidaremos de la policíaEs una porqueríaBusqué a Dios...Busqué a Dios con sinceridad y pacienciaEn el directorio telefónicoEn aguas mansas y turbiasY en las precipitaciones de aguaLo busqué en la ausencia de los que amamosy en los desperfectos de nuestra mansedumbreMe fui tras El por pequeñas ciudadesBusqué su fotografía cada mañana en los periódicosAmé en la risa de las muchachas su risaY en la mirada de mi prójimoEncontré muerte en todas partesPero buscar es lo que importaSacrificioHoy también como todas las santas noches-maldita sea-a las once en puntodespués de la última campanadadel reloj de arpasdecapitaron en el segundo pisoa la misma mujery como siempreella lo soportó en un silencio digno y claroobediente al ritualemitiendo un pequeño gemido de cornejaComo todas las noches a las once en puntohoyoí caer la cabeza de una mujercon el mismo golpe amortiguadoque ya es costumbresin decir un sí es no essin protestarsin hacer una tragedia de una liturgia necesariaDe un sacrificio inapelableAceptando el destinoY yo apagué la luz de la lámpara de la mesa de nochecompadecido, pero también más tranquiloPorqueno sé qué pasaría si algún día dejara de sucedery perdonaran a esa mujer en el segundo pisoY no cayera a las once en puntosu cabezacomo una bola de seboen un canastoesparciendo aromas de glucosas quemadasMientras el eco del último toque de las oncedisuelve el arpa del reloj de muroy en algún patio del barrio recogidoaleteavictoriosoel mismo galloel verdugo se aleja, cojea un poco del pie izquierdoY cuenta las monedas de sus honorariosbien ganadosy musita una canción de negrospensando en sus hijos🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la mañana del martes 19 de marzo, la familia del poeta Eduardo Escobar confirmó su fallecimiento tras varios meses luchando con un cáncer de pulmón. Su hija Raquel habló con El Tiempo y confirmó la noticia, contando que su padre fue internado hacía dos días en la Clínica Oncológica de Envigado por complicaciones de salud. “Lo mandaron como en el correo de la muerte porque le quitaron los drenajes, el suero y no le daban de comer. Estuvimos muy a disgusto, mi papá estuvo muy mal”, dijo su hija a El Tiempo. Eduardo Escobar fue uno de los fundadores del movimiento nadaísta en Colombia junto con el escritor Gonzalo Arango, el Nadaísmo era una puesta literaria en contra de las figuras establecidas de cultura, academia, literatura, entre otras. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante cuarenta años escribió la columna Contravía en el periódico El Tiempo, su última publicación fue el pasado 4 de marzo de 2024. Recientemete le habían otorgado el premio del Círculo de Periodistas de Bogotá (CPB) a la Mejor publicación periodística.También le entregaron el premio Simón Bolívar a la mejor columna de opinión en el año 2000 por un texto crítico acerca del escritor argentino Jorge Luis Borges.El pasado 20 de febrero en su columna "Noticia de los reinos intermedios" escribió: “Se agitan las enfermeras desde la primera hora en los paisllos, y entran y salen de la habitación con rara insistencia, para preguntarme si me duele, y yo contesto a veces que sí y a veces que no, porque de tanto oír la pregunta dejé de entender bien lo que es el dolor. Hay muchas clases de dolor. Borges dijo que sufrimos de uno en uno. Y hay muchas clases de heridas. Y hay muchos modos de llevarlas”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conocido como el "rey del boogaloo", el pianista y director de orquesta estadounidense Pete Rodríguez falleció este lunes a los 91. Así lo confirmó el sello discográfico Fania Records, que acompaño la carrera artística de Rodríguez, a través de sus redes sociales. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por FANIA RECORDS (@faniarecords) “Con pesar compartimos el fallecimiento del gran pianista y líder de banda, Pete Rodríguez. El mundo ha perdido a un increíble artista latino cuya música seguirá influenciando durante generaciones. Enviamos nuestras condolencias a su familia y amigos”, publicó la Fania Records en su cuenta de Instagram.Pionero del boogaloo, Pete Rodríguez fue el encargado de posicionar este género que fusionaba elementos de la música afrocaribeña con el rhythm and blues y el soul en Estados Unidos y Latinoamérica durante los años 60 y 70.Nacido en el Brox, en Nueva York, en 1932, Rodríguez fue criado con tradiciones latinas por su ascendencia puertorriqueña. Años más tarde, después de servir en el Cuerpo de Marines de los EE. UU. su carrera musical inspirada en los ritmos latinos tuvo gran acogida con el famoso “boogaloo”.En 1967 alcanzó la fama con su éxito I Like It Like That, lanzado junto con su banda, Pete Rodríguez y Su Conjunto. Esta canción, que se popularizó en los últimos años con la versión urbana de Bad Bunny, Cardi B y J Balvin, en ese entonces se convirtió en un himno del boogaloo y se destacó por su ritmo pegajoso y la mezcla del español y el inglés que alcanzó los primeros lugares de las listas de éxitos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A lo largo de su carrera, Pete Rodríguez, junto a su orquesta, continuó grabando éxitos musicales como Micaela, Descarga Caliente, Soy El Rey o la icónica colaboración con Rubén Blades, De Panamá a Nueva York.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Nuestro dulce, amoroso y talentoso Eric se apagó mientras dormía este fin de semana. Estaba muy feliz de saber que, durante décadas, su música ha influido en tanta gente y permanecerá grabada en su memoria", escribió en un mensaje publicado en el sitio web oficial del artista.Amy Carmen también pidió a los fans que "respeten la privacidad de la familia mientras lloramos nuestra enorme pérdida".La causa del fallecimiento no fue especificada.Nacido en 1949 en Cleveland, Ohio, Eric Carmen comenzó su carrera musical cofundando en la década de 1970 la banda de rock "The Raspberries", que se separó cinco años después.El primer álbum de la banda incluía una etiqueta que al rascarse olía a frambuesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El grupo volvió a reunirse en 2004. Un concierto de esa gira fue grabado y lanzado como álbum en 2017, "Raspberries Pop Art Live".Además del éxito de "All by Myself", Carmen tuvo otro momento de gloria con "Hungry Eyes", parte de la banda sonora de la popular película "Dirty Dancing" (1987), con Patrick Swayze y Jennifer Grey.Su canción "Almost Paradise", que coescribió para la película "Footloose", le valió una nominación a los Premios Grammy.Sus éxitos han sido versionados por artistas tan diversos como Céline Dion ("All By Myself"), Shaun Cassidy ("That's Rock 'n Roll") o John Travolta ("Never Gonna Fall in Love Again").No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lamentamos enormemente informar de que el creador de manga Akira Toriyama murió el 1 de marzo debido a un hematoma subdural agudo", detalló el estudio en su perfil de la red social X."Sentimos mucho que todavía tenía varios trabajos a mitad de creación con gran entusiasmo. También, tenía muchas más cosas por lograr", añade el escrito.El equipo de Toriyama destacó los trabajos que el autor deja para la posterioridad y añadió: "Gracias al apoyo de tanta gente alrededor del mundo, pudo continuar con sus actividades creativas durante más de 45 años. Esperamos que el mundo único de creación de Toriyama siga siendo amado por todos durante mucho tiempo".Bird Studio explicó que el funeral del autor ya ha tenido lugar entre sus familiares y allegados, y pidió al público abstener de enviar flores u otras ofrendas de condolencias, "siguiendo sus deseos de tranquilidad".Todavía no se ha tomado ninguna decisión sobre la celebración de algún tipo de evento público de despedida del autor y el estudio dijo que informará al respecto a su debido tiempo.Nacido el 5 de abril de 1955 en la ciudad de Nagoya, en el centro de Japón, Toriyama era mundialmente conocido por obras como Dragon Ball o Dr. Slump, y también fue el responsable del diseño de personajes de importantes títulos de la historia de los videojuegos como Dragon Quest, Chrono Trigger o Blue Dragon, entre otros.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La editorial Shueisha, propietaria de la revista especializada Shonen Jump, donde se han publicado numerosos trabajos de Toriyama, publicó un mensaje de condolencias en su página web en el que dijo que están "llenos de gran tristeza" por la noticia."Dr. Srump, Dragon Ball, Sand Land... Estos mandas fueron dibujados por el maestro y han sobrepasado fronteras y sido amados" en todo el mundo, y su estilo "ha influido mucho en muchos 'mangakas' (dibujantes de manga) y creadores", destacó Shueisha.El también dibujante Eiichiro Oda, autor de One Piece y junto al que Toriyama había trabajado recientemente en la historieta Cross Epoch, se sumó a las voces que expresaron su pésame por el fallecimiento de Toriyama.Oda dijo que la muerte de Toriyama se ha producido demasiado pronto y que deja "un vacío grande". "Nos enseñó que el manga hace posibles muchas cosas y nos hizo soñar con poder ir a sus universos. Era como estar viendo a un héroe que iba por delante del resto".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La noticia fue anunciada por su hijo Christopher Rice, a través de las redes oficiales de la autora. "La inmensidad del dolor de nuestra familia no puede ser exagerada. Como mi madre, su apoyo para mí fue incondicional, me enseñó a abrazar mis sueños, rechazar la conformidad y desafiar las voces oscuras del miedo y la duda. Como escritora, me enseñó a desafiar los límites de género y a rendirme a mis pasiones obsesivas".Anne Rice tuvo sufrió un derrame cerebral que desencadenó complicaciones irreversibles, hasta agotar el cuerpo de la escritora de 80 años. Falleció en el hospital de Nueva Orleans y en ese mismo estado se llevarán a cabo sus exequias, en medio de una ceremonia privada, según confirmó Christopher Rice. Desde su primera publicación, estuvo clara la inclinación estética de Anne Rice. El límite, la oscuridad y los universos que pueden ofrecer verdades alternativas a las reales, ocuparon la atención y el torrente de palabras de la escritora, quien pasó a la historia en 1976, al publicar “Entrevista con el vampiro”, una novela que apunta a construir una imagen de los vampiros que supera la dimensión física y ahonda en la inmortalidad, la pérdida, la sexualidad y el poder.“Entrevista con el vampiro” fue adaptada al cine en 1994, bajo la dirección de Neil Jordan y con papeles protagónicos de Brad Pitt y Antonio Banderas. La cinta se estrenó el 11 de noviembre de ese mismo año y recaudó más de 223 millones de dólares en taquilla ante un presupuesto estimado de cincuenta millones.Esa búsqueda convirtió a Rice en un referente del género y una de las figuras más importantes de la literatura en el Siglo XX. En "Crónicas Vampíricas", una serie de novelas que continúo escribiendo Rice, terminó de dar forma al universo que la autora no abandonó luego de su primera publicación. Allí exploró los anhelos, pasiones y hambre, e incluso la vida sexual de los vampiros, una línea narrativa que adaptarían obras como Crepúsculo o True Blood.
Tras permanecer hospitalizado varias semanas en el Hospital Country 2000 de Guadalajara, falleció esta madrugada Vicente Fernández, la leyenda de la música ranchera, tras complicaciones derivadas de la inflamación de sus vías respiratorias en los últimos días y por el cual tuvo que continuar con apoyo respiratorio y ser ingresado nuevamente a terapia intensiva. El charro de 81 años había sido internado desde el pasado 6 de agosto luego de sufrir una caída en su finca Los Tres Potrillos que le dejó una fuerte lesión en las vértebras cervicales y de la que no pudo recuperarse por sí solo.Durante su extensa carrera que comenzó en 1964, Vicente Fernández cosechó grandes momentos en la historia del cancionero popular en México, lo que le valió ser considerado un símbolo de la cultura hispanoamericana y uno de los mejores exponentes de la música ranchera, lo que le valió dos premios Grammy, ocho premios Grammy Latinos, catorce premios Lo Nuestro y una estrella en el paseo de la fama de Hollywood, alcanzando una cifra de 70 millones de copias vendidas hasta 2019.Vicente Fernández nació en Huentitán el Alto, en el estado de Jalisco el 17 de febrero de 1940, en el hogar de Ramón Fernández Barba y Paula Gómez. Con apenas 14 años de edad, la futura estrella de la ranchera participó en un concurso amateur en Guadalajara en el que obtuvo el primer lugar, y a los 20 años, Vicente debutó en un prestigioso programa de televisión llamado La calandria musical en el que interpretaba grandes éxitos de Jorge Negrete y Pedro Infante, su ídolo. El 27 de diciembre de 1963 se casó con María del Refugio Abarca con quien tuvo tres hijos: Vicente, Gerardo y Alejandro. Tras pasar varios meses cantando rancheras en el cabaret El Sarape junto al Mariachi Amanecer de Pepe Mendoza y el Mariachi de José Luis Aguilar, con su voz alcanzó fama local que luego se extendió a las regiones a través de la emisora XEX-AM. Tras audicionar varias veces sin conseguir éxito, solo sería hasta el verano de 1966 cuando Vicente firmó su primer contrato con la filial de CBS en México, con la que grabó su primer disco de larga duración, "La voz que usted esperaba", en el que destacó "La copa rota" de Benito de Jesús, y "Perdóname" y "Parece que fue ayer" de Armando Manzanero.Tras el explosivo éxito de su primer álbum, le siguieron varios trabajos de gran renombre como "¿Cuánto te debo?" de Dino Ramos y Roberto Cantoral en Palabra de rey (1969) y "La cruz de tu olvido" de Antonio Valdés en ¡Arriba Huentitán! (1972). Sin embargo, su primer éxito internacional llegó en 1973 con "Volver, volver" de la autoría de Fernando Maldonado. El tema lo consolidó rápidamente como uno de los más grandes cantantes rancheros de todos los tiempos, rompiendo hasta entonces todos los récords de ventas en Hispanoamérica, España y Estados Unidos. Para ese mismo año, incursiona por primera vez en el cine en la película Tacos al carbón, dirigida por Alejandro Galindo y encarnando a Constancio Rojas, un humilde vendedor de tacos al que un día le cambia la suerte al ganarse un automóvil y el premio mayor que sorteaba una marca de detergentes.El éxito estuvo seguido de la grabación de los boleros "Perdón", de Pedro Flores e interpretado junto al Mariachi de Gilberto Torres; y "Desvelo de amor", de Rafael Hernández. Para 1974 ya era conocido en todo México y su carrera empezaba a despegar con las primeras giras que ofreció en algunos países de Latinoamérica. Ese mismo año lanzó otra exitosa producción para el sello CBS: El ídolo de México, en el que se destacaron "El Arracadas" de Gilberto Parra, "Las llaves de mi alma", de su autoría, y "El rey" y "Que te vaya bonito", ambos temas compuestos por José Alfredo Jiménez.En 1975 lanza El hijo del pueblo, otra producción con la que mantuvo su récord en ventas y con la que inmortalizó otros temas rancheros como "La ley del monte" de José Ángel Espinoza y "El hijo del pueblo", dos temas que incluyó en las dos películas homónimas en las que participó como Maclovio Arrieta y Vicente Aurelio Martino López respectivamente. En 1976 reinterpreta en el álbum A tu salud a su ídolo Jorge Negrete con uno de los primeros temas que lo hizo famoso: "Preciosa", de Rafael Hernández, y en 1979 lanza El tahúr al mismo tiempo que participa como protagonista en la película del mismo nombre —en la que debutó como director asistente— que cuenta la triste historia de Martín Estrada, un hábil jugador de naipes, y el triángulo amoroso con la esposa de Raúl Vidal.A comienzos de 1980, visitó Colombia por primera vez, emprendiendo una larga gira por las principales ciudades del país. Ese mismo año lanzó El tapatío con el que llegó a los primeros lugares con "Que te vas, te vas" de Cuco del Toro, "De qué manera te olvido" de Federico Méndez y "No me sé rajar" de Carmelo Frayle. En 1983 publicó el álbum 15 Grandes con el Número Uno que vendió más de un millón de copias, y al año siguiente, protagonizó su primer gran concierto en la Plaza de Toros México, la más grande del mundo, con una concurrencia de 54.000 espectadores.En 1987 lanzó Dos Corazones, un álbum a dueto con Vikki Carr, y en 1989 volvió a tocar los primeros lugares con el álbum Por tu Maldito Amor, del que se desprende el éxito internacional del mismo nombre e inspirado en la desgracia de Federico Méndez, el primer director artístico del charro, quien se suicidó tras sufrir una decepción amorosa. En este álbum también se destaca "Aunque mal paguen ellas", cantada a dúo con el cantante brasileño Roberto Carlos y que fue un gran éxito en la radio.Al finalizar la década, Vicente Fernández ya había posicionado en la región otros grandes éxitos como "La diferencia" de Juan Gabriel en 1982; "¿De qué me sirve ser rey?" de Tirzo Paiz en 1984; "Motivos" de Italo Piazzolante en 1987, y el internacional "Mujeres divinas" de Martín Urieta en 1988 y que contó con la participación de Chamín Correa y su requinto. En 1990, produjo el trabajo Las Clásicas de José Alfredo Jiménez y en 1992, Qué de Raro Tiene, del que se desprenden el tema que da nombre al álbum y "Acá entre nos", ambos temas compuestos por Martín Urieta. En 1993 publica el disco Lástima que Seas Ajena en el que además del éxito homónimo, incluye "Nuestro Juramento" y una nueva versión del tema "Perdón" esta vez, acompañado por su hijo Alejandro Fernández.En 1995 publicó Aunque me Duela el Alma; en 1997, Estatua de marfil; en 1998, Me Voy a Quitar de En Medio; y en 1999, estuvo de gira promoviendo su nuevo trabajo discográfico que rendía un tributo al trío Los Dandys. Ese mismo año fue nominado por la academia musical para recibir el Premio por Mejor Trayectoria Artística, en los premios Ritmo Latino en el Anfiteatro Universal de Los Ángeles. En el nuevo milenio, su producción musical estuvo marcada por el tributo que rindió a Agustín Lara en 2002, y los álbumes Se me hizo tarde la vida en 2004 y La tragedia de un vaquero en 2006. El 25 de septiembre de 2007 lanzó al mercado su álbum Para siempre, certificado como disco de diamante y oro en México; mientras que con esta nueva producción alcanzó su sexto disco de platino en los Estados Unidos a solo semanas de su lanzamiento. El sencillo "Estos celos" se mantuvo por más de tres meses en el primer lugar de los principales listados de popularidad de la Música Regional Mexicana, mientras que el álbum alcanzó el Disco de Diamante y de Oro por la venta de más de 550.000 unidades vendidas, únicamente en México. Gracias a su gira alcanzó Disco de Diamante en Colombia y un reconocimiento especial por la venta de más de un millón y medio unidades vendidas de la misma producción, a nivel internacional. Además, la canción que dio nombre al álbum fue elegida como tema principal de la telenovela mexicana de Televisa Fuego en la sangre (2008).En 2008 grabó Primera fila, un concierto totalmente en vivo desde la Arena VFG, título de su primer material editado en el formato Blu-ray, siendo el primer artista hispanoamericano en incursionar en esta modalidad. Por esta nueva grabación, Vicente recibió doble Disco de Platino y Oro en México, Disco de Platino en Centroamérica, Disco de Platino en Colombia, y Doble Disco de Platino y Oro en los Estados Unidos, donde permaneció seis semanas consecutivas en el primer lugar de Billboard y se convirtió en el DVD musical más vendido del año en toda la industria discográfica estadounidense.El 14 de febrero de 2009, Vicente Fernández presentó un concierto en el Zócalo de la Ciudad de México con más de 220.000 asistentes. En julio de ese mismo año, lanzó su producción Necesito de ti, que logró nuevamente un Disco de Platino y Oro en México y Disco de Oro en Estados Unidos. En 2010 salió a la venta la producción El hombre que más te amó, producida por el propio Vicente y dirigido por Javier Ramírez y al año siguiente presentó el disco Otra vez, con el que participó en la inauguración de los Juegos Panamericanos interpretando el Himno Nacional de los mexicanos.El 8 de febrero de 2012 anunció su retiro de los escenarios, no sin antes realizar una gira mundial que se extendió hasta abril de 2016 cuando realizó su último concierto de despedida en el estadio Azteca, cantando alrededor de 45 canciones. Sin embargo, anunció que aunque era su último concierto, no se retiraba de la música. Desde entonces, su vida estuvo llena de enfermedades, desde vencer un cáncer de próstata hasta una delicada operación a causa de un cáncer de hígado. En agosto de 2013, Vicente Fernández fue hospitalizado por una trombosis pulmonar de la que logró salir invicto del hospital.Con la muerte de Vicente Fernández no solo desaparece la última gran voz de la ranchera del siglo XX, sino el último sobreviviente de los "cuatro gallos" —además de Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís— que nutrió al cancionero mexicano con sones, huapangos y corridos, y que proyectó a la música regional en Latinoamérica como la máxima expresión cultural de ese país.
En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra exhibirá desde retratos del siglo XVI realizados por Hans Holbein el Joven a fotografías contemporáneas de Hiroshi Sugimoto o los trajes utilizados en el popular musical 'SIX', en la primera exhibición histórica desde la reapertura de la galería de arte londinense el año pasado.Así, recogerá más de 140 trabajos con referencias a las vidas de Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Aaa de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, incluidas pinturas, dibujos, libros, fotografías o trajes, algunos nunca vistos antes.Con las diferentes obras que hablan de las seis esposas del Tudor, la National Portrait Gallery pretende "poner el foco narrativo en estas mujeres extraordinarias y no en su tristemente célebre marido", como se recoge en la nota de prensa.El objetivo es que el público aprenda sobre las relaciones de las distintas reinas con la corte y con el rey, además de sobre sus intereses, su ideología o sus creencias y valores, entre otros aspectos de sus vidas.Entre los trabajos destacados que se expondrán se encuentra un retrato de Ana de Cléveris pintado por Edgar Degas, la caja con las herramientas de escritura de Catalina de Aragón o el libro de horas de Ana Bolena.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Estas obras de la época interactúan con otras posteriores, que mostrarán cómo la cultura popular ha reinterpretado y representado a las seis mujeres, recordadas por el momento de su muerte y no por sus vidas —en inglés, existe la rima 'Divorced, beheaded, died / Divorced, beheaded, survived' ('Divorciada, decapitada, muerta / Divorciada, decapitada, superviviente')—.Como dijo el director de la National Portrait Gallery, Nicholas Cullinan, la muestra espera "generar la empatía" de los asistentes.Y también pretende "recordarnos que debemos reflexionar sobre las historias que construimos colectivamente y la facilidad con la que podemos terminar definiendo a las personas por un único momento de sus vidas", destacó.La exposición, acompañada de la publicación de un libro del mismo título escrito por la comisaria, Charlotte Bolland, permanecerá abierta durante los meses de verano hasta el 8 de septiembre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.