Prohibida en Normandía es la última novela de la española Rosario Raro (1971), una historia basada en hechos reales, que se publica cuando se cumple el 80 aniversario del desembarco de las tropas aliadas en el norte de la Francia ocupada por los nazis, el Día D, el 6 de junio de 1944.Gellhorn (San Luis, Estados Unidos, 1908 - Londres, 1998) había cubierto antes conflictos bélicos en España en 1937, Finlandia en 1939 o China en 1940, y siempre intentó escribir con una mirada puesta hacia la mujer y las consecuencias que las guerras tenían para ellas."Lo que ella nos ha legado de las guerras es la intrahistoria, las vidas anónimas que realmente son quienes sufren las consecuencias de los grandes acontecimientos bélicos", dice la autora, con cuya novela ha querido devolver a esta reportera el "primer plano que le fue escamoteado".Porque Gellhorn escribía para la revista del Ministerio de Defensa estadounidense Barras y estrellas y también para Colliers Weekly, pero no le acreditaron para cubrir el desembarco "por un único motivo, que era mujer, ya que su profesionalidad estaba fuera de dudas", dice Raro en un encuentro con periodistas.A Gellhorn no se le dio la importancia que tuvo como corresponsal de guerra, asegura la autora: "Ella dijo literalmente que no quería ser una nota a pie de página de la vida de otra persona. Y se la define por ese parentesco, por ser 'una de las mujeres de Hemingway', cuando eso solo fue un paréntesis de menos de cinco años en su biografía".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la novela se refleja cómo el propio Hemingway tampoco la apoyó especialmente en su empeño de cubrir el desembarco de Normandía; "llegó a decirle que él lo que quería era una mujer en la cama y no una periodista en el frente", recuerda Raro, quien asegura además que el Premio Nobel de Literatura no le perdonó que fuera la única mujer que le abandonó.Tras cruzar el Atlántico en un carguero noruego, intentó de todas las formas posibles cubrir el desembarco como periodista y, al no conseguirlo, se hizo pasar por camillero. "Ella tuvo que enfrentarse a varios frentes simultáneos, no solo el de la guerra", relata Rosario Raro.Gellhorn estaba empeñada en que su crónica fuera la primera que llegara a América y la dictó a través de un militar estadounidense por teléfono. Pero no la publicaron, como comprobó al volver a Estados Unidos, y cuando amenazó con denunciar a la revista, un par de meses después publicaron un texto mutilado que se titulaba Alguien dijo que estuvo allí ya."Fue tremendo, sin otorgarle ninguna credibilidad. Y mientras tanto, Hemingway había aparecido en portada rodeado de soldados y además declarando que él había dirigido parte de las maniobras en las playas de Normandía". A él le condecoraron y a Martha Gellhorn la condenaron por saltarse las normas.La novela recupera también uno de los episodios menos conocidos del desembarco que contribuyó a la victoria de los aliados, la operación Fortitude, que contó con los mejores actores de la época: se trataba de crear un ejército fantasma, una "gran superproducción" para desviar la atención del Ejército alemán hacia las costas de Calais en vez de Normandía.La "indómita" reportera, que escribió varios libros, continuó su labor a lo largo de su larga vida e incluso con 81 años cubrió la invasión de Estados Unidos a Panamá; "siempre estaba donde sucedía la acción", resume Rosario Raro.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El presidente brasileño, Luiz Inácio Lula da Silva, llegó este martes a Bogotá para una visita de un día durante la cual se reunirá mañana con su homólogo colombiano, Gustavo Petro, con quien tratará la agenda bilateral y regional, asistirá a un foro empresarial e inaugurará la Feria Internacional del Libro de Bogotá (Filbo), de la que Brasil es invitado de honor.Lula, que llegó acompañado de su esposa, Rosângela "Janja" Lula da Silva, y de una gran comitiva, fue recibido en la Base Aérea de Catam, anexa al aeropuerto internacional El Dorado, por el canciller colombiano encargado, Luis Gilberto Murillo.El jefe de Estado brasileño será recibido este miércoles por Petro en la Casa de Nariño y entre los asuntos regionales que estarán sobre la mesa figura el proceso electoral en curso en Venezuela, frente al cual tanto Brasil como Colombia han expresado su "preocupación" por las trabas para el registro de candidatos opositores al presidente Nicolás Maduro.Según fuentes oficiales brasileñas, en lo bilateral la reunión estará centrada en asuntos de cooperación en las áreas de fronteras, combate al hambre, agricultura, desarrollo sustentable, bioenergía, combate al cambio climático e igualdad de género, entre otras.Igualmente, será discutido un plan de infraestructuras viales propuesto por Brasil a los países de Suramérica, que apunta a la construcción de una amplia red de carreteras y que tiene el aval de los principales organismos financieros regionales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los dos presidentes también analizarán alternativas comerciales, tanto en lo bilateral como en el ámbito regional, que incluyen un empuje a la integración de las cadenas productivas suramericanas.Brasil es hoy el tercer mayor socio comercial de Colombia, por detrás de Estados Unidos y China. Los dos Gobiernos pretenden ampliar ese intercambio, lo cual será tratado en un foro que reunirá a 300 empresarios de ambos países y será clausurado por Lula.El viaje de Lula tiene como excusa la inauguración de la XXXVI Feria Internacional del Libro de Bogotá, uno de los eventos culturales de mayor relevancia en Colombia, dedicado en esta edición a Brasil.Lula y Petro asistirán a la apertura de la Filbo, en la que estará acompañado, además, por su ministra de Cultura, Margareth Menezes, quien permanecerá hasta el sábado en la capital colombiana e integra la delegación junto con otros cinco miembros del gabinete.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un viaje, una experiencia tan personal, que se vuelve colectiva al leerla, y una sesión de terapia para reconectar, son algunas de las sensaciones que se viven en Los Vagabundos de Dios. Esta es la nueva novela de Mario Mendoza, que fue presentada por el escritor en una rueda de prensa en la que no solo contó detalles de su obra sino que hizo las veces de invitación a la reflexión, a la pausa y al encuentro desde el dolor y la introspección.Después de Leer es resistir (2022) y una serie de cómics, el célebre autor de libros como Satanás (2002) y Lady Masacre (2013) regresa a la novela con la historia de un personaje particular, Adán Santana. Un escritor, un novelista golpeado por la vida, por una serie de accidentes, en una profunda depresión que con todo y eso sobrevivió a la pandemia, es este protagonista quien atraviesa un viaje mediado por la terapia y una caída en picada.Aunque para Mendoza, es fundamental el dolor y la caída, el descenso a los infiernos, que llegan a atravesar los artistas, esa sensación no solo pertenece al artista, sino a mucho de nosotros, sin importar el oficio, lo que hace casi inmediato identificarse con el personaje de Santana.Esta obra, que se caracteriza por ser una novela de formación, en la que usualmente presentan personajes jóvenes, cuenta cómo se forja el carácter, a través de experiencias dolorosas. En este caso, Mendoza muestra el proceso de forjar el carácter en un adulto, lo que para él no se limita a una etapa temprana de la vida, sino que hace parte del recorrido de cada persona a lo largo de su existencia.“La novela es un descenso a los infiernos, es alguien que tiene que enfrentar eso, es un novelista que aunque tenga experiencia, aunque ya sea un tipo adulto, va a tener que superar su inteligencia para poder entender su fragilidad y su vulnerabilidad”, detalló sobre su obra.En medio del caos que afronta Santana, emprende el viaje del héroe, propio de las narraciones épicas, para, a través de la terapia, encontrar un renacer y recapitular momentos de su vida. Una búsqueda constante por curar las enfermedades de la mente y del espíritu que además está atravesada por su característica narración de Bogotá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sobre el impacto que esta historia pueda llegar a tener en los lectores, Mendoza espera “que los lectores vayan sintiendo que en el viaje de Adán hay algo que nos compete a todos, que de alguna manera, si él presiente que se está enloqueciendo, si él presiente que está entrando en la locura total, todos nos demos cuenta que eso nos ha sucedido en los últimos años”.La reflexión y la pausa que pretende Mendoza, dice, es la que debimos tener y no se logró durante la pandemia. “Creo que es una sociedad convulsa, es una sociedad muy violenta y agresiva. Estamos pasados por unas redes sociales que ya nos fomentaron un ego exagerado y si uno tiene un ego agigantado ya está en el narcisismo y ese es el origen de todas nuestras confrontaciones”.Casi que para contrarrestar los egos de los que habla, Mario Mendoza espera que su novela sirva para salir de los narcisismos y retomar el diálogo que se ha perdido. “No es fácil, pero sí creo que deberíamos regresar a las viejas reglas de la empatía, del respeto, de la tolerancia”, puntualizó.Finalmente, el escritor también comentó la duda que le queda tras la publicación de su novela: ¿le sucederá al lector lo mismo que le sucede al protagonista, se liberará el lector de su propia nekyia? “Es algo que a mí me preocupa mucho porque yo sí he querido entablar ese vínculo con los lectores, yo sí quiero que los lectores sientan en el libro algo terapéutico”, insistió. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La autora antillana Maryse Condé, fallecida anoche en Vaucluse (Francia) a los 90 años, activista contra la esclavitud y el racismo y que ganó el Premio Nobel Alternativo en 2018, escribía sin artificios, sin maquillaje, como el título de una de sus novelas porque "era una apasionada de la verdad".Así lo asegura su traductora al español, Martha Asunción Alonso, que destaca cómo las obras de Maryse Condé eran una literatura sin fronteras, como lo fue su vida.Nacida como Maryse Boucolon el 11 de febrero de 1934 en Pointe-à-Pitre (Guadalupe), estudió en París y se doctoró en la Sorbona en Literatura Comparada. Tras su graduación fue profesora en Guinea, Ghana, Senegal y Mali, donde se desarrolla su saga Ségou (1985).En 1985 obtuvo una beca Fulbright para enseñar en Estados Unidos y fue docente durante décadas de literatura francófona en varias universidades americanas, en especial en la Universidad de Columbia de Nueva York, hasta su jubilación en 2005.Autora de más de una treintena de obras, su literatura ha estado marcada por la herida de la esclavitud, el dolor y la alegría de estar viva, luces y sombras que ha reflejado en sus novelas porque era una mujer "que decía y escribía lo que pensaba", sostiene la traductora al español de sus obras, publicadas por Impedimenta.Así, en Corazón que ríe, corazón que llora, Maryse Condé exploró su infancia y su juventud y lo difícil que fue vivir entre dos mundos: en casa, en la isla caribeña de Guadalupe, sus padres se niegan a hablar criollo y se enorgullecen de ser franceses de pura cepa, pero, cuando la familia visita París, la pequeña repara en cómo los blancos los miran por encima del hombro.Y después en La vida sin maquillaje, retomó el relato de su vida en París, con un embarazo accidental y el abandono del hombre al que amó, y que la llevó a vagar por distintos países de África en busca de esa identidad que ya empezaba a entrever con el descubrimiento de la negritud.Condé defendía así el papel que la "literatura francófona" tuvo para visibilizar a quienes durante años emplearon la lengua francesa sin haber nacido en Francia.Pero, dice su traductora al español, ella no escribía en francés ni en criollo, lo hacía "en Maryse Condé", un estilo "inimitable, apasionante" (y también difícil de traducir, reconoce), lleno de ritmos y músicas de esta mujer nómada. Y, debido a los países en los que vivió, su literatura no tenía fronteras.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de los fantasmas de la esclavitud, la diáspora negra y el colonialismo, las mujeres luchadoras son protagonistas de sus novelas: "en todas hay mujeres fuertes, mujeres junco, aunque sufran huracanes o múltiples violencias nunca se quiebran y resisten", asegura la traductora.En 1987 recibió su primer galardón literario, el Grand Prix Littéraire de la Femme, por su segunda novela: Yo, Tituba, la bruja negra de Salem (1986), que sumaría a otros galardones esta escritora, cuyo nombre sonó en muchas ocasiones para el Nobel de Literatura.Lo que sí recibió en 2018 fue el Premio Nobel Alternativo, un galardón que se concedió tras aplazarse a 2019 el de la Academia sueca debido a un escándalo sexual y que le fue otorgado por retratar en su obra "los estragos del colonialismo y el caos poscolonial con un lenguaje preciso y, al mismo tiempo, devastador".Obtuvo además el Premio Nacional de Literatura sobre la Mujer por su novela Moi, Tituba sorcière (1986), el Premio Anaïs-Ségalas de la Academia Francesa y en 1993 fue la primera mujer que recibió el Premio Putterbaugh, otorgado en Estados Unidos a escritores francófonos. El presidente francés, Emmanuel Macron, le entregó en 2020 la Orden del Mérito de la República francesa.En 2022 fue investida doctora honoris causa por la Universidad de Murcia (sureste de España), y en su discurso denunció los desprecios que su madre tuvo que sufrir a lo largo de su vida por ser negra y mujer.La escritora sufría una enfermedad genética degenerativa que la obligaba a moverse en silla de ruedas y casi no tenía visión. Aún así, seguía escribiendo con la ayuda de su marido, quien transcribía todo lo que ella iba dictando y de ese modo nació su última novela, El evangelio del nuevo mundo, publicado en 2021.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta obra ejerció una "influencia expresa" en Mary Shelley, Walter Scott, Hawthorne, Poe, Keats, Lovecraft y Faulkner, entre otros grandes autores hoy considerados clásicos, coincididen en señalar el traductor de la obra, Miguel Cisneros, y el director de la editorial española, David González.González destaca la "extraña calidad" de esta novela que aún hoy proporciona "una excelente lectura, siendo de finales del siglo XVIII, y, sobre todo, explica por qué los anglosajones supieron explotar y sacarle gran partido al invento español de la novela".En esta obra, añade el editor, "del pícaro pasamos a la novela de formación o adaptación, porque el héroe a veces lo que hace, como el pícaro, es adaptarse al mundo urbano"."Pero este caso es muy especial, porque se trata de una vuelta de tuerca más, la de la novela que se adapta a la fundación de Estados Unidos, mediante su capitalismo colonial y salvaje, la fundación inestable de sus ciudades y poblaciones, y aborda asuntos como la esclavitud, silenciada en Europa, la corrupción mercantil o el papel de la mujer", agrega."Mientras vas leyendo la novela te das cuenta de cómo se forma el 'maremágnum' que es Estados Unidos", observa el editor, al exclamar: "No entiendo cómo esta novela no se había traducido nunca" al español."Se ve muy claramente cómo Brockden Brown, que parte de los modelos de las novelas góticas y sentimentales inglesas, los adapta a la realidad de un país en formación y crea o refunda una nueva sustancia novelesca y otro lenguaje adaptado a la movilidad y la relatividad de ese mundo inestable; esta novela se despoja de los ropajes de género de sus otras obras, muy góticas", concluye.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La primera novela estadounidensePor su parte, Cisneros resalta que "hay investigadores y escritores, como William Dunlap y Joyce Carol Oates, que la consideran la primera novela verdaderamente estadounidense, temporal y espiritualmente".Algo que atribuye "a la época en la que se publicó, en los últimos años del XVIII, a su calidad y, sobre todo, a los temas que trata y la perspectiva desde la que los aborda, una mirada eminentemente estadounidense"."El propio protagonista encarna los ideales americanos del hombre hecho a sí mismo; está muy presente el capitalismo, concretamente la idea de excepcionalismo estadounidense", apunta.Sobre su contenido, el traductor enumerara "las fortunas coloniales, en decadencia, se transmutan en nuevos ricos, que prosperan pescando en las aguas revueltas de las revoluciones; la prostitución, el mercado de esclavos y de seguros del comercio marítimo y los estragos de la fiebre amarilla que asola Filadelfia, capital de Estados Unidos por aquel entonces"."Los lectores, que acaban de sufrir una pandemia con confinamientos, miedo al contagio y miles de muertos, se sentirán especialmente reflejados", comenta.Para Cisneros, no se trata de una narración lineal, sino que hace "un uso magistral de la técnica del narrador no fiable; se compone de testimonios de los personajes, varios incluso contradictorios, que a su vez cuentan lo que les han dicho otros"."Es como un juego de muñecas rusas, con la diferencia de que el lector no puede saber si son reales; es decir, si lo que van narrando los distintos personajes es cierto o no", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Escritor checo de origen judío, Franz Kafka (Praga, 1883 - Kierling, Austria, 1924), desarrolló su carrera literaria en alemán y publicó solo algunos de sus textos. Antes de morir, a los 40 años, ordenó a su íntimo amigo y consejero literario Max Brod que quemara todos sus manuscritos, pero éste no lo hizo y viajó con ellos a Palestina en 1939, editó parte y contribuyó a la publicación de sus obras maestras.Con motivo del centenario de su muerte, Alianza Editorial reúne su obra en dos estuches: uno de ellos es Relatos y aforismos (con traducción al español de Carmen Gauger y Adan Kovacsics), que recoge los relatos que Franz Kafka publicó en vida (los comprendidos en Contemplación, Un médico rural, En la colonia penitenciaria y Un artista del hambre).También incluye los que aparecieron de manera independiente en distintas revistas y publicaciones y los que Max Brod decidió editar tras la muerte del autor (en los volúmenes Durante la construcción de la muralla china y Descripción de una lucha).En otro de los volúmenes se incluye, traducidas por Miguel Sáez, las tres aventuras novelísticas en las que se embarcó Kafka y que dejó inacabadas: El desaparecido o América (1912), El proceso (1914) y El castillo (1922).Alianza editorial también ha seleccionado relatos de Kafka en un libro que ilustró El Rubencio y ha reunido varias novelas, cartas y relatos en edición de bolsillo.La editorial Galaxia Gutenberg se embarcó en el proyecto de la publicación, por primera vez en castellano, de la totalidad de las cartas que se han conservado de Kafka, del que publicó el primer volumen en 2018. Ahora, con motivo del centenario, saca la segunda entrega de las tres que compondrán el proyecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta editorial también ha publicado la novela de Monika Zgustova Soy Milena de Praga, que reconstruye la historia de Milena Jesenská, a quien muchos conocen como la amiga de Kafka: periodista, traductora, escritora y miembro de la resistencia cuando las tropas nazis invadieron su país, Checoslovaquia; la relación amorosa e intelectual que mantuvo con Kafka marcó la vida de ambos.Y las ilustraciones que Tavo Montañez ha realizado para La metamorfosis han servido a la editorial Akal para sumergir al lector en la atmósfera atormentada que envuelve este texto de Kafka, considerada una de las obras maestras del siglo XX.La editorial Páginas de Espuma ha querido también ofrecer en un solo volumen toda la ficción breve de Kafka, tanto la publicada en vida como todos los relatos dispersos que fueron saliendo de forma póstuma. Traducidos al español por Alberto Gordo, los cuentos se presentan en orden cronológico según fueron escritos.Sobre esta edición de Kafka, el escritor Andrés Neuman (Buenos Aires, 1977) sostiene: "Hoy la vigencia de Kafka sigue propiciando fenómenos inversos. No es tanto que su obra explique el tiempo que nos ha tocado resistir, sino que la realidad misma insiste en volverse cada vez más kafkiana, en una mímesis oscura como una cucaracha. Plagiando sus lógicas, el mundo abusa de Kafka".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A los 20 años, Alejandro III fue coronado como rey de Macedonia. Su padre Filipo II le dijo: “Busca, hijo mío, un reino igual a ti porque en Macedonia no cabes”, Alejandro el grande se comprometió a la palabra de su padre y decidió emprender un viaje por el mundo.Como cualquier príncipe, Alejandro Magno recibió una educación de primera, estudió matemáticas, historia, política y filosofía, esta última siendo el aprendiz de, nada más ni nada menos, que Aristóteles. Así como se educó en las áreas del conocimiento también alimentó el cuerpo con un entrenamiento militar fundamental para su camino en la conquista.En sus años de pupilo de Aristóteles, Alejandro Magno cargó como un libro sagrado La Iliada, de Homero pues estudió la cultura griega y las epopeyas de los héroes. La educación completa del hijo de Filipo II lo convirtió en un guerrero militar que estaba destinado a ser magnífico y a dejar su huella en el mundo.Berta Erill Soto, periodista de la National Geographic, menciona en un artículo sobre el conquistador lo siguiente: “Alejandro Magno disponía de unos 13.500 combatientes macedonios, 12.000 griegos del sur y 8.000 de origen balcánico: un total de aproximadamente 33.500 hombres”. El ejército fue considerado uno de los más desarrollados y poderosos de los tiempos antiguos.El Imperio persa y la conquistaTras la muerte de su padre en el 336 a.C, Alejandro Magno empezó a planear su travesía hacia el Imperio persa, comenzó su campaña militar en el 334 a.C., cruzando el Hellesponto con un ejército de aproximadamente 40,000 hombres. En la famosa batalla de Granico, derrotó a las fuerzas persas, lo que le permitió avanzar hacia Anatolia. Alejandro continuó su avance a través de Asia Menor, derrotando al rey persa Darío III en batallas cruciales como las de Issos y Gaugamela.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.En esta conquista Alejandro logró hacer una mezcla cultural entre los griegos y los persas, logrando también un tipo de integración cultural.Egipto y la gloriaSiguiendo con su travesía, Alejandro Magno se dirigió a Egipto donde fue recibido como un héroe por su victoria en Persia. En su estadía construyó templos y veneró a los dioses egipcios, por eso la población local lo nombró faraón. Cuando visitó el oasis de Siwa, fue al oráculo del dios Amón para confirmar sus orígenes divinos, el oráculo le confirmó la teoría dándole luces acerca de su conexión con la divinidad griega. Según el mensaje del oráculo y la historia, Alejandro Magno fue hijo de Zeus.Tras convertirse en faraón de Egipto y extender su dominio por el Nilo, Alejandro Magno se dirigió a la India, sin embargo, nunca logró llegar lo suficientemente lejos. En su reinado comenzó a tomar actitudes y costumbres persas, cosa que a su ejército lo le causó ninguna gracia y comenzaron a dudar de él.En medio de la desconfianza y el poder, Hefestión, un gran amigo de Alejandro (y con quien se presume que tuvo una relación afectiva) murió. Esto le causó profunda tristeza y viajó a Babilonia para realizarle un funeral digno. Esta historia se asemeja a la de Aquiles y Patroclo, contada en La Iliada de Homero.En el año 331 a.C, Alejandro Magno creó Alejandría, una metrópoli monumental que se convertiría en la capital de Egipto. Junto a Alejandría creó las ciudades de Tonis-Heracleon y Canope. La ciudad solo duró algunos siglos ya que la naturaleza consumió su totalidad y arrasó con su existencia.Alejandro Magno murió en junio, su fallecimiento ha sido un misterio hasta nuestros días. Algunos dicen que fue a causa de las fiebres por la malaria y otros expertos apuntan que fue envenenamiento, sin embargo, nunca se han esclarecido los hechos. El gran Alejandro creó una historia que quedó en los libros, así como lo hizo su libro sagrado, La Iliada.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 71 años desde que el escritor y periodista británico Ian Fleming le dio vida al agente secreto 007 del MI6 en sus novelas. Carismático, elegante y sagaz, James Bond ha sido un personaje icónico que luego de la literatura se ha tomado las grandes pantallas por más de 60 años.Caracterizado por tener sofisticadas herramientas tecnológicas, autos deportivos, un sinfín de misiones que comprometen la seguridad de un país o del mundo, el universo de Jamen Bond ha dado lugar a una larga tradición de películas, 27, para ser exactos.Desde la primera aparición, en 1962, del actor británico Sean Connery como el agente 007 en la película Dr. No, el estilo de vestir, la forma de hablar y la actitud despreocupada frente al peligro se convirtieron en un sello del personaje, independientemente del actor que lo encarnara.La interpretación de Connery a lo largo de seis películas de Bond, entre 1962 y 1971, marcó el éxito de esta franquicia y dejó una marca indeleble en la cultura popular. Su papel, aún hoy en día, sigue siendo el estándar de comparación y de calidad con el que se referencian las actuaciones de los actores que posteriormente dieron vida al 007.Después de Dr. No, Connery protagonizó Desde Rusia con amor (1963), considerada como la mejor de la franquicia; 007 contra Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965) y Sólo se vive dos veces (1967). Con esta última, y tras una serie de desencuentros con la producción, el actor empezó a tomar distancia del personaje.Sin embargo, protagonizó dos películas más: Los diamantes son eternos, en 1971. Connery, tratando de evitar que su carrera quedara encasillada al personaje del agente, dijo en ese entonces que “nunca” volvería a realizar películas de Bond. Contra todo pronóstico, en 1983, retomó por una última vez el personaje en la película, paradójicamente llamada Nunca digas nunca jamás.Durante los años de ausencia de Connery, dos actores encarnaron al agente británico. En una única película, el australiano George Robert Lazenby lo personificó en Al servicio secreto de su majestad de 1969.Luego, entre 1973 y 1985, el británico Roger George Moore realizó siete películas como James Bond, convirtiéndose en el actor que más veces ha personificado al 007. La primera película con este actor fue Vive y deja morir en 1973, un año más tarde protagonizó El hombre del revólver de oro y en 1977 llegó La espía que me amó, la que es considerada la mejor película del agente en la era de Moore.En un esfuerzo por mantener vigente al personaje y que no pierda popularidad, de acuerdo con la época, en 1979 se estrenó Moonraker: 007 misión espacial, una historia en la que James Bond tuvo que viajar al espacio.Aunque parezca extraño, esta aventura intergaláctica surgió en un contexto en el que la tendencia en el cine era la ciencia ficción y las historias espaciales, como Star wars: episodio IV (1977), Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), Capricornio uno (1978), o Alien: el octavo pasajero que se estrenó el mismo año que Moonraker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De regreso en la Tierra, el también británico Timothy Dalton continuó con las aventuras de Bond a finales de la década de los ochenta. En 1987 le devolvió al personaje un tono más serio y humano, evitando el tono más descomplicado e incluso humorístico que le llegó a dar Moore, en 007: su nombre es peligro. Con un tono todavía más oscuro, en 1989, se estrenó Licencia para matar, en la que el personaje busca venganza por la muerte de un compañero.Con el avance de la tecnología, entre 1995 y 2002 el irlándes Pierce Brosnan protagonizó cuatro películas de la franquicia Bond que se destacaron por el uso de efectos especiales y el aumento de las escenas de acción.GoldenEye, marcó el regreso del mítico personaje después de una pausa de seis años sin películas de James Bond, hasta ahora el mayor lapso sin nuevas entregas. A Brosnan se le atribuye darle al personaje el equilibrio entre la acción intensa y el humor ligero. Las películas El mañana nunca muere (1997), 007: el mundo no basta (1999) y Otro día para morir (2002) completaron la franquicia.El sexto y más reciente actor en protagonizar a Bond fue Daniel Craig, que marcó un nuevo inicio para la franquicia. Hasta 2002, la historia de Bond estuvo enmarcada en aventuras aisladas, y sólo en las primera películas se contó el origen del agente. Es decir, todas las películas mencionadas hasta ahora puede verlas en cualquier orden, cada una es una aventura particular del 007 que no repercute o trae consecuencias para las entregas posteriores.Con la saga de Craig, se reinicia la historia. Además, para darle sentido a la historia, conectar referencias y entender las consecuencias de misiones pasadas es necesario verlas en orden. La interpretación de Craig, que inició con Casino Royale, en 2006, muestra un enfoque más humano y sensible del personaje, incluso más vulnerable, que continuó en Quantum of Solace (2008).Skyfall, estrenada en 2012 es la película más famosa de este ciclo, pues marcó la celebración del aniversario número 50 de la franquicia. Desde ese año se conmemora el Día Internacional de James Bond cada 5 de octubre, misma fecha en que se estrenó la primera película en 1962.La cuarta entrega, Spectre (2015) recibe su nombre por la organización secreta que el espía debe combatir. Finalmente llegamos a No Time to Die, con la que Craig, de forma emotiva, se despidió del personaje.Con la participación siempre de talentosas actrices que interpretaron a la “chica Bond”, como Diana Rigg, Halle Berry, Eva Green o Ana de Armas, la franquicia de James Bond ha hecho parte de la cultura popular por lo mencionado anteriormente y también por la banda sonora que la acompaña.La música de las películas, especialmente el tema principal compuesto por Monty Norman y luego interpretado por artistas como Shirley Bassey, Paul McCartney y Adele, ha sido icónica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No hay compañía que se anime a llevarla a escena ni público que lo tolere (...), los espectadores enseguida se levantarían indignados e impedirían que continuara la representación".Fue con estas palabras que, tres años antes de ser fusilado al inicio de la Guerra Civil Española, Lorca (1898-1936) se refirió a la posibilidad de representar una de las tres obras que nunca llevaría a escena. El mundo no estaba preparado.Un poema para silbarlo"No es una obra para representarse; es ¡un poema para silbarlo!", dijo el granadino sobre el drama de cinco cuadros que el elenco de la Comedia Nacional de Montevideo representará con una versión adaptada por su director, Gabriel Calderón, y dirigida por la escenógrafa Marta Pazos."Siempre que haces una obra entraña un misterio a resolver, pero es que esta es ya triple salto mortal", confiesa la española a la que Calderón contactó motivado por su puesta de la inacabada 'Comedia sin título' con el Centro Dramático Nacional en el Teatro María Guerrero de Madrid en 2021.Es que, hermanada con esta y con 'Así que pasen cinco años' como parte de la "trilogía del teatro imposible", 'El público' suponía, para el uruguayo, enfrentarse a la obra "más difícil", "onírica", "desafiante", "loca", "poética", "imposible" e "irrepresentable" de Lorca."La idea de hacer 'El público', de hacer Lorca, es por la propia tradición de la Comedia Nacional, que tuvo como gran directora fundacional a Margarita Xirgu, que realizó varios Lorca por primera vez (...) en Latinoamérica en la Comedia", remarca Calderón, quien aclara que no se buscó "refundar" sino "recuperar" un fuerte vínculo con Lorca que se había "diluido" en la compañía.Con el toque "mágico" de poder hacer un guiño a sus orígenes en el año que también marca el 90 aniversario de la única visita de Lorca a Uruguay, el estreno de este jueves está empapado de expectativas; Pazos y Calderón enfatizan que la obra no estará completa sin aquello que le da nombre: el público.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Quitarse la máscara"Creo que la dificultad mayor que trae es intentar entenderla, porque no es una obra escrita para entender, es una obra escrita para que te atraviese, para sentir, para vivir una experiencia", subraya Pazos, quien dice que la pieza "exige" tanto al espectador como a quienes la realizan "nadar en esas aguas oscuras también"."Si el público viene simplemente a participar, a entender y aplaudir, la obra no va a estar realizada, tiene que hacer justamente un ejercicio revolucionario como el que Federico propone, venir con el ánima, dispuesto a vivir un momento de encuentro poético con un artista", remarca Calderón.Consciente del desafío de montar una obra que "aboga por un teatro que vaya a la entraña" y que "permite a los artistas y al público quitarse la máscara", la española, que reconoce en el color su sello artístico, adelanta que la plástica escénica también seguirá esa línea.Homoerótica y vigenteEscrita en suelo americano, pues sus borradores surgieron en Nueva York, la obra es "un puzle muy complejo, de muchísimas piezas" que Pazos enmarca en un momento creativo en que Lorca buscaba "una nueva piel" y que, dice, hoy mantiene absoluta vigencia."Es la gran obra del siglo XX sobre el homoerotismo y la imposibilidad de amar a un igual y todavía hoy están matando a personas por amar a personas del mismo sexo, del mismo género, entonces es absolutamente vigente trasladar esta problemática y ver que hace casi 100 años mataron a una persona por escribir esto", resalta.Encargado de adaptar el castellano del texto lorquiano al habla del público uruguayo actual, un desafío que, confiesa, le resultó apasionante, Calderón coincide y añade que "en la adaptación siempre se corre el peligro de tratar de explicar" pero es clave "mantener el misterio, la poesía y el interés".En cartel hasta el 21 de abril enmarcada en una temporada 2024 denominada "Otros mundos", Calderón adelanta por último que hay un desafiante plan en proceso para llevar la versión al Teatro Lliure de Barcelona, posiblemente a comienzos de 2025 que "en la confirmación del deseo ya está firmado" pero resta "afinar".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con sus orígenes alrededor del siglo VIII a.C. en la Antigua Grecia, la Ilíada es una obra de la poesía épica que ha ejercido una profunda influencia en la literatura universal a lo largo de los siglos.Compuesta por 24 cantos, se enfoca en el décimo y último año de la guerra de Troya. A través de personajes complejos como el legendario Aquiles, Héctor, Príamo o Ulises, este poema le presenta al lector un conflicto épico entre griegos y troyanos.Además, a la riqueza literaria de esta obra escrita en versos hexámetros dactílicos, la acompaña la exploración de temas complejos como el honor, la ira, el destino, la gloria y la intervención divina en los asuntos humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué epopeyas antiguas han sido inspiradas en la "Ilíada"?La gloria, el honor, dilemas éticos, viajes épicos, hazañas inimaginables y héroes inmortalizados son solo algunas de las características que la Ilíada le dio como legado a la literatura universal. Cientos de años ha seguido inspirando a escritores, poetas, cineastas e incluso músicos.El poema de la Ilíada ha inspirado innumerables obras a lo largo de la historia en diferentes culturas. Estas son algunas de las historias clásicas, de las epopeyas que vieron en la Ilíada una fuente de inspiración para contar nuevas historias.La Eneida: Escrito por el poeta romano Virgilio, es una de las epopeyas más famosas de la literatura y sigue las hazañas de Eneas, un héroe troyano, después de la caída de Troya. No solo está inspirado y comparte características con la Ilíada, sino que llega a ser considerada la continuación de la tradición épica de la obra de Homero. Se estima que fue escrito en el siglo uno antes de Cristo.El Cantar de Roldán: Esta epopeya medieval francesa es una de las obras más antiguas del país europeo y data del siglo XI; se basa en gran medida en la tradición épica establecida por la Ilíada. También a modo de poema épico, narra la historia del militar francés Roldán y sus hazañas en la Batalla del Paso de Roncesvalles en el año 778 durante la invasión de Carlomagno a España.La Tebaida: Escrito en el siglo I después de Cristo por el poeta latino, oriundo de Nápoles, Estacio, cuenta los mitos y eventos que rodean la guerra de los Siete contra Tebas. Estacio se inspiró en la Ilíada y la Odisea para crear su propia obra épica, que se convirtió en una de las principales epopeyas latinas.La Jerusalén Liberada: El también poeta italiano Torquato Tasso narra con la épica clásica de la Ilíada la historia de la Primera Cruzada donde caballeros cristianos luchan contra los musulmanes para conquistar Jerusalén. Esta obra fue publicada en 1581.La Araucana: Esta obra narra la conquista de Chile por parte de los españoles y la resistencia de los indígenas mapuches. El español Alonso de Ercilla y Zúñiga escribió en el siglo XVI una de las principales epopeyas épicas españolas.La Divina Comedia: Aunque la obra del italiano Dante Alighieri es conocida como una obra épica religiosa y alegórica, también contiene elementos de la tradición épica inspirada en la Ilíada. Se basa en la estructura y los temas épicos para narrar el viaje a través del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película del director Michael Lindsay-Hogg llegará a Disney+ el 8 de mayo y ha sido restaurada por Park Road Post Production, de Peter Jackson.Jackson estrenó en 2021 en la misma plataforma The Beatles: Get Back, que contaba con escenas descartadas de la película original de Lindsay-Hogg."Let It Be (...) lleva a los espectadores al estudio y a la azotea londinense de Apple Corps en enero de 1969, cuando los Beatles, acompañados por Billy Preston, componen y graban Let It Be, su álbum ganador del Grammy, y actúan en directo por última vez como grupo", dice la nota emitida por Disney+.Gracias a la canción Let It Be y a la película de Lindsay-Hogg, el grupo se alzó con un premio de la Academia de Hollywood en 1971 a la mejor canción original.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El reestreno llega tras el éxito que supuso para la plataforma la serie The Beatles: Get Back y con la intención de satisfacer a los millones de seguidores que tiene la banda conformada por Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison, disuelta en 1970.Al fin...Mira a The Beatles en la película de 1970, #LetItBe, completamente restaurada. El 8 de mayo en #DisneyPlus. pic.twitter.com/VrWeS0mbwE— Disney+ Latinoamérica (@disneyplusla) April 16, 2024 Con "el pleno apoyo de Lindsay-Hogg", Apple Corps, la corporación fundada en 1968 por The Beatles, pidió a Park Road Post Production que llevara a cabo "una meticulosa restauración" de la película a partir del negativo original de 16 mm, que incluía una cuidadosa remasterización del sonido que se aplicó a la docuserie Get Back.Let It Be se estrenó en los cines en 1970 y se lanzó en VHS a principios de la década de 1980, pero nunca se ha editado oficialmente en DVD, blu-ray.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Ha aprendido que no solo hay que dialogar con las lenguas hegemónicas, sino también con las minoritarias”, explicó García Montero, quien ha viajado esta semana a China para reforzar los lazos culturales e impulsar el español en el gigante asiático.Así, el director del Cervantes recordó que el español “se ha formado en diálogo con muchas lenguas indígenas”, por lo que se mostró contrario a una “homologación que sirva para borrar con una cultura dominante las culturas tradicionales”.“La globalización no puede ser el dictado de un sistema económico que se olvide de los lazos humanos o culturales. No puede ser un proyecto que descanse en el predominio y que facilite los enfrentamientos bélicos y las guerras. Tiene que ser una cultura de paz basada en el entendimiento, la diversidad y las distintas perspectivas del mundo. En eso trabaja el Cervantes”, argumentó.Además, hizo hincapié en que el español, junto al inglés y el chino, es una de las “lenguas fundamentales en la globalización”.China quiere hablar españolEn este momento, la comunidad hispanohablante la conforman 500 millones de personas, a las que se suman los alrededor de 200 millones que estudian español, de los que 60.000 lo han hecho a través del Instituto Cervantes en China.El país asiático lidera el número de inscritos en la red de la institución para obtener el DELE (Diploma de Español como Lengua Extranjera) con más de 5.500 examinados en 2023 y 60.300 desde su implantación en 2006, aunque la dura política de ‘cero covid’ que impuso China durante la pandemia frenó esta tendencia.“Queremos ampliar no solo el número de estudiantes sino también el de alumnos que después hagan la certificación del DELE, hay razones de mucho interés”, señaló el máximo responsable del Cervantes, quien citó como la principal de ellas “el intercambio humano, la multiculturalidad, el conocer más la cultura china y que la cultura china nos conozca más a nosotros”.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero más allá, “al matricularse en universidades extranjeras o participar en proyectos en Estados Unidos, la valoración del español como lengua es muy importante”, subrayó.“Trabajamos también para difundir el español para que la gente pueda trabajar en el turismo, atender turistas, para la investigación científica y tecnológica, en colaboración con Europa y otros territorios”, acotó.Según datos del Ministerio chino de Educación, más de 60.000 estudiantes han optado por aprender español en el país, 25.000 de ellos en la universidad, donde se imparte en más de un centenar de facultades.Shanghái: de biblioteca a centro de enseñanza oficialDentro de este impulso que la institución quiere dar a su presencia en China cobra especial relevancia la conversión de la biblioteca Miguel de Cervantes de la megalópolis de Shanghái en Instituto Cervantes, una categoría con la que hasta ahora solo contaba la sede de Pekín.Este cambio de categoría requirió de una laboriosa negociación con el Gobierno chino y fue uno de los asuntos que abordó el jefe del Gobierno español, Pedro Sánchez, cuando visitó el país en marzo de 2023.“Estamos de celebración”, aseguró García Montero, y destacó que España será el único país que tenga dos institutos oficiales de idiomas en el país asiático, lo cual “consolida la posibilidad de la enseñanza del español en China”.El director del Cervantes permanecerá en el país asiático hasta el próximo 20 de abril, con un programa que incluye su participación en mesas redondas, encuentros con rectores y otros responsables de instituciones educativas y visitas a exposiciones organizadas en colaboración con el Instituto.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El estudio japonés Studio Ghibli, "encarnado por dos soberbios creadores, Hayao Miyazaki e Isao Takahata, y por una serie de personajes de culto, ha traído un aire fresco al cine de animación durante las últimas cuatro décadas", explicó un comunicado.Se trata de la primera vez que el Festival de Cannes concede su galardón de honor "no a una persona, sino a una institución", destacaron por su parte la presidenta del evento, Iris Knobloch, y el delegado general, Thierry Frémaux."Como todos los iconos del cine, estos personajes pueblan nuestros imaginarios de universos desbordantes y coloridos, con narraciones sensibles y comprometidas", añadieron.Ghibli ha hecho que "el cine de animación japonés se viva como una de las grandes aventuras de la cinefilia, entre tradición y modernidad", subrayan Knobloch y Frémaux.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Me siento realmente honrado y feliz de que el estudio reciba la Palma de Oro de Honor", señaló Toshio Suzuki, otro de los cofundadores de Ghibli, creado en 1985.Desde entonces, este estudio ha realizado más de una veintena de largometrajes, llenos de "poesía y compromiso humanista y ecológico", destaca el festival.Muchos de ellos han tenido éxito internacional, y entre ellos sobresale 'El viaje de Chihiro' (2001), que ganó el Óscar a la mejor película de animación en 2002 y el Oso de Oro al mejor film del Festival de Berlín del mismo año, premio otorgado conjuntamente con 'Bloody Sunday'.La última película de Miyazaki, 'The Boy and the Heron', logró en marzo pasado el Óscar al mejor filme de animación, aunque el veterano cineasta japonés, de 83 años, no acudió a la gala de Los Ángeles, ya que raramente sale de su país.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta 23 edición, en la que se ha seleccionado a 86 producciones entre 13.000 candidaturas, volverá a tener un marcado acento latino gracias, entre otros títulos, a 'Beacon'; un 'thriller' protagonizado por Bichir haciendo de misterioso farero junto a Julia Goldani Telles y escrito por el chileno Julio Rojas.Como representantes latinos también sobresalen Luna y García Bernal, directores ejecutivos en 'After the Movie', una conversación con los periodistas mexicanos Marcos Vizcarra y María de Jesús Peters, seleccionada en la categoría no competitiva de Spotlight+.El oficio periodístico mexicano también es retratado en el filme 'State of Silence', igualmente en Spotlight+, que se enfoca concretamente en el silenciamiento y los asesinatos de profesionales del sector por informar sobre corrupción y narcopolítica.El drama de los incendios en Chile, en documentalDentro del género documental, uno de los apartados más potentes en este reivindicativo certamen, figura la producción chilena 'Pirópolis', dirigida por Nicolás Molina y aún de mucha actualidad; pues, aunque versa sobre los incendios forestales en Valparaíso (Chile) de 2021, esta realidad se ha repetido este mismo año con fatales consecuencias.En la categoría de narrativa internacional, aparece el estreno mundial de 'The Dog Chief', coproducida con capital boliviano, chileno, mexicano y ecuatoriano, y dirigida por el chileno Vinko Tomičić Salinas, así como la uruguaya 'Don't You Let Me Go', una película de ciencia ficción de las cineastas Ana Guevara y Leticia Jorge.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Residente y su debut en el cineAunque saltó al circuito de festivales oficialmente en Sundance 2024, otro de los grandes alicientes hispanos de la cita es el estreno en Nueva York del drama 'In The Summers', en el que el rapero puertorriqueño René Pérez Joglar (Residente) debuta en el cine como un padre que trata de entender a sus hijas a través de momentos icónicos de diferentes veranos.Finalmente, bajo el paraguas de Viewpoint, apartado ahora en formato competitivo y que está dedicado a nuevos cineastas con miradas singulares, emerge 'Era Oculta' (Mozambique, Alemania y Colombia), sobre el artista rastafari Phambi y su hijo pequeño mientras tratan de salir adelante en la dinámica ciudad de Maputo.En la 23 entrega del festival de cine de Tribeca, que fue creado en 2002 por la productora Jane Rosenthal y el actor Robert De Niro para revitalizar el barrio de igual nombre tras el 11-S, también tendrán un papel muy relevante recientes proyectos de figuras como Lily Gladstone, Michael Cera y Jenna Ortega.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los salseros Tito Nieves y Gilberto Santa Rosa, así como Louis García, exdirector de la orquesta de Feliciano, y José Nogueras, autor de 'Amada Mía', el bolero más conocido del fenecido intérprete, resaltaron el poder de voz y el don de humildad del evocado."Yo creo que él no conocía de su grandeza. Fue una persona tan humilde", dijo Nieves sobre Feliciano, con quien trabajó en el último disco en el que participó antes de morir el 17 de abril de 2014 en San Juan, 'Salsa Giants', del productor y pianista puertorriqueño Sergio George.Su muerte consternó al mundo salseroFeliciano, uno de los integrantes de la famosa orquesta Las Estrellas de Fania, murió a sus 78 años cuando chocó su lujoso auto Jaguar contra un poste de cemento en el sector sanjuanero de Cupey, después de jugar casino en un hotel de la capital, a varios kilómetros de su residencia.Su fallecimiento consternó a toda la industria musical, específicamente a los integrantes del género tropical de la salsa, pues este representó para ellos un referente del ritmo, y un ejemplo de superación, ya que dejó atrás una adicción a las drogas que lo mantuvo fuera de la música por varios años."Cheo nunca se dio cuenta de quién fue de verdad", agregó, por su parte, Santa Rosa sobre la figura sencilla que representó Feliciano en la música entre sus seguidores.Santa Rosa describió a Feliciano como "el cantante de salsa que todos queremos ser", por su dominio en la interpretación en los géneros de la salsa, la rumba y el bolero, ubicándose en una categoría única entre los demás cantantes.Temas como 'Amada Mía', 'Anacaona', 'Mi Triste Problema', 'Sobre una tumba humilde', 'Juan Albañil' o 'El Ratón' son algunos de los más conocidos que grabó Feliciano.El bolero 'Amada Mía' es posiblemente uno de los temas más emblemáticos en la historia de la música latina, a cuyo compositor, el puertorriqueño José Nogueras, le dio un mayor reconocimiento en su carrera, por la oportunidad y confianza que le brindó Feliciano para grabar dicho éxito.Para Nogueras, las claves fueron la composición, que solo le tomó treinta minutos escribir en un papel -que todavía conserva y cuelga en el estudio de grabación en su hogar en San Juan-, junto con la voz de Feliciano y el arreglo del cubano Amado Vizoso.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una voz "muy peculiar""Cheo tiene un lugar en la historia como una de las primerísimas voces, pues era una voz muy peculiar. Fue un privilegio", agregó Nogueras, autor de algunas salsas como 'No me digas que es muy tarde ya', 'Casa pobre, casa grande' o 'Crecerá'.García, exdirector de la orquesta de Feliciano por unos 20 años, destacó que la calidad de voz del fenecido cantante se distinguió sobre los demás salseros porque era barítono, mientras que normalmente sus colegas cuentan con una voz más alta y finita."Como él, no hay nadie que interprete sus temas como hizo todos estos años. Era una persona que tenía esa capacidad de cantar boleros, temas lentos, de cantar la salsa, con esa capacidad rítmica...", resaltó García.Feliciano grabó más de una veintena de discos, entre ellos 'Cheo, 'Mi tierra y yo' y 'Estampas', y en 2008 recibió el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical por su contribución creativa de excepcional importancia artística.Para recordar algunas de las canciones más conocidas de la salsa, un grupo de músicos aficionados interpreta las mismas en la plaza pública de Ponce, ciudad de crianza del fenecido artista, al sur de Puerto Rico.En ese espacio, sábado tras sábado, uno de los integrantes del grupo luce en ocasiones una camiseta con los rostros de algunos de los salseros puertorriqueños más conocidos del mundo, mientras canta temas como 'El Ratón', escrita por Feliciano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.